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Fouad Boussouf : "C'est l'expression des corps qui compte !"

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Les 3T - scène conventionnée art et création

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Oüm｜Le Phare - CCN du Havre Normandie | Fouad Boussouf

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Dimitri Chamblas - takemehome - Maison de la Danse Lyon

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Entretien avec Dimitri Chamblas autour de takemehome

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Dirigé depuis juillet 2011 par Petter Jacobsson, le Centre Chorégraphique National - Ballet de Lorraine est dédié aux écritures chorégraphiques contemporaines depuis l’obtention du label de CCN en 1999.
Le CCN – Ballet de Lorraine, et ses 24 danseurs, forment ainsi l’une des compagnies chorégraphiques contemporaines de création et de répertoire les plus importantes d’Europe, présentant des œuvres marquantes de chorégraphes majeurs.

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Entretien avec Maud Le Pladec - La Villette

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Entretien avec Maud Le Pladec sur sa pièce “Static Shot”, à La Villette du 5 au 7 mai 2025.

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Maud Le Pladec, chorégraphe : “La danse est l’art le plus vivant du monde”

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La chorégraphe Maud Le Pladec reprend sa création “Static Shot”, interprétée par les danseurs du Ballet de Lorraine. Un spectacle pensé à partir d’images cinématographiques, à la fois pop et abstrait, qui joue avec le son, l’espace et le temps, dans un crescendo permanent.

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L'après-midi d'un Faune de Nijinsky interprété par Rudolf Noureev

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L'après-midi d'un Faune de Nijinsky interprété par Rudolf Noureev

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Nijinsky and Rudolph Nureyev  L'apres midi d'un Faune

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L’APRÈS-MIDI
D’VN
FAVNE

Églogue
par
STÉPHANE MALLARMÉ

LE FAVNE

Ces nymphes, je les veux perpétuer.

Si clair,
Leur incarnat léger, qu’il voltige dans l’air
Assoupi de sommeils touffus.

Aimai-je un rêve ?

Mon doute, amas de nuit ancienne, s’achève
En maint rameau subtil, qui, demeuré les vrais
Bois mêmes, prouve, hélas ! que bien seul je m’offrais
Pour triomphe la faute idéale de roses —

Réfléchissons…

ou si les femmes dont tu gloses

Figurent un souhait de tes sens fabuleux !
Faune, l’illusion s’échappe des yeux bleus
Et froids, comme une source en pleurs, de la plus chaste :
Mais, l’autre tout soupirs, dis-tu qu’elle contraste
Comme brise du jour chaude dans ta toison ?
Que non ! par l’immobile et lasse pamoison
Suffoquant de chaleurs le matin frais s’il lutte,
Ne murmure point d’eau que ne verse ma flûte
Au bosquet arrosé d’accords ; et le seul vent
Hors des deux tuyaux prompt à s’exhaler avant
Qu’il disperse le son dans une pluie aride,
C’est, à l’horizon pas remué d’une ride,
Le visible et serein souffle artificiel
De l’inspiration, qui regagne le ciel.

Ô bords siciliens d’un calme marécage
Qu’à l’envi des soleils ma vanité saccage,
Tacites sous les fleurs d’étincelles, CONTEZ
» Que je coupais ici les creux roseaux domptés
» Par le talent ; quand, sur l’or glauque de lointaines
» Verdures dédiant leur vigne à des fontaines,
» Ondoie une blancheur animale au repos :
» Et qu’au prélude lent où naissent les pipeaux,
» Ce vol de cygnes, non ! de naïades se sauve
» Ou plonge…
Inerte, tout brûle dans l’heure fauve

Sans marquer par quel art ensemble détala
Trop d’hymen souhaité de qui cherche le la :
Alors m’éveillerais-je à la ferveur première,
Droit et seul, sous un flot antique de lumière,
Lys ! et l’un de vous tous pour l’ingénuité.

Autre que ce doux rien par leur lèvre ébruité,
Le baiser, qui tout bas des perfides assure,
Mon sein, vierge de preuve, atteste une morsure
Mystérieuse, due à quelque auguste dent ;
Mais, bast ! arcane tel élut pour confident
Le jonc vaste et jumeau dont sous l’azur on joue :
Qui, détournant à soi le trouble de la joue,
Rêve, en un long solo, que nous amusions
La beauté d’alentour par des confusions
Fausses entre elle-même et notre chant crédule ;
Et de faire aussi haut que l’amour se module
Évanouir du songe ordinaire de dos
Ou de flanc pur suivis avec mes regards clos,
Une sonore, vaine et monotone ligne.

Tâche donc, instrument des fuites, ô maligne
Syrinx, de refleurir aux lacs où tu m’attends !
Moi, de ma rumeur fier, je vais parler longtemps

Des déesses ; et, par d’idolâtres peintures,
À leur ombre enlever encore des ceintures :
Ainsi, quand des raisins j’ai sucé la clarté,
Pour bannir un regret par ma feinte écarté,
Rieur, j’élève au ciel d’été la grappe vide
Et, soufflant dans ses peaux lumineuses, avide
D’ivresse, jusqu’au soir je regarde au travers.

Ô nymphes, regonflons des souvenirs divers.
» Mon œil, trouant les joncs, dardait chaque encolure
» Immortelle, qui noie en l’onde sa brûlure
» Avec un cri de rage au ciel de la forêt ;
» Et le splendide bain de cheveux disparaît
» Dans les clartés et les frissons, ô pierreries !
» J’accours ; quand, à mes pieds, s’entrejoignent (meurtries
» De la langueur goûtée à ce mal d’être deux)
» Des dormeuses parmi leurs seuls bras hazardeux :
» Je les ravis, sans les désenlacer, et vole
» À ce massif, haï par l’ombrage frivole,
» De roses tarissant tout parfum au soleil,
» Où notre ébat au jour consumé soit pareil.
Je t’adore, courroux des vierges, ô délice
Farouche du sacré fardeau nu qui se glisse
Pour fuir ma lèvre en feu buvant, comme un éclair
Tressaille ! la frayeur secrète de la chair :
Des pieds de l’inhumaine au cœur de la timide

Que délaisse à la fois une innocence, humide
De larmes folles ou de moins tristes vapeurs.
» Mon crime, c’est d’avoir, gai de vaincre ces peurs
» Traîtresses, divisé la touffe échevelée
» De baisers que les dieux gardaient si bien mêlée ;
» Car, à peine j’allais cacher un rire ardent
» Sous les replis heureux d’une seule (gardant
» Par un doigt simple, afin que sa candeur de plume
» Se teignît à l’émoi de sa sœur qui s’allume,
» La petite, naïve et ne rougissant pas :)
» Que de mes bras, défaits par de vagues trépas,
» Cette proie, à jamais ingrate, se délivre
» Sans pitié du sanglot dont j’étais encore ivre.

Tant pis ! vers le bonheur d’autres m’entraîneront
Par leur tresse nouée aux cornes de mon front :
Tu sais, ma passion, que, pourpre et déjà mûre,
Chaque grenade éclate et d’abeilles murmure ;
Et notre sang, épris de qui le va saisir,
Coule pour tout l’essaim éternel du désir.
À l’heure où ce bois d’or et de cendres se teinte
Une fête s’exalte en la feuillée éteinte :
Etna ! c’est parmi toi visité de Vénus
Sur ta lave posant ses talons ingénus,
Quand tonne un somme triste ou s’épuise la flamme.

Je tiens la reine !

Ô sûr châtiment…

Non, mais l’âme

De paroles vacante et ce corps allourdi
Tard succombent au fier silence de midi :
Sans plus il faut dormir en l’oubli du blasphème,
Sur le sable altéré gisant et comme j’aime
Ouvrir ma bouche à l’astre efficace des vins !

Couple, adieu ; je vais voir l’ombre que tu devins.

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En référence à la menace  du Président chinois Xi Jinping aux manifestants hongkongais, any attempt will end in crushed bodies and shattered bones  — « toute tentative se soldera par des corps broyés et des os brisés » —  s’inspire des marches de protestation qui se multiplient depuis quelques années : Black Lives Matter, Gilets jaunes, Youth for Climate…  Jan Martens questionne notre immobilité face aux enjeux climatiques ou  sociétaux et sa mutation en un acte de résistance et de rébellion. Avec une obsession : sortir du rang auquel chacun est assigné, écrire une  danse avec des identités multiples, faire du plateau l’espace d’une possible démocratie. Il crée un « corps de ballet » atypique de dix-sept interprètes qui transcende les générations, de 17 à 70 ans, tous engagés dans une expérience faite de tensions et de joie. Soutenue par une bande-son dont le point d’orgue est la musique d’Henryk Górecki, la danse s’impose dans un hymne à la diversité, une humanité bouleversante et libérée !

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any attempt will end in crushed bodies and shattered bones

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 Le titre de la pièce à lui seul est un choc ! En référence à la menace  du Président chinois Xi Jinping aux manifestants hongkongais, any attempt will end in crushed bodies and shattered bones  — « toute tentative se soldera par des corps broyés et des os brisés » —  s’inspire des marches de protestation qui se multiplient depuis quelques années : Black Lives Matter, Gilets jaunes, Youth for Climate…  Jan Martens questionne notre immobilité face aux enjeux climatiques ou  sociétaux et sa mutation en un acte de résistance et de rébellion.

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La Minute du spectateur (2022) : Jan Martens

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La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.
Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.   © Maison de la Danse de Lyon

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Rennes : "10 000 gestes" la nouvelle création de Boris Charmatz dansée au TNB

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La Minute du spectateur (2022) : Boris Charmatz

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La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.
Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.   © Maison de la Danse de Lyon

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Tout savoir sur le waacking avec Ari De B

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À propos de la recherche

D.I.S.C.O

(Don't Initiate Social Contact with Others)
Une création pour 8 danseuses/danseurs et une DJ

" La création D.I.S.C.O. arrive à un moment particulier de ma vie : la perte successive de proches, deux confinements et la sortie encore incertaine d'une pandémie mondiale.

Rencontrer l'autre, échanger, se connecter, dans la rue, en appartement ou dans un club étaient interdits. Les rassemblements afin d'enterrer dignement nos morts étaient proscrits. De cette période trouble, le traumatisme est encore présent, mais l'envie de vivre est plus forte que tout. Le besoin vital de faire la fête et de retrouver ma communauté Waacking devient alors viscérale.

Le Waacking sous sa forme originelle apparaît comme la réponse à mon urgence de vivre : clubbing, social dance, paillettes, glamour et extravagance. Retrouver la vie nocturne et ses lieux chaleureux et hétéroclites. L'occasion pour moi de vivre, le temps d'un soir, un " défoulement " total. Comme une sorte de revanche sur toutes les privations et le sentiment d'impuissance et d'enfermement dont on a tous été victime.

Aujourd'hui, les clubs ont réouvert leurs portes et repris leurs activités, mais sous quelle forme ? Comment allons-nous appréhender cet espace et vivre la " nightlife " ? Comment toutes les restrictions sanitaires encore partiellement de rigueur, vont cohabiter avec l'énergie collective des clubs ?

Avec D.I.S.C.O, je tente de répondre à ces questions et d' imaginer une nouvelle manière d'appréhender le dancefloor, et plus largement, la vie. "

Josépha Madoki

Josépha Madoki continue son travail de recherche et d'exploration autour de l'esthétique Waacking avec D.I.S.C.O.

Dans cette création, elle revient à l'essence de cet art né dans les clubs gays de Los Angeles : social dance, folie, chic, glamour et outrance sont alors au rendez-vous.

D.I.S.C.O. représente ici deux énergies totalement ambivalentes : la première étant un acronyme imaginé par Josépha Madoki : " Don't Initiate Social Contact with Others ". Un rappel que les interdictions liées à la crise sanitaire légifèrent encore nos vies.
La seconde, pour parler du genre musical disco, né dans les années 70, et qui évoque pour tous : liberté, sexualité, contact, optimisme. Que reste-t-il de ces espaces libératoires aujourd'hui, dans le contexte moral de notre société, et avec l'expérience que " l'autre " peut représenter une menace sanitaire ?

A travers D.I.S.C.O., Josépha Madoki célèbre la vie et imagine le monde du clubbing post-Covid tout en regardant notre société contemporaine dans le miroir des années 1970.

Neuf danseuses et danseurs se réapproprient progressivement le dancefloor porté par la présence d'une DJ en live. Le club, cet espace de convivialité, d'échange et de proximité va-t-il pouvoir être vécu de la même manière qu'auparavant ?

Plongeant à la fois, ses danseurs et le public, dans l'univers du clubbing, Josépha Madoki nous invite à vivre une expérience D.I.S.C.O. unique.

Madoki, Josépha

Josépha "Princess" Madoki,

Chorégraphe, Directrice Artistique, Danseuse

Josépha Madoki aussi connu sous le nom de " Princess Madoki " découvre la danse hip hop à l'adolescence et se passionne très vite pour la scène. En 2003, elle intègre l'Académie Internationale de Danse (Paris) ou elle se forme aux techniques classique, contemporaine et jazz. Elle développe alors une gestuelle qui lui est propre, mélangeant ses influences hip hop, afro et contemporaine.

Son travail de chorégraphe démarre en 2010 avec sa Compagnie Madoki et un premier solo Mes mots sont tes maux qui obtient le Prix Paris Jeunes Talents 2010.

Elle collabore en tant que danseuse/interprète sur des projets éclectiques, avec des chorégraphes venant d'univers différent tels que : Damien Jalet (Film Suspiria de Luca Guadagnino), Wayne Mc Gregor (Comédie Musicale Kirikou et Karaba), mais aussi Pierre Rigal, Ousmane "Baba" Sy, Robyn Orlyn...

En 2016, Josépha Madoki intègre la Compagnie Eastman / Sidi Larbi Cherkaoui et danse dans des pièces tel que Babel 7.16, l'Opéra Satyagraha (Basel/ Suisse), l'Opéra Alceste (Munich/Allemagne) ou encore Stoic (Göteborg/ Suède).

Toujours avec Sidi Larbi Cherkaoui, elle collabore avec la star internationale Beyoncé, dans le clip tourné au Musée du Louvre Apeshit, et également dans les clips Spirit et Bigger (bande originale du film Le Roi lion).

Josépha Madoki est aussi chorégraphe et directrice artistique pour divers artistes et grandes marques telles que Givenchy, Gims, Undiz, Lous and the Yakuza, Angélique Kidjo...

"Princess Madoki", son nom de waackeuse, est spécialiste d'une danse qui se développe de plus en plus en France : Le Waacking.

Elle est souvent invitée à juger et participer à différents battles internationaux.

Princess Madoki déroule un palmarès impressionnant : "Just Battle" (China 2019), "Pay the Cost To Be The Boss" (France 2019), "Hot Mess" (Canada 2018), "Waack it Out" (Italie 2018), "Werk the Floor London Crew Contest" (Angleterre 2017)...

Elle transmet ses connaissances du Waacking à travers des stages et conférences dans le monde entier (Chine, Japon, Kazakhstan, Russie...).

En 2016, Princess Madoki co-fonde le 1er collectif de Waacking français Ma Dame Paris, et crée les 2 pièces Waackez-vous Français ? et Oui et vous ?

En 2019, elle passe a une nouvelle étape dans sa carrière en créant un festival à Paris et Moscou autour de la culture Waacking, le All Europe Waacking Festival. Une autre occasion de mettre le Waacking à l'honneur et le faire connaître à un large public.

Toutes ces expériences font d'elle l'artiste plurielle qu'elle est aujourd'hui.

Source : Site internet de la compagnie Madoki

D.I.S.C.O

Chorégraphie : Josépha Madoki aka Princess Madoki

Interprétation : Rémi Bajramie aka Waabee, Daniela Barbieri, Suzanne Degennaro, Manon Del Colle aka Poupie Velvet, Célia Derrahi, Mario Dúran, Oumrata Konan, Paul Moscoso aka Paul de Saint Paul, Mathis Saïd

Lumières : Florent Ecrohart

Costumes : Mario Faundez

Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Compagnie Madoki ; Production déléguée : camin aktion ; Co-production : La Villette - Paris | Compagnie DCA (La Chaufferie) | Points communs - Nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise / Val d'Oise | La Place | Espace 1789 de Saint-Ouen, scène conventionnée de Saint-Ouen | Centre de la danse Pierre Doussaint, GPS&O, Les Mureaux | CCN de Créteil et du Val-de-Marne/Cie Käfig | Compagnie DYPTIK

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : Séquence

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(Don't Initiate Social Contact with Others) Une création pour 8 danseuses/danseurs et une DJ " La création D.I.S.C.O. arrive à un moment particulier de ma vie : la perte successive de proches, deux confinements et la sortie encore incertaine d'une pandémie mondiale.

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Tout savoir sur Angelin Preljocaj en moins de 3 minutes

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Tout savoir sur Angelin Preljocaj en moins de 3 minutes

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La Minute du Spectateur

La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.

Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.
© Maison de la Danse de Lyon

Preljocaj, Angelin

Né en France en 1957, de parents albanais, Angelin Preljocaj débute des études de danse classique avant de se tourner vers la danse contemporaine auprès de Karin Waehner.
En 1980, il part pour New York afin de travailler avec Zena Rommett et Merce Cunningham, puis continue ses études en France auprès de la chorégraphe américaine Viola Farber et du français Quentin Rouillier. Il rejoint ensuite Dominique Bagouet jusqu'à la création de sa propre compagnie en décembre 1984. Il a chorégraphié depuis 50 pièces, du solo aux grandes formes. Angelin Preljocaj s'associe régulièrement à d'autres artistes dans des domaines divers tels que la musique (Goran Vejvoda, Air, Laurent Garnier, Granular Synthesis, Karlheinz Stockhausen), les arts plastiques (Claude Lévêque, Subodh Gupta, Adel Abdessemed), le design (Constance Guisset), la mode (Jean Paul Gaultier, Azzedine Alaïa), le dessin (Enki Bilal) et la littérature (Pascal Quignard, Laurent Mauvignier)...

Ses créations sont reprises au répertoire de nombreuses compagnies, dont il reçoit également des commandes, c'est le cas notamment de " La Scala " de Milan, du New York City Ballet et du Ballet de l'Opéra national de Paris. Il a réalisé des courts-métrages (" Le postier ", " Idées noires " en 1991) et plusieurs films, notamment " Un trait d'union " et " Annonciation " (1992 et 2003). En 2009, il réalise le film " Blanche Neige " et en 2011 il signe, pour Air France, le film publicitaire " L'Envol ", qui reprend la chorégraphie du Parc. Il a également collaboré à plusieurs réalisations cinématographiques mettant en scène ses chorégraphies : " Les Raboteurs " avec Cyril Collard d'après l'œuvre de Gustave Caillebotte en 1988, " Pavillon Noir " avec Pierre Coulibeuf en 2006 et " Eldorado / Preljocaj " avec Olivier Assayas en 2007.

Aujourd'hui composé de 24 danseurs permanents, le Ballet Preljocaj est installé depuis octobre 2006 au Pavillon Noir à Aix-en-Provence, un lieu entièrement dédié à la danse dont Angelin Preljocaj est le directeur artistique. Sa dernière création "La Fresque" a été présentée au Grand Théâtre de Provence du 20 au 24 septembre 2016. Réalisé avec Valérie Müller, le premier long-métrage d'Angelin Preljocaj, "Polina", danser sa vie, adapté de la bande-dessinée de Bastien Vivès, est sorti en salle en novembre 2016.

Source : Ballet Preljocaj ⎜Pavillon Noir

En savoir plus : preljocaj.org

Plasson, Fabien

Fabien Plasson est réalisateur, principalement dans le domaine du spectacle vivant (danse, musique, etc.).

C'est au cours de sa formation à l'École Nationale Supérieur des Beaux-Arts de Lyon qu'il intègre en 1995 que Fabien découvre l'art vidéo. Il se forme alors auprès de divers artistes vidéastes (Joël Bartoloméo, Pascal Nottoli, Eric Duyckaerts, etc).
Son approche s'inscrit d'abord dans une recherche plastique avec la création d'installations et d'objets filmiques.

En 2001, il rejoint l'équipe de la Maison de la Danse de Lyon et s'occupe durant 10 ans de la programmation du Vidéo-Bar Ginger&Fred. Il découvre alors l'univers chorégraphique et les enjeux de la vidéo pour la diffusion et la transmission de la danse aux côtés de Charles Picq alors vidéaste et directeur du service vidéo de la Maison de la Danse.

En parallèle, il continue son activité de création plastique, réalise des vidéos de concerts, de pièces de théâtre et crée également des décors vidéos pour le spectacle vivant.

Aujourd'hui, Fabien Plasson est réalisateur vidéo au Pôle Image de la Maison de la Danse de Lyon et pour Numeridanse.tv, vidéothèque internationale de danse en ligne.

Source : Maison de la Danse, Fabien Plasson

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La Minute du spectateur (2022) : Angelin Preljocaj

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La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre. Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.

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Concept, artistic direction, creation and choreography : SARAH BALTZINGER 
Co-creation and choreographic assistance : ISAIAH WILSON
Co-creation and performance : CHIARA CORBETTA, SHYNNA KALIS, MARIE LÉVÉNEZ, CLARA-LOU MUNIÉ, OCÉANE ROBIN TORRENT 
Sound composition : GUILLAUME JULLIEN
Dramaturgy : AMANDINE TRUFFY, ISAIAH WILSON, SARAH BALTZINGER 
Background research : ALEXANDRA JOLY, SARAH BALTZINGER 
Assistant and repetitor : BRIAN CA
Lighting design and stage management : THIBAULT DUBOURG
Set design : MANON TERRANOVA
Body sculptures : MANUELA BENAIM 

Administration and production : THÉO BERGER
International distribution : VICENÇ MAYANS, PALOSANTO PROJECTS 
Press agent : GODEFROY GORDET
Camera man : WILFRIED HABEREY
Editing : ISAIAH WILSON
Intern : EMA BERTAUD


PARTNERS :
Co-producers :
» Grand Théâtre, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
» Arsenal, Cité Musicale-Metz
» TROIS C-L, Centre de Création Chorégraphique Luxembourgeois
» Festival Faits D’Hiver (Micadanses), Paris

Supports :
» CN D, Centre National de la Danse, Lyon
» Compagnie La Baraka
» Chapelle Chorégraphique d’Annonay
» Théâtre des Cordeliers, Annonay
» Ministère de la Culture, Luxembourg
» Kultur LX, Luxembourg
» Drac Grand Est
» Région Grand Est
» Département de la Moselle
» Ville de Metz
» Caisse des Dépôts et Consignations
» Spedidam
» Fondation Indépendance

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La pièce : projet et processus de création

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La pièce : projet et processus de création

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"Reconnue comme l’une des plus importantes créatrices actuelles, la chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker a créé, avec sa compagnie Rosas, un répertoire considérable qui explore les relations entre danse et musique. Virtuosité, courses folles, tracés complexes, tensions et accélérations caractérisent une écriture chorégraphique basée sur les principes formels de la géométrie. Pour Mystery Sonatas / for Rosa, la chorégraphe s’empare des Sonates du Mystère, œuvre majeure du compositeur baroque autrichien Heinrich Ignaz Franz von Biber composée en 1676. Chef-d’œuvre sur l’art du violon et illustration du triomphe de la musique baroque, les quinze sonates retracent les mystères sacrés de la vie de Marie et Jésus. Fascinée par sa complexité narrative et sa richesse musicale, Anne Teresa De Keersmaeker transpose la partition en une chorégraphie faite de mouvements précis et aériens, de combinaisons déroutantes et épurées, autour de la figure de la rose, emblème du secret et du mystère. Sur scène, six interprètes exceptionnels dansent sur une bande-son exécutée par des musiciens de haut vol, la violoniste Amandine Beyer et son ensemble Gli Incogniti. Emportés dans une énergie fusionnelle, ils délivrent un flot enivrant de variations musicales et dansées !"

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Anne Teresa De Keersmaeker - Mystery Sonatas / for Rosa

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La Minute du spectateur de Anne Teresa de Keersmaeker - Maison de la Danse Lyon

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commande de la part du CCN - Ballet de Lorraine
Pièce pour 25 interprètes

J'aimerais construire la pièce Decay comme un grand ralentissement généralisé et partagé par les 25 danseurs du ballet. Je pense à la distance de freinage de l'avion sur sa piste d'atterrissage, à l'inertie du paquebot en face de l'iceberg, à l'urgence d'inverser le cours des choses. Decay, c'est le déclin du jour, de la course vaine, du temps qui passe, c'est le jardinier qui regarde l'éclosion des fleurs et leur putréfaction, lente et progressive, dans le moindre détail, c'est l'atomisation du mouvement. Devenu aussi dilaté qu'après l'amour, qu'un long rire, dans l'inertie de la pensée, de l'ennui, la sueur après l'effort qui n'est plus à fournir.

> DIFFUSION <

* 2, 3, 4 & 6 mars 2022 - Opéra national de Lorraine, Nancy (54)
La création sera présentée dans le cadre d'une soirée partagée avec la pièce de Trisha Brown, Twelve Ton Rose, créée en 1996, sur une musique d'Anton Webern.
tournées 22-23
* 2 mars 2023 - L'Arsenal, Cité Musicale-Metz (57)
* 4 mai 2023 -le phénix, scène nationale, Valenciennes (59)

> SÉLECTION PRESSE <

" Dans Decay, tout ralentit et se délite. Conférant à la scène une dimension picturale, un spot blanc qui s'est décroché du plafond balaye les corps et laisse une douce apocalypse envahir le plateau." Mouvement * Belinda Mathieu, 08 mars 2022

"Tatiana Julien fait mieux que relever le défi. Elle offre avec Decay sa pièce la plus aboutie " Danses avec la plume * Jean-Frédéric Saumont, 11 mars 2022

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J'aimerais construire la pièce Decay comme un grand ralentissement généralisé et partagé par les 25 danseurs du ballet. Je pense à la distance de freinage de l'avion sur sa piste d'atterrissage, à l'inertie du paquebot en face de l'iceberg, à l'urgence d'inverser le cours des choses.

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Programme 2 : Twelve Ton Rose / Trisha Brown

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2, 3, 4 mars à 20h / 6 mars à 15h
Opéra national de Lorraine


Chorégraphie : Trisha Brown
Musique : Anton Webern
Interprétation live : Musiciens de l'Opéra national de Lorraine

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Trisha Brown, pionnière de la post-modern dance

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Requiem, la mort joyeuse - Les coulisses de la création pt2

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Histoire de la danse baroque par B. Massin

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Histoire de la danse baroque par B. Massin

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La danse baroque, c'est quoi ? Avec Béatrice Massin - Culture Prime

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Requiem, la mort joyeuse - Les coulisses de la création pt1

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Grande leçon Béatrice Massin

Danser baroque c'est avant tout " faire corps " avec une musique. Le corps dansant est d'une matière généreuse et ample, à l'image de la peinture et de la sculpture baroques. La précision du geste et du rythme n'est pas antinomique avec cette largeur car le travail technique se base sur les notions de poids et de chute. Les dynamismes de la musique dictent aux danseurs des densités d'espace dans lesquelles la mobilité est constante. Espace et couleurs musicales se trouvent ainsi totalement mêlés et offrent à l'interprète un terrain propice au développement de sa personnalité.

Dernière mise à jour : novembre 2010

Massin, Béatrice

Interprète dans plusieurs compagnies contemporaines, dont celle de Susan Buirge, Béatrice Massin est engagée en 1983 par Ris et Danceries où elle alterne durant dix années, l'interprétation, la recherche sur le répertoire, l'assistanat et la création chorégraphique. Elle crée Water music de Haendel à l'Arsenal de Metz (1990), Bastien et Bastienne (1991), Les petits riens de Mozart (1991) pour l'atelier lyrique de Tourcoing et signe les chorégraphies de Médée sur la musique de Marc-Antoine Charpentier (1983).

Fin 1993, Béatrice Massin fonde sa propre compagnie, Fêtes Galantes, pour laquelle elle monte un spectacle par an : reconstitutions de pièces du répertoire baroque, mais surtout, créations utilisant le vocabulaire chorégraphique de la danse du XVIIe ( Charpentier des ténèbres, Carte du tendre, Pipinone, Trio triptyque ou tout récemment Que ma joie demeure).

De décembre 1999 à juillet 2000, Béatrice Massin crée et dirige les chorégraphies du film Le roi danse de Gérard Corbiau. En septembre 2001 Béatrice Massin est invitée par le ballet de Lorraine pour la création de trois chorégraphies baroques.

Parallèlement à son travail de recherche et de création, elle assure des programmes pédagogiques à l'Opéra Bastille, à la Cité de la musique, ou encore au Centre national de la danse, sous forme de conférences-spectacles, stages et ateliers et propose la découverte de la danse académique baroque ainsi que des reconstitutions de pièces du répertoire baroque.

Plus d'informations : Site de la compagnie

Ressource électronique de la médiathèque du CND sur la compagnie Fêtes galantes
http://mediatheque.cnd.fr/spip.php?page=mediatheque-numerique-ressource&id=PHO00003922

Centre national de la danse, Réalisation

Depuis 2001, le Centre national de la danse (CND) réalise des captations de ses programmations de spectacle et de pédagogie et crée des ressources à partir de ces représentations filmées (interviews, conférences dansées, rencontres avec des artistes, démonstrations, grandes leçons, colloques spécialisés, montages thématiques, etc.).

Grande leçon Béatrice Massin

Direction artistique / Conception : Béatrice Massin

Interprétation : danseurs de la compagnie Fêtes Galantes Céline Angibaud, Bruno Benne, Sarah Berreby, Laura Brembilla, Olivier Collin, Laurent Crespon, Sébastien Ly, Gudrun Skamletz

Musique live : claveciniste Freddy Eichelberger

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Danser baroque c'est avant tout " faire corps " avec une musique. Le corps dansant est d'une matière généreuse et ample, à l'image de la peinture et de la sculpture baroques. La précision du geste et du rythme n'est pas antinomique avec cette largeur car le travail technique se base sur les notions de poids et de chute.

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La Minute du Spectateur

La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.

Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.
© Maison de la Danse de Lyon

Massin, Béatrice

Interprète dans plusieurs compagnies contemporaines, dont celle de Susan Buirge, Béatrice Massin est engagée en 1983 par Ris et Danceries où elle alterne durant dix années, l'interprétation, la recherche sur le répertoire, l'assistanat et la création chorégraphique. Elle crée Water music de Haendel à l'Arsenal de Metz (1990), Bastien et Bastienne (1991), Les petits riens de Mozart (1991) pour l'atelier lyrique de Tourcoing et signe les chorégraphies de Médée sur la musique de Marc-Antoine Charpentier (1983).

Fin 1993, Béatrice Massin fonde sa propre compagnie, Fêtes Galantes, pour laquelle elle monte un spectacle par an : reconstitutions de pièces du répertoire baroque, mais surtout, créations utilisant le vocabulaire chorégraphique de la danse du XVIIe ( Charpentier des ténèbres, Carte du tendre, Pipinone, Trio triptyque ou tout récemment Que ma joie demeure).

De décembre 1999 à juillet 2000, Béatrice Massin crée et dirige les chorégraphies du film Le roi danse de Gérard Corbiau. En septembre 2001 Béatrice Massin est invitée par le ballet de Lorraine pour la création de trois chorégraphies baroques.

Parallèlement à son travail de recherche et de création, elle assure des programmes pédagogiques à l'Opéra Bastille, à la Cité de la musique, ou encore au Centre national de la danse, sous forme de conférences-spectacles, stages et ateliers et propose la découverte de la danse académique baroque ainsi que des reconstitutions de pièces du répertoire baroque.

Plus d'informations : Site de la compagnie

Ressource électronique de la médiathèque du CND sur la compagnie Fêtes galantes
http://mediatheque.cnd.fr/spip.php?page=mediatheque-numerique-ressource&id=PHO00003922

Plasson, Fabien

Fabien Plasson est réalisateur, principalement dans le domaine du spectacle vivant (danse, musique, etc.).

C'est au cours de sa formation à l'École Nationale Supérieur des Beaux-Arts de Lyon qu'il intègre en 1995 que Fabien découvre l'art vidéo. Il se forme alors auprès de divers artistes vidéastes (Joël Bartoloméo, Pascal Nottoli, Eric Duyckaerts, etc).
Son approche s'inscrit d'abord dans une recherche plastique avec la création d'installations et d'objets filmiques.

En 2001, il rejoint l'équipe de la Maison de la Danse de Lyon et s'occupe durant 10 ans de la programmation du Vidéo-Bar Ginger&Fred. Il découvre alors l'univers chorégraphique et les enjeux de la vidéo pour la diffusion et la transmission de la danse aux côtés de Charles Picq alors vidéaste et directeur du service vidéo de la Maison de la Danse.

En parallèle, il continue son activité de création plastique, réalise des vidéos de concerts, de pièces de théâtre et crée également des décors vidéos pour le spectacle vivant.

Aujourd'hui, Fabien Plasson est réalisateur vidéo au Pôle Image de la Maison de la Danse de Lyon et pour Numeridanse.tv, vidéothèque internationale de danse en ligne.

Source : Maison de la Danse, Fabien Plasson

Deschamps, Tiffanie

Après une formation en montage vidéo, Tiffanie Deschamps fait ses premières armes à la télévision. Dès le début, elle ne cesse de faire des ponts entre son travail de monteuse dans l'audiovisuel et ses activités de régisseuse lumière et d'assistante mise en scène pour le spectacle vivant avec le collectif Mac Guffin.
Co-fondatrice et co-directrice du Théâtre de l'Uchronie à Lyon depuis 2013, elle en vient naturellement à mettre en image des pièces théâtrales et chorégraphiques, et à raconter la danse, notamment au sein de la Maison de la Danse de Lyon et lors d'événements culturels comme la Biennale de la Danse de Lyon.

Fêtes galantes

Par la singularité de son travail et la complémentarité de ses actions, la compagnie Fêtes galantes se veut, tant sur le plan national qu'international, l'acteur incontournable de la valorisation et de la transmission du patrimoine chogrégraphique français des XVIIe et XVIIIe siècles, ainsi qu'un lieu de production et de création contemporaine résolument tourné vers le XXIè siècle. Ainsi, sa démarche se situe au point d'équilibre singulier des forces créatrices d'hier et d'aujourd'hui.

Lorsqu'en 1993 Béatrice Massin fonde la compagnie Fêtes galantes, elle souhaite mettre en lumière au moyen de ses créations et d'un travail de sensibilisation, les relations fortes qui existent entre le XVIIème et le XXème siècle. Cette démarche spécifique s'inscrit là où l'Histoire de la danse occidentale trouve sa source, mais également là où la rencontre avec la matière contemporaine est nécessaire.

Après dix ans d'existence, le succès de la pièce Que ma joie demeure affirme la direction de la compagnie et la particularité de l'écriture chorégraphique de Béatrice Massin. Une écriture qui utilise la " matière baroque " dans toute sa spécificité et toute sa modernité.

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Source : Fêtes Galantes

En savoir plus : www.fetesgalantes.com

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Minute du spectateur (2021) : Béatrice Massin

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La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre. Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.

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Ecouter un extrait des Vagues de Virginia Woolf

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Ecouter un extrait des Vagues de Virginia Woolf

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Les Vagues - Virginia Woolf / Estelle Meyer

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Une captation des Films de l'éphémère 
Réalisation Antoine Billet
Cadre Pascal Sentenac et Pierre Linguanotto

Avec Les Vagues, pièce pour six danseurs et deux musiciens de l’ensemble Ictus, Noé Soulier propose un labyrinthe perceptif et mémoriel fait de mouvements suspendus, travaillé par le rythme des percussions. L’expérience de nos actions corporelles, que ce soit dans le moment présent ou dans le souvenir que l’on en a, est toujours fragmentaire. Certaines parties du corps, certaines sensations occupent une place centrale quand d’autres sont laissées dans l’ombre. C’est cette dimension fragmentaire de l’expérience corporelle que la pièce rend sensible par le mouvement.

Noé Soulier s’appuie pour cela sur des buts pratiques que nous connaissons tous, comme éviter, frapper, lancer ou attraper. Ils sont détournés de leur fonction initiale par exemple en retirant l’objet visé par l’action, en mobilisant une partie du corps qui n’est pas adaptée au but recherché, ou en l’interrompant avant qu’elle n’arrive à son terme. Il ne s’agit pas de faire un mouvement qui rappelle explicitement tel ou tel événement, mais de construire des gestes qui par leurs aspérités sont à même d’activer notre mémoire corporelle et ses nombreuses ramifications physiques et psychologiques. En retirant ce qui rend familières nos actions quotidiennes, j’essaie de rendre perceptibles l’étrangeté et le caractère insaisissable de l’expérience de notre propre corps. 

Chorégraphie : Noé Soulier
Avec : Stephanie Amurao, Lucas Bassereau, Meleat Frederiksson, Yumiko Funaya, Anna Massoni en alternance avec Nangaline Gomis et Nans Pierson
Musique : Noé Soulier, Tom De Cock et Gerrit Nulens
Interprétation : Ensemble Ictus (Tom De Cock et Gerrit Nulens, percussions)
Lumières : Victor Burel

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La Minute du spectateur (2015) : Noé Soulier

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La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.
Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.  …

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Années 80: la décennie où tout a basculé. Par Yann Moix

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C’était il y a trente ans. Le monde se divisait en deux blocs, Internet n’existait pas, mais nos stars étaient déjà là. Notre deuxième volet sur les années 80.

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Tears For Fears - Mad World (Official Music Video)

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2022 : une réécriture de Benjamin Millepied

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2022 : une réécriture de Benjamin Millepied

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Roméo et Juliette de Benjamin Millepied | Teaser | La Seine Musicale

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Teaser - L'Amour sorcier à l'Espace des Arts

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CIE CHATHA /
AÏCHA M’BAREK & HAFIZ DHAOU /
JEAN-MARIE MACHADO

Avec 6 danseur·se·s et 11 musicien·ne·s

En coréalisation avec le Conservatoire du Grand Chalon

L’Amour sorcier est, à l’origine, une histoire
de passion, de gitanes et de revenants aux
accents andalous. Cette version complètement
revisitée, offre une danse enflammée
d’une authenticité et d’une densité inouïes,
accompagnée par une chanteuse sublime et
les accents jazz de Jean-Marie Machado et
son orchestre Danzas.

JEU 19 NOV À 21H / 1H15 ENV
ESPACE DES ARTS – GRAND ESPACE

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Création de Aïcha M'Bareck et Hafiz Dhaou

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Création de Aïcha M'Bareck et Hafiz Dhaou

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Espace des Arts, Scène nationale Chalon-sur-Saône

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Espace des Arts, Scène nationale Chalon-sur-Saône

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L’amour sorcier - Cie CHATHA, aïcha m’barek & hafiz dhaou et Jean-Marie Machado / Espace des Arts, Scène Nationale Chalon-sur-Saône - la saison - Espace des Arts, Scène nationale Chalon-sur-Saône

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L’Amour sorcier est, à l’origine, une histoire de passion, de gitanes et de revenants aux accents andalous. Cette version complètement revisitée offre une danse enflammée d’une authenticité et d’une densité inouïes, accompagnée par une chanteuse sublime et les accents jazz de Jean-Marie Machado et d…

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Noureev et la Russie : danse et dissidence - Culture prime

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Roméo et Juliette by Rudolf Noureev (Léonore Baulac & Germain Louvet)

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LA PRINCESSE DE CLEVES / Ballet / Bande-Annonce

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Le roman de Madame de Lafayette, La Princesse de Clèves (XVIIe)

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Le roman de Madame de Lafayette, La Princesse de Clèves (XVIIe)

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Chorégraphe : Julien Guérin, ex-danseur interprète des Ballets de Monte Carlo. Il chorégraphie ses premières pièces comme " Theorem68 " et " Verwirrung der Gefühle " en partenariat avec l'École supérieure des arts plastiques de Monaco. Il est invité au New York Choreographic Institute pour la création " Beaudelairian Souls ".

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Pour une présentation détaillée de II&III

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Pour une présentation détaillée de II&III

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#BigBang
Contrairement à ce que j'ai pensé pendant de nombreuses années, je vois désormais la chorégraphie (la pratique, les processus et les objets qui en résultent, les œuvres, les événements et toutes les autres manifestations qu'elle peut avoir), comme quelque chose dont la logique et les caractéristiques s'apparenterait au Big Bang. Quelque chose en constante expansion. Une fractale à trois (quatre?) dimensions, voyageant simultanément dans toutes les directions (dimensions?).

C'est un changement majeur par rapport à la perception linéaire et évolutive que j'en avais auparavant : quelque chose qui se déplace du point A au point B vers C et ainsi de suite, collectant au passage des informations, ajustant, ajoutant, révisant, évoluant sur un tracé clair vers un point dans le futur (que cela concerne le processus global et les pièces distinctes).

En regardant en arrière (de haut en bas, sur les côtés et au milieu), je commence à réaliser que cette perception linéaire qui était la mienne n'est qu'un fragment. Une sorte de vision-tunnel au milieu d'un champ radicalement plus large d'événements et de possibilités.

Dans cet espace / situation / événement tridimensionnel et cinétique, le temps ainsi que les idées et les perceptions acquises deviennent fluides et flexibles. Tout peut bouger à tout moment de toutes les manières possibles et dans n'importe quelle direction. Pourtant, étonnamment, rien n'est aléatoire. Une cohérence d'une autre nature émerge, qui semble correspondre davantage à "comment les choses sont".

Début janvier, nous nous sommes retrouvés en studio pendant dix longues journées, après une nouvelle annulation des représentations programmées à l'Arsenal - Cité musicale de Metz. Au terme de ces dix jours, après un processus de création assez improbable et seulement trois mois après la première de #LOVETRAIN2020, une nouvelle œuvre existait pleinement et avec elle, une myriade de nouvelles réalisations.

J'ai le privilège d'avoir les meilleurs compagnons possibles pour ce genre de voyage dans le temps et l'espace. Certaines portes ne s'ouvrent que lorsque certaines conditions sont réunies, et uniquement avec les bonnes personnes: Michael Loehr, Emma Mouton, Thomas Alfred Bradley, Sara Wilhelmsson, Ichiro Sugae, Juhász Péter, Gilad Jerusalmy, Eglantine Bart, Rob Bridger, Rindra Rasoaveloson, Eddie Bruno Oroyan.

Plus rien n'est étrange dans la réalité actuelle. J'imagine que le fait que pour la première fois en 26 ans de travail, j'ai créé une nouvelle pièce sans avoir la moindre idée de quand et où elle sera présentée, ni de ses partenaires co-producteurs, ne semble plus si étrange.

D'abord on fait, ensuite on voit - une bonne devise pour notre temps.

Act II&III est une exploration chorégraphique et théâtrale qui se développe en dialogue avec l'enregistrement historique des deuxième et troisième actes de Tosca de Puccini, dans la version interprétée par Maria Callas, Carlo Bergonzi, Tito Gobbi et dirigée par Georges Prêtre en 1965.

Dans une unité de temps et d'espace, la chorégraphie engage une conversation à plusieurs niveaux avec l'enregistrement de l'oeuvre de Puccini. L'intention chorégraphique n'est pas de suivre ou d'incarner le célèbre livret et les différents personnages de l'opéra, mais plutôt d'évoluer de manière indépendante, et de s'engager dans une cartographie détaillées du riche contenu musical, et de la manière dont celui-ci aborde un myriade de thèmes universels comme l'amour, la trahison, la jalousie, l'espoir, la mort, la guerre, les intrigues politiques et la persécution.

Pour cette création, Emanuel Gat propose un traitement théâtral non-orthodoxe de la musique de Puccini et du genre de l'opéra italien de la fin du 19ème siècle. Il engage une nouvelle exploration des voies chorégraphiques permettant l'émergence d'autres modes narratifs, naviguant à nouveau dans le vaste espace qui s'ouvre au point de rencontre du visible et de l'audible, du musical et du chorégraphique.

Le choix de la musique intensément chargée et dramatique de Puccini s'inscrit dans la continuité de la précédente création d'Emanuel Gat, LOVETRAIN2020, sur la musique pop des années 80 de Tears for Fears : prendre une oeuvre musicale, l'extraire de son époque et de son contexte habituel, et la confronter à un processus chorégraphique novateur et exigeant (comme c'était également le cas pour SACRE en 2004). Cette approche crée de nouvelles synergies, de nouveaux regards sur le connu et le familier, et offre une lecture rafraichissante et captivante d'anciens chefs d'oeuvres, sous un angle contemporain et dans une autre mise en lumière.

Pour Act II&III, Emanuel Gat travaille sur et avec la musique de Tosca de Puccini. Mais il choisit de s'émanciper du livret et des personnages du célèbre opéra et de proposer un autre traitement théâtral. Pourquoi avoir choisi une musique d'opéra, et Tosca en particulier ?
L'opéra est un genre musical avec lequel je n'ai jamais travaillé. Je suis curieux de voir comment il se comporte dans le contexte de la chorégraphie et de mon processus de création.

En 2002, j'ai participé en tant que danseur à la pièce d'un chorégraphe appelé Javier de Frutos, qui utilisait le deuxième acte de Tosca. Travailler avec cette musique en tant que danseur, en a laissé une marque spécifique dans ma tête. J'y reviens des années plus tard, cette fois-ci en tant que chorégraphe.
Pourquoi faire le choix de s'éloigner de l'histoire de Tosca ?
La musique de Tosca est tout sauf abstraite, et l'oeuvre est chargée de plusieurs couches de sens, bien connues du public. Il y a l'histoire du livret dans son époque mais aussi l'histoire de la pièce, l'histoire de son auteur, de ses interprètes. C'est un défi de trouver une nouvelle manière d'aborder ces couches de sens, autrement qu'en les suivant ou qu'en les illustrant. Je me pose la question de comment dialoguer avec ces éléments, sans les ignorer, mais en laissant assez d'espace pour permettre à la chorégraphie de se déployer.

Cette démarche est assez inédite et assez ardue. Même lorsque les propositions s'inscrivent dans une esthétique très contemporaine ou offrent des variations dans le genre de l'opéra, elles s'émancipent rarement de l'histoire originelle. Ce travail se rapproche de ce que j'avais fait avec la pièce SACRE en 2004. La chorégraphie s'était éloignée des thèmes du Sacre du printemps, pour se développer indépendamment. In fine, elle y est revenue d'une certaine manière.

Je n'ai pas l'intention de changer de stratégie quant aux possibles récits qui finiront par émaner de l'œuvre. La narration est toujours une conséquence et un sous-produit indépendant. Elle émerge de la situation chorégraphique, plutôt que d'en être le point de départ.
Le registre de l'intimité, qui traverse chacune de tes pièces, aura-t-il une importance différente?
Sincèrement, cela dépend principalement des danseurs. Les pièces prennent à chaque fois des directions différentes en fonction de leur humeur, de la dynamique du groupe, etc.

II. L'audible et le visible

Le processus créatif d'Emanuel Gat met en dialogue les différents éléments qui le composent, et notamment la chorégraphie et la musique. Cette approche engendre du nouveau et provoque des découvertes sensorielles. Comment cela fonctionne-t-il ?
C'est un processus de découverte des points de rencontre, des tensions, des parallèles, des contraires, etc.. Comment ils peuvent se compléter, se pousser, s'éclairer ou se recouvrir les uns les autres.

Au fil des années, je me suis rendu compte qu'une pièce de danse n'existe pas pleinement si l'interaction entre la musique et la chorégraphie ne préserve pas la nature séparée et autonome des deux. A cela peut s'ajouter la lumière qui est aussi un élément totalement indépendant, avec sa propre logique, identité et caractéristiques.

Toute nouvelle chose qui est la combinaison de plusieurs éléments, est le résultat d'une interaction entre des entités distinctes. Il n'y a pas de création en dehors de cette logique de base. Comme toute autre interaction dans le monde naturel. L'eau, H2O, est issue de la combinaison entre ces deux éléments séparés. Comme une expérimentation de chimie, on continue de mélanger les différents éléments et on attend de voir ce qui en sort. Cela nous guide tout au long du chemin et nourrit l'émerveillement permanent d'observer et de vivre ces phénomènes.
Tu fais souvent référence à l'espace qui s'ouvre au point de rencontre du visible et de l'audible...
Je pense que cela a à voir avec la façon dont nos cerveaux relient le visuel et l'auditif, avant même de parler de musique et de danse. Il y a quelque chose qui me fascine dans la manière dont nous traitons ce que nous entendons et ce que nous voyons à un moment donné. Cet espace détient des qualités révélatrices sur beaucoup de choses, bien au-delà d'une pièce de danse en particulier.

Crédits

Musique : Giacomo Puccini, Tosca, Act II & III (enregistrement de 1965, dirigé par Georges Prêtre).
Interprétation : Maria Callas (Tosca), Carlo Bergonzi (Carvadossi), Tito Gobbi (Sciarpa)

Chorégraphie, set et lumières : Emanuel Gat
Direction technique : Guillaume Février
Son : Frédéric Duru

Créé avec et interprété par : Eglantine Bart, Thomas Bradley, Robert Bridger, Gilad Jerusalmy, Péter Juhász, Michael Loehr, Emma Mouton, Eddie Oroyan, Rindra Rasoaveloson, Ichiro Sugae, Sara Wilhelmsson

Company Manager : Marjorie Carré.
Coordinatrice de production : Antonia Auday

Une production d'Emanuel Gat Dance, co-produit par Arsenal - Cité Musicale, Metz, Festival Montpellier Danse 2022, Bolzano Danza 2022. Emanuel Gat Dance bénéficie du soutien du Ministère de la Culture et de la Communication - DRAC Provence-Alpes-Côte d'Azur au titre de compagnie conventionnée, de la Région Sud - Provence-Alpes-Côte d'Azur et du Conseil Départemental des Bouches du Rhône. Première résidence de création à l'Arsenal - Cité Musicale, Metz, janvier et octobre 2021 et à l'Agora-Cité Internationale de la Danse, Montpellier, septembre 2021.

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BigBang Contrairement à ce que j'ai pensé pendant de nombreuses années, je vois désormais la chorégraphie (la pratique, les processus et les objets qui en résultent, les œuvres, les événements et toutes les autres manifestations qu'elle peut avoir), comme quelque chose dont la logique et les caractéristiques s'apparenterait au Big Bang.

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Act II&III est une exploration chorégraphique et théâtrale qui se développe en dialogue avec l’enregistrement historique des deuxième et troisième actes de Tosca de Puccini, dans la version interprétée par Maria Callas, Carlo Bergonzi, Tito Gobbi et dirigée par Georges Prêtre en 1965.

Dans une unité de temps et d’espace, la chorégraphie engage une conversation à plusieurs niveaux avec l’enregistrement de l’oeuvre de Puccini. L’intention chorégraphique n’est pas de suivre ou d’incarner le célèbre livret et les différents personnages de l’opéra, mais plutôt d’évoluer de manière indépendante, et de s’engager dans une cartographie détaillée du riche contenu musical, et de la manière dont celui-ci aborde un myriade de thèmes universels comme l’amour, la trahison, la jalousie, l’espoir, la mort, la guerre, les intrigues politiques et la persécution.
[...]

Le choix de la musique intensément chargée et dramatique de Puccini s’inscrit dans la continuité de la précédente création d’Emanuel Gat, LOVETRAIN2020, sur la musique pop des années 80 de Tears for Fears : prendre une oeuvre musicale, l’extraire de son époque et de son contexte habituel, et la confronter à un processus chorégraphique novateur et exigeant.

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Emanuel Gat Dance - Act II&III or The Unexpected Return Of Heaven And Earth [Official Teaser]

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Act II&III or The Unexpected Return Of Heaven And Earth

A piece by Emanuel Gat.

Music: Giacomo Puccini, Tosca, Acte II and III (1965, directed by Georges Prêtre). 

Singers: Maria Callas (Tosca), Carlo Bengozi (Carvadossi), Tito Gobbi (Sciarpa).

Choreography, set and lights: Emanuel Gat
Dresses: Thomas Alfred Bradley  
Technical direction: Guillaume Février

Created with and performed by: Eglantine Bart, Thomas Bradley, Robert Bridger, Gilad Jerusalmy, Péter Juhász, Michael Loehr, Emma Mouton, Eddie Oroyan, Rindra Rasoaveloson, Ichiro Sugae, Sara Wilhelmsson.

Created during a residency at l'Arsenal - Cité Musicale, Metz in January 2021

Video shot and edited by Julia Gat

# data[].attributes.attachment_link.title
Emanuel Gat Dance - LOVETRAIN2020 [Official Teaser]

# data[].attributes.attachment_link.description
Premiered October 3rd, 2020 at Opéra Comédie, Montpellier
Montpellier Danse 40 Bis 

A work by Emanuel Gat for 14 dancers.

Music: Tears for Fears
Choreography and lights: Emanuel Gat
Costume design: Thomas Bradley
Costume construction: Thomas Bradley, Wim Muyllaert,
in collaboration with Chaillot - Théâtre National de la Danse
Technical direction: Guillaume Février

Created with and performed by: Eglantine Bart, Thomas Bradley, Robert Bridger, Gilad Jerusalmy, Péter Juhász, Michael Loehr, Emma Mouton, Eddie Oroyan, Rindra Rasoaveloson, Ichiro Sugae, Karolina Szymura, Milena Twiehaus, Sara Wilhelmsson, Jin Young Won.

A production by Emanuel Gat Dance Company. 
Manager: Marjorie Carré. Production coordinator: Antonia Auday.
Coproduction: Montpellier Danse 40 Bis, Chaillot - Théâtre national de la Danse, Sadler’s Wells London, Arsenal Cité musicale - Metz, Theater Freiburg, with the support of Romaeuropa Festival. Emanuel Gat Dance acknowledges the support of the French Ministry of Culture and Communication, and of DRAC Provence Alpes-Côte d’Azur, of City of Istres, Région Sud - Provence-Alpes-Côte d’Azur and Conseil Départemental des Bouches-du-Rhône.

Created at Agora - cité internationale de la danse in Montpellier.

www.emanuelgatdance.com

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Quelques mots sur son compositeur, John Cage

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Quelques mots sur son compositeur, John Cage

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Entre jouer avec des boulons entre ses cordes et ne rien jouer du tout pendant 4 minutes 33 secondes, il y a très peu de choses que John Cage n'ait pas expérimenté avec son piano. Portrait d'un musicien révolutionnaire, à la recherche d'une impossible vérité.

Né à Los Angeles le 5 septembre 1912 et décédé à New York, le 12 août 1992, John Cage est un compositeur, poète et philosophe américain. Connu comme l'une des principales figures d'avant-garde d'après la Seconde Guerre mondiale, la majorité de l'œuvre de Cage est axée sur l'altération d'instruments traditionnels, la recherche du hasard en musique et l'écoute du silence.

En 1935, alors qu'il compose la musique pour une chorégraphie de Syvilla Fort, John Cage frappe un obstacle technique : il n'y a pas assez d'espace sur scène pour toutes les percussions qu'il a prévues. S'inspirant de Henry Cowell - pianiste et chef de file de l'avant-garde des années 20 qui avait popularisé le string-piano, technique qui consiste à jouer directement avec les cordes plutôt que les touches - Cage décide d'altérer le son de l'instrument en plaçant entre les cordes des petits objets, tels des boulons, des vis et des pièces de monnaie, de manière aléatoire. Le piano ainsi modifié, que l'on appelle piano préparé, devient en lui-même une percussion, dont le rythme est décidé par le hasard.

Cette obsession du hasard ne quitte jamais Cage, qui préfère voir dans ce facteur d'imprévisibilité une chance plutôt que le fruit d'un concours de circonstances ( random act, en anglais). L'envie de produire du hasard, du chaos, est omniprésente dans l'œuvre du pianiste. La désorganisation ponctue l'atmosphère de ses pièces. En entrevue, Cage affirme : " Le seul problème avec les sons, c'est la musique. "

Cette obsession du hasard ne quitte jamais Cage, qui préfère voir dans ce facteur d'imprévisibilité une chance plutôt que le fruit d'un concours de circonstances (random act, en anglais).

Le public est également une part prégnante de l'œuvre de John Cage. Dans sa pièce la plus connue, 4'33'', il invite le spectateur à prendre conscience de la véritable musique qui l'entoure - sons ambiant, rythme des pulsations sanguines et de la respiration - alors qu'un pianiste joue sa partition, complètement silencieuse, pendant 4 minutes 33 secondes, les seuls bruits volontairement produits étant ceux de l'ouverture et de la fermeture du couvercle du piano entre les mouvements.

L'apport du public à l'art fait aussi partie intégrante du mouvement Fluxus, auquel Cage participe en tant que fondateur dans les années 1960. Fluxus, indéfinissable courant contemporain qui touche tous les domaines de l'art visuel, littéraire et musical, cherche à soulever des questionnements tout au long des décennies 1960 et 70, quant au rôle de l'œuvre d'art et de son créateur dans la société. La mission des participants de ce mouvement est de supprimer les barrières qui séparent la vie de l'art, cherchant à montrer que l'art est dans la vie. Naissent donc à cette époque nombre de performances interactives qui englobent le public, l'invitent à s'immerger dans l'œuvre, parmi lesquelles John Cage et son 4'33''.

Récipiendaire, en 1989, du prix de Kyoto, accordé aux personnes ayant contribué de façon remarquable au développement de la science, de la civilisation mondiale et de l'élévation spirituelle, John Cage n'a pas cessé d'intriguer, même après sa mort, en 1992. En repoussant les limites de la musique pour tenter d'atteindre le chaos, le silence, le hasard, Cage a créé des questionnements impérissables, autant chez le musicien que chez le spectateur.
Photo gracieuseté de la Fondation de Dance Cunningham

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Né à Los Angeles le 5 septembre 1912 et décédé à New York, le 12 août 1992, John Cage est un compositeur, poète et philosophe américain. Connu comme l'une des principales figures d'avant-garde d'après la Seconde Guerre mondiale, la majorité de l'œuvre de Cage est axée sur l'altération d'instruments traditionnels, la recherche du hasard en musique et l'écoute du silence.

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Entre 1919 et 2009, Merce Cunningham a révolutionné le monde de la danse, en y amenant un élément de hasard et en traçant la scission entre chorégraphie et musique.

D'abord étudiant de Martha Graham, c'est dans le courant " modern dance " que Merce Cunningham apprend l' art de la chorégraphie. Par l'exploitation de mythes et d'éléments de la culture ancienne, cette école de danse visait à faire rejaillir les valeurs et les sentiments d'antan. Peu intéressé par ces titanesques émotions, Cunningham se tourne bien vite vers la chorégraphie solo : il fonde sa compagnie en 1953, encouragé par l'un de ses grands amis, le compositeur John Cage.

C'est en 1951, dans l'une de ses toutes premières compositions, que Cunningham fait danser le hasard sur scène pour la première fois : le chorégraphe tire au sort pour déterminer l'ordre des sections de 16 danses pour soliste et compagnie (1951). Cet élément de hasard n'est pas étranger aux artistes contemporains de Cunningham, et surtout pas à John Cage, qui en a fait sa philosophie de travail. Pour éviter l'habitude et éveiller la vigilance ainsi que la surprise, un élément de surprise est nécessaire. De plus, comme Cage, Cunningham cherche à rendre le spectateur actif, participant. Contrairement à ses mentors, il ne cache aucun sens lyrique, aucune valeur morale dans ses pièces - il laisse plutôt le soin à chaque membre de l'audience de faire son chemin dans la chorégraphie et d'y associer sa propre histoire.

Contrairement à ses mentors, il ne cache aucun sens lyrique, aucune valeur morale dans ses pièces - il laisse plutôt le soin à chaque membre de l'audience de faire son chemin dans la chorégraphie et d'y associer sa propre histoire.

Comme Piña Bausch après lui, il y a chez Merce Cunningham une certaine recherche d'un art total : chacune de ses chorégraphies est alliée à une trame sonore spécifique, à un décor plastique particulier, et bien qu'ils soient indépendants, ils sont indissociables. L'œuvre forme un tout d'où jaillit l'art. Pour donner une meilleure représentation de la vie, Cunningham estime que tous ces éléments doivent coexister, s'entremêler, sans toutefois se mélanger et ne devenir qu'un. Afin de s'assurer qu'une séparation persiste entre la musique et la chorégraphie, plus particulièrement, ceux-ci sont créés à part : Cunningham travaille avec les danseurs, et John Cage, la plupart du temps, compose pour lui. Ainsi, les danseurs de la troupe ne connaissent ni la musique, ni les décors, ni les costumes avant le dernier moment. Hasard, multidisciplinarité et séparation des arts se rejoignent dans un mélange magnifique, accueilli par le public et la critique avec beaucoup de bonheur.

Plus récemment, Merce Cunningham a participé à l'élaboration de Danceforms, un logiciel permettant de modéliser des mouvements de danse afin de les agencer par la suite les uns aux autres, de manière complètement aléatoire. Dans Biped (1999), le chorégraphe présente pour la première fois une danse entièrement formée par le logiciel. Les critiques sont très favorables à la réception de Biped, et elle continue à être montée même après la mort de son créateur.

Par ses multiples innovations, Merce Cunningham a posé les jalons de la danse à venir : plus d'histoire ou d'univers narratif, un rapport moins fusionnel avec la musique, de nouveaux mouvements beaucoup moins rigides qu'avant, et le hasard qui vient se mettre de la partie... Décédé en 2009, Merce Cunningham laisse derrière lui un monde qu'il a complètement changé, en redéfinissant, pas après pas, le monde de la danse tel qu'il était.

Consultez les meilleurs ouvrages sur la danse contemporaine!

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Merce Cunningham | Genèse de la danse contemporaine

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À l'aube du 20e siècle, un chorégraphe exceptionnel et visionnaire assure le passage de la danse vers l'époque contemporaine.

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Considéré comme l'un des pères de la danse contemporaine... On a fêté en 2019 le centenaire de sa naissance. Voici en 3:50 ses grands principes.

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Comment Merce Cunningham a révolutionné la danse

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Dans le parcours de Merce Cunningham, certaines œuvres sont rares ou perdues. Four Walls, créée en 1944, en collaboration avec le musicien John Cage, est de celle-là. Petter Jacobsson et Thomas Caley, duo frondeur à la tête du CCN – Ballet de Lorraine, ont décidé de la revisiter. « Nous n’envisageons pas For Four Walls comme une recréation de la pièce originale perdue, mais plutôt comme une réfraction en lien avec son histoire et notre histoire avec Merce. » La pianiste Vanessa Wagner sera la complice idéale pour (dé)jouer Cage. Avec vingt-quatre danseurs sur scène, la promesse ne manque pas d’allure.

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Musique électronique / Césarisé pour "120 battements par minute"

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120 Battements par minute : Arnaud Rebotini - Live @ Philharmonie de Paris

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Polysémie du titre et éloquence du corps

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Création les 16 et 17 octobre 2018, Le Cargö, scène de musiques actuelles de Caen 
"En attendant Nördik Impakt"

Conception, chorégraphie
Alban Richard

Musique originale et interprétation live
Arnaud Rebotini

Créé et interprété par
Aina Alegre, Max Fossati, Clémentine Maubon, Asha Thomas

Lumière
Jan Fedinger

Régie lumière
Lionel Colet

Son
Vanessa Court

Régie son
Denis Dupuis

Costumes
Fanny Brouste

Réalisation costumes
Yolène Guais

Dramaturgie
Anne Kersting

Assistanat chorégraphique
Daphné Mauger

Conseil en analyse fonctionnelle du corps dans le mouvement dansé
Nathalie Schulmann

Régie générale et plateau
Olivier Ingouf

Régisseur de tournée d’Arnaud Rebotini
Simon-Pierre Tourette ou Marco Paschke

Danseurs stagiaires
Elsa Dumontel et Hugues Rondepierre

Remerciements à Mélanie Cholet, Catherine Dénécy et Benjamin Furbacco

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