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Introducción

Durante el período de fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX, América Latina experimentó una reacción nacionalista en varios aspectos, incluyendo el cultural y artístico, la cual influencia de manera significativa la cultura europea que viene acompañada con el interés en lo propio, incluyendo la cultura indígena y africana.

Estas influencias contribuyeron a la búsqueda de una identidad única en el arte latinoamericano al impulsar un enfoque dual: mirar el nuevo arte de Europa y al mismo tiempo buscar raíces en elementos locales; esto permitió al arte latinoamericano generar su propio estilo único, pasando de una simple descripción a una representación más simbólica y subjetiva del entorno, contribuyendo en última instancia a la formación de una identidad artística distintiva.

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¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte?

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¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte?

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El desarrollo del arte en Brasil se caracterizó por la adopción de elementos modernos de las artes europeas, así como por la búsqueda de una expresión artística propia que reflejara la identidad brasileña.

Algunos de los elementos modernos más destacados en el arte brasileño son:

La experimentación con nuevas formas y técnicas: Los artistas brasileños se inspiraron en las vanguardias europeas, como el cubismo, el expresionismo y el abstraccionismo, para desarrollar nuevas formas y técnicas artísticas.

El uso de materiales y temas locales: Los artistas brasileños buscaron reflejar la identidad brasileña en sus obras, utilizando materiales y temas locales. Por ejemplo, la pintora Tarsila do Amaral utilizó elementos de la cultura popular brasileña en sus pinturas.

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Museo Histórico Nacional - Praça Marechal Âncora - Centro, Rio de Janeiro - Estado de Río de Janeiro, Brasil

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¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arteen Brasil?

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¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arteen Brasil?

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El compromiso con la realidad social: Algunos artistas brasileños se comprometieron con la realidad social de su país, utilizando el arte para denunciar la desigualdad y la injusticia. Por ejemplo, el pintor Candido Portinari creó obras que representaban la pobreza y la explotación de los trabajadores brasileños.

Algunos de los artistas brasileños más destacados que contribuyeron al desarrollo del arte moderno en Brasil son:

Tarsila do Amaral (1886-1977): Pintora que se destacó por su uso de colores vivos y formas geométricas, así como por su representación de la cultura popular brasileña.

Camargo Guarnieri (1907-1993): Compositor que desarrolló un estilo musical propio que combinaba elementos de la música clásica europea con la música popular brasileña.

El arte moderno brasileño ha tenido un impacto significativo en el arte mundial. Las obras de artistas brasileños como Tarsila do Amaral y Cândido Portinari son reconocidas como ejemplos de la vanguardia artística del siglo XX.

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Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - Avenida Paulista - Bela Vista, São Paulo - Estado de São Paulo, Brasil

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La obra más representativa de Candido Portinari es "Los retirantes", una serie de pinturas que retratan a los campesinos brasileños que emigraban del campo a las ciudades en busca de mejores oportunidades. La serie, compuesta por 15 pinturas, fue creada entre 1943 y 1944 y fue un reflejo de la preocupación de Portinari por la pobreza y la injusticia social.

Portinari fue uno de los artistas más importantes de Brasil. Su obra se caracteriza por su compromiso social y su expresión de la identidad brasileña.

Las pinturas de "Los retirantes" son de gran formato y están pintadas con un estilo expresionista. Los personajes son representados con figuras estilizadas y rostros angustiados. El color es utilizado para crear un ambiente de tristeza y desolación.

La serie "Los retirantes" es una de las obras más importantes del arte brasileño del siglo XX. Es una obra de denuncia social que refleja la realidad de un país que aún estaba en desarrollo.

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¿Cómo se desarrolló la modernidad en Brasil? 

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¿Cómo se desarrolló la modernidad en Brasil? 

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El desarrollo de la modernidad en Brasil se dio a través de una serie de factores, entre los que se incluyen:

Inversión extranjera: La inversión extranjera en Brasil, especialmente en los sectores industrial y de infraestructura, contribuyó al desarrollo económico y social del país. Este crecimiento económico, a su vez, generó un aumento en el consumo de bienes y servicios, lo que demandó nuevas formas de producción y distribución.

Acontecimientos políticos: Algunos acontecimientos políticos, como la Revolución de 1930 en los estados de Minas Gerais, Río Grande del Sur y Javier Alejandro en Brasil,y la dictadura de Getúlio Vargas, también contribuyeron al desarrollo de la modernidad en Brasil. La Revolución de 1930 marcó el inicio de un período de modernización del país, que incluyó la inversión en educación y cultura. La dictadura de Vargas, por su parte, promovió la cultura nacional y el desarrollo de un arte más autóctono.

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Aeroporto Internacional do Rio de Janeiro - Galeão (GIG) - Avenida Vinte de Janeiro - Ilha do Governador, Río de Janeiro - Estado de Río de Janeiro, Brasil

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Un número importante de artistas brasileños viajaron a Europa para estudiar y experimentar con las nuevas tendencias artísticas. Estos artistas, a su regreso a Brasil, contribuyeron a difundir las vanguardias europeas y a inspirar a otros artistas.

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En concreto, la Semana de Arte Moderno de 1922, celebrada en São Paulo, fue un hito fundamental en el desarrollo de la modernidad en Brasil. Este evento reunió a un grupo de artistas, escritores y músicos que buscaban romper con el arte tradicional que estaba influenciado por el academicismo europeo y promover una expresión artística más moderna y contemporánea.

La Semana de Arte Moderno de 1922 fue un evento cultural que tuvo lugar en São Paulo, Brasil, entre el 13 y el 17 de febrero de ese año. Las actividades se llevaron a cabo en el Teatro Municipal de São Paulo, que fue el lugar principal de la Semana.

La Semana de Arte Moderno fue influenciada por las vanguardias europeas, como el cubismo, el futurismo y el surrealismo. Sin embargo, los artistas brasileños también se inspiraron en la cultura popular del país, buscando crear una identidad artística nacional.

El contexto histórico de la Semana de Arte Moderno fue el centenario de la independencia de Brasil. Este evento llevó a un resurgimiento del nacionalismo brasileño, que se manifestó en el deseo de crear un arte y una cultura más propios. La Semana de Arte Moderno fue un evento controvertido. Muchos críticos y espectadores lo rechazaron por considerarlo demasiado radical. Sin embargo, el evento tuvo un impacto significativo en la cultura brasileña, marcando el inicio del modernismo en el país.

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El modernismo brasileño se extendió a otras áreas del arte, como la arquitectura, el diseño, la literatura y la fotografía. Algunos de los artistas más importantes del modernismo brasileño son:

Tarsila do Amaral:

Tarsila do Amaral, nació 1 de septiembre de 1886, en Capivari, Estado de São Paulo, Brasil y muere 17 de enero de 1973, São Paulo, Estado de São Paulo, Brasil fue una pintora brasileña, la más representativa del movimiento modernista de su país. Fue autora de 272 pinturas, 6 murales y alrededor de 1300 dibujos

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Tarsila do Amaral ( Capivari, São Paulo, 1 de septiembre de 1886 - São Paulo, 17 de enero de 1973) fue una pintora brasileña, la más representativa del movimiento modernista brasileño.

Tarsila do Amaral nació en Capivari, Brasil en 1886. Sus padres eran Lydia Dias de Aguiar y José do Amaral Stanislaus. Su abuelo paterno, conocido como "O Milionário", era un rico empresario y hacendado. Estudió en el Colegio Sion de la ciudad de Saõ Paulo. En 1902, ella y su hermana viajaron a Europa con sus padres, que las dejaron internas en el Colegio del Sagrado Corazón, en Barcelona. Dos años más tarde Tarsila regresó a Brasil y se casó con un primo de su madre, André Teixeira Pinto, con quien tuvo a su única hija, Dulce. En 1913 se separaron y se trasladó a São Paulo.​ Con Oswald de Andrade se casó en 1926, separándose en 1930.​

Tarsila do Amaral es la pintora más representativa de la primera fase del movimiento modernista brasileño. Su cuadro , de 1928, inauguró el Movimiento Antropofágico en los artistas plásticos del país.​

En 1916 empezó a trabajar en el taller del escultor sueco William Zadig y en los años siguientes estudió dibujo y pintura con el maestro académico Pedro Alexandrino y más tarde con el artista alemán George Elpons. La producción inicial de Tarsila se limitó a estudios de animales o bodegones y a bocetos de retratos, que recopiló en cuadernos de apuntes.​

En 1920 viajó a París y frecuentó la Académie Julien, donde recibió la orientación de Émile Renard. En Francia, conoció a Fernand Léger y participó del Salón Oficial de los Artistas Franceses de 1922, desarrollando técnicas influenciadas por el cubismo. De vuelta a Brasil el mismo año, se unió a Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Mário de Andrade y Oswald de Andrade, formando el llamado Grupo de los Cinco, que defendía las ideas de la Semana de Arte Moderno y se colocó al frente del movimiento modernista en el país.

En 1926 realizó su primera exposición individual, en la Galería Percier, en París. A partir de entonces, sus obras adquirieron fuertes características primitivistas y nativistas. Es característico de esta época su cuadro , que sirvió de inspiración al movimiento antropofágico, pudiendo considerarse incluso el primer manifiesto antropófago.​

En 1933, pasó a desarrollar una pintura más conectada a temas sociales, de la cual son ejemplos las telas Obreros y Segunda Clase. Expuso en las dos primeras Bienales de São Paulo y ganó una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM) en 1960. Se le dedicó una sala especial en la Bienal de São Paulo de 1963 y, el año siguiente, se presentó en la 32.ª Bienal de Venecia.

Tarsila do Amaral fue llevada al cine y la televisión, interpretada por Ester Góes en la película Eternamente Pagu ( 1987),​ y por Eliane Giardini en las miniseries Um Só Coração ( 2004)​ y ( 2006).​

El MoMA inauguró una exposición de su obra, siendo la primera artista latinoamericana y la octava retrospectiva a nivel latinoamericano después de Diego Rivera, Cândido Portinari, Roberto Matta, Manuel Álvarez Bravo, Armando Reverón, José Clemente Orozco y Joaquín Torres García.

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Tarsila do Amaral ( Capivari, São Paulo, 1 de septiembre de 1886 - São Paulo, 17 de enero de 1973) fue una pintora brasileña, la más representativa del movimiento modernista brasileño. Tarsila do Amaral nació en Capivari, Brasil en 1886. Sus padres eran Lydia Dias de Aguiar y José do Amaral Stanislaus.

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San Cristóbal, Río de Janeiro - Estado de Río de Janeiro, Brasil

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Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, más conocido como Di Cavalcanti fue un pintor, ilustrador, caricaturista y muralista brasileño.

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Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, más conocido como Di Cavalcanti ( Río de Janeiro, 6 de septiembre de 1897 - Río de Janeiro, 26 de octubre de 1976) fue un pintor, ilustrador, caricaturista y muralista brasileño.

Se estrenó como dibujante en el Salón de los Humoristas, en 1916. Después de mudarse para São Paulo en 1917, convivió con Mário y Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti y Brecheret. Frecuentó también el atelier del pintor y profesor impresionista alemán George Elpons.​

La Semana de Arte Moderno, también conocida como Semana de 22, que se organizó en el Teatro Municipal de São Paulo en 1922 fue idea suya. Era una época de muchas novedades, como el automóvil, la fotografía y el cine mudo. En esos años la vida de la gente cambiaba muy rápidamente, pero la poesía y la pintura continuaban a respetar las antiguas reglas, en su mayoría francesas. Además de exponer sus telas, Di Cavalcanti también diseñó el programa y las invitaciones para la muestra. Enseguida, en 1923, con Sérgio Milliet, viajó a Europa para estudiar. Allí conoció y convivió con los grandes de la pintura, como Picasso, Braque, Matisse y Léger. Di Cavalcanti también recibió influencias de Paul Gauguin, de Delacroix y de los muralistas mexicanos. El contacto que tuvo con el cubismo de Picasso, el expresionismo y otras corrientes artísticas de vanguardia, contribuyeron a aumentar su disposición a quebrar paradígmas e innovar en su arte, sin perder de vista una estética que abordaba la sensualidad tropical.​

Di Cavalcanti fue también un intelectual bien informado respecto a las vanguardias artísticas de su tiempo. En 1921, fue invitado a ilustrar el libro "Balada do Cárcere de Reading", de Oscar Wilde, uno de los más renombrados escritores de esa época.​ En este mismo año se casa con Maria, su prima en segundo grado.​

A su regreso a Brasil, retomó la pintura de temas populares de su país, como favelas, obreros, soldados, marineros y fiestas populares. Son de esa época también sus bellos retratos de mulatas. En esta fase consagró a la modelo y actriz Marina Montini.

En el 1929, regresando al Brasil, ingresa en el Partido Comunista y continua haciendo ilustraciones. Durante la Revolución Constitucionalista de 1932, Di Cavalcanti cae preso por primera vez. Después de ser liberado se casa con Noêmia Mourão, su segunda esposa.​

Di Cavalcanti era un artista con muchas habilidades. Además de cuadros e ilustraciones para revistas, también diseñó joyas, tapices y paneles.

En 1997, año del centenario de su nacimiento, fueron organizadas diversas exposiciones conmemorativas y retrospectivas de su obra, entre las cuales:

As mulheres de Di, por el Centro Cultural Banco do Brasil. Río de Janeiro.

Di, meu Brasil brasileiro, por el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, (MAM).

Di Cavalcanti, 100 años, por el Museu de Arte Brasilera de la Fundación Armando Alvares Penteado de São Paulo. (FAAP).​

1908 - Recibe clases del pintor Gaspar Puga García.

1914 - Publica su primer trabajo como caricaturista en la Revista Fon-Fon.

1916 - Participa del I "Salão dos Humoristas". - Se muda a São Paulo.

1917 - Primera exposición individual en la redadcción de "A Cigarra", en São Paulo.

1919 - Ilustra el livro Carnaval, de Manuel Bandeira.

1921 - Ilustra Balada do Cárcere de Reading, de Oscar Wilde.

1922 - Participa de la Semana de Arte Moderna, haciendo la carátula del catálogo y exponiendo 11 obras.

1923 - Viaja a Europa, fija residencia en París como corresponsal del diario "Correio da Manhã".

1925 - Vuelve al Brasil, residiendo en Río de Janeiro.

1929 - Pinta dos murales para el Teatro João Caetano, en Río de Janeiro.

1935 - Se muda nuevamente a Europa.

1937 - Medalla de oro por la decoración del Pabellón de la Compañía Franco-Brasilera, en la Exposición de Arte Técnica, en París.

1940 - Vuelve al Brasil, residiendo en São Paulo.

1941 - Ilustra el libro "Uma noite na taverna / Macário", de Álvares de Azevedo.

1947 - Expone en la Galería Domus, en Río de Janeiro.

1953 - Gana, con Alfredo Volpi, el premio de mejor pintor nacional en la II Bienal de São Paulo.​

1954 - Retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro

1955 - Publica Viagem de minha vida, libro de memorias.

1956 - Recibe el primer premio en la Muestra de Arte Sacra, en Italia.

1960 - Recibe medalla de oro por su participación con sala especial en la II Bienal Interamericana, en México.

1963 - Homenajeado con sala especial en la VII Bienal de São Paulo.

1964 - Exposición conmemorativa de sus 40 años de artista, en la Galería Relevo, en el estado de Río de Janeiro. - Publica el libro "Reminiscências líricas de um perfeito carioca".

1971 - Retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de São Paulo.

1976 - Muere en su ciudad natal.

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Di Cavalcanti - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, más conocido como Di Cavalcanti ( Río de Janeiro, 6 de septiembre de 1897 - Río de Janeiro, 26 de octubre de 1976) fue un pintor, ilustrador, caricaturista y muralista brasileño. Se estrenó como dibujante en el Salón de los Humoristas, en 1916.

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(9 de noviembre de 1922 - 30 de noviembre de 1991) nació en Salvador, Bahía , Brasil . Artista autodidacta, comenzó a pintar desde niño, realizando figuras y paisajes para belenes navideños . [1]

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Amílcar Augusto Pereira de Castro fue un artista, escultor y diseñador gráfico brasileño. Nacido en Paraisópolis , Minas Gerais, Brasil , Amílcar de Castro era hijo de un juez y el mayor de siete hermanos. [1] Tras mudarse a Belo Horizonte en 1934, se licenció en Derecho por la Universidad Federal de Minas Gerais (UFMG) en 1945. Frecuentó la Escola Guignard de 1944 a 1950, donde estudió diseño con Alberto Guignard y escultura figurativa con Franz Weissman.

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João Batista Vilanova Artigas fue un arquitecto brasileño cuya obra está ligada al movimiento arquitectónico conocido como Escuela paulista. Artigas es uno de los principales nombres de la historia de la arquitectura de São Paulo, debido al conjunto de su obra realizada en este Estado.

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Manuel Carneiro de Sousa Bandeira Filho fue un poeta, crítico literario y traductor brasileño, perteneciente a la llamada "Generación de 1922", o primera generación del Modernismo brasileño. Su poema Os Sapos abrió la Semana de Arte Moderno de São Paulo en 1922.

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Teatro Municipal de São Paulo - Plaza Ramos de Azevedo - República, São Paulo - Estado de São Paulo, Brasil

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¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en Brasil?

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¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en Brasil?

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Las tertulias, galerías, revistas, asociaciones, etc., en el país en la primera mitad del siglo XX, el arte moderno en Brasil se difundió a través de una serie de espacios, entre los que se incluyen:

Exposiciones: como la mencionada La Semana de Arte Moderno de 1922, Otras exposiciones importantes de la época incluyen la Primera Exposición de Arte Moderno en Río de Janeiro (1924) y la Exposición de Arte Moderno de São Paulo (1931).

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Publicaciones: Las publicaciones también fueron un importante medio de difusión del arte moderno en Brasil. La revista Verde, fundada en 1927, fue una de las principales publicaciones que promovió el modernismo brasileño. Otras revistas importantes incluyen Claraboia (1928-1930) y Antropofagia (1928-1929).

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Museo de Arte Moderno de São Paulo - Avenida Pedro Álvares Cabral - Vila Mariana, São Paulo - Estado de São Paulo, Brasil

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Escuelas de arte: Las escuelas de arte también desempeñaron un papel importante en la difusión del arte moderno en Brasil, la Escuela Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro fue un importante centro de difusión del modernismo.

Museos: Los museos también contribuyeron a la difusión del arte moderno en Brasil. El Museo de Arte Moderno de São Paulo, fundado en 1948, fue uno de los primeros museos de arte moderno en el país.

Además de estos espacios formales, el arte moderno también se difundió a través de medios informales, como las tertulias y los encuentros sociales. Estos espacios permitieron a los artistas intercambiar ideas y promover sus obras.

Algunos de los artistas más importantes del modernismo brasileño, como Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti y Candido Portinari, tuvieron un papel importante en la difusión del arte moderno en Brasil. Estos artistas organizaron exposiciones, publicaron libros y artículos, y dieron conferencias. Su trabajo ayudó a crear conciencia sobre el arte moderno y a promover su aceptación en la sociedad brasileña.

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Centro, São Paulo - Estado de São Paulo, Brasil

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¿Hubo un manifiesto de arte en ese país hecho por artistas o literatos?

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¿Hubo un manifiesto de arte en ese país hecho por artistas o literatos?

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Hubo varios manifiestos de arte en Brasil durante el siglo XX, tanto por artistas como por literatos.

El más conocido es el Manifiesto Antropófago, publicado en 1928 por Oswald de Andrade. Este manifiesto propone una nueva forma de entender la cultura, basada en la idea de la antropofagia, o de devorar y digerir la cultura europea para crear una nueva cultura brasileña.

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Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Avenida Infante Dom Henrique - Parque do Flamengo, Río de Janeiro - Estado de Río de Janeiro, Brasil

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Otros manifiestos importantes del modernismo brasileño incluyen:

Manifiesto Pau-Brasil (1924), de Oswald de Andrade.

Manifiesto da Poesia Concreta (1952), de Haroldo de Campos, Augusto de Campos y Décio Pignatari.

Manifiesto Neoconcreto (1959), de Lygia Clark, Hélio Oiticica y Amilcar de Castro.

Estos manifiestos fueron fundamentales para el desarrollo del arte y la literatura brasileños en el siglo XX. Se caracterizan por su espíritu innovador y experimental, y por su búsqueda de una expresión artística auténticamente brasileña.

Además de los manifiestos del modernismo, hubo otros manifiestos de arte en Brasil durante el siglo XX, como el Manifiesto Tropicalista (1968), de Caetano Veloso, Gilberto Gil y otros músicos, y el Manifiesto da Poesia Marginal (1972), de Chacal y outros poetas. Estos manifiestos representan diferentes movimientos artísticos y literarios que se desarrollaron en Brasil durante este período

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Five Girls from Guaratinguetá - Di Cavalcanti

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El modernismo brasileño tuvo un impacto significativo en el desarrollo de la cultura brasileña. Contribuyó a la creación de una identidad artística nacional y a la apertura del país a las nuevas tendencias artísticas internacionales, acontinuación la obra mas representativa

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La obra más representativa de Tarsila do Amaral es Abaporu, un óleo sobre tela de 73,5 x 53 centímetros pintado en 1928. El cuadro representa a un personaje antropomorfo de proporciones exageradas, con un torso enorme y una cabeza pequeña, que se apoya sobre una pata.

Abaporu es una obra clave del movimiento antropofágico, un movimiento artístico y literario brasileño que surgió en la década de 1920. El movimiento se inspiró en la cultura indígena brasileña y en la idea de que la cultura brasileña debía "devorar" las influencias extranjeras para crear algo nuevo y original.

Abaporu es una obra compleja y multifacética que puede interpretarse de muchas maneras. Una interpretación posible es que el personaje representa a un hombre moderno, que es una mezcla de culturas. El torso enorme del personaje puede interpretarse como la fuerza de la cultura indígena, mientras que la cabeza pequeña puede interpretarse como la fragilidad de la cultura europea.

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¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte en Argentina?

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¿Qué elementos modernos se encuentran en el desarrollo del arte en Argentina?

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En el desarrollo del arte vivió en argentina impulsado por el modernismo, podemos detectar primeramente la influencia de elementos propios de la abstracción, el expresionismo, el cubismo, el surrealismo y el arte conceptual, de este mismo modo se observa que gran parte de los artistas fueron movidos por la exploración de nuevas técnicas, la implementación de las nuevas tecnologías y diferentes medios. Por otro lado, se evidencia también la incorporación de elementos urbanos y populares, así como el trabajo inspirado en temáticas sociales y políticas

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¿Cómo se desarrolló la modernidad en Argentina? 

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¿Cómo se desarrolló la modernidad en Argentina? 

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La modernidad en Argentina estuvo muy influenciada por los artistas viajeros en el intercambio de cultura dado por aquellos que se trasladaban entre América y Europa, lo que dio cabida a la difusión de nuevas corrientes artísticas y estilos. De igual manera debido al nuevo papel de critico que tomo el arte permitió que los movimientos políticos y cambios de ideología y pensamientos provocaran una revolución en la sociedad. Otros aspectos que tuvieron un desarrollo impulsado por el modernismo fue el sector productivo, mayor participación en la vida política, el sector de transporte y comunicativo dieron un vuelco adoptando las nuevas tecnologías ocasionando así un gran avance también en el aspecto científico y tecnológicos.

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Calle Esmeralda, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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Artistas argentinos, los primeros modernos

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¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en Argentina?

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¿Qué espacios de difusión del arte de la modernidad se dieron en Argentina?

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Argentina ha contado con diversos espacios de difusión del arte moderno a lo largo de su historia. Estos lugares han sido fundamentales para el desarrollo, promoción y apreciación de las distintas corrientes artísticas que caracterizaron la modernidad. Algunos de los espacios más destacados son:

El Ateneo (1876)

Fundado en 1876 en Buenos Aires, El Ateneo fue un espacio cultural clave para la difusión de diversas formas de arte. Funcionaba como un centro de encuentro para intelectuales, artistas y la sociedad en general. A lo largo de los años, El Ateneo ha albergado exposiciones de pintura, escultura, y ha sido un lugar donde se discuten ideas y movimientos artísticos emergentes.

Las reuniones iniciales de El Ateneo se realizaron en el local del Consejo Nacional de Educación situado en la calle Esmeralda de Buenos Aires, hasta que se produjo la apertura del local en la moderna Avenida de Mayo, esquina Piedras, el 25 de abril de 1893

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Museo Nacional de Bellas Artes, Avenida del Libertador, Buenos Aires, Argentina

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El Salón Nacional es uno de los eventos artísticos más antiguos de Argentina. Iniciado en 1896, ha sido un espacio crucial para la difusión, además de la exhibición de obras de artistas locales. A lo largo del tiempo, el Salón Nacional ha reflejado la evolución de las corrientes artísticas, desde las influencias europeas hasta el desarrollo de movimientos propios.

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La Boca y el Movimiento de La Vanguardia 

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La Boca y el Movimiento de La Vanguardia 

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En el barrio de La Boca en Buenos Aires, especialmente en la calle Caminito, se gestó un movimiento artístico vanguardista en la década de 1920. Artistas como Benito Quinquela Martín y Fortunato Lacámera contribuyeron a la creación de un espacio creativo único, donde las fachadas coloridas y la expresión artística callejera se fusionaban, convirtiéndose en un punto focal para el arte contemporáneo.

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Manzana de las Luces, Perú, Buenos Aires, Argentina

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(Buenos Aires, 1 de marzo de 1890-ibídem, 28 de enero de 1977), cuyo nombre de nacimiento fue Benito Juan Martín, fue un pintor argentino proveniente del barrio porteño de La Boca. Hijo de progenitores desconocidos que lo abandonaron en la Casa de Niños Expósitos, siete años después fue adoptado por la familia Chinchella, dueños de una carbonería.¹​

Quinquela Martín es considerado el pintor de puertos y es uno de los pintores más populares del país.²​ Sus pinturas portuarias muestran la actividad, vigor y rudeza de la vida diaria en la portuaria La Boca. Le tocó trabajar de niño cargando bolsas de carbón y dichas experiencias influenciaron la visión artística de sus obras

https://www.youtube.com/watch?v=SvvPCSI1JGY&pp=ygUYQmVuaXRvIFF1aW5xdWVsYSBNYXJ0w61u

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Fortunato Lacámera (5 de octubre de 1887, Buenos Aires, Argentina - 26 de febrero de 1951, Buenos Aires, Argentina). Pintor argentino que nació y murió en el barrio porteño de La Boca, barrio que convierte en tema preferido de sus pinturas.​
Recibió influencia de Alfredo Lazzari quien fue su maestro, y forma parte del grupo de pintores de La Boca.​

En 1929 recibe el premio Sociedad Estímulo de Bellas Artes, en 1936 el premio Acuarelista por la dirección nacional de Bellas Artes y en 1938 el Premio Estímulo en el Salón Nacional, entre otros.​

En 1940 Lacámera fundó la Agrupación de Gente de Artes y Letras Impulso, en la que reunió a los protagonistas de la vida cultural de su barrio. A esta institución el artista dedicó sus mayores esfuerzos, presidiéndola hasta el día de su muerte. Fue distinguido con el Premio Estímulo de Bellas Artes en el XVIII Salón Nacional en 1940. Sus obras integran el patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes; el Museo de Bellas Artes de La Boca “Benito Quinquela Martín”; el Museo Municipal de Artes Plásticas "Eduardo Sívori" y los museos municipales de Tandil, Junín, Mar del Plata, Bahía Blanca y Rosario, además del Museo “Pedro de Mendoza” en Santa Fe y el Liceo Militar "Gral. San Martín", provincia de Buenos Aires.​

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MAMBA Buenos Aires, Soler, C1425BXN, Buenos Aires, Argentina

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Centro de Estudios de Arte Actual y Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA)

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Centro de Estudios de Arte Actual y Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA)

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Establecido en 1956, el MAMBA ha desempeñado un papel crucial en la difusión del arte moderno y contemporáneo en Argentina. Este espacio ha albergado exposiciones de artistas nacionales e internacionales, así como actividades educativas y eventos que promueven la apreciación del arte vanguardista.

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Juan Ramírez de Velasco 1287, Villa Crespo, CABA, Argentina

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A lo largo de Buenos Aires y otras ciudades argentinas, numerosas galerías de arte contemporáneo han surgido como espacios clave para la difusión del arte moderno. Galerías como Ruth Benzacar, Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo y Vasari, entre otras, han desempeñado un papel fundamental al exhibir y promover artistas contemporáneos.

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¿Hubo un manifiesto de arte en ese país hecho por artistas o literatos?

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¿Hubo un manifiesto de arte en ese país hecho por artistas o literatos?

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En Argentina, hubo varios manifiestos de arte que jugaron un papel crucial en la conformación y evolución de movimientos artísticos en el país, los 3 más destacados durante la historia nacional son:

Manifiesto del Grupo de Artistas Modernos (1926)

En la década de 1920, Argentina experimentó un cambio cultural y social significativo. El Grupo de Artistas Modernos, compuesto por pintores y escritores como Emilio Pettoruti, Xul Solar, y Norah Borges, emitieron su manifiesto en 1926. Este grupo abrazó las corrientes de vanguardia, como el Cubismo y el Futurismo, rechazando las tradiciones académicas. El manifiesto abogaba por la liberación del arte argentino de las influencias europeas y proponía una nueva expresión basada en la realidad local. Instaba a los artistas a explorar las formas con colores de manera más audaz y libre, rompiendo con las convenciones tradicionales así estableciendo las bases para el desarrollo del arte moderno en Argentina

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La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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Emilio Pettoruti nació en la ciudad de La Plata, Argentina, el 1 de octubre de 1892. Hijo de inmigrantes italianos en el seno de una familia de doce hermanos, fue el mayor. Desde pequeño es alentado por su abuelo en el dibujo y la pintura. Estudió Bellas Artes en su ciudad natal, con maestros como Atilio Boveri y Emilio Coutaret, con quien aprende la perspectiva, y comienza una carrera como caricaturista. En el año 1911 participó en una exposición de caricaturas, gracias a una que representaba a Rodolfo Sarrat. Dos años después, una beca del gobierno de la provincia de Buenos Aires le permitió viajar a Europa.​

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San Fernando, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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San Fernando, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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San Fernando, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, más conocido como Xul Solar (San Fernando, 14 de diciembre de 1887 - Tigre, 9 de abril de 1963) fue un pintor, escultor, escritor, músico, astrólogo, esoterista, inventor y lingüista argentino.

En 1905 comienza la carrera de arquitectura, que dos años después abandonaría.

En el ámbito familiar existía un gran interés por la música, su padre tocaba la cítara y su abuelo había sido pianista. Xul Solar aprendió a tocar estos dos instrumentos y gustaba de las composiciones de Bach y de Wagner. Sentía inclinación por la música y las artes plásticas, más adelante se interesaría por los idiomas, las religiones y la astrología; entre otras disciplinas.​

Hacia 1911 concurre frecuentemente a espectáculos musicales; alienta, a su amigo Juan de Dios Filiberto a compenetrarse con el ámbito de la música sinfónica. Filiberto rememora años después, la noche en que Xul lo lleva a escuchar la Novena Sinfonía de Beethoven al Teatro Colón. También, entabla amistad con el maestro italiano Vicente Scaramuzza, profesor de piano en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires, dirigido por Alberto Williams.​

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Nacida el 4 de marzo de 1901, como Leonor Fanny Borges Acevedo, en el barrio porteño de Palermo, es su hermano Jorge Luis quien la rebautiza como Norah. Estudió en Suiza a causa del tratamiento que su padre realizaba allí contra la ceguera, aquella misma enfermedad que heredaría el escritor. Luego se instaló en España, donde tuvo la posibilidad de frecuentar los círculos intelectuales de la vanguardia ultraísta de los años 20, cuyo objetivo era la renovación de los postulados literarios; algunos de sus elementos: el uso exagerado de metáforas, tecnicismos, neologismos, odas a los nuevos inventos de la época, una distinta disposición de las palabras para que los poemas, por ejemplo, formaran a su vez figuras abstractas.

Sin embargo, Norah Borges dejó el campo literario para su hermano -tal vez, evitando celos y competencias- y abrazó por completo las artes plásticas. La familia estuvo doce años en Europa (en Ginebra, Madrid, Sevilla y Mallorca) y Norah aprovechó para formarse en las distintas artes , sobre todo, en pintura y dibujo. En Buenos Aires, inspirada por aquellas tertulias ultraístas, se alejó de lo cotidiano para crear algo más que lo esperado.

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Portinari, Del Viso, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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Manifiesto de la Asociación Arte Concreto-Invención (1946)

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Manifiesto de la Asociación Arte Concreto-Invención (1946)

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Después de la Segunda Guerra Mundial, Argentina vivió una etapa de transformación política y social. En este contexto, surge la Asociación Arte Concreto-Invención en 1946, integrada por artistas como Tomás Maldonado, Lidy Prati, y Rhod Rothfuss. El manifiesto defendía el arte concreto, centrado en la abstracción geométrica y la simplificación formal. Los artistas buscaban una expresión artística libre de lo figurativo o lo subjetivo, buscando una objetividad basada en la geometría, así como la precisión matemática. Este movimiento sentó las bases para el arte concreto en Argentina, tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte abstracto en América Latina.

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Alberti, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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El Manifiesto Perceptista fue formulado en 1946 por el artista argentino Gyula Kosice y el poeta Edgar Bayley, ambos vinculados al movimiento surrealista. Este manifiesto marcó el inicio del arte cinético en Argentina. El movimiento Perceptista abogaba por la creación de obras de arte que involucraran al espectador de manera activa, desafiando la pasividad tradicional del observador. Proponía la integración de elementos móviles, así como la participación del público para completar la experiencia artística. Este enfoque sentó las bases para el desarrollo del arte cinético en Argentina, que se consolidó en las décadas siguientes.

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Museo Sívori, Avenida Infanta Isabel, Buenos Aires, Argentina

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Algunas obras destacadas del arte Argentino

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Algunas obras destacadas del arte Argentino

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Rosario-SantaFe, Rosario, Santa Fe, Argentina

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Museo Nacional de Bellas Artes, Avenida del Libertador, Buenos Aires, CABA, Argentina

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El arte latinoamericano durante el siglo XX reflejó una búsqueda de identidad propia, con un enfoque en temas sociales, la revalorización de lo autóctono y la representación del entorno. Esta reivindicación de la identidad latinoamericana en el arte y la cultura fue fundamental para proyectarse internacionalmente y valorar la diversidad cultural de la región.

Entonces, nos quedan algunas incógnitas tales como, ¿Cuál fue el papel de las instituciones culturales y educativas en la promoción y preservación del arte latinoamericano durante este período? Y ¿Cómo se relacionaron los movimientos artísticos latinoamericanos con los cambios políticos y sociales en la región durante el siglo XX?