# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Maestro de capilla

Antonio Vivaldi ( Venecia, 4 de marzo de 1678- Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor, violinista, impresario, profesor y sacerdote católico veneciano del Barroco. Era apodado Il prete rosso ("El cura rojo") por ser sacerdote y pelirrojo. Se le considera uno de los más grandes compositores barrocos, su influencia durante su vida se extendió por toda Europa y fue fundamental en el desarrollo de la música instrumental de Johann Sebastian Bach. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época. Compuso unas setecientas setenta obras, entre las cuales se cuentan más de cuatrocientos conciertos, para flauta, violín, y una variedad de otros instrumentos musicales, y cerca de cuarenta y seis óperas. Es especialmente popular como autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones.

Muchas de sus composiciones las escribió para el conjunto musical femenino del Ospedale della Pietà, un hogar para niños abandonados. Vivaldi había trabajado allí como sacerdote católico durante dieciocho meses y estuvo empleado de 1703 a 1715 y de 1723 a 1740. También tuvo cierto éxito con costosas representaciones de sus óperas en Venecia, Mantua y Viena. Después de conocer al emperador Carlos VI del Sacro Imperio Romano Germánico, se trasladó a Viena y esperaba el apoyo real. Sin embargo, el emperador murió poco después de su llegada y el propio compositor murió en la pobreza menos de un año después.

Después de casi dos siglos de decadencia, su música experimentó un renacimiento a principios del siglo XX, con mucha investigación académica dedicada a su obra. Muchas de las composiciones de Vivaldi, que alguna vez se creyeron perdidas, han sido redescubiertas, en un caso tan reciente como 2006. Su música sigue siendo muy popular y se interpreta regularmente en todo el mundo.

Antecedentes familiares

Sobre los orígenes de su familia se sabe muy poco: su abuelo, Agostino, era un panadero de Brescia, casado con Margherita, con quien tuvo varios hijos.​ Uno de ellos fue Giovanni Battista, familiarmente llamado Gianbattista, que nació en 1656 y fue el padre del compositor. Margherita, tras morir su esposo, fue a Venecia con sus hijos. Gianbattista fue peluquero antes de empezar a destacar como violinista y dedicarse a ello profesionalmente. En junio de 1676, a los veinte años de edad, contrajo matrimonio con Camilla Calicchio.​ El músico Gianbattista Vivaldi, apodado Rosso ("Rojo") y registrado en algunos documentos como Giovanni Battista Rossi, fue miembro fundador del Sovvegno de' musicisti di Santa Cecilia, una organización profesional de músicos venecianos; asimismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del Teatro San Giovanni Grisostomo.​ Existe una ópera titulada La Fedeltà sfortunata de 1689 compuesta por un Giovanni Battista Rossi -el nombre con el que el padre de Vivaldi se había unido a la Sovvegno di Santa Cecilia.​

Primeros años

Iglesia de San Giovanni Battista in Bragora (Castello), donde bautizaron a Antonio Vivaldi.

Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia,​ entonces capital de la República de Venecia.​ La comadrona lo bautizó en su domicilio inmediatamente después de su nacimiento, lo que dio lugar a la creencia de que pensaban que su vida estaba en peligro de alguna manera. Aunque no se conoce con certeza, el bautismo inmediato del niño fue probablemente debido o bien a su mal estado de salud o a un terremoto que sacudió la ciudad ese día. En el trauma del seísmo, la madre de Vivaldi pudo haberle destinado al sacerdocio.​ El bautismo oficial en la iglesia tuvo lugar dos meses después.​ Antonio tuvo nueve hermanos, tres de los cuales murieron a edad temprana. Estos fueron: Gabriela Antonia (1676-1678), Margarita Gabriella (1680-1750), Cecilia Maria (1683-1767), Bonaventura Tomaso (1685-posterior a 1718), Zanetta Anna (1687-1762), Francesco Gaetano (1690-1752), Iseppo Santo (1692-1696), Gerolama Michela (1694-1696) e Iseppo Caetano (1697-posterior a 1729).​​

Giovanni Battista enseñó a Antonio a tocar el violín y luego recorrió Venecia tocando dicho instrumento con su hijo. Probablemente aprendió a tocar el instrumento a una edad temprana, dado el amplio conocimiento musical que había adquirido a la edad de veinticuatro años, cuando comenzó a trabajar en el Ospedale della Pietà.​ Es probable que Antonio también fuera discípulo de Giovanni Legrenzi, presidente del Sovvegno y uno de los primeros compositores del Barroco y maestro de capilla en la basílica de San Marcos. Es posible que Legrenzi le diera al joven Antonio sus primeras lecciones de composición. El académico Walter Kolneder aprecia la influencia del estilo de Legrenzi en una de las primeras obras litúrgicas de Vivaldi, Laetatus sum ( RV Anh. 31), escrita en 1691 a la edad de trece años.​

Juventud y ordenación como sacerdote

En 1693, a la edad de quince años, empezó a estudiar para ser sacerdote.​ El 18 de septiembre de ese año, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes menores: ostiario el 19 de septiembre de 1693, lector el 21 de septiembre de 1694, exorcista el 25 de diciembre de 1695 y acólito el 21 de septiembre de 1696. El 4 de abril de 1699 fue ordenado subdiácono, luego diácono -el 18 de septiembre de 1700-, y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703, a los veinticinco años.​

Más inclinado hacia la música que a las obligaciones religiosas, logró que lo dispensaran de decir misa por razones de salud en 1704. Sus síntomas, strettezza di petto ("opresión en el pecho"), se han interpretado como una forma de asma​ y según investigaciones médicas del francés Roger-Claude Travers, parecen haberse tratado de angor pectoris ( angina de pecho).​ Esto no le impidió componer o participar en actividades musicales,​ a pesar de que hizo que dejara de tocar instrumentos de viento. Tras su ordenación como sacerdote, le apodaron Il Prete Rosso ("El cura rojo").​ Vivaldi celebró misa como sacerdote sólo unas pocas veces y parecía que se había retirado de las obligaciones sacerdotales, aunque él seguía siendo miembro del sacerdocio. Se cree que esto también se debe a su hábito de componer mientras daba misa. Parece que permaneció comprometido con el Catolicismo, ya que la entrada en los registros de defunción de Viena dice: "Antonio Vivaldi, sacerdote secular".​ Se cree que siguió siendo un católico devoto, de hecho, en 1792, el compositor protestante Ernst Ludwig Gerber escribió sobre el anciano Vivaldi que "el rosario nunca dejaba su mano salvo cuando tomaba la pluma para escribir una ópera".​

Conservatorio del Ospedale della Pietà

En septiembre de 1703 Vivaldi se convirtió en maestro di violino (maestro de violín) en un orfanato llamado el Ospedale della Pietà en Venecia.​ Aunque es más famoso como compositor, también fue considerado como un violinista con una excepcional técnica. El arquitecto alemán Johann Friedrich Armand von Uffenbach se refiere a él como "el famoso compositor y violinista" y dijo que "Vivaldi interpretó un acompañamiento en solitario de manera excelente y en la conclusión añadió una fantasía libre [una cadencia improvisada], que absolutamente me sorprendió, porque es casi imposible que alguien haya tocado alguna vez, o incluso tocará, de tal manera".​

Vivaldi tenía sólo veinticinco años cuando comenzó a trabajar en el Ospedale della Pietà. Durante los siguientes treinta años compuso la mayor parte de sus obras más importantes mientras trabajaba allí.​ Había cuatro instituciones similares en Venecia, cuyo propósito era dar refugio y educación a niños abandonados o huérfanos, o cuyas familias no podían sustentarlos. Estaban financiadas con fondos proporcionados por la República.​ Los niños aprendían un oficio y tenían que abandonar la institución cuando llegaban a los quince años. Las niñas recibían una educación musical y las de más talento se quedaban y se convertían en miembros de la reconocida orquesta y coro del Ospedale.

Poco después del nombramiento de Vivaldi, los huérfanos comenzaron a ganar reconocimiento y consideración en el extranjero también. Escribió conciertos, cantatas y música sacra vocal para ellos.​ Estas obras sacras, que suman más de sesenta, son variadas, ya que incluyen motetes solistas y obras corales a gran escala para solistas, coro doble y orquesta.​ En 1704 se añadió el cargo de maestro de viola all'inglese a sus funciones como profesor de violín.​ La posición de maestro di coro, que ostentó durante un tiempo, requería mucho tiempo y trabajo. Tenía que componer un oratorio o concierto en cada fiesta y enseñar a los huérfanos tanto teoría de la música como a tocar ciertos instrumentos.​

Portada de L'estro armonico, que supuso su verdadero avance como compositor.

En 1705 Giuseppe Sala publicó la primera colección (Connor Cassara) de sus obras:​ su Op. 1 es una colección de doce sonatas para dos violines y bajo continuo, en un estilo convencional.​ En 1709 apareció su op. 2, una segunda colección de doce sonatas para violín y bajo continuo.​ El verdadero avance como compositor llegó con su primera colección de doce conciertos para uno, dos y cuatro violines con instrumentos de cuerda, L'estro armonico op. 3, que Estienne Roger publicó en Ámsterdam en 1711,​ dedicada a Fernando de Médici. El príncipe patrocinaba a muchos músicos como Alessandro Scarlatti y Georg Friedrich Händel. A su vez era músico y Vivaldi, probablemente, lo conoció en Venecia.​ L'estro armonico fue un éxito rotundo en toda Europa. En febrero de ese año, Vivaldi y su padre viajaron a Brescia, donde se interpretó su Stabat Mater (RV 621) como parte de un festival religioso. La obra parece haber sido escrita apresuradamente: las partes de cuerda son simples, la música de los tres primeros movimientos se repite en los tres siguientes, y no todo el texto está listo.​ Sin embargo, quizás en parte debido a la esencialidad forzada de la música, la obra se considera una de sus primeras obras maestras.​

Su relación con el consejo de administración del Ospedale a menudo era tensa. La junta tenía que votar todos los años sobre la conveniencia de mantener a los maestros. La votación sobre Vivaldi era rara vez unánime y en 1709 resultó siete a seis en su contra.​ Después de ejercer un año como músico independiente, en 1711, lo llamaron de nuevo desde el Ospedale, con un voto unánime; claramente durante su ausencia de un año la junta se dio cuenta de la importancia de su papel.​ En 1714 publicó La stravaganza op. 4, una colección de conciertos para violín y cuerdas,​ dedicado a su antiguo estudiante de violín, el noble veneciano Vettor Delfin.​ En 1716 lo ascendieron a maestro di concerti (director musical),​ lo que le convirtió en responsable de toda la actividad musical de la institución.​

A pesar de sus frecuentes viajes a partir de 1718, el Ospedalle le pagó 2 cequíes por escribir dos conciertos al mes para la orquesta y por ensayar con ellos por lo menos cinco veces cuando estaba en Venecia. Los registros del Ospedalle muestran que le pagaron ciento cuarenta conciertos entre 1723 y 1733.

Impresario de ópera

Cartel del estreno de Juditha Triumphans

A comienzos del siglo XVIII, la ópera era el entretenimiento musical más popular en Venecia y demostró ser el más rentable para Vivaldi. Hubo varios teatros que compiten por la atención del público. Comenzó su carrera como compositor de ópera como una actividad secundaria: su primera ópera, Ottone in villa (RV 729) no se representó en Venecia, sino que lo hizo en el Teatro Garzerie en Vicenza en 1713.​ Al año siguiente, se convirtió en impresario del Teatro San Angelo en Venecia, donde se realizó su ópera Orlando finto pazzo (RV 727). La obra no fue del gusto del público, por lo que se clausuró después de un par de semanas y se reemplazó con una repetición de una obra diferente ya representada el año anterior.​

En 1715 presentó Nerone fatto Cesare (RV 724, ahora perdida), con música de diferentes compositores dirigidos por él. La ópera contenía once arias y fue un éxito. En la última temporada, planeó representar Arsilda, regina di Ponto (RV 700), una ópera compuesta completamente por él, pero el censor de la ciudad bloqueó la representación. El personaje principal, Arsilda, se enamoraba de otra mujer, Lisea, que se hace pasar por un hombre.​ Al año siguiente, Vivaldi consiguió que el censor aceptara la representación de la ópera y fue un rotundo éxito.

En este periodo, el Ospedalle le encargó varias obras litúrgicas. Las más importantes fueron dos oratorios. Moyses Deus Pharaonis, (RV 643) se perdió. El segundo, Juditha Triumphans (RV 644), celebraba la victoria de la República de Venecia contra el Imperio otomano y la captura de la isla de Corfú. Compuesta en 1716, es una de sus obras sacras más destacadas. Las once partes cantadas fueron interpretadas por chicas del Ospedalle, tanto los papeles masculinos como los femeninos. Muchas de las arias incluyen partes de instrumentos solistas - flautas dulces, oboes, violas de amor y mandolinas- que muestran el talento que tenían las chicas.​ También en 1716, Vivaldi escribió y produjo dos óperas más, L'incoronazione di Dario (RV 719) y La costanza trionfante degl'amori e degl'odii (RV 706). La última fue tan popular que se representó dos años después, reeditada y con nuevo título, Artabano re dei Parti (RV 701, ahora perdida).​ También se escenificó en el Teatro San Angelo en 1731​ y un año después en Praga, con el nombre de Doriclea (RV 708).​​ En los años siguientes, escribió varias óperas que fueron representadas por toda Italia.​

Mantua y Las cuatro estaciones

Antonio Vivaldi (grabado de François Morellon de La Cave, de la edición de Michel-Charles Le Cène de Il cimento dell'armonia e dell'inventione op. 8).

En 1717 y 1718 le ofrecieron un nuevo prestigioso puesto como maestro de capilla en la corte de Felipe de Hesse-Darmstadt, gobernador de Mantua.​ Se trasladó allí durante tres años y produjo varias óperas, entre ellas Tito Manlio (RV 738). Durante su estancia en la ciudad, Vivaldi conoció a una joven aspirante a cantante, Anna Tessieri Girò, que se convirtió en su discípula y prima donna favorita.​ Anna, junto con su hermanastra mayor Paolina, pasaron a formar parte de la comitiva de Vivaldi y lo acompañaron regularmente en sus muchos viajes. Hubo especulaciones sobre la naturaleza de la relación entre Vivaldi y Girò, pero no hay ninguna evidencia que indique que hubiera algo más allá de la amistad y la colaboración profesional. Aunque Vivaldi fue cuestionado por su relación con Anna Girò, negó rotundamente cualquier relación romántica en una carta a su patrón Bentivoglio, fechada el 16 de noviembre de 1737.​

Durante este periodo escribió Las cuatro estaciones, cuatro conciertos para violín que representan escenas apropiadas para cada estación del año. Tres de los conciertos fueron originales en su concepción, mientras que el primero, "Primavera", tomó prestados motivos de una sinfonía del primer acto de su ópera contemporánea Il Giustino. La inspiración para los conciertos probablemente le vino de los campos de Mantua. La obra fue una revolución musical en su concepción: en estos conciertos representó arroyos fluyendo, pájaros cantando (de diferentes especies, cada uno caracterizado específicamente), perros ladrando, mosquitos zumbando, pastores llorando, tormentas, bailarines borrachos, noches silenciosas, partidas de caza tanto desde el punto de vista de los cazadores como de las presas, paisajes helados, niños patinando sobre hielo y cálidos hogueras inviernales. Cada concierto está asociado a un soneto, posiblemente del propio compositor, que describe las escenas representadas en la música. Fueron publicados como los primeros cuatro conciertos en una colección de doce, Il cimento dell'armonia e dell'inventione, op. 8, publicada en Ámsterdam por Michel-Charles Le Cène en 1725.​

En 1721 fue a Milán, donde presentó el drama pastoral (RV 734, sobreviven nueve arias).​ Visitó de nuevo la ciudad el año siguiente con el oratorio L'adorazione delli tre re magi al bambino Gesù (RV 645, ahora perdido).​ En 1722 se mudó a Roma, donde le dio un nuevo estilo a sus óperas. El nuevo papa Benedicto XIII lo invitó a que tocara para él.​ En 1725 volvió a Venecia, donde produjo cuatro óperas en el mismo año.​

Últimos años

En la cúspide de su carrera recibió encargos de la nobleza y realeza europea. La serenata ( cantata) Gloria e Imeneo (RV 687), de 1725, fue un encargo del embajador francés en Venecia para la celebración del matrimonio de Luis XV.​ Al año siguiente, escribió otra serenata, La Sena festeggiante (RV 694), que fue estrenada en la embajada de Francia para celebrar el nacimiento de las princesas francesas, Enriqueta y Luisa Isabel.​ op. 9 estaba dedicada al emperador Carlos VI.​ En 1728, Vivaldi conoció al emperador mientras que este estaba de visita en Trieste para revisar la construcción de un nuevo puerto. Carlos admiraba la música del compositor tanto que dijo que había hablado más con el compositor durante su encuentro que lo que había hablado con su ministros en los últimos dos años. Le otorgó el título de caballero, una medalla de oro y una invitación a Viena. El compositor le correspondió con un manuscrito de La Cetra, un conjunto de conciertos casi por completo diferentes del conjunto con el mismo título y publicados como op. 9. La impresión probablemente se retrasó, lo que obligó a Vivaldi a preparar una improvisada versión para el emperador.​

Vivaldi viajó a Viena y Praga en 1730 acompañado por su padre, donde presentó su ópera (RV 711),​ que tuvo seis reposiciones.​ Algunas de sus óperas posteriores las creó en colaboración con dos de los principales escritores italianos de la época. L'olimpiade y Catón en Útica las escribió Pietro Metastasio, el principal representante del movimiento arcadiano y poeta de la corte en Viena. Un joven Carlo Goldoni reescribió a partir de un libreto previo de Apostolo Zeno.​

Como muchos compositores contemporáneos, en los últimos años de su vida pasó dificultades económicas. Sus composiciones ya no tenían tanta estima como antes en Venecia, ya que habían cambiado rápidamente los gustos musicales y eran consideradas pasadas de moda. En respuesta, este optó por vender un número considerable de sus manuscritos a precios ínfimos para financiar su traslado a Viena.​ La razón de su marcha de la ciudad no está clara, pero parece probable que, después del éxito de su encuentro con el emperador Carlos VI, deseara conseguir el puesto como compositor en la corte imperial. En su viaje a Viena, pudo haberse detenido en Graz para visitar a Anna Girò.​

También es probable que Vivaldi fuera a Viena para presentar óperas, especialmente porque residió cerca del Kärntnertortheater. Poco después de su llegada a la ciudad, Carlos VI falleció, lo que le hizo perder cualquier protección imperial o una fuente estable de ingresos. Al poco tiempo, empobreció​​ y murió de una "infección interna" durante la noche del 27 al 28 de julio de 1741, a la edad de 63 años,​ en una casa propiedad de una viuda de un fabricante de sillas de montar vienés. El 28 de julio fue enterrado en una tumba sencilla del cementerio que era propiedad de un hospital público, cerca de la iglesia de San Carlos Borromeo. Su funeral tuvo lugar en la catedral de San Esteban.​ El coste del funeral con un "Kleingeläut"​ fue de 19 Gulden 45 Kreuzer, que era bastante caro para el más bajo tipo de repique de campanas.​

Estilo e influencia

Portada del panfleto Il teatro alla moda, en el que Benedetto Marcello criticaba, sin mencionarlo, el carácter progresista de las óperas de Vivaldi.

La música de Vivaldi fue innovadora.​ Desarrolló la estructura formal y rítmica del concierto, en los que buscó contrastes armónicos y melodías y temas innovadores.​ Muchas de sus composiciones son llamativas y llenas de vitalidad.​ Era conocido por la rapidez con la que componía sus obras, algo de lo que el propio compositor se enorgullecía y se jactaba de que podía componer un concierto más rápido que un copista en reproducirlo.​ En ocasiones, esa "furia compositiva" (como la definió en 1739 Charles de Brosses) iba en detrimento de la calidad de sus composiciones.​

Johann Sebastian Bach, contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación. Sus conciertos y las arias lo influyeron profundamente (como en sus Pasión según San Juan, Pasión según San Mateo y cantatas) y transcribió seis de sus conciertos para teclado solista, tres para órgano y uno para cuatro clavecines, cuerdas y bajo continuo ( BWV 1065) basados en el Concierto para cuatro violines, dos violas, violonchelo y bajo continuo (RV 580).​​

Sus sonatas instrumentales son más conservadoras que sus conciertos​ y su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos.​ De algunos de sus conciertos para violín y sonatas sólo existen las transcripciones (en su mayor parte para clavecín) de Bach.​

Su estilo operístico vanguardista le causó algunos problemas con músicos más conservadores, como Benedetto Marcello, un magistrado y músico aficionado que escribió un panfleto denunciándolo a él y a sus óperas. El panfleto, Il teatro alla moda, ataca a Vivaldi sin mencionarlo directamente. El dibujo de portada muestra un barco (el Sant'Angelo), en cuyo extremo izquierdo se encuentre un pequeño ángel vestido con un sombrero de sacerdote y tocando el violín. La familia Marcello reclamaba la propiedad del Teatro San Angelo y libraron una larga batalla legal con la administración para su restitución, sin éxito. La extraña escritura bajo el dibujo menciona a un lugar y nombres inexistentes: ALDIVIVA, que es un anagrama de A. Vivaldi.​​

Composiciones

Su producción musical fue muy abundante, compuso ochocientas sesenta y cinco obras, ya que escribió 46 óperas, 70 sonatas, 195 composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554 composiciones instrumentales, en su mayoría conciertos, género que cimentó y era el más importante de su época.​ Los más conocidos son los doce que componen Il cimento dell'armonia e dell'inventione (1725). Los primeros cuatro conciertos incluyen las célebres Las cuatro estaciones. Se ha sido descrito esta obra como un ejemplo sobresaliente de la música programática predecimonónica.​ Tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del concierto soli,​ establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el concierto soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.​

Alrededor de trescientos cincuenta de sus conciertos están escritos para instrumento solista y cuerdas, de los cuales doscientos treinta son para violín, siendo los otros para instrumentos como fagot, violonchelo, oboe, flauta, viola de amor, flauta dulce, laúd o mandolina. Cerca de cuarenta conciertos son para dos instrumentos y cuerdas y una treintena son para tres o más instrumentos y cuerdas.

También compuso cerca de cuarenta y seis óperas y gran cantidad de música coral sacra, como el Magnificat. Su música religiosa incluye composiciones como el oratorio Juditha Triumphans (1716), el en re (1708). En una carta escrita por Vivaldi a su mecenas el marqués Bentivoglio en 1737, hace referencia a sus "94 óperas". Sólo se han descubierto cincuenta óperas suyas y no existe otra documentación del resto de ellas. Aunque pudiera haber exagerado, en su doble papel como compositor e impresario, es posible que pudiera haberlas escrito o haber sido responsable de la producción de hasta noventa y cuatro óperas durante su carrera, que por aquel entonces casi llegaba a veinticinco años.​ Ciertamente Vivaldi compuso muchas óperas, pero no llegó a la prominencia de otros grandes compositores como Alessandro Scarlatti, Johann Adolph Hasse, Leonardo Leo y Baldassare Galuppi, como evidencia su falta de habilidad para mantener una producción en escena durante un tiempo prolongado en cualquier teatro de ópera importante. Sus óperas más destacadas en este género fueron La costanza trionfante degl'amori e degl'odii y , que tuvieron seis reposiciones cada una.​

El catálogo musical que agrupa todas sus obras se llama Ryom-Verzeichnis (RV) o catálogo Ryom, elaborado por Peter Ryom, aunque existen otros catálogos de Antonio Fanna, Marc Pincherle y Edizioni G. Ricordi.

Durante su vida fue muy popular en varios países como Francia e Inglaterra, pero después durante el Clasicismo y el Romanticismo su obra fue ignorada. En el siglo XX, el violinista Fritz Kreisler en su Concierto para violín en do mayor revivió el interés en Vivaldi. En esta época se redescubrieron muchos manuscritos en colecciones privadas que fueron, en parte, adquiridos por la Biblioteca Universitaria de Turín con ayuda económica de los empresarios Roberto Foa y Filippo Giordano.​​

En la cultura popular

Antonio Vivaldi es uno de los compositores más conocidos de la música barroca. Su vida se ha llevado al cine en varias ocasiones. En el 1989 se estrenó Rosso veneziano, un thriller que trata sobre una serie de crímenes ocurridos en la Venecia del siglo XVIII que Vivaldi, junto a sus amigos Carlo Goldoni y Giovanni Battista Tiepolo, intenta resolver. En el 2006 se estrenó la película biográfica franco-italiana Antonio Vivaldi, un prince à Venise, dirigida por Jean-Louis Guillermou y protagonizada por Stefano Dionisi.​ En el 2009 se estrenó la película biográfica anglo-italiana Vivaldi, the Red Priest, dirigida por Liana Marabini y protagonizada por Steven Cree.​ Existen otros proyectos, como de Boris Damast y protagonizado por Joseph Fiennes o la película homónima de Patricia Riggen, protagonizada por Ben Kingsley, Jessica Biel y Luke Evans.​ Además, se ha utilizado su música en más de trescientas sesenta películas y programas de televisión.​

En 2005 la cadena australiana ABC Radio National encargó un radioteatro sobre la vida del compositor, escrito por Sean Riley y titulado The Angel and the Red Priest. La obra fue posteriormente adaptada para el teatro e interpretada en el Adelaide Festival of the Arts.​ Janice Jordan Shefelman escribió un libro para niños detallando la vida del compositor que se titula Vivaldi.​

El asteroide (4330) Vivaldi, descubierto por Freimut Börngen el 19 de octubre de 1982,​ y el glaciar Vivaldi, al norte de la isla Alejandro I en la Antártida, reciben su nombre en su honor.​

Véase también

1. Rosso en italiano significa "rojo" y haría referencia al color de su pelo, un rasgo de la familia.Pincherle, 1957, p. 16

2. Las conexiones de Vivaldi con la vida musical de Praga y su asociación con Freeman, Daniel E. (1992). Antonio Denzio, el impresario del teatro Sporck se detallan en The Opera Theater of Count Franz Anton von Sporck in Prague. Stuyvesant, Nueva York: Pendragon Press.

3. Landon proporciona esta afirmación y además cita el anuncio de la muerte de Vivaldi que llegó a Venecia en el Commemorali Gradenigo: "Abbe Lord Antonio Vivaldi, incomparable virtuoso del violín, conocido como el Cura rojo, muy estimado por sus composiciones y conciertos, que ganó más de 50 000 ducados en su vida, pero su derroche sin freno lo llevó a morir en la pobreza en Viena".​

4. El musicólogo Michael Lorenz desmiente la creencia de que el joven Joseph Haydn cantara en el sepelio, porque no se interpretó música para la ocasión.​

Referencias

Bibliografía

Barbier, Patrick (2002). La Venecia de Vivaldi. Traducción de Jordi Terré (2005). Barcelona: Ediciones Paidós. .

Brizi, Bruno (enero de 1984). Maria Grazia Pensa 65 (1). Music & Letters. pp. 62-64.

Cross, Eric (1984). I libretti vivaldiani: recensione e collazione dei testimoni a stampa by Anna Laura Bellina. (Revisión de).

- (1983). Antonio Vivaldi: Documents of His Life and Works. C F Peters Corp. .

- (1984/1989). "Lübbes Vivaldi. Lexikon". Guía de Vivaldi. Traducido por Carmen Bas Álvarez (Madrid: Gustav Lübbe Verleg/Alianza Editorial).

Pincherle, Marc (1957). Vivaldi: Genius of the Baroque. París: W. W. Norton & Company, Inc.

-. "Antonio Vivaldi". Grove Music Online (en inglés). L. Macy. (requiere suscripción).

Wolff, Christoph; Emery, Walter (2001). "Bach, Johann Sebastian". En Stanley Sadie y John Tyrrell, ed. The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2ª edición). Londres: Macmillan Publishers.

Zips, Sebastian (2005). "Die Violoncellosonaten des Antonio Vivaldi". Disertación, Kath. Univ. Eichstätt (en alemán). Archivado desde el original el 16 de septiembre de 2012.

Enlaces externos

# data[].attributes.attachment_link.title
Antonio Vivaldi - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Maestro de capilla Antonio Vivaldi ( Venecia, 4 de marzo de 1678- Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor, violinista, impresario, profesor y sacerdote católico veneciano del Barroco. Era apodado Il prete rosso ("El cura rojo") por ser sacerdote y pelirrojo.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
MusicaAntigua.com - Comunidad de Música Antigua. Medieval, Renacimiento, Barroca, Polifonía, Sacra, Profana, Religiosa

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Realmente se llamaba Antonio Lucio Vivaldi, y fue en la ciudad de Venecia donde nació aunque no se tiene certeza de la fecha exacta del nacimiento, pero se cree que fue el 4 de marzo de 1678.

A Antonio Vivaldi se le conoce con el sobrenombre de il Prete Rosso (El Cura Rojo) debido a que era pelirrojo y cura de la iglesia.

Vivaldi sufrió de asma. Muchas veces tuvo que abandonar cuando oficiaba misa debido a sus frecuentes ataques.

De hecho en 1737 lo acusan de que es un sacerdote que nunca da misa a lo que Vivaldi responde lo siguiente en una carta dirigida a Bentivoglio:

" No he dicho misa por espacio de 25 años y no tengo intención de volver a hacerlo, no por causa de prohibición u ordenanza alguna, sino por mi propia voluntad, a causa de una enfermedad que he sufrido desde la infancia y que todavía me atormenta.

Después de haber sido ordenado sacerdote, dije misa durante un año, pero posteriormente decidí no volver a decirla por haber tenido en tres ocasiones que abandonar el altar antes de concluir el sacrificio a causa de mi enfermedad.

Por esta razón vivo casi siempre en interiores y nunca salgo si no es en góndola o carruaje, ya que no puedo caminar sin sentir dolor y opresión en el pecho.

Ningún caballero me ha invitado a ir a su casa, ni siquiera nuestro príncipe, porque todos conocen mi debilidad.

Puedo salir a pasear después de la cena, pero nunca voy a pie. Ésta es la causa de que nunca diga misa"

Cuando el Cardenal lo excusó de oficiar más misas a causa del asma, Vivaldi consiguió un trabajo como director musical en una escuela para niñas huérfanas.

Uno de sus trabajos musicales, Arsilda regina di Ponto, fue en un principio censurado debido a un supuesto contenido lésbico.

Vivaldi tuvo varios amoríos, uno de los cuales fue con la cantante Anna Giraud.

El compositor italiano compuso la música de bodas del rey Luis XV de Francia.

El Emperador austriaco Carlos VI gustaba tanto de la música de Vivaldi que lo nombró caballero.

Vivaldi compuso más de quinientos conciertos, aparte de óperas y música sacra.

Johann Sebastian Bach admiraba tanto la música de Vivaldi que transcribió varias de sus obras.

Al morir Vivaldi en 1741 su música quedó en la más completa oscuridad.

Fueron los estudiosos de Bach en el siglo XIX, los que oyeron por primera vez de Vivaldi, ésto gracias a los antiguos manuscritos donde Bach había transcrito los conciertos de alguien llamado A.L.Vivaldi.

Se sabía quien era Bach, ¿pero quién era Vivaldi? Por fortuna se realizó una búsqueda, lo que dio como resultado el rescate de Vivaldi del olvido.

En el funeral de Vivaldi, celebrado en la catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el futuro compositor Joseph Haydn.

Para finalizar y aunque todo el mundo sabe, Vivaldi compuso Las Cuatro Estaciones, "Le Quattro Stagioni", (The Four Seasons) pequeñas historias musicalizadas de una manera única.

Sus cuatro estaciones son un homenaje musical al mundo y a la vida.

Os dejamos esta maravilla...

# data[].attributes.attachment_link.title
Curiosidades sobre Antonio Vivaldi, o mejor dicho Antonio Lucio Vivaldi - MusicaAntigua.com

# data[].attributes.attachment_link.description
Realmente se llamaba Antonio Lucio Vivaldi, y fue en la ciudad de Venecia donde nació aunque no se tiene certeza de la fecha exacta del nacimiento, pero se cree que fue el 4 de marzo de 1678.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Anécdotas sobre Wagner - Wagner fuente de curiosidades

ANÉCDOTAS SOBRE WAGNER - WAGNER FUENTE DE CURIOSIDADES

Introducción

Al tema de las anécdotas sobre Wagner le podríamos dedicar páginas y páginas, porque hay infinidad. Anécdotas y frases curiosas referidas a Richard Wagner las encontramos abundantemente. Unas son ciertas, otras creo que son más fruto de la imaginación que otra cosa. Hoy vamos a destacar dos.

Anécdotas sobre Wagner

Me puede hacer un resúmen?

La música de Wagner pronto se empezó a extender por todo el mundo. A uno de los sitios que llegó y despertó mucha curiosidad fue a Italia. En aquel momento eran tres las editoriales que estaban en competencia para captar más repertorios: Ricordi, Sonzogno y Lucca, mucho más modesta que las dos anteriores.

La Casa Lucca pasó a manos de la hija del fundador, Giovannina Lucca. Era buena profesional pero sus conocimientos musicales eran bastante limitados. Pensó que si lograba hacerse con la producción de Wagner y lograr introducirla en Italia, habría conseguido un triunfo más que notable. Así pues, se fue a ver a Wagner a Bayreuth, y tuvo la osadía de pedirle que hiciera una Tetralogía reducida que se pudiera ver en una sola noche. Recordemos que son unas diecisiete horas de música.

Me hubiera gustado ver la cara de Wagner y lo que le diría. De todos modos, esto de un resúmen se lo he oído decir a más de uno, o sea que no critiquemos tanto a la editora.

A mi Wagner me encanta

Esa es otra frase que parece que todo aficionado ( o no tan aficionado) tenga que decir sí o sí. Pasa algo si alguien dice que " A mi Wagner me cansa, o no soy capaz de escuchar una ópera entera?", pues probablemente no. Veamos lo que le pasó a un político español de la década de 1980. Tuvo lugar en Barcelona. Se pensó en inaugurar la temporada 1981-1982 con Lohengrin. A un alto representante político se le preguntó qué le parecía, o algo así. Su respuesta fue: "Yo soy un gran wagneriano, y me ha interesado mucho que inauguraran con Lohengrin, porque todavía no la conocía"

Pues señor mío, Lohengrin es de primero de wagnerismo.

Para unir estas dos anécdotas sobre Wagner vamos a escuchar el racconto de Lohengrin, In fernem land, pero cantado en italiano por Mario del Monaco. Estas traducciones, en Italia, no eran muy extrañas, por la red se encuentran otros ejemplos.

Quizás le interese las siguientes entradas relacionadas con Anécdotas sobre Wagner - Wagner fuente de curiosidades de la opera .net:

Posts relacionados de ópera:

# data[].attributes.attachment_link.title
Anécdotas sobre Wagner - Wagner fuente de curiosidades

# data[].attributes.attachment_link.description
Artículo dedicado a dos anécdotas sobre Wagner. Richard Wagner ha sido fuente de muchas curiosidades y frases divertidas

# data[].attributes.attachment_link.title
Cabalgata de la Valkiria - Richard Wagner / Orquesta Sinfónica de Xalapa (OSX)

# data[].attributes.attachment_link.title
Aria para la cuerda de sol - Bach - Música clásica - Música instrumental

# data[].attributes.attachment_link.title
Curiosidades de Johann Sebastian Bach - Xativa Musical Tienda

# data[].attributes.attachment_link.description
Johann Sebastian Bach nació en Alemania, en 1685, rodeado de músicos e intérpretes. Muchos lo consideran como el mejor compositor de todos los tiempos, ya que se caracterizaba por su virtuosismo en instrumentos como el violín, la viola, el clavecín y el órgano. ¡A continuación os dejamos algunas curiosidades sobre su vida! Nunca escribió una…

# data[].attributes.body
https://es.wikipedia.org/wiki/John_Williams_(compositor)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
John Towner Williams ( Floral Park, Nueva York; 8 de febrero de 1932) es un compositor, director de orquesta, pianista y trombonista estadounidense. Considerado uno de los compositores más prolíficos de bandas sonoras de la historia del cine, ha compuesto algunas de las más famosas y reconocibles de todos los tiempos como: Harry Potter, , , Atrápame si puedes, E.T., el extraterrestre, , Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, El coloso en llamas, , La aventura del poseidón y .

Ha trabajado con el célebre director Steven Spielberg desde 1974 y ha compuesto la música de toda su obra, a excepción de tres películas. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, numerosas series de televisión, noticieros y varias piezas de concierto.​

Williams ha ganado el Óscar en cinco ocasiones y tiene en su haber 52 nominaciones, consagrándolo como el segundo hombre con más nominaciones al máximo galardón del séptimo arte después de Walt Disney.​ También posee cuatro Globos de Oro, siete BAFTA y veintitrés Grammy. En 2005, su obra en la banda sonora de Star Wars fue seleccionada por el American Film Institute como la obra musical más grande del cine estadounidense. En 2020, le fue otorgado el Premio Princesa de Asturias de las Artes, compartido con el también compositor Ennio Morricone. Es uno de los compositores más reconocidos de música de cine; ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la música para series de televisión.​ En el año 2022 fue nombrado por la Reina Isabel II del Reino Unido como Caballero Comandante de la División Civil de la Excelentísima Orden del Imperio Británico. Caballero Honorario o KBE, Orden del Imperio Británico.

Nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park, Nueva York. Es el primogénito de Esther y John Williams Sr., y tiene dos hermanos y una hermana.​​ Su padre fue un percusionista de jazz que tocó con el legendario quinteto de Raymond Scott.​ En 1948, la familia Williams se mudó a Los Ángeles; allí, John Williams asistió a la escuela secundaria North Hollywood High School, institución en la que se graduó en 1950. Luego se trasladó a la Universidad de California, donde estudió piano y composición, y tomó clases particulares con el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco​ y con el pianista-arreglista Bobby Van Eps.​En 1952, fue reclutado para la Fuerza aérea de los Estados Unidos, donde arregló y dirigió música para la banda de la fuerza aérea, como parte de sus deberes.​

Cuando su servicio militar terminó en 1955, Williams se trasladó a la ciudad de Nueva York y entró en la Escuela Juilliard, donde estudió piano con Rosina Lhévinne.​ En aquel período trabajó como pianista de jazz en varios estudios y clubes de Nueva York. También tocó para el compositor Henry Mancini en las bandas sonoras de (1959), Días de vino y rosas (1962) y (1963). A principios de la década de 1950 trabajó como arreglista y líder de banda para Frankie Laine y Vic Damone.​ En 1960 fue contratado por Columbia Records como pianista y compositor, donde realizó numerosos álbumes junto al compositor de origen alemán André Previn.​

Matrimonios e hijos

Williams estuvo casado con la actriz Barbara Ruick desde 1956 hasta la muerte de ella por hemorragia intracraneal, el 3 de marzo de 1974. Juntos, tuvieron tres hijos: Joseph Williams (cantante y compositor), Mark Towner Williams (percusionista) y Jennifer Williams (médico). Se casó por segunda vez el 21 de julio de 1980 con Samantha Winslow, su actual esposa quien es fotógrafa, con quien vive en la ciudad de Boston.​ Mantiene una estrecha amistad con los músicos Itzhak Perlman, Yo-Yo Ma y Seiji Ozawa; incluso les ha dedicado algunas obras.​​

Interpretación y dirección

A los siete años, comenzó sus estudios de piano;​ luego, a los diez años, su padre estuvo de acuerdo con que, si continuaba sus clases de piano, podía comenzar a estudiar trombón.​ Posteriormente también aprendió a tocar la trompeta y el clarinete.​

En 1980 John Williams reemplazó a Arthur Fiedler (quien había fallecido el año anterior) como director principal de la Orquesta Boston Pops. Continuó la tradición de la Pops de llevar la música clásica al público en general, e inició la serie de conciertos anuales "Pops-on-the-Heights" ( Pops en las Alturas) en el Boston College. También agregó al repertorio de la orquesta una numerosa cantidad de partituras propias; de hecho, muchas de sus obras de concierto fueron estrenadas por la Boston Pops. Siguió en este puesto hasta 1993, año en que fue reemplazado por Keith Lockhart.

John Williams fue nombrado "Director Laureado" de la Boston Pops, y la dirige varias veces al año, principalmente durante la temporada de vacaciones y durante una semana de conciertos en mayo. También dirige anualmente la Noche de Películas, tanto en el Boston Symphony Hall como en Tanglewood, donde suele utilizar el Coro del festival de Tanglewood, coro oficial de la Orquesta Sinfónica de Boston, para darle acompañamiento coral a algunas de sus obras.

Frecuentemente es director invitado de otras orquestas, como la Orquesta Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Chicago y la Filarmónica de Los Ángeles, a la que dirige anualmente para los conciertos en el Hollywood Bowl.

John Williams tiene una amplia variedad de composiciones que abarcan bandas sonoras, conciertos, temas para televisión y obras festivas, entre otras. También ha hecho arreglos para varias grabaciones y conciertos. En 2009 compuso una obra, Air and Simple Gifts, para la ceremonia de toma de posesión de Barack Obama. Dicha obra fue interpretada por Itzhak Perlman, Yo-Yo Ma, Gabriela Montero y Anthony McGill.​​ En la actualidad se encuentra trabajando en su concierto para arpa y orquesta.​ Estuvo a cargo de la composición de la banda sonora de la adaptación cinematográfica de Las Aventuras de Tintín (2011).​

Estilo musical e influencias

El estilo más común de las composiciones de Williams suele ser descrito como una forma de neorromanticismo,​ principalmente con influencias de compositores del romanticismo alemán como Richard Wagner, Max Steiner y Erich Wolfgang Korngold.​ Al igual que varios compositores de dicho período (principalmente Wagner) hace uso recurrente del leitmotiv; sus leitmotiv han identificado a personajes (por ejemplo la "Marcha Imperial" a Darth Vader, la pieza "Gilderoy Lockhart" a dicho personaje), objetos (el " Tema del Arca" en Raiders of the Lost Ark), criaturas (Fawkes el fénix, en Harry Potter y la cámara secreta, el tema del tiburón en la película ), lugares (" El mar de dunas de Tatooine", en ), etcétera.​

Después de estudiar en la Escuela Juilliard, regresó a Los Ángeles y comenzó a trabajar de orquestador en estudios de películas. Trabajó, entre otros, con compositores como Bernard Herrmann, Morris Stoloff, Adolph Deutsch, Miklós Rózsa, Alfred Newman y Franz Waxman.​ También interpretó la parte de piano en varias bandas sonoras de Jerry Goldsmith, Elmer Bernstein y Henry Mancini.​​ A fines de la década de 1950, comenzó a componer bandas sonoras para series de televisión.​ Las primeras composiciones musicales que realizó en el cine fueron para películas pertenecientes al género de la comedia, como es el caso del filme How to Steal a Million, protagonizado por Audrey Hepburn y Peter O'Toole. Sin embargo luego de alcanzar el éxito en 1972 con la banda sonora de La aventura del Poseidón, fue encasillado por las empresas cinematográficas como especialista en la composición de música para películas del género cine catástrofe.​

John Williams ganó fama por su versatilidad a la hora de componer tanto jazz, música para piano, así como música sinfónica. Tuvo su primera candidatura a los premios Óscar por la música de la película Valley of the Dolls, de 1967. Ganó su primer premio, un Óscar a la mejor música, por El violinista en el tejado, en 1971.​

En 1974, recibió la propuesta de Steven Spielberg para componer la música de The Sugarland Express, película en la que Spielberg debutaría como director. Spielberg confió en Williams para proveer a sus películas de los sonidos que deseaba, por lo que, un año después, volvieron a reunirse, esta vez con motivo de la película . Esta exitosa película y su memorable música le valieron a Williams su segundo Óscar (el primero para Mejor banda sonora original) y sus primeros BAFTA, Globo de Oro y Grammy.​

En el mismo período, Spielberg recomendó a John Williams a su amigo y colega George Lucas, que necesitaba un compositor para su ambiciosa película épica espacial . Williams empleó una orquesta sinfónica grande (la Orquesta Sinfónica de Londres), a la manera de compositores de la edad de oro de Hollywood, como Erich Wolfgang Korngold y Max Steiner. El tema principal se convirtió en uno de los más popularmente conocidos en la historia de las películas de cine, y temas como el de la princesa Leia y el de la Fuerza son ejemplos del uso de leitmotiv. La película y la banda sonora fueron muy populares; de hecho, la banda sonora vendió más de 4 millones de copias, haciéndolo uno de los álbumes no-pop más exitosos en la historia de la grabación,​ y la banda sonora sinfónica más vendida de la historia.​ Con su composición, Williams ganó su tercer Óscar.

Durante los siguientes años, compuso la música de películas como Encuentros en la tercera fase (1977), , y , y luego fue llamado para componer la de la segunda parte de la saga original de Star Wars: El Imperio contraataca, en la que introdujo la famosa Marcha Imperial como tema para el Imperio Galáctico y, principalmente, para Darth Vader. La trilogía concluyó en 1983, con El retorno del Jedi, siendo composiciones destacadas el Tema del Emperador (Emperor's Theme) y Celebración Ewok y Finale.

La llamada Colaboración Williams-Spielberg se reanudó con Raiders of the Lost Ark ( 1981), lo que le reportó a Williams otra nominación al Óscar con una banda sonora que cuenta con temas tan famosos como Raiders March, tema principal de Indiana Jones. La colaboración con Spielberg continuó con otra obra maestra del cine: E.T., el extraterrestre (1982), con la cual Williams ganó su cuarto Óscar. Posteriormente realizaron juntos El imperio del Sol, de 1987, y continuaron, abarcando desde éxitos de taquilla (Parque Jurásico y Saving Private Ryan), y tragedias sombrías (La lista de Schindler, ) hasta melodramas (Memorias de una geisha). Con La lista de Schindler, John Williams consiguió su, hasta ahora, último Óscar. Spielberg dijo: "Para mí es todo un privilegio poder considerar a John Williams como amigo".​

En el nuevo milenio, Williams fue llamado para componer la música de la adaptación al cine de la serie de libros de Harry Potter. Se encargó de la composición en las tres primeras películas de la franquicia. Compuso Hedwig's Theme, pieza característica de la saga que se empleó en todas las cintas. Williams no pudo aceptar el encargo de componer la música para Harry Potter y el cáliz de fuego debido a que ya tenía otras cinco bandas sonoras que desarrollar en ese año: Múnich, Memorias de una geisha, La venganza de los Sith, La guerra de los mundos y Superman Returns (en colaboración con John Ottman). Por ello, la música de esa película fue escrita por Patrick Doyle. La de Harry Potter y la Orden del Fénix quedó a cargo de Nicholas Hooper, como también la de Harry Potter y el misterio del príncipe. A pesar de que Williams expresó su interés en componer la música de las dos partes de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte,​ dicha tarea finalmente quedó en manos de Alexandre Desplat.

Conciertos, piezas y otras composiciones orquestales

Williams ha compuesto más de 50 composiciones más allá del cine y la televisión;​él expresó que "cuando escribo música fuera del mundo del cine siento que puedo ser más experimental, siento que puedo ponerme a prueba y tratar de no desalentarme por los grandes maestros del pasado".​

Preludio y fuga (1965), estrenado el 29 de marzo del mismo año por Los Ángeles Neophonic Orchestra.

Ensayo para cuerdas (1965), estrenado el 6 de diciembre del mismo año por la Sinfónica de Huston, dirigida por André Previn.

Sinfonietta para ensamble de vientos (1968).

Concierto para flauta y orquesta (1969), estrenado en 1981 por la Orquesta Sinfónica de Saint Louis bajo la dirección de Leonard Slatkin.

Concierto para violín y orquesta (1976, rev. 1998), estrenado también en 1981 por la Orquesta Sinfónica de Saint Louis bajo la dirección de Leonard Slatkin. Compuesto en memoria de Barbara Ruick Williams.

Jubilee 350 Fanfare (1980) compuesta para conmemorar el 350.º aniversario de la ciudad de Boston. Estrenada el 21 de septiembre del mismo año por la Boston Pops Esplanade Orchestra bajo la dirección de John Williams.

Fanfare for a festive occasion (1980), dedicada a la Boston Civic Orchestra.

Concierto para tuba y orquesta (1985), estrenado por Chester Schmitz, tubista de la Boston Pops, para el centenario de dicha orquesta.

Fanfarria de la Libertad (Liberty Fanfare, 1986), compuesta para el centenario de la Estatua de la Libertad, fue estrenada el 4 de julio del mismo año, por la Boston Pops Esplanade Orchestra bajo la dirección de Williams.

Concierto para clarinete y orquesta (1991), grabado por Michele Zukovsky, para quien fue escrito.​

Concierto para fagot y orquesta (The Five Sacred Trees) (1993), estrenado en el año 1995 por Judith LeClair (solista) y la Filarmónica de Nueva York.

Concierto para chelo y orquesta (1994), estrenado el 7 de julio del mismo año por Yo-Yo Ma (para quien fue compuesto) y la Orquesta Sinfónica de Boston, bajo la dirección de John Williams.

Variaciones sobre el "Feliz cumpleaños" (Variations on "Happy Birthday", 1995), compuesto para los cumpleaños de Itzhak Perlman, Seiji Ozawa y Yo-Yo Ma. Interpretado por la Orquesta Sinfónica de Boston, bajo la dirección de John Williams.

Concierto para trompeta y orquesta (1996).

Elegía para chelo y piano (1997), posteriormente arreglada para chelo y orquesta (2002). Basada en un tema de Siete años en el Tíbet.

TreeSong, concierto para violín y orquesta (2000).

Tres piezas para chelo solo (2000).

Heartwood: apuntes líricos para chelo y orquesta (2002).

Concierto for trompa y orquesta (2003). Estrenado por la Orquesta Sinfónica de Chicago en noviembre de 2003, con Dale Clevenger como solista.

Soundings (2003), compuesta para el Walt Disney Concert Hall. Estrenada por la Filarmónica de Los Ángeles dirigida por John Williams, el 25 de octubre de 2003.

Duo concertante para violín y viola (2007). Estrenado en Tanglewood en agosto de 2007.

Concierto para viola y orquesta (2008). Se estrenará el 26 de mayo de este año, bajo la dirección de John Williams, e interpretado por la Orquesta Boston Pops y la violista principal de dicha orquesta, Cathy Basrak, a quien Williams le dedicó especialmente la obra. En el segundo movimiento del concierto hay un dueto con el timbalista principal de la orquesta, Timothy Genis, su esposo, llamado "Discusión Familiar"; en el tercer movimiento hay otro dueto, con la arpista Ann Hobson Pilot, que planeaba retirarse luego de la temporada pasada, pero Basrak le pidió quedarse lo suficiente como para interpretar el estreno. La obra termina de manera delicada, similar a una canción de cuna, como una referencia a las dos hijas de Basrak y Genis, de uno y tres años.​

Concierto para arpa y orquesta ("On Willows and Birches") (2009), en elaboración. Su estreno mundial se realizará el primero de octubre de 2009 por parte de la Orquesta Sinfónica de Boston; es un tributo a Ann Hobson Pilot, la arpista principal de dicha orquesta,​ que este año, luego de 40 años con la orquesta, se retirará.​

Televisión

Juegos Olímpicos

Williams ha compuesto la música para 4 Juegos Olímpicos celebrados en los últimos 26 años. Estos son:

A lo largo de su carrera cinematográfica John Williams ha ganado un total de cinco premios Óscar y cuatro premios Globo de Oro. Ha sido nominado en 21 ocasiones a los Globos de Oro y 59 veces a los premios Grammy. Con sus 52 nominaciones a los premios Óscar es la persona viva que más veces ha optado a este galardón,​​ y la segunda persona más propuesta como candidata a los premios en la historia de la Academia (la primera es Walt Disney, con 59 candidaturas).​ Asimismo, John Williams es quien ha competido más veces contra sí mismo en una misma categoría de premios de la Academia. De sus candidaturas al Óscar, 47 corresponden a la categoría de mejor música y las cinco restantes a la categoría de mejor canción original. De hecho, las 5 estatuillas que ha ganado pertenecen: una, a la mejor música adaptada en 1971 con El violinista en el tejado, y cuatro más por la mejor música original, ( 1975), (1977), E.T., el extraterrestre (1982) y La lista de Schindler ( 1993).

La música que compuso para Guerra de las Galaxias fue elegida por el American Film Institute en el 2005 como Mejor banda sonora de película norteamericana de todos los tiempos en una lista conformada por 25 piezas musicales. En la misma lista, la música de Tiburón alcanzó la sexta posición, y la de E.T. la decimocuarta posición.​

Le fue concedida la Medalla Nacional de las Artes en el 2009.​ En el 2003, recibió la Orden Olímpica, el más alto honor del COI, por sus contribuciones al movimiento olímpico. Ingresó en la Academia Americana de las Artes y las Ciencias en 2009.​

En 2020, fue galardonado con el premio Princesa de Asturias de las Artes, junto con Ennio Morricone.​

Véase también

1. Burlingame, Jon (5 de enero de 2009). "'Indiana Jones (Kingdom of the Crystal Skull)'". Variety. Archivado desde el original el 10 de febrero de 2009.

2. Paulus, Irena (2000). "Williams versus Wagner or an Attempt at Linking Musical Epics". International Review of the Aesthetics and Sociology of Music 31 (2): 153. .

3. Keller, James M. (2007). "Notas en un programa de concierto de la Filarmónica de Nueva York" (pdf) (en inglés). p. 7. Archivado desde el original el 13 de junio de 2010.

4. Spielberg, Steven (1993). Jurassic Park Audio CD (Original Motion Picture Soundtrack CD) - Back Cover. Back Cover - "...and I consider it a privilege to call John my Friend.". MCA.

5. Pasles, Chris (19 de diciembre de 1997). "Experimental Craft; Music: The results of film composer John Williams' testing himself in the classical genre will be featured in concert.". Los Angeles Times: 1.

6. John Eggerton, "Are You Ready For Some Gridiron Violins?" in Broadcasting & Cable, 30 de agosto de 2006.

7. verTele, Redacción (18 de febrero de 2022). "El compositor John Williams vuelve a 'Star Wars' en la BSO de la serie 'Obi-Wan Kenobi'". Vertele.

8. American Film Institute (2005). "AFI's 100 Years of Film Scores" (en inglés). American Film Institute.

9. "John Williams | Hollywood Bowl". www.hollywoodbowl.com. Archivado desde el original el 23 de junio de 2015.

10. "Ennio Morricone y John Williams, premios Princesa de Asturias de las Artes 2020". europapress.es. 5 de junio de 2020.

# data[].attributes.attachment_link.title
John Williams (compositor) - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
John Towner Williams ( Floral Park, Nueva York; 8 de febrero de 1932) es un compositor, director de orquesta, pianista y trombonista estadounidense.

# data[].attributes.attachment_link.title
John Williams & Vienna Philharmonic – Williams: Imperial March (from “Star Wars”)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El #FSOTour es nuestra gira homenaje a John Williams, uno de los mejores compositores de todos los tiempos, como ya os hemos comentado tantas veces. Es cierto que es muy conocido por haber compuesto alguna de las bandas sonoras de cine más famosas de la historia, pero seguro que hay algunos datos que no sabías de él y te sorprenderán:

1. Su padre fue un percusionista de jazz que tocó con el legendario quinteto de Raymond Scott. Para quienes no lo sepan, Raymond Scott fue un compositor neoyorquino, músico experimental, pianista, ingeniero de sonido e inventor de instrumentos musicales electrónicos.

2. En 1952, con 20 años, John Williams fue reclutado para la Fuerza aérea de los Estados Unidos, donde compuso y dirigió música para la banda de la fuerza aérea como parte de sus deberes.

3. Las primeras composiciones musicales que realizó en el cine fueron para películas de comedia, como fue "Cómo robar un millón", protagonizado por Audrey Hepburn y Peter O'Toole.

4. En 53 años de carrera ha compuesto un total de 102 bandas sonoras.

5. La mayor parte de sus composiciones han sido para dramas, le siguen de cerca las películas de aventuras y, en menor medida, acción y ciencia ficción.

6. Williams ha compuesto la música para 4 Juegos Olímpicos celebrados en los últimos 26 años.

7. Con sus 51 nominaciones a los premios Oscar es la persona viva que más veces ha optado a este galardón y la segunda persona más nominada en la historia de los premios de la Academia detrás de las 59 nominaciones de Walt Disney.

8. La banda sonora que compuso para Star Wars fue elegida por el American Film Institute en el 2005 como Mejor banda sonora de película norteamericana de todos los tiempos en una lista de 25 piezas musicales.

9. Ha ganado un total de cinco premios Óscar y cuatro premios Globo de Oro. Ha sido nominado en 21 ocasiones a los Globos de Oro y 59 veces a los premios Grammy.

10. El compositor comenzará a trabajar en 'Star Wars: Episodio 9' este verano. La película se estrenará en diciembre de 2019.

# data[].attributes.attachment_link.title
10 datos curiosos sobre John Williams que seguro que no conocías

# data[].attributes.attachment_link.description
El #FSOTour es nuestra gira homenaje a John Williams, uno de los mejores compositores de todos los tiempos, como ya os hemos comentado tantas veces. Es cierto que es muy conocido por haber compuesto alguna de las bandas sonoras de cine más famosas de la historia, pero seguro que hay algunos datos que no sabías ...

# data[].attributes.attachment_link.title
Hans Zimmer - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Hans Florian Zimmer ( Frankfurt, Alemania, 12 de septiembre de 1957) es un compositor de bandas sonoras cinematográficas, pionero en la integración de música electrónica y arreglos orquestales tradicionales.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Este mes de diciembre celebramos el sonido de Hans Zimmer en nuestro nuevo ciclo titulado apropiadamente The Sound of Hans Zimmer. Cuando uno lee el nombre del célebre compositor alemán lo que viene a la mente son sus composiciones majestuosas, melódicas y populares para El rey león, la saga Piratas del Caribe, Interstellar, Gladiator, Origen, la trilogía del Caballero Oscuro y Dunkirk, entre decenas de filmes más. Pero el ganador de cuatro Grammys, dos Globos de Oro y un Oscar tiene docenas de composiciones más que vale la pena descubrirlas. Aquí tienes 16.

Desde los años 1980 Hans Zimmer ha revolucionado el mundo de la banda sonora.

Y no lo ha hecho una vez. Ni dos. Ni tres. Lo ha hecho muchas.

Es algo que podría definirse como la "ventaja" Zimmer (esa innovación constante). Pero cada "ventaja" tiene su "inconveniente".

El "inconveniente" Zimmer es este: cada vez que el músico de Interstellar ha desafiado el mundo convencional de las bandas sonoras con nuevos sonidos, una retahíla de músicos, a veces de su propia iniciativa, lo han copiado hasta la extenuación.

Así que con cada creación, con cada repetición, Zimmer se ha visto obligado a renovarse. Y esa es la "ventaja" Zimmer.

El Zimmer de los años 80 se caracterizó por el uso practicamente exclusivo de los sintetizadores; ese empleo se amplió en los 90 con orquestaciones más elaboradas; y con el nuevo siglo, Hans Zimmer se ha convertido en uno de los más aclamados y reclamados compositores de cine en todo el mundo.

Por ejemplo, en 2020 ha compuesto las partituras de Sin tiempo para morir (su primer Bond), Top Gun: Maverick, Hillbilly Elegy (su nueva colaboración con Ron Howard), Dune, Bob Esponja: Un héroe al rescate y Wonder Woman 1984.

Pero quienes se limiten a las composiciones más famosas del autor de maravillas como El código DaVinci o Paseando a Miss Daisy, pierden la oportunidad de descubrir al otro Zimmer, más intimista, a veces más juguetón y en ocasiones tanto o más espectacular aunque para títulos hoy más olvidados.

No incluiremos aquí el tema clásico de The Buggles Video Killed the Radio Star en el que debutó en faceta de productor (como genio incipiente del uso de sintetizadores que fue):

O cuando tocó en directo con Mecano en un concierto en Segovia:

Aquí nos vamos a centrar en 16 temas que os abrirán una nueva puerta al mundo de Hans Zimmer para quienes quieran ir algo más allá de lo habitual.

Desde su ya incipiente amor por sonidos africanos (Un mundo aparte) hasta melodías de un melancolismo emotivo (A propósito de Henry), pasando por temas de acción melódicos (lo de Black Rain, su gran obra maestra para el género, y hasta Dos pájaros a tiro es... perfección total), de un suspense de lo más original (Paperhouse o De repente un extraño), de un intimismo que pone la piel de gallina (El juramento o El hombre del tiempo, una de sus obras cumbres) y, claro está, puro espectáculo (Lágrimas del sol), con sintetizador, con orquesta o con ambos.

Aquí tienes las 16 bandas sonoras que quizás no conocías de Hans Zimmer.

UN MUNDO APARTE | A WORLD APART, 1988

LA CASA DE PAPEL | PAPERHOUSE, 1988

DOS PÁJAROS A TIRO | BIRD ON A WIRE, 1990

MATRIMONIO DE CONVENIENCIA | GREEN CARD, 1990

TIEMPO DE IRA | FOOLS OF FORTUNE, 1990

A PROPÓSITO DE HENRY | REGARDING HENRY, 1991

DE REPENTE, UN EXTRAÑO | PACIFIC HEIGHTS, 1990

LA FUERZA DE LA ILUSIÓN | RADIO FLYER, 1992

NUEVE MESES | NINE MONTHS, 1995

EL JURAMENTO | THE PLEDGE, 2001

LÁGRIMAS DEL SOL | TEARS OF THE SUN, 2003

EL REY ARTURO | KING ARTHUR, 2004

EL HOMBRE DEL TIEMPO | WEATHER MAN, 2005
CICLO THE SOUND OF HANS ZIMMER: INFORMACIÓN Y ENTRADAS

# data[].attributes.attachment_link.title
16 temas que (quizás) no sabías eran de Hans Zimmer

# data[].attributes.attachment_link.description
La sala de cine Phenomena abrió sus puertas el 19 de diciembre de 2014. Un cine como los de antes y dotado con la última tecnología en imagen y sonido. Por su pantalla han pasado desde grandes clásicos hasta blockbusters contemporáneos, films inéditos o los estrenos más recientes.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ennio Morricone ( Roma, 10 de noviembre de 1928- 6 de julio de 2020)​ fue un compositor y director de orquesta italiano conocido por haber compuesto la banda sonora de más de quinientas películas y series de televisión. Recibió un Óscar honorífico en 2006 y ganó el Óscar a la mejor banda sonora en 2016 por la cinta The Hateful Eight. En 2020 le fue otorgado el Premio Princesa de Asturias de las Artes, compartido con el también compositor John Williams.

Sus composiciones se incluyen en más de veinte películas galardonadas, además de realizar también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del spaghetti western, de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares de 1964, La muerte tenía un precio de 1965, El bueno, el feo y el malo de 1966 o Hasta que llegó su hora de 1968. No obstante, su obra se extendió a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX. Sus composiciones para Days of Heaven de 1978, de 1986 o Cinema Paradiso de 1988 son catalogadas como auténticas obras maestras.​

Nacido en Roma, Morricone comenzó a tocar la trompeta cuando era niño y a los seis años ya había compuesto su primera obra. Estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia a la edad de nueve años, donde su padre, Mario Morricone, que era músico, lo inscribió. Cuando tenía doce años entró en el conservatorio, inscribiéndose en un programa de armonía de cuatro años, que acabó en seis meses. Su diploma de trompeta lo recibió en 1946 y a partir de ese año comenzó a trabajar profesionalmente componiendo la música de Il Mattino (La mañana). Después de graduarse en 1954, empezó como escritor fantasma, componiendo música para películas, que se atribuían a famosos músicos de la época. Pronto ganó popularidad debido a la composición de música de fondo para programas de radio y poco después daría el salto a la gran pantalla.

En los años cincuenta recibió un diploma en instrumentación. También le fue otorgado por el también compositor Goffredo Petrassi un diploma en composición. En 1955, Morricone se dedicó a arreglar la música de otros compositores que ya estaban establecidos en el cine. Al poco tiempo, Sergio Leone, un amigo de la infancia de Morricone, lo requeriría para que fuese el compositor de las bandas sonoras de sus películas. Juntos crearon un punto de vista diferente del western tradicional con la película Por un puñado de dólares (1964), que fue más tarde conocido como el spaguetti western. En ese ámbito hicieron luego otra vez juntos varias películas más como El bueno, el feo y el malo (1966) y ¡Agáchate, maldito! (1971).

En los años 80 y 90, Morricone continuó componiendo para Leone en películas de otro estilo como en Érase una vez en América (1984), por lo que podría haber tenido un Óscar, si no hubiese sido descalificada su banda sonora para ser nominada por un tecnicismo de la academia al no ver el nombre de su compositor incluido en los créditos finales, una banda sonora que muchos también catalogan como la mejor banda sonora de la historia del cine.​​ También compuso para otros directores como Roland Joffé en (1986), Brian de Palma en Los intocables de Eliot Ness (1987) o Giuseppe Tornatore en Cinema Paradiso (1988). Otras composiciones más recientes de carácter notable son en las películas (2000), Campos de Esperanza En el 2005 compuso la banda de sonido de la película sobre el Papa Juan Pablo II "Karol" el hombre que se hizo Papa y su segunda parte "Karol" el Papa, el Hombre. (2005) o Baarìa (2009).

Morricone ha recibido dos premios Grammy, tres Globos de Oro, cinco BAFTA, diez David de Donatello, once Nastro d'argento y el Premio de Música Polar en 2010, considerado este último como el Nobel de la música. En la edición de los Premios Óscar 2006 recibió el Óscar honorífico "por sus magníficas y polifacéticas contribuciones en el arte de la música de cine". En 2016 recibió el Óscar en la categoría de Mejor banda sonora original por la película The Hateful Eight, después de haber sido nominado seis veces en esta categoría en ediciones anteriores, convirtiéndose así en el galardonado más longevo en dicha categoría en la historia de los Premios Óscar. A lo largo de su carrera, Morricone ha vendido más de 70 millones de discos.​

Morricone falleció en Roma el 6 de julio de 2020 en el hospital policlínico de la Universidad Campus Biomédico, a los noventa y un años, a consecuencia de las complicaciones producidas por una fractura de fémur tras sufrir una caída en su casa varios días antes.​​

Premios Óscar​

Globos de Oro​

Premios BAFTA

Premios Grammy​

En 2009, la 'Recording Academy', agencia que entrega los premios Grammy, incluyó la banda sonora de El bueno, el feo y el malo, de 1969, en el 'Grammy Hall of Fame'.​

David de Donatello

Nastro d'argento

Entregados por el 'Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine'.

Documentales

1962: Gli italiani e le vacanze

1964: I malamondo

1971: Oceano

1974: Sesso in confessionale

1975: Macao

1975: A Escola Aberta

1976: Ariel Limon

1978: Forza Italia!

1980: The Fantastic World of M.C. Escher

1982: Maja Plisetskaja

1983: Pelota

1989: 12 registi per 12 città

1990: Ennio Morricone: la musica negli occhi

1994: Roma Imago Urbis: Parte I - Il mito

1994: Roma Imago Urbis: Parte II - L'immortalità

1994: Roma Imago Urbis: Parte III - Gli acquedotti

1994: Roma Imago Urbis: Parte V - I volti

1995: Roma Imago Urbis: Parte VI - Le gesta

2001: Un altro mondo è possibile

2002: Carlo Giuliani, ragazzo

2002: I sogni nel mirino

2006: Adolfo Celi, un uomo per due culture

2009: Salvare Procida

2013: Vengeance rides a horse

2015: The Sun is Dark

2016: Voyage of Time (Post-Producción)

# data[].attributes.attachment_link.description
Ennio Morricone ( Roma, 10 de noviembre de 1928- 6 de julio de 2020)​ fue un compositor y director de orquesta italiano conocido por haber compuesto la banda sonora de más de quinientas películas y series de televisión. Recibió un Óscar honorífico en 2006 y ganó el Óscar a la mejor banda sonora en 2016 por la cinta The Hateful Eight .

# data[].attributes.attachment_link.title
Ennio Morricone - The Best of Ennio Morricone - Greatest Hits (HD Audio)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Alan Anthony Silvestri ( Nueva York, 26 de marzo de 1950) es un conocido compositor musical de bandas sonoras estadounidense. Silvestri es conocido por sus numerosas colaboraciones con Robert Zemeckis, especialmente Forrest Gump (1994), La Trilogía de Back to the Future (1985, 1989 y 1990), Depredador (1987), Depredador 2 (1990), (1997), (2000), The Polar Express (2004), Capitán América: El primer vengador (2011), The Avengers (2012), Avengers: Infinity War (2018) y Avengers: Endgame (2019). Ha recibido dos nominaciones a los Oscar y dos a los Grammy.

Aunque neoyorquino de nacimiento, Silvestri se crio en Teaneck ( Nueva Jersey). A pesar de que su familia no tenía tradición musical, Alan mostró un vivo interés por la música y formó parte de la orquesta de su instituto tocando diferentes instrumentos de viento y después la guitarra. En 1965, acudió a clases de jazz en el Berklee College of Music en Boston. Pero tan solo permaneció dos años hasta trasladarse a Las Vegas y comenzar una gira como guitarrista y arreglista con la conocida banda de rhythm & blues Cochran and the C.C. Riders.

Poco después Alan conocería a Bradford Craig, letrista de algunos proyectos de Quincy Jones, para que trabajaran codo con codo para la orquestación de una película llamada The Doberman Gang (1972). Esta sería el primer trabajo de Silvestri en el mundo del cine sin ningún tipo de conocimiento de composición. Poco después, llegarían sus siguientes trabajos en películas de bajo presupuesto como Las Vegas Lady (1975) o The Amazing Dobermans (1976).

En 1977, se le abriría el mundo de la composición para la televisión. Gracias al actor Paul Michael Glaser compondría la música para un capítulo de la serie Starsky y Hutch y poco después, la Metro Goldwyn Meyer le encargaría la música central de "CHiPs", un trabajo que duraría desde el 1978 hasta 1983. Con Mark Snow, Alan estuvo a punto de volver a trabajar para otra serie policíaca, " T.J. Hooker", pero finalmente los productores no quedaron satisfechos con su trabajo.

1983 es un año clave para Alan Silvestri. El compositor se entera por medio de su amigo Tom Carlin que un joven director llamado Robert Zemeckis estaba buscando un compositor que pudiera ambientarle su película Romancing the Stone. El compositor llamó a Zemeckis y le pidió 24 horas para ofrecerle una pieza. Al día siguiente, el director estuvo encantado con la propuesta de Silvestri, lo que sería el inicio de una gran colaboración durante más de 20 años. En ella, han quedado proyectos como la trilogía de Back to the Future, Forrest Gump, , ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, o What Lies Beneath. Todas ellas grandes éxitos de taquilla.

Pero es evidente que después de Romancing the Stone, a Silvestri le llovieron las ofertas. Entre ellas destacan Depredador de John McTiernan, Depredador 2 de Stephen Hopkins, El vuelo del navegante o El guardaespaldas. En todas ellas, demostrando una gran versatilidad musical de Silvestri. Así, Silvestri pasa de la orquestación de Back to the Future, al jazz de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? o al sonido de sintentizador de los 80.

En 1994, llega uno de sus trabajos más elaborados con Forrest Gump, el cual le valió sendas nominaciones a los Globos de Oro y a los Oscar. En 1995 Silvestri recibió el Premio Richard Kirk, en 2002 le concedieron el Premio Henry Mancini por sus trabajos, y más recientemente, el 23 de septiembre de 2011 fue galardonado con el Max Steiner Film Music Achievement Award, entregado por la ciudad de Viena, en motivo del concierto de música fílmica anual que allí se realiza, y que se conoce con el nombre de "Hollywood in Vienna".

# data[].attributes.attachment_link.description
Alan Anthony Silvestri ( Nueva York, 26 de marzo de 1950) es un conocido compositor musical de bandas sonoras estadounidense. Silvestri es conocido por sus numerosas colaboraciones con Robert Zemeckis, especialmente Forrest Gump (1994), La Trilogía de Back to the Future (1985, 1989 y 1990), Depredador (1987), Depredador 2 (1990), (1997), (2000), The Polar Express (2004), Capitán América: El primer vengador (2011), The Avengers (2012), Avengers: Infinity War (2018) y Avengers: Endgame (2019).

# data[].attributes.attachment_link.title
ALAN SILVESTRI // LAS MEJORES BANDAS SONORAS

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Alan Silvestri y las bandas sonoras más destacadas del cine
Si imaginamos la experiencia de ver una película sin su banda sonora, probablemente nos demos cuenta de la importancia que tiene la música en el cine. Una buena composición musical nos traslada una multitud de sentimientos que profundizan en las escenas cinematográficas, sensaciones que hacen aún más grande la capacidad de comunicación del séptimo arte. El cine es un arte que aúna diferentes profesiones como la interpretación, la dirección, la fotografía, el montaje, el sonido y, por supuesto, la música. Una de las primeras cuestiones que nos llegan a la mente cuando recordamos una película es su banda sonora. Cuando pienso en Apoalypse Now, rápidamente toma forma en mi imaginación la Cabalgata de las valquirias, y si pienso en El Padrino, inevitablemente tarareo aquel tema principal de Nino Rota. El cine no es cine sin su música, por eso, vamos a analizar a uno de los grandes representantes de la música compuesta para este arte. Alan Silvestri: el genio detrás de las mejores bandas sonoras.
Alan Silvestri y su trayectoria en la industria musical

Nacido en Nueva York (EE.UU), el 26 de marzo de 1950, Alan Silvestri es un compositor cuya popularidad y ritmo de trabajo le han permitido mantener una carrera que dura ya más de 50 años, en los que ha permanecido en primera línea, tanto del cine más comercial, como en proyectos más pequeños e independientes.

Es sobradamente conocido por su estrecha colaboración con el director Robert Zemeckis, una asociación que permanece sólida e inamovible desde el comienzo de la carrera de ambos hasta la actualidad, como han mostrado en su última colaboración estrenada por Disney, Pinocho (2022). Durante los últimos años, también se ha dado a conocer entre las generaciones más jóvenes gracias a su labor en varias películas de superhéroes de Marvel.

De ascendencia italiana, Silvestri demostró muy joven su vocación musical y se formó como batería y percusionista, para después mostrar interés por el fagot, el clarinete, el saxofón y la guitarra. En el Berklee College Music de Boston accedió al curso de compositor musical. Después de su graduación se enroló en el grupo Wayne Cochran and the C.C. Riders, con el que recorrió Estados Unidos en giras y conciertos. A partir de ahí, encontró muy rápido un hueco en Hollywood, teniendo su debut en el cine con The Doberman Gang. Posteriormente, alternaría cine y televisión.

El siguiente paso, dado su estilo rítmico y fresco le unió para siempre con Robert Zemeckis, un director joven y sin experiencia por entonces. Los años 80 supusieron una irrupción incontestable de Silvestri en el mundo del cine, trabajando con los directores más prominentes del momento. Junto a Zemeckis, se consolidaría con Back to the Future (1985), un hito en la carrera de ambos. Durante el resto de la época trabajaría en películas igualmente célebres como Predator (1987) o Who Framed Roger Rabbit? (1988), e incluso colaborando con James Cameron un única vez en The Abyss (1989).

Ya en la década de los 90, Silvestri se vería asentado en la primera división del cine de Hollywood. Después de las nuevas entregas de Back to the Future y Predator, a mediados de la década, llegaría el mayor triunfo, especialmente a nivel de premios, del tándem Zemeckis-Silvestri. Forrest Gump (1994) fue un éxito descomunal, ganando los Óscars a Mejor Película y Mejor Director, y otorgándole al músico su primera nominación, también a los Óscar así como a los Globos de Oro. Alejada de las orquestas de metales que habían marcado su carrera, es una obra musical minimalista y sensible, enmarcada en un tema principal emotivo interpretado al piano.

La entrada en el siglo XXI trajo aventuras como The Mummy Returns , A Christmas Carol, Náufrago o Polar Express, con la que cosechó su segunda nominación al Óscar, en este caso a la Mejor Canción. Ya en 2011 el compositor accedió al carrusel de películas de los estudios Marvel, con Captain America, First Avenger, donde demostró su solvencia a pesar de no alcanzar las cotas llevadas a cabo con Zemeckis. Al año siguiente repitió con uno de los mayores éxitos de la compañía, The Avengers. Alan Silvestri no es de los compositores más laureados, ni siquiera en nominaciones, pero eso no ha impedido que se convierta en uno de los más queridos y respetados.

Elementos distintivos del estilo musical de Alan Silvestri

El compositor neoyorkino tiene una amplia formación como percusionista, además de una enorme habilidad como instrumentista, hechos que han forjado su estilo musical. Este, está caracterizado especialmente por la mezcla de instrumentos 'modernos' como la guitarra, la batería o el piano, con grandes orquestaciones.

Con un exquisito sentido del ritmo, también ha escrito grandes canciones que forman parte del imaginario cinéfilo. Está muy encariñado con los ritmos melódicos, a veces con cierto sabor latino y otras jazzístico. Como curiosidad, además de su profesión como músico, dispone de unos viñedos en California, su lugar de residencia. Sobre este tema, él mismo señala que "hay algo en el aspecto elemental de la vinificación que me atrae. Tanto la 'fabricación' de la música como la elaboración del vino implican la mezcla de arte y ciencia. Así como cada nota aporta su propia voz a la melodía, cada vid aporta su propia personalidad al vino".

A lo largo de su extensa carrera, Alan Silvestri ha abierto un camino de innovación con emocionantes y melódicas partituras y se ha ganado, al mismo tiempo, el aplauso del público y de la industria a nivel mundial. Ha escrito algunos de los temas más reconocibles y queridos de la historia del celuloide, por eso, está considerado como uno de los compositores más relevantes de la música para cine.

Las bandas sonoras más destacadas que Alan Silvestri ha compuesto

La mayoría de los proyectos de Alan Silvestri como creador de bandas sonoras, han ido de la mano de directores del calibre de Joe Russo, el citado Robert Zemeckis, Anthony Russo, Nancy Meyers o Joe Johnston y han ofrecido una calidad icónica en cada una de las piezas. Un músico como Silvestri ha explotado toda su creatividad inspirándose en películas de romance, aventuras, comedia, drama o fantástico. Ahora vamos a repasar las bandas sonoras más destacadas del neoyorkino.

Forrest Gump

El álbum recopilatorio publicado en 1994 y basado en las canciones que suenan en la película Forrest Gump, es una selección de clásicos exclusivamente norteamericanos, que abarca diferentes géneros musicales populares durante la segunda mitad del siglo XX, y que vendió más de 12 millones de copias. Zemeckis quería que en la banda sonora se incluyeran sólo temas de artistas estadounidenses, ya que pensó que es lo único que Forrest Gump escucharía.

La banda sonora original creada por Alan Silvestri se publicó de forma independiente a esta publicación. El minimalismo de esta obra y su capacidad para generar sentimientos, con un piano inolvidable, hacen de esta partitura algo memorable. El tema principal de la película es I'm Forrest... Forrest Gump', un precioso tema dulce y triste a la vez. Silvestri también firma Suite from Forrest Gump, una composición que va recorriendo la película y acentuando su efecto dramático, de nuevo con un magnífico piano y bellos elementos corales. Este trabajo es capaz de emocionar hasta a un robot.

Volver al Futuro (Back to the Future)

Regreso al futuro (1985), así como las secuelas Regreso al futuro II (1989) y Regreso al futuro III (1990), se han convertido en una de las trilogías y franquicias más célebres del cine de ciencia ficción, gracias a la citada colaboración de Robert Zemeckis y Alan Silvestri. La banda sonora original incluye varias canciones originales para la película, que son especialmente famosas, como The Power of Love, con una nominación al Óscar a la Mejor Canción Original.

La banda sonora de Regreso al futuro es otro de esos casos en los que se mezclan composiciones creadas expresamente para la película, con partituras de grupos reconocidos. La obra original de Silvestri es para muchos, una de las tres mejores partituras creadas por Silvestri. Algunos datos históricos señalan que el compositor no quedó demasiado contento con el trabajo realizado, también para Zemeckis, en Tras el corazón verde, así que aprovechó esta cinta para sacarse la espinita que tenía clavada.

En su momento, se dijo que Silvestri logró hacerse eco del sinfonismo desaforado que John Williams había rescatado para la música de cine desde mediados de los setenta. Logró así, que toda una generación quedara impresionada al escuchar la singular combinación de nueve notas que conforman el leitmotiv de la película.

Según ha declarado el propio compositor, en aquel momento estaba cumpliendo su sueño de crear una poderosa banda sonora con una gran orquesta. Vivió auténticos momentos de terror ante esa responsabilidad. Al principio leyó el guion y después se puso a componer. Tras asistir a un pase de trabajo con el director, entendió perfectamente lo que este quería. El heroísmo que caracteriza la partitura, la han convertido en una de las más admiradas. Es inevitable contemplar en nuestra mente los viajes en el tiempo del Delorean cada vez que escuchamos la música creada por Silvestri.

Los vengadores (The Avengers)

El tiempo ha demostrado que escoger a Alan Silvestri como compositor para la saga Los vengadores, (excepto Vengadores: La era de Ultrón (2015), fue una decisión acertada. El tema principal, sobre el que descansa toda la historia es extraordinario. Además, es muy reconocible, y sobre todo, al escucharlo lo asociamos rápidamente con personajes del cómic. El estilo de Silvestri siempre ha sido crear un tema central destacado y el resto de la partitura como acompañamiento.

Es digno de mención también, que la inmensa mayoría de películas, tanto de Marvel como de DC Comic, que han inundado el cine en este siglo, han estado acompañadas de excelentes bandas sonoras; épicas, llenas de orquestación, melódicas y fácilmente reconocibles, desde que en el 2002 Spider-Man, con Danny Elfman, abriera el camino. También es reseñable que ya antes, las partituras de otros personajes del comic tuvieron una destacada relevancia. John Williams abrió el tarro de las esencias con Superman, en 1978 y luego surgieron otros grandes con Danny Elfman en Batman (1989).

Como hemos comentado, Silvestri es un compositor lleno de vitalidad y ritmo, cuyas partituras siempre tienen protagonismo en la película. En múltiples ocasiones irradian entusiasmo, como en la citada Regreso al futuro o El padre de la novia (1991). Y, en otras, cierta melancolía, como en el caso de Forrest Gump o Náufrago (2000).

La saga de aventuras de Los vengadores requería fuerza, grandilocuencia y mucha orquestación, aunque también ofrece momentos de pura emotividad. A medida que la historia se fue desarrollando fue adquiriendo un cariz más dramático, como se puso de manifiesto en Vengadores: Endgame (2019). Esta composición se acerca más a la música de Náufrago.

Todos aquellos espectadores que quieran disfrutar de la música de Alan Silvestri en directo, pueden acudir a los conciertos de la Film Symphony Orchestra. En Krypton, la Gira, se pueden escuchar bandas sonoras de héroes y superhéroes en concierto y en la próxima Henko, la Gira, la mejor música de cine en vivo. Más de 70 músicos tocando las más inolvidables bandas sonoras de la historia del celuloide, te esperan. ¡No te lo pierdas!

# data[].attributes.attachment_link.title
Alan Silvestri y las bandas sonoras más destacadas del cine

# data[].attributes.attachment_link.description
Ven a descubrir a uno de los mejores compositores del cine, por algo Alan Silvestri está considerado como el genio detrás de las mejores bandas sonoras

# data[].attributes.attachment_link.title
Howard Shore - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Howard Leslie Shore ( Toronto, Canadá; 18 de octubre de 1946) es un compositor y saxofonista canadiense, conocido por sus bandas sonoras para películas. Ha compuesto las partituras de más de ochenta películas, entre ellas El silencio de los corderos y las películas de El Señor de los Anillos , por las que obtuvo tres Premios de la Academia.

# data[].attributes.attachment_link.title
Lord of the Rings Symphony - Howard Shore