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version définitive

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" Les anciens maîtres ont compris que les objets symboles peuvent attribuer un sens particulier aux compositions représentant la nature morte ou vivante, le portrait ou les scènes de genre, à tel point qu'un still leven va devenir un tableau religieux, une image du monde, dont le concept est décrit avec les objets"
À propos du tableau
Quelques exemples :
-la pomme renvoie à Adam et au péché originel,
-les cerises au Paradis,
-le raisin à l'incarnation du Sauveur et au mystère de l'Eucharistie,
-le calice de vin au sang versé par le Christ
-la noix est la chair tendre de Jésus sur le bois de la Croix,
-le citron, l'amertume de la Chute.
-le lys signifie la pureté, l'ancolie, la présence du Saint-Esprit,
-l'iris, la douleur,
-l'œillet, par homonymie (carnation), l'incarnation du Christ

la corruption de toute matière : la mouche, qui précède le ver de la pourriture, et les petits insectes d'une manière générale ; les pétales fanés ; les fruits abîmés ; les pierres lézardées ou les rebords de coupelles ébréchés ; les cordes rompues ;

la fuite du temps : le chronomètre ou la montre, la bougie consumée, le sablier, le crâne ou le squelette, la lampe à huile ;

la fragilité de la vie : crânes, bougies éteintes, fleurs fanées, miroirs, instruments de musique, fumée, bulle de savon, chenille, papillon (qui est aussi symbole de l'âme), verre brisé ou renversé ; objets en déséquilibre ;

la vanité des biens de ce monde : étoffes précieuses, coquillages, bijoux, pièces de monnaie, armes, couronnes et sceptres (richesse et pouvoir), livres, instruments scientifiques, bustes antiques ou tout objet d'art (connaissance), verres et vin, pipes, instruments de musique, cartes à jouer, dés (plaisirs) ;

la vérité de la résurrection et de la vie éternelle : épis de blé, couronnes de laurier, citations des Écritures ou des stoïciens qui soulignent l'inutilité des biens de ce monde sous forme de sentences : Vanitas vanitatum et omnia vanitas (" Vanité des vanités, tout est vanité "), "Toutes choses ont leur temps ", " Sorti nu du ventre de sa mère, il s'en retournera de même, et n'emportera rien avec lui du fruit de son labeur ". source

Quelques significations décodées des objets ...

Memento mori ...

" Une vanité est une catégorie particulière de nature morte dont la composition allégorique suggère que l'existence terrestre est vide, vaine, la vie humaine précaire et de peu d'importance. Très répandu à l'époque baroque, particulièrement en Hollande, ce thème de la vanité s'étend à des représentations picturales comprenant aussi des personnages vivants comme Les Ambassadeurs d'Holbein."

et aussi ceci -> Les Vanités 1 et 2

et ce blog très bien documenté -> Comprendre les vanités

D'autres symboles à découvrir :

Quelques ouvrages passionnants :
La nature et ses symboles
Le livres d'or des symboles
Attributs et symboles dans l'art profane : dictionnaire d'un langage perdu
aperçu-> ici

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Objets symboles en peinture. Vanités et Natures mortes

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" Les anciens maîtres ont compris que les objets symboles peuvent attribuer un sens particulier aux compositions représentant la nature morte ou vivante, le portrait ou les scènes de genre, à tel point qu'un still leven va devenir un tableau religieux, une image du monde, dont le concept est décrit

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Le mot " vanité " a plusieurs sens. Il désigne d'abord un défaut humain : l'orgueil. Ainsi une personne vaniteuse est prétentieuse, trop satisfaite d'elle-même. Le mot " vanité " a cependant une autre signification. Il vient en effet du mot latin " vanitas " de " vanus " signifiant " vain " c'est-à-dire ce qui est vide, creux, inutile et illusoire. Une " vanité " désigne par conséquent tout ce qui est frivole et insignifiant.

Les " Vanités " sont des oeuvres d'art qui nous rappellent que nous sommes mortels et que notre vie s'achèvera un jour. Il peut s'agir de tableaux, de sculptures ou même de bijoux.

Horace, un célèbre poète latin du Ier siècle avant Jésus-Christ écrit également, dans le même esprit : " Mangeons, buvons et soyons joyeux, car nous mourrons demain ". Cette fois, on le comprend, il s'agit moins de modérer une tendance à la prétention que d'inviter chacun à profiter de la vie. En ce sens, la pensée d'Horace se rapproche du célèbre adage romain : " Carpe diem ", c'est-à-dire " Cueille le jour " qu'on pourrait résumer ainsi : profite de la vie !

Le rappel de cette mort qui viendra achever chaque existence humaine est également présent dans l'Ancien Testament de la Bible, dans le livre appelé " L'Ecclésiaste " ou bien " Livre de Qohelet ". Cet homme se désigne comme étant " fils de David, roi de Jérusalem ". En latin, ce discours débute ainsi : " anitas vanitatum et omnia vanitas " Vanité des vanités, tout est vanité extraits sont donnés en bas de cette page ). Dans ce célèbre livre, il est indiqué entre autres qu' " il n'y a rien de nouveau sous le soleil " et qu' " il y a un temps pour tout ".

En vérité, de l'Antiquité à aujourd'hui, toutes les époques sont concernées par les Vanités !

Pourtant c'est particulièrement au 17e siècle qu'on a produit de nombreuses peintures de " Vanités " avec un traitement baroque ou bien classique, en France et dans toute l'Europe. Parmi les oeuvres célèbres françaises du 17e siècle, on peut citer (Le Caravage, vers 1602), (Philippe de Champaigne, vers 1650), (Georges de La Tour, 1640) et de nombreuses La Madeleine à la veilleuse de Simon Renard de Saint-André (1613-1677).

Plusieurs éléments se retrouvent souvent dans ces oeuvres d'art appelées " Vanités ". Ainsi la fuite du temps qui passe, la brièveté de la vie, sont évoquées par des sabliers, des bougies qui se consument ou des horloges. Le crâne, bien entendu, évoque la mort prochaine, du moins la mort qui ne manquera pas d'arriver un jour. Les effets du temps sont aussi souvent représentées à travers les fleurs (qui se fanent rapidement), les fruits (qui s'abiment), les pierres (qui se lézardent)...

Les plaisirs de la vie sont considérés comme " vains ". Ils ne sont que futiles et dérisoires au moment de mourir. Ainsi les " Vanités " présentent des éléments qui font référence aux sciences (par exemple des compas ou des globes), aux arts (la musique, la littérature, la peinture...), à la puissance et aux honneurs (pièces d'argent, médailles, bijoux...) et bien sûr à la beauté (miroir...).

En effet la beauté, la puissance, la richesse, la considération sociale... tout ceci ne dure pas éternellement !

Chapitre 1 : [ 1 ] Paroles de l'Ecclésiaste, fils de David, roi de Jérusalem. [ ] Vanité des vanités, dit l'Ecclésiaste, vanité des vanités, tout est vanité. [ 2 ] Quel avantage revient-il à l'homme de toute la peine qu'il se donne sous le soleil? [ 3 ] Une génération s'en va, une autre vient, et la terre subsiste toujours. [ ] Le soleil se lève, le soleil se couche; il soupire après le lieu d'où il se lève de nouveau. [ 4 ] Le vent se dirige vers le midi, tourne vers le nord; puis il tourne encore, et reprend les mêmes circuits. [ 5 ] Tous les fleuves vont à la mer, et la mer n'est point remplie; ils continuent à aller vers le lieu où ils se dirigent. [ ] Toutes choses sont en travail au delà de ce qu'on peut dire; l'œil ne se rassasie pas de voir, et l'oreille ne se lasse pas d'entendre. [ 6 ] Ce qui a été, c'est ce qui sera, et ce qui s'est fait, c'est ce qui se fera, il n'y a rien de nouveau sous le soleil. [ 7 ] S'il est une chose dont on dise: Vois ceci, c'est nouveau! cette chose existait déjà dans les siècles qui nous ont précédés. [ ] On ne se souvient pas de ce qui est ancien; et ce qui arrivera dans la suite ne laissera pas de souvenir chez ceux qui vivront plus tard. [ 8 ] Moi, l'Ecclésiaste, j'ai été roi d'Israël à Jérusalem. [ 9 ] J'ai appliqué mon cœur à rechercher et à sonder par la sagesse tout ce qui se fait sous les cieux: c'est là une occupation pénible, à laquelle Dieu soumet les fils de l'homme. [ ] J'ai vu tout ce qui se fait sous le soleil; et voici, tout est vanité et poursuite du vent. 10 11 12 13 14

Chapitre 3 : [ 1] Il y a un temps pour tout, un temps pour toute chose sous les cieux: [ 2] un temps pour naître, et un temps pour mourir; un temps pour planter, et un temps pour arracher ce qui a été planté; [ 3] un temps pour tuer, et un temps pour guérir; un temps pour abattre, et un temps pour bâtir; [ 4] un temps pour pleurer, et un temps pour rire; un temps pour se lamenter, et un temps pour danser; [ 5] un temps pour lancer des pierres, et un temps pour ramasser des pierres; un temps pour embrasser, et un temps pour s'éloigner des embrassements; [ 6] un temps pour chercher, et un temps pour perdre; un temps pour garder, et un temps pour jeter; [ 7] un temps pour déchirer, et un temps pour coudre; un temps pour se taire, et un temps pour parler; [ 8] un temps pour aimer, et un temps pour haïr; un temps pour la guerre, et un temps pour la paix.

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Le mot " vanité " a plusieurs sens. Il désigne d'abord un défaut humain : l'orgueil. Ainsi une personne vaniteuse est prétentieuse, trop satisfaite d'elle-même. Le mot " vanité " a cependant une autre signification. Il vient en effet du mot latin " vanitas " de " vanus " signifiant " vain " c'est-à-dire ce qui est vide, creux, inutile et illusoire.

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Des codes sont à l'œuvre dans la plupart des natures mortes. Les vanités ont porté ce principe à son paroxysme puisque aucun objet ne s'y produit " gratuitement ". Le plus souvent parfaitement compréhensible aux spectateurs de l'époque, familiers des symboles religieux ou moraux en usage, ce langage a cessé de nous être accessible.

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Alexandre CABANEL (1823 - 1889)

Alexandre CABANEL (1823 - 1889)

Baronne Nathaniel de Rothschild.

Jean-Léon GEROME (1824 - 1904)

Léon BONNAT (1833 - 1922)

L'art pompier, un art officiel

http://www.histoire-image.org/etudes/art-pompier-art-officiel

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Le système des beaux-arts

Au XIXe siècle, le système académique en place depuis le règne de Louis XIV continue à régenter la vie artistique. Aucun artiste ne peut lui échapper, qu'il soit ou non passé par l'École des beaux-arts. Placée sous le contrôle des membres de l'Académie des beaux-arts, créée en 1816, l'École assure la prééminence des préceptes du classicisme : le dessin et la copie d'œuvres demeurent les deux moyens privilégiés d'accès aux arts, et l'Antiquité reste la référence absolue.

Pour apprendre à rendre les formes, les élèves de l'École pratiquaient le dessin d'après nature ou d'après l'antique, formation pratique qu'ils complétaient au sein d'ateliers privés ou bien au Louvre. Leur cursus académique était sanctionné par plusieurs types d'épreuves, la plus prestigieuse étant le concours du prix de Rome dont les sujets étaient empruntés à l'histoire ancienne, mythologique ou biblique. Les lauréats effectuaient un séjour de quelques années à l'Académie de France à Rome. Durant leur pensionnat, ils continuaient d'être soumis à la tutelle de l'Académie, à laquelle ils devaient faire plusieurs envois, tandis qu'ils se consacraient à l'étude des œuvres de l'Antiquité et de la Renaissance italienne. Triomphalement accueillis à leur retour en France, ils étaient assurés d'une glorieuse carrière. Souvent, ils étaient submergés de travail, entre les envois qu'ils devaient faire pour être admis à exposer au Salon annuel et les commandes auxquelles ils devaient répondre, qui émanaient aussi bien de riches particuliers que de l'État lui-même. Le public se passionnait pour ces artistes académiques qui, fidèles à l'esthétique " pompiériste " officielle, ont bénéficié de tous les honneurs durant la plus grande partie du XIXe siècle.

Un art officiel

Alexandre Cabanel (1823-1899), lauréat en 1845 d'un second prix de Rome et professeur à l'École des beaux-arts, acquit la célébrité avec cette Naissance de Vénus qu'il a présentée au Salon de 1863, toile que l'empereur Napoléon III acheta immédiatement pour sa collection personnelle. S'il n'a pas toujours remporté l'adhésion des critiques, ce nu féminin d'un grand érotisme n'en a pas moins obtenu un vif succès parmi les visiteurs du Salon. Grâce à ses tons pastel et à une technique savante qui l'inscrit dans la plus pure tradition académique, le peintre l'a en effet voilé des attraits de la mythologie, à la différence du Déjeuner sur l'herbe de Manet, présenté la même année au Salon des refusés et jugé beaucoup plus trivial. Cette œuvre marque le début de la carrière officielle du peintre, tout dévoué à la bourgeoisie régnante.

Napoléon III a commandé plusieurs toiles à Alexandre Cabanel, rapidement devenu un familier de la cour impériale. En 1865, le peintre envoie au Salon ce portrait officiel en pied où l'empereur pose avec un certain naturel en habit de soirée, le torse barré du large ruban rouge de la Légion d'honneur. Disposés près de lui sur une table, les insignes officiels de la souveraineté, la couronne, le manteau d'hermine et la main de justice, apportent de la solennité à la scène. Très prisé du couple impérial, ce tableau prit place dans le cabinet de travail de l'impératrice Eugénie aux Tuileries.

À la même époque, un autre artiste fut également couvert d'honneurs : Jean-Léon Gérôme (1824-1904), chef de file du style néogrec et du courant hyperréaliste, nommé professeur à l'École des beaux-arts en 1864 puis membre de l'Institut. Parmi le petit nombre de portraits qu'il réalisa durant sa longue carrière, celui de la baronne Nathaniel de Rothschild, daté de 1866, représente une figure de la grande bourgeoisie parisienne. Attirée par les arts plastiques, Charlotte de Rothschild pratiquait l'aquarelle et exposait régulièrement ses œuvres au Salon. Elle rassembla également une collection très éclectique, et c'est pour évoquer cette facette de la baronne que Gérôme a choisi de la représenter dans son luxueux intérieur. Comme dans le portrait de la mère de cette dernière, peint par Ingres, l'un des maîtres de Gérôme, le modèle se tient devant une cheminée ornée d'objets précieux et de plusieurs toiles. En même temps qu'elles reflètent l'esthétique dominante, la manière très lisse du peintre et la précision avec laquelle il représente le cadre de vie de la baronne témoignent de son intérêt ethnographique pour la façon dont les gens vivaient, qu'ils soient ses contemporains ou qu'ils appartiennent au passé.

L'art pompier : un art longtemps déprécié

Cette esthétique dominante, où l'exactitude le dispute à la profusion de détails et à la trop grande richesse de la palette, lui valut très tôt le qualificatif péjoratif de " pompier ". L'origine de ce terme est mystérieuse : il dérive tantôt des personnages des tableaux de David, qui ressemblent aux sapeurs-pompiers des années 1830, tantôt du caractère arrogant, pompeux des toiles de l'époque. Selon celui qui l'emploie, le mot désigne tour à tour la technique picturale trop lisse, trop soignée, l'accumulation baroque de détails insignifiants, la saturation des couleurs vives, la recherche du sensationnel, l'adoption d'un faux idéal classique et l'attachement excessif et servile aux théories du classicisme. D'une manière générale, il vise l'art académique officiel qui règne sans partage au XIXe siècle et dont les représentants sont formés et récompensés par les grandes institutions étatiques, École des beaux-arts, Académie, Salon.

Les courants de l'art moderne, en premier lieu l'impressionnisme, se sont constitués en réaction à cette omniprésence de l'art pompier. Le conflit entre l'art académique et les impressionnistes éclate en 1863, lorsque Napoléon III se voit contraint d'ouvrir un Salon où les œuvres refusées par le jury du Salon officiel pourront être exposées. Avec la naissance du Salon des refusés, la scission est consommée entre les tenants de l'art académique et les artistes novateurs.

Durant la majeure partie du XXe siècle, l'art pompier continue de faire l'objet d'une dépréciation sous la plume des critiques, qui y voient l'incarnation du mauvais goût du XIXe siècle. Ce n'est que depuis les années 1970 qu'il est progressivement réévalué (ce dont témoigne notamment l'ouverture, en 1986, du musée d'Orsay) et que l'on reconnaît l'influence du système académique sur la formation des courants et des avant-gardes qui prendront sa suite.

Pour en savoir plus sur La Naissance de Vénus de Cabanel, rendez-vous sur le site Panorama de l'art

Laurence DES CARS, Dominique DE FONT-RÉAULX et Édouard PAPET (dir.), catalogue de l'exposition Jean-Léon Gérôme (1824-1904).
L'histoire en spectacle, musée d'Orsay, Paris, 19 octobre 2010-23 janvier 2011, Paris, Musée d'Orsay-Skira-Flammarion, 2010.
Philippe GRUNCHEC, catalogue de l'exposition Les Concours des Prix de Rome, 1797-1863, École nationale supérieure des beaux-arts, 8 octobre-14 décembre 1986, Paris, É.N.S.B.A., 1986.
James HARDING, Les Peintres pompiers.
La peinture académique en France de 1830 à 1880, Paris, Flammarion, 1980.
Louis-Marie LECHARNY, L'Art pompier, Paris, P.U.F., coll. " Que sais-je ? ", 1998.
Cécile RITZENTHALER, L'École des beaux-arts du XIXe siècle.
Les pompiers, Paris, Mayer, 1987.

Charlotte DENOËL, " L'art pompier, un art officiel ", Histoire par l'image [en ligne], consulté le 24 Avril 2017. URL : http://www.histoire-image.org/etudes/art-pompier-art-officiel

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L'art pompier, un art officiel | L'histoire par l'image

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Le système des beaux-arts Au XIXe siècle, le système académique en place depuis le règne de Louis XIV continue à régenter la vie artistique. Aucun artiste ne peut lui échapper, qu'il soit ou non passé par l'École des beaux-arts.

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2ieme version

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1er version

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Анри Фантен-Латур (фр. Henri Fantin-Latour) (14 января 1836, Гренобль - 25 августа 1904, Буре, Орне) - французский художник и литограф.

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doc 15 minutes sa vie son oeuvre

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Exposition "Fantin Latour. À fleur de peau" au Musée du Luxembourg - Reportage (13/09/2016)

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au grand palais

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Artiste atypique porteur de toute la modernité du XIXème, Fantin-Latour n'a pas fini de vous étonner ! Reconnu assez tardivement par ses pairs, peu enclin au compromis, il s'impose par la simple conviction de son talent.