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Lechera de Burdeos,pintada por Goya en 1827.

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La figura se ha considerado tradicionalmente como una lechera, subida a lomos de una mula y transportando un cántaro rebosante de leche, seguía la tradición de las figuras de oficios y profesiones, que se inició en el arte europeo con los primeros ejemplos italianos de principios del siglo XVII. La primera mención del cuadro aparece en una carta de Leocadia Zorrilla, compañera o ama de llaves de Goya en Burdeos, que dirige en 1830 a Juan Bautista de Muguiro , banquero y comerciante conocido del artista, ofreciéndole esta obra. Según decía Leocadia, Goya mismo le había dicho que "no la tenía que dar menos de una onza". No se sabe cómo el cuadro quedó en posesión de Leocadia y su hija, ya que todas las pinturas, miniaturas, dibujos, estampas y otras pertenencias de Goya fueron recogidas de inmediato por su hijo y único heredero Javier, que sólo dejó a la madre y la hija "una cédula de 1000 francos y le queda a Ud. las ropas y muebles".

Al haberse mostrado partidario de la Constitución de 1812 y temiendo por la represión absolutista de Fernando VII, en 1824, tras la experiencia del Trienio Liberal, huyó a Francia afincándose en Burdeos donde todavía pintó algunas obras como la Lechera de Burdeos, lienzo que supuso un verdadero anticipo del Impresionismo. Murió cuatro años después.

(Fuente Museo del Prado y clio.rediris)

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La romería de San Isidro, pintada por Goya en 1819-1823.

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La sordera fue para Goya el principio de un infierno que duraría el resto de su vida. A partir de su enfermedad, salieron demonios que se vio obligado a plasmar en pintura y, desde que se hizo ese silencio, el arte de Goya se volvió claramente más oscuro en todos los aspectos. Ya no solo en las temáticas, llenas de violencia, terror y desesperación, sino también en los tonos de sus pigmentos.

Esta oscuridad llegaría a su cúlmen en las llamadas Pinturas negras, donde más negra no puede ser la cosa.

En escenas como esta siniestra Romería de San Isidro —tan diferente a otras romerías más luminosas de años anteriores— los personajes reptan hacia nosotros sobre los escombros en una peregrinación grotesca, y cantan —o gritan— con sus bocas negras como una noche sin luna. Cada rostro está más desencajado que el anterior en esa masa de máscaras.

A partir de 1819 se retiró a la Quinta del Sordo, una casa a orillas del Manzanares que decoró con sus propios cuadros: todos pinturas negras como Saturno devorando a su hijo, El aquelarre, Lucha a garrotazos, La romería de San Isidro o El coloso del miedo, pinturas que son verdaderos precedentes del expresionismo y del surrealismo. A través de su denso ambiente, su atmósfera oscura, su gama cromática de tonos oscuros y su concepto espacial intangible, se crea una fuerte tensión psicológica, expresión de su lucha interna, de su mundo silencioso, de ideas liberales fracasadas, de un ambiente por fin romántico y decrépito.

(Fuente historia-arte.com y clio.rediris)

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Entierro de la sardina, pintada por Goya en 1819.

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Esta estampa, número 46 de la colección Cuadros selectos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, reproduce una pintura de Francisco de Goya, conservada en la citada institución (inv. 0676). La estampa se puso a la venta por primera vez hacia 1874, formando parte del quinto cuaderno de la colección, que finalizaría su publicación en 1885. Acompañaba la imagen un texto explicativo firmado por Leopoldo Augusto Cueto.

El grabado de la plancha se fecha hacia 1872, pues el 29 de octubre de ese año al grabador se le pagaron 10.000 reales por el dibujo y el grabado de varias reproducciones de pinturas de Goya para esta serie: Los disciplinantes, El entierro de la sardina, La corrida de toros, Una casa de locos y Escena de inquisición. Se trata de un ejemplar estampado en el siglo XX. En la Biblioteca del Museo del Prado se conservan otros tres ejemplares más de hacia 1885, encuadernados. La lámina de cobre se conserva en la Calcografía Nacional, Madrid.

(Fuente Museo del Prado)

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María Cristina Teresa de Borbón, pintada por Vigée-Lebrun, Louise-Elisabeth en 1790.

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Es un retrato de María Cristina Teresa de Borbón-Dos Silicias en un hermoso jardín recogiendo unas flores rosa. María Cristina era hija del rey Fernando I de las Dos Silicias y María Teresa I de Austria, nació en Nápoles el 17 de enero en 1779 y murió en Savona el 11 de marzo de 1849 y fue reina de  Cerdeña.

En el caso del retrato de María Cristina Amalia Teresa de Borbón-Dos Sicilias, futura reina consorte de Cerdeña, a quien la artista representó sentada en un jardín, recogiendo rosas, “es una copia anónima del original que se conserva junto con el retrato de Vigée Le Brun de su hermano y dos de su hermana, en el Museo di Capodimonte (Nápoles)”, asegura el experto en la artista francesa, que las biografías suelen resumir como la pintora que retrató a María Antonieta y se libró de la guillotina. Baillio explica que ha encontrado otras copias reducidas de un total de cinco pinturas. Y advierte: “Que yo sepa, no hay ni un ejemplo del trabajo de Vigée Le Brun en España. Sin embargo, hay varios en Portugal”.

(Fuente Eldiario.es y view.genally)

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Autorretrato con sombrero de paja y paleta de pintora, pintada por Vigée-Lebrun, Louise-Elisabeth en 1782.

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Autorretrato con sombrero de paja y paleta de pintora, 1782.

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Autorretrato con sombrero de paja y paleta de pintora, 1782.

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Las herramientas del artista se representan con amor y delicadeza, y audazmente dicen: “Soy un pintor profesional”. Vigée Le Brun fue una pintora profesional de la reina María Antonieta y de las principales personas de la sociedad francesa. Tanto hombres como mujeres querían ser pintados por ella. En sus imágenes, fue capaz de combinar la adulación aristocrática y la virtud de la clase media. Ningún libertinaje feo entra en sus imágenes. Son castos, respetables, pero juveniles y atractivos. La belleza interior del alma brilla sobre la belleza exterior de la piel. Élisabeth Louise Vigée Le Brun se pintó en Autorretrato con sombrero de pajacon la elegancia y el atuendo de una respetable aristocrática dama-pintora. Estas implicaciones son 100% intencionales. Vigée Le Brun quiere aparecer ante nosotros como una dama cortesana y como una artista profesional. Nunca ocultó su nacimiento de clase media. Ella lo aceptó, pero no dejó que la definiera en una época en que el nacimiento equivalía al rango destinado, y el rango condujo al éxito destinado. La aristocracia en el pináculo de la sociedad nació alto y se supone que vive alto. La clase media nació media y se supone que vive media. Superar la posición de uno no era el estilo de vida francés ideal del siglo XVIII. Sin embargo, ideal y realidad rara vez se encuentran armoniosamente. La realidad es que muchos profesionales de clase media se estaban infiltrando en las filas protegidas de la aristocracia a través de salones y mecenazgos. No era necesario ser duquesa para conocer a una duquesa. Las amistades entre señores y abogados se estaban haciendo posibles. No estaban de moda pero eran posibles.

Élisabeth Louise Vigée Le Brun se infiltró en el círculo más alto que se podía encontrar a finales del siglo XVIII en Francia, y ese fue el círculo deLa reina María Antonieta . Vigée Le Brun se convirtió en su retratista oficial de la corte en 1778 y pintó a todas las principales damas del círculo íntimo de amigos y familiares de la Reina, a pesar de su nacimiento. El talento ahora podría superar el nacimiento. El atuendo de Vigée Le Brun ahora combinaba con su clientela . Vístase para el trabajo que uno quiere, no para el trabajo que uno tiene. El autorretrato en un sombrero de paja es indudablemente respetable en la vestimenta. Sin embargo, el tema de una mujer artista todavía era arriesgado incluso en la era de pensamiento progresista de la Ilustración. Ser artista significaba ser hombre. La Académie Royale solo aceptó a cuatro mujeres en su institución venerada, esencialmente limitando a las artistas femeninas para que sean vistas como raras excepciones. Los miembros femeninos no tenían garantizado el espacio de exhibición en el Salón como los miembros masculinos. No recibieron capacitación artística gratuita en la École des Beaux-Arts. Los miembros femeninos no podían ganar el codiciado Prix de Rome Marie Antoinette in Court Dress, 1779–1788.

(Fuente issuu.com)

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Lady Hamilton as a Bacchante, pintada por Vigée-Lebrun, Louise-Elisabeth en 1790-1792.

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Esta pintura de Emma, ​​también conocida como Lady Hamilton, captura su interpretación en mitad de su actuación, interpretando a una bacante bailando. Emma se hizo famosa y notoria en los círculos artísticos y sociales británicos por estas actuaciones. Con la ayuda de velos y chales posaba imitando las figuras de los jarrones griegos y etruscos coleccionados por su marido, nueve de los cuales también se encuentran en la colección de Lady Lever. Vigée-Lebrun parece haber pintado a Emma en cuatro ocasiones durante la estancia del artista en Nápoles entre 1790 y 1792. Se cree que el retrato de Lady Lever fue pintado en 1792, poco después del matrimonio de Emma en 1791 con su admirador mucho mayor y enamorado, Sir William Hamilton, enviado diplomático de Gran Bretaña al Reino de Nápoles. El retrato de Lady Lever permaneció con la artista toda su vida y fue heredado por su sobrina. Mientras estaba en el estudio del artista, le hizo varios cambios que se descubrieron durante el trabajo de conservación en 2015. Uno de los velos que Emma usó en sus actuaciones originalmente flotaba desde su mano derecha levantada, pero estaba pintado. El artista también ajustó la manga de la túnica de estilo griego antiguo de Emma para mostrar más su delgado brazo y hombro, haciéndola aún más atractiva. Al igual que Emma Hamilton, Vigée-Lebrun tuvo una vida dramática. Durante la Revolución Francesa huyó de la corte francesa donde había sido retratista y confidente de la reina María Antonieta. También tuvo que abandonar a su marido, un marchante de arte, llevándose a su pequeña hija con ella por las cortes de Europa. Allí hizo su carrera como retratista de renombre internacional en un mundo mayoritariamente masculino. Vigée-Lebrun admiraba la astuta capacidad de Emma para abrirse camino en la sociedad gracias a su capacidad interpretativa y a su belleza, describiendo "su gran cantidad de hermosos cabellos castaños que podían cubrirla por completo y como bacante, con el cabello extendido, era admirable". . Pero se burló del vulgar sentido del vestir de Emma y de su falta de inteligencia, criticando su sarcasmo. Los comentaristas ingleses, como Lady Holland (1771 - 1845), también se burlaron del acento provinciano de Emma, ​​nacida en Wirral.

(Fuente https://www.liverpoolmuseums.org.uk)