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1853년 3월 30일~1890년 7월 29일)는 네덜란드의 화가로서 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람이다. 그는 자신의 작품 전부(900여 점의 그림들과 1100여 점의 습작들)를 정신질환(측두엽 기능장애로 추측됨)을 앓고 자살하기 전의 단지 10년 동안에 만들었다. 그는 살아있는 동안 성공을 거두지 못하고 사후에 인정 받았다. 특히 1901년 3월 17일 파리에서 71점의 그림을 전시한 이후 명성을 얻었다.

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조르주 피에르 쇠라 (생년 1859년 12월 2일
1891년 3월 29일) 국적: 프랑스
쇠라는 프랑스의 화가이자 신인상주의 의
창시자이다 그는 유명한 대작인 그랑드 자트 섬의
일요일 오후로  신인상주의 의 시작으로 현대예술의
방향을 바꾸고  19세기 회화의 하나의 상징이
되었다

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사진
작품 설명하기

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캔버스 유화이며 크기는 207×308cm이다.
1884년~1886년을 걸쳐 만든 그림이라고 한다.

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뜻은 에펠은 바람공학을  실행한 첫 

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뜻은 에펠은 바람공학을 실행한 첫 번째 사람 이기도 했다 라고 하네요

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캔버스 유채로 만들었고  1890년~

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캔버스 유채로 만들었고  1890년~91년을 걸쳐
만들었다 그리고 이그림은 그의 마지막 그림 이라고
하네요

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피에르를 보고 느낀 소감 

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피에르를 보고 느낀 소감 

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서커스 가 마지막 그림이라 해서 마음이 뭉클했고
굳이 그림들을 점 으로 찍어서 만들었다는게 대단하고 서커스 그림을 미완성 하고 떠났다는게 아쉽다.

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빈센트 빌럼 반 고흐(네덜란드어: Vincent Willem van Gogh 핀선트 빌럼 판 호흐[*], 네덜란드어 발음: [ˈvɪnsɛnt ˈʋɪləɱ vɑŋ ˈɣɔx] ( 듣기), 1853년 3월 30일~1890년 7월 29일)는 네덜란드의 화가로서 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람이다. 그는 자신의 작품 전부(900여 점의 그림들과 1100여 점의 습작들)를 정신질환(측두엽 기능장애로 추측됨)을 앓고 자살하기 전의 단지 10년 동안에 만들었다. 그는 살아있는 동안 성공을 거두지 못하고 사후에 인정 받았다. 특히 1901년 3월 17일 파리에서 71점의 그림을 전시한 이후 명성을 얻었다.

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클로드 모네는 프랑스의 유명한 화가이다.

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클로드 모네는 프랑스의 유명한 화가이다.💯😸

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짧고 힘찬 붓놀림으로 풀을 바람에 흔들리는 것처럼 보이며,같은 획과 색조를 미묘한 느낌을 살려서 그린 그림으로 바람에 휘날리는 여인의 드레스와 숄,바다의 기복등을 그려냈다.

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동산에 놀러온 두 모녀를 따라 핀 듯한 

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동산에 놀러온 두 모녀를 따라 핀 듯한 꽃길이 아름답고

하늘은 정말 맑네요. 옷차림이나 풍경이나 딱 요즘의 시기를 담은 것 같습니다.

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레오나르도 다빈치 사진

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반 고흐는 영국에서의 짧은 교사 생활을 끝내고, 네덜란드로 돌아와 목사가 되기로 결심했다. 1878년에 그는 브뤼셀의 신학 교육 과정에 등록하고, 2년 동안 선교사로서 활동했다. 반 고흐는 1880년에 진로를 다시 수정했다. 이번에는 쥘 브르통과 장 프랑수아 밀레처럼 노동자 계급을 그리는 화가가 되기로 마음먹었다. 그의 작품의 판매를 담당했던 화상이자 동생인 테오의 조언을 받아들여, 반 고흐는 브뤼셀 왕립 미술아카데미에서 미술 공부를 시작했다. 그러나 그는 주로 독학을 했으며, 특히 에텐과 헤이그 주변의 시골 마을의 모습을 자연주의적인 양식으로 드로잉하곤 했다.

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알프레드 시슬레 초상화

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알프레드 시슬레 초상화

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빨간꽃이 있고 잔디밭에있는 사람들과 아이

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빨간꽃이 있고 잔디밭에있는 사람들과 아이🌱⚘️

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빈센트 빌럼 반 고흐는 네덜란드 화가로 

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빈센트 빌럼 반 고흐는 네덜란드 화가로 일반적으로 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 여겨진다. 그는 그의 작품 전부를 정신질환을 앓고 자살을 감행하기 전의 단지 10년 동안에 만들어냈다

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반 고흐의 밤하늘은 요동치는 에너지의 장

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반 고흐의 밤하늘은 요동치는 에너지의 장이다. 폭발하는 별 아래 마을은 조용하고 질서 있는 곳이다. 땅과 하늘을 연결하는 것은 전통적으로 묘지와 애도와 관련된 나무인 불꽃 같은 사이프러스입니다

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반 고흐 별이 빛나는밤

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출생:1834년 7월 19일 프랑스 파리

본명:일레드 제르매 에드가르 드가

사망:1917년 9월 27일 프랑스 파리

분야:회화,조각,소묘

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자연의 한 경치를 포착한 것으로 들쥐가 수박밭에 몰려와 수박을 파먹고 있는 그림이다.

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반 고흐의 해바라기 그림은 그의 가장 유

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반 고흐의 해바라기 그림은 그의 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 그는 1888년과 1889년에 프랑스 남부 아를에서 그 일을 했습니다. 빈센트는 꽃병에 해바라기가 담긴 총 5개의 큰 캔버스를 그렸습니다

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본명

레오나르도 디세르 피에로 다빈치[1][2]
(Leonardo di ser Piero da Vinci)

출생

1452년 4월 15일

피렌체 공화국 빈치

사망

1519년 5월 2일 (향년 67세)

프랑스 왕국 앙부아즈

묘소

앙부아즈 성

직업

화가, 조각가, 발명가, 건축가, 과학자, 해부학자, 지질학자, 천문학자, 식물학자, 지리학자, 작가, 요리사, 수학자

종교

가톨릭

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아를(Arles)에 있는 동안 반 고흐(Van Gogh)는 자신의 침실에 대한 이 그림을 그렸습니다. 침실에는 단순한 목재 가구와 벽에 자신의 예술품을 설치했습니다. 강렬하고 대비되는 색상을 사용하여 반 고흐는 특별한 감정을 표현하려고 했습니다. 타일의 옅은 보라색, 가구의 노란색, 벽의 밝은 보라색은 그가 침실에서 경험한 휴식이나 잠을 연상시키기 위한 것입니다

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해바라기

Sunflowers, Fourth Version

작가

빈센트 반 고흐

국가

네덜란드

제작 연도

1888년 8월

기법

캔버스 유화

크기

92.1 cm × 73 cm

위치

Room 43, Main Collection
영국 국립미술관 (1924 - ) #

소장

영국

Courtauld Fund (19세기 - 1924)

1. 개요2. 가격3. 사건 사고

3.1. 토마토 수프 투척 사건

4. 대중매체에서

1. 개요[편집]

빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로, 현재 영국 런던에 위치한 영국 국립미술관에 전시되어 있다.

반 고흐는 생전 해바라기 그림을 많이 그렸는데 이 그림은 그 중 4번째 그림으로, 아를에서 거주할 때 그렸다고 알려져 있다.

가로 73cm, 세로 92.1cm짜리 캔버스 유화이며, 완성 시기는 1888년 8월이다.

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별이 빛나는 밤〉(영어: The Starry Night)은 네덜란드의 화가 빈센트 반 고흐의 가장 널리 알려진 작품이자 정신병을 앓고 있을 당시 고흐가 그린 그림이다. 생레미의 정신병원에서 고흐는 정신적 질환으로 인한 고통을 떠올려 그림 속의 소용돌이가 무너졌다.[1]

고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 〈별이 빛나는 밤〉은 그가 폴 고갱과 다툰 뒤 고흐가 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다.[2] 고흐에게 밤하늘은 무한함을 주는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 〈밤의 카페 테라스〉나 〈론강의 별이 빛나는 밤〉에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 현재 이 그림은 1972년부터 근대미술관(MOMA)에서 상설 작품으로 전시되고 있다.[3]

연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 고요하고 평온한 상태를 보여준다. 교회 첨탑은 그의 고향인 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 상상과 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무지만, 고흐는 지옥을 불길하게 보지 않았다고 한다.[4]

몇몇 천문학자들은 이 작품의 별들이 실제 밤하늘의 별들이라고 설명한다. 당시 양자리의 별들과 금성, 그리고 달이 그림처럼 위치할 수 있다고 한다. 일반적으로 고흐가 정신병원의 침실의 창을 통해 본 밤하늘에서 영감을 얻었다고 하지만 일부에서는 이 그림에 나타난 11개의 별은 고흐가 성서 창세기 37장에 나오는 ‘열 별’에서 영감을 얻은 것이라고 주장한다고 한다.[5]

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그러나 두 사람의 갈등이 결정적으로 폭발

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그러나 두 사람의 갈등이 결정적으로 폭발한 그림은 바로 고갱이 그린 "해바라기를 그리는 반 고흐"였다. 고흐의 그림에서 인물들은 거의 대부분 뚜렷한 눈동자를 보여주지만, 고갱이 그린 고흐는 흐리멍텅한 모습으로 보여졌다. 고흐는 고갱이 자신이 제정신이 아닌 거라고 조롱하기 위해서 그림을 그린 것이라고 생각했고 결국 고흐는 술집에서 고갱과 술을 마시다가 술잔을 집어던지는 걸로 자신의 분노를 표출했다.

결국 고갱이 온 지 고작 두 달여 만인 1888년 12월 23일, 고흐는 정신병 발작을 일으켰고 면도칼로 자신의 귀를 잘라버리는 끔찍한 자해를 하고 만다. 고갱의 회고에 의하면 고흐가 면도칼을 들고 자신을 노려보며 나타나서 자신을 찌를 듯해보였지만 노려보기만 하고서는 나가버렸다고 한다. 그 뒤에 귀를 잘라버린 걸로 보이며 잘라낸 걸 가끔 만나던 사이인 라셸이라는 창녀에게 건네주었고 그걸 보고 기겁한 라셸이 경찰에 신고했다고 한다.

하지만 세간의 통설처럼 왼쪽 귀를 완전히 자른 건 아니고 귓불만 잘랐다. 고흐가 귀를 완전히 잘라버린 걸로 오해를 받은 것은 그의 자화상에서 왼쪽 귀[25]가 나타나지 않기 때문이지만 여러 기록으로 보면 귓불만 자른 게 분명하다. 테오가 후에 고흐를 방문했을 때 귓불만 잘려서 얼핏 보면 귀를 잘랐던 일이 있었는지 모를 정도로 상처가 안 보인다고 했을 정도다.

그러나 2016년 7월 암스테르담 소재 반 고흐 미술관에서 새로 공개한 당시 의료기록을 보면 왼쪽 귀를 귓불만 남기고 다 잘랐다고 하여 논란이 되고 있다.기사

왜 하필이면 귀를 잘랐는지는 의견이 분분하다. 고갱의 회고가 맞다면 고갱을 찔러버릴 의도였던 것 같지만 그런 사람이 생각을 돌이켜서 자신의 귓불을 잘라버렸는데 정신과적인 분석에 의하면 자신의 신체를 자르라는 명령적인 환청 때문에 그랬을 것이라는 지적이 있긴 하다. 또한 고흐가 이 사건을 일으키기 불과 얼마 전에 그린 그림인 "아를 투우장의 관중"에서 고흐의 의도를 알 수 있다는 주장도 있다. 투우에서는 소의 귀를 자르는 게 승리의 표상으로 여겨진다고 하는데 고흐가 어쩌면 고갱의 압박이라는 것을 벗어나려는 차원에서 고갱을 찌르려다 생각을 돌이켜서 자신의 귀를 잘랐고 그것으로 고갱의 압박에서 벗어나 승리했다는 상징이 아니었을까라는 추측이다.

테오의 결혼에 충격을 받아 귀를 잘랐다는 설도 나왔다. # 동생인 테오를 너무나 아껴 테오가 결혼할 때[26] 가족들이 그 사실을 고흐에게 알리지 않았으며 고흐는 나중에 이 사실을 알고는 세 번이나 졸도했다고 한다. 하지만 이후로 테오의 아내와 그 아이도 많이 사랑했으며 고흐는 대체로 테오의 가족과는 사이가 좋았다고. 그러나 이런 우애는 자신을 이해해 정신적, 물질적으로 도움을 줬던 바로 아래 동생 테오와 자신과 같이 예술가의 길을 가려는 작가 지망생 여동생 윌에게만 한정된 것으로 다른 형제 자매들과의 사이는 매우 좋지 않았다.

아를 시절, 뜨거운 햇볕 아래서 모자도 안 쓰고 그림을 그리던 게 정신병 원인이라고 하는 주장도 있고, 압생트를 많이 들이켜마시며 스스로 망가진 것도 원인이라는 주장도 있다.

참고로 90년대에 나온 국내 위인전에서는 주로 고갱이 그린 고흐의 그림과 연결시켜서 '내 귀는 이렇게 안 생겼어!' 라고 주장하려는 목적으로 귀를 잘라서 그림과 나란히 대조해서 보여주려고 했다는 설이 자주 보였다.

2009년 고흐의 귀는 사실 폴 고갱이 펜싱검으로 잘라냈다는 주장이 프랑스 일간지 <르피가로>에 보도되었고, 2011년 TV 프로그램 신비한 TV 서프라이즈에서 이 내용이 방영되었다. 독일 역사가 Hans Kaufmann과 Rita Wildegans는 2009년 책 "Pakt des Schweigens"(침묵의 협정) 출간 및 ABC 뉴스와의 인터뷰에서 사건의 증언들과 당사자들의 친구, 가족에게 쓰인 편지들을 분석하여 판단한 결과, 당일 밤 어두운 조명 아래서 논쟁이 격렬해지며 고갱이 본의 아니게 무기로 고흐를 다치게 하였고, 고흐는 고갱이 처벌받지 않기를 원하는 우정에서 진실을 말하지 않았다고 본다고 말했다.

자해 사건 이후 고갱은 급히 파리로 떠났고 아를 시립병원에 입원한 고흐는 2주 만인 1889년 1월 7일에 퇴원했다. 아를 시립병원의 레이는 고흐의 예술성을 긍정적으로 보았는지 그림을 그리고 싶어서 퇴원하고 싶다는 고흐의 열망을 받아들여주었다. 노란집으로 돌아와 <귀에 붕대를 감고 있는 자화상>, <양파가 있는 정물>, <자장가> 등을 그렸다. 그러나 고흐는 여전히 환각 증상으로 물감이나 석유를 먹으려 드는 발작 증세를 보였고 결국 아를 시민들이 고흐를 강제로 입원시키라고 민원을 넣을 정도였다. 결국 2월에 고흐는 다시 병원에 입원했다. 그러나 레이는 낮에는 집에 가서 그림을 그리고 밤에 병원에 돌아오게 하는 식으로 안정을 취하게 해주었다.

나름 친하게 지냈다고 생각한 아를 사람들이 강제 입원시키라고 청원한 것에 고흐는 불만을 터트렸고 아를 시립병원에도 불만을 가진 고흐는 테오에게 다른 정신병원에 가고 싶다고 부탁했다. 결국 테오는 형이 지내면서 그림을 그릴 만한 정신병원을 알아보았고 생레미의 생폴 드 무송 요양원을 추천받아 1889년 5월 8일, 고흐는 아를을 떠나 생레미로 가게 되었다.

아를에서 고흐와 그나마 친하게 지낸 건 룰랭 집배원 가족 정도였다. 룰랭 가족이 이후 마르세유로 옮겨가면서 연락이 뜸해졌지만 고흐는 이들의 초상화를 많이 그렸다.

고흐는 아를에서 많은 고초를 겪으면서도 이곳에서 200여 점의 그림을 그렸다.

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1475년 3월 6일에 카센티노의 카프레세에서 태어났다. 아버지 "로도비코 부오나로티"[3]와 어머니 "프란체스카 부오나로티" 사이에서 태어났다

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출생

1863년 11월 11일 프랑스 파리

사망 1935년 8월 15일
프랑스 파리 국적 프랑스 직업

화가

프랑스 화가 폴시 냐크 (Paul Signac)는이 운동의 이론가이자 창조자 중 한 사람인 신인상파 주의자라고 불렀습니다. 시그나는 어린 시절부터 아버지가 좋아하는 그림에 익숙했지만 체계적인 예술 교육을받지 못했습니다. 시그 낙은 본질적으로 수용적이고, 활기차고 활기찬 사람이었습니다.

1879 년 인상파의 4 번째 전시회가 끝나고 1880 년과 1883 년에 모네 전시회를 방문한 후 Signac은 인상주의 기법과 원리에 중점을 두어 회화에 진지하게 참여하기 시작했습니다. 1884 년 그는 “독립 예술가 협회”조직에 적극적으로 참여하여 J. Sera를 만났습니다. Signac은 Sera가 발명 한 pointillism 기술을 열정적으로 받아들였으며 1885 년부터이 기술에서만 독점적으로 작동하기 시작했습니다.

1886 년 제 8 회 인상파 전시회에서 그는 그의 작품 중 18 개를 보여 주었다. 작가는 그의 그림이 큰 자유와 자발성을 얻은 초상화와 풍경을 그렸습니다.

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반고흐에 그림을 보니 나도 그림을 그리고 싶어졌다 하자만 잘 못그리는건 않비밀

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키스 해링

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레오나르도 다 빈치의 대표작 중 하나로, 현재 프랑스 파리에 위치한 루브르 박물관에 전시되어 있다.

가로 53cm, 세로 77cm짜리 유채(油彩) 패널화이며[1], 완성 시기는 1503 ~ 1506년경으로 추정된다.

이 그림은 뭐라고 딱 잘라 말할 수 없는 미묘한 미소가 특징인데, 입을 보면 웃고 있는데 눈만 보면 알 수 없다

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연장자로서 인상파의 어른 역할을 했던 카미유 피사로는 먼 길을 거쳐 파리로 와서 화가가 되었다. 원래 그는 카리브 해에 있는 덴마크 식민지 생 토마 섬에서 태어났다 (생 토마섬은 지금 미국령 버진 아일랜드의 일부인 세인트 토마스 섬이 되어 있다). 그는 그곳에서 덴마크 출신 화가를 만나 화가가 되기로 결심했고, 그를 따라 베네주엘라에 살면서 그림을 배웠다. 본격적으로 그림을 배우기로 한 그는 25세의 나이에 파리로 왔고, 처음에는 쿠르베나 도비니, 밀레, 코로 등 바르비종 파의 사실주의 화가들로부터 그림을 배웠다. 그가 야외에서 그림을 그리는 En plein air를 접한 것 역시 그때의 일이었다. 그가 인상파가 된 것은 1859년 29세의 늦은 나이에 파리의 유명한 사설 미술학원인 아카데미 스위스에서 모네나 기요맹, 세잔과 같은 학생들과 어울리면서 부터였다. 그때도 이미 다른 사람들보다 나이가 많았기에 그는 연장자의 대접을 받았고, 어떤 면에서는 어른 역할에 익숙해 진 느낌도 있었다. 예전에도 대학에 늦게 들어온 나이 많은 사람이 (그래보아야 몇살 많은 정도였겠지만) 큰형 역할을 자의반 타의반으로 맡는 경우를 보곤 했었다.

​

덕분에 그는 인상파가 되어서도, 큰 형 역할을 하면서 성향이 다른 여러 인상파 화가들 사이의 중재역할을 해 주곤 했었다. 그리고 나중에는 점묘화법을 받아들이면서 조르주 쇠라와 폴 시냑 등 점묘파 화가들이 자리를 잡는 것을 돕기도 했다.

​

그는 젊은 시절에는 파리에서 살았지만, 1871년 결혼을 한 후에는 파리의 교외를 돌아다니면서 살았다. 그가 가장 오래 산 곳은 퐁투아즈였지만, 인근의 루브시엔에도 살았다. 그는 자식이 일곱 명이나 되었으므로 파리보다는 교외에서 사는 것이 좀 더 편했을 것이다. 그가 퐁투아즈와 루브시엔에 살았던 덕분에, 경제적으로 어려웠던 알프레드 시슬리 역시 그를 따라 파리의 교외로 이주를 해 와서 살았다. 시기상으로는 겹치지 않는 것 같지만, 피사로와 시슬리는 루브시엔 (파리에서 서쪽으로 20킬로미터 정도밖에 떨어져 있지 않은, 지금은 파리에 전철로 통근이 가능한 지역이지만, 예전에는 시골이었을 것이다)에 살면서 그림을 그린 적이 있다.

​

그래서 피사로와 시슬리는 모두 루브시엔의 풍경을 그렸었고, 설경도 그렸다. 아래 링크를 걸어놓았으니 같은 인상파의 풍경화가인 피사로와 시슬리의 풍경화를 비교하면서 보는 것도 재미있는 일 일 것 같다. 위 그림은 뷔릴레 컬렉션의 일부로 취리히 미술관에 장기 임대되어 있는 그림이다. 취리히 미술관에 들르면 다른 인상파 그림들과 함께 위의 그림을 볼 수 있다.

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별로 그림의 관심이 없었는데

이걸하니 점점 그림의

관심이 생겼던것 같다

그리고 몰랐던 그림도

알게되는

재미있는경험이였다

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클로드 모네가 이쁜 배경과 사람을 그려서 따뜻한 느낌이 나서 좋았다!

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1882년 2월, 클로드 모네는 그림을 그리기 위해 노르망디로 떠났는데, 이는 그가 1880년대에 했던 많은 탐험 중 하나였습니다. 이것은 또한 개인적, 직업적 압력으로부터의 후퇴이기도 했습니다. 그의 아내 카미유는 3년 전에 세상을 떠났고, 모네는 앨리스 오슈데(남편이 죽은 후 1892년에 결혼하게 됨)와 동거 관계를 맺었습니다. 프랑스는 모네의 판매에 영향을 미치는 장기간의 경기 불황을 겪고 있었습니다. 게다가, 예술가는 다가오는 일곱 번째 인상파 전시회에 대해 열의가 없었으며(이때 그룹 내 분열이 뚜렷해졌습니다) 그는 자신의 기여에 대한 책임을 딜러인 Paul Durand-Ruel에게 위임했습니다. 항구 도시 디에프(Dieppe) 주변 지역이 너무 도시적이라고 생각한 모네는 푸르빌(Pourville)에 정착하여 4월 중순까지 이 어촌 마을에 머물렀습니다. 그는 주변 환경에 점점 더 매료되어 Hoschedé와 그녀의 아이들에게 다음과 같은 편지를 썼습니다. “시골이 얼마나 아름다워지고 있는지, 여러분에게 그 모든 즐거운 구석구석을 보여 주면 얼마나 기쁠까요!” 그는 6월에 그들이 Pourville에서 그와 합류했을 때 그렇게 할 수 있었습니다. <푸르빌의 절벽 산책>에 등장하는 두 젊은 여성은 아마도 오슈데의 큰딸인 마르트와 블랑쉬일 것이다. 이 작품에서 모네는 회화적 표면의 통일성을 방해하지 않고 풍경에 인물을 삽입하는 문제를 다루었습니다. 그는 질감과 색상을 통해 이러한 요소를 서로 통합했습니다. 짧고 힘차고 굽은 붓놀림으로 이루어진 풀은 바람에 흔들리는 것처럼 보이고, 같은 획과 색조를 미묘하게 변형한 버전은 바람에 휘날리는 여성들의 드레스와 숄, 그리고 바다의 기복을 암시합니다. 작품의 엑스레이 사진을 보면 모네가 바다와 하늘의 비율의 균형을 맞추기 위해 맨 오른쪽의 암석 노두를 줄인 것으로 나타났습니다.

세부정보

제목: Cliff Walk at Pourville

제작자: 클로드 모네(프랑스, 1840~1926)

제작자 출생/사망 날짜: 1840년 - 1926년

제작자 국적: 프랑스 국민

제작자 출생 장소: 프랑스

제작자 성별: 남성

제작연도: 1882

크기: 66.5 × 82.3cm(26 1/8 × 32 7/16인치)

작품유형: 그림

외부 링크:

시카고 아트 인스티튜트,

시카고 미술관의 모네 회화 및 드로잉

메디아: 캔버스에 유채

신용 한도: 시카고 미술관, 루이스 라니드 코번 부부 기념 컬렉션, 1933.443

아티스트: 클로드 모네(프랑스, 1840~1926)

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미켈란젤로의 여러 작품이 그렇듯 이것도 내막을 알면 알수록 복잡한 심경이 들 수 있는 작품이다. 소빙하기 기간 혼란에 빠진 유럽은 끝내 가톨릭에 대한 실망감에 종교 개혁의 돌풍으로 빠져들어갔고, 그런 혼란한 시기에 만들어진 작품인 만큼 여러모로 복잡한 배경들이 깔려있다.

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미켈란젤로의 여러 작품이 그렇듯 이것도 내막을 알면 알수록 복잡한 심경이 들 수 있는 작품이다. 소빙하기 기간 혼란에 빠진 유럽은 끝내 가톨릭에 대한 실망감에 종교 개혁의 돌풍으로 빠져들어갔고, 그런 혼란한 시기에 만들어진 작품인 만큼 여러모로 복잡한 배경들이 깔려있다.

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《해바라기》는 빈센트 반 고흐가 그린 정물화이다. 이 그림은 두 가지 버전이 있는데, 첫 번째는 1887년 파리에서 그린 바닥에 놓여있는 해바라기이며, 두 번째는 1년 뒤 아를에서 그린 15개의 해바라기가 꽃힌 그림이다.

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반 고흐 사진 해바라기

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[아츠앤컬쳐] 알프레드 시슬레(Alfred Sisley)(1839~1899)는 프랑스에서 태어났지만, 영국 국적을 취득한 영국인이다. 하지만 평생을 프랑스에서 살면서 활동했기에 미술사에서는 프랑스 화가로 분류되는 인물이다. 그런데 또 그의 작품에서는 영국적인 스타일이 풍긴다. 특히 영국의 대표적 풍경화가인 존 컨스터블(John Constable)(1776~1837)로부터 많은 영향을 받았다고 한다. 알프레드 시슬레 작품의 독창적인 특징으로 볼 수 있는 애수 어린 풍경의 분위기나 한 마디로 정의하기에는 어려운 묘한 풍경의 기운, 평온함과 고요함을 동시에 보여주는 화풍 등은 영국 회화로부터 비롯된 것이라고 할 수 있다.

알프레드 시슬레는 대표적인 인상주의 화가로 평가되고 있으며, 활동 당시 클로드 모네(Claude Monet)(1840~1926), 오귀스트 르누아르(Auguste Renoir)(1841~1919) 등과도 친분을 유지하며 인상주의 화풍의 발전에 큰 역할을 했다. 알프레스 시슬레는 파리 기준으로 남서쪽인 일 드 프랑스(Ile de France) 지방의 자연을 대상으로 많은 걸작을 남겼다. 특히 《홍수가 난 마를리 항(Flood in Port-Marly)》(1876)은 1876년 센 강 유역의 마를리 항이 홍수로 범람했을 때의 모습을 화폭에 담은 것이다. 1876년 봄, 파리 근교 일 드 프랑스 지방은 폭우로 인해 센강(Seine River)에서 홍수가 일어났고 이로 인해 근처의 마를리 항 사람들이 많은 피해를 입었다. 당시 마를리 항 근교의 마를리 르 루아(Marly-le-Roi)에 살고 있었던 시슬레는 홍수로 불어난 물을 자세하게 관찰할 수 있었으며, 이때의 홍수를 주제로 하여 7점의 연작을 제작했다.

구스타브 카유보트(Gustave Caillebotte)(1848~1894)도 프랑스 초기 인상주의 화가로 분류된다 하지만 그는 주로 사실주의 화풍에 영향을 받아 상대적으로 다른 인상주의 화가에 비해 사실주의에 기반한 작품을 많이 남겼다. 그는 인상주의의 중요한 후원자 중 한 명일 정도로 부유하였다고 한다.

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1886 년 제 8 회 인상파 전시회에서 그는 그의 작품 중 18 개를 보여 주었다. 작가는 그의 그림이 큰 자유와 자발성을 얻은 초상화와 풍경을 그렸습니다.

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흔히 '센트 삼촌(Oom Cent, 1820–1888)'으로 불리는 이 큰아버지의 본명은 빈센트 반 고흐로 고흐와 똑같은 이름이다. 고흐의 아버지 테오도뤼스와 우애가 남달랐던 센트는 헤이그에서 화상(畵商)으로 성공한 사람이었다. 특히 센트는 프랑스의 바르비종파를 접하고나서 바르비종파의 화풍이 득세할 것을 예측하고는 바르비종파의 그림들을 수집해 헤이그에서 판매했다. 센트는 단순히 바르비종파의 그림을 파는 데에만 그치지 않고 네덜란드에 바르비종파의 화풍을 들여와서 그림을 그리는 화가들을 육성했는데 이러한 센트의 생각은 큰 성공을 거두었다.

바르비종파의 특징 중 하나는 자연을 그리는 것이었고, 일반적으로 아틀리에 안에서 상상으로 그림을 그리던 방식에서 벗어나, 밖으로 나가 스케치를 하고 그것을 바탕으로 그림을 그리는 방식이 점차 대세가 되어갔는데 센트는 이런 추세를 놓치지 않아서 큰 성공을 거두었던 셈이다. 아이러니하게도 센트는 후에 고흐의 그림을 전혀 이해하지 못했지만, 고흐의 미술에서 자연이 큰 비중을 차지하는 점과 바르비종파의 대부인 밀레의 영향을 받게 하는 데 일정한 역할을 하였다.

구필 화랑은 센트가 파리의 화상인 아돌프 구필(Adolphe Goupil, 1806–1893)과 동업하여 만든 화랑으로, 네덜란드 화가들의 그림을 프랑스에 소개하고 판매할 목적으로 세워졌는데, 네덜란드의 전설의 화가인 렘브란트와 베르메르에 대한 동경과 향수가 프랑스에 아직 남아있었다는 점을 간파한 센트의 도전은 성공을 거둔 셈이었다.

친아들이 없던 센트는 동생의 아들들인 빈센트와 테오를 자식처럼 생각하며 아꼈고 빈센트를 자신의 후계자로 만들어서 자신의 모든 것을 물려주려는 생각까지도 했다. 만약 고흐가 이런 기대를 배신하지 않았다면 화가로서의 고흐는 없었겠지만 고흐 자신의 인생은 매우 편안하고 안락했을지도 모르겠다.

흔히 하는 오해와는 달리, 이 시기 고흐는 안정적으로 구필 화랑에서 일하면서 전도 유망한 화상의 길을 걷고 있었다. 나중에는 동생 테오의 도움을 받지만 이 시기에는 빈센트가 테오를 도와줬으니 말 안 해도 알 만하다.

아돌프 구필은 당시 샬롱 수상작들을 판화로 만들어 찍어서 파는 판화 인쇄업도 겸했는데 이때 고흐를 유난히 감동시킨 것이 바로 밀레였다. 바르비종파를 네덜란드에 소개한 큰아버지 센트의 영향도 있었지만 고흐는 구필 화랑에서 판화로 복제된 밀레의 "이삭 줍는 사람들"을 보고 상당한 충격과 감동을 받았다. 고흐는 밀레를 밀레 사부라고 부를 정도로 존경했고, 밀레의 그림은 고흐의 미술에 큰 영향을 미쳤다.

1872년 8월, 자신과 같은 일을 하게 된 동생 테오에게 편지를 보내면서 평생에 걸친 두 형제의 편지 교류가 시작된다.

1876년 3월 말유난히 미술의 관점에 대해 손님과 논쟁을 자주 벌였던 탓에 그는 화랑에서 해고된다... 라고 알려진 게 일반적이지만, 사실 이때의 일을 이렇게 단순하게 설명하기 힘들며 그 바탕에는 상당히 복잡한 뒷배경이 숨어있다. 전도 유망한 화상의 길을 가고 있던 고흐는 1873년 6월 구필 화랑의 런던지점을 내기 위해서 런던에 파견되었으나 고도로 산업이 발전한 런던에서 본 가난한 노동자들의 비참한 현실에 대한 충격과 하숙집 주인의 딸인 외제니 로예(당시 19세)를 사랑해 청혼까지했지만 실연을 당하게 된 아픔이 겹치면서 일이 어긋나기 시작했던 것이다. 거기에 고흐의 일평생을 괴롭히게 되는 정신질환 증세도 영향을 끼쳤다. 앞서 말한 노동자의 현실에 충격을 받아 훌륭한 그림을 보호하고 작가를 후원하는 이상적인 방식이 아닌 크게 가치 없는 그림이라도 돈을 위해 감언이설로 팔아야 하는 화상의 생활방식에 염증을 느끼게 됐다는 견해도 있다.

사실 미술의 관점이란 것도 고흐가 어떤 새로운 미술적 사조를 접했던 게 아니라 가난한 이들이 있는데 이런 미술이 무슨 의미가 있나라고 하는 식의 생각에 좀 더 가까웠다. 구필 화랑이 취급하던 살롱 수상작 같은 엘리트 중심적인 그림에 동감하지 못하게 된 것이 원인이었던 것이다. 거기에 정신적 충격에 대한 해답을 찾으려고 종교에 매달린 것도 큰 원인으로 작용했다. 그래도 큰아버지 센트의 연줄 덕으로 구필 화랑에서 계속 일할 수 있게 되었지만 결국 그만두게 된 것이었다.

3.3. 전도사 시절[편집]

구필 화랑을 그만둔 후 고흐는 에덴에 있는 부모 곁으로 돌아갔다가, 자연이나 예술과 관련된 일을 하기를 바랐던 어머니의 뜻을 따르지 않고 종교적 열정에 사로잡혀서 종교인으로서 가난한 이들을 위한 일을 하고 싶어했다. 고흐는 영국에서 교사 일자리를 구하다가 램스게이트라는 곳의 기숙학교에서 무급 견습교사로서 일하게 된다. 하지만 램스게이트의 학교는 고흐에게 실망감만을 안겨주었고 고흐는 보조목사나 런던의 빈민가에서 활동하는 선교단체에서 일자리를 구하려고 했다.

그런 데서도 퇴짜를 맞다가 고흐의 일생에서 그를 이해해준 몇 안 되는 사람 중 한 명인 영국 감리회 소속 토머스 슬레이드 존스(Thomas Slade Jones) 목사를 만나서 그의 보조목사 겸 존스 목사의 학교에서 조수 교사로 채용되어 일하게 된다. 존스 목사는 자신이 순회하던 감리교회에서 고흐가 설교할 수 있도록 해주기도 했다. 이때 고흐는 안정적으로 설교를 하면서 잘하면 목사가 되어서 자신의 생각대로 가난한 이들에게 봉사할 수 있는 기회를 잡을 수도 있었을 것이었다.

그러나 다시 고흐에게 조울증이 찾아왔다. 결국 이 때문에 잘해나가던 보조 목사직도 그만두고 다시 네덜란드의 가족에게로 돌아와야 했다. 아들이 광신적인 목사가 되는 것을 두려워한 아버지는 다시금 형 센트에게 도움을 구해서 센트는 빈센트를 위해 로테르담 근처의 도르트레흐트 근처에서 서점을 운영하던 브라트에게 부탁해 서점에 일자리를 얻어주었다. 하지만 그 일에마저도 흥미를 잃으면서 일자리에서 쫓겨난다. 서점 일에서 쫓겨난 것으로 빈센트와 큰아버지 센트와의 인연은 완전히 끝나게 된다.

다시 집으로 돌아온 고흐는 이제는 할아버지와 아버지처럼 목사가 되겠다고 선언했다. 물론 고흐는 이때 목사수업을 하기에는 너무 늦은 나이였던 데다가 목사고시까지 통과해야 하는 문제가 있었다. 고흐가 고집을 꺾지 않자 결국 아버지는 고흐의 이모부인 암스테르담의 요하너스 스트리커르(Johannes Stricker, 1816–1886) 목사에게 도움을 구했다. 스트리커르는 조카의 정신이 정상적이지 않다는 이야기를 듣고서도 자신의 인맥에서 가장 우수한 교사를 붙여서 고흐가 목사고시를 준비할 수 있도록 도왔다. 하지만 이마저도 목사의 딸인 코르넬리아 보스스트리커르(Cornelia Vos-Stricker)[19]에게 빈센트가 사랑에 빠지면서 다시 정신적 혼란이 일어났고 시험준비도 끝장나고 말았다. 코르넬리아(케이)가 고흐의 사랑을 단호히 거절하면서 그는 깊은 상처를 입었고 이 일로 가족은 물론 친척들과도 갈등을 겪었다.

그가 전에 근무하던 화상의 일하는 방식에 대해 회의를 느꼈던 것처럼, 가난하고 불쌍한 이에게 전도하는 것이야말로 가장 중요한 사명인데도 그런 전도보다는 실질적으로 전도에는 불필요한 지식을 쌓는 것을 더 중요시하고, 그래야만 성직자 사회에서 인정받을 수 있는 것에 진저리를 내서 일부러 시험 문제가 너무 어려워서 합격할 수 없겠다는 식으로 빠져나왔다는 얘기도 있다.

일례로 고흐는 그의 가정교사는 별 문제가 없다고 봤음에도 굳이 스스로의 라틴어가 문제가 있다고 주장했는데, 후에 테오에게 보낸 편지에서는 '차마 신학대가 바리사이파 양성소라 싫다고 할 순 없었지, 내가 그깟 라틴어 갖고 애먹을 리가 있니?'라는 구절을 찾아볼 수 있다고 한다.

결국 다시 아버지가 나서서 벨기에의 공업지대나 탄광지대에서 선교활동을 하는 선교단체에 전도사로 들어갈 수 있는지를 알아봐야 했다. 고흐를 조수 목사로 쓴 적이 있던 존스 목사가 아버지와 함께 나서서 브뤼셀에 있는 선교단체에서 전도사 양성학교에 빈센트를 입학시켰다. 그곳에서는 전도사를 양성해 벨기에의 악명 높은 탄광지대인 보리나주(Borinage)로 파견하는 일을 하고 있었다.

시험에는 합격하지 못했지만 고흐가 목사의 아들인 탓에 매정하게 내칠 수도 없었던 선교단체에서는 결국 고흐를 탄광에서 무급 조수로 쓰기로 결정했다. 보리나주에서 고흐는 탄광의 열악하고 비참한 환경 속에서 자신을 광부들처럼 극단적인 세계로 밀어넣었다. 이런 극단적인 고행은 한편으로는 고흐의 내부에서 신앙이 조금씩 흔들리고 있다는 증거이기도 했다.

그럼에도 광부들에게 헌신하려는 그의 노력은 계속되었다. 그렇지만 극단적 고행 등으로 고흐의 정신 상태가 온전하지 않던 와중에 선교단체에서 보리나주로 시찰관을 파견했고 고흐의 상태를 본 시찰관은 선교단체에 고흐는 전도사로 부적절하다고 보고를 올렸다. 선교단체에서 해고당한 고흐는 중재를 부탁하려고 브뤼셀까지 걸어서 아는 목사를 찾아갔고 그 목사는 고흐가 성직보다는 미술에 더 재능이 있는 것 같다는 것을 눈치채긴 했지만 그럼에도 본인이 스스로 깨닫게 하려는 목적에서 성직의 길을 계속 가고 싶다면 보리나주로 돌아가서 무급으로 조수 일을 다시 시작해야 한다고 충고했다. 그렇게 하다보면 선교단체에서 다시 일을 맡겨줄 수도 있고 아니면 스스로 성직을 포기하고 다른 길을 갈 것이라고 여겼던 것이다.

보리나주로 돌아간 고흐는 이제 성직보다는 미술에 더 기울게 되었다. 보리나주 사람들의 비참한 현실을 그림으로 그리고 싶어했던 것이다. 그러나 미술적인 훈련이 부족한 탓에 그것이 쉽게 되지는 않았다. 그럼에도 화가가 되겠다는 열의가 강해져 결국 고흐는 만 27세이던 1880년 10월, 보리나주를 떠나 브뤼셀로 가게 된다.

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곡선이만다

솔르웟에 첫번째 그림

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왼쪽부터 바르톨로메오, 대 야고보, 안드레아, 베드로, 유다 이스카리옷, 사도 요한, 예수 그리스도, 소 야고보, 토마스, 필립보, 마태오, 유다 타대오, 시몬 순.

레오나르도 다 빈치의 그림으로, 예수가 자신의 열두 제자들에게 "너희 가운데 하나가 나를 배반할 것이다"라고 말하자, 제자들이 깜짝 놀라는 순간의 모습을 묘사하고 있다.

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모네의 청소년은 풍자만화가였는데 고향인

아브르에서 풍자화를 그려서 돈을 벌었는데

한점당 10프랑~20프랑으로 당시 일당보다

청소년기에 그림값을 넉넉히 받는 풍자만화가였다

하지만 그의 인생에 큰 변화가 생긴것이

바로 모네의 풍자화를 본 화가

이젠 보댕이 모네를 제자로 삼고 싶어했고

모네는 그것을 거절했지만 모네의 가능성을 높이사고

용기를 준 보댕을 스승으로 받아드려

그덕에 모네는 보댕에게 그름을 배웠습니다

그때당시 모네의 그림들을 보면 보댕의 가르침대로

섬세한 묘사가 두드러지게 나타나고 있습니다

​하지만 모네는 보댕을 떠났고 모네는 인정받지 못한 시절

가난에 시달리다 자살까지 시도한적이 있었지만

세월이 흐르고 끈기있게 화가로 활동하여

인상파의 작품들이 인정받기 시작하였고

모네는 유명한 정원이 딸린 저택을 살수있을정도로 부유해졌다

지베르니에 있는 자택 정원을 가지고 있던 모네

정원을 함께 가지고 있었기에 그의 수련연작은 나날이 발전했고

1926년 죽을때까지 27년을 걸쳐 300여점의

작품까지 함께 그리면서 그는 더욱 유명해졌습니다

​말년에는 지베르니 정원 소재를한 그림을 많이 그렸는데

모네는 그로인하여 지베르니 정원을 모티브로 삼아

정말 멋진 그림들을 그리기 시작하였습니다

모네는 끈기있는 인상파 화가로

여러가지 불우한 삶도 있었지만

극복하고 유명한 화가로 삶을 살았고

실제로 모네의 정원은 프랑스 여행시

꼭 가야하는 지베르니 정원이 되었습니다

​

​

​자신의 생각과 철학으로 유명한 그림들을 그린 모네

최초의 인상파화가로써 유명한 프랑스 작가였다.

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겨울에 만나는 시골의 모습에 집중했던 인상파 화가 알프레드 시슬레에게 겨울이 주는 분위기는 지중해의 햇볕에 취해서 그림을 그리던 르느와르의 여름에 대한 애착만큼의 것이었다. 빛에 대한 특별한 관심은 두 사람이 같았으나, 시슬레에게 겨울의 햇빛은 낮은 온도 속에 차분하고 쓸쓸한 분위기의 공기와 어울려 신비하기도 하고, 명상적이고 고독한 느낌을 묘사하려는 의도가 있었기 때문이다. 원래 모네와 시슬레 두 사람은 그 선배 구스타프 쿠르베처럼 눈이 내린 설경에 유난히 관심이 많았다.

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겨울에 만나는 시골의 모습에 집중했던 인상파 화가 알프레드 시슬레에게 겨울이 주는 분위기는 지중해의 햇볕에 취해서 그림을 그리던 르느와르의 여름에 대한 애착만큼의 것이었다. 빛에 대한 특별한 관심은 두 사람이 같았으나, 시슬레에게 겨울의 햇빛은 낮은 온도 속에 차분하고 쓸쓸한 분위기의 공기와 어울려 신비하기도 하고, 명상적이고 고독한 느낌을 묘사하려는 의도가 있었기 때문이다. 원래 모네와 시슬레 두 사람은 그 선배 구스타프 쿠르베처럼 눈이 내린 설경에 유난히 관심이 많았다.

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곧 겨울도 오고 우리반 분위기에 맞는것 같아서 골랐고 이 그림처럼 항상 저희 마음이 편안해 졌으면 좋겠어요

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〈별이 빛나는 밤〉(영어: The Starry Night)은 네덜란드의 화가 빈센트 반 고흐의 가장 널리 알려진 작품이자 정신병을 앓고 있을 당시 고흐가 그린 그림이다. 생레미의 정신병원에서 고흐는 정신적 질환으로 인한 고통을 떠올려 그림 속의 소용돌이가 무너졌다

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그들은 순간적인 빛의 효과를 사실적으로 포착하기 위하여 야외에서(프랑스어: en plein air) 풍경을 그렸다. 당시에는 혁신적이었던 이런 접근법으로, 좀 더 색채가 풍부해졌고 일반 대중들이 익숙해진 시각보다 더 넓게 그려졌다. 그 결과로 시슬레와 그의 친구들은 처음으로 자신들의 작품을 전시하거나 팔 수 있는 기회를 얻었다. 그의 재정적 곤란에 시달리는 동료 학생들과는 달리 시슬레는 그의 아버지로부터 용돈을 받았지만 말이다. 시슬레의 학생 시절 작품들은 유실되었다. 사람들에게 알려진 알려진 작품들중 가장 오래된 것은 1864년경 그려진 것으로 보이는 <작은 마을 인근의 오솔길(Lane near a Small Town)>이다.

1866년 시슬레는 브르타뉴 지방 출신인 Eugénie Lesouezec과 결혼하여 2명의 자식을 두었다. 1870년 아버지의 사업이 실패하면서 재정적 지원이 끊겨, 시슬레는 자신의 작품을 팔아서 혼자 생계를 꾸려갔다. 이후 시슬레는 궁핍한 삶을 살았다. 그의 작품은 그가 사망한 이후에야 금전적 가치가 있다고 인정을 받았다.

1880년에 시슬레 가족은 19세기 초부터 바르비종파 화가들이 작업하던 퐁텐블로(Fontainebleau) 숲 인근에 있는 모레쉬르루앙(Moret-sur-Loing)으로 이주하였다. 미술사학자 안 풀레(Anne Poulet)는 "이곳의 조용한 풍경과 끊임없이 변화하는 공기는 그의 재능과 완벽하게 맞았다. 모네와는 달리 사나운 대양이나 코트 다쥐르(Côte d'Azur)의 빛나는 색채의 풍경을 찾으려 들지 않았다."라고 언급했다.

1857년에서 1861년 사이의 런던에서 지낸 시기와 1874년, 1881년 그리고 1897년 잉글랜드로 여행한 것을 제외하면 시슬레는 전 생애를 프랑스에서 보냈다. 윌리엄 터너(J. M. W. Turner)와 존 콘스터블(John Constable)의 그림과 시슬레의 관계는 잘 알려져 있지 않다. 그의 인상주의 화가로서의 발전에 런던에서 많이 보았을 그러한 화가들이 영향을 주었을 것이라는 의견이 있었기는 했지만 말이다.

인상주의자들 사이에서 시슬레는 비록 시슬레가 덜 표현적이고, 더 작은 규모로 작업하기는 했지만 서로 그림이 비슷했던 모네의 그림자에 가려졌다. 미술사학자인 로버트 로젠블룸(Robert Rosenblum)에 따르면 "보편적인 특징의, 완벽한 인상주의 회화의 비개인적인 교과서적인 발상"",을 가졌던 공기와 하늘에 호소하는 그의 작품은 매우 인상적이다. 풍경에 집중했던 그는 다른 인상주의자들보다 훨씬 일관적이었다.

시슬레는 그의 부인이 죽은 지 몇 달 뒤에 59세의 나이로 모레쉬르루앙에서 사망했다.

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빈센트 반 고흐를 조사한 소감

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빈센트 반 고흐를 조사한 소감

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빈센트 반 고흐가 원래 유명 한건 알았는데 이렇게 멋진 작품들이 많은지 못랐는데 알게 되었다

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그림에 대해서 조금더 관심을 가질 수 있었고

풍경그림이 생각보다 너무 아름다웠다.앞으로도

종종 그림을 찾아 볼 것 같다.재미있었다.😀

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구스타프 크림트의 "생명의 나무"

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구스타프 크림트의 "생명의 나무"

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생명의 나무는 오스트리아의 상징주의 화가 구스타프 클림트가 1909년에 그린 작품입니다. 이 작품은 클림트의 황금기에 속하며 황금빛과 다양한 기하학적인 무늬로 장식된 신화적인 생명의 나무를 그려냈습니다.

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점 하나에 조화와 자유, 그리고 예술

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점 하나에 조화와 자유, 그리고 예술

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예술과 과학. 어쩌면 대비되는 단어를 합친 두 화가가 있다. 1명은 조르주 쇠라(쇠라), 또 다른 1명은 폴 시냐크(시냐크)다. 시냐크는 인상주의가 남긴 유산을 독자적인 방식으로 발전시킨 신인상주의의 실질적 수장이다. 그는 화가가 된 후 생을 마감할 때까지 예술을 위한 삶을 살았다. 점으로 자연스러운 풍경을 표현하고 자유를 꿈꾼 시냐크에 관해 살펴봤다.

인상주의가 쏘아 올린 작은 공
프랑스 파리의 부유한 상인 가정에서 태어난 시냐크는 건축가를 꿈꾼 청년이었다. 그런 시냐크를 화가의 길로 이끈 것은 1880년에 열린 클로드 모네(모네)의 전시회였다. 1870년대 후반, 산업혁명으로 현대문명이 싹트던 유럽은 기존의 양식과 행동을 바꿔야 한다는 움직임이 있었다. 예술가들은 인상주의를 통해 예술의 진보를 주도했다.

시냐크 역시 인상주의 영향을 받았는데, 자연을 대상으로 한 모네의 인상주의가 그를 화가의 길로 이끌었다. 박재연 교수(아주대 문화콘텐츠학과)는 인상주의가 시냐크의 초기 화풍에 끼친 영향을 언급했다. “시냐크는 인상주의의 실험적인 면모에 전반적으로 영향을 받았어요. 시냐크의 초기 작품을 보면 모네의 소재와 기법에서 많은 영향을 받았음을 알 수 있죠.”

시냐크의 화풍이 변하는 때가 찾아왔다. 바로 1884년에 열린 독립미술가 전(展) ‘앙데팡당’에서 쇠라의 작품을 접한 후였다. 시냐크는 색채 병치를 적용한 쇠라의 작품에 큰 감명을 받아 그와 함께 회화를 연구하는 동료로 발전했다.

쇠라는 색을 섞으면 탁해지는 문제점을 보완하기 위해 점묘법을 만들었다. 점묘법은 캔버스 위에 물감을 점으로 나란히 찍어 그 색들이 관람자 눈에서 혼합되도록 하는 기법이다. 녹색을 표현하기 위해 노란색과 파란색 점을 번갈아 찍는 방식이 그 예시다. 두 화가는 엄격한 점묘법을 통해 더 선명하고 화려한 색의 그림을 얻고자 했다.

점들의 하모니
시냐크는 선, 색채 그리고 형태의 조화를 추구했다. 쇠라의 죽음 이후 시냐크는 자신의 개성을 찾아 모자이크를 사용하고 높은 명도의 색을 조화롭게 만들지 못하는 점묘법들을 버렸다. 또한 수채화, 목탄, 데생(선으로 이미지를 그려내는 기술), 먹물을 사용해 풍경을 있는 그대로 표현하려 했다. 박재연 교수는 시냐크의 시도가 색의 주관적인 분석에 도움을 줬다고 설명했다. “시냐크는 전반적인 화면 구성과 각각의 회화 요소 간의 관계를 더 집중적으로 탐구했습니다. 기계적인 점묘에서 나아가 색채의 역할과 구성에 집중해 색채의 주관적인 분석을 가능케 한 거죠.”

시냐크 작품 중 <아비뇽의 교황청>은 시냐크의 새로운 화풍을 잘 드러낸다. 이 작품은 쇠라의 점묘법과 달리 듬성듬성한 색 점으로 이뤄졌다. 색 점이 너무 작으면 서로 합쳐진 것처럼 보여 그림이 회색빛을 띤다는 사실을 깨달았기 때문이다. 이에 맑은 톤의 사각형 색 점을 사용했고 규칙적인 붓 자국을 나란히 배열해 ‘생 베네제 다리’를 그렸다. 또한 붉은 노을을 배경으로 동화 속 성의 모습과 같은 건축물을 그려냈다. 이는 마치 건축물이 무중력 상태에 떠 있는 듯한 느낌을 준다. 물결을 묘사할 때도 점들을 수평으로 나열해 작은 모자이크 타일처럼 보이게 했다.

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허드슨 리버 화파로 분류되는 미국의 풍경 화가이다

로킨산맥 요세미티 계곡등 미국의 서부의 험준한 자연 풍경을 웅장하고 세밀하게 화폭 위에 구현한 것으로 잘 알려져있다

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다빈치의 그림을 찾는게 재미있고 그림을보는게 재미있다

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출생 1839년 10월 30일사망 1899년 1월 29일직업 화가, 에칭화가, 석판화가, 시각 예술가스승 마르크샤를가브리엘 글레르제자 Paul Vogler, Camille Varlet, Rudolf Quittner후원자 장밥티스트 포르, François Depeaux, 귀스타브 카유보트사조 인상주의배우자 Marie-Louise Adélaïde-Eugénie Lescouezec(1897~)자녀 Jeanne Sisley, Pierre Sisley

주요 작품

L'Inondation à Port-Marly, Le chemin de la Machine, Louveciennes, La Place du Chenil à Marly, effet de neige

영향

서명

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레오나르도 "피에로"는 1452년 4월 15일 토요일 밤 3시경 피렌체 공화국 토스카나의 빈치 마을에서 태어났다. 레오나르도는 정식으로 결혼하지 않은 부모인 변호사 아버지 안토니오 피에로와 농민이었던 어머니 카타리나 사이에서 태어난 혼외아들이었다. 처음 태어나서는 어머니의 집에 살다 대여섯이 돼서 아버지의 집에 가서 살게 되었는데, 레오나르도를 돌봐준 것은 아버지보다는 숙부였고 숙부는 어린 레오나르도에게 자연과 세상을 조금씩 가르쳐주었다.

어머니 카테리나는 이탈리아 토스카나 지방 소작농의 딸로 체르케스인 출신이라는 연구결과가 나왔다.##

아버지가 레오나르도의 재능을 인식한 뒤, 레오나르도는 14살쯤 피렌체로 이사를 가 안토니오 델 베로키오(Andrea del Verrocchio) 공방에 들어가 그림을 배우기 시작했고 20살이 되어 베로키오의 그림 <그리스도의 세례>에 조수로 참여해 꼬마 천사 두명을 맡았는데, 당시에 일반적이던 템페라 기법에 새로 알려지기 시작한 유화를 같이 실험해서 그렸다. 세간에는 베로키오가 그걸 보고 현타가 찾아와 화가를 은퇴했다는 야사가 전해지지만, 이는 거짓일 가능성이 높다. 베로키오는 그 뒤에도 잘만 작품을 만들어냈기 때문이다. 어쨌든 이 그림에 참여한 것을 계기로 베로키오는 다빈치를 정식으로 화가 길드였던 성 루카 조합에 가입시켜주게 했다.

30살이 된 1482년 다 빈치는 밀라노 공국에서 활동을 시작했다. 밀라노 공이었던 루도비코 스포르차가 다빈치를 지원하면서, 다 빈치는 여러 작품들을 만들어냈다. <암굴의 성모>나 <기마상> 등이 이때 만들어졌고[7], 그 중 가장 유명한 건 <최후의 만찬>이다. 제2차 이탈리아 전쟁이 일어나면서 1499년에 프랑스 왕국의 루이 12세가 밀라노를 점령하고 루도비코는 프랑스에 투옥되며 밀라노 정세가 불안정해지면서 다 빈치는 잠시 베네치아에서 일을 하다가 1500년 피렌체로 다시 돌아오게 된다. 1501년 <성 모자와 성 안나> 제단화를 그린 것을 시작으로 수많은 연구 스케치와 관찰을 남겼다. 헬리콥터나 인체비례도 등 잘 알려진 다빈치의 과학자/기술자적 면모는 이 때의 스케치로 알게 된 것. 1503년에 피렌체 시청에 벽화작업을 의뢰받아 <앙기아리 전투> 작업을 시작했는데, 재밌는 건 옆편 벽에서 라이벌인 미켈란젤로가 <카시나 전투>를 작업하고 있었다는 것. 또한 1503년에는 그 유명한 모나리자 작업을 시작해 죽을 때까지 그림을 손에 놓지 않는다.

1506년에는 루이 12세의 요청을 받고 다시 밀라노에서 작업을 하게 된다. 밀라노를 떠나는 1513년까지 다빈치는 다양한 작업과 연구를 하면서 지냈는데, 제3차 이탈리아 전쟁으로 1512년 교황이 밀라노를 공격하고 프랑스는 물러난다. 그렇게 프랑스가 떠나면서 다 빈치는 교황령의 로마로 가서 교황청 작업을 주로 하게 되었지만 완성작 없이 취소되었고,[8] 1516년 프랑수아 1세의 초청으로 프랑스 루아르 강의 앙부아즈 궁에 기거하게 되고, 여기서 <모나리자>가 완성된다. 그러나 말년에 가면 건강이 갈수록 악화되어[9] 그가 좋아하던 작업은 할수없게 되었으며 소일거리만 하게 되었다. 결국 1519년 4월 23일 죽음을 직감한 그는 유언장을 작성하고 1519년 5월 2일 프랑스의 클로 뤼세(Clos Lucé)에 있는 자신의 저택에서 숨을 거두었다. 레오나르도는 독신인터라 그가 자식처럼 아낀 제자 프란세스코 멜지(Francesco Melzi)[10]가 모든 재산을 상속받는다.

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항구의 집들, 생트로페'

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항구의 집들, 생트로페'

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이 작품은 1892년 이후 변화된 시냐크의 회화 양식을 잘 보여주고 있다. 이 시기에 그는 분할주의(Divisionism)를 완전히 배제하지는 않았지만, 지나치게 억압적인 신인상주의와는 거리를 두었다. 오히려 꼼꼼한 작은 점들을 사용하기보다는, 좀 더 큰 터치를 구사하여 작품 전반에 자연스러움을 추구했으며, 나아가 표현성을 얻는 데 성공했다. 이 작품 이전에 그린 수채화에서도 잘 나타나 있듯이, 시냐크는 여전히 색채학에 큰 관심을 가지고 있었다. 수면에 떠 있는 빨간 부표의 물 위에 묘사된 그림자는 여러 개의 터치로 나누어져 있다. 이 그림자에서는 특히 청색과 주황색이 보색대비를 이루고 있으며 그 대비 효과는 흰색으로 더욱 강조되고 있다

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구스타프 클림트의"키스"

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구스타프 클림트의"키스"

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《키스》(독일어: Der Kuss)는 오스트리아 상징주의 작가 구스타프 클림트가 1907-1908년 황금시기에 그린 유화이다. 이 시기는 클림트의 전성기로 도금하는 기법으로 다수의 그림을 남겼다.

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유흥업과 서비스업에 종사하는 사람들의-평범한 세탁소 여공들, 매춘부 등- 충격적인 모습이 그에게 흥미를 자극했고 드가는 그 주제들을 대담하고 솔직하게 표현하기 시작했다. 인상파 화가들과 어울리면서도 그의 주제는 당대 사회의 여러 가지 모습에 대한 것이었고 그런 면에서 그는 마네(Edouard Manet, 1832-1883)의 뒤를 잇고 있으며, 그러한 경향은 다시 툴루즈-로트랙(Henri de Toulouse Lautrec, 1864-1901)에 의해 계승되었다.