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Nombre: Barbara Dürer.
Autor: Alberto Durero
Fecha: 1490
Localización: Museo Nacional Germano
Estilo: Renacentista
Descripción: El Retrato díptico de los padres de Durero es el nombre colectivo de dos retratos sobre tablas. Muestran a los padres del artista, Bárbara Holper y Alberto Durero el Viejo, cuando aquella tenía alrededor de 39 años y esté 63. Son un registro de los efectos físicos y emocionales del envejecimiento. Los Durero eran una familia unida y mediante estos retratos el pintor puede haber pretendido demostrar sus habilidades a sus padres o bien tener un recuerdo de ellos durante sus viajes como oficial pintor.

Cada tabla mide 47.5 cm x 39.5 cm, pero la de la izquierda está cortada. Han estado separadas al menos desde 1628, hasta que el retrato de Bárbara que por mucho tiempo se consideró perdido fue reatribuido a Durero en 1977.Los dos retratos se volvieron a reunir en la exposición de 2012 del Museo Nacional Germano, titulada "El primer Durero".

Se presenta a los modelos en tres cuartos, sobre un fondo verde, medio laqueado, el cual a pesar de estar coloreado suntuosamente, lo está en capas delgadas.​ Cada uno tiene una base blanca y una imprimación ligeramente roja con contenido de plomo.​ La forma y la postura de cada modelo repite, y en buena medida contrapesa, la del otro.Las similitudes de la construcción lineal de ambas tablas, especialmente cómo los pliegues y líneas de la ropa forman formas triangulares. La cola del tocado de Bárbara, que le cruza el pecho, se corresponde con la abertura del abrigo de piel de Alberto. Lo más habitual era que en estos retratos pareados el varón estuviera a la izquierda; la ubicación quizás indique que Durero originalmente pensó que el retrato del padre estuviera solo, pues pintó a Barbara tiempo después.

Se considera al retrato de Alberto Durero el Viejo como la superior de ambas obras. la pintura del padre es mucho más detallada, en especial en la ropa, que en el retrato de ella está más simplificada. Este contraste en los detalles también puede verse en el tratamiento del rosario, al que se da protagonismo y un color rojo brillante en el retrato del marido, pero es pequeño y secundario en el de ella.

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Ejecutada hacia 1515, la obra muestra el pleno dominio del color y de la luz que Rafael había obtenido apenas cumplidos los treinta años. En este periodo Rafael evita en los retratos los fuertes contrastes cromáticos para profundizar en los medios tonos y en la sutileza de las gamas oscuras. Es la luz la que cobra protagonismo y, reflejada en los tejidos de los personajes, ilumina y vivifica las composiciones.
La mujer de la pintura aparece en otro retrato, La Fornarina, y fue tradicionalmente identificada como la fornarina (hija del panadero) Margherita Luti, amante de Rafael; sin embargo esta identificación no ha podido ser demostrada.

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EL CABALLERO CON LA MANO EN EL PECHO (Javier González 2ESOA)           

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Nombre de la obra: El caballero de la mano en el pecho

Autor: El Greco

Fecha: 1580 aproximadamente

Localización: Museo del Prado

Breve descripción (A quién representa, como lo representa, como es la luz, y la composición):

Este retrato representa al caballero cristiano, su posición y sus ideales además de la fisonomía del hombre.

Se representa en el momento de hacer un voto. Indica no solo pio respeto, sino también una​ declaración de intenciones que es mantenida como cuestión, esto lo demostró Márquez Villanueva.

Es una obra en la que la luz se refleja tenuemente sobre el rostro del individuo, contrastado con colores oscuros y resaltando su parte humana gracias a una luz cenital (Luz que entra por una una abertura en el techo)

Está compuesta por óleo y lienzo, tiene una estructura piramidal que centra la atención en la cara, la mano y la espada.

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Nombre:La Gioconda Autor:Leonardo da Vinci

Fecha:1503-1506

Localización:Museo del louvre(Paris, Francia)

Estilo:Renacimiento Italiano

Descripción:

Personajes:Lisa Gherardini Historia:El cuadro no se sabe porque lo pintaron porque fue encargado, aunque Da

Vinci nunca se desprendió del cuadro.

Composición: Piramidal

Luz: La luz se enfoca igual en todo el cuadro
Colores: Planos y primarios, no mezcla ninguno

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Nombre: Niño espulgándose
Autor: Murillo
Fecha: 1645-1650
Localización: Museo del Louvre, París, Francia
Descripción: Este niño esta representado recostado sobre la pared quitándose las pulgas que acompañan a sus ropas raídas.La luz en este cuadro entra desde la izquierda desde un agujero que hay en la pared por donde entra toda la luz

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Nombre del cuadro: Retrato de cardenal

Autor: Rafael Sanzio

Fecha: desde 1508 hasta 1517

Localización: Museo nacional del prado

Estilo: Renacimiento

Descripción: El cuadro representa a un cardenal, seguramente miembro de la corte papal de Julio II. No ha sido identificado con seguridad, a pesar de la numerosas suposiciones de los estudiosos, que han visto en él a Bernardo Dovizi da Bibbiena, Innocenzo Cybo, Francesco Alidosi, Scaramuccia Trivulzio, Alejandro Farnesio, Bandinello Sauli, Ippolito d'Este, Silvio Passerini, Antonio Ciocchi, Matthäus Schiner o Luis de Aragón. El mismo personaje aparece también en La disputa del Sacramento, del mismo autor.

Personajes: Cardenal

Historia: Este cardenal tiene el nombre de Francesco Alidosi, Fue pintado durante el papado de Julio II, El retrato muestra media cuerpo, vestido con la ropa de cardenal de color rojo, está representada con realismo

Composición: No Tiene

Luz: La iluminación consiste en una gran representación de una luz que acaba representado en el rostro de este cardenal

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La joven de la perla, también conocida como Muchacha con turbante, es una de las obras maestras del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667. Como el nombre indica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra actualmente en el museo Mauritshuis de La Haya. Wikipedia

Artista: Johannes Vermeer

Ubicación: Mauritshuis

Período: Siglo de Oro neerlandés

Técnica: Óleo sobre tela

Fecha de creación: 1665

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El pintor es neerlandés Johannes Vermeer
fue realizada entre 1665 y 1667.
La pintura se encuentra actualmente en el museo Mauritshuis de La Haya.
• Para nuestra era histórica, la joven de este lienzo representa un ideal de belleza femenina en la flor de la vida.
Como el nombre indica, utiliza un pendiente de perla como punto focal.
En el caso de la nariz, la luz hace casi desaparecer la convexidad de la parte derecha de su nariz, por el contrario, al incidir la luz desde su derecha, muestra una sombra de una textura magnífica. Es una sombra totalmente sutil y muy realista.

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La Gioconda  ( Alejandra Moreno Aguilar 2B )

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La Gioconda  ( Alejandra Moreno Aguilar 2B )

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Año : 1503-1519

Autor : Leonardo da Vinci

Estilo : Renacimiento

Su nombre, La Gioconda deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Monna  Lisa. El Museo del Louvre acepta el título completo indicado al principio como el título original de la obra, aunque no reconoce la identidad de la modelo y tan solo la acepta como una hipótesis. Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519, y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima.Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

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Mujeres en la ventana creado por Erika Arévalo Pradas y Alba María Jiménez Caceres de 2 Eso  A 

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Mujeres en la ventana creado por Erika Arévalo Pradas y Alba María Jiménez Caceres de 2 Eso  A 

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Este cuadro lo hizo Bartolomé Esteban Murillo en el año 1665-1675, su estilo era el barroco se encuentra en la Galería Nacional de Arte
Es una presentación muy relajada y divertida ,sin ningún tipo de intención moralizante respecto al oficio de esas dos mujeres ,que obviamente serían prostitutas .Solo es algo realista no quiere representar algo más .Se supone que Murillo ha pintado a dos chicas "fáciles" que tratan de atraer a sus posibles clientes lanzando sonrisas y provocaciones desde la ventana.Este cuadro está sobre un fondo completamente negro,brillan dos chicas.La más joven en particular estaba apoyada contra la ventana,donde toda la luz venía del exterior, golpeando su piel y su ropa .Ese gran vistazo que representa su cuerpo seguramente atraerá la mitada del espectador ,al igual que en la escena real ,y sobre todo nos atraerá con sus ojos oscuros y su sonrisa traviesa,sensual y sexy ,animándola . Mientras la otra anciana se tapaba la boca , sonriendo como si supiera que estábamos bajo el hechizo de la magia de su compañera .Estas son de Galicia y entre tanta pobreza se fueron a Sevilla a trabajar como prostitutas

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Autor: Rafael Sanzio

Fecha: 1510

Localización: Museo del Prado

Breve descripción: Es un retrato de composición sobria pero muy meditada. El retratado se muestra de medio cuerpo, con sus ropas de cardenal representadas minuciosamente, con gran realismo, en particular la seda de la muceta, con brillos tornasolados. La posición del brazo, como apoyado en el reposabrazos de un sillón que no se ve, da mayor solidez al diseño: el blanco del tejido subraya el rojo de la seda, y la mano avanza hacia el espectador en escorzo, ayudando al efecto de profundidad. El rostro muestra una personalidad reflexiva y reservada, con una gran seguridad en sí mismo; «la mirada resulta un tanto profunda y, a pesar de la dureza que intenta transmitir, posee ciertos rasgos afables».1​ Se detectan retoques en la posición de los ojos; rayos X han desvelado que el cabello era inicialmente más largo y que Rafael lo modificó. El color predominante es el rojo del vestido que destaca sobre fondo oscuro, casi negro. Del mismo color es el birrete de cardenal.

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Autor: Rafael Sanzio

Fecha: 1515

Localización: Galería Palatina

Breve descripción: la obra muestra el pleno dominio del color y de la luz que Rafael había obtenido apenas cumplidos los treinta años. En este periodo Rafael evita en los retratos los fuertes contrastes cromáticos para profundizar en los medios tonos y en la sutileza de las gamas oscuras. Es la luz la que cobra protagonismo y, reflejada en los tejidos de los personajes, ilumina y vivifica las composiciones. Ya en el retrato de Baltasar de Castiglione, pintado prácticamente al tiempo que la Velada, había dejado una nota única de color: los ojos azules del autor de El Cortesano. Con este cuadro comparte rasgos estilísticos, como la mencionada austeridad del colorido, un encuadre más cercano de lo habitual con las manos recortadas y una mirada de frente hacia el espectador que coloca en igualdad al retratado.

Existe un contraste notable entre la serenidad del rostro y las agitadas ondulaciones de los ropajes, aplicados con gruesas pinceladas para destacar la incidencia de la luz en las telas con relación a la suavidad de las canciones.

La mujer de la pintura aparece en otro retrato, La Fornarina, y fue tradicionalmente identificada como la fornarina (hija del panadero) Margherita Luti, amante de Rafael; sin embargo esta identificación no ha podido ser demostrada.

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Autor: Leonardo da vinci
Fecha: 1503-1519
Localización: museo del louvre parís, francia

Actualmente se cree que se representa a la mujer de Francesco Bartolomeo de Giocondo.  La postura de la mujer deriva de la "piramide" usada para presentar a las "madonnas" sentadas, sus manos cruzadas forman la base de la forma piramidal.  La cabeza está cubienta por un  velo que simboliza la castidad, frecuente en los retratos de esposa.
Leonardo uso la técnica del sfumato para mostrar cómo la luz rebota de las superficies curvas, especialmente de la piel,dejámdola lisa, suave y natural.
La explicación sobre el mister de  de la sonrisa y la mirada deriva precisamente de la técnica del sfumato y la naturaleza de la visión humana.
Las investigaciones determinaron que Da Vinci utilizó el "glacis" en la "Mona Lisa" compuesto en un uno por ciento de bermellón y en un 99% de blanco plomo.

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Retrato de Giovanna Tornabuoni.(María José Calleja 2ºA)

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Retrato de Giovanna Tornabuoni.(María José Calleja 2ºA)

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- Nombre: Retrato de Giovanna Tornabuoni.

-Autor: Domenico Ghirlandaio

-Fecha: 1489–1490

-Localización: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

-Descripción:

*La pintura retrata a Giovanna degli Albizzi, una mujer de la nobleza florentina que se casó con Lorenzo Tornabuoni. Murió dando a luz en 1488, año de la pintura. Ha sido identificada gracias a otros retratos en la Capilla Tornabuoni, donde ella tiene el mismo peinado.

*Representa a una mujer joven de lado, llevando preciosas ropas, incluyendo una gamurra. A la derecha, detrás de ella, está colgado un collar de coral (quizás un rosario), un libro parcialmente cerrado y una inscripción latina, tomada de un epigrama del poeta del siglo I d.C. Marco Valerio Marcial.

*La luz se reparte igual por toda la obra.

*La modelo, de estricto perfil y busto, está retratada con los brazos en reposo y las manos juntas. Al fondo, en un sencillo marco arquitectónico, aparecen algunos de sus objetos personales. A la derecha, un cartellino con un fragmento de un epigrama de Marcial lleva inscrita en números romanos la fecha de su muerte.

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La Joven de la perla (Adriana Juárez Leon 2ºB)

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La Joven de la perla (Adriana Juárez Leon 2ºB)

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La Joven de la perla
Artista: Johannes Vermeer Año: 1665
Ubicación: Mauritshuis Estilo Artístico: Barroco
La chica joven representa un ideal de belleza femenina en la flor de la vida.
Representa el tronco de una joven. El cuerpo aparece de perfil y su mirada hacia el espectadores. Los rasgos de la joven son caucásicos; tiene piel muy blanca, ojos grandes, y una nariz fina. Su boca se abre ligeramente, como si deseara hablar, dando así mayor realismo a la composición.
La muchacha recorta su busto de perfil ante un oscuro fondo neutro. Utiliza un amplio abanico de tonos, con pigmentos de tierra hasta con negro carbón.

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La sagrada familia del pajarito (Ainhoa Carrillo e Isabel Fernández 2.A)

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La sagrada familia del pajarito (Ainhoa Carrillo e Isabel Fernández 2.A)

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Lo pintó Bartolomé Esteban Murillo.

Alrrededor del año 1650.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado en Madrid.

Es de estilo barroco.

Es un óleo realizado sobre lienzo hacia 1650. Sus dimensiones son de 144x188cm. Aparece San José, el niño Jesús y la virgen María. Lo compró en 1744 Doña Isabel de Farnesio aunque ahora se encuentra en el Museo del Prado.

En este se representan valores como la generosidad, la discreción y la abnegación. Todo el cuadro, además, constituye un canto al trabajo y a la vida familiar y, en ese sentido, también enlaza con importantes corrientes de la religiosidad contemporánea.

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NOMBRE: Retrato de Bárbara Dürer
AUTOR: Alberto Durero
FECHA: 1490
LOCALIZACIÓN: Galería Estatal de Stuttgart (Alemania)
ESTILO: Renacentista
DESCRIPCIÓN: Esta obra representa a a la mdre  del artista, Bárbara Holper. Es un retrato de medio cuerpo sobre un fondo oscuro. La luz es homogénea y tiene una mezcla de colores fríos y cálidos. Pinta sobre un panel de 47 cm x 36 cm. La mujer lleva una chaqueta roja, dejándose ver una camisa blanca. En la cabeza lleva un tocado, que sujeta su cabello. Esta obra fue creada para ser colgada junto al retrato de Alberto Durero el Viejo. Los Durero eran una familia unida y mediante estos retratos el pintor puede haber pretendido demostrar sus habilidades a sus padres o bien tener un recuerdo de ellos durante sus viajes como pintor oficial.

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La Dama Velada de Rafael Sanzio (África Muñoz Jiménez, 2°B) 

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La Dama Velada de Rafael Sanzio (África Muñoz Jiménez, 2°B) 

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Nombre: Dama Velada
Autor: Rafael Sanzio
Fecha: Fue creada entre 1514 y 1516
Localización: Está obra la encontramos en la Galería Palatina, en Florencia, Roma.
Breve descripción: Según Giorgio Vasari, la obra representa  a Margherita Luti, conocida como La Fornarina, una mujer a la que Rafael  amó durante toda su vida. El velo sobre el cabello, del cual proviene el nombre de esta obra de Rafael, indica que la mujer está casada, aunque su identidad exacta es desconocida. Esta obra tiene un fondo oscuro y más luz en la mujer.

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Nombre: Una vieja friendo huevos
Autor: Diego Velazquez
Fecha:1618
Localización: España,[Sevilla] y se encuentra en Galería nacional de Escocia, Edimburgo, Reino Unido
Estilo: Barroco
Descripción:Aparece una anciana y un muchacho [que no son reconocidos].. El cuadro se desarrolla en el interior de una cocina, iluminada con fuertes contrastes de luz y sombra. La luz, dirigida desde la izquierda, ilumina por igual todo el primer plano.Se ve una anciana con chaqueta blanca cocina en un hornillo con una cuchara de madera en la mano derecha y un huevo que se dispone a cascar contra el borde de la cazuela en la mano izquierda, la anciana suspende la acción y alza la cabeza ante la llegada de un muchacho que avanza con un melón bajo el brazo y un frasco de cristal. Delante de la mujer y en primer plano se ve: una jarra de loza vidriada blanca junto a otra vidriada de verde, un plato de loza hondo con un cuchillo, cebollas y guindillas. Apoyado en el anafe brilla un caldero de bronce.

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Niños Comiendo Empanada - Murillo (Iván & Alicia)  

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Niños Comiendo Empanada - Murillo (Iván & Alicia)  

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AUTOR: Bartolomé Esteban Murillo

FECHA: 1670-1675 (Barroco)

LOCALIZACIÓN: Alte Pinakothek de Múnich

DESCRIPCIÓN: En esta obra se ven a dos niños pobres que están sentados, parecen comer de una tartera que hay entre ellos y uno de ellos levanta su brazo en cuya mano sostiene un trozo de comida que se dispone a comer. Su compañero, mientras tanto, lo mira divertido y expectante al igual que el perro, que con gesto atento espera ansioso que caiga alguna sobra. El naturalismo que define toda la composición se manifiesta con mayor fuerza en el cesto de frutas y el pan que aparecen en primer plano, una muestra más de cómo los pequeños consiguen sus alimentos a pesar de sus ropajes raídos y sus pies descalzos.

PERSONAJES: Dos niños y un perro.

QUÉ CUENTA: Esta obra trata temas como la esperanza y alegría aunque de forma muy especializada.

LUZ: La luz en esta obra es interpretada mediante un uso increíblemente hábil de la iluminación y realizadas al aire libre y bañadas por un elegante luminosidad que acentúa el aspecto atmosférico de la composición.

COMPOSICIÓN: La composición está organizada a través de diagonales paralelas que otorgan el aspecto barroco al conjunto.

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Nombre: Niño espulgándose
Autor: Murillo
Fecha: 1645-1650
Localización: Museo del Louvre, París, Francia
Descripción: Este niño esta representado recostado sobre la pared quitándose las pulgas que acompañan a sus ropas raídas.La luz en este cuadro entra desde la izquierda desde un agujero que hay en la pared por donde entra toda la luz

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Nombre del cuadro: Retrato de cardenal

Autor: Rafael Sanzio

Fecha: desde 1508 hasta 1517

Localización: Museo nacional del prado

Estilo: Renacimiento

Descripción: El cuadro representa a un cardenal, seguramente miembro de la corte papal de Julio II. No ha sido identificado con seguridad, a pesar de la numerosas suposiciones de los estudiosos, que han visto en él a Bernardo Dovizi da Bibbiena, Innocenzo Cybo, Francesco Alidosi, Scaramuccia Trivulzio, Alejandro Farnesio, Bandinello Sauli, Ippolito d'Este, Silvio Passerini, Antonio Ciocchi, Matthäus Schiner o Luis de Aragón. El mismo personaje aparece también en La disputa del Sacramento, del mismo autor.

Personajes: Cardenal

Historia: Este cardenal tiene el nombre de Francesco Alidosi, Fue pintado durante el papado de Julio II, El retrato muestra media cuerpo, vestido con la ropa de cardenal de color rojo, está representada con realismo

Composición: No Tiene

Luz: La iluminación consiste en una gran representación de una luz que acaba representado en el rostro de este card

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VIRGEN DE LA RUECA(Clara Díaz y Francisco Domínguez 2ºA)

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VIRGEN DE LA RUECA(Clara Díaz y Francisco Domínguez 2ºA)

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Nombre de la obra: La Virgen de la Rueca

Autor: Leonardo Da Vinci

Fecha:1501

Localización: Colección Privada, New York, Estados Unidos

Hola,  nosotros somos Fran y Clara, bueno en este caso la virgen y su hijo y hoy os vamos a explicar un famoso cuadro de Leonardo Da Vinci. Se llama La Virgen de la Rueca y fue pintada con una técnica llamada óleo sobre lienzo en 1501. Esta pintura es de estilo Renacentista y es bastante pequeña la imagen, mide 50.2 cm x 36.4 cm.

Al menos hay tres versiones de este cuadro, en las tres en colecciones privadas de varios países. Una llamada "Virgen Landsowne" ,en honor a su anterior propietario y se encuentra ahora en Nueva York, perteneciendo  al magnate y coleccionista Carlos Slim. También, este cuadro perteneció al Duque de Buccleuch, quien la mantuvo en préstamo de la Galería Nacional de Escocia. La tenía colgada en su casa, en el castillo de Drumlanrig, hasta que  fue robada por ladrones que se hicieron pasar por turistas.

Esta imagen representa a la Virgen María con el Niño Jesús, que mira con nostalgia a una rueca que la Virgen está usando para hacer hilo,esta sirve como un símbolo tanto del carácter doméstico de María como de la Cruz en la que Cristo fue crucificado, y quizá también recuerda a las Moiraso Parcas, representadas tradicionalmente en la mitología como hilanderas.

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Baco, Caravaggio (Fco Manuel Mendoza 2ºC)

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Baco, Caravaggio (Fco Manuel Mendoza 2ºC)

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Obra: Baco

Autor: Caravaggio

Periodo de realización: 1596-1598
Información:

Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 98 centímetros de alto por 84 de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia, Italia.

Baco fue pintado poco después de que Caravaggio se uniera a la casa de su primer patrón importante, el cardenal Del Monte, y refleja los intereses humanistas del cultivado círculo del cardenal.
Parece que el cardenal lo encargó para regalarlo a Fernando I de Médici con ocasión de las celebraciones de las bodas del hijo Cosme II. La imagen aludiría irónicamente a la conocida frugalidad del Gran Duque, que era incluso abstemio.

La pintura representa a un joven dios Baco, reclinado a la manera clásica con uvas y hojas de parra en el pelo, manoseando el cordel de la floja toga que le cubre. Sobre una mesa de piedra enfrente de él hay un cuenco de fruta y una jarra grande de cristal con vino tinto; con su mano izquierda ofrece al espectador un cáliz o copa de vino llana y ancha, aparentemente invitando al espectador a unirse a él.
El vino se ha servido hace poco, como indican la espumilla en la jarra, mientras que Baco sostiene en la mano el cáliz con poca seguridad como muestran las vibraciones; las mejillas, como las manos, están sonrojadas y contrastan con la palidez de la piel, indicando un estado de ligera ebriedad.

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"Dama con unicornio" Patricia Sebastianes 2c

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"Dama con unicornio" Patricia Sebastianes 2c

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Nombre: “ La dama con unicornio”.
-Autor: Rafael Sanzio.
-Fecha:1506 (s XVI)
-Localización: Museo Borghese (Roma, Italia)
-Estilo:Alto renacimiento
-Descripción:
·La identidad de la joven ha sido motivo de especulación, se cree que puede ser Elisabetta (hermana del pintor), Maddalena Doni o incluso Laura Orsini, su hija, en este caso, la obra sería un encargo de boda. En su regazo, la dama sostiene un unicornio.
·Cuando Rafael pintó a esta hermosa joven, está claro que tenía La Gioconda de Leonardo en mente. Los dos artistas estaban trabajando en Florencia en esa época. La postura de la chica es exactamente la misma, colocada de tres cuartos, con las manos unidas a la altura del regazo y mirando hacia el espectador.
·La joven se sitúa ante una logia con columnas que nos permite contemplar un amplio paisaje, relacionando la composición con la Gioconda de Leonardo.
·Es un óleo sobre tabla transferida a lienzo durante una restauración.

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LA JOVEN DE LA PERLA (CRISTINA SOLÍS VÁZQUEZ 2ºC)

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LA JOVEN DE LA PERLA (CRISTINA SOLÍS VÁZQUEZ 2ºC)

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El nombre de esta obra es ‘ La jóven de la Perla’.

El autor de esta obra es Johannes Vermeer.

La fecha en la que se pintó esta obra fue en 1665.

Esta obra está localizada en Mauritshuis, La Haya, Países Bajos.

El estilo de la obra de la Jóven de la Perla es del Barroco.

Los rasgos de la joven son: piel muy blanca, ojos grandes y claros y nariz fina. Como la Mona Lisa, pareciera que la joven no tuviera cejas. En cambio, sus labios se muestran entreabiertos y relajados, encarnados, húmedos y brillantes como una fruta fresca.

La obra está compuesta por una sola

figura, la jóven. Tal realce se debe a

un contraste entre un fondo muy

oscuro y lo que se puede ver del

cuerpo vestido de la muchacha; es

decir, hay un tenebrismo que en este caso resulta casi caravaggiano, aunque sin las actitudes dramáticas del estilo, y se mantiene la típica y cristalina tranquilidad que caracteriza a la mayor parte de las obras de Vermeer de Delft. Es una de las piezas más representativas del barroco flamenco. La joven de la perla ganó gran notoriedad gracias a su belleza expresiva y su perfección técnica. El cuerpo aparece totalmente de perfil, mientras su cabeza se ladea suavemente en medio perfil, orientando la mirada al espectador. La luz de la obra se enfoca en el rostro de la joven. La paleta de colores de Vermeer en esta pintura por primera vez: rojo (bermellón elaborado con cochinilla), amarillo y marrón (pigmentos de tierra), azul (ultramar e índigo), negro (carbón y hueso negro) y blanco (dos tipos de blanco de plomo). El fondo es negro y tiene colgando en forma de pendiente una perla.

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"Mujeres en la ventana" Daniela y Patricia 2c

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"Mujeres en la ventana" Daniela y Patricia 2c

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Nombre: “Mujeres en la ventana”
-Autor: Murillo
-Fecha: 1565-1575
-Localización:Galería Nacional de Arte, Washington D. C., Estados Unidos
-Estilo: Barroco
-Descripción:
·Es un óleo sobre lienzo
·Representa a la hermana del artista, Ana María, a la edad de diecisiete años, asomada a la ventana, de espaldas, en la casa de vacaciones que la familia poseía en Cadaqués, a la orilla del mar.
·Muestra a dos mujeres en una ventana que observan a alguien o algo que llama su atención. Lo más probable es que se trate  de una prostituta con su Celestina que se divierten con la presencia de un galán o cliente cuya mirada se encontraría con la de la joven. Su escote , el color rojo del  lazo de la camisa y la mala fama de las mujeres que miran por un balcón o una ventana.
·Al ser barroco, el cuadro tiene un punto de luz y sombras

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NOMBRE: EL DAVID
AUTOR: Miguel Ángel
FECHA: 1501 / 1504
LOCALIZACIÓN: Galería de la Academia de Florencia
ESTILO: Renacimiento
DESCRIPCIÓN: La escultura representa al rey David bíblico en
el momento previo a enfrentarse con Goliat, también es una
escultura hecha de un solo bloque de mármol blanco extraído
de las montañas de Carrara, famosa por la gran calidad de su
mármol.

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Lo pintó el Greco, el artista empezó a pintarlo en el año 1577 y lo acabó en el año 1580, actualmente se encuentra en el museo del Prado. Aunque no conozca su identidad sabemos que pertenece a la nobleza, en este retrato, el Greco no solo muestra la fisonomía del hombre, sino que captura la esencia de su posición y sus ideales. No tenemos información sobre el caballero que se encuentra en el retrato pero podemos ver que se encuentra un hombre de medio cuerpo emergiendo de un fondo neutro y con la luz y la expresividad concentradas en el rostro y en las manos. El gesto de llevarse la mano derecha al lado izquierdo del pecho  no solo significa respeto si no también honor. La inclusión de la espada proclama el compromiso de este caballero. La espada desenvainada significaba prestar juramento o hacer voto solemne de combatir para defender la palabra de Dios.

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Caballero de la mano en el pecho (jesus ramos carmona 2C)

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Caballero de la mano en el pecho (jesus ramos carmona 2C)

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NOMBRE: El caballero de la mano en el pecho
AUTOR:El Greco
FECHA:1577/1580
LOCALIZACIÓN: Museo del prado/Madrid
ESTILO:Del renacimiento
DESCRIPCIÓN:En este retrato, el Greco no solo muestra la fisionomía del hombre, sino que captura la esencia de su posición y sus ideales. Representa al caballero cristiano, según el planteamiento conceptual de la retratística de los Austrias españoles. El pintor, ingeniosamente, ha introducido un elemento narrativo. El gesto de llevarse la mano derecha al lado izquierdo del pecho -al corazón- indica no solo pío respeto, sino también una declaración de intenciones que ha de ser mantenida como cuestión de honor.

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Baco de Caravaggio (David Rivas Benjumea 2ºC)

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Baco de Caravaggio (David Rivas Benjumea 2ºC)

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Nombre: Baco de Caravaggio

Autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio

Fecha: 1598

Localización: Galería Uffizi, Florencia

Estilo: Barroco

Descripción: Esta pintura consta de un solo personaje, que como indica su nombre, es Baco, un joven dios con una túnica blanca que nos ofrece una copa de vino. Baco es el dios romano del vino, la borrachera y la fertilidad. En las pinturas, este dios sale siempre borracho, ya que pretenden simbolizar que el vino es un alimento de alegría y prosperidad. Además, las fiestas que se hacían eran llamadas bacanales, refiriéndose al dios. Es un símbolo de la belleza, mostrándonos parte de su torso y su brazo derecho. Esta pintura trata de una celebración. Tiene una composición piramidal, ya que va disminuyendo de tamaño al ir subiendo. Como podemos apreciar, tiene un rayo de luz que viene de la izquierda, debido a las sombras de las frutas y el propio Baco. Tiene un fondo de color negro. En cuanto a los colores, no tiene colores planos, sino que Caravaggio ha mezclado distintas pinturas para llegar a diferentes tonos de colores.  Un buen ejemplo es la corona de hojas que lleva el joven dios, podemos ver como alguna hoja tiene un tono distinto del color verde, no se repite. También se puede ver en el cuenco con fruta.

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Vieja friendo huevos (Lázaro Díaz y Rocío García 2ºA)

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Vieja friendo huevos (Lázaro Díaz y Rocío García 2ºA)

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VIEJA FRIENDO HUEVOS

Autor: Diego Velázquez.

Fecha: 1618, el siglo de oro.

Localización: Galería Nacional de Escocia.

Descripción: Se muestra a una señora de avanzada edad que está en un bodegón en el momento de freír unos huevos en una cazuela de barro vidriado sobre un hornillo, revolviendo el aceite con una cuchara de madera a la vez que se dispone a cascar otro huevo. La vieja levanta la mirada con expresión de ceguera hacia un muchacho que lleva un frasco de vino y un melón.

Luz: Tenebrista ya que hace un gran contraste de sombras y luces, dándole un toque característico del barroco. Los objetos de la naturaleza muerta (melón, cebolla…) parecen muy naturales debido al virtuosismo en el que el pintor pintó brillos, cualidades y texturas opuestas (rugosas, como el melón y la cuchara y pulidas en el huevo y el cristal).

Composición: Sencilla, de muy pocos personajes aunque bien conseguida. El punto de vista es elevado. Además, la luz conecta objetos en planos entrecruzados.

Estilo: Barroco.

Técnica: Óleo sobre lienzo.

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La dama de Armiño
Da Vinci
1489
mMuseo czartoryski
Se cree que la obra representa a Cecilia Gallerani, la amante de Ludovico Sforza, duque de Milán. La retratada lleva en sus brazos un pequeño animal, parecido a una comadreja o un hurón, pero en la cultura popular la tesis más aceptada es que se trataba de un armiño, bicho asociado a la realeza.

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Nombre: Niños comiendo uvas y melón
Autor: Bartolomé Esteban Murillo
Fecha: Pintada entre 1645 y 1650
Localización: Alte Pinakothek, Múnich (Alemania)
Estilo: Barroco
Descripción: Está obra es una pintura al óleo utilizando el realismo y el gran naturalismo. Está pintura representa a dos niños, ambos sentados, uno de ellos ocupa una posición algo más elevada a su compañero, este tiene la cara hinchada por la cantidad de melón, con su mano derecha, sostiene un melón acompañado de un cuchillo y con su mano izquierda, una tajada de este, el otro niño del cuadro, sostiene un racimo de uvas, mientras come directamente de él. A su lado se encuentra una cesta que guarda el resto de las uvas. El colorido de la obra es una mezcla de tonos ocres y verdosos, entre el blanco y el negro. La luz llega desde desde la parte izquierda de la obra y posee una iluminación "claroscuro"

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Nombre: Retrato de Bárbara Dürer
Autor: Alberto Durero
Fecha: Fue creada en el año 1490/1492
Localización: Se encuentra en el Museo Nacional Germano
Estilo: Renacimiento
Descripción: El retrato de BÁRBARA DÜRER es un aceite pintura en el panel (47 x 38cm) por Alberto Durero, que data de alrededor de 1490. La madre de Durero está representada en media figura, girada tres cuartos a la derecha sobre un fondo oscuro. Las manos, sosteniendo un rosario con cuentas rojas, son bastantes evidentes. La mujer lleva una chaqueta roja abierta sobre el pecho, dejando entrever la camisa blanca, mientras que en la cabeza un gran tocado blanco, que retiene el cabello. La mirada es intensa, el diseño y el modelo revelan una notable calidad artística. La tez clara de la mujer es típica de durero, en comparación con la más oscura parte de su marido.

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• pintor neerlandés Johannes Vermeer
• realizada entre 1665 y 1667.
• La pintura se encuentra actualmente en el museo Mauritshuis de La Haya.
• Para nuestra era histórica, la joven de este lienzo representa un ideal de belleza femenina en la flor de la vida.
•Como el nombre indica, utiliza un pendiente de perla como punto focal.
•En el caso de la nariz, la luz hace casi desaparecer la convexidad de la parte derecha de su nariz, por el contrario, al incidir la luz desde su derecha, muestra una sombra de una textura magnífica. Es una sombra totalmente sutil y muy realista.

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Retrato de una joven con unicornio o Dama con unicornio es una pintura de Rafael, fechada por los historiadores del arte en 1505 o 1506
Se encuentra en la Galería Borghese en Roma.
La pintura originalmente un óleo sobre tabla
sobre todo debido al amplio escote cuadrado de moda en esos años y también presente en otros retratos contemporáneos del maestro, como el de Maddalena Doni

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Apolo y Dafne (Ana Belén Romero y Carmen Arteaga 2ºC)

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Apolo y Dafne (Ana Belén Romero y Carmen Arteaga 2ºC)

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Nombre: Apolo y Dafne

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Fecha: Fue creada entre los años 1622 y 1625

Localización: Se encuentra en la Galería Borghese (Roma)

Estilo: Barroco

Descripción: Aparecen Apolo y Dafne. Esta escultura es de temática mitológica, ya que representa a Apolo, una de las principales divinidades olímpicas greco-romanas, persiguiendo a la ninfa Dafne, que intenta escapar y, tras invocar a su padre, se transforma en laurel para que el Dios no la pueda tomar como esposa.

Historia: Cuenta el mito de Apolo y Dafne que Apolo se burló de Eros.

Eros molesto por la arrogancia de Apolo ideó vengarse de él,  y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un amor inmediato a quien hiriese. Otro disparo hirió a la Ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la dríade corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre, el río Ladón, y a su madre la diosa Gea quienes determinaron convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que atravesaron  el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las personas en señal de victoria».

Composición: Es una composición abierta,  una figura tridimensional que permite la visión espacial de todos los ángulos de la escultura, con una gran línea diagonal que otorga a la escultura un gran movimiento y dinamismo a todo el conjunto, especialmente en los ropajes ondeados y en el cabello de Dafne. La posición cercana de los personajes otorga a la obra estabilidad.

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Nombre: La piedad
Autor: Miguel Ángel
Fecha: Entre 1498 y 1499
Localización: Basílica de San Pedro, Italia
Descripción: Esta obra representa a la Virgen María sosteniendo entre sus
brazos a su hijo Jesús que yace muerto.
Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver desde todos
los ángulos.
Gracias a los sistemas de control de luz, las luces pueden dividirse en grupos
y ajustarse por separado en términos de intensidad lumínica, de esta forman
se crean diferentes escenas: escena norte – concentrada; escena este – luz
rasante; escena sur – luz integra; escena oeste – luz diaria.
La Piedad es una pieza monolítica, es decir, está hecha a partir de un solo
bloque de mármol blanco extraído de las montañas de Carrara, en la región
de Toscana. Se cuenta que Miguel Ángel iba personalmente hasta Carrara a
escoger sus bloques de mármol.

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LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO     (Lucía Parras, Isabel Sebastianes y Elena Sánchez 2ºC)

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LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO     (Lucía Parras, Isabel Sebastianes y Elena Sánchez 2ºC)

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LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO

Autor: Murillo
Fecha de creación: 1650 (Barroco)
Localización: Museo del Prado (Madrid)
Descripción: Muestra a San José, la Virgen María y el niño Jesús en una escena familiar. María está sentada tejiendo, y San José sujetando al niño mientras que este coge el pajarito y juega con el perro. Toda la obra constituye un canto al trabajo y a la vida familiar, y en ese sentido también enlaza con importantes corrientes de la religión actual.
Luz: Hay un foco de luz que crea sombras, deja el fondo en penumbra e ilumina al niño Jesús.
Colores: Aparece un fondo oscuro e utiliza el blanco para destacar las figuras del niño y el perro.
Composición: Principalmente hay dos diagonales centrales, y además el niño, el perro y San José forman una composición piramidal.

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RecreArte - La Sagrada Familia del Pajarito

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EL NACIMIENTO DE VENUS   (Lucía Parras, Isabel Sebastianes y Elena Sánchez 2ºC)

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EL NACIMIENTO DE VENUS   (Lucía Parras, Isabel Sebastianes y Elena Sánchez 2ºC)

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EL NACIMIENTO DE VENUS

Autor: Sandro Botticelli
Fecha de creación: 1485 - 1486 (Renacimiento)
Localización: Galería Degli Uffizi (Florencia)
Descripción: Cuenta el mito que Saturno (Cronos), dios del tiempo, desgarra y lanza los genitales de su padre Caelos (Urano), lo que fertiliza el mar. El roce de la espuma engendra a Venus, que con la ayuda del viento es transportada hasta las orillas del la isla de Chipre en una concha marina.
Personajes: Venus, en el centro de la obra, tapándose con su pelo; Céfiro, que es el viento del oeste y está soplando; Cloris, diosa de la brisa y esposa de Céfiro, que aparece abrazada a él; y Primavera, una de las diosas de las estaciones, que sujeta un manto florido.
Luz: Repartida por igual en toda la obra.
Colores: Predominan los fríos en el mar, el cielo... Pero los cálidos se usan en el pelo de Venus y en el manto para destacar.
Composición: Figura central que divide la obra en dos.

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Comparación de El Aguador De Sevilla por André y Pablo.

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Comparación de El Aguador De Sevilla por André y Pablo.

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Información General :

La pintura d llamada "El aguador de Sevilla" fue pintada por Diego Velazquez  en el año 1622, Diego Velazquez es un artista español  que su nombre es Diego Rodriguez de Silva y Velazquez pero su nombre artístico es Diego Velazquez y su período fue el Preciado barroco. Diego Velazquez nació en el año 1599 en Sevilla y murio en el año 1660 en Madrid.

Características:

Mide 1,05m x 80cm.Fecha de creación: 1618-1622.Es una pintura en aceite. Pertenece a el estilo barroco. Actualmente se localiza en Apsley House, Londres, Reino Unido.Representa el oficio común de los aguadores.

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Baco, Caravaggio( Álvaro Gómez Benjumea 2ºA)

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Baco, Caravaggio( Álvaro Gómez Benjumea 2ºA)

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La obra es Baco del autor Caravaggio (Baco, Caravaggio) y su fecha de realización es de (1596-1598). Y  se localiza en la Galería Uffizi. Esta es representada a un joven dios Baco, su figura es de gran belleza y se resaltan aspectos dróginos que hacen del dios una encarnación de ambos géneros. Tiene una túnica blanca y una copa de vino para unirnos a su celebración, la luz es manierista, ésta se disemina por toda la composición y está alejada de la tendencia tenebrista del artista que desarrollará en sus próximas obras. También usa un ejercito de pericia y perfección compositiva. Y en el cristal de la copa aparece Baco el dios del vino representado por el propio Caravaggio. Baco el dios del vino era un dios liberador el cual les permitía desconectar y liberarse a través de la música y el vino. Fue tal su fama y recreación por parte del pueblo romano que se acuñó el término bacanal a esas.