# data[].attributes.attachment_caption
Pío Domínguez del Castillo, Retrato de niña. 1800. Miniatura - acuarela sobre marfil. Colección del Banco de la República.

# data[].attributes.body
Esta obra es una de las piezas de la colección de Pio Domínguez en el Banco de La República. Está hecha en una única pieza ovalada de marfil con acuarela. Representa a una niña mirando hacia un lado, con un rostro dulce y una tez muy blanca, vistiendo un detallado vestido azul que podría indicar un alto estatus social dentro de la élite. El autor fue uno de los primeros en experimentar con el arte en miniatura, lo que hace que sea asombrosa por su nivel de delicadeza y precisión. En la obra original se aprecian los diferentes tonos del cabello, los lazos y las arandelas del vestido. Teniendo en cuenta su pequeño tamaño, lograr este nivel de detalle es de una alta complejidad. La creación d ocurrió cerca de nuestra independencia, lo que refleja un periodo de movimiento político y social bastante activo en esa época.

# data[].attributes.body
Elegí esta obra gráfica por su simplicidad y su significado cultural y historical colombiano. De hecho, esto es sólo una parte de la obra que me llamaba la atención, con los dos cuchillos en unos manos. En términos de arte, lo que me gusto fue su forma gráfica, con el contraste del blanco contra el negro, o más específicamente las partes donde las líneas del cuchillo cruzan los del las manos. Este alternación de tinta negra y blanca me parare fuerte, lo que se refleja en el título: Violencia.

De forma más personal, estoy investigando todo lo que pertenece en la categoría de impresión y grabado. Esta obra en particular es xilografía sobre papel. Lo que me interesa mucho es el uso de esta forma de arte para expresar mensajes sociales y culturales

# data[].attributes.attachment_caption
Sor Ignacia de San Antonia (Clarisa)-Anónimo-1800- óleo sobre lienzo- 48 x 59 cm

# data[].attributes.body
Este es uno de los retratos más importantes de las monjas coronadas en Colombia. Esta es una representación de un estado oro el que todos hemos de pasar, la muerte. En el contexto de una monja este es el momento en donde finalmente pasa a la vida eterna con Jesús, el esposo que han esperado toda el tiempo en vida. Me llamo la atención como se decora el cuerpo y su alrededor con flores, relacionadas con la muerte de los justos. Los ritos que se practicaban en los conventos, esto porque la muerte de una monja resultaba como un momento muy especial que no ocurre con frecuencia. Finalmente decidí usar esta obra por su carácter emotivo y el contexto en el que se realizó. Un convento era el lugar en donde las mujeres se entregaban completamente a Dios y el llegar a la muerte en mi punto de vista es la culminación de ese gran trabajo y finalmente llegar al cielo que sería equivalente a tener las ganancias del trabajo hecho.

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de niño, Francisco Antonio Cano, 1916  Óleo sobre tela38,4 x 55,2 cm                   Colección del Banco de la República.   

# data[].attributes.body
Escogí esta obra porque llamó mi atención los detalles que hay en esta, el manejo de la sombra, de la luz y de las texturas que hacen que el retrato se vea realista. El pintor logra que el centro de su pintura sea el rostro del niño, dándole una piel pálida y delicada, una mirada triste y pensativa, y un entorno oscuro y sin mucha vida. Además, una parte que me atrae mucho es la expresión y la posición del niño. Se ve que está agotado, cansado de estudiar y que probablemente sea porque lo que está estudiando no le interesa o simplemente ya está aburrido de leer un libro tan grande. Teniendo en cuenta que seguramente los padres del niño pagaron por este retrato me parece curioso que hayan querido que su hijo posara de tal manera como si ellos a su vez estuvieran en desacuerdo con la educación que estaba recibiendo su hijo  y como esta era impartida. Siento que esto se puede extrapolar a la actualidad ya que la educación es un problema latente en Colombia, todo gira alrededor de una nota y no en pro del aprendizaje. No ponen a prueba los conocimientos y las bases de los estudiantes si no que se esmeran por evaluar su memoria pero en realidad los estudiantes no aprenden nada. Debido a esto los estudiantes son incapaces de aplicar los conceptos que han aprendido si están fuera del contexto en el que se los enseñaron. Y en la actualidad hay muchos padres que se quejan del sistema de educación, ya que notan la cantidad tan absurda de tareas que le mandan a los niños y lo poco provechosas que estas resultan al final del día. Por esto siento que la pintura retrata una realidad que se sigue viviendo en el país y lo hace de una forma tan sútil pero tan diciente que es hasta elegante la forma en la que transmite esta crítica.

# data[].attributes.attachment_caption
Julián Trujillo. Francisco Camacho. 1884. 74 x 61,5 x 28 cm. Colección Museo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
Este busto de Julián Trujillo está realizado en arcilla blanca y presenta rasgos faciales realistas y su seriedad. También podemos ver detalles en el tejido de la chaqueta militar que tiene hojas grabadas. Fue un abogado, político y militar colombiano y luchó contra la dictadura del general José María Melo y sus tropas salieron victoriosas en la Batalla de Los Chancos. Posteriormente abrió el camino a la regeneración llevada a cabo por Rafael Núñez y el Partido Conservador Colombiano entre 1882 y 1886 y fue presidente de la república entre 1878 y 1880. Esta obra fue realizado en 1884, un año después de su muerte. Probablemente fue creado para conmemorar a una figura importante de la historia colombiana y para crear una identidad nacional patriótica.

# data[].attributes.attachment_caption
Rafael Núñez, Desconocido, Bronce, 1885Colección Museo Nacional, Bogotá, Colombia 

# data[].attributes.body
Escogí esta obra ya que Rafael Núñez representa a uno de los lideres mas importantes e influyentes de Colombia durante el siglo XIX. Por lo cual su legado se convirtió en un importante símbolo histórico y cultural de Colombia. La estatua muestra a Núñez de pie, con una postura erguida y firme con traje formal y sombrero; lo cual transmite la imagen de un hombre poderoso y respetable. En general, esta estatua nos permite entender su contexto histórico, representación física y el simbolismo patriótico que conlleva.

# data[].attributes.attachment_caption
Demetrio ParedesManuel Ancízarc 1855Copia en albúminaMuseo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
En esta obra podemos ver a Manuel Ancisar, fue un escritor, político, profesor y periodista colombiano.

Este integrante de la generación de hombres ilustres de Colombia y autor de una de las obras sociológicas más importantes del siglo XIX, fue ante todo un ideólogo del proyecto de nación que recién empezaba a gestarse.

Esta hecha en óleos sobre lienzo.

El contexto de esta obra tiene que ver con la labor de Manuel para la academia colombiana. La escogí porque fue con fundador y el primer rector de la Universidad de Colombia, alma mater de muchos colombianos y muestra pictórica del arte del país en el siglo XIX

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de niñoFrancisco Antonio Cano1916Óleo sobre tela38,4 x 55,2 cmColección del Banco de la República

# data[].attributes.headline
Juan felipe caicedo Juan Felipe Caicedo Castro 202014174

# data[].attributes.subject
Juan felipe caicedo Juan Felipe Caicedo Castro 202014174

# data[].attributes.body
La presente imagen presenta una persona joven, casi infante, acostada con una mano sobre un libro junto a un tintero. La luz predominante en la foto es roja, pero hay una fuente de luz cálida que hace que el eje central de la pintura sea la cara de la persona.

La pintura pretende representar a la persona en un estado de aparente aburrimiento, parece que la persona se encontraba leyendo y queda agotada. Es interesante pues la pintura es de 1916 y representa una escena cotidiana, enfocada en el aburrimiento y el cansancio. El personaje al ser un niño parece no ser nadie verdaderamente representativo pero al tener un retrato en esta época nos obliga a pensar que seguramente sea miembro de alguna familia de relevancia y la obra sea un encargo, aunque la temática puede llegar a ser contraria a esta idea.

La obra llama mi atención pues es un retrato de un personaje no histórico y muestra la evolución artística en Colombia y como se comienza a dar un proceso de globalización del arte en la sociedad, así en este momento solo se vea en la alta sociedad. De igual forma el encuadre es bastante llamativo pues el artista logra generar toda una situación sin robar protagonismo a la emoción del personaje.

# data[].attributes.attachment_caption
Salvador Moreno; Espalda; 1897; Óleo sobre tela.

# data[].attributes.body
Esta obra fue hecha por Salvador Moreno en 1897, con una técnica llamada óleo sobre tela, en la cual se ilustra a un hombre totalmente desnudo dando la espalda sentado sobre una butaca. En esta obra se logra ver cómo el rastro de los óleos no es parejo en la esquina inferior derecha ya que la tela absorbía la humedad de la pintura y así posteriormente secándola.

# data[].attributes.attachment_caption
Epifanio Garay, Rafael Núñez, 1891. Óleo sobre tela. Museo Nacional de Colombia.

# data[].attributes.body
Este es un retrato del presidente Rafael Núñez sentado en su escritorio, apoyando su cabeza en su mano derecha, y sosteniendo un libro con su mano izquierda. Al lo mejor está pensando en si le quedó bien o no la constitución del 86. Hay una chaqueta recostada en la silla. Parece estar en una gran biblioteca, rodeado de conocimiento. Está en una edad ya avanzada, pues 1891 es tres años antes de su muerte, una época en la que, según Wikipedia, se dedicó a escribir artículos para periódicos. La técnica que usa Epitafio Garay es de óleo sobre tela con un estilo realista.

# data[].attributes.attachment_caption
Henry Duperly,Guerra de los mil días ca. 1900

# data[].attributes.body
La Guerra de los Mil Días la conocemos todos, sabemos que fue un conflicto civil que tuvo lugar en nuestro país entre el 17 de octubre de 1899 y el 21 de noviembre de 1902. La fotografía de arriba la tomó Henry Duperly, un fotógrafo inglés reconocido por haber retratado la Bogotá de 1900 y fundar en esta ciudad el estudio “fotografía inglesa de H.L Duperly & Son”. ¿Qué podría ser más representativo para nosotros en esos tiempos que la Guerra de los Mil Días? Ese es el contexto de esta obra, un país en colapso por la Regeneración apoyada por el Partido Nacional, con un ejercito civil impulsado por sus inconformidades ante las políticas de ese entonces en Colombia, y la foto no podría ser más clara en eso. Duperly, casi haciendo reporteria gráfica, retrata al tumulto de civiles armados y políticos convencidos de la causa por la que están luchando.

La fotografía de la parte inferior no tiene jovenes armados con fusiles o políticos barbados en trajes elegantes, pero tiene a un tumulto de personas luchando por inconformidades "políticas" también en un lugar representativo de la institucionalidad que los acoge. Con palabras, música, arengas y pancartas es como ahora luchamos las batallas en Bogotá, para seguir los acuerdos de 1900, los anteriores y los posteriores, la constitución y la frase icónica del General Francisco de Paula Santander: "Colombianos las armas os han dado la independencia, pero solo las leyes os darán la libertad"

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de Señora. Rosalbina de Greñas. 1905. Colección de Arte del Banco de la República.

# data[].attributes.body
La obra está hecha en acuarela y retrata a una mujer de los hombros para arriba, la cual se encuentra triste en medio de las ramas. En este sentido, se denota que la artista se enfocó en el volumen y las sombras de la cara, pues el resto de la obra se ve plana y sin detalles. La autoría de esta obra es inconclusa, pues la autora que aparece en el repositorio, Rosalbina de Greñas, no fue quien realmente pintó la obra pues de esta mujer solo se tiene la pintura “retrato de una señora” que se caracteriza por tener un vestido azul. La verdadera autora de la presente es Rosa Ponce de Portocarreño, de quien también solo se tiene una obra. Supongo que esta confusión podría darse porque en esta época las mujeres no podían acceder a la educación artística profesional. Por lo cual, sus obras carecían de legitimidad y reconocimiento.

# data[].attributes.attachment_caption
Henry Price, Provincia de Córdoba: habitantes de , Rionegro, 1852, Acuarela sobre papel, Biblioteca Nacional, Bogotá

# data[].attributes.body
La obra "Provincia de Córdoba: habitantes de Rionegro" es una acuarela realizada por el pintor inglés Henry Price en 1852. Representa a un grupo de habitantes de la ciudad colombiana de Rionegro, Córdoba. Muestra a hombres y mujeres de diferentes edades y ocupaciones, vestidos con trajes tradicionales de la región. Entre los personajes representados se encuentran un campesino, un arriero, un comerciante, una mujer indígena y un niño. La obra es un testimonio de la vida cotidiana de los habitantes de Rionegro en la segunda mitad del siglo XIX.

# data[].attributes.attachment_caption
Felipe Santiago GutiérrezLa cazadora ”amazona” de los Andes o Venus de Bogotá.ca. 1891Óleo sobre telaColección Museo Nacional de Arte (MUNAL).

# data[].attributes.body
Admiro demasiado la pintura de la academia porque utilizaban diferentes técnicas al momento de componer la obra y también de producir las texturas para que se viera más realista. Además transmite demasiado lo que se vivía en la época, de la importancia de la naturaleza y de las raíces de América. Tambien es interesante ver la unión entre Colombia y España ya que en realidad la mujer indigena no es de test blanca como se muestra en la pintura. Considero que es interesante el simbolismo de que ella esté desnuda por que lo relaciona con historias romanas que crearon toda una ideología y que luego a través de la conquista fue transmitida a este territorio. Fue divertido crear esta imagen a pesar del tiempo en el que la realice y también fue curioso porque no sabía cómo representar esa sensualidad y desnudez sin estarlo.

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de Bernardina Ibáñez. Autor: José María Espinosa. Año: 1800. Acuarela sobre marfil. D: 7,3 cm x 6 cm. Museo de Arte Miguel Urrutia

# data[].attributes.body
Este retrato de Bernardina Ibáñez a manos del pintor José María Espinosa, retrata a una de las hermanas Ibáñez, una figura muy importante en la independencia de los roles tradicionales de la mujer. Esta obra fue pintada en marfil con acuarela, visible con la poco profundidad de los colores.

El contexto de esta obra fue en años cercanos anteriores a la independencia de Colombia; Bernardina era una mujer altamente conocida en las esferas de elite santafereñas -siendo pretendida por el mismísimo Simón Bolívar-, y usualmente referida como l más inteligente y bella de todas las jovenes de la capital. Finalmente, a través de sus acciones trató de emancipar a la mujer de su rol durante esa época colonial, y post independencia.  Y se cree que las hermanas Ibáñez fueron la causa para la creación de los partidos conservador y liberal dado el revuelo político que generaron.

# data[].attributes.attachment_caption
José María Espinosa.   Simón Bolívar 1828   Lápiz sobre papel   Colección Viszconde David Eccles, Londres     Ubicación actual: Fundación David Boulton, Caracas

# data[].attributes.body
La obra de Espinosa se realizó con la técnica; lápiz sobre papel. Es un retrato perfilado hacia la izquierda del General Simón Bolívar, donde se aprecia solo la parte superior de su cuerpo, vistiendo uniforme y sombrero de campaña de alas anchas. En la parte inferior izquierda tiene una inscripción "Bolívar 1828" que nos dice de quién es el retrato y el año que fue hecha. Esta obra fue hecha 18 años después de la independencia y 2 años antes de la separación de La Gran Colombia, previo a la configuración de la República de la Nueva Granada.

Escogí esta obra, porque me recuerda como vestía mi Padre y mi Abuelo en su juventud. Ellos tenían que estar mucho tiempo expuestos al sol por labores de Agricultura y por esto llevaban prenda superior de botones, sombrero de alas anchas. A demás, al estar en blanco y negro revive los momentos cuando veía sus fotos del álbum familiar en escala de grises.

Referencias:
-https://www.cervantesvirtual.com
-https://elpais.com
-repositorio de imágenes de la clase
-Foto tomada por Stiven Giraldo

# data[].attributes.attachment_caption
Anonimo, India Cacica de Satatausa, Siglos XVI-XVII, Pintura mural,  Templo de Satatausa, Satatausa Cundinamarca

# data[].attributes.body
En la pintura se ve una indígena con ropaje muy representativo a su cultura pero tambien un rosario, lo cual hace ver la importante mezcla que sucede por el intercambio de culturas, esta obra artística celebra la rica historia y cultura indígena de América Latina. Quise ser parte de esta representación para mostrar mi admiración por las raíces y legados de las comunidades indígenas, pero mas que todo por la historia, cada pintura nos cuenta algo , una historia, sucesos, costumbres...etc todo el contexto en el que se realizó. Esta pintura me inspira a reflexionar sobre la importancia de preservar y honrar nuestras tradiciones ancestrales, así como a reconocer la belleza y diversidad de las culturas indígenas que forman parte fundamental de nuestra identidad como sociedad.

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de niñoFrancisco Antonio Cano1916Óleo sobre tela38,4 x 55,2 cmColección del Banco de la República

# data[].attributes.body
en esta pintura se puede ver a un niño descansando su cabeza sobre un libro, el niño tiene una mirada monótona y de aburrimiento, aburrimiento que parece ser por culpa del libro sobre el cual esta recostado. me gustaría resaltar los colores de esta pintura siendo todos colores cálidos en tonalidades de rojos y naranjas además del estilo del autor el cual plasma esta obra usando sombras no muy pronunciadas pero que pueden transmitir la ubicación del niño respecto a la luz. para concluir para mi esta obra representa un fallo en la metodología de enseñanza de la época es por esto que mi idea fue representar esto, pero llevándolo al contexto de la actualidad en donde a pesar de los años siguen existiendo fallas muy tangibles en el modelo de enseñanza, en esencia los problemas pueden ser similares en distintas épocas.

# data[].attributes.attachment_caption
José María Espinosa, Simón Bolívar - 1828. Lápiz sobre papel. Colección Viszconde David Eccles, Londres. Ubicación actual: Fundación David Boulton, Caracas

# data[].attributes.body
Este retrato de Simón Bolívar muestra la forma en que en ese entonces pintaban a los conquistadores.

A pesar de no ser un ejemplo de máximo esplendor que puede alcanzar la pintura, la expresión en el rostro demanda autoridad, confianza y respeto. Hay muchos otros ejemplos donde se pinta a Bolivar con uniforme en colores llamativos que son lo que resaltan su grandeza sin embargo, acá es sólo su rostro pero no se queda atrás en lo que quiere hacer notar, poder.

Por esto me llamó la atención este dibujo, retrato. No se necesita demasiado para expresar algo, en este caso particularmente fue suficiente denotar los rasgos faciales para entender que quien está esbozado es alguien importante.

# data[].attributes.attachment_caption
Todo lo tengo, todo me falta.María isabel Rueda. Fotografía análoga en blanco y negro.40 x 50.4 x 1.5 cm. 1999 .Colección de arte del banco de la república.

# data[].attributes.body
Está obra es una fotografía tomada por María Isabel Rueda. La foto consiste en una mujer hincada de rodillas sobre el suelo, en dónde se encuentra realizando una labor doméstica. También podemos evidenciar que de su vestido sale un falo.

Está obra fue realizada a finales del siglo en el año 1999. La artista la hace con una intención de protesta en contra de las labores que socialmente le son asignadas únicamente a la mujer. De esta forma, se entiende que para ese momento aún habían muchos estigmas sobre el rol que debía cumplir una mujer en la sociedad.

Ref: https://www.uexternado.edu.co/amaranto-museo-virtual/2-derechos/todo-lo-tengo-todo-me-falta/

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de niñoFrancisco Antonio Cano1916Óleo sobre tela38,4 x 55,2 cmColección del Banco de la República

# data[].attributes.body
En esta obra realizada por Antonio Cano se aprecia un retrato realista de un niño recostado sobre un libro, con una expresión de aburrimiento o disgusto por el contenido. Básicamente, se refleja el desinterés que el niño siente en ese momento. Adicionalmente, en esta obra se puede apreciar como resalta la cara del niño debido a la falta de luz en el fondo de la obra. En mi opinión, esta obra captura el descontento por la forma en que se educaba a los jóvenes en esa época (y que de alguna manera aún perdura, ya que esta actitud todavía se observa en los niños). Por este motivo, decidí recrear la expresión de aburrimiento que sentía cuando era niño y no me gustaba la forma en que tenía que estudiar.

# data[].attributes.attachment_caption
Título: Sor Águeda María de San Miguel (Clarisa) Técnica: Óleo sobre lienzo Artista: Anónimo Año: 1786 Dimensiones:49 x 66,8 cm 

# data[].attributes.body
Esta obra es un retrato realizado en óleo sobre lienzo que retrata a una monja coronada en su lecho de muerte, el arreglo floral sobre su cabeza y pecho  posee una paleta de colores cálidos, la mujer viste el habito característico de su orden. La obra forma parte de una gran tradición pictórica y ceremonial durante el período virreinal que data de finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX, la corona y la palma son elementos significativos para este tiempo ya que buscaban representar la muerte de los justos, objetos característicos de los mártires. Tras el fallecimiento  de la religiosa se le coronaba con el propósito de celebrar su unión con cristo "el divino esposo"
El objetivo de esta producción pictórica era recordar a las súbditas la "brevedad de la vida"

# data[].attributes.attachment_caption
José María Espinosa. Simón Bolívar. 1828. Lápiz sobre papel. Colección Viszconde David Eccles, Londres. Ubicación actual: Fundación David Boulton, Caracas

# data[].attributes.body
En la obra podemos ver un retrato simple de Simón Bolívar, de cierto modo parece un estudio de dibujo hecho por Jose María Espinoza sobre la imagen del libertador para hacerse más familiar con su aspecto físico para mejorar futuros trabajos, pero al mismo tiempo se muestra al libertador con un aspecto más casual con una camisa y un sombrero regulares para la época en lugar de su uniforme con el que se le retrataba comúnmente, tal vez mostrando un poco más la cercanía de la relación que este tenía con el autor.

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de señora; Rosa P. Portocarreño; 1905; Acuarela sobre papel; 31,2 cm x 24,3 cm; Colección del Banco de la República

# data[].attributes.body
Si bien en el repositorio esta obra está atribuída a Rosalbina de Greñas, puedo corroborar que se trata de una acuarela sobre papel de Rosa Ponce de Portocarreño. Realizada en 1905, la obra costumbrista retrata el busto de una joven mujer, que está en posición frontal ligeramente inclinada hacia el costado izquierdo, con la cabeza semigacha y los ojos bajos. Su pelo alborotado está decorado con flores y el fondo esboza la silueta de unos árboles. El contexto de producción de la obra es particular, por un lado, el país atravesaba un proceso de pacificación bajo el gobierno del general Rafael Reyes, tras la guerra de los mil días. Y vivía una redistribución territorial a cargo de la nueva asamblea constituyente. Por el otro lado, la capital continuaba con su proceso de globalización. El clima cultural está precisamente señado por la artista de esta obra, que fue la primera mujer profesora de la Escuela Nacional de Bellas Artes e hija de una poeta. El motivo de la obra parece ser costumbrista, lo que intuímos tambien por sus dimensiones.

# data[].attributes.attachment_caption
Estudio académico. Enrique Recio y Gil. 1894. Óleo sobre tela. 215 x 104,4 cm. Museo Nacional de Colombia.

# data[].attributes.body
Enrique Recio y Gil fue un pintor español que se estableció en Colombia como catedrático de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. En su obra “Estudio académico”, pintada en 1894 a través de un estilo de óleo sobre tela, se retrata la figura de un hombre adulto que se encuentra sentado de manera natural sobre un tronco y sujetando un mazo en su mano derecha. Analizando la obra se destaca principalmente el juego de luces para resaltar las características corporales del sujeto que se ajustan a la posición en la cual se encuentra sentado. Pero es difícil distinguir su rostro, ya que es opacado por la falta de iluminación en su cara, y, adicionalmente, por el bello facial presente en el sujeto. Esta pintura está fuertemente ligada al Academicismo ya que no busca retratar una belleza ideal, sino, que se enfoca en el realismo característico del individuo al que se está retratando.

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de niño, Francisco Antonio Cano, 1916, Óleo sobre tela, 38,4 x 55,2 cm, Colección del Banco de la República

# data[].attributes.body
En esta pintura podemos ver a un niño el cual está recostado sobre un libro en una mesa, viendo en la dirección general del espectador con una expresión facial que parece calmada. En esta obra podemos encontrar 2 elementos principales, una representación detallada del retrato, específicamente en el rostro, dando la sensación de realismo. Por otra parte, hay un gran énfasis en los colores y la iluminación, se diferencian 3 regiones: el rostro del niño claramente iluminado, un fondo rojo oscuro y una mesa con elementos apagados. Esto concuerda con los estilos que Antonio Cano buscaba profundizar y un resultado de esa experimentación es esta obra.

# data[].attributes.attachment_caption
Francisco de Paula Santander; Desconocido; 1836; 19,5 x 13,5 x 6 cm; Colección Museo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
Hecho en 1836, año en el que se dio la ocupación de Boca de Toros y años en los que se empezaba a consolidar la República de la Nueva Granada, tras la disolución de la Gran Colombia en 1830, este busto retrata a Francisco José de Paula Santander, primer residente de la República de Nueva Granada. El mismo, hecho de lo que parece mármol o piedra, fue realizado durante su presidencia (1832-1839) y probablemente hizo parte del proyecto político liberal que pretendía crear una identidad nacional patriótica a partir de la creación y difusión a partir del arte y la educación de los héroes que hoy hacen parte del mito fundador de la patria. Es aquí donde entra este ilustre personaje, quien no solo fue el ya mencionado primer presidente de la República de la Nueva Granada si no también hizo parte del proceso de independencia junto a Simón Bolívar, así como fue uno de los más importantes organizadores de la lucha contra la reconquista.

# data[].attributes.attachment_caption
Francisco Antonio Cano Cardona, Retrato del poeta Barba Jacob, Óleo sobre tela, 41,5 x 32,3 cm, Colección de Arte Banco de la república, MAMU

# data[].attributes.headline
María Alejandra Calle Martelo - 201921982

# data[].attributes.subject
María Alejandra Calle Martelo - 201921982

# data[].attributes.body
El retrato del poeta Barba Jacob, creado por el colombiano Francisco Antonio Cano Cardona, es una obra que captura la esencia del poeta Miguel Ángel Osorio Benítez. La pintura está realizada con gran precisión, destacando los rasgos del poeta y su mirada profunda. Esta obra inmortaliza la figura de Barba Jacob en un contexto literario y cultural, reflejando su contribución a la poesía colombiana. Fue creado a principios del siglo XX, cuando la literatura y el arte colombiano estaba experimentando un renacimiento cultural, con el modernismo. Así el retrato se convirtió en un símbolo de identidad artística y literaria en Colombia.

# data[].attributes.attachment_caption
Henry Price; Provincia de Córdoba; Habitantes de Rionegro; 1852; Acuarela sobre papel; Biblioteca Nacional, Bogotá.

# data[].attributes.body
Henry Price, o Enrique Ponce, fue dibujante de la comisión corográfica. En uno de sus viajes hizo este retrato de unos campesinos en Rionegro. Hecho en acuarela sobre papel, es un cuadro que retrata tres personajes, un campesino negro descalzo que tiene un lugar protagónico, otro que podría ser mestizo o indígena a su derecha con una herramienta y otro más de espaldas cuya cara no se distingue. Los primeros dos tienen prendas parecidas, un pantalón azul y una ruana, el otro parece tener un atuendo completamente blanco, pero no se distinguen bien las prendas.
Ponce es muy observador con la vegetación que rodea a los campesinos, se ven las copas de dos árboles de diferentes especies que sobresalen por encima de la cabeza de los retratados y también hay un dibujo meticuloso del campo que trabajaban.
Esta es una de las muchas pinturas que hizo Ponce con la comisión Corográfica siendo uno de los acompañantes que Codazzi y es un gran testimonio del desarrollo socio-económico de la región. Antioquia estaba aislada y se estaba desarrollando a un ritmo diferente al resto del país. Sin embargo, por las duras e insalubres condiciones de la expedición, la salud de Ponce empeoró mucho y terminó teniendo que retirarse para luego tener una muerte temprana.

# data[].attributes.attachment_caption
Modelo de la Academia Julian, Francisco Antonio Cano. Óleo sobre tela, 61 x 51 cm, 1898, Colección Banco de la República.

# data[].attributes.body
Este retrato hecho por Francisco Antonio Cano se realiza en óleo sobre tela, demostrando además un estilo bastante académico. Tiene una pretensión realista de representación, un detalle alto en las texturas del pelo y el bigote por ejemplo, y una precaución por representar adecuadamente las sombras de una luz que parece provenir de alguna especie de claraboya o luz que emana del techo. El retrato es un tipo de obra que Cano solía preferir y que se caracteriza por tener trazos suaves y que parecen hacer ver la imagen "borrosa" o tipo pastel. Este cuadro lo pinta Cano al viajar a la Academie Julian de París en 1898, donde este modelo posa para él bajo una fuente de luz que emana del techo. Además, vale la pena mencionar que Cano encuentra en esta academia privada un lugar donde desarrollar su arte considerando que para la época la academia en Colombia se encontraba en surgimiento y desarrollo, por lo tanto era lógico que ir a Europa era una opción para el desarrollo, mejora, y creación artística.

# data[].attributes.attachment_caption
Manuel Merchan Cano, Sor Tomasa Josefa de San Rafael  (Carmelita), Óleo sobre lienzo, 81x81 cm, 1768, Museo de arte Miguel Urrutia, Bogotá.

# data[].attributes.body
Esta obra de Manuel Merchan Cano nos habla con poco del contexto de la mujer dentro de la sociedad en el siglo XIX. Para este entonces las mujeres debían escoger entre dedicar su vida a la religión dentro de un convento o irse por la ruta del matrimonio. La vida dentro de los conventos era dedicada al rezo y la castidad, donde, para las monjas, el acto de morir era celebrado, pues alcanzarían a Cristo y contraerían nupcias espirituales. Dentro de este contexto, las mujeres que vivían dentro de estos conventos tenían una ventaja, y era la protección, factor que no podía ser asegurado en este entonces debido a las múltiples guerras, enfermedades y distintas carencias organizacionales que tenía Colombia durante estos años. A través del medio del óleo sobre lienzo, Cano busca hacer una representación de cómo se veían estas mujeres al llegar su muerte. Portaban su hábito, un medallón de oro sobre su pecho y múltiples flores.

# data[].attributes.attachment_caption
Título: Policarpa Salavarrieta Artista: José María Espinosa Medio: óleo sobre tela Fecha: 1855 Ubicación: Museo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
La obra del artista colombiano, José María Espinosa, retrata la célebre heroína nacional de la Independencia, Policarpa Salavarrieta. A lo largo del siglo XIX, fue muy común el uso de héroes populares como inspiración y modelos para crear distintas obras artísticas. Policarpa, mujer nacida en Guaduas, Cundinamarca en 1796, espía clave para el movimiento independentista y fusilada a causa de sus valientes acciones por la patria en 1817, no fue la excepción, y, por tanto, fue retrata por múltiples artistas de la época. Dichas representaciones consolidaron una iconografía específica para representar a la Pola. De hecho, en este cuadro, Espinosa refleja una de las cuatro formas más comunes de pintarla, el retrato simple sin ningún atributo. En este retrato, a diferencia de las primeras representaciones de héroes nacionales, el artista demuestra una evolución en el manejo de la pintura a la hora de captar la realidad. El uso de sombras y luces, el manejo de la perspectiva, el volumen, la naturalidad de las telas y la verosimilitud de la expresión, crean una imagen bastante realista. Esto resulta impresionante teniendo en cuenta que Espinosa era autodidacta y no tenía orientación, ni de los talleres de Bogotá, ni de las academias de Europa. Y, sin embargo, descubrió que usar el dibujo como base era la mejor técnica para una buena composición en el cuadro final. Sin embargo, se podría decir que en la obra, la Pola es representada con una belleza algo idealizada. Esto tiene sentido pues, aunque existían ciertos parámetros para dibujar a la heroína, el traje azul y color del cabello y de la piel, dada su muerte prematura, Espinosa nunca pudo conocerla, y todo el cuadro fue pintado con base en historias, testimonios u otras imágenes. En cuanto a su propósito, esta obra probablemente sirvió como herramienta para construir la identidad de la nueva nación, y dar a conocer al pueblo aquellos personajes que lucharon por construir y consolidar el país. Incluso, esta misma imagen fue utilizada de forma posterior para el billete de $10.000 de 1995, y recientemente para la moneda del Bicentenario del sacrificio de Policarpa. Es interesante observar cómo esta imagen, a pesar del paso de los años, aún mantiene algo de su propósito original, conmemorar a los héroes de la patria.

Recurso adicional: Manual de arte del siglo XIX en Colombia, Beatriz Gonzales Aranda, 2013

# data[].attributes.attachment_caption
Demetrio Paredes, Manuel Ancízar, c. 1855, Copia en albúmina, Museo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
Esta obra es una fotografía, más específicamente el retrato de Manuel Ancízar, quien fuera el primer rector de la Universidad Nacional de Colombia. Hoy en día, esta imagen pasaría inadvertida, aunque en aquel momento (siglo XIX) la fotografía era una nueva técnica de obtención de imágenes y era novedosa, distinto a la pintura y el dibujo. No solo era novedoso este avance tecnológico y técnico, sino que también abrió un debate en el arte de aquel entonces el cual buscaba imitar a la realidad, por lo que la fotografía puso en jaque el rol de la pintura y el dibujo. No obstante, este proceso de fotografiar no era tan sencillo por las cámaras de la época (aunque sí era más rápido que un artista haciendo un retrato por horas), las cuales tenían grandes tiempos de exposición para lograr una buena imagen, por lo que se ve que Ancízar se encontraba en una postura medianamente cómoda para resistir un tiempo prudente de captura de la imagen. Más específicamente, esta obra es un copia en albúmina, lo que permitía obtener el positivo de la imagen. Este proceso era importante dentro de la fotografía análoga puesto que era el paso final de la producción de la imagen, logrando revelar las sombras y las luces tales como "son" en la realidad.

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de niño 1916, Francisco Antonio Cano. Óleo sobre tela 38.4 x 55.2 cm. Banco de la republica Colombia 

# data[].attributes.body
Antonio Cano fue un artista que era conocido mayormente por ser retratista. En esta obra Antonio plasma a un niño aburrido recaído sobre un libro en el estilo más representativo de Cano (retratismo), lo que realmente quería representar a manera de protesta el como se vivía la pedagogía y la disciplina de esta en ese momento desafiándola. En ese momento Antonio estaba dejando la presión de la academia y se estaba reencontrando en su propio estilo, lo cual fue bastante criticado.

# data[].attributes.attachment_caption
Policarpa Salavarrieta. José María Espinosa Prieto. 1855. Óleo sobre tela. 34 x 24,3 cm. Colección Museo Nacional de Colombia, Bogotá D.C.

# data[].attributes.body
En este retrato se puede observar a Policarpa Salavarrieta. Se hace uso de tonalidades oscuras tanto en el fondo como en la vestimenta. No obstante, la luz permite un enfasis en el rostro de la mujer. Se conoce que José María Espinosa es el pintor de la independencia y además fue un combatiente directo en la campaña libertadora.  Por lo anterior, es lógico que él decida retratar a una mujer como Policarpa 38 años después de su ejecución, con el fin de resaltar su valentía. Lo anterior, ya que ella representa a una heroína de la independencia y el movimiento patriota, al ser de las pocas mujeres involucradas en la lucha independentista como espía y revolucionaria; lo que la llevó a ser detenida, encarcelada y condenada a muerte, volviéndose mártir de esta causa.

# data[].attributes.attachment_caption
Sor Tomasa Josefa de San Rafael (Carmelita). Manuel Merchan Cano, 1768. Óleo sobre lienzo, 81 x 81 cm. Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Bogotá.

# data[].attributes.body
En este cuadro, podemos ver a la difunta Sor Tomasa Josefa de San Rafael, una monja que fue fundadora del monasterio de Carmelitas descalzas de Popayán. Este cuadro forma parte de la colección de Monjas Coronadas Muertas, y fue una práctica común en la pintura colonial que tuvo su auge en la segunda mitad del siglo XVIII, en donde se retrataban a las monjas difuntas con el fin de mostrar no solo muerte sino también mujeres que habían alcanzado el momento culmen de su vida, logrando una experiencia de realización, en donde se buscaba participar de una vida eterna con Cristo, la transición hacia una nueva vida. Iconográficamente, podemos ver a Sor Tomasa retratada desde una posición cenital de medio cuerpo, cubierta completamente de rosas rojas que significan la mortificación extrema y amor a Dios. Adicionalmente, tiene puesto un hábito negro, sujeta con ambas manos una escultura de Cristo crucificado y tiene atrás de ella un cartel en su memoria, alaban su vida y las acciones que realizó en esta. Finalmente, es importante recalcar que este cuadro es de los pocos retratos de monjas difuntas que están firmado por el autor, en este caso Manuel Merchan Cano, lo cuál denota una gran excepción para este cuadro y el carácter especial e importancia que tiene.

# data[].attributes.attachment_caption
Benjamín de la Calle,  De: José Vicente Sánchez y esposa , 1920. Fotografía. Museo de Medellin.

# data[].attributes.body
La mayoría de los trabajos de Benjamín son frescos, directos, espontáneos, cargados de humanidad. Este en especial es un negativo de 5000 mas que dejo después de su muerte, se puede apreciar que había toda una composición y un significado detrás de el. En esta obra se puede apreciar la vestimenta de la época en Colombia y también las expresiones que capturaba este artista, un poco seria y para nada sobreactuada. Esto también se refleja en las pinturas del siglo XIX las cuales querían reflejar exactamente esta expresión. Fue un desafío grande conseguir los objetos para recrear la obra y mas aun porque no conseguir exactamente lo que usaban ellos pero fue divertido el ejercicio y también poder aprender de estas representaciones.

# data[].attributes.attachment_caption
Francisco Camacho, Simón Bolívar, 1883. Tallado, 83,1x54x31 cm, Colección Museo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
Este es un busto de Simón Bolívar realizado tres años después de su muerte, seguramente para enaltecer la figura del prócer y su memoria. La imagen está un poco pixelada, pero alcanzo a ver que el tallado tiene en cuenta detalles realistas, como los rasgos faciales, los pliegues del manto y la tela del uniforme militar que parece tener un grabado de unas hojas a la altura del pecho. Simón Bolívar se ve muy serio y erguido, como mostrando que es alguien importante. Me llama la atención el manto: no he encontrado ninguna simbología específica, pero me recuerda a los bustos de emperadores romanos que tenían mantos parecidos y que mostraban estatus y mucho poder. Quizás el artista quiso representar a Bolívar como nuestra versión de un emperador, pero latinoamericano.

# data[].attributes.attachment_caption
José Maria Espinosa. Simón Bolívar. 1828. Lápiz sobre papel. Colección Viszconde David Eccles, Londres. Fundación David Boulton, Caracas

# data[].attributes.body
En este retrato se puede ver una imagen clara de Simón Bolivar. Con solo el uso del lápiz sobre el papel, el artista logra retratar en detalle los rasgos principales de Bolívar y darle un rostro muy amigable. A diferencia de otras pinturas, este retrato no busca mostrar a Simón Bolívar como el gran general libertador de America, sino que por el contrario lo muestra como un obre del común de la época. Se puede llegar a decir que esta obra se realizo mucho antes del grito de independencia, antes de que Bolivar se convirtiera en el gran general que fue, por lo que esta imagen solo lo muestra como el obre común que alguna vez fue.

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de una negra. Henry Price. 1852. Acuarela sobre papel. Banco de La República, Bogotá

# data[].attributes.body
En esta obra se puede ver el retrato de una mujer afro en 1852. Usa colores calidos como se ve en su vestimenta blanca con bordados de tonos amarillos y naranjas, el poncho naranja es lo que principalmente capta la mirada por el vibrante tono. No se ve mucho detalle en el rostro ya que el color y la técnica de sombras es muy plano, no deja ver muy bien las facciones, en reliadad no deja ver mucho mas allá de los ojos, que resaltan. Creo que es importante volver a la vestimenta y analizarla, como se contrasta en este caso con la mujer y su rol en la sociedad. La abolición de la esclavitud en Colombia fue decretada el 21 de mayo de 1851, esta fecha nos deja a la imaginación a que se dedicaba esta mujer y cual era su rol, que vivió y que estaba por vivir. Price es conocido por retratar lo visto en las provincias de Mariquita, Córdova, Medellín y Antioquia, lo cual nos indica que pudo habrse encontrado a esta mujer en alguna de estas regiones. El fondo en degradé nos deja a la imaginación la escena, no sabemos en donde estaba sentada, no sabemos nada del paisaje ni donde se encuentra.

# data[].attributes.attachment_caption
Modelo de la academia Julian. Francisco Antonio Cano.  Ca. 1898. Pintura (Óleo / Tela). Colección Banco de la República de Colombia.

# data[].attributes.body
Fue una obra de modelo realizado por Francisco Antonio Cano, cuando realizo un viaje a Francia en 1898 y estuvo en la Academia julian. Allí fue donde realiza esta obra de joven, que estaba posando y refleja dos cosas, el de un hombre con buen musculo que tiene la mirada desafiante hacia el dibujante, o el de uno que resalta la fragilidad de su cuerpo. El autor a partir de ahí comenzó a generarle interés sobre la anatomía y el uso de la luz, asunto que decidió ponerlo en practica al volver al país.

# data[].attributes.attachment_caption
Sor María Antonia de San Joaquín (Clarisa) - Anónimo - C.a 1819 - Óleo sobre lienzo - 56 x 78 cm

# data[].attributes.body
En este retrato de Sor María Antonia de San Joaquín, una monja de principios del Siglo XIX, un pintor anónimo captura el día de su muerte. Esta era una práctica común, la de retratar monjas muertas, pues era en ese día en el que se creía que partían hacia el Cielo, al encuentro con Jesucristo, su esposo. Es por esto también que se les adornaba con flores, específicamente rosas, pues se celebra la muerte. La técnica del óleo sigue los códigos de lo que se encontraba en lo que hoy es Colombia durante el siglo anterior, y no necesariamente se busca hacer una representación del todo naturalista del rostro de la retratada. En cambio, se están usando de manera muy intencional las luces y sombras en la pintura, para darle protagonismo a la cara de la retratada y a las características, en su piel y sus expresiones, que sugieren que está muerta.

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de niño. Francisco Antonio Cano. 1916. Óleo sobre tela. 38,4 x 55,2cm. Colección del Banco de la República. 

# data[].attributes.body
En esta obra, Cano captura la inocencia y la curiosidad de la infancia a través de un retrato detallado. El niño, con ojos curiosos y una sonrisa, permite que la pintura se pueda sentir de cierto modo.  La técnica es asombrosa, los detalles son súper precisos y los colores cálidos le dan vida a la imagen. Este cuadro se realizó en una época en la que el arte colombiano estaba experimentando un resurgimiento, y Cano contribuyó significativamente a ese movimiento con su habilidad y sensibilidad artística.

# data[].attributes.attachment_caption
José Manuel Groot. Los jugadores de cartas 1863. Óleo sobre lienzo 94,5 x 118,5 cm. Museo Nacional de Colombia, Bogotá.

# data[].attributes.body
Esta obra está hecha en óleo, se pueden ver unos tonos blancos y azules que resaltan ya que en su gran mayoría tiene tonos tierra y aunque el fondo es oscuro las personas tienen mucha luz. La obra es muy detallada pues se logran ver las arrugas de la tela y de las expresiones faciales, se puede ver que junto a las cartas hay alguna especie de nuez y que en el cajón tienen algunos objetos guardados. Esta pintura muestra una escena cotidiana de un grupo de hombres jugando cartas , podría decirse que en la sala de alguna casa o en algún sitio en donde la gente vaya a pasar un rato, a tomar algo y comer. Esta pintura fue hecha en 1863, año en el cual los Estados Unidos de Colombia estaba pasando por un período de inestabilidad política y conflictos internos.

# data[].attributes.attachment_caption
Felipe Santiago Guitérrez. José Manuel Groot, 1874, Óleo sobre tela, 91,3 x 70,3 cm, Colección Museo del Banco de la República

# data[].attributes.body
El retrato de José Manuel Groot es una obra de arte colombiana que nos permite echar un vistazo al pasado. La pintura, realizada en óleo sobre tela por el mismo artista, representa al autor de cuerpo entero, vestido con un traje formal de la época. Groot se presenta de frente, con una mirada firme y decidida. Su rostro es de rasgos finos y aristocráticos.

# data[].attributes.attachment_caption
Estudio académico. Enrique Recio y Gil. Ca. 1894. Óleo sobre tela. 215x104,4 cm.  Bogotá, Colombia. Museo Nacional de Colombia.

# data[].attributes.body
Enrique Recio y Gil fue un académico español que llegó a Colombia en 1894 para ser profesor en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. Su obra "Estudio académico", pintada en 1894, muestra el retrato de un hombre adulto, posando sobre un tronco mientras sostiene un mazo. Mediante la observación, hace un estudio del cuerpo humano que, dispuesto sobre una superficie incómoda, genera formas y pliegues a lo largo del torso. El uso de luces y sombras crea un efecto dramático en la escena, ocultando parte del rostro y resaltando el cuerpo del sujeto. La pintura cumple con los atributos de la academia, sin embargo, también manifiesta una exploración con el color y las formas en el fondo de la composición.

# data[].attributes.attachment_caption
	José María Espinosa Retrato de mujer ca.1830. Miniatura, acuarela sobre marfil. Museo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
Esta acuarela sobre marfil de José María Espinosa presenta el retrato de una mujer de clase alta del siglo XIX. Este retrato resulta interesante por el esmero en el realismo del rostro y el cuello de la mujer. Es interesante porque el vestido y torso de la mujer no presentan el mismo realismo. Esto provoca, una vez más, que resalte el nivel de detalle del rostro. A Espinosa se le atribuyen múltiples iconografías de próceres de la independencia de Colombia. Sin embargo, su obra es extensa e importante por lo bien que se ha conservado, como la obra aquí expuesta.

# data[].attributes.body
En esta obra de Francisco Antonio Cano, el artista demuestra un excepcional dominio técnico en el manejo de la luz y el color, destacando su "mano luminosa".  La obra representa a un niño descansando sobre un libro abierto, absorto en sus pensamientos, y se pueden atribuir sentimientos de agotamiento, aburrimiento o desinterés a su expresión. Precisamente es lo mismo que se refleja en mi modelo. Sin embargo, no es por cansancio de estudiar, sino por hambre, así que de alguna forma (conociendo el contexto de ambas partes) transmite lo mismo a quien lo ve. No vi necesario "recrear" exactamente la misma foto, sino captar un momento que represente la obra.

# data[].attributes.attachment_caption
Nieves Martínez. Simón Bolivar, 1844, Pintura y bordado, 53,7 cm x 38,7 cm, Colección Museo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
Esta es una obra donde se puede ver a Simón Bolívar en el centro del cuadro con su uniforme y su espada en un fondo dorado, es una especie de retrato hecho 14 años después de su muerte por Nieves Martínez. Cuando uno mira en detalle la obra se puede ver como el cuerpo de Bolívar y su pelo está bordado en la pintura. Su pelo está hecho por hilo negro, su uniforme está bordado con hilo azul y rojo y sus detalles son canotillos e hilo dorado. Estos elementos son los que más resaltan dentro de la obra, y me parece curioso ya que son también las características más autóctonas de Bolívar, ya que en mi opinión Bolívar es Bolívar por su uniforme y sus patillas. Aunque Nieves Martínez estudiante Bumanguesa diga que no hizo las facciones de Bolívar en hilo por falta de conocimiento de la técnica, considero que es un elemento muy poderoso dentro de la pieza, al solo detallar los elementos simbólicos con los que se conoce a Bolívar. Por otro lado, me llama la atención que es como si estos elementos fueran puestos encima de una superficie plana, pero no un cuerpo, esto quizás también está asociado a que es bordado, entonces hacer sombras que traigan tridimensionalidad no estaba tan estudiado en ese momento.

Referencias:
Robledo Páez, Santiago. “Sobre un Bolívar bordado por Nieves Mar- tínez (1844) ”. H-ART. Revista de historia, teoría y crítica de arte, n.o 6 (2020): 236-241. https://revhart.blob.core.windows.net/fringes/Robledo/01%20Robledo.pdf

# data[].attributes.attachment_caption
Epifanio Garay. Rafael Núñez, 1891. Óleo sobre tela. Museo Nacional de Colombia.

# data[].attributes.body
La pintura posiciona a Rafael Núñez como un hombre letrado, con una gran colección de libros sobre su escritorio así como posibles cartas y documentos, también resalta que tiene un libro en la mano y se le nota pensativo. Quise representar esta obra haciendo un contraste con la modernidad; cambiando la inmensa colección de libros por un computador, las cartas por un celular y el libro que sostiene por una tableta. Así mismo, el espacio pasa de ser un estudio oscuro y con muchas tonalidades de café y rojo, a una habitación clara donde predominan los tonos azules y grises. Esto ayuda a generar mayor contraste visual y enfatizar más la transición tan abrupta que ha vivido nuestra sociedad en el estilo de vida y en como accedemos al conocimiento. Este era su estudio luego de múltiples mandatos presidenciales y de la redacción de una nueva constitución, yo que solo soy soy un estudiante poseo acceso inmediato a mucha más información de la que contenían aquellos libros, pero de que sirve tanta información si no sabemos como utilizarla.
Pdtt: La gata se coló en la foto, extrañada por verme así vestido.

# data[].attributes.attachment_caption
Demetrio Paredes. Manuel Ancízar. c 1855. Copia en albúmina. Museo Nacional de Colombia

# data[].attributes.body
Esta obra está hecha mediante la técnica de copia en albúmina, un proceso fotográfico que implicaba la impresión de la imagen en papel recubierto con clara de huevo. La fotografía captura a Manuel Ancízar, un periodista, escritor y político del siglo XIX, quien en 1855 ocupó el puesto de Representante ante el parlamento por el estado de Panamá. Además, fue contratado como secretario y ayudante de Agustín Codazzi para la expedición corográfica. La imagen presenta un retrato de Ancízar en un contexto de estudio y elegancia de la época para la población académica, lo que era común en la fotografía de la época. La elección de inmortalizar a Ancízar a través de esta nueva forma de expresión artística refleja la creciente importancia de la fotografía como medio de documentación y comunicación en el siglo XIX, un período crucial en la historia de Colombia en el que se estaban estableciendo las bases de la República.

# data[].attributes.attachment_caption
Jean Baptiste Louis Gros La cascada del Tequendama1841100 –127 cmsÓleo sobre tela Colección Banco de Bogotá, Miami

# data[].attributes.body
Dado que la cascada del tequendama es un punto importante del paisajismo bogotano esta obra es una forma de representar el ruido a través del movimiento. Jean Baptist Louis Gros fue un artista romántico que estaba fascinado por el paisajismo y la fotografía. Esta obra emula una fotografía ya que es detallada y las pinceladas son ocultas, apelando a un sentido realista de la cascada. A su vez, se hace connotación en la caída del agua con el movimiento de la figura y el uso de sombras y tono que emula sonido de una manera muy acertada con  la época.