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Al pensar en temas universales hay dos en particular qué siento que atraviesan la vida de todo ser humano, el amor y la muerte. Ambos son temas inmensamente estudiados y abordados desde infinitos puntos de vista, sin contar su enorme representación en el arte. Para mí, cuando uno conecta los dos temas surge el desamor, que es definido como la falta de amor, cariño o afecto hacia una persona o cosa, aunque yo creo que es mucho más que eso. El desamor es la muerte de un mundo en común entre dos personas, es la muerte de sus costumbres, sus rituales, sus símbolos, sus rutinas y sobre todo de sus proyecciones. El desamor es una experiencia sumamente dolorosa que lo obliga a uno a hacer un duelo por algo que físicamente no está muerto, además es una experiencia por la que uno pasa solo después de haber vivido el amor acompañado. Ahora, en lo personal es un tema por el que me he interesado y cuestionado mucho a lo largo de mi vida, sobre el que podría hablar por horas enteras y dar mil explicaciones. Me parece que es una experiencia sumamente trágica y al mismo tiempo muy bella. Por todo lo anterior, me parece interesante ver cómo este tema es plasmado en el arte, dado que ni es la muerte, ni es el amor, sino el cruce entre los dos.

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Arte Ibérico
Beso de Osuna
300 a.c - 100 a.c
Altura, 13,50 cm, Longitud 24 cm, Anchura, 20 cm
Relieve sobre piedra
Museo Arqueológico Nacional de España

Análisis visual:
Empezaré hablando del tema de la obra. Se podría decir que es el amor, o el erotismo. Aunque las obras eróticas suelen estar mucho más asociadas a los cuerpos, mientras que en esta obra solo se muestran torsos y cabezas, por lo que no parece una relación simplemente erótica. Se cree que la pieza es de procedencia funeraria y ha sido interpretada como un beso de despedida, puede haber tenido una utilidad representativa de las relaciones en esa época o en caso de que la teoría de la procedencia funeraria ser cierta, sería de las relaciones en específico de la persona fallecida. Es interesante ver y reflexionar como ese gesto del beso sigue estando vigente actualmente, además de ser inmensamente significativo, y pensar si en la época prehistórica el beso tenía un significado diferente.

https://ceres.mcu.es/pages/Main?idt=31818&inventary=38429&table=FMUS&museum=MAN

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Amenhotep IV
Estatua de pareja Akenatón y Nefertiti
1352-1335 a.c
Altura 22,4 cm, Longitud 9,8 cm, Anchura 11,2 cm
Pintura y escultura en redondo
Museo del Louvre

https://collections.louvre.fr/en/ark:/53355/cl010008248

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No encontré información de la ficha técnica

https://www.worldhistory.org/image/2636/marriage-of-inanna-and-dumuzi/

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Autor Anonimo
La Diosa de las serpientes
1.600 a.c
Altura 29,5
Escultura en loza
Museo de Heraklion, Grecia

https://lugares.inah.gob.mx/es/museos-inah/museo/museo-piezas/9248-9248-10-111844-diosa-de-las-serpientes.html?lugar_id=384

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Eros y Psiquis
Siglo III a.c

Estatua en mármol
Museo capitalino de Roma

https://puntoalarte.blogspot.com/2017/12/el-pathos-en-la-escultura-helenistica.html

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Briseis
Corte
480 a.c
Altura 7,4 cm, Diámetro 26,4 cm, Largo 34,5 cm
Pintura sobre arcilla
Museo del Louvre, Francia

La obra se observa como un objeto decorativo redondo, con manijas a los lados. El objeto está pintado en negro y dorado, y tiene una especie de marco exterior de las figuras humanas que tiene arabescos. Las figuras son una masculina y la otra femenina, por su vestimenta y accesorios podemos identificar que son griegos. La mujer se está inclinando levemente hacia el hombre y están a punto de besarse. Su lenguaje corporal se nota natural, y transmite mucha ternura y cariño.

https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010270160

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Sileno y Eros
Siglo I a.c

Relieve sobre terracota

https://enbuscadeeros.blogspot.com/2011_02_17_archive.html

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Eros y Psique
Siglo III a IV d.c

Mosaico
Salon de los mosaicos en el Alcázar de los reyes cristianos

https://www.artencordoba.com/alcazar-reyes-cristianos/salon-mosaicos/

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Adan y Eva
Primera mitad del siglo IV

Pintura al fresco
Catacumbas romanas

https://arteinternacional.blogspot.com/2009/06/arte-paleocristiano-pintura-desde-el-s.html

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Arte Bizantino - Lamentación sobre Cristo muerto

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Arte Bizantino - Lamentación sobre Cristo muerto

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Maestro de Nerezi
Lamentación sobre Cristo muerto
1164

Pintura al fresco
Monasterio de San Paitalenmon, Mazedonia

En la obra se observan tres figuras. La primera y la segunda están acostadas, y la tercera está inclinada hacia las dos anteriores. También se observan unas cabezas al lado derecho, lo que sugiere que hay más personas observando la escena presentada. La primera figura se encuentra semidesnuda, con los ojos cerrados e inexpresiva. Las otras dos tienen los ojos abiertos y una expresión clara de angustia y dolor. Se puede inferir que la primera figura está muerta y las demás lamentando su muerte. Haciendo el análisis iconográfico e histórico queda claro que la figura muerta es Cristo, por el manto que la recubre la mujer al lado de él es María; su madre y la otra figura es probablemente un apostol. Sin contar el amarillo naranjos de los halos, la obra tiene colores apagados y sombríos, además de la sensación de sufrimiento transmitida por María y el apóstol, hacen que sea una escena triste de ver, pues es la muerte de un ser amado (no solo por María y los apóstoles, sino por todos los creyentes). Esta obra está ubicada en un monasterio, y por la época de la obra debió ser usada para educar a nuevos creyentes.

https://www.ucm.es/bdiconografiamedieval/llanto-sobre-cristo-muerto

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Arte Alta Edad Media (prerromanico) - Viga de la pasión 

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Arte Alta Edad Media (prerromanico) - Viga de la pasión 

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Anonimo
Viga de la pasión
1200-1220
20,5 cm x 230,5 cm
Pintura al temple sobre tabla
Museo nacional de arte de Cataluña

https://www.wikiwand.com/es/Viga_de_la_Pasi%C3%B3n

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Gislebertus de Autun
La tentación de Eva
1120-1130

Relieve en piedra
Museo Rolin en Autun

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Arte Gótico - Muerte de la Virgen María 

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Arte Gótico - Muerte de la Virgen María 

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Jean de Chelles
El portal de la Virgen
1163-1345

Relieve sobre piedra
Catedral de Notre Dame, Paris

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Empezando por la descripción, la mayor diferencia entre la obra románica y la gótica, es que la primera tiene muchos menso elementos que la segunda. En la primera solo vemos una figura acompañada de elementos de la naturaleza, mientras que la segunda cuenta con más de 6 figuras. También es notorio una diferencia en cuanto al detalle. El relieve Romanico tiene menos detalles que el relieve gótico, por ejemplo en la cara de la figura, y su expresión facial se sientes más bruscas, menos delicadas por la falta de detalle. Por el contrario en el relieve gótico se puede ver una expresión individual en cada figura, nos transmiten emociones, claramente de tristeza y angustia. Las figuras se sienten delicadas y mucho más cercanas a la realidad. Pasando ya a la parte iconográfica las obras tienen más similitudes. Ambas representan temas religiosos e historias bíblicas, además de que las dos fueron creadas para catedrales. Representan dos momentos muy distintos y distanciados de las historias bíblicas. El relieve Romanico representa la tentación, el pecado original y transmite sensualidad. La obra gótica representa la muerte de la virgen María, madre de Cristo, escena que sucede mucho después que la escena de Eva.

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Renacimiento nórdico - La muerte y la doncella

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Renacimiento nórdico - La muerte y la doncella

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Hans Baldung

La muerte y la doncella

1529

Alto 31 cm Largo 19 cm

Temple

Kuntsmuseum, Basel, Suiza

En la obra hay dos figuras de pie. La primera es un cadáver que está detrás de una mujer, ella está desnuda sosteniendo un manto. El cadáver le está tocando uno de los pechos y la está mordiendo cerca a la boca, incluso se podría confundir con un beso. La mujer tiene una expresión de angustia, dolor y desagrado, además es claro que está llorando, una lágrima, le corre por las mejillas. Pasando a la iconografía, investigue, y la obra representa el mito de Hades y Perséfone. Él la lleva a su casa, el infierno, para hacerla su esposa en contra de su voluntad. Hades estaba enamorado de Perséfone, pero no era correspondido. Creo que está obra encaja perfectamente con el tema que escogí. Primero que todo, me pareció muy curioso que Hades este representado con un cadáver en vez de un cuerpo humano, y que sea tan obvio el disgusto de Perséfone. Esos dos elementos reflejan muy bien el tema del desamor. Hades se va a llevar a Perséfone al mundo de los muertos, irónicamente para mantener su amor por ella vivo y cerca, se niega a no ser correspondido, por eso la rapta. Por otro lado Perséfone está sufriendo, ella no desea estar ahí, ella no lo ama, y muchas veces eso pasa en las relaciones. Es doloroso estar en un lugar en dónde uno no está cómodo, dónde no hay sentimientos por el otro. La obra retrata ambas sensaciones muy bien

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Renacimiento italiano - Amor sacro y amor profano 

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Renacimiento italiano - Amor sacro y amor profano 

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Tiziano

Amor Sacro y Amor Profano

1516

118 × 279 cm

Óleo

Galería Borghese, Roma, Italia

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Renacimiento siglo XVI - Alegoría del amor

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Renacimiento siglo XVI - Alegoría del amor

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Bronzino

Alegoría del amor

Hacia 1520

146.1 × 116.2 cm

Óleo

National Gallery, Londres, Inglaterra

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Gian Lorenzo Bernini

Apolo y Dafne

1625

243 cm de altura

Escultura en mármol

Galería Borghese Roma Italia

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Antonio Canova

Eros y Psique

1793

155 cm de alto

Escultura en mármol

Louvre París Francia

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Arte Romántico - Paolo y Francesca de Rimini

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Arte Romántico - Paolo y Francesca de Rimini

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Gustave Doré

Paolo y Francesca de Rimini

1863

279 cm x 1974 cm

Óleo

Colección particular

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Análisis comparativo entre el Arte Barroco y el Arte Romántico

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Análisis comparativo entre el Arte Barroco y el Arte Romántico

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Empezando por el análisis descriptivo, la primera diferencia entre las dos obras es la materialidad y la técnica, obra barroca es una estatua y la romántica es una pintura. En ambas obras hay una figura masculina, que en ambas obras esta en segundo plano, y una femenina que esta en el primer plano, también en ambas están desnudos. En la obra barroca la figura masculina esta persiguiendo a la femenina, agarrándola por la cintura y ella intentando liberarse. Además de eso, vemos como la naturaleza que esta a los pies de la mujer esta subiendo por su pierna. El hombre esta mirando fijamente a la mujer, se ve con una expresión tierna, como si estuviera contemplándola. En cambio, la mujer pareciera estar mirando algún lugar a lo lejos, abriendo la boca como si estuviera pidiendo ayuda. En la obra romántica, aparte de las figuras ya mencionadas, en la esquina inferior derecha hay dos figuras, que son apenas sombras. Volviendo a las figuras protagonistas, las dos están heridas y sangrando. La única que es visible es la de la mujer que parece un corte en el pecho, pero es notorio que el hombre esta sangrando mas. Es claro que la mujer esta adolorida, angustiada y con una expresión trágica. No le podemos ver la cara al hombre, pero la esta viendo a ella y por lo que se alcanza a vislumbrar también esta afligido. Hablando ya sobre el espacio y la posición corporal, la mujer se esta recostando sobre el hombre, esta siendo sostenida por el. Y ambos están levitando en un espacio que parece algún tipo de infierno. Pasando ya al análisis iconográfico, ambas obras representan historias de desamor muy distintas, por eso las elegí. Empezando por la obra barroca, las personas representadas son Apolo y Dafne. La historia que cuenta es que Apolo fue maldecido por Eros, haciendo que se enamorara de Dafne, y al mismo tiempo Eros le lanzo una flecha a Dafne para que sintiera repudio hacia Apolo. Dafne rechaza todas las veces que Apolo le pide estar juntos, y al final como medida desesperada le pide a su padre, Peneo, el dios del rio, que la convierta en árbol. Y esa es la escena que representa Bernini. Por el otro lado, la obra romántica representa una escena del Infierno en la Divina Comedia, Francesca y Paolo, son personajes de ese libro. Francesca y Paolo estaban perdidamente enamorados, pero sus familias estaban en guerra. Francesca fue ofrecida en matrimonio a Gianciotto, un tío heredero del hermano de Paolo. Por eso Francesca y Paolo se convirtieron en amantes, y al ser descubiertos por Gianciotto, este los apuñalo hasta que murieron, lo que explica los cortes en el pecho. Además, fueron condenados al infierno por adulterio, asi que probablemente las sobras en la parte inferior de la pintura sean la muerte y el diablo. Me pareció muy interesante el contraste entre las dos historias, en donde la primera es de amor no correspondido, claramente expuesto en la escultura, y la segunda es una historia de amor prohibido y trágico, en donde los personajes lograron estar juntos asi fuera en el infierno.

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Pierre-August Renoir

En verano

1868

85cm x 59cm

Oleo

Alte Nationalgalerie, Berlín Alemania

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Arte Siglo XX (Dadaismo) - Objeto para ser destruido

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Arte Siglo XX (Dadaismo) - Objeto para ser destruido

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Man Ray

Objeto para ser destruido

1923

Metrónomo y fotografía

Escultura

Museo Reina Sófia, Madrid España

Empezando por la apreciación descriptiva, es una obra muy distinta al resto de mi linea del tiempo. No hay figuras reconocibles, ni personas, ni expresiones, ni ninguna técnica anteriormente reconocida. Esta obra se compone simplemente por un metrónomo, que es usado para indicar el tempo en las composiciones musicales, y en el péndulo que marca el tempo, el artista puso una fotografía de un ojo humano. Esta escultura sigue la técnica Ready-made característica del dadaísmo. Esta técnica consiste en usar objetos cotidianos que no son considerados artísticos y modificarlos levemente, aun dejando que se identifique como el objeto que es, en este caso un metrónomo. Elegí esta obra por la simbología e historia que hay detrás. Primero que todo el ojo que Man Ray puso en el péndulo es el ojo de su ex novia, ya por ese simple detalle sabemos que la obra tiene relacion con el desamor. Además de eso el artista dejo unas instrucciones sobre el "uso" de la obra

Coloca en el péndulo de un metrónomo el ojo de la persona amada a la que ya no volverás a ver.

Pon en marcha el metrónomo hasta el límite de tu resistencia.

Con un martillo, intenta destruirlo de un solo golpe.

Al leer las instrucciones se puede inferir como el artista se siente. Es claro que hay un deseo de destrucción, y con eso de liberación de ese apego al ser amado que ya no puede ser mas amado. Pero al mismo tiempo el metrónomo, con su ritmo y constancia podría hacernos creer que el ser amado nunca ha dejado de vernos, y de querernos, es engañoso. Y considero que de eso se trata superar a alguien o una ruptura. Es aun queriendo al otro y su amor, aun teniendo esa ilusión, poder tomar distancia, poder "destruir" ese vinculo.