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El tema que escogí para la clase son los animales, este tema lo escogí ya que me gustan bastante en especial los gatos, para mí los animales son los seres mas puros de la tierra y el amor y fidelidad que le tienen a las personas es de otro mundo, es un amor que no se puede comparar. Los animales me dan alegría, me ponen feliz, me dan esa vitalidad que tanto se pierde cuando solo estamos enfocados en otra cosa que no se trate de una vida humana, para mis los animales son lo más hermoso que puede haber. Si en algún punto de la clase no llego a tener una obra sobre animales para analizar, me gustaría también la arquitectura, me llama la atención porque quiero hacer el doble programa con arquitectura, esto para mi es una pasión que quiero desarrollar más.

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Caballo chino de Lascaux , Pigmentos derivados de los minerales sobre muro, ca 40000-1000 a.C, Época paleolítica, Cueva de Lascaux, Francia

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Figura de la diosa Bastet en forma de gato, bronce y oro incrustado, ca 1081-525 a.C, Reino nuevo, 7 x 3 x 4.5 cm, Los Angeles County Museum of Art.

ANALISIS

En esta escultura podemos ver un gato, esta obra da origen en Egipto en la época del nuevo reino cual a su vez en otra parte del mundo estaba siendo la edad de bronce, se podría decir que por esta razón fue creada en este material, con bronce y oro fue realizada, probablemente la estatua perteneció al reino o a alguna persona que tuviera mas poder en la  sociedad egipcia, donde sabemos que los gatos significaban divinidad, la protección y además esta obra representa a la diosa del amor, protección y belleza. Por esta razón se podría decir que fue mandada a hacer para alguna persona de poder qu la pudiera y tuviera un estatus social mas alto. La obra parece ser un objeto sumamente decorativo o como algún tipo de amuleto u objeto de la suerte en el lugar dende se encontraba. A demás la diosa Bastet se representa con cara de gato en las ilustraciones así que ponerla como un animal podría mostrar la forma que podía tomar por su divinidad. La figuras y las formas que tiene esta estatua es tan limpio y preciso que permite detallar cada detalle de la escultura, aunque se pueda evidenciar que no es una fiel copia a la realidad si no se ve más caricaturesca, la escultura es negra con dorado en algunos detalles, es algo escasa la paleta de colores pero esto también ayuda a que la atención gire solo a la estatua y no al resto del fondo u otro objeto.

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Stag Rhyton, plata, vidrio y granate, ca 100-1 a.C (Persia), 27.5 × 46 × 12.7 cm, The J. Paul Getty Museum, Villa Collection, Malibu, California

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Fresco de los Delfines, Pigmentos derivados de los minerales sobre muro, ca 1450 - 1400 a.C,, Heraklion Archaeological Museum.

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Erecteion, Mnesicles, mármol del Pentélico, 421-405 a.C, Acrópolis de Atenas, Grecia.

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Teatro de Priene, piedra, madera, ca 320 a.C.  140 X 95 m. Costa jonia del Asia Menor, hoy Turquía.

El teatro de Priene es una obra artística arquitectónica que data de la época helenística en Grecia donde se empieza a ver la política en auge. Este tipo de estructuras se usaban como lugar para eventos cívicos y religiosos, en el que se relataban aspectos de la sociedad, como la mitología, los dioses griegos, las guerras, etc. A lo que podríamos llegar con esto seria que el gobernante de Priene fue quien lo mando a construir como un sitio social que posee una función política y educadora en los ciudadanos. Podemos evidenciar 3 espacios específicos en el diseño, que sería la Orchesta que denominaríamos como el escenario, la Skené que seria el edificio que se puede ver que funcionaba para albergar los actores en escena y el Koilon que son las gradas. La Skené se pueden ver colunas de bajo nivel y relativamente muy sencilla, creería que es para no quitarle la importancia la puesta en escena que estuviera presentándose. Algo que podríamos destacar sería el tema de estar al aire libre podría tener el propósito de ser para todo tipo de publico no solo personas de alto estatus.

El teatro romano de Mérida es igualmente una obra arquitectónica, pero de la época de la Republica Romana en el auge de la arquitectura. Este espacio respondía más a temas políticos y a la propaganda política, mas que para entretenimiento como lo veíamos en el teatro de Priene. En este teatro también podemos evidenciar los mismos espacios Ochesta, Skené y Koilon que tenían las mismas funciones, más sin embargo podemos ver una gran diferencia en la Skené que es vistosamente mas alta y con mas detalle como las columnas, las entradas semicirculares, las líneas rectas, que deja evidenciar la simetría e innovación por la que se destacaron los romanos, lo que hace creer que lo que trataban de resaltar era la infraestructura mas que la puesta en escena.

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Teatro romano de Mérida, piedra, granito, estuco,marmol, 16-15 a. C, 17,5 m de alto, colonia Augusta Emerita, hoy Mérida, España.

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Panteón de Agripa o Panteón de Roma, Apolodoro de Damasco, piedra y ladrillo, 118-125 d. C. Roma, Italia.

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Pavo real, mosaicos pequeñas piezas de piedras, cerámicas, vidrios, 300 d. C - siglo IV, Mausoleo de Santa Constanza, Roma.

El origen de esta obra se encuentra en Roma, específicamente en el Mausoleo de Santa Constanza, una destacada edificación religiosa del período paleocristiano. Se cree que este mausoleo fue erigido para la hija del emperador Constantino, lo que insinúa una estrecha conexión con su reinado. Dentro del edificio, se hallan murales y mosaicos que también podrían haber sido comisionados por él. Este mosaico en particular retrata un pavo real rodeado de plantas y un jarrón. La majestuosidad del pavo real, con sus plumas imponentes, coloridas y hermosas, simboliza conceptos como la inmortalidad, la renovación y la resurrección, siendo así un emblema adecuado para una iglesia paleocristiana que enfatiza la esperanza en la vida eterna y la resurrección. Además, podría interpretarse como un símbolo de la opulencia de Constantino, dado que el pavo real ha sido históricamente asociado con la elegancia y el lujo. El jarrón en el mosaico contiene una serpiente, que en el cristianismo representa el mal y el pecado, tal como se narra en el Antiguo Testamento con la historia de Adán y Eva, además que este se está representando como la humanidad. Este detalle sugiere una representación de la lucha entre el bien y el mal, con Dios observando la humanidad. Las plantas que rodean la composición podrían simbolizar el Paraíso, donde se ubicaban Adán y Eva, marcando el momento inicial del pecado en la humanidad, lo que justifica la proximidad de la serpiente al jarrón en lugar de a Dios.Los mosaicos están confeccionados con minúsculas piezas de piedras, cerámicas, vidrios y otros materiales, ensamblados meticulosamente para crear una imagen detallada y vívida. En su conjunto, esta obra se presenta como una representación religiosa con claras alusiones al conflicto entre el bien y el mal.

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Monasterio de Santa Catalina, piedra y ladrillo, siglo VI, Alejandría en el Sinaí, Egipto.

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Iglesia de San Clemente, piedra, madera y ladrillo, 1123 d.C, Lerida, Tallul, España.

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La iglesia de San Martin de Tours, sillar y piedra, 29 metros de largo, 13.20 metros de ancho y 24 metros de alto, siglo XI, Castilla y León, España.

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La catedral de Notre-Dame de Amiens, Robert de Luzarches, madera, vidrio y piedra y sillar, 145 metros longitud y 14.60 metros ancho y 112.70 de alto, c.a 1220, Somme, Francia.

Las obras seleccionadas para comparar y analizar son la modesta iglesia de San Martín de Tours y la imponente catedral de Notre-Dame de Amiens. La primera, representativa del estilo románico, se distingue por su sencillez exterior, caracterizada por la escasez de ventanas y las puertas arqueadas que rememoran la arquitectura romana. Sus dos torres, notablemente más altas que la parte central de la edificación, dan una impresión de modestia en comparación con la grandiosidad de su contraparte gótica. Aunque sus paredes carecen de detalles elaborados, la meticulosa disposición de las piedras y los acabados detallados en el techo, donde figuras de animales adornan las uniones con las paredes, agregan un toque de distinción. La parte posterior, con sus tres torres de menor altura, rompe con la uniformidad de la fachada principal y añade una perspectiva diferente a la estructura.

Por otro lado, la majestuosa catedral gótica, dominando el paisaje urbano con su altura imponente, resplandece con una luminosidad que emana de los vitrales que cubren toda la fachada. La multiplicidad de entradas de luz, a través de arcos y puertas, crea una sensación de apertura y amplitud. La fachada se erige como una obra maestra de la ornamentación arquitectónica, con una profusión de arcos, estatuas y detalles decorativos que cautivan al observador. Los contrafuertes y arbotantes, que no solo cumplen una función estructural, sino que también contribuyen a la estética de la catedral, añaden complejidad y profundidad a su diseño. Desde cada ángulo, la catedral revela una riqueza de formas y adornos: puntas afiladas, rosetones intrincados, columnas esculpidas y una profusión de elementos arquitectónicos que dan testimonio de la habilidad y la creatividad de los artesanos medievales. En conjunto, la fachada se presenta como una sinfonía de luz y sombra, de formas y detalles, que cautiva y fascina a quienes la contemplan, revelando nuevas maravillas con cada mirada detenida.

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Liebre joven Feldhase, Albercht Durer, acuarela, 25,1 × 22,6 cm, 1502, Graphische Sammlung Albertina, Austria.

Liebre joven Feldhase, Albrecht Durer

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La dama del armiño, Leonardo Da Vinci, óleo, 54,8 cm × 40,3 cm, 1490, Museo Nacional de Cracovia, Polonia.

En esta obra, podemos apreciar a Cecilia Gallerani, una musa de Da Vinci y noble de su época, que fue realizada en Italia durante el Quattrocento, en pleno Renacimiento. En este período, se buscaba la perfección y la imitación de la creación humana, lo que se refleja en el realismo excepcional de la obra. Cada detalle, desde las facciones hasta los pliegues de su atuendo y el pelaje del armiño, exhibe un nivel de detalle notable que demuestra el dominio técnico de Leonardo da Vinci. Los textiles, prendas y accesorios que lleva son característicos de la nobleza italiana, lo que sugiere su posición económica privilegiada y su estatus social elevado. La elección de representar a Cecilia con un armiño, un animal asociado con la pureza y la virtud en el simbolismo renacentista añade una capa adicional de significado a la obra, insinuando la refinada y virtuosa naturaleza de la joven. Además, el fondo oscuro utilizado por Da Vinci ayuda a resaltar aún más los elementos de la composición, creando un contraste efectivo que dirige la atención del espectador hacia la figura principal. La presencia del armiño, además de mostrar una conexión cercana con la mujer, simboliza la pureza y la realidad del Renacimiento por su color blanco y su apariencia dócil. En conjunto, "La Dama del Armiño" parece ser tanto un retrato altamente decorativo como un objeto de memoria que captura la belleza, la elegancia y la gracia de la nobleza renacentista.

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Venus y Adonis, Pedro Pablo Rubens, óleo sobre lienzo, (197,5 x 242,9 cm), 1630, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY.

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Ganímedes con el águila de Júpiter, marmol, ancho 1183 x alto 93,3 cm, 1817, Museo Thorvaldsens.

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Caballero en la encrucijada, Víctor Vasnetsov, óleo sobre lienzo, ancho 2990 x alto 1670 mm, 1882, El Museo Estatal Ruso, 1902, El Museo Estatal Ruso.

La obra de Venus y Adonis fue pintada por Pedro Pablo Rubens a partir del mito clásico de Venus la diosa del amor y Adonis un cazador mortal, relata el trágico romance en que hay ya que Adonis muere y Venus lamenta su perdida. La obra fue encargada por María de Medici, esposa de Enrique IV para que decorara su palacio de Luxemburgo en parís. Fue pintada en el siglo XVII, como es de esperarse de una obra del estilo barroco fue pintada y caracterizada por la exuberancia, emoción y dramatismo. Rubens captura la pasión e intensidad del momento, además de la enorme tristeza que se ve en la cara de venus, lo que nos da una singular característica del barroco que es la necesidad de expresar una emoción exagerada. Vemos que esta obra es son la luz y de la sombra, Los tonos cálidos y vibrantes añaden una sensación de vida y energía a la escena, mientras que las sombras profundas y los contrastes dramáticos realzan la tensión emocional del momento. el perro que aparece en la parte inferior derecha de la composición puede interpretarse como un símbolo de fidelidad y lealtad. Por último, el niño en esta obra se puede tomar como un recordatorio de la inocencia y la vulnerabilidad de la humanidad. Podemos evidenciar también que cada espacio de la pintura se llena con detalles bastante minuciosos que dan la sensación de un espacio con mucha información y algo muy decorativo.

El caballero de la Encrucijada es una obra de Viktor Vasnetsov en el siglo XIX. En esta obra muestra un caballero que se encuentra enfrentando una difícil situación tras el acto bélico, esta obra no fue pintada para una persona en específico. Fue una obra del periodo romántico, El caballero es el punto focal de la pintura. Está vestido con una armadura medieval, lo que sugiere que es un personaje noble y valiente. Su postura erguida y su mirada decidida indican determinación y valentía frente a la incertidumbre de la encrucijada. Se puede decir que el hombre trata de tomar una decisión, cada camino que se extiende desde la encrucijada puede representar diferentes caminos o destinos que el caballero podría tomar. Esta ambigüedad refleja la naturaleza universal de las decisiones humanas y la incertidumbre que a menudo acompaña a tales elecciones. El caballo es un símbolo de fuerza y lealtad. Está mirando hacia adelante, listo para avanzar en cualquier dirección que el caballero elija. La armadura del caballo refleja la del caballero, mostrando unidad y conexión entre ambos. Las montañas escarpadas y los árboles retorcidos sugieren un ambiente sombrío y hostil, que contrasta con la figura del caballero y su caballo. Esta dicotomía entre la luz y la oscuridad, el bien y el mal. El cráneo que se ve en el suelo es un símbolo universal de la muerte y la mortalidad viendo este cerca de la encrucijada, sugiere que la muerte es una realidad presente en cualquier camino que el caballero elija. La lápida, que probablemente tenga inscripciones o símbolos que denoten la presencia de un difunto, refuerza la idea de la muerte y la mortalidad. Vemos conectado esto con las características del romanticismo empezando los sentimientos fuertes como la indecisión y angustia que siente el caballero, además respeta la naturaleza, no solo por la vegetación si no también por la naturalidad de la muerte, tenemos la celebración del individuo fielmente representado con el caballero que puede ser alguien victorioso y heroico, lo que nos lleva a la imaginación, no solo al darnos pie a la imaginación pensando en las posibles alternativas que hay, y también dejándonos pensar quien es este caballero

Tanto "El caballero de la Encrucijada" de Viktor Vasnetsov como "La obra de Venus y Adonis" de Pedro Pablo Rubens son obras pictóricas que exploran la dualidad humana y las emociones intensas a través de la representación visual. Mientras que Rubens, en su estilo barroco, enfatiza la pasión y el drama del amor y la pérdida a través de una exuberante paleta de colores y una expresión emocional exagerada, Vasnetsov, en su obra romántica, retrata la incertidumbre y la indecisión del individuo ante las encrucijadas de la vida. Rubens utiliza la luz y la sombra de manera dramática para resaltar la intensidad emocional de la escena, mientras que Vasnetsov emplea un ambiente sombrío y hostil para reflejar la ambigüedad de las decisiones humanas. Ambas obras incorporan símbolos que añaden profundidad a su significado, como el perro fiel en "Venus y Adonis" y el cráneo y la lápida en "El caballero de la Encrucijada", que sugieren la presencia constante de la mortalidad. Aunque estas obras difieren en estilo y temática, comparten la capacidad de capturar la complejidad de la experiencia humana y de invitar a la reflexión sobre las emociones, la mortalidad y el destino.

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Las señoritas del pueblo, Gustave Coubert, óleo sobre lienzo, 194,9 x 261 cm, 1851, Museo Metropolitano, Nueva York, Estados Unidos.

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Julie Manet y un gato, Pierre-Auguste Renoir

Francia, Óleo sobre lienzo, 65 x 54 cm, 1887, Museo d’Orsay, París, Francia.

"Julie Manet y un gato" es una obra de Pierre-Auguste Renoir, pintada en 1887. En la obra se puede ver a Julie Manet, sobrina del reconocido pintor Edouard Manet e hija de Berthe Morisot. La infante de la pintura pertenecía a una familia que tenía una relación estrecha con el mundo del arte, lo que permitió que fuera retratada por un gran artista como Pierre-Auguste Renoir. Es probable que la pintura haya sido encargada por la familia de Julie. Ella se nota con cabello oscuro, tez blanca, ojos claros y vistiendo una blusa blanca con detalles bastante minuciosos. En el mismo instante, sostiene entre sus brazos a un gato, probablemente su mascota, que se ve aparentemente feliz y tranquilo con la niña. Este momento retratado da una sensación de ternura y delicadeza al ver a una niña y a un pequeño animal. Además de ser una escena tan íntima como estar con la mascota, que llega a ser como un amigo estando en su casa, refuerza la sensación de familiaridad y calidez entre las dos criaturas.

En la obra predominan los tonos pastel, pero también la luz y el movimiento preciso para crear cada una de las texturas y dar detalles iguales. Los elementos en la obra dan la sensación de ser una fotografía por la calidad del trabajo realizado por el pintor, pero también van más allá al darle un enfoque sentimental. La captura de un momento tan efímero y personal detalla la vida privada y cotidiana de esta joven.

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Steve Hart, Sidney Nolan, esmalte sobre cartón, 63,5x76,2 cm, 1845, Canberra Museum and Gallery Canberra, Australia.