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A TELA é um espaço digital dinâmico e um ponto de encontro que junta artistas, curadores e promotores culturais com o objectivo de documentar, divulgar e promover as Artes Visuais produzidas em Moçambique.

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A TELA é um espaço digital dinâmico e um ponto de encontro que junta artistas, curadores e promotores culturais com o objectivo de documentar, divulgar e promover as Artes Visuais produzidas em Moçambique.

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There was a time in Mozambique, just after the proclamation of the country’s independence, when re-education camps were responsible for brin

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What's on? - Art News Africa

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No webpage was found for the web address: https://artnewsafrica.com/whats-on/

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A BED CALLED HOME – New Africa Books

Nos últimos três anos, os albergues de trabalhadores migrantes da África do Sul, especialmente os do Transvaal, ganharam notoriedade internacional como teatros de violência. Durante muitos anos foram escondidos da vista do público e negligenciados pelas autoridades brancas. Agora, ao que parece, os moradores de albergues podem ter escolhido a violência física para chamar a atenção para a violência estrutural das suas terríveis condições de vida. No entanto, não devemos perder de vista o facto de que a maioria dos moradores de albergues são pessoas amantes da paz que, ao longo dos anos, desenvolveram estratégias criativas para lidar com o seu ambiente empobrecido e degradante.

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Akintunde Akinleye - artist, news & exhibitions - photography-now.com

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Conflitos pelo mundo: olhar para Moçambique

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Conflitos pelo mundo: olhar para Moçambique

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Regional Overview: Africa | May 2023 (acleddata.com)

Regional Hub: Africa (acleddata.com)

Regional Overviews (acleddata.com)

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Miriam Zenzi Makeba foi uma cantora e ativista sul-africana. Nasceu em Johannesburgo. O pai, um professor de origem Xhosa, morreu quando ela tinha seis anos. Sua mãe, de origem étnica swazi, era doméstica e uma curandeira tradicional. Quando criança ela estudou em escolas metodistas de Pretória, envolveu-se em um primeiro casamento em 1949, tendo a filha, Bongi, e quando a relação conjugal entrou em crise ela teve que sustentar a si e a filha como empregada doméstica, e depois como cantora.

Makeba começou a carreira de cantora em um grupo chamado The Cuban Brothers, e participou de vários outros grupos musicais na África, como os Manhattan Brothers, com quem gravou uma de suas mais conhecidas canções, Pata Pata (1956).  Mas o que fez sua carreira deslanchar e ela se conhecida em outros continentes foi sua aparição no aclamado filme Come Back Africa, de Lionel Rogosin (1959). Ela foi participar da premiação do filme em Veneza, e de lá viajou para a Inglaterra, onde poucos meses depois se casou e viajou para os Estados Unidos. Foi apoiada pelo cantor Harry Belafonte, dando início a uma carreira cada vez mais prestigiada.

A década de 1960 foi bastante tumultuada para Miriam Makeba, tanto profissionalmente quanto politicamente. As autoridades sul-africanas permitiram que Bongi fosse morar com ela nos Estados Unidos, mas impediram que ela fosse participar do enterro de sua mãe na África do Sul, e seu passaporte foi revogado. Em 1963, Makeba já era uma importante porta-voz do movimento anti-apartheid, algo tão importante para ela quanto a sua carreira como cantora.

Por conta deste ativismo e o seu casamento em 1968 com Stokely Carmichael, um influente líder do movimento Black Power com passagem pelo Movimento dos Panteras Negras, sua carreira internacional começou a desmoronar, contratos foram cancelados, a procura por ela no meio artístico diminuiu drasticamente. Foi então que ela voltou a se estabelecer na África, mais precisamente na Guiné-Conacri, dando continuidade às suas apresentações e gravações.

Depois da libertação de Nelson Mandela em 1990, com o fim do Apartheid, Makeba retornou à África do Sul, onde passou a viver com os netos e bisnetos. Entre 1954 e 2008 a cantora gravou cerca de quarenta álbuns. Durante esse tempo, as influências culturais e políticas transformaram seu estilo e estética, tornando-a uma grandiosa referência para os jovens músicos sul-africanos. Miriam Makeba morreu de um ataque cardíaco quando se apresentava em um concerto no Castel Volturno, na Itália. (fonte: https://www.ufrgs.br/africanas/1111/, Biografias de Mulheres Africanas).

Duas musicas emblemáticas:
Pata Pata: https://www.youtube.com/watch?v=lNeP3hrm__k

Malaika: https://www.youtube.com/watch?v=HrjuflDdPUU

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Miriam Zenzi Makeba foi uma cantora e ativista sul-africana. Nasceu em Johannesburgo. O pai, um professor de origem Xhosa, morreu quando ela tinha seis anos. Sua mãe, de origem étnica swazi, era doméstica e uma curandeira tradicional. Quando criança ela estudou em escolas metodistas de Pretória, envolveu-se em um primeiro casamento em 1949, tendo a filha, Bongi, e quando a relação conjugal entrou em crise ela teve que sustentar a si e a filha como empregada doméstica, e depois como cantora.

Makeba começou a carreira de cantora em um grupo chamado The Cuban Brothers, e participou de vários outros grupos musicais na África, como os Manhattan Brothers, com quem gravou uma de suas mais conhecidas canções, Pata Pata (1956). Mas o que fez sua carreira deslanchar e ela se conhecida em outros continentes foi sua aparição no aclamado filme Come Back Africa, de Lionel Rogosin (1959). Ela foi participar da premiação do filme em Veneza, e de lá viajou para a Inglaterra, onde poucos meses depois se casou e viajou para os Estados Unidos. Foi apoiada pelo cantor Harry Belafonte, dando início a uma carreira cada vez mais prestigiada.

A década de 1960 foi bastante tumultuada para Miriam Makeba, tanto profissionalmente quanto politicamente. As autoridades sul-africanas permitiram que Bongi fosse morar com ela nos Estados Unidos, mas impediram que ela fosse participar do enterro de sua mãe na África do Sul, e seu passaporte foi revogado. Em 1963, Makeba já era uma importante porta-voz do movimento anti-apartheid, algo tão importante para ela quanto a sua carreira como cantora.

Por conta deste ativismo e o seu casamento em 1968 com Stokely Carmichael, um influente líder do movimento Black Power com passagem pelo Movimento dos Panteras Negras, sua carreira internacional começou a desmoronar, contratos foram cancelados, a procura por ela no meio artístico diminuiu drasticamente. Foi então que ela voltou a se estabelecer na África, mais precisamente na Guiné-Conacri, dando continuidade às suas apresentações e gravações.

Depois da libertação de Nelson Mandela em 1990, com o fim do Apartheid, Makeba retornou à África do Sul, onde passou a viver com os netos e bisnetos. Entre 1954 e 2008 a cantora gravou cerca de quarenta álbuns. Durante esse tempo, as influências culturais e políticas transformaram seu estilo e estética, tornando-a uma grandiosa referência para os jovens músicos sul-africanos. Miriam Makeba morreu de um ataque cardíaco quando se apresentava em um concerto no Castel Volturno, na Itália.
BIBLIOGRAFIA
ALLEN, Lara. Representation, gender and woman in Black South African popular music, 1948-1960. Tese (Doutorado), Quen's College, Cambridge, 2000.

ALLEN, Lara. "Miriam Zenzi Makeba". In: AKYEAMPONG, Emmanuel K.; GATES JR., Henry Louis (dir). Dictionary of African Biography. Oxford University Press, 2012, v. 4, p. 53-55.

HASHACHAR, Yair . Playing the backbeat in Conakry: Miriam Makeba and the cultural politics of Sékou Touré's Guinea, 1968-1986. Social Dynamics, v. 43, n. 2, p. 259-273, 2017.

LOUISE, Bethlehem. Miriam's Place: south african jazz, conviviality and exile. Social Dynamics, v. 43, n. 2, p. 243-258, 2017.

MAKEBA, Miriam; MWAMUKA, Nomsa. Mama Africa: the Miriam Makeba story. Johabesburg: STE Publishers, 2004.

Última atualização em: 28/01/2021

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Miriam Makeba (1932-2008) - Biografias de Mulheres Africanas

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Miriam Zenzi Makeba foi uma cantora e ativista sul-africana. Nasceu em Johannesburgo. O pai, um professor de origem Xhosa, morreu quando ela tinha seis anos. Sua mãe, de origem étnica swazi, era doméstica e uma curandeira tradicional.

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Oliver Mtukudzi (Harare, Zim - 1952-2019), também conhecido como Tuku, é um músico muito popular em seu país, o Zimbábue. Sua carreira teve início na segunda metade dos anos de 1970, quando começou a tocar com a banda "Wagon Wheels". Nela, também tocava Thomas Mapfumo, outro famoso músico zimbabuano que é conhecido por ser um dos pioneiros no estilo muscial chimurenga (tocado com mbiras).
Após o sucesso da "Wagon Wheels", Mtukudzi seguiu carreira solo com a banda "Black Spirits" - formada por muitos dos músicos da "Wagon".
Suas canções são, em sua maioria, escritas em shona e citam os problemas econômicos e sociais do Zimbábue. Com mais de 20 albuns lançados e uma estética musical única, Mtukudzi é um fenômeno musical do Zimbabwe. Musicas dele, aqui: https://www.youtube.com/channel/UC-K797_lLK1QjhkXsWzMXNQ

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Bienais 2/espaços culturais em África - com Ayrson Heráclito e Daniella Géo - Mediação Lucinara Ribero

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Bienais 2/espaços culturais em África - com Ayrson Heráclito e Daniella Géo - Mediação Lucinara Ribero

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Bienais 2/espaços  culturais em África - com Ayrson Heráclito e Daniella Géo

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Curso de Arte Africana com Juliana Bevilacqua

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Curso de Arte Africana com Juliana Bevilacqua

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Parte 1 https://youtu.be/VtYPMZgtPgU
Parte 2 https://youtu.be/Q0dtf0LGxr4
Parte 3  https://youtu.be/nOM2l2ffH7U
Parte 4 https://youtu.be/C1nnp_o6kFk

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https://www.youtube.com/watch?v=DSaVDJQqBHk

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(80) Documentário (2005) - Angola Saudades de Quem te Ama (Histórias do Pós-Guerra) - YouTube

Documentáriop prodzido pela RTP em 2003 e mostra a realidade de um país recém saído de uma guerra civil que durou 27 anos (1975 a 2002).

O documentário conta histórias dramáticas do pós-guerra, num país que luta para se reerguer e que se defronta com novos dilemas.

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Documentário (2005) - Angola Saudades de Quem te Ama (Histórias do Pós-Guerra)

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Grace Ndiritu é uma artista visual britânica-queniana. Em 2009, sua arte foi exposta na coleção do Metropolitan Museum of Art, em Nova York. Isso lhe rendeu um 

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As Tapeçarias de Lubumbashi (2019) - Grace Ndiritu

Film - Becoming Plant (2022) - Grace Ndiritu

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Lucrécia Paco (Maputo, 19 de outubro de 1969) é uma atriz moçambicana. Considerada uma das atrizes mais aclamadas de Moçambique. Nascida antes da independência de Moçambique, Lucrécia gostava de cantar e dançar as músicas características de sua aldeia, o que era proibido na época. Após a independência do país, veio uma guerra civil, onde Lucrécia desenvolvia sua própria linguagem teatral para criar um teatro genuinamente moçambicano. Assim, a atriz foi uma das fundadoras do grupo Mutumbela Gogo, em 1986, primeiro grupo profissional de teatro de Moçambique. Foi protagonista da primeira novela moçambicana, Nineteens.

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IDIO CHICHAVA – Diretor artístico da Cia Converge+, onde desenvolve projetos de colaboração artística multidisplinar e criativa, sempre com a intenção de dar espaço e fala para todos. Divide-se entre Moçambique e a França, onde interpreta e faz assistência coreográfica das peças da companhia Kubilai Khan Investigations desde 2005. Ministra aulas e oficinas de dança na França e em outros países. É um dos produtores do Festival Raiz, de música tradicional de Moçambique.

https://www.instagram.com/reel/Cnl2bKMoRff/

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Edna Jaime é uma performer, natural de Maputo. Formou-se em dança tradicional e canto na Casa da Cultura de Maputo.
Criou a sua primeira obra “Niketche” em 2005, um trio feminino apresentado na 6ª edição do Danse L’Afrique Danse.

De entre várias participações dentro e fora de país, destaca o projecto de colaboração artística entre Moçambique, África do Sul e Madagáscar “Lady, Lady” juntamente com Désire Davids e Gaby Saranouffi.
Em 2020, no âmbito da programação #FrancoEmCasa do Centro Cultural Franco-Moçambicano, estreou “Um Segundo”, a sua primeira performance em formato online, partilhando a direcção artística com o videógrafo Ivan Barros.

https://www.youtube.com/watch?v=KoAv9QNt6w

https://mbenga.co.mz/blog/2021/09/09/o-bom-combate-de-edna-jaime-leva-zkb/

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Ibrahim El-Salahi Visão do Túmulo 1965 Museu de Arte Africana, Nova Iorque

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Pesquisa Luiz Carlos - buscar fontes

Ibrahim El-Salahi é um pintor sudanês, ex-funcionário público e diplomata. Ele é um dos principais artistas visuais da Escola de Cartum, considerado parte do modernismo africano e do movimento artístico pan-árabe Hurufiyya, que combinava formas tradicionais de caligrafia islâmica com obras de arte contemporâneas.

Quem é Ibrahim El-Salahi? | Tate

Ibrahim El-Salahi - Exposições - Kunsthalle Zürich (kunsthallezurich.ch)

Ibrahim El-Salahi - Obras à Venda e Mais | Artsy

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Ana Raquel Machava - Moçambique - Curadoria

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Ana Raquel Machava - Moçambique - Curadoria

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(66) Terceiros Espaços entre teoria e prática na perspectiva e trajetória de Ana Raquel Machava - YouTube

¿Cómo transformar una plaza “dura” en un lugar acogedor para el encuentro? ¿Cómo “ablandar” y hacer acogedor el barrio? Quizás a partir de la creación de piedras blandas tipo puff (rellenos de algún elemento residual) que luego pudieran ser reutilizados por colectivos del barrio.

Este acondicionamiento del espacio podría incluir la invitación a las vecinas a que saquen sus sillas y tumbonas a la plaza, de modo que algunos elementos se habrían creado ex-profeso y otros serían aprovechados para la ocasión. (Liderado por Ana Raquel + Amadou). Quizás se podría inspirar estéticamente en los motivos de las Teseras que se crearon durante el segundo taller?

Referencias de espacios de proyección / cines temporales:

1. CINEROLEUM (Assemble) https://assemblestudio.co.uk/projects/the-cineroleum

2. STREET CINEMA (Omri Revesz) https://www.omrirevesz.com/work/street-cinema

3. FENNELLYS COURTYARD SCREEN (Studio Weave) http://www.studioweave.com/projects/fennellys-courtyard-screen/

4. FLOATING CINEMA (Studio Weave) http://www.studioweave.com/projects/floating-cinema/

5. COJINES: https://www.entrechiquitines.com/decoracion/coleccion-livingstones-livingstones-de-smarin-design-puffs-cojines-parecen-piedras/

6. ENMEDIO y su proyecto de las Bellas Vallas: http://www.enmedio.info/bellas-vallas-o-como-subvertir-con-nuestros-cuerpos-el-diseno-urbano-de-las-ciudades-marca/

7. Desobediencia mobiliario urbano: https://muhimu.es/pobreza-desarollo/vancouver-sintecho/

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Ana Clara Guerra Marques - Angola - Branca

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Ana Clara Guerra Marques - Angola - Branca

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Bailarina e coreógrafa angolana, tem trabalhado pela defesa da dança como linguagem artística em Angola através de criações, palestras, conferências e workshops, insistindo na necessidade do ensino institucional da dança.

Possui o grau de Mestre em Performance Artística – Dança com a tese «Sobre os Akixi a Kuhangana entre os Tucokwe de Angola: A performance coreográfica das máscaras de dança Mwana Phwo e Cihongo», pela Faculdade de Motricidade Humana da Universidade Técnica de Lisboa.

É Licenciada em Dança – Especialidade de Pedagogia, pela Escola Superior de Dança de Lisboa do Instituto Politécnico de Lisboa.

Inicia os seus estudos em dança na Academia de Bailado de Angola em 1970 e, em 1978, conclui o 1º Curso de Instrutores de Dança, ao mesmo tempo que dirige a única Escola de Dança existente no país, actividade que desenvolve a par da docência.

Tem publicado diversos artigos em revistas académicas internacionais e periódicos angolanos. É autora dos livros “A Alquimia da Dança” (1999), “A Companhia de Dança Contemporânea de Angola” (2003) – este com a colaboração do fotógrafo Rui Tavares – e “Para uma História da Dança em Angola – Entre a Escola e a Companhia: Um Percurso pedagógico” (2008), estando em preparação a publicação de um trabalho de investigação sobre a performance coreográfica das máscaras de dança cokwe.

Da sua estratégia para a defesa e projecção da dança enquanto linguagem artística e arte performativa em Angola, fazem ainda parte a sua prática como bailarina e coreógrafa, fundando em 1991 a Companhia de Dança Contemporânea de Angola, a primeira companhia profissional em Angola (e uma das primeiras em África) com a qual criou diversas obras, entre as quais: “A propósito de Lweji”, “Mea Culpa”, “Imagem & Movimento”, “Palmas, por favor!”, “Neste país”, “Uma frase qualquer e outras… (frases)”; “Agora não dá! ‘Tou a bumbar…” e “Os quadros do verso vetusto”, “Corpusnágua”, “5 Estátuas para Masongi”, “1 Morto & os vivos” e, mais recentemente, “Oratura - dos Ogros… e do Fantástico…” (2008), “Peças para uma sombra iniciada e outros rituais mais ou menos” (2009) e “O Homem que chorava sumo de Tomates” (2011). As duas últimas marcam a introdução em Angola do conceito e prática de Dança Inclusiva.

Dirigiu mais de uma centena de espectáculos profissionais e foi coreógrafa coordenadora dos espectáculos das cerimónias de abertura e encerramento da Taça Africana das Nações Orange Angola 2010.

Numa diversificação das linguagens da dança, baseia-se num trabalho pessoal de investigação sobre danças tradicionais e populares de algumas regiões de Angola, assim como da estatuária, utilizando os elementos recolhidos na criação de uma linguagem nova para a dança angolana. A crítica social é outra das suas opções.

Pioneira da dança inclusiva e da dança contemporânea em Angola, introduz novas formas e conceitos de espectáculo e inaugura a utilização de espaços não convencionais, com performances que marcam o seu trabalho com alguns dos mais reconhecidos escritores e artistas plásticos angolanos, entre os quais se destacam, Jorge Gumbe, António Ole, Masongi Afonso, Mário Tendinha, Francisco Van-Dunem, Manuel Rui, Carlos Ferreira, Frederico Ningi e Pepetela.

Como investigadora tem tido participação activa em diversos encontros, palestras, conferências e workshops de âmbito nacional e internacional, trabalhando há mais de 20 anos no estudo sobre as danças patrimoniais angolanas.

Em 1995 é-lhe outorgado o prémio “Identidade” pela UNAC (União Nacional dos Artistas e Compositores) e em 2006 são-lhe atribuídos o Diploma de Honra do Ministério da Cultura de Angola e o Prémio Nacional de Cultura e Artes – 2006. Em 2011 recebe o Diploma de Honra da UNAC com o título de “Pilar da Dança” em Angola.

Não se desligando da sua actividade docente, tem partilhado com alunos de diversas instituições os seus conhecimentos.

É membro individual do Conselho Internacional de Dança (CID) da UNESCO. Actualmente é consultora da Ministra da Cultura. Como quadro superior do Ministério da Cultura angolano participa na concepção dos cursos de formação em dança e elaboração dos respectivos planos de estudo e programas curriculares, insistindo assim na importância e necessidade de um ensino das artes em Angola.

Prosseguindo o desenvolvimento do seu projecto de investigação sobre as danças tradicionais angolanas existentes e em risco de extinção, prepara o seu doutoramento na Faculdade de Motricidade Humana em Lisboa, com a Stanford University (EUA).

Email: anagmarques@hotmail.com

LinkÁfrica - Youtube - Aula para o Programa

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“Biografia”: Ana Clara Guerra Marques, pioneira e revolucionária na dança angolana

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Ex-aluna da Escola Mudra-Afrique de Maurice Béjart em Dakar, Irène Tassembédo é uma das maiores figuras da Dança na África contemporânea. Há mais de três décadas que desenvolve um trabalho coreográfico original, combinando a dança contemporânea e dança africana, reinventando novas linguagens para a dança. Para além da dança, Iréne Tassembedo, desenvolve também actividade, como actriz no teatro, cinema e televisão. Após 30 anos de carreira internacional, Irène Tassembédo voltou a estabelecer-se, em 2007 no Burkina Faso, seu país de origem, transmitindo a sua experiência profissional a bailarinos, coreógrafos e outros artistas do continente africano. Continua a criar peças coreográficas com a sua própria Companhia, a CIT, Compagnie Irène Tassembédo, e trabalha no desenvolvimento de projetos culturais inovadores como a EDIT, Escola Internacional de Dança. Em janeiro de 2013, Irène Tassembédo lançou o Festival Internacional de Dança de Ouagadougou, FIDO, um festival aberto a todas as formas de expressão coreográfica, no qual cerca de vinte companhias de dança de todo o mundo se apresentam regularmente todos os anos. O FIDO estabeleceu-se rapidamente como um ponto de encontro internacional de alto nível para a dança na África, aberto em particular às diásporas africanas em todo o mundo. Actualmente, prepara também a sua primeira longa metragem como realizadora.

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Merveilleux spectacle de danse sous le ciel étoilé de Ouagadougou

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Muito se tem discutido sobre a derrubada de monumentos escravagistas e que referenciam algumas das figuras mais tenebrosas na história do nosso país e do mundo, por outro lado, os diversos movimentos negros ao longo dos anos tem lutado para difundir narrativas pretas sempre tão invisibilizadas, deturpadas e silenciadas. Pensando nisso separei alguns monumentos grandiosos e pouco conhecidos que valorizam e enfatizam a trajetória de luta e resistência do povo preto e nos conectam com a nossa memória. Segue a lista:
Monumento da Renascença Africana, em Dacar, Senegal

Com 49 metros de altura, este é um dos mais visitados na África. Foi erguido para homenagear os 50 anos da independências do Senegal em 2010. Maior que o Cristo Redentor (38 metros), custou 27 milhões de dólares e é um dos maiores do monumentos do mundo perdendo apenas para estátuas como o Buda Chinês e a Estátua da Liberdade. A obra africana de bronze foi desenhada pelo arquiteto senegalês Pierre Goudiaby, mas sua construção também gerou algumas controvérsias, muitos consideraram o custo da estátua um exagero em um país com muitas demandas importantes, já outros senegaleses apoiaram a empreitada, defendendo que ela simboliza a ascensão da África em meio "à intolerância e ao racismo".

Estátua de Gaspar Yanga, Yanga, México

A Estátua é uma homenagem a Gaspar Yanga, líder de uma revolta contra a Espanha colonial, ele se rebelou contra a escravidão e fundou uma comunidade agrícola em 1570, após uma série de batalhas a cidade de San Lorenzo de Los Negros (mais tarde renomeada para Yanga) foi reconhecida oficialmente pela Espanha em 1618. Todos os anos, em agosto, os habitantes de Yanga realizam uma celebração em comemoração a derrota da Espanha e criação da primeira cidade para negros livres nas Américas.
Museu Memorial ACTe , Point à Pitre, Ilhas Guadalupe

Inaugurado em maio de 2015, o Centro Caribenho de expressões e de memória do comércio escravagista é o edifício referência de Pointe à Pitre, e o maior do mundo. O Complexo não é apenas um memorial em lembrança do tráfico de negros entre África e Caribe, mas um Centro de Estudos sobe a história da escravidão e dos direitos humanos. Sua fachada é recoberta por placas de quartzo negro, representando os milhões de almas que foram vítimas da escravidão.
Memorial Nelson Mandela, Howick, África do Sul

O artista sul-africano Marco Cianfanelli desenvolveu um memorial para reconhecer o aniversário de 50 anos do ativista, político e líder histórico da África do Sul, Nelson Madela. O Monumento é composto de 50 colunas de aço com 9 metros de altura, ancoradas em concreto. As 50 colunas representam os 50 anos desde que Mandela foi preso político por se opor ao apartheid.
Desenkadena (Tula Monument), Curaçao

O Monumento foi feito pelo artista visual Nel Simon, "Desenkadena" significa desacorrentado. Ele está instalado em homenagem a Tula Regard, lider de uma Revolução de Escravos na ilha em 1795.
Zumbi dos palmares, Salvador, Brasil

Uma homenagem ao líder do Quilombo dos Palmares, líder da fuga de escravos em direção a Serra da Barriga, em Alagoas. Construído pela artista plástica Márcia Magno, a estátua de bronze de 2,2 metros de altura pesa cerca de 300 quilos, e fica localizada na Praça da Sé, Centro Histórico de Salvador, sendo a primeira estátua a retratar Zumbi de corpo inteiro. Em 2019 parte da lança da estátua foi furtada e segundo a prefeitura o restauro da peça custou cerca de 38 mil reais.

Canção da Redenção, Kingston, Jamaica

Inspirado pela composição de Bob Marley, está localizado na capital da Jamaica, Kingston, na área central do Parque da Emancipação inaugurado em 2013, mostra um casal negro olhando para o céu representando a emancipação negra frente aos horrores da escravidão. A artista se baseou nas palavras contidas na música: "Emancipem-se da escravidão mental, ninguém além de nós mesmos pode libertar nossas mentes".

Dois artigos serviram de inspiração para essa curadoria, você pode conferir e aqui

Comments

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7 Monumentos negros incríveis que você precisa conhecer - Mundo Negro

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Muito se tem discutido sobre a derrubada de monumentos escravagistas e que referenciam algumas das figuras mais tenebrosas na história do nosso país e do mundo, por outro lado, os diversos movimentos negros ao longo dos anos tem lutado para difundir narrativas pretas sempre tão invisibilizadas, deturpadas e silenciadas.

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TELA - Espaço virtual de artistas moçambicanos

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TELA - Espaço virtual de artistas moçambicanos

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A TELA é um espaço digital dinâmico e um ponto de encontro que junta artistas, curadores e promotores culturais com o objectivo de documentar, divulgar e promover as Artes Visuais produzidas em Moçambique.

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The Other Story - 1989 - Curadoria Rasheed Araeen

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The Other Story - 1989 - Curadoria Rasheed Araeen

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'The Other Story', the Hayward Gallery's show of Afro-Asian
artists in post-war Britain (29 November 1989 - 4 February 1990), received a rough ride in the press. But in the January 1990 issue of Arts Review, Jane Bryce took issue with what she described as the "extraordinarily patronising tone of most of the reviewers".

The Other Story, says Rasheed Araeen, curator of the exhibition, "is not a question of accepting or rejecting the white culture's notion of quality in favour of some mythical black aesthetic, but of engaging and questioning the dominant art practice". It is impossible to do this without confronting the aesthetic arbiters, the mainstream critics, whose attention is the measure of the significance of any artistic event.

Organisers of exhibitions of work by Afro-Asian artists know how difficult it is to interest the mainstream press in anything that can be labelled 'black' or 'ethnic'. Exhibitions like the Whitechapel's From two worlds: 16 young artists of non-European backgrounds in 1986, or Zamana's Art of south-western Nigeria in 1988 were resolutely overlooked by all but specialist publications like this one. Araeen's achievement in staging his exhibition 'In the Citadel of Modernism' (ironic title of the show's first section), after eleven years of perseverance, is at least in part, that it could not be ignored.

The critics' comments create the parameters within which the artist's work will be viewed and assessed, and, cumulatively, contribute to situating it within contemporary art history. There are those, like the contributors to the catalogue, who have consistently demonstrated an informed appreciation of those Other voices counterpointing the establishment Story. They in turn are countered by the frontline of the establishment defence, which posits, in opposition to Araeen's question: "Why is there no open or public debate about the absence of non-European artists from the history of modern art?", "Why have Afro-Asian artists failed to achieve critical notice and establish a London market for their work? To that the answer is short - they are not good enough. They borrow all and contribute nothing."

The notion of 'originality', central to criteria of modernist 'excellence', is, at best, extremely unstable. An untitled painting by the South African, Gavin Jantjes, explicitly points to the modernist borrowings of such artists as Ernst, Klee and Picasso. These unattributed borrowings are part of a tradition of appropriation which includes Aesop's Fables (now seen as Greek); the influence of Islamic poetry in the medieval courtly love tradition, so strenuously denied by Christian commentators; Chaucer's borrowings from Boccaccio who borrowed from the Arabian Nights; and Dante's reading of rural Indian folktales, explored in this exhibition in a remarkable series of paintings from the Divine Comedy by Saleem Arif.

The polarisation of values fundamental to western culture and philosophy is radically questioned by The Other Story. The named vs. the unnamed, traditional vs. contemporary - such dichotomies are examined, both seriously and playfully, and ultimately synthesised in a way "that very exclusive hell called the English art scene" has no language for. Instead, "Avinash Chandra's 1950's concoctions of squiggled biomorphs and wriggling, abstracted body parts look dated, uninspired responses to Klee or Ernst" rather than being recognised as arising directly from Indian painting tradition.

The critical consensus on the work of these 24 artists from Africa, the Caribbean, India, Pakistan, Palestine, Japan, the Philippines, Sri Lanka, China and England, from Ronald Moody, born in Jamaica in 1900, to Sonia Boyce, Keith Piper and Eddie Chambers, born in the UK in the 1960s, is "tame and derivative", "not particularly convincing or enlightening... for the simple reason that much of the art displayed is not very good" The conclusion: "For the moment, the work of Afro-Asian artists in the west is no more than a curiosity, not yet worth even a footnote in any history of 20th century western art".

What is at stake, in a nutshell, is the history of modern art, and the exclusivity and status of the works which form its mainstream. The Other Story, far from being a footnote, is more like jazz improvisation, a daring synthesis of the familiar and the strange, full of dazzling departures, humour, irony, abstraction and experimentation. It has no difficulty in paying homage to the ancestors, while being fully conscious of its part in contemporary artistic expression.

The excellent gallery talks by black artists giving their personal responses are a recommended alternative way into this exhibition. Jacques Rangasamy, talking about the significance of light in Indian sculpture, illuminated the work of sculptor Avtarjeet Dhanjal, which "unites the two first principles - black, dense stone, animated by light", in the form of flickering candles inset in rock. This synthesis, which he traced through the work of several other artists, is opposed to the thesis and antithesis of western art historical discourse. "We have", he said, "to talk of potential - the history of this exhibition begins now and is yet to be written".

First published in Arts Review, January 1990

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The Other Story, says Rasheed Araeen, curator of the exhibition, "is not a question of accepting or rejecting the white culture's notion of quality in favour of some mythical black aesthetic, but of engaging and questioning the dominant art practice".

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Aspectos da Arte Africana em Frank Willett (Podcast HIstória+)

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Para falar sobre a globalização da arte, eu conversei com a Amélia Siegel Corrêa. A inspiração para gravar esse tema veio de seu trabalho super interessante sobre uma exposição de 1989 no Centro Pompidou (Paris).

Chamada de "Magiciens de la Terre", essa exposição teve como princípio a seleção de artistas de diferentes países, visando apresentar um caráter globalizante.
Ouça esse podcast na Apple Store Ouça esse podcast no Spotify Amélia Siegel Corrêa
Possui graduação em Ciências Sociais pela Universidade Federal do Paraná (2002), mestrado em Sociologia pela UFPR (2006) e doutorado em Sociologia pela Universidade de São Paulo (2012).

Foi pós-doutoranda do Programa de Pós Graduação em Sociologia da UFPR, professora do curso de Especialização em História Social da Arte da PUC-PR,Professora da Pós-Graduação Fotografia e Imagem em Movimento da Universidade Positivo, professora substituta de Sociologia na UTFPR e também no Setor de Educação da UFPR.

É pesquisadora do Núcleo de Estudos de Gênero da UFPR e professora convidada da Pós-Graduação História da Arte e Curadoria da PUC-PR. Atualmente é Pós-doutoranda em Antropologia pela Universidade de Copenhagen, onde é pesquisadora no projeto 'Global Europe: Constituting Europe from the outside in through artefacts'.

Atua também como consultora na área de projetos culturais, museus e curadorias.

Paulo Varella

Estudou cinema na NFTS (UK), administração na FGV e química na USP. Trabalhou com fotografia, cinema autoral e publicitário em Londres nos anos 90 e no Brasil nos anos seguintes. Sua formação lhe conferiu entre muitas qualidades, uma expertise em estética da imagem, habilidade na administração de conteúdo, pessoas e conhecimento profundo sobre materiais. Por muito tempo Paulo participou do cenário da produção artística em Londres, Paris e Hamburgo de onde veio a inspiração para iniciar o Arteref no Brasil. Paulo dirigiu 3 galerias de arte e hoje se dedica a ajudar artistas, galeristas e colecionadores a melhorarem o acesso no mercado internacional.

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A globalização da arte. Até que ponto ela ocorre de forma igualitária?

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Para falar sobre a globalização da arte, eu conversei com a Amélia Siegel Corrêa. A inspiração para gravar esse tema veio de seu trabalho super interessante sobre uma exposição de 1989 no Centro Pompidou (Paris). Chamada de "Magiciens de la Terre", essa exposição teve como princípio a seleção de artistas de diferentes países, visando apresentar um caráter globalizante.

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Magiciens de la Terre - Paris - 1989 - Curador Jean-Hubert Martin

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Magiciens de la Terre - Paris - 1989 - Curador Jean-Hubert Martin

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Presença de importantes artistas africanos e exposição significativa do movimento de arte africano.

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Répteis Huang Yong Ping, 1989 | Instalação: papel machê, máquinas à pia 7 x 4 x 3m. | Exposição: Les Magiciens de la Terre, Grande Halle de la Villette, Paris, França, 1989. © Huang Yong Ping.

No ano de 1989, o curador Jean-Hubert Martin deu vida a tão aclamada Magiciens de la Terre, uma exposição que apresentou obras de mais de cem artistas de cinquenta países no Centre Pompidou e no Grande Halle do Parc de la Villette em Paris. Até hoje, essa exposição globalizante é um dos acontecimentos mais relevantes para a história da arte

" Magiciens de la Terre é a primeira exposição verdadeiramente internacional, reunindo artistas de todo o mundo." - Jean-Hubert Martin, L'Art au large, Paris: Flammarion

Supostamente, na época, 300.000 visitantes compareceram à exposição, e o catálogo da mesma nunca foi traduzido em outras línguas para além do francês, causando um conflito direto com a proposta de globalização.

Para além da atenção do público, o que mais surpreendeu na época foi a crítica voltada a exposição. Até hoje, Magiciens de la Terre é objeto de debates curatoriais, pois gerou questionamentos sobre a sólida estrutura da história da arte eurocêntrica.

O conceito e a crítica por de trás da mostra

Metade dos 104 artistas expostos vieram de países ditos "não ocidentais", inclusive artistas hoje bem conhecidos, como Chéri Samba ou Cildo Meireles. Com uma equipe de orientadores, o curador viajou pelos cinco continentes, visitando artistas com formações acadêmicas e autodidatas, não se deixando levar pela discriminação entre arte e artesanato no momento da seleção de obras.

Pinturas tradicionais de Yuendumu (comunidade aborígine na Austrália) e no fundo "Red Earth Circle", uma obra de Richard Long no Grande Halle, Parc de la Villette, Paris 1989 © Centre Pompidou, Bibliothèque Kandinsky

A proposta da mostra era acabar com o monopólio da arte europeia - americana e sua perspectiva narcisista. Dessa forma, a exposição descrevia a prática artística como um fenômeno universal e espiritual em um mundo global. No catálogo, havia uma espécie de atlas do mundo da arte, onde a origem geográfica de cada artista era destacada.

Devido a uma mudança na exibição dos continentes, o local da mostra sempre foi localizado no centro do mundo - um apelo metafórico para uma nova geografia da história da arte. Com sua prática curatorial, Jean-Hubert Martin queria se dissociar da exposição de William Rubin sobre o "primitivismo" na Arte do Século XX, Affinities of the Tribal and the Modern, apresentado em 1984 no Museu de Arte Moderna de Nova York.

Primitivism in 20th Century Art: Affinity of the Tribal and the Modern, 1984 | Museu de Arte Moderna de Nova York

O grandioso projeto de Jean-Hubert Martin não o trouxe só elogios, mas foi fortemente debatido em dois campos. Um lado via Magiciens de la Terre como uma ameaça à sua modernidade "ocidental", sua visão de mundo hegeliana, que precisava ser defendida. O outro lado criticou a forma como Martin lidou com artefatos religiosos ou cerimoniais, julgando-os pelas lentes dos padrões estéticos "ocidentais".

O curador classificou-as como obras de arte sem olhar mais de perto sua função, ignorando assim uma parte essencial de seu significado. Sua busca pelas dimensões autênticas e espirituais da arte também foi apontada contra ele.

Muitas vezes o curador selecionava um artista supostamente "tradicional" ou privilegiava a "originalidade" de um artista autodidata - mas apenas em relação à arte "não ocidental". As vozes de artistas profissionais não foram ouvidas.

Ao impor o papel de contrapartida da arte acadêmica ocidental à arte de países "não ocidentais", o curador reforçou sua imagem exótica de arte popular "primitiva". Assim, o conceito de Martin não era mais do que um frágil gesto de igualdade? Por mais que o curador tenha se distanciado da exposição de Rubin, os críticos prontamente equipararam sua abordagem à atitude neocolonial de Rubin.

Obras de Chéri Samba (República Democrática do Congo) no Grande Halle, Parc de la Villette, Paris 1989 © Centre Pompidou, Bibliothèque Kandinsky

A relevância de Magiciens de la Terre para história da arte

A importância da exposição Magiciens de la Terre é indiscutível, embora o conceito certamente pareça inadequado e desatualizado para os padrões de hoje. Na época, o próprio curador acreditava que a mostra era a primeira tentativa de transformar o mundo da arte dominado pelo "ocidental".

Esse valor a essa mostra em especifico se deu por causa de todas as críticas que a exposição inaugurou em uma era que progressivamente se democratizou e se descentralizou o discurso da arte.

Porém, atualmente, Magiciens de la Terre é considerada o nascimento da chamada "virada global", como o incentivo para inúmeras exposições que desde então empreenderam uma reescrita pós-colonial da história, por exemplo, Sete Histórias sobre a Arte Moderna na Africa ou Africa Remix. Depois da mostra "Primitivismo" na arte do século XX, a exposição mediada por Martin foi o estopim para os estudos pós-coloniais de curadoria e enfatizou a necessidade de um discurso de arte global.

Magiciens de la Terre | Sunday Jack Akpan, 1989

Hoje, mais de 30 anos após Magiciens de la Terre, a globalização do mundo da arte está no seu auge, estamos presenciando a era das bienais, artistas nômades e curadores interconectados. Apesar disso, a exposição ainda inspira debates sobre nossa sociedade global e suas relações de poder geopolíticas e hierarquias.

Magiciens de la Terre não é apenas uma importante peça da história da arte. O fator principal para a discussão contínua da mostra na literatura, em painéis e exposições é que sua demanda por um mundo da arte igualitário não foi, até hoje, consistentemente satisfeita. Muitas das perguntas que foram levantadas na exposição ainda estão esperando para serem respondidas.

Veja o documentário completo sobre a exposição

Fontes:

Equipe Editorial

Os artigos assinados pela equipe editorial representam um conjunto de colaboradores que vão desde os editores da revista até os assessores de imprensa que sugeriram as pautas.

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Magiciens de la Terre: a mostra que revolucionou o mundo da arte - arteref

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No ano de 1989, o curador Jean-Hubert Martin deu vida a tão aclamada Magiciens de la Terre, uma exposição que apresentou obras de mais de cem artistas de cinquenta países no Centre Pompidou e no Grande Halle do Parc de la Villette em Paris.

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Vol 16, No 2 (2007): Nordic Journal of African Studies

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Vol 16, No 2 (2007): Nordic Journal of African Studies

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Ler especialmente o artigo:

Notion of Hybridity in the Discourse of Some Contemporary West African Artists

PDF

Raisa Simola

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Published 2007-06-30

Abstract

It has been stated that Western collectors, cultural institutions and audiences are decidedly more at ease with artists from Africa laying claim to their "African identity" than with those who do not. The art world discourse assumes that any approach to their work must centre on their own relation to a primordial "tradition". The six cases under consideration here are no exceptions in terms of expressing their Africanness. But there is something else in them, too. Today, it sounds quite old-fashioned to talk of someone having a "pure African identity" or "a pure European identity": in fact, it is almost a slogan to talk of "hybrid identities". In my view, however, this slogan has not been opened too often: how is "hybridity" in various cases constructed, relatively speaking? The six artists under discussion have been classed here into two categories: those living in Africa and those living in Europe.

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Notion of Hybridity in the Discourse of Some Contemporary West African Artists

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Published 2007-06-30 It has been stated that Western collectors, cultural institutions and audiences are decidedly more at ease with artists from Africa laying claim to their "African identity" than with those who do not. The art world discourse assumes that any approach to their work must centre on their own relation to a primordial "tradition".

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Fusion - West African Artists at the  Venice Biennali - 1993

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Fusion - West African Artists at the  Venice Biennali - 1993

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Fusion: West African Artists at the Venice Biennale

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This catalogue contributes to a new understanding of "African art," removed definitively from the realm of the ethnographic, and firmly placed within the framework of the transcultural aesthetic

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Meyer Fortes e Evans Pritchard - Sistemas Politicos Africanos

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Meyer Fortes e Evans Pritchard - Sistemas Politicos Africanos

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Os temas abordados nesta sequência tocam no sagrado, no divino. História, patrimônio imaterial, divindades e sua cosmogonia são fontes de inspiração e campos de exploração para esses artistas mensageiros.
Como o invisível pode ser dito e tornado visível?

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Beninese art of yesterday and today: from restitution to revelation

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Contemporary art - Beninese art of yesterday and today: from restitution to revelation

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Contemporary art from Benin Contemporary art in Benin and its diaspora presents a diversity of forms and aesthetics. The creators, with multiple backgrounds and profiles, self-taught or graduates of art schools, express through their works their singular vision of contemporary Benin, nourished by the sap of tradition and a will to change.

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Contemporary Benin : la scène contemporaine Béninoise à l'honneur (onart.media)

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De Abidjan à Dakar en décembre, en passant par Cotonou en septembre, la création contemporaine Béninoise sera célébrée tout au long de l'année. Ceci à travers une initiative du collectionneur Béninois Idelphonse Affogbolo, qui mobilise les artistes de son pays pour une exposition itinérante en Afrique de l'Ouest sous la thématique " Contemporary Benin ".
L'initiative vise à montrer le talent des artistes africains, mais est aussi un moyen d'alerter les amateurs, collectionneurs et les décideurs politiques du continent sur la nécessité d'acquérir les œuvres des artistes du continent.
Cette première étape du projet met sous les feux des projecteurs plus de cent-cinquante pièces d'artistes contemporains tels que Laeïla Adjovi, King Houndekpinkou, Julien Sinzogan, Gerard Quenum, Nathanaël Vodouhe, et bien d'autres.

L'exposition " Contemporary Benin " présentée à la Fondation Donwahi et à la Galerie Amani d'Abidjan offre aux visiteurs, des tableaux, des sculptures, des photographies, des céramiques...etc. Des œuvres autant dissemblables les unes des autres, mais qui mettent en avant la richesse contemporaine du continent africain.
A cette étape du projet, le public ivoirien fait la découverte des valeurs artistiques du Bénin. Ce qui pourrait s'étendre aux autres pays du continent africain pour les années à venir.

Ce projet pour le collectionneur Idelphonse Affogbolo est une démarche permettant de raconter sans ethnocentrisme ni exclusivité, l'histoire africaine aux peuples, à travers les œuvres d'art, mais aussi pour lancer un appel aux dirigeants africains afin qu'ils mettent en place " un fond d'acquisition des œuvres d'artistes africains ".
Il revendique également le besoin de montrer en Afrique les meilleures créations de ces artistes. Une perception qui épouse les ambitions de la Fondation Donwahi, créée en 2008 pour présenter et soutenir la création contemporaine africaine dans sa pluralité.

Les artistes présents sur l'exposition " Contemporary Benin "

Laeïla Adjovi

Après un stage dans une ONG indienne, la franco-béninoise, Laeïla Adjovi acquit de nombreuses compétences techniques en photographie argentique. Ayant un penchant pour l'art, la journaliste reporter, auteure, artiste-chercheur allie dessin et photographie dans ses travaux.
Dans le cadre d'un projet de photographies et témoignages sur les épouses d'émigrés initié en 2015 avec la journaliste Aurélie Fontaine, elle photographia des conjointes d'hommes allés en aventure, à la recherche du mieux-être laissant derrière eux leurs familles.
Pour cette artiste, photographier, c'est figer le reflet fugace du monde visible, captiver la lumière et choyer cette ombre partout où elle existe, puis la fixer sur le papier et y tremper quelques mots.

Eliane Aïsso

Eliane Aïsso
Hope VII, 69 x 52cm, 2020, Photographie mixte
© Charles Placide

Eliane Aïsso fait de la photographie blanc et noir avec une touche propre à ses créations. Très attachée à sa terre natale, le Bénin, elle s'inspire de sa culture pour créer des œuvres à forte dimension spirituelle.
Quelques fois, ses médiums de prédilection peuvent être du pastel sur du plastique, du papier vert et des lames de rasoir pour réaliser une œuvre à l'allure d'un tableau; une prouesse qui caractérise son travail et sa démarche artistique.
La diplômée d'histoire de l'art, aime faire revivre dans ses créations les vestiges, les symboles et la tradition puis témoigne aussi sur la condition féminine et les faits de société.

Joël Degbo

Diplômé de l'École des Beaux-Arts, Joël Degbo est un artiste qui relance le débat sur la notion du patrimoine à travers ses peintures et vidéos.
L'artiste dévoile les images du passé comparées au présent afin de projeter le futur. La particularité de ses peintures réside dans sa capacité à agir sur le regard du visiteur qui ne peut que voir selon sa prise de position.

Senami Donoumassou

Elle consacre son art à la lutte pour l'émancipation des femmes africaines. Créative et avant-gardiste, elle réoriente sa vie vers la photographie après son parcours d'étudiante. Son travail artistique tend vers la connaissance de l'humain, de son environnement, de ses caractères, ses pratiques cultuelles, son histoire et parfois sa prédestination.
Privilégiant la technique du photogramme au détriment de l'appareil photo, sa méthode consiste à poser des objets sur un papier photosensible et de les éclairer pour, à travers des empreintes lumineuses, ressortir des traces spectrales, des successions de transparences en vue de créer des formes d'objets de culte de sa tradition animiste.

King Houndekpinkou

Élève du maître céramiste Kayoko Hayasaki, l'artiste King Houndekpinkou a affiché un intérêt particulier à la culture traditionnelle japonaise en s'initiant à la pratique de la céramique à Bizen au Japon.
Travaillant entre le Bénin et le Japon, l'artiste céramiste fusionne l'argile de plusieurs continents pour en faire des œuvres qui font ressortir ses expériences initiatiques de rencontres entre cultures. Chacune de ses créations se fait en plusieurs étapes dont une première au Japon, une seconde au Bénin et la dernière en France. Celui que l'on surnomme le Picasso de la poterie d'art combine les essences indispensables à la vie : "l'eau, la terre, l'air et le feu", pour permettre aux énergies spirituelles de s'exprimer.

Grégory Olympio

Paysagiste et portraitiste, l'artiste Grégory Olympio est partagé entre les cultures française, togolaise et béninoise. Basé en France, il est une sorte de passerelle qui fait rayonner la culture africaine.
A la recherche des contours de cette culture plurielle, il s'intéresse aux frontières, à tous ces espaces plus ou moins tangibles qui relient ou qui séparent, en fonction de l'endroit où l'on se trouve.

Thierry Oussou

Formé à la Rijksakademie Van Beeldende Kunsten, l'artiste peintre-vidéastre, archéologue sociale, Thierry Oussou vit entre le Bénin et les Pays-Bas. Il est aujourd'hui un dessinateur affirmé grâce au soutien de l'artiste contemporaine Edwige Aplogan, qui l'a inscrit à un atelier d'expression où il a su exposer son savoir-faire. Il soumet aujourd'hui dans ses créations les réalités cultuelles de la tradition béninoise en privilégiant les masques et les compositions graphiques abstraites, énergie nécessaire à l'exercice des cultes animistes.

Gerard Quenum

Sculpteur et peintre, l'artiste Gérard Quenum prône un métissage temporel, géographique et culturel en confrontant traditions et modernités dans ses peintures et installations.
Basé au Bénin, où il vit et travaille, il présente dans ses peintures des scènes de vie librement positionnées dans l'espace bidimensionnel de la toile. Ces aplats, coloriés à dominance bleu et noir dans un fond blanc, sont souvent faits au format minimal comme pour aller à l'essentiel.
Ses œuvres, autres sculptures faites de vieilles poupées, dépeignent l'injustice subie par les enfants manipulés, enrôlés dans les conflits, drogués, malades, abandonnés dans le monde. Une manière de ressortir son sentiment d'horreur et de révolte.

Remy Samuz

À l'instar des oiseaux qui tissent des nids, Rémy Ama Sossouvi a choisi tordre, tresser, assembler et tisser des fils de fer depuis son enfance. Il modèle des sculptures, leur donne des formes de personnages, d'animaux amusants et surprenants quelques fois ! Son travail artistique aborde les thématiques diverses, relatives à l'environnement, la société, le genre, ou les maux qui minent l'Afrique.

Julien Sinzogan

Julien Sinzogan

Julien Sinzogan est né en 1957 à Porto-Novo. Il avait vécu et travaillé en France pendant près de trente ans, et est récemment revenu poser ses valises sur sa terre natale, le Bénin.
Son travail aborde diverses thématiques mettant en avant les faits de société, la condition féminine, le mode de vie traditionnel tout en explorant les voyages entre l'existence physique et le domaine spirituel. Il invoque aussi très souvent dans ses œuvres un retour à la maison des esprits des esclaves ancestraux partis pour les Amériques. Une manière particulière pour lui d'honorer la mémoire des déportés qui ont péris dans cet ignoble commerce.

Tchif

Ancien caricaturiste de presse, l'artiste peintre et photographe Francis Nicaise Tchiakpè s'est mué en peintre militant, qui expose et vend à travers le monde, tout en restant ancré à Cotonou.
Autodidacte et dessinateur depuis l'enfance, il peint ses tableaux avec des pigments naturels, parfois avec de l'acrylique et/ou de la peinture à l'huile tout en privilégiant les ocres rouges, bleus, jaunes dans la plupart de ses compositions. Aujourd'hui, l'artiste a ouvert un espace culturel qui, porte son nom, se veut engager, interpelle et essaie d'agir sur la mentalité.

Julien Vignikin

Peintre, sculpteur et plasticien, Julien Vignikin a évolué graduellement dans la pratique de l'art. Du dessin, il réalise des installations en utilisant des matériaux de récupération, et est aussi passé par la peinture et les sculptures.
Ce parcours initiatique fait la singularité de son style artistique. Ce qui lui permet de refléter dans ses œuvres un regard critique sur la société et ses émotions.
L'artiste qui entre tradition et modernité, s'inscrit dans une double identité, mêle art occidental et héritage africain afin de pouvoir influencer positivement son environnement.

Nathanael Vodouhe

Travaillant le bois qu'il brûle volontiers selon le message qu'il tient à faire porter à son personnage figuratif, l'artiste-peintre et sculpteur Nathanaël Vodouhe est basé à Cotonou.
Défenseur de l'humain et opposé à la destruction que le consumérisme génère, il dénonce et lutte contre le tabac et ses conséquences néfastes sur la santé humaine à travers ses géantes sculptures en bois.
L'artiste Nathanaël Vodouhé sculpte des bustes avec un soin particulier pour représenter des baguettes de cigarettes qui se consument au détriment de leurs formes élégantes et raffinées.

Dominique Zinkpè

Autodidacte et polyvalent, les œuvres de l'artiste Dominique Zinkpè portent les marques d'un mysticisme Béninois. Reconnu à l'international, il sculpte des statuettes , une représentation des jumeaux décédés, pour permettre d'apaiser la douleur des parents.
Au-delà de l'esthétique et de leur beauté, le côté sacré des fait l'originalité de la création de cet artiste qui, quelques fois, s'adonne au dessin, à la peinture, à la performance et aux installations. Originaire d'Abomey, il utilise sa peinture pour transcrire l'âme et l'énergie des divinités ; une sorte de mise en avant des pratiques cultuelles de chez lui. Ses créations artistiques évoquent généralement les jeux de pouvoir, la sexualité, les faits socioculturels et parfois la politique.

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" Contemporary Benin " : L'encensement de la scène contemporaine Béninoise en Côte-d'Ivoire.

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De Abidjan à Dakar en décembre, en passant par Cotonou en septembre, la création contemporaine Béninoise sera célébrée tout au long de l'année. Ceci à travers une initiative du collectionneur Béninois Idelphonse Affogbolo, qui mobilise les artistes de son pays pour une exposition itinérante en Afrique de l'Ouest sous la thématique " Contemporary Benin ".

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Arte e Artistas em Moçambique: falam diferentes gerações e modernidades (Parte 1) | BUALA

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O que se conhece ou se imagina, em 2011, no momento em que escrevo este texto, sobre a arte e os artistas de Moçambique? Quantos coleccionadores, curadores ou investigadores se interessam pela arte e pelos artistas deste país da África Austral? O que reflecte o trabalho dos seus artistas? Que artistas são conhecidos? Quantos artistas de Moçambique ambicionam mostrar o seu trabalho fora de Moçambique? Malangatana, talvez o artista que, desde os anos 60 do século passado, mais longe levou o nome de Moçambique, usou os seus pincéis para combater o colonialismo, para falar da guerra vivida pelo país independente, para, até ao fim dos seus dias, mostrar as suas preocupações em relação à pobreza e à injustiça mas também para criar alegria nas pessoas. 1 Deixou-nos logo no início deste ano, poucos dias depois de Shikhani, seu companheiro de muitos anos na vida e nas artes. "Fico a dever, em grande parte, ao Malangatana o facto de ser hoje aquilo que chamarei de escultor. Pois foi o Malangatana quem me levou ao "Núcleo de Arte", disse Shikhani. 2 Este artista abraçaria também, nos anos seguintes, a pintura e o desenho e, à sua maneira discreta, os seus trabalhos comentaram e referiram-se a muitos acontecimentos vividos por Moçambique. Pintou, como disse um dia, o peso da dor, das doenças, das carências, das humilhações, do sofrimento 3 mas também as suas vivências mais simples. Bertina Lopes, a pintora que marcou a geração de Malangatana com a sua pintura forte, de temática social e política, é referência obrigatória desses anos primeiros e continua a sê-lo para diversos artistas das gerações mais novas. Também Alberto Chissano, desaparecido em 1994, com a sua escultura moderna pelas suas formas e simbolismo, marcou e influenciou muitos dos escultores das gerações de artistas sem escola. Oblino foi um dos seus primeiros discípulos. Chissano e Malangatana foram até aos anos 80, no dizer de Bertina Lopes, "o espelho das artes plásticas" 4. A outras gerações de artistas, aos que se iniciavam no país que nascia, coube abrir caminho para outros, apresentar novas propostas como, por exemplo, o fizeram Victor Sousa ou Carmen Muianga. Mais recentemente, uma geração mais jovem de artistas como Jorge Dias ou Maimuna Adam cria trabalhos reflectindo uma identidade moçambicana mais global. Todos eles, e os demais artistas que referiremos, são parte de uma mesma história.

Escrever sobre esta história, sobre as artes visuais em Moçambique com enfoque na arte moderna e contemporânea para enquadrar e contextualizar o trabalho dos artistas seleccionados para a exposição a ter lugar na Finlândia, contribuindo para dar visibilidade à arte de um país 'marginalizado' dos principais centros artísticos e apenas com um pequeno número de artistas tendo tido oportunidade de (se) expor internacionalmente é estímulo suficiente para escrever este texto. Acredito ainda que as propostas destes diferentes artistas abrem caminhos à construção de uma narrativa sobre a história da arte moderna mais inclusiva, que aceita uma multiplicidade de ideias sobre a modernidade, a arte, os artistas africanos modernos e as práticas artísticas.
Os mais antigos

Alguns dos artistas referidos, em particular, Bertina Lopes, Malangatana, Shikhani, Chissano e Oblino remetem-nos a um tempo histórico - Moçambique colónia - vivido, de maneiras diferenciadas, por cada um destes artistas e muito diferente do país Moçambique de hoje.

Abordarei por isso aqui, sem detalhe, alguns dos passos dados, desde o início do século XX, que contribuíram para o desenvolvimento de um meio artístico na então colónia: o interesse e a acção individual de alguns e a criação e actividade de sociedades, instituições e associações. O Núcleo de Arte da Colónia de Moçambique, por exemplo, constituído em 1936, na cidade capital, que esta geração de artistas conheceu e que, em alguns casos, frequentou, não era acessível a todos os que queriam ser artistas. Barreiras raciais e sociais impediam, tal como em todos os outros domínios, esse acesso. Entre os africanos colonizados, negros portanto, a distinção entre 'assimilados' e 'indígenas' reproduzia a discriminação racial, social e cultural inseparável da situação colonial e proporcionava oportunidades diferentes de integração na sociedade colonial. Constituído com o objectivo de difundir a educação estética e promover o progresso da arte junto da população colona, entre as iniciativas do Núcleo de Arte contaram-se cursos de desenho, de pintura de cavalete, de escultura e a organização e promoção de exposições de diversos artistas, locais, de Portugal e de outras origens. Alguns anos mais tarde, à medida que nascia e se desenvolvia a consciência sobre a realidade colonial, entre os seus membros e alguns dos artistas com ele relacionados, as portas do Núcleo de Arte começaram a abrir-se aos artistas negros. O escultor Jorge Silva Pinto, o primeiro artista que o Núcleo de Arte convidou a visitar a colónia para realizar diversos trabalhos, acabou por se fixar e tornar-se professor durante largos anos. Alguns dos seus alunos, na Escola Industrial, hoje artistas, fizeram ou fazem escultura. Outros, como Chichorro (n.1945), recordam o professor. Shikhani (1934-2010), por exemplo, foi aluno de José Lobo Fernandes, um dos alunos de Silva Pinto. O mesmo aconteceu com outros artistas que vieram para a colónia e que influenciaram, de diferentes formas, o ambiente artístico local.

Para a maioria dos colonizados as oportunidades de educação artística eram quase inexistentes, limitadas à acção de algumas missões religiosas 5, de indivíduos ou de iniciativas ocasionais e pontuais. O interesse pela arte praticada pelos africanos foi igualmente manifestação de poucos indivíduos. As gerações letradas e cultas, de mulatos e negros 'assimilados', que emergiram no contexto colonial puderam desenvolver diversas formas de intervenção social e cultural, através dos jornais 6 que fundaram ou em que colaboraram e das associações que criaram. De destacar o Grémio Africano/Associação Africana da Colónia de Moçambique e o Instituto Negrófilo/Centro Associativo dos Negros de Moçambique na capital da colónia mas não esquecendo a existência de associações do mesmo tipo em outras cidades. Nas primeiras décadas do século XX, o reconhecimento e a defesa da produção artística dos africanos não eram considerados impeditivos da aprendizagem de uma outra arte, da arte ocidental que se começava a praticar na colónia. As primeiras exposições de arte que se organizaram representavam assim, na opinião destes africanos letrados, 'um progresso para a terra e para os africanos'. 7 Da mesma maneira foi reconhecido o plano educador do Núcleo de Arte e foi entusiastaa reacção à vinda para a colónia do escultor Silva Pinto. 8 A importância do espírito de observação e da emotividade das práticas do pintor ou do escultor, aliadas ao estudo profundo do folclore da terra africana, abririam, na opinião do jornal, caminho para o escritor e para o surgimento de uma síntese artística.
Sinais de ruptura
A partir da década de 40, já num contexto questionador do colonialismo e de reivindicação mais acentuada das tradições artísticas africanas, um número muito pequeno de africanos recorria ao desenho, à pintura, à caricatura, à ilustração, à fotografia. Luís Polanah é um dos exemplos. A sua colaboração, principalmente em jornais, merece ser notada. Teve, mais tarde, oportunidade de prosseguir estudos superiores fora de Moçambique. Em 1949, a proposta de uma exposição de autores africanos, feita nas páginas de um jornal, simboliza os tempos de mudança que se anunciavam. 9 A ausência de 'artistas de cor em Moçambique', ou melhor, de 'artistas com escola', de artistas que tivessem frequentado um curso de pintura ou escultura para aperfeiçoar a sua vocação era notada ao mesmo tempo que se chamava a atenção para a 'arte colectiva' praticada pelos 'indígenas', alguns (o jornal citava os escultores maconde) verdadeiros artistas ignorados. Juntar numa exposição em que concorressem, em especial, 'indivíduos de cor', todos estes artistas, ignorados ou com vocação revelada, que não tinham frequentado escolas de arte, era entendido como um estímulo necessário à cultura artística de Moçambique. A necessidade de uma escola de arte para desenvolver o interesse e as vocações que se revelavam foi várias vezes referida. 10 A excepção que constituiu Bertina Lopes (n.1924), meio europeia e meio africana, que teve possibilidade de estudar Belas Artes em Portugal não muda muito a situação apresentada, embora houvesse algumas alterações nos anos seguintes.

A formação, sob orientação de um mestre ou feita de forma autodidacta, às vezes também fora de Moçambique, deu lugar a diferentes expressões artísticas. Artistas seguidores de princípios estéticos tradicionais, artistas modernos, artistas utilizando uma expressão moderna procurando carácter moçambicano estavam presentes e davam-se a conhecer aos diferentes mundos que coexistiam na colónia. Acompanhavam-se os novos desenvolvimentos artísticos mundiais e a procura de uma síntese entre as influências europeias e africanas. Sinais do neo-realismo, surrealismo e abstracção passaram a estar presentes na obra de alguns artistas vivendo e trabalhando em Moçambique ou aqui nascidos. A intervenção do artista João Ayres, numa primeira fase do seu percurso africano, foi muito marcada por temas locais, por temas da condição humana que ganhavam, no contexto colonial, mais força. Influenciou quase todos os que, no pequeno meio citadino, queriam ser artistas. A partir dos anos 50 verificou-se um aumento da população colona, no contexto da política colonial que se procurava adaptar aos tempos de mudança. Postos mais especializados de trabalho, maior oferta, melhores condições materiais, mais possibilidades de realização pessoal, entre outras razões, atraíram e fizeram fixar em Moçambique um número considerável de profissionais que muito contribuíram para o desenvolvimento das artes: arquitectos, artistas, professores, críticos, animadores culturais. A Beira, a segunda cidade, conheceu igualmente diversas iniciativas culturais. O Centro de Cultura e Arte congregou algumas delas. Garizo do Carmo, José Pádua, entre outros, deixaram na cidade marcas importantes da sua produção artística.

Jovens, oriundos da minoria culta de colonizados mas também filhos de colonos, inconformados com a situação colonial apareciam associados em várias iniciativas culturais, em particular, na capital mas também em outros pontos da colónia. O poeta Virgílio de Lemos, de múltiplas vivências, nascido e criado em Moçambique, refere-se à criação da revista Msaho, em 1952, como tendo uma intenção de ruptura com os paradigmas coloniais, como um hino à negritude, um movimento contra a discriminação dos negros e contra a opressão. 11 As ilustrações do primeiro e único número da revista ficaram a cargo dos artistas Antero Machado e João Ayres mas eram mais os artistas envolvidos, incluindo o seu irmão Eugénio de Lemos (1930-1995). Bertina Lopes, com quem Virgílio de Lemos foi casado, era já na época uma artista preocupada em intervir socialmente, em pintar os problemas do dia a dia. Os ventos de mudança e o desenvolvimento do nacionalismo e do anti-colonialismo criaram, nos anos seguintes, mais oportunidades de intervenção e participação. O Núcleo de Arte também entrou num período de maior actividade. Recomeçaram os cursos de desenho, pintura e escultura, organizaram-se debates sobre a arte académica e a arte moderna, patrocinaram-se exposições, realizaram-se palestras, fez-se crítica de arte nos jornais, com maior ou menor regularidade. Entre os seus membros, e com uma actividade considerável: Pancho Guedes/Amâncio Alpoim Guedes (n.1925). Regressado da África do Sul (Johannesburg), onde estudara arquitectura, encontrava tempo para se interessar por todas as artes. Desenvolveu na cidade uma actividade marcada por uma grande abertura e experimentação que teve reconhecimento internacional.
Artistas negros: entre o campo e a cidade
O colonialismo continuava a procurar adaptar-se aos novos tempos. O pensamento imperial cedeu lugar à Nação pluricontinental e multirracial. Com o objectivo de materializar esta política e de alargar a base social de apoio, alguns colonizados, vivendo e trabalhando nas cidades e exercendo as profissões que o colonialismo lhes destinava, foram encorajados pelo governo colonial a receber lições de arte, a aprender técnicas europeias, a tornar-se artistas. Jacob Estevão, Elias Estêvão (1937-1960?), Vasco Campira (n.1933), Agostinho Mutemba tiveram aulas com Frederico Ayres, um pintor naturalista que se destacou na pintura de paisagem e na pintura de história. Realizaram exposições em Moçambique e na metrópole, para dar visibilidade à 'acção civilizadora' exercida, mas o seu trabalho não foi nunca apreciado de forma independente. Olhados como derivativos e imitativos foi-lhes negada a possibilidade de explorarem individualmente esta experiência. É de notar a influência que exerceram junto de jovens do seu tempo para quem o seu exemplo foi decisivo na escolha que, alguns, mais tarde fizeram embora tenham sido muito poucos os que seguiram o seu género de pintura. Jacob Estêvão (1933-2008) é quem melhor representa o que acabamos de referir. Agostinho Mutemba (n. 1937), menos mediatizado, foi capaz de estabelecer uma relação diferente com o contexto cultural envolvente e prossegue calmamente, ainda hoje, um estilo próprio que tem apreciadores e seguidores. O seu trabalho, embora escapando a esta percepção dominante, não escapa à associação com a ideia de uma África que se mantém 'no passado'.

Malangatana (1936-2011), um outro jovem colonizado que ambicionava ser artista, começou a desenhar e a pintar nesta mesma época. Preferiu, como me disse, ter lições de arte no Núcleo de Arte onde ensinava João Ayres, um artista moderno que apreciava, e onde se encontravam pessoas que admirava. O que pintavam os irmãos Estêvão ou Vasco Campira, a sua temática, não o interessava. Passou a ser aluno da Escola de Pintura do Núcleo de Arte, actividade a que se dedicava com sacrifício e muita vontade dadas as suas obrigações laborais. Referiu, muitas vezes, algumas relações de amizade que aí forjou com colegas. José Júlio foi uma delas. A sua vontade também o levara a frequentar, à noite, um curso de pintura decorativa na Escola Industrial. Expôs pela primeira vez em 1959, numa colectiva organizada pela Casa da Metrópole. Pouco depois, no Núcleo de Arte, conheceu Pancho Guedes. Foi um encontro que mudou a sua vida e sobre o qual já muito se escreveu. Malangatana abandonará algum tempo depois o Núcleo de Arte, por conselho do arquitecto, para encontrar um caminho tanto quanto possível livre de influências e a sua carreira seguiu, fruto do seu esforço pessoal e de condicionalismos históricos, um rumo completamente diferente nos anos seguintes. A sua primeira exposição individual aconteceu em 1961. O seu nome passou a ser associado a uma expressão moderna 'puramente' africana. Foi considerado 'um dos primeiros pintores de África', 'um pintor natural, autêntico, verdadeiro e sincero', um pintor em cujo trabalho 'a composição e a harmonia de cores aconteciam tão naturalmente como as histórias e as visões'. Malangatana estava interessado em 'mostrar as coisas dos antigos pois era possível ser civilizado sem deixar o que era seu/nosso'. 12 Chocar, reivindicar uma identidade diferenciada, pintar a situação que se vivia em Moçambique, eram também intenções do artista logo presentes desde os primeiros anos em que, como diz, "entrou na pintura a sério". 13 O seu trabalho, amplamente referenciado, oferece múltiplas possibilidades de leitura e de interpretação.

Na mesma época, um outro jovem, Abdias (n.1940?), pintor de automóveis durante o dia, à noite estudante na Escola Industrial, tinha a mesma ambição que Malangatana. Tal como ele expressava-se livremente sobre as suas experiências de vida e sobre a situação que se vivia em Moçambique. Pancho Guedes seleccionou trabalhos dos dois (e de outros três jovens, Mitine Macie, Augusto Naftal e Alberto Mati) para a exposição de arte africana contemporânea integrada no Congresso Internacional de Cultura Africana realizado em Salisbury (actual Harare no Zimbabwe), na então Rodésia do Sul, em 1962. 14 A exposição tinha como ponto de partida as culturas anteriores à influência europeia e integrava a arte africana não tradicional praticada nesses anos (anos 60 do século XX). Pancho Guedes foi convidado para intervir quer na qualidade de arquitecto com uma obra muito especial quer na qualidade de promotor da arte africana. As relações que, a partir da cidade capital de Moçambique, mantinha com Ulli Beier na Nigéria (Ibadan e Oshogbo), com Julian Beinart na África do Sul e com Frank McEwen na então Rodésia do Sul constituíam uma eficaz rede informal intervindo na formação e na divulgação de artistas. A nova arte africana, pensada no contexto histórico de libertação de África, abria espaço à experimentação, a métodos inovativos de ensino das artes visuais, a reflexões sobre a evolução das tradições artísticas locais e sua relação com os modelos europeus de modernidade, sobre novas formas espontâneas de produção artística, entre outras questões. O percurso de Malangatana está pois intimamente associado a este contexto, que pouco tinha a ver com o que se passava localmente, e à projecção internacional obtida logo no início da sua carreira. Abdias, e mesmo os outros jovens, não seguiram, por razões diversas, um percurso semelhante, muito embora, principalmente Abdias tenha continuado a pintar.

Muito do que aconteceu nos anos seguintes teve a ver com este contexto de mudança, com a denúncia cada vez mais forte do colonialismo, com o início da luta de libertação em 1964, com as prisões, incluindo de Malangatana, com a vigilância cada vez mais apertada mas também com a esperança de um futuro diferente.
Para breve... os Malangatanas 15
No domínio das artes outros africanos negros vão sentir-se encorajados pelo exemplo de Malangatana e beneficiar das poucas oportunidades e apoios disponíveis. Shikhani foi um dos primeiros. O curso de escultura que frequentou no Núcleo de Arte ampliou o seu interesse e entusiasmo. O gesso, que a princípio lhe parecia uma matéria inerte, começou a tomar forma nas suas mãos. 16 Depois foi Chissano (1935-1994) que começou a esculpir a madeira, a expor individual e colectivamente. Por exemplo, no Salão de Arte Moderna, em 1966, onde outro artista que também se iniciava, Jorge Nhaca (1943-1997) 17, ganhou o prémio de escultura. Incentivado por outros artistas que conhecia e pelo ambiente artístico à sua volta, Chissano não mais parou de trabalhar e depressa passou ele a incentivar e a rodear-se de todos os que queriam aprender. Expôs individualmente na Galeria/Salão da Coop que desde a sua criação abriu espaço para a promoção de novos artistas, em particular africanos negros. A sua escultura, que a crítica considerava complexa, traduzia o que sentia, o que via, o que o rodeava e o que sonhava. "Sangrando", uma máscara acorrentada, sangrando pela boca e pelos olhos, era, entre os quarenta e quatro trabalhos que apresentava nessa exposição, o que preferia. 18 O 'mundo camponês a que estava indissoluvelmente ligado e o mundo da cidade onde vivia' 19 estavam presentes no seu trabalho e marcaram a sua trajectória artística.

O bairro do Aeroporto, na periferia da cidade, não era o único viveiro de novos aspirantes a artistas que procuravam seguir os exemplos de Malangatana ou Chissano. Da Escola Industrial e ou incentivados pelas diversas associações existentes na cidade surgem, entre outros, Inácio Matsinhe (n.1945), Zito Craveirinha/J.J.Craveirinha Júnior/João Craveirinha (n.1947). Roberto Chichorro (n. 1941), que também estudara na Escola Industrial, participou pela primeira vez numa colectiva em 1965. O Núcleo de Arte, através das suas iniciativas, também encorajava novos artistas e novas práticas. Ao Salão de Arte Moderna, em 1966, outros Salões, exposições comemorativas ou de artistas individuais se seguiram.
Os caminhos paralelos
Em 1970, a Galeria/Salão da Coop voltou a acolher uma exposição do escultor Chissano e de dois dos seus discípulos: Adriano Mazive e Mundau Oblino (n.1940). Acolheria outros artistas, escultores, pintores: Paulo Come (1946-2000?), Naftal Langa (n.1932), Inácio Matsinhe (n.1945), Samate Machava (n.1939), Mankew Mahumana (n.1934), Fernando Machiana (n.1939), Zabela/Isabel Martins (n. 1950), Noel (Noé) Langa (n. 1938), Shikhani (1934-2010), com uma pintura onde, na época, era visível uma forte influência de Malangatana, entre tantos mais. Alguns dos que se apresentavam eram até aí olhados como artesãos talentosos a quem era justo dar oportunidade para se afirmarem. Vendiam, habitualmente, o seu trabalho na rua. Expunham agora ao lado de pintores e escultores reconhecidos. Organizando colectivas, por exemplo as exposições 10X3 (dez artistas com três trabalhos cada) sem júri nem prémios, ou a exposição de Arte Negra em 1971 ou ainda dando lugar a exposições individuais, este espaço prestou um importante contributo às artes, incentivando e valorizando, em particular, os africanos negros de formação autodidacta ou trabalhando sob orientação de um mestre. O interesse manifestado pelo público encorajou muitos destes pintores e, principalmente, escultores a desenvolver o trabalho que faziam até aí em novas direcções. Provocou também diferentes posições e ideias em relação à arte e aos artistas africanos negros. Interesse e debate suscitava também a Galeria Chissano, no bairro do Aeroporto, que recebia numerosos visitantes locais e turistas procurando 'uma das galerias mais representativas da verdadeira arte negra moçambicana'. 20

Não era apenas nas principais cidades que, a partir da segunda metade da década de 60, se assistia à diversificação das práticas artísticas e dos seus praticantes e eram diversas as propostas e os posicionamentos. 21 A estas tensões, agudizadas pelo desenvolvimento dos ideais nacionalistas e pela luta pela independência política, acrescentava-se a procura da ' forma nova' entendida como resultado da combinação da forma antiga e do conteúdo novo, buscava-se uma 'estética revolucionária'. Os hábeis escultores maconde, originários do norte de Moçambique, e a renovação temática e formal das suas formas escultóricas são associados à cultura nacional emergente reivindicada pelo movimento de libertação e, mais tarde, pelo projecto de construção do Moçambique moderno. Na Tanzânia, para onde desde há muito emigravam e para onde se haviam deslocado muitos escultores depois do início da luta armada de libertação nacional, nascera um movimento que passou a ser conhecido como o início da escultura moderna. Às formas realistas usadas para tratar a figura humana, cenas da vida diária e animais juntavam-se composições de pequenos grupos que foram aumentando em comprimento e em volume ( ujamaa) e esculturas de espíritos, bons ou maus, que assumiam formas variadas ( shetani) e que até hoje se praticam e se desenvolvem. Alguns artistas, através do desenho e da pintura, fizeram também essa busca como, por exemplo, João Craveirinha. 22 O artista incluiu no seu livro, publicado há alguns anos, um 'desenho em estilo maconde' oferecido a Samora Machel. 23 Está ainda por fazer um estudo sobre o interesse manifestado por outros artistas, escultores, pintores, outros, em integrar ou experimentar essas formas embora haja já algumas reflexões sobre o assunto.
Moçambique independente: outras modernidades, novas direcções
Os últimos anos do colonialismo e a luta de libertação que se desenrolava reflectiam-se na arte que se fazia e marcavam o percurso individual de muitos artistas e protagonistas do movimento cultural. A fotografia de Ricardo Rangel (1924-2009) e de outros fotógrafos chamava a atenção para a situação que se vivia em Moçambique. Entre a repressão e o paternalismo chegou-se a Abril de 1974. Portugal, o país colonizador, e Moçambique, o país colonizado, começavam uma grande transformação.

A independência de Moçambique (1975) e a ruptura profunda que simboliza, inicia pois um novo contexto, de euforia e de tensão, de que os artistas vão ser parte e, ao mesmo tempo, procurar entender. Muitos portugueses deixavam o novo país. Entre eles, alguns artistas, portugueses e moçambicanos. Por múltiplas e complexas razões. Alguns dos artistas que continuaram a viver em Moçambique, envolvidos em diversos afazeres, 'interromperam' por algum tempo o seu trabalho e reflectiam sobre o que significava ser artista integrado num processo revolucionário que se pretendia alargar ao espaço nacional.

Neste contexto, é interessante considerar as leituras e interpretações que são feitas sobre Malangatana e o seu trabalho neste período de transformação revolucionária. Refiro-me, em particular, a Elizabeth (Betty) Schneider que viveu algum tempo em Moçambique onde conheceu e se tornou amiga de Pancho Guedes e Malangatana. 24 Em seu entender, Malangatana e a Revolução (o período de 25.4.1974 a 25.6.1975) haviam precisado da mesma maneira um do outro. A pintura e o desenho de Malangatana traduziam desde há muito o sofrimento, a humilhação e mesmo a prisão, vividos durante o colonialismo e até se alcançar a independência e isso era útil à Revolução. Esta, por sua vez, ajudara Malangatana a reforçar as suas ideias e convicções e a consciência de si próprio, não apenas como um artista individual mas principalmente como um cidadão com responsabilidades sociais. Neste processo, o artista tomara contacto com um maior número de pessoas e com pessoas muito diferentes que não teria conhecido de outra maneira. A Revolução, segundo esta autora, precisava mais do artista Malangatana como um trabalhador, como um camarada, não como uma pessoa de elite ou um pintor reconhecido internacionalmente. Tratava-se de uma fase em que era preciso mostrar que todos eram iguais. De facto, o artista envolveu-se, nestes anos, em inúmeros projectos culturais como, por exemplo, o da criação de um museu de arte que acabou por ser interrompido durante alguns anos, ou a pintura de murais, uma das suas paixões. Viveu também, como ex-preso político, uma experiência que mudou a sua vida. Entre a participação em exposições colectivas, a fase em que desenhou muito e as novas funções que lhe atribuiram, passou estes primeiros anos.

Eugénio Lemos também se refere a 'um certo impasse que tomava conta de alguns artistas'. 25 Esperava-se das artes plásticas, entendidas como englobando todas as formas de arte, das tradições mais antigas à moderna pintura em tela, que fossem um instrumento na construção do novo Moçambique. Como concretizar essa vontade? A valorização da expressão colectiva da voz do povo, a realização de exposições exclusivamente colectivas, a encomenda de trabalhos, a feitura de murais (de que o Mural da Praça dos Heróis, de 1979, é paradigmático), o incentivo à mudança em direcção a uma 'estética revolucionária', são algumas práticas associadas aos primeiros anos pós-independência. O cartaz que se produziu nessa época retrata a história que Moçambique vivia tal como o cinema e a fotografia.

Neste tempo de exposições colectivas, onde participavam todos os que o desejassem e tivessem oportunidade, a mensagem política imediata era a forma de expressão mais utilizada. Jovens artistas e ou aspirantes a artistas, usavam a pintura e a escultura para falar do passado colonial que não devia ser esquecido e das palavras de ordem da Revolução. Está por fazer um estudo mais aprofundado sobre este período mas existem várias colecções (principalmente, de pintura e escultura), institucionais e privadas, que podem ser um bom ponto de partida. Apesar disso, a expressão da voz individual não está ausente como provam o trabalho de Estêvão Mucavele (n.1941), regressado de uma longa permanência da África do Sul, e os trabalhos dos jovens artistas procurando 'a sua própria identidade artística'.

Este artigo foi dividido em duas partes. Para ler a segunda parte de "Arte e Artistas em Moçambique: falam diferentes gerações e modernidades" clique aqui.

por | Alda Costa
Vou lá visitar | 11 Janeiro 2012 África, África Austral, arte, arte contemporânea, arte moçambicana, arte moderna, artes visuais, escultura, Malangatana, moçambique, pintura moçambicana

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O que se conhece ou se imagina, em 2011, sobre a arte e os artistas de Moçambique? Quantos coleccionadores, curadores ou investigadores se interessam pela arte e pelos artistas deste país da África Austral? O que reflecte o trabalho dos seus artistas? Que artistas são conhecidos?

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Artista, poeta, educadora e escritora. Sua pintura é caracterizada pelo uso do diverso material. 

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Sílvia do Rosario Silveira de Bragança - Moçambique

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Sílvia do Rosario Silveira de Bragança - Moçambique

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Silvia Braganca

Sílvia do Rosario Silveira de Bragança – Wikipédia, a enciclopédia livre (wikipedia.org)

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Albano António Langa Lourenço Marques, Moçambique, 2 de Fevereiro de 1965. Actualmente reside no bairro de Khongolote. Artista plástico moçambicano, mais conhecido como Blanga.

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Albano Afonso: Living in an... | Exhibitions | MutualArt

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abstrato [Living in an Abstract World] features a group of artworks that corresponds to the act of closing one's eyes to rejoin disconnected parts of the body and of memories, like a rite of ecdysis in reverse.

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Malangatana Valente Ngwenya foi um artista plástico e poeta moçambicano, conhecido internacionalmente pelo seu primeiro nome "Malangatana", tendo produzido trabalhos em vários suportes e meios, desde desenho, pintura, escultura, cerâmica, murais, poesia e música.

Malangatana Ngwenya - 20 Artworks, Bio & Shows on Artsy

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Maimuna Adam é uma artista visual moçambicana, utilizando uma técnica mista baseada em pintura, esculturas de livros, e vídeo-arte. Na sua obra, explora a sua narrativa pessoal e histórica e os conceitos de migração, memória, identidade, pondo em relação imagens e objectos.

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Find the latest shows, biography, and artworks for sale by Maimuna Adam

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Roberto Carneiro de Alcáçovas de Sousa Chichorro é um artista plástico moçambicano. Chichorro passou a sua infância na Mafalala, bairro entre a cidade colonial dos brancos e a cidade de caniço dos negros, vivência que se encontra repercutida na sua obra plástica. Concluiu o curso industrial de Construção Civil.

(6) Exposições Roberto Chichorro no Porto e Lamego @ Canal180 - YouTube

Roberto Chichorro | 61 Artworks at Auction | MutualArt

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Exposições Roberto Chichorro no Porto e Lamego @ Canal180

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Alberto Chissano | 12 Artworks at Auction | MutualArt

Escultor moçambicano nascido em janeiro de 1934, em Majacaze. Órfão de pai desde o nascimento, foi educado pela mãe e pelos avós. A avó, uma curandeira famosa, ensinou-lhe a observar com atenção a natureza que o rodeava e transmitiu-lhe um vasto mundo simbólico que, de certa forma, influenciou a sua arte. Outra das influências marcantes no seu trabalho é a cultura tradicional changana que conheceu de perto.
Exerceu um leque variado de profissões, como guardador de rebanhos, aprendiz de alfaiate, empregado doméstico, mineiro, militar e empregado do Núcleo de Arte de Maputo. Iniciou-se na arte de esculpir nos anos 60, a conselho do pintor Malangatana, e fez a sua primeira exposição em 1966.

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Alberto Chissano | 12 Artworks at Auction | MutualArt

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Stay up to date with Alberto Chissano ( 1935 - 1994) . Discover works for sale, auction results, market data, news and exhibitions on MutualArt.

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Cada canto, uma voz | Sónia Sultuane (soniasultuane.com)

Sónia Abdul Jabar Sultuane nasceu em Maputo a 4 de Março de 1971.

Estreou-se nas artes plásticas em 2005, tendo participado na exposição colectiva “Hora O” com o trabalho “De Dentro Para Fora”.

Em 2009 apresentou no Instituto Camões, em Maputo e na Beira, a sua 1ª individual, intitulada “Palavras que Andam”. Em Fevereiro de 2013, abre o ano do Camões-Instituto da Cooperação e da Língua, apresentando a sua 2ª exposição individual “Códigos de Gaudi”, a sua 3ª Exposição individual  e a sua 1ª Exposição Internacional que teve lugar em Macau, com o título “O Oculto”, e em 2021 fez a sua 4ª Exposição individual com o título “O lugar das ilhas” em Maputo.

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Ontem acolhemos o evento "Cada Canto, Uma Voz" que reuniu performances e instalações artísticas das artistas Eliana Nzualo Lenna Bahule Lizzie Ana Nélia Nhambau, Nelsa Guambe Rosa Mario e Sónia Sultuane.
Partilhamos lados e vozes de mulheres que carregam em si arte e ideiais, mulheres que se percebem e partilham com o mundo através da palavra, do movimento, da cor e do som.
Feliz mês da Mulher
Fundação Fernando Leite Couto
13 de Março de 2020

Vídeo: Fundação Fernando Leite Couto

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Ontem acolhemos o evento "Cada Canto, Uma Voz" que reuniu performances e instalações artísticas das artistas Eliana Nzualo Lenna Bahule Lizzie Ana Nélia Nhambau, Nelsa Guambe Rosa Mario e Sónia Sultuane. Partilhamos lados e vozes de mulheres que carregam em si arte e ideiais, mulheres que se percebem e partilham com o mundo através da...

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Produtos – Museu Mafala (museumafalala.org.mz)

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Nucleo de Arte (wordpress.com)

144 R. da Argélia, Maputo
Maputo
Moçambique

nucleodarte@gmail.com

82 108 2018

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Carmen Maria Muianga, mais conhecida como Carmen Maria, é uma premiada artista plástica moçambicana e professora que atua na pintura, gravura, desenho e colagrafia. É co-fundadora do MUVART– Movimento de Arte Contemporânea de Moçambique.

Carmen Maria Muianga – Nucleo de Arte (wordpress.com)

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Um dos maiores representantes da geração born-free, Kudzanai Chiurai é um ativista que aponta para questões políticas, sociais e culturais de seu país construindo cenas supostamente cotidianas com uma estética única usando os fundos gráficos semelhantes aos que tanto marcaram o trabalho de Malick Sidibé e Seydou Keïta. Chiurai, no entanto, atualiza suas imagens temas violentos e políticos de uma África que já não está tão esperançosa como nos anos 1960 e 1970. Ele esteve ao lado de Zanele Muholi e William Kentridge na Documenta de Kassel.

Kudzanai Chiurai - 117 Artworks, Bio & Shows on Artsy

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Na série Diaspora, Omar Victor Diop atualiza retratos de doze africanos que tiveram, entre os séculos 16 e 19, um importante papel fora de seu país de origem. Com figurino e cenografia cuidadosamente elaborados, os retratos do artista revisitam a história do gênero – das miniaturas de Mughal às pinturas da corte da Europa: Malik Ambar (1549-1626) um escravo etíope que virou ministro na Índia ou Dom Nicolau (1830-1860) príncipe do Congo e primeiro líder africano a se opor à política colonial.  Detalhes anacrônicos emprestados do universo do futebol (cartão vermelho, bola, luvas, apito) recolocam esses atores de histórias desconhecidas no mundo contemporâneo. “Para mim, futebol é um interessante fenômeno global que revela onde a sociedade está quando tratamos de questões de raça”, explica o artista.

Omar Victor Diop — Google Arts & Culture

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Athi-Patra Ruga é uma artista sul-africana que usa performance, fotografia, vídeo, têxteis e gravura para explorar noções de utopia e distopia, material e memória. Seu trabalho explora o corpo em relação à sensualidade, cultura e ideologia, muitas vezes criando híbridos culturais.

Performer militante e provocativo, Athi-Patra Ruga ficou conhecido por criar vários avatares em cidades desde Pretória a Veneza combinando referências de balé, hip hop, figuras hollywoodianos ou super heróis em fotografias, vídeos, esculturas ou tapeçarias – caso da série exposta na Louis Vuitton. Nelas, ele usou lã tecida tradicionalmente para construir a narrativa de uma guerreira espiritual de um personagem personificado pelo artista. São retratos em cenas históricas com drones, animais fantásticos e encruzilhadas com identidades hibridas construindo uma estética afro-futurista. É a história de um êxodo para Azania, uma nação negra utópica com tradição de militância poética e literária.

Athi-Patra Ruga - 96 Artworks, Bio & Shows on Artsy

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Zanele Muholi é uma fotógrafa e ativista visual. Faz retratos que questionam a posição da mulher negra na África do Sul, discutindo, ainda, temas como identidade sexual e reconhecimento.
Em sua famosa série Faces and phases follow up foi uma reação a uma série de crimes e assassinatos homofóbicos na África do Sul. Muholi fotografou, desde 2006, 300 mulheres lésbicas ou transexuais em diferentes períodos de sua vida. É uma obra sobre a construção de identidade que confrontam as noções preconcebidas da audiência quando o assunto é gênero binário, classe, sexualidade e raça: “Estou tentando construir um entendimento do que significa ser mulher, lésbica e negra hoje”, explica a artista que destaca, ainda, a dificuldade em representar corpos e identidades que são varridas por um fluxo de interpretações descontroladas e equivocadas.
Engajada politicamente, ela é comparada a outros grandes fotógrafos de seu país comprometidos em dar visibilidade a comunidades marginalizadas e muitas vezes abusadas – muitas vezes através de estupros punitivos – como David Goldblatt, Ernest Cole, Peter Magubane e Alf Kumalo.

Zanele Muholi - 121 Artworks, Bio & Shows on Artsy

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Escultora sul-africana e artista de multimídia. Nasceu em Johanesburgo, de uma família judaica originária da Alemanha. Estudou na Universidade de Witwatersrand,  onde completou a graduação com um bacharelado em Belas-Artes (1982) e o Mestrado (1988).

Lecionou língua inglesa e arte em escolas na Namíbia e na Cidade do Cabo antes de entrar para a Escola de Belas-Artes Michaelis, na Universidade do Cabo (1996) para lecionar escultura.

Em 1986, sua exposição solo em Johanesburgo chamou atenção. Uma das obras, Butcher boys  (1985- 1986), representa três figuras em tamanho natural, sentadas em um banco, apresentando simultaneamente características animais e humanas, com sinais de danos físicos e anormalidade. Atualmente exposta na coleção permanente da Galeria Nacional Sul Africana, na Cidade do Cabo, esta escultura determinou o sentido da carreira de Alexander: o de sondar as consequências das ações humanas e relações de poder. Para os críticos, nela estão presentes elementos profundos relacionados com a sociedade que produziu o Apartheid.

Nas décadas de 1990 e 2000, com a readmissão da África do Sul no cenário cultural mundial em 1994, Jane exibiu seus trabalhos em inúmeras bienais e mostras internacionais de arte, passando a ganhar notoriedade em eventos de arte globais. Suas obras exploram a consciência da injustiça e da irracionalidade humana, bem como aspectos da vida cotidiana sul-africana.

A obra de Jane Alexander é essencialmente narrativa e convida o espectador a  observar e ponderar os relacionamentos entre os protagonistas, objetos, e espaços. Os atores são enigmáticos, aparentemente reais, mas apresentam traços híbridos ou mutantes, como humanóides parcialmente animalizados, e a “realidade” é sempre problematizada. A narrativa é complexa, aberta, imprevisível.

BIBLIOGRAFIA

ARNOLD, Marion. “Jane Alexander”.  In: AKYEAMPONG, Emmanuel K.; GATES JR., Henry Louis (dir). Dictionary of African Biography. Oxford University Press, 2012, v. 1, p. 163-164.

NICOL, Tracy-Lee. Aspects of memory in the sculptural work of Jane Alexander, 1982-2009.  Thesis (Master in Art History), Rodhes University, 2009.

NOLTE, Jacqueline. Jane alexander sculpture and photomontage. Third Text, v. 10, n. 36, p. 99-101, 1996.

SUBIRÓS, Pep.  Jane Alexander: surveys (from the Cape of Good Hope). Nka: Journal of Contemporary African Art,  v. 33, p. 92-99, 2013.

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Johnson Donatus Aihumekeokhai Ojeikere, conhecido como J.D. 'Okhai Ojeikere, foi um fotógrafo nigeriano conhecido por seu trabalho com penteados únicos encontrados na Nigéria.

J.D. 'Okhai Ojeikere - 39 Artworks, Bio & Shows on Artsy

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Seydou Keïta foi um fotógrafo do Mali. Ele é conhecido principalmente por seus retratos de pessoas e famílias tirados por ele entre 1940 e 1960.

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Considerado um dos maiores fotógrafos da primeira metade do século 20, Seydou Keïta é autor de um testemunho excepcional da sociedade malinesa uma importante transição social: fotografa desde o fim da Segunda Guerra até a independência no início dos anos 1960.
Maestria no enquadramento e inventividade das poses somados aos cenários com tecidos decorativos gráficos e extravagantes garantem um ar sublime de seu personagens – que podem aparecer sozinhos, em casal, em família ou com amigos. Carros, motos, bicicletas ou rádios também podem aparecer para compor as cenas e ajudam a expressar a posição social dos modelos ou sua personalidade.
As inovações estilísticas, a atitude dos personagens, as roupas e as impressões com motivos africanos ao fundo dão a estas imagens uma força que influencia artistas até hoje.
Galeries Archive - Seydou Keïta Photographer (seydoukeitaphotographer.com)

Seydou Keïta (IMS Rio) - Instituto Moreira Salles

Seydou Keita – Acervo África (acervoafrica.org.br)

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Frédéric Bruly Bouabré - Costa do Marfim

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Frédéric Bruly Bouabré - Costa do Marfim

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Pensador, filósofo, pesquisador, contador de histórias, historiador, poeta, artista, Frédéric Bruly Bouabré trabalhou em todos os campos das artes.
Os desenhos, resultado de uma “visão divina” em 1948, incluem milhões de figuras combinadas com escritos.
Bouabré dizia estar construindo uma “enciclopédia da sabedoria do mundo”, composta por “cartas” que registram conhecimentos, sinais, pistas, pensamentos e imagens que apareceram para o artista, para unir a humanidade. Declarava estar apenas escutando a natureza – pois “já está tudo lá” –  para traduz sonhos, mitos e conhecimentos científicos com poesia e significado simbólico.
Em Museu da face africana,  sua série mais famosa, o artista faz um inventário de diferentes rostos e partes do corpo revelando as diferentes identidades do homem e sua relação com a família e território. Ele também chegou a escrever centenas de cartas onde transcrevia as tradições orais de seu povo.
FRÉDÉRIC B. BOUABRÉ: ESCREVENDO CERTO POR LINHAS TORTAS - Revista O Menelick 2° Ato (omenelick2ato.com)

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“Com essa documentação quero mostrar a alegria e inocência da juventude africana”, disse Malick Sidibé. Conhecido pelos retratos que pesquisam a cultura popular de Bamako nos anos 1960, Sidibé nos mostra uma África alucinada e feliz com todas as promessas e possibilidades pós-independência. Apesar de sair das ruas e dedicar aos retratos em estúdio na década seguinte, Sidibé é reconhecido por capturar a evolução da moda, estilo de vida e desejo de emancipação dos anos 1960 e 1970. Foi o primeiro artista africano a ganhar o Leão de Ouro em Veneza em 2007.

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Pierre Bodo - 22 Artworks, Bio & Shows on Artsy

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Find the latest shows, biography, and artworks for sale by Pierre Bodo. Pierre Bodo, who signs his works "Art Bodo", creates colorful and highly detailed fan...

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Chéri Samba - 91 Obras, Bio e Shows em Artsy

Chéri Samba foi membro fundador da escola de "Pintura Popular", juntamente com Pierre Bodo, suas pinturas expondo a vida cotidiana na capital da República Democrática do Congo, Kinshasa. Suas pinturas representativas, muitas vezes fantásticas, incorporam narrativas gráficas e figuras com bolhas de texto e palavras que abordam questões sociais e políticas de primeira linha, incluindo AIDS, desigualdade social e corrupção. A partir da década de 1980, Samba começou a se retratar com frequência e literalmente em suas obras, assumindo um papel direto como repórter de suas ideias e história pessoal. "Apelo à consciência das pessoas", diz ele. "Os artistas devem fazer as pessoas pensarem."

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Romuald Hazoumè é um artista iorubá da República do Benin, mais conhecido por sua obra La Bouche du Roi, uma reformulação da imagem de 1789 do navio negreiro Brookes. La Bouche du Roi foi amplamente exibido no Reino Unido como parte da lembrança centenária da Lei do Comércio de Escravos de 1807 pelo Parlamento.

OCTOBER GALLERY | ROMUALD HAZOUMÈ | ART | BIOGRAPHY | ART FOR SALE

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Drawing for the film Stereoscope [Felix Crying], 1998-99.

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William Kentridge - Branco - Sul Africano

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William Kentridge - Branco - Sul Africano

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William Kentridge é um artista sul-africano mais conhecido por suas gravuras, desenhos e filmes de animação, especialmente conhecido por uma sequência de filmes de animação desenhados à mão que produziu durante a década de 1990.

Drawing for the film Stereoscope [Felix Crying], 1998-99.

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Àsikò é um artista visual nigeriano radicado no Reino Unido que expressa suas ideias por meio da fotografia e da mídia mista.

Àsìkò - Agência MTArt

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Movimento de Arte Contemporânea de Moçambique MUVART: 2004 a 2010 (usp.br)

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em vermelho eventos realizados em África

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Accueil - BIENNALE DE L'ART AFRICAIN CONTEMPORAIN (biennaledakar.org)

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Ao ar livre, à beira do rio, nas ilhas ou em grandes cidades. Conheça a África além da África.

Festival único e em constante evolução, Jazzablanca oferece palcos ao "ar livre", variedade de concertos e espaços dedicados a intercâmbio cultural, como stands de comida e atividades para crianças e adultos. O festival reúne, todos os anos, cerca 80.000 pessoas para assistir aos mais de 50 concertos de jazz, soul, funk, groove, rock e música eletrônica.

Desde sua criação, o Festival Sur le Niger tornou-se um evento cultural sem precedentes no Mali. Realizado no início de fevereiro em Segou, seu programa oferece apresentações de música, dança, teatro e arte. A cultura contemporânea coexiste ao lado das antigas tradições do país e estrelas da música internacional tocam ao lado de jovens talentos malianos.

Com reputação invejável, Sauti za Busara é considerado um dos principais festivais de música da África. O evento é realizado todos os anos em fevereiro na ilha de Zanzibar, localizada no Oceano Índico. Dedicado de maneira integral à música africana, o festival reúne 20.000 pessoas para explorar o som dos mais variados cantos do continente.

Fruto do trabalho de empreendedores africanos, Afrochella destaca o talento milenar da África. O festival acontece no intervalo entre o Natal e o Ano Novo e explora diferentes culturas através de arte, oficinas, culinária e música. Os headliners são sempre africanos e os "afrochellos" voltam para a casa com uma visão 360º do continente.

Fundado por Yeni Anikulapo-Kuti em memória de seu pai, Fela Kuti, o festival celebra o músico nigeriano ativista dos direitos humanos e pioneiro do gênero afrobeat. O evento conta com shows dos principais músicos da Nigéria, personalidades de renome internacional, desfiles de rua, simpósios sobre temas sociais , debates e exposições fotográficas.

*Felipe Viveiros, graduado em Relações Internacionais pela PUC-SP, tem extensão universitária em Comunicação Empresarial pela Universidade da Colúmbia Britânica (Canadá) e é mestre em Relações Internacionais e Organização Internacional pela Universidade de Groningen (Holanda).

Ao ar livre, à beira do rio, nas ilhas ou em grandes cidades. Conheça a África além da África.

Festival único e em constante evolução, Jazzablanca oferece palcos ao "ar livre", variedade de concertos e espaços dedicados a intercâmbio cultural, como stands de comida e atividades para crianças e adultos. O festival reúne, todos os anos, cerca 80.000 pessoas para assistir aos mais de 50 concertos de jazz, soul, funk, groove, rock e música eletrônica.

Desde sua criação, o Festival Sur le Niger tornou-se um evento cultural sem precedentes no Mali. Realizado no início de fevereiro em Segou, seu programa oferece apresentações de música, dança, teatro e arte. A cultura contemporânea coexiste ao lado das antigas tradições do país e estrelas da música internacional tocam ao lado de jovens talentos malianos.

Com reputação invejável, Sauti za Busara é considerado um dos principais festivais de música da África. O evento é realizado todos os anos em fevereiro na ilha de Zanzibar, localizada no Oceano Índico. Dedicado de maneira integral à música africana, o festival reúne 20.000 pessoas para explorar o som dos mais variados cantos do continente.

Fruto do trabalho de empreendedores africanos, Afrochella destaca o talento milenar da África. O festival acontece no intervalo entre o Natal e o Ano Novo e explora diferentes culturas através de arte, oficinas, culinária e música. Os headliners são sempre africanos e os "afrochellos" voltam para a casa com uma visão 360º do continente.

Fundado por Yeni Anikulapo-Kuti em memória de seu pai, Fela Kuti, o festival celebra o músico nigeriano ativista dos direitos humanos e pioneiro do gênero afrobeat. O evento conta com shows dos principais músicos da Nigéria, personalidades de renome internacional, desfiles de rua, simpósios sobre temas sociais , debates e exposições fotográficas.

*Felipe Viveiros, graduado em Relações Internacionais pela PUC-SP, tem extensão universitária em Comunicação Empresarial pela Universidade da Colúmbia Britânica (Canadá) e é mestre em Relações Internacionais e Organização Internacional pela Universidade de Groningen (Holanda).

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5 festivais na África que você precisa conhecer

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Ao ar livre, à beira do rio, nas ilhas ou em grandes cidades. Conheça a África além da África. Festival único e em constante evolução, Jazzablanca oferece palcos ao "ar livre", variedade de concertos e espaços dedicados a intercâmbio cultural, como stands de comida e atividades para crianças e adultos.

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A FESTAC '77 Mixtape | Revista | MoMA

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Njideka Akunyili Crosby é uma artista visual nigeriana que trabalha em Los Angeles. Participou do doc O preço de tudo. 

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Njideka Akunyili Crosby - 55 obras de arte - pintura (wikiart.org)

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Peju Alatise é um artista, poeta, escritor nigeriano e membro do Museu Nacional de Arte Africana, parte da Smithsonian Institution. 

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Péju Alatise - 16 Artworks, Bio & Shows on Artsy

Péju Alatise – entrevista: "A minha relação com a Nigéria é como uma mulher maltratada... Glasgow é uma nova relação» (studiointernational.com)

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Nnenna Okore é uma artista nigeriana vive e trabalha em Chicago. Suas formas esculturais amplamente abstratas são inspiradas por formas e cores naturais.

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Nnenna Okore - 49 Artworks, Bio & Shows on Artsy

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Wangechi Mutu em é uma escultora e artista que vive e trabalha no Brooklyn, em Nova York. Mutu é considerada por muitos como uma das artistas africanas contempo

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Wangechi Mutu - Artista - Saatchi Gallery

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Movimento de Arte Contemporânea de Moçambique MUVART: 2004 a 2010 (usp.br)