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Une famille belge d'origines marocaine et algérienne prend la route du Maroc, à bord d’une vieille Renault 21 Nevada sans clim, pour enfin inaugurer leur maison secondaire après des années de rénovation. À la question inattendue - où chacun souhaite être enterré - les réponses divergent...

Réalisé par Naoile Ji et sorti en 2024.

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Claudie est passionnée par son métier pour le moins atypique : sonder l’espace à la recherche de signes de vie extraterrestre, dans l’espoir d’établir un contact. Absorbée par sa mission, elle perd peu à peu contact avec son entourage. A tel point que la réalité elle-même pourrait lui échapper…

Réalisé par Mathilde Parquet et Emma Carré et sorti en 2025.

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Une équipe de rugby féminine affronte l’équipe de garçons locale pour avoir le droit de jouir d’un terrain d’entrainement.

Réalisé par Yannick Privat et sorti en 2024.

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Un soir à Paris, deux Indiennes ne se connaissant pas se trouvent dans un restaurant indien. Les odeurs, les saveurs, la langue, tout les entraîne dans un voyage symbolique de souvenirs doux-amers de leur déracinement et de leur émancipation.

Réalisé par Vinnie Ann Bose et sorti en 2025.

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Souleymane, 12 ans, doit quitter Grigny-La Grande Borne dans deux jours. Lorsqu’il apprend qu’un flamant rose aurait été aperçu dans la cité, il entraîne ses deux meilleurs amis dans une quête insensée pour le retrouver. Une dernière aventure ensemble, comme une façon de retarder les au revoir.

Réalisé par Souleymane Sylla et sorti en 2025.

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La quiétude blanche des montagnes est perturbée par les amateurs de sports d’hiver colorés, qui aiment skier en descente.

Réalisé par Edmunds Jansons et sorti en 2024.

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Dalou, onze ans, ne sait qu'une chose de son père décédé : il était écrivain. C'est pourquoi il a commencé à écrire un livre, dans lequel il raconte la vie de son meilleur ami, Coco. L'histoire prend une tournure inattendue lorsque Coco propose de trouver un remplaçant pour Dalou lors de la journée sportive de l'école. Alors que le plan est sur le point de réussir, Coco est pris de jalousie et ce qu'ils ont de plus précieux est mis à l'épreuve : leur amitié.

Réalisé par Idriss Nabil et sorti en 2024.

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Dans les années quatre-vingt-dix, Agata, une petite fille, quitte la Pologne pour la Belgique. Angoissée par ce périple, la fillette écrit une lettre à son père resté au pays, mais son crayon tombe et se perd dans le bus. Obligée de surmonter sa timidité, elle se faufile entre les sièges à la recherche du crayon, plongeant dans un univers fantastique, peuplé d’étranges passagers mi-humains, mi-animaux. Du haut de ses huit ans, son regard transforme la réalité migratoire en une expérience initiatique.

Réalisé par Sylwia Szkiłądź et sorti en 2025.

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Un feu se déclenche en forêt amazonienne, les animaux effrayés quittent leur habitat pour se réfugier sur l’autre rive. Seul un petit colibri s’entête à combattre l’incendie lorsqu’il aperçoit un paresseux et son petit coincés au milieu des flammes.

Réalisé par Morgan Devos et sorti en 2025.

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Lorsqu’un jeune garçon autiste nommé Kaali découvre que son chien a été volé, il se lance dans une quête effrénée à travers la ville de Tasiilaq, à l’est du Groenland, pour retrouver le voleur. Au fil de sa recherche, Kaali est confronté à sa différence vis-à-vis des autres enfants.

Réalisé Christoffer Rizvanovic Stenbakken et sorti en 2025.

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The Man who could not remain silent de Nebojša Slijepčević 

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The Man who could not remain silent de Nebojša Slijepčević 

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Par Radio France

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Les sciences naturelles au pays d'Alice

Saviez-vous que le champignon qui fait grandir et rapetisser pourrait bien être une amanite tue-mouche ? Que le chapelier est fou à cause de la solution de mercure utilisée dans la confection de chapeaux ? Que le lièvre de mars est en pleine période de reproduction ?

Les deux médiatrices scientifiques et éthologues Anne-Cécile Dagaeff et Agatha Liévin-Bazin, grandes fans d'insectes, de bestioles étranges et de pop culture, se sont livrées à une enquête singulière : expliquer scientifiquement les phénomènes extraordinaires qui jalonnent Alice au pays des merveilles. Le résultat, c'est un livre : Alice au pays des sciences, sorti chez Belin, qu'elles viennent nous présenter.

Vous saurez tout sur le sourire du chat du Cheshire, l'histoire de la Tortue "fantaisie" et les substances psychotropes absorbées par la chenille.
Extraits de l'entretien
Anne-Cécile Dagaeff et Agatha Liévin-Bazin se sont rencontrées lors d'une animation autour des animaux mal aimés à l'eurêkafé, un café scientifique à Toulouse. Elles ont eu l'idée d'utiliser les grands classiques des films d'animation des studios Disney pour parler de zoologie, de botanique. Elles publient Alice au pays des sciences chez Belin.
Lewis Caroll
Agatha Liévin-Bazin : "Lewis Caroll, Charles Lutwidge Dodgson de son vrai nom publie Alice au pays des merveilles à partir de 1865. Ce mathématicien enseignait à l'université Christ Church d'Oxford. Dès sa jeunesse avec ses frères et sœurs, il faisait des journaux. Passionné de culture, il se rendait souvent au théâtre. D'apparence austère typiquement victorienne, il adorait les jeux de mots...

Devenu adulte, au contact des enfants, et notamment des petites Liddell, les filles du doyen de l'université avec qui il s'était noué d'affection, il pouvait inventer des histoires colorées, complètement débridées."
Alice au pays des merveilles, un vrai conte naturaliste parlant d'écologie ?
Anne-Cécile Dagaeff : "C'est ce que nous avons voulu y voir. Mais très honnêtement Alice au pays des merveilles est un ouvrage de son temps, très imprégné de ses observations et lié à son époque. C'est une histoire qu'il a créée pendant une après-midi pour distraire les enfants qui l'accompagnaient. On a trouvé que c'était un très bon terreau pour parler des animaux. On y trouve des animaux locaux et d'autres qu'il avait pu observer dans les musées, comme le dodo."
Les disparitions d'espèces à l'époque déjà
Agatha Liévin-Bazin : "Le Dodo est souvent pris pour un animal grassouillet, un peu bêta, et maladroit. Or on sait de chose de lui, vu qu'il a disparu un siècle après avoir été décrit par les humains pour la première fois. Il est une sorte de symbole de la disparition des espèces. C'est un animal sympathique qui traversé les années et que l'on trouve dans plein d'œuvres de pop culture aujourd'hui.

A l'époque de Lewis Carroll beaucoup d'espèces ont disparu. L'Empire britannique est en pleine expansion, notamment autour des îles de l'île Maurice. Le dodo a disparu, comme le solitaire, comme des espèces de tortues géantes à la Réunion, à l'île Maurice, à l'île de Rodrigues à côté, qui ont été fauchés à la même période. L'hippotrague, ou le koaga, une sorte de sous-espèce du zèbre qui était très prisé par les Anglais victoriens ont disparu aussi..."
La reine rouge
Anne-Cécile Dagaeff : "On évoque la reine rouge pour parler des coévolutions entre une plante et son pollinisateur, ou le conflit sexuel, quand chaque partenaire essaye de maximiser sa descendance."
Le chat du Cheshire
Anne-Cécile Dagaeff : "Le chat du Cheshire nous donne l'occasion de déconstruire de l'anthropomorphisme. Certains autres animaux non humains peuvent sourire, mais leur sourire n'a pas du tout la même signification que le nôtre. Il est important de rappeler que que, par exemple, chez les chimpanzés, il y a deux types de sourires. Celui qui découvre toutes les dents de l'animal est souvent, un signe de stress très important. C'est vraiment un signal d'apaisement quand il y a un conflit. Et c'est aussi le cas chez les chiens. Plein de gifs circulent sur Internet avec des chiens qui sourient. Or ce n'est pas un signal positif."

Droit comme un arbre

En 2019, Georges Feterman, auteur, éminent professeur de sciences naturelles et président de l'association A.R.B.R.E.S ((Arbres Remarquables: Bilan, Recherche, Études et Sauvegarde), portait devant les députés une proposition de Déclaration sur les Droits des Arbres. Cinq articles fondamentaux pour rappeler en quoi les arbres sont fondamentaux pour nos écosystèmes.

Deux ans plus tard, il se dit que pour faire la promotion de cette initiative, ce qu'il faudrait, c'est une chanson. Ca tombe bien, son neveu, Toma Feterman, est le chanteur du groupe La Caravane Passe. Georges propose donc à Toma d'écrire un hymne aux arbres, populaire et entraînant.

Cela donne Droit comme un arbre, un titre sur lequel La Caravane Passe a invité ses amis de Tryo, engagés eux aussi de longue date dans la lutte écologique.

La Caravane Passe sera en concert au Trabendo à Paris le 1er juin, mais aussi dans de nombreux festivals à partir du printemps prochain !

Le Chêne, figure centrale du vivant

"Il était une fois l'histoire d'un chêne, vieux de 210 ans, devenu un pilier en son royaume..." Ce film d'aventure familial a été tourné comme un conte naturaliste et rassemble un casting hors du commun : écureuils, balanins, geais, fourmis, mulots... Tout ce petit monde vibrant, vrombissant et merveilleux scelle sa destinée autour de cet arbre majestueux qui les accueille, les nourrit, les protège de ses racines jusqu'à sa cime.

L'intention première est de montrer aux spectateurs quelque chose qu'ils n'ont jamais vu - Michel Seydoux

Une ode poétique à la vie où la nature est seule à s'exprimer car ce long métrage fait le pari d'une immersion complète au cœur d'un arbre, sans aucun dialogues ni commentaires en voix off.

Avec Michel Seydoux auteur, producteur et co-réalisateur du film et Marc-André Selosse biologiste spécialisé en botanique et mycologie, professeur au MNHN.

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Le Club de la Terre au carré : Alice, le chêne et une caravane

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Aujourd'hui dans le Club on s'intéresse au roi des forêts pour la sortie d'un film qui lui est consacré, on se plonge dans le conte scientifique Alice au pays des sciences avec ses deux autrices et on fait un tour en chanson avec la Caravane passe et son hymne aux arbres !

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Par Le monde

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L'arbre vieux de deux cent dix ans situé à proximité de Chambord (Loir-et-Cher), en Sologne, dans " Le Chêne ", de Laurent Charbonnier et Michel Seydoux. GAUMONT DISTRIBUTION

L'AVIS DU " MONDE " - À VOIR

Imagine-t-on la vie animale qui fourmille à l'intérieur (et autour) d'un chêne ? Le cinéaste animalier Laurent Charbonnier, et son coréalisateur, le producteur Michel Seydoux, ont filmé sur plusieurs saisons, et en prises de vue réelle, les habitants (écureuils, geais, mulots, fourmis, etc.) d'un arbre vieux de deux cent dix ans, situé à proximité de Chambord (Loir-et-Cher), en Sologne.

Sans commentaire ni voix off, ce documentaire spectaculaire réussit à créer une certaine dramaturgie, par le biais d'un montage efficace. L'on sentirait presque la panique dans les yeux d'une petite bête lorsque le renard vient rôder autour du tronc imposant. Intempéries, naissances, prédation : les sujets s'imposent autour de la vie animale métronomée par l'arrivée du printemps, du soleil, puis du froid, des précipitations...

Un grand immeuble

L'arbre nous est montré comme un grand immeuble, avec ses résidents et ses visiteurs, répondant à une image stéréotypée du film animalier - pas de surprise de ce côté-là. Priorité à l'action : la panique s'installe au " rez-de-chaussée " des mulots lorsque arrive l'orage ; les petits se blottissent les uns contre les autres pour la nuit ; l'accouplement du balanin, étrange insecte muni d'une trompe colorée, devient une cérémonie, avec sa femelle pondant sur le gland du chêne : bientôt un petit fantôme de larve se tortille comme dans un dessin animé.
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" Le Chêne " : un roi de la forêt peuplé d'habitants

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Le documentaire, spectaculaire, dévoile sur plusieurs saisons la vie animale autour d'un arbre vieux de deux cent dix ans en Sologne.

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Par Bretagne Cinéma

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Claude Barras : « En Bretagne, il y a une des grandes familles du monde de l’animation. » · Bretagne Cinéma

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Pour son deuxième film, « Sauvages », le réalisateur Claude Barras revient sur sa collaboration avec les équipes du studio rennais Personne n’est parfait qui ont réalisé avec lui décors et costumes.

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Ce programme spécifiquement conçu pour le public de collégien·nes de 6e et 5e présente une sélection de films courts inédits. Certains de ces films proviennent de la compétition francophone de courts métrages de Travelling, autour des représentations de la ville au cinéma. Ce programme permet de découvrir les premiers pas d'une nouvelle génération de réalisateurs et réalisatrices.

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D'entrée, on le dit et on insiste là-dessus : que ce film de science-fiction à tonalité humaniste vienne d'Ukraine ne pèse en rien sur le jugement que l'on souhaite poser dessus. Lorsque l'universalité d'un film (et d'un propos) semble à ce point imparable dans son contenu comme dans sa portée, toutes les planètes sont alignées pour aboutir à une sorte de communion implicite en sortant de la salle. Pour preuve, sa projection aux dernières Hallucinations Collectives fut si marquante en matière d'émotions charriées que l'hypothèse d'un geste politique quant à sa victoire au palmarès parut insignifiante en soi. Cela dit, le film ne partait pas forcément gagnant sur le terrain de l'originalité. Des films de science-fiction qui ont pris soin de détailler des aventures spatiales dans un contexte post-destruction de la planète Terre, ça n'est pas si nouveau que ça - même Don Bluth s'y est essayé. Et quand on vous invite à suivre la destinée peu encourageante d'un camionneur de l'espace se retrouvant soudainement tout seul dans l'univers après que notre planète (pas si) bleue ait explosé en mille morceaux, il y a de quoi se sentir en terrain connu vis-à-vis du thème de la solitude dans un cadre spatial - du " 2001" de Stanley Kubrick au très beau "Moon", les exemples ne manquent pas.

C'est bien là le seul mini-regret que l'on puisse avoir sur " U are the Univers e" : ce film arrive un peu après la bataille. Pour autant, c'est peu dire qu'il sait toucher au cœur, qu'il émeut durablement, et que sa finition technique demeure assez impressionnante pour un projet conçu sur pas moins de sept années par une équipe ukrainienne peu à peu aspirée par le conflit en cours. En l'état, hors de question que l'on se permette de spoiler davantage l'évolution du récit - mieux vaut découvrir le film en en sachant le moins possible. Contentons-nous de signaler et de saluer le caractère universel d'une telle ode à l'entraide et au contact humain (qu'il soit verbal ou physique) dans un monde où l'individualisme menace d'aspirer l'humanité dans un néant qui lui pend au nez. Signalons aussi le renouvellement d'une mise en scène qui profite de son minimalisme pour tisser ici et là de belles échappatoires/parenthèses, parfois même avec humour, comme en témoigne une intelligence artificielle très portée sur les blagues pas drôles et un petit gag visuel en écho direct au chef-d'œuvre de Kubrick. Concluons enfin en disant que cette pépite ukrainienne est un grand moment de cinéma à ne rater sous aucun prétexte et à savourer de préférence dans le confort d'une salle obscure.
Guillaume Gas Envoyer un message au rédacteur

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Critique film U ARE THE UNIVERSE - Abus de Ciné

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Dans un futur proche, Andriy Melnyk est un camionneur de l'espace qui transporte des déchets nucléaires à bord de son vaisseau vers Callisto, la lune abandonnée de Jupiter. Au cours d'un vol de routine, la Terre explose soudainement, mais Andriy parvient à survivre. Cet accident fera de lui le dernier habitant de l'univers.

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Bande-Annonce de U Are The Universe (VOSTF)

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Andriy, joué par le charismatique Volodymyr Kravchuk, ne voyage pas pour son simple plaisir. Engagé par une société ukrainienne, il se dirige vers la planète Callisto sur laquelle il doit déposer des déchets radioactifs. Avec son uniforme ukrainien bleu, il flâne à bord d'un vaisseau spatial joliment décoré, et s'adonne à diverses activités. Il danse sur ses vinyles et joue aux échecs avec un robot, Maxim, son compagnon et sa seule connexion avec la Terre, qui l'informe rapidement que, là-bas, les guerres s'éternisent.

Des répliques surprenantes, des cuts percutants... mais un scénario fragile

À bord, la caméra filme de près les expressions inquiètes de l'Ukrainien, et, d'un peu plus loin, s'attarde sur ses activités solitaires, rendant compte de l'athmosphère pesante qui règne à bord. La situation bascule lorsque le robot Maxim apprend à Andriy que la Terre a explosé. Il devient logiquement le seul homme de l'univers, condamné à vivre dans un vaisseau. "Je suis le maître de la galaxie", lâche-t-il avec ironie.

Le film tire vers la comédie noire et Andriy et son robot se mettent à rivaliser de blagues sur la situation dramatique, dans une ambiance qui se fait encore plus oppressante. Jusqu'à ce que l'Ukrainien reçoive un message d'une femme qui dit se trouver dans un vaisseau près de Saturne. Une lueur d'espoir. Le robot blagueur se montre alors pernicieux puisque, jaloux de cette idylle à distance, il tente d'y mettre fin.

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CRITIQUE. "U are the universe", seul dans l'univers

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Andriy, joué par le charismatique Volodymyr Kravchuk, ne voyage pas pour son simple plaisir. Engagé par une société ukrainienne, il se dirige vers la planète Callisto sur laquelle il doit déposer des déchets radioactifs. Avec son uniforme ukrainien bleu, il flâne à bord d'un vaisseau spatial joliment décoré, et s'adonne à diverses activités.

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Rédigé par Anne Crémieux pour Africiné

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Africiné - Sorti le 21 septembre 2005 sur les écrans français, Rize ressort le 28 décembre 2016 : avec le recul, ce film de danse est une magnifique contribution à la compréhension de la culture hip-hop.

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Réalisé par Troiscouleurs

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A voir: « Rize », documentaire fascinant sur le krump de David LaChapelle - TroisCouleurs

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Dans le cadre d’une programmation dédiée à la culture hip-hop, Arte propose de revoir Rize (2005), documentaire du photographe David LaChapelle sur le phénomène fascinant du krump. Née au milieu des années 1990 dans le ghetto de South House à Los Angeles, cette danse urbaine à la lisière de la transe, caractérisée par des mouvements très rapides et

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Troisième grand comique du cinéma muet américain avec Charlie Chaplin et Buster Keaton, Lloyd est resté célèbre comme "l'homme aux lunettes d'écaille".

Après cinq années de figuration au théâtre, il fait sa première apparition au cinéma en 1912. Après quelques rôles dans des comédies burlesques, il décidé d'apparaitre à l'écran sous son véritable aspect ne gardant comme signe distinctif qu'une paire de lunettes d'écaille et un canotier.

Au début des années 20, il signe un contrat de 100 000 dollars avec la maison Pathé pour produire un film par mois. Suite à cela il réalise ses premiers long-métrages dans lesquels il joue, la plupart du temps, un des rôles principaux.

Monte là dessus (1923) connait un grand succès à sa sortie et reste l'un de ses films les plus reconnus.

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Harold Lloyd : Monte là-dessus - Bande annonce

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Découvrir ou redécouvrir le génie de Harold Lloyd

Une comédie bourrée de gags hilarants

Pour la célèbre scène finale où Harold escalade un immeuble de plusieurs étages

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Interview de George Tillman Jr et Angie Thomas autour du film (VOSTFR)

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Interview de George Tillman Jr et Angie Thomas autour du film (VOSTFR)

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George Tillman Jr and Angie Thomas Interview THE HATE U GIVE

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Kent Mackenzie discovered Bunker Hill, the low-rent residential neighborhood on the west edge of downtown Los Angeles, in the mid-1950s when he was a film student at USC and it was first threatened with demolition. He also became fascinated with a subculture of Arizona Indians living there, and made them the subject of a semi-documentary short feature he called The Exiles. Filming in 35mm, Mackenzie wasn’t able to record dialogue on location, so he relied on post-synchronized dialogue and meditative voiceovers to tell his story of a long Friday night, from dusk to dawn. It is a night full of loneliness and yearning, petty betrayals and disappointments, and little flashes of happiness, ending with an attempt to revive old ceremonies and solidarities on a hilltop above the city. The Exiles is a wrenching document of cultural dislocation and a remarkable record of a city that has vanished. In the late 1950s, it was still possible to think that all elements of society could share downtown Los Angeles. Since then, Los Angeles has become more segregated, and its downtown has been remolded over and over in efforts at gentrification that have never quite taken hold. The unassimilated, although pushed more and more to the margins, have continued to uphold their claims to its space.

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réal de the hate you give george tillman jr

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livre pédagogique livre noir du cinéma américain

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Réalisé par le Festival des 3 Continents.

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livre pédagogique livre noir du cinéma américain-2

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Réalisé par le Festival des 3 Continents.

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[CRITIQUE] The Hate U Give – La Haine Qu’on Donne, de George Tillman Jr.

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Starr est témoin de la mort de son meilleur ami d’enfance, Khalil, tué par balles par un officier de police. Confrontée aux nombreuses pressions de sa communauté, Starr doit trouver sa voix et se b…

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THE HATE U GIVE - La Haine qu'on donne Bande Annonce VF (2019) Drame Adolescent

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« The Hate U Give » : le dilemme d’une ado du ghetto

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L’adaptation du best-seller d’Angie Thomas sur la vie tragique d’une jeune Afro-Américaine évite les écueils du film édifiant.

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Informations pratiques

Le Festival du film et le Forum international sur les droits humains (FIFDH) de Genève s'associent à la Cité internationale pour proposer un cycle de projections dédié à la paix. Cinq films sélectionnés seront diffusés, abordant les droits humains, les conflits, la guerre et les missions de paix.

Pour cette deuxième édition, la Fondation Victor Lyon, la Maison de l'Ukraine et la Maison des étudiants canadiens, en collaboration avec la Fondation suisse présentent le lumineux et bouleversant documentaire We will not fade away (2023) d' Alisa Kovalenko. La projection se fera en présence de la réalisatrice et sera suivie d'une intervention artistique et d'un pot convivial.

Ce documentaire suit cinq adolescents dans le Donbass, à l'est de l'Ukraine, à la veille de l'invasion russe de 2022. Malgré les menaces et l'incertitude, ils vivent, rient, rêvent et refusent de céder à la peur. Lorsqu'une expédition en Himalaya leur est proposée, une brèche s'ouvre dans leur quotidien : une échappée poétique vers un futur possible.

Alisa Kovalenko filme avec une tendresse rare l'intimité, la révolte et les espoirs de cette jeunesse résiliente. Ce film est un cri d'amour pour la liberté, un témoignage indispensable sur la vie en temps de guerre, vu à hauteur d'adolescents.

Fondée en 2022, la Maison de l'Ukraine est un lieu d'accueil et de dialogue pour les jeunes Ukrainiens en France. Dans un contexte où leur pays reste frappé par la violence, cette soirée rend hommage à leur courage et à leur dignité.

Un festival organisé par la Maison du Japon, la Fondation suisse, la Maison des étudiants canadiens, la Maison Heinrich Heine, le Collège franco-britannique, la Fondation de Monaco, le Collège d'Espagne et la Maison de l'Ukraine. E n partenariat avec le Festival du film et le Forum international sur les droits humains (FIFDH) de Genève.

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Cinéma pour la paix #2 | We will not fade away - Citescope

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Princesse Mononoké est un film d'animation sorti en 1997 au Japon, écrit et réalisé par Hayao Miyazaki. C'est l'une des œuvres les plus connues et les plus acclamées de son auteur et l'une des plus grandes réussites de l'histoire du cinéma japonais.

Le film raconte l'histoire de l'adolescent Ashitaka, qui part à la recherche de la Princesse Mononoké, un esprit de la forêt qui se bat pour sauver sa terre des mains de l'homme. Mononoké est une entité mystique, faite d'esprits animaux et de légendes, qui est capable de se battre pour sa terre et pour la vie qui l'habite.

L'histoire est très complexe et riche en nuances, et explore de nombreux thèmes tels que la relation entre l'homme et la nature, la guerre et la paix, la religion et la spiritualité, la puissance et le pouvoir. Il soulève également des questions sur la responsabilité de l'homme envers la nature et sur les conséquences de ses actes sur le monde environnant.

Le film est un mélange d'action, de drame et de fantastique, et est considéré comme l'un des plus grands chefs-d'œuvre de l'animation japonaise. Le film est truffé de détails visuels et de symbolisme, avec des scènes d'action spectaculaires et des paysages magnifiques. Miyazaki a utilisé des techniques telles que le rotoscope, les fonds verts et les trucages pour créer un monde à la fois réaliste et magique.

Le personnage de Mononoké est également très intéressant et complexe. Elle est à la fois puissante et vulnérable, et sa lutte pour sauver sa terre est à la fois tragique et inspirante. Son histoire est riche en émotions et en symbolisme, et elle est un héros magnifique et fascinant.

Le film Princesse Mononoké est considéré comme l'une des œuvres les plus importantes de Miyazaki. Il a réussi à créer un film qui explore de nombreux thèmes différents et captiver les spectateurs avec son intrigue, sa magie et son symbolisme. Le film est un témoignage de la puissance de la nature et de la nécessité que l'homme trouve un équilibre avec elle. Il est rempli de moments de beauté et de tristesse, et est un chef-d'œuvre absolu.
Le résumé officiel du film :
Au XVe siècle, durant l'ère Muromachi, la forêt japonaise, jadis protégée par des animaux géants, se dépeuple à cause de l'homme. Un sanglier transformé en démon dévastateur en sort et attaque le village d'Ashitaka, futur chef du clan Emishi. Touché par le sanglier qu'il a tué, celui-ci est forcé de partir à la recherche du dieu Cerf pour lever la malédiction qui lui gangrène le bras.

Date de sortie du film au Japon : 12 juillet 1997.
Date de sortie au cinéma en France : 12 Janvier 2000

Film réalisé par Hayao Miyazaki

Casting : Yôji Matsuda, Yuriko Ishida, Yuko Tanaka

Film japonais.

Genre : Drame, Fantastique, Animation

Durée du film : 2h 15min.

Année de production : 1997

Titre original japonais : Mononoke-Hime

La bande annonce en français Princesse Mononoké

La musique :

DVD et Bluray : Commander

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Princesse Mononoké | Studio Ghibli France

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Princesse Mononoké Princesse Mononoké est un film d'animation sorti en 1997 au Japon, écrit et réalisé par Hayao Miyazaki. C'est l'une des œuvres les plus connues et les plus acclamées de son auteur et l'une des plus grandes réussites de l'histoire du cinéma japonais.

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Entretien avec Claude Barras autour du film

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Entretien avec Claude Barras autour du film

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Benshi - Le guide du cinéma pour les enfants

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Benshi est la première plateforme de vidéos à la demande pour le jeune public en France. Découvrez plus de 200 films à voir en illimité pour une découverte du cinéma progressive en famille !

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Le générique d'ouverture de La Petite Bande, avec ses fautes d'orthographe volontairement grossières, fait sourire autant qu'il interroge. En embrassant pour la première fois le point de vue de jeunes héros (Cat, Fouad, Antoine, Sami et Aimé ont 12 ans), Pierre Salvadori serait-il tombé dans la facilité d'une malice convenue ? Les premières minutes du film, saturées de clichés du genre - cour de récréation, répliques candides et voix off en pleine mue - semblent aller dans ce sens. Il faut attendre que la petite bande du titre se forme pour comprendre ce qui intéresse véritablement le réalisateur : moins les gimmicks puérils d'une comédie prépubère que l'énergie résolument juvénile d'une écriture affranchie de tout esprit de sérieux.

Le scénario de La Petite Bande progresse ainsi au gré des élucubrations de ses protagonistes, quatre collégiens auxquels un exposé sur l'écologie inspire brusquement un projet d'attentat contre l'usine locale (" et puis d'un coup, ils ont eu un secret "). Tout le récit est à l'image de cette amitié improbable scellée en quelques secondes : un vol d'essence impliquant un kayak gonflable, une prise d'otage imprévue, un nouveau complice intégré à la bande dans le seul but de départager un vote (" il nous faut un cinquième ") ou encore l'accent anglais très approximatif que prend le nouveau venu quand il veut se rendre méconnaissable. Autant de trouvailles qui épousent la spontanéité naïve des cinq héros tout en s'inscrivant dans la continuité d'une filmographie traversée par le goût de la surprise et du déraillement. Au fond, les comédies de Salvadori ont toujours eu pour horizon ce retour joyeux à l'immaturité, jusqu'au récent , où un personnage de grand enfant ahuri se laissait aller à des explosions de violence aux accents burlesques. Moins adulte et plus " familial " que les précédentes comédies du cinéaste, La Petite Bande apparaît pourtant moins comme un pas de côté que comme la synthèse de son cinéma. On y retrouve l'écriture ludique et parfois virtuose de Salvadori (ici accompagné de son coscénariste Benoît Graffin), mais aussi les faiblesses de sa mise en scène, souvent trop illustrative, bien qu'ici ponctuée de quelques visions plus inspirées : une succession de plans fixes sur des petits mots échangés en classe, une pluie de fleurs sur une épaule nue, l'ombre des personnages et de leurs masques d'animaux sur un rideau de fer, etc.

En terrain connu

Comme les jeux d'enfants, La Petite Bande a le charme de l'innocence, mais ne tient pas toujours la distance. Le temps de quelques séquences plus psychologisantes, sa belle empathie se mue en excès de pathos. C'est le revers d'un programme narratif reposant sur l'adhésion totale au point de vue des cinq ravisseurs en herbe (jusqu'à l'effacement des figures parentales, renvoyées à la violence des pères et à l'addiction des mères) : quand une tonalité plus grave s'invite brièvement dans le récit, la candeur de l'enfance paraît soudain moins digeste et plus fonctionnelle, à l'image de cette scène de confession collective qui rappelle la fin larmoyante du Breakfast Club de John Hughes. Devant La Petite Bande, on pense d'ailleurs souvent aux années 1980 et au mélange de légèreté et de mélancolie qui caractérisait des films tels que Les Goonies ou Stand by Me, dont l'ombre ne semble jamais très loin. Salvadori ranime ainsi cette jeunesse désœuvrée et bricoleuse, qu'il prive d'emblée de téléphone portable pour mieux l'ancrer dans le décor intemporel des forêts corses, où l'on fabrique des cabanes, des masques et des plans voués à l'échec. La fable écologique qui sert de prétexte au scénario est peu à peu supplantée par un rapport moins politique et plus intime à la nature, terreau des jeux les plus dangereux et des pactes d'amitié les plus solennels. Mieux intégré à l'intrigue qu'à la mise en scène, cet environnement sauvage ne se déploie véritablement à l'écran que dans la sortie de route finale, qui donne à Salvadori une dernière occasion d'embrasser le point de vue de l'enfance : chemise ouverte et boucles au vent, le petit Aimé domine un relief montagneux soumis au délire de son imagination et acquiert enfin la stature d'un super-héros.

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Le générique d'ouverture de La Petite Bande, avec ses fautes d'orthographe volontairement grossières, fait sourire autant qu'il interroge. En embrassant

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“La Petite Bande” de Pierre Salvadori : des choses vraiment étranges… - Benzine Magazine

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Avec un propos dénonciateur d’une rare violence pour un film pour la jeunesse, La Petite Bande, en dépit de maladresses explicables par le grand écart entre son sujet et le public visé, prouve que Salvadori est un véritable auteur.

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« Summertime » : slam survolté - TroisCouleurs

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Vingt-cinq jeunes habitants de Los Angeles se croisent et se recroisent lors d’une caniculaire journée d’été. Inspiré par une session de poésie en impro, Carlos López Estrada (“Blindspotting”) a demandé à ces slameurs exaltés de transformer leur travail et d’incarner ce film choral survolté sur leur rapport à la ville.

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Commentaire sur Summertime, film musical original et pétillant réalisé par Carlos Lopez Estrada, sorti en France 2021.

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Reportage autour du film par Ouest France

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Reportage autour du film par Ouest France

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Critique film animation LES CONTES DU POMMIER - Abus de Ciné

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Trois enfants, Tom, Suzanne et Derek, sont emmenés chez leur grand père pour quelques jours. Le plus petit demande à celui-ci où est sa grand mère. Sa mère lui explique alors que celle-ci n’est plus. Alors que le grand père travaille sur quelque chose dans son atelier, les enfants jouent autour de la cabane perchée dans l’arbre du jardin. C’est l’automne, et Suzanne est bien décidée à utiliser le chapeau magique de la grand mère, qui lui permettait de leur raconter des histoires. Trois ingrédients déposés par chacun dedans et la voila qui leur invente une histoire pour se faire peur…

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Article de presse autour du film par Radio France

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Article de presse autour du film par Radio France

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Her, de Spike Jonze : ah si seulement la voix n’avait pas eu de corps

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Aujourd’hui sort sur les écrans,* Her* , le dernier film du réalisateur américain Spike Jonze réalisateur de clips surtout, mais aussi de 4 long-métrages dont le premier avait particulièrement frappé les esprits Dans la peau de John Malkovitch .

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Analyse et pistes de travail autour du film

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Analyse et pistes de travail autour du film

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Conçu par LUX Scène Nationale, en collaboration avec le CNC

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La petite bande - Interview Pierre Salvadori

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Entretien avec Laurent Charbonnier et Michel Seydoux

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Entretien avec Laurent Charbonnier et Michel Seydoux

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Le Chêne – Interview de Laurent Charbonnier et Michel Seydoux

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Le festival de cinéma Travelling organise des séances réservées aux enfants dans un cadre scolaire et hors scolaire (alsh, structure jeunesse...).

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Au centre de Los Angeles, Echo Park est un quartier pittoresque où s’est enracinée, au fil des générations, une communauté d’immigrés d’Amérique latine. Les réalisateurs étasuni…

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Richard Glatzer et Wash Westmoreland : réalisateurs et scénaristes

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Richard Glatzer et Wash Westmoreland : réalisateurs et scénaristes

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Abus de Ciné - Entretiens - ECHO PARK L.A. - Richard Glatzer et Wash Westmorland / Emilie Rios, Jessie Garcia...

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Découvrez toutes les interviews du cinéma réalisées par l’équipe d’Abus de Ciné cette année. Tous les entretiens sont réalisés par nos critiques de cinéma auprès des équipes de films.

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A la veille d’accomplir son rituel de passage de l’âge de 15 ans, une jeune fille se retrouve enceinte. Chassée par son père, Magdalena trouve refuge chez son grand oncle, qui vit avec son cousin Carlos, lui aussi exclus…

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The Big Sleep, sommet du film noir hollywoodien

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Marlowe, figure emblématique du détective privé, projettera longtemps son ombre sur le cinéma américain.

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Le grand sommeil, The big sleep, Howard Hawks, 1946 - Le blog d’Alexandre Clément

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Il est toujours très bon de revisiter les classiques, parfois on a de mauvaises surprises, d’autrefois, non. The big sleep est l’archétype du film de détective, peut-être plus encore que Le faucon maltais tourné avec le même Bogart. Beaucoup de choses…

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En adaptant le roman policier de Raymond Chandler Le Grand Sommeil, Hawks donna le conseil suivant à ses scénaristes : «  Ne trafiquez pas le roman, contentez-vous d’en tirer un scénario. Le livre est trop bien écrit. »

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Le Grand Sommeil - Bande Annonce Officielle (VOST) - Humphrey Bogart / Lauren Bacall

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La Fureur de Vivre - Bande Annonce Officielle (VOST) - James Dean

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Cette séquence décrit un jeu d’adolescent extrêmement dangereux, à Los Angeles. Les deux compétiteurs s’affrontent en haut d’une falaise dans une course de voitures dont l’issue peut être mortelle, ce qui va être le cas ici. Il s’agit de précipiter la voiture à toute vitesse vers l’à-pic de la falaise et de s’en extraire au dernier moment avant qu’elle ne plonge dans la mer. Dans ce duel, le dernier qui se jette hors de la voiture est considéré comme le plus courageux et donc le vainqueur.