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Abbigliamento nell'antica Grecia: come vestivano gli uomini e le donne in Grecia.

Abbigliamento maschile nell'antica Grecia

Il chitone

Gli uomini indossavano il chitone. Il chitone era un grande telo, di lana o di lino, che avvolgeva il corpo. Era stretto alla vita da una cintura; fermato da una spilla sulla spalla destra (la spalla sinistra rimaneva libera). Riguardo la lunghezza, il chitone era lungo nelle circostanze formali e cerimonie solenni; corto al ginocchio se indossato per le attività di tutti i giorni.

Il mantello (himation)

Per ripararsi dal freddo, sopra il chitone indossavano il mantello:

il tribonio era un tipo di mantello più ruvido e più grezzo, che lasciava scoperte le gambe. I filosofi lo indossavano per distinguersi;

la clamide era un corto mantello di tessuto leggero fissato sulle spalle o intorno alla gola da un fermaglio. Generalmente era utilizzato dai giovani e dai militari.

Abbigliamento femminile nell'antica Grecia

L'abito femminile greco per eccellenza era il peplo. Il peplo greco era un tipo di tunica più pesante, piegato e fissato sulle spalle e poi fatto ricadere sul petto. La larghezza della stoffa e il tipo di tessuto usato (lana o lino) permettevano di drappeggiarlo con particolare cura.

Come gli uomini, anche le donne indossavano il mantello e con l'estremità coprivano la testa.

Sorreggevano il seno con un'ampia fascia.

I capelli lunghi erano raccolti con nastri. Le più ricche portavano gioielli raffinatisssimi.

Le calzature nell'antica Grecia

Solitamente sia gli uomini che le donne calzavano sandali con suole di sughero o di cuoio legati alle caviglie e ai polpacci con delle stringhe.

Oltre al sandali, però, vi erano altri due tipi di calzature: per un approfondimento clicca qui.

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Abbigliamento nell'antica Grecia, maschile e femminile - Studia Rapido

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Abbigliamento nell'antica Grecia: come vestivano gli uomini e le donne in Grecia. Gli uomini indossavano il chitone. Il chitone era un grande telo, di lana o di lino, che avvolgeva il corpo. Era stretto alla vita da una cintura; fermato da una spilla sulla spalla destra (la spalla sinistra rimaneva libera).

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La moda degli Antichi Greci in due minuti

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LA VITA QUOTIDIANA DELLA DONNA NELL'ANTICA GRECIA 

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LA VITA QUOTIDIANA DELLA DONNA NELL'ANTICA GRECIA 

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Video appunto: Grecia - La vita quotidiana della donna nella Grecia Antica

La vita quotidiana della donna nella Grecia Antica

Quasi tutte le informazioni scritte che possediamo sulla sull'Antica Grecia sono opera di uomini. Raramente abbiamo notizie dal punto di vista della donna. Qualche cosa sappiamo sulla vita delle donne delle famiglie ricche; e di donne molto differenti, come schiave ed ex schiave che si esibivano nelle feste degli uomini.

Ma le donne di questi due gruppi sono solo una piccola parte della popolazione femminile. La storia delle donne greche comuni è per noi alquanto misteriosa.

Platone affermava che molte donne avrebbero dovuto essere istruite come gli uomini e considerate alla pari. Questa idea era ostica alla maggior parte dei Greci. Persino le donne, temeva Platone, avrebbero rifiutato il pensiero di condividere il mondo degli uomini. Le donne erano abituate a una "vita nell'ombra", ma cosa significava?
Su molti vasi greci gli uomini sono mostrati con pelle scura e le donne con la pelle chiara. Malgrado ciò esageri le differenze fra i due sessi, le donne nella vita reale erano molto più pallide degli uomini. Questo perché la pelle delle donne prendeva molto meno sole di quella degli uomini. Le donne stavano molto più in casa, e quando uscivano indossavano spesso lunghi mantelli e cappelli, per nascondersi agli occhi degli uomini, e quindi, dal sole. Essere pallida era di moda per una donna: ciò indicava che proveniva da una famiglia agiata, al contrario, la pelle scura era segno che una donna lavorava al sole, in un mercato o in un campo, cosa che facevano solo le donne povere. Molte donne greche avevano un'altra importante ragione per stare in casa: era questo il luogo in cui i loro mariti volevano che stessero, ma cosa faceva la donna in casa? Se apparteneva ad una famiglia ricca, controllava gli schiavi mentre svolgevano i lavori domestici e per il resto del tempo chiacchierava con le sue parenti. Un anonimo autore si lamentava delle donne benestanti che stavano mollemente sedute senza far niente. Le donne di condizioni più umili preparavano i pasti e facevano le pulizie, ma non effettuavano le compere, un compito affidato agli schiavi. Le donne crescevano i figli finché non erano abbastanza grandi per andare a scuola. Le femmine generalmente non andavano a scuola, ma imparavano a tenere una casa aiutando la madre. Ad alcune bambine veniva insegnato a leggere e a scrivere, per lo più dalle loro madri, ma gli uomini potevano aver da ridire su questo: una donna istruita avrebbe avuto troppo potere! Un personaggio maschile in una commedia diceva: "Insegnare ad una donna le lettere? E' un grave errore! Come dare altro veleno ad un pericolosissimo serpente velenoso."

Alle donne ricche, tuttavia, era permesso uscire qualche volta: le feste religiose erano occasioni per incontrarsi, ma anche qualche particolare avvenimento della famiglia, come ad esempio la nascita di un bambino. La maggioranza delle cittadine era povera, per loro uscire a lavorare era una necessità. Le donne potevano lavorare nei campi con gli uomini al tempo della mietitura, oppure potevano vendere cibo e vestiti nei mercati.
Alcune donne divennero celebri per la loro sapienza e per la loro saggezza: una certa Thargelia di Mileto, per esempio, fu consigliere del re di Persia, Aspasia, anche lei di Mileto, famosa per la sua intelligenza, fu la compagna del grande politico ateniese Pericle. Più famosa ancora fu Saffo, poetessa dell'isola di Lesbo, che scriveva con uno stile chiaro e semplice, spesso sulle persone che amava: "L'amore ha scosso il mio cuore, come il vento che si abbatte sulle querce di montagna."

Nel matrimonio, tra il VI e l'VIII secolo avanti Cristo, veniva considerata ancora considerata la donna come un dono grazioso e veniva ancora praticata la tradizione della dote. Lo statuto della sposa e delle ricchezze che l'accompagnavano era molto diverso ad Atene, città dell'apertura e del cambiamento, e a Sparta, città della chiusura e dell'immobilismo, anche perché le due città avevano una diversa concezione di comunità cittadina e della sua composizione. A quel tempo vi erano "Città calde" e "Città fredde", secondo la classificazione di Levi- Strauss. Le "Città fredde" (Sparta) hanno deciso di conservare l'organizzazione in case e di limitare l'appartenenza alla comunità cittadina ai soli possessori di terreni. Le "Città calde" (Atene) hanno posto fine alla struttura per case e hanno rifiutato di limitare l'appartenenza alla comunità cittadina ai possessori di terra.

Nelle "Città fredde" la sposa era padrona della sua persona e del suo corredo matrimoniale, mentre nelle "Città calde" la sposa, legata ad una dote in denaro, era sottoposta all'autorità del marito; insomma, la donna fu una vittima dell'invenzione della democrazia.

La struttura in case separate dell'Iliade e dell'Odissea.

Nell'Iliade e nell'Odissea vengono descritte molto bene le società strutturate in "Case separate". Innanzitutto bisogna capire il significato del termine casa, che in greco si diceva oikos; la casa era un elemento simbolico che rappresentava: la casa stessa, il suo contenuto, il proprio pezzo di terra e il bestiame. La casa omerica è un oggetto simbolico, ma è innanzitutto l'abitazione, "Ben costruita è un insieme di elementi anch'essi "Ben costruiti". La casa con l'insieme dei suoi elementi, come il focolare, l'alto tetto, le mura, ecc., è importantissima per la persona e per determinare la sua condizione sociale; infatti per avere un nome bisognava essere riconosciuti dal padre, dalla casa, appartenere quindi ad un gruppo di persone che hanno un padre, un nome e una casa, cioè ad un gruppo di residenti liberi. I non liberi, nella società omeriche, non avevano una casa, un nome e un padre; quindi la casa era un segno completo che definiva un gruppo residenziale. Se la casa era importante per determinare un gruppo residenziale, la terra permetteva la costruzione della sua gerarchia: c'erano case che erano tutt'uno con un lotto di terra, ce n'erano altre che invece possedevano più lotti di terreni e riscuotevano "Tributi" dagli edifici pubblici; vi erano inoltre persone che non avevano una propria casa e lavoravano nei terreni altrui. Il possesso di un lotto di terreno permetteva l'integrazione con la comunità collettiva, averne diversi significava avere il potere. La casa e la terra erano quindi ricchezze particolari che determinavano lo statuto. La casa era fondata sul matrimonio legittimo e si perpetuava attraverso latri matrimoni legittimi; in questa parte della casa la donna che metteva al mondo figli legittimi, a differenza delle altre donne aveva un'esistenza sociale riconosciuta. La donna, per la logica delle cose della società di allora, faceva parte delle ricchezze poiché era colei che provvedeva alla riproduzione.

Nelle società omeriche l'intero gruppo residenziale si fondava sul matrimonio legittimo e si perpetuava imponendo il matrimonio legittimo. Statuti e beni erano trasmessi per via ereditaria e solo i legittimi eredi ne potevano usufruire, infatti solo ai figli legittimi era destinata l'eredità, agli illegittimi era riservata solo la quota del bastardo e non godevano di nessuno statuto. Vi erano quindi delle regole rigidissime per quanto riguardava la sessualità a scopo riproduttivo, mentre non vi erano vincoli per la sessualità edonistica, infatti le grandi case omeriche erano piene di concubine e prigioniere. Tutte queste regole erano state imposte per scoraggiare la poligamia, di cui troviamo alcuni residui in alcuni passi dell'Iliade, forse perché si temeva un ingrandimento delle grandi case o di un'esplosione demografica.

Ci sono tre punti fondamentali che aiutano a capire molto delle case:

1. Le case non si intersecavano, infatti i figli maschi rimanevano nelle case, mentre le figlie femmine andavano a fare le mogli in altre case.
2. Le case si perpetuavano, infatti se una casa aveva solo figli maschi essa accoglieva delle nuore per perpetuarsi; se invece aveva solo figlie femmine, essa si perpetuava accogliendo altri generi.
3. Le case si segmentavano o alla morte del padre, quando i figli si dividevano l'eredità e si insediavano separatamente nella casa, oppure quando un padre prendeva un genero, procedendo così ad una segmentazione della casa.

Le case omeriche sembravano quindi praticare due tipi di matrimonio, quello da "Genero" e quello da "Nuora".
Questi due tipi di matrimoni implicano, essendo essi tipici della società omerica, il dono grazioso di una sposa legata a delle ricchezze e l'incorporazione del coniuge mobile nella consanguineità della casa che lo riceve. Il matrimonio greco dell'epoca classica si distingue per numerosi caratteri che non fanno altro che riproporre, o riconvertire, i caratteri del matrimonio omerico.

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Grecia - La vita quotidiana della donna nella Grecia Antica

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Video appunto: Grecia - La vita quotidiana della donna nella Grecia Antica La vita quotidiana della donna nella Grecia Antica Quasi tutte le informazioni scritte che possediamo sulla sull'Antica Grecia sono opera di uomini. Raramente abbiamo notizie dal punto di vista della donna.

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Pubblico un interessante articolo di approfondimento sull'antica Grecia che mi ha inviato l'archeologa Gianna Senesi

Le innumerevoli opere scritte, che raccontano della vita quotidiana, le fonti iconografiche (come le pitture vascolari) e i tanti ritrovamenti (come specchi, cesti e fusaiole), hanno permesso agli archeologi di ricostruire un quadro chiaro sul ruolo della donna nell'antica Grecia.

L?argomento è davvero molto vasto; qui affronteremo, per punti principali, la figura della donna nel periodo arcaico e classico (VII-IV sec. a.C.).

In Grecia, ad Atene, la donna libera, di buona famiglia, non aveva un ruolo sociale; fulcro della società ateniese era il nucleo familiare, per cui il destino di ogni donna era quello di sposarsi e di mettere al mondo dei figli, preferibilmente maschi, vista l?importanza che aveva la continuazione del gruppo. Il matrimonio era inteso come un contratto che si fondava sul concetto di dono, nel senso che la donna quando si sposava, veniva ?data in dono? con le sua dote dal padre, o dal tutore, al futuro sposo. In caso di divorzio (ad esempio, per l?adulterio della donna), la sposa tornava alla casa paterna con la propria dote, i propri effetti personali e i propri gioielli. Nel matrimonio i due sposi avevano ruoli e compiti distinti: l?uomo si occupava degli affari, del lavoro, della vita sociale, mentre la donna era destinata ad occuparsi del buon andamento della casa.

La donna trascorreva, quindi, la giornata nel gineceo (stanze a assegnate alle donne) dove sotto la sua tutela vivevano anche i figli, e le schiave, cui la padrona di casa assegnava i vari lavori domestici. Essa filava e tesseva, controllava il lavoro affidato alle schiave e organizzava le cerimonie familiari e i banchetti, ai quali, però, non prendeva parte. I bambini trascorrevano le giornate ascoltando storie e racconti di eroi (o le favole di Esopo), oppure giocando con trottole, piccoli animali di terracotta, bambole snodabili. I figli maschi restavano nel gineceo fino a sette anni, età in cui cominciavano a frequentare la scuola di un maestro, per imparare a leggere, scrivere e fare i conti, mentre le bambine restavano nel gineceo sotto la tutela materna.

La donna usciva in rare occasioni, come le feste di matrimonio o le feste religiose. In effetti, il solo campo della vita sociale in cui le donne potevano godere degli stessi diritti degli uomini, era proprio quello religioso, in quanto le donne sposate e madri di famiglia, con un?ottima reputazione, potevano essere elette sacerdotesse.

L?uomo poteva anche convivere con una concubina, che dal punto di vista dei doveri era parificata alla moglie, ma non godeva di alcun diritto; infine accanto all?uomo poteva esserci anche un?etèra, una donna colta, educata fin da piccola a fare compagnia all?uomo e sostenere conversazioni di alto livello su vari argomenti; lo accompagnava dove non erano ammesse la moglie e la concubina (ad esempio, ai banchetti) e aveva col ?compagno? un?intesa prevalentemente intellettuale.

A Sparta, invece, le donne godevano di una maggiore libertà, in quanto venivano educate fuori casa, frequentavano le palestre, potevano non occuparsi della casa e non curarsi della crescita dei figli. Era più importante dedicarsi alla danza e agli esercizi ginnici, così da fortificarsi e dare alla luce figli più sani e robusti. Come è noto, infatti, Sparta aveva al centro dei propri interessi lo Stato, che doveva sopravvivere attraverso l?incremento della popolazione: quindi, fondamentale era assicurare alla città uomini forti e validi, anche se non legittimi. Poteva, infatti, accadere che un marito non più giovane facesse giacere la moglie con un giovane particolarmente prestante per far nascere figli perfetti, che poi lui avrebbe riconosciuto come suoi.

A cura della Dott.ssa Gianna Senesi per i Servizi Educativi della Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana

Continua l'avventura dell'Archeologia con Picchetto l'Archeologo.

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La donna nell'antica Grecia - PortaleRagazzi.it

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Pubblico un interessante articolo di approfondimento sull'antica Grecia che mi ha inviato l'archeologa Gianna Senesi Le innumerevoli opere scritte, che raccontano della vita quotidiana, le fonti iconografiche (come le pitture vascolari) e i tanti ritrovamenti (come specchi, cesti e fusaiole), hanno permesso agli archeologi di ricostruire un quadro chiaro sul ruolo della donna nell'antica Grecia.

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Mito di Dafne - Mitologia greca - www.elicriso.it

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Mito di Dafne - Mitologia greca - Come l’amore di un dio, Apollo, fu la causa della trasformazione in una pianta di alloro di Dafne

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L'AMORE E IL DISAMORE, IL MITO DI APOLLO E DAFNE

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Prometeo era un Titano, figlio del dio Crono, il cui significato del nome è “colui che riflette prima” derivante dal greco Promethèus. Veniva chiamato anche il preveggente e l’astuto, aveva 5 coppie di fratelli gemelli. Tra questi c’era Epimeteo, il cui significato è l’esatto opposto del nostro protagonista e vuol dire “colui che riflette dopo” o l’impulsivo. Il mito racconta che Prometeo ricevette, dalla dea Atena e dagli altri dei, un numero limitato di buone qualità da attribuire agli esseri viventi. Suo fratello adempì a questo compito con leggerezza, assegnando i talenti in modo privo di pianificazione e alla fine, non ne rimasero a sufficienza da consegnare al genere umano.
Così Prometeo ebbe la brillante idea di rimediare il bottino, rubando uno scrigno dalla Dea della Saggezza. Il contenuto del forziere era l’intelligenza e la memoria, caratteristiche che a seguito del ladrocinio, Prometeo consegnò agli uomini.
Zeus, furioso dell’atto del Titano, pensava che i doni fossero troppo pericolosi per questa razza e decise di distruggerli. Tuttavia, in quell’epoca, agli uomini era permesso di presenziare alla corte degli Dei come ospiti graditi per momenti di allegria e convivialità. Proprio durante una di queste riunioni, fu portato un enorme Toro da dividere tra Zeus e gli uomini presenti. Il signore degli dei affidò l’incarico della spartizione a Prometeo che approfittò dell’occasione per ingannarlo. Il Titano, amava troppo gli umani e decise di assegnare le parti più buone del bue ai suoi prediletti. Così, divise la carne in due gruppi. Nascose le parti migliori sotto uno sgradevole ammasso di pelle dell’animale, mentre ricoprì le ossa con un luccicante strato di grasso. Fatte le porzioni, invitò Zeus a scegliere la sua parte.
Zeus accettò l’invito e prese la parte che luccicava di grasso. Scoprendo le ossa abilmente nascoste, si infuriò e decise di scagliarsi contro tutti gli uomini della Terra. Fu da quel momento che gli esseri umani cominciarono a scartare le parti non commestibili degli animali, consumandone invece la carne, a cambio della loro mortalità. Lo sfrontato raggiro doveva essere punito e Zeus, senza colpire Prometeo direttamente, tolse il fuoco agli uomini e li costrinse a una vita buia e senza calore.
Prometeo allora, pur di aiutare i suoi amati protetti, si fece aiutare da Atena a entrare nell’Olimpo per accendere una torcia dal fuoco del carro di Elio, Dio del Sole, restituendo loro la luce e il calore.
Il piano di Zeus, però, non si era ancora concluso e allora fece creare una bellissima donna da Efesto: il suo nome era Pandora. Il padre degli dei la inviò a Epimeteo affinché punisse gli uomini. Ma avvertito dal fratello, il Titano rifiutò la fanciulla. Fallito anche questo tentativo di vendetta, il padre degli dei fece incatenare Prometeo sulla vetta di un monte, dove un’aquila ogni giorno vi si recava a sventrargli il ventre e cibarsi del fegato. Essendo immortale, la sera le ferite guarivano, dando inizio a un’eternità di atroci sofferenze.
Epimeteo, addolorato per il destino del fratello, si rassegnò a sposare Pandora, ma essa sventatamente e per pura curiosità aprì un vaso che lui teneva gelosamente custodito, nel quale Prometeo aveva chiuso tutti i mali che potessero tormentare l’uomo: la fatica, la malattia, la vecchiaia, la pazzia, la passione e la morte. Essi uscirono e immediatamente si sparsero tra gli uomini; solo la speranza, rimasta nel vaso tardivamente richiuso, da quel giorno sostenne gli uomini anche nei momenti di maggior scoraggiamento.
Solo dopo tre mila anni il Titano incatenato fu libero, quando Ercole, figlio di Zeus, giunse sul monte uccidendo l’aquila e liberando Prometeo.

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Teseo e il Minotauro

Chi era Teseo?

Chi era il Minotauro?

Lo scontro tra Teseo e il Minotauro

Perché si dice "piantare in asso"? Per colpa di Teseo!

Teseo e il minotauro

protagonista di numerose imprese che entrarono di diritto nella cultura condivisa della tradizione classica, Teseo è uno degli eroi più celebri della mitologia greca. Grazie alla sua forza prodigiosa e una certa dose di astuzia infatti, questo avventuriero valoroso sconfisse terribili briganti, domò animali leggendari e uccise mostri orrendi, anche se l'impresa più famosa rimane il leggendario scontro con il minotauro, una creatura metà uomo e metà toro che divorava i sacrifici umani inviati nel suo labirinto.

Chi era Teseo?

Teseo era il figlio di Egeo, re di Atene (che però non era ancora la grande città che primeggiò nell'antichità), ed Etra. Secondo il mito però, anche il dio del mare Poseidone messe lo zampino nel concepimento del bimbo, che infatti crebbe con doti semi-divine.

Al momento della nascita però, lo stesso Egeo decise che il figlio non avrebbe ereditato il suo regno per diritto di sangue, ma avrebbe dovuto dimostrare il proprio valore. Così il re allontanò moglie e bimbo e consegnò ad Etra un paio di sandali e una spada, dicendole di nasconderli sotto un pesante macigno: quando avrebbe raggiunto la giusta età, Teseo avrebbe saputo di essere il discendente del re di Atene e avrebbe potuto recuperare due oggetti sollevando il grosso masso e dando prova della propria forza.

Teseo quindi crebbe a Trezene - la città materna - ignaro della propria discendenza regale. Una volta diventato uomo, Etra rivelò a Teseo il grande segreto e il giovane s'imbarcò nella missione che anni prima suo padre aveva predisposto. Recuperati sandali e spada infatti, Tesero si diresse così verso Atene e lungo il tragitto irto di pericoli sconfisse i briganti Sini, Procuste, Cercione e Scirone e uccise la scrofa di Crimmione. Tali imprese vennero tradotte dalla tradizione ateniese come esempi del ruolo di "civilizzatrice" che la città di Atene aveva da sempre ricoperto nel corso della sua storia.

Arrivato a destinazione, Teseo potè essere riconosciuto dal padre come principe legittimo.

Chi era il minotauro?

Molto meno gloriosa era invece la tragica storia del minotauro.

Quando l'isola di Creta era una potenza del Mediterraneo, il leggendario re Minosse aveva legittimato il suo potere agli occhi del popolo grazie all'aiuto di Poseidone (sì, l'altro papà di teseo), il quale aveva mandato al sovrano un meraviglioso toro bianco che Minosse avrebbe dovuto sacrificare. Vista la bellezza dell'animale però, il re cretese si guardò bene dall'uccidere il prezioso bovino e lo tenne come fiore all'occhiello della sua mandria.

Per punire il tradimento Poseidone fece innamorare la moglie di Minosse, Pasifae, dello splendido toro che aveva regalato al sovrano. Così la regina, in preda a questa folle passione, chiese aiuto all'ingegnoso Dedalo per farsi costruire una vacca di legno rivestita della pelle della femmina prediletta del bovino e dopo essersi nascosta dentro il marchingegno, si unì al toro bianco. Il risultato di tale abominio fu la nascita di un con le gambe umane e la parte superiore di toro - il minotauro appunto - che venne chiamato Asterione.

Naturalmente Minosse andò su tutte le furie e ordinò a Dedalo di costruire un intricatissimo labirinto (che infatti è anche chiamato "dedalo") dove rinchiudere il mostro che aveva iniziato a nutrirsi di carne umana.

Nel labirinto: lo scontro tra Teseo e il minotauro

Le storie di Teseo e del minotauro s'intrecciarono poco dopo il ricongiungimento dell'eroe con il padre Egeo. A quel tempo infatti Atene aveva perso una guerra contro Creta e ogni anno (o ogni nove, secondo altre versioni del mito) doveva inviare come tributo sette ragazzi e sette ragazze da dare in pasto al minotauro.

Teseo dunque si offrì come volontario per unirsi al tributo e sconfiggere il mostro e prima di partire si congedò dal padre con una promesse: se fosse sopravvissuto la nave che portava i ragazzi a Creta sarebbe ritornata con delle vele bianche. Qualora invece l'impresa non fosse riuscita, la nave avrebbe sfoggiato vele nere per il lutto.

Giunto a Creta, Teseo e i suoi compagni di viaggio vennero quindi portato al palazzo di Minosse. Qui però il fascino del giovane fece presa su Arianna, una delle figlie del re cretese, la quale s'innamorò di Teseo e decise di aiutarlo a sopravvivere.In segreto, dunque, la principessa regalò all'eroe una spada avvelenata e un gomitolo di lana che, srotolato lungo il percorso, avrebbe permesso all'eroe di ritrovare l'uscita del labirinto. Grazie al prodigioso aiuto di Arianna, Teseo si addentrò quindi nel labirinto e, trovato il minotauro, lo trafisse a morte.

Perché si dice "piantare in asso"? La colpa è di Teseo

La storia però non si conclude del migliore dei modi. Dopo l'impresa infatti Teseo corse alla propria nave insieme ad Arianna, cui aveva promesso eterno amore, per far ritorno a casa. Durante il viaggio però il giovane si pentì della propria promesse e approfittando di uno scalo sull'isola di Nasso, salpò di nascosto abbandonando la ragazza. Nei secoli questo comportamento non proprio da gentiluomo diede origine al modo di dire "piantare in Nasso", che poi divenne il moderno "piantare in asso".

Lo sgarbo però non restò impunito. Arianna infatti, accecata dal dolore, maledisse l'uomo che l'aveva così bassamente tradita, il quale dimenticò la promessa fatta al padre e non cambiò il colore delle vele della nave. Così, quando l'imbarcazione fu nei pressi del porto di Atena, Egeo vide le vele nere e pensando di aver perso l'amato figlio, si uccise gettandosi in mare, che dal quel momento verrà chiamato proprio Mar Egeo.

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Mitologia classica: Teseo e il Minotauro - FocusJunior.it

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Perché il Mar Egeo si chiama così? E perché si dice "piantare in asso"? Tutto ebbe origine nel mito di Teseo e il Minotauro (che aveva anche un nome)

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La mitologia greca è l'insieme dei miti e delle leggende legati alla cultura dell'antica Grecia. I racconti alla base della mitologia greca nascono tra il IX e l'VIII secolo avanti Cristo. In origine sono trasmessi per via orale. Successivamente vengono raccolti, ampliati e messi per iscritto. Oggi li conosciamo soprattutto grazie ad opere letterarie come l'Iliade di Omero e la Teogonia di Esiodo. La figura più importante della mitologia greca è Zeus, il re degli Dei, spesso raffigurato mentre brandisce un fulmine. Zeus vive sulla cima del monte Olimpo insieme a sua moglie, Era, regina degli Dei. Zeus governa il mondo in accordo con i suoi fratelli: Poseidone, signore degli abissi marini, e Ade, che regna sull'Oltretomba. Zeus ha numerosi figli. Alcuni sono legittimi, come Ares, il Dio della guerra. Altri sono nati fuori dal matrimonio: Zeus infatti tradisce spesso la moglie Era con altre divinità. Tra i figli illegittimi di Zeus ci sono Artemide, Dea della caccia, e Apollo, Dio dell'arte e della profezia. A volte Zeus si unisce anche a donne mortali, generando semidei: uomini con poteri divini. Il semidio più famoso è Eracle, l'eroe dalla forza sovrumana. Ci sono molte altre figure importanti nella mitologia greca. Afrodite, Dea dell'amore e della bellezza, nata dalla schiuma del mare. Atena, Dea della saggezza, scaturita dalla testa di Zeus durante una forte emicrania. Hermes, Dio dei ladri e dei viandanti, che porta un elmo alato e un bastone intrecciato di serpenti.

La mitologia greca non racconta solo storie di divinità, ma anche di uomini, spesso protagonisti di vicende tragiche. Come Agamennone, che torna a casa dopo dieci anni di guerra e muore per mano della sua stessa moglie. O Edipo, che uccide un uomo e sposa una donna senza sapere che sono suo padre e sua madre. Alcuni racconti della mitologia greca sono metafore di eventi storici. Ad esempio, le imprese di Eracle simboleggiano il trionfo della civiltà greca sui popoli barbari. Altri miti greci, come quello di Edipo, possono essere interpretati in chiave psicanalitica. In generale, il mondo della mitologia greca riflette la natura e la società degli uomini. Gli Dei greci hanno vizi e difetti tipici dei mortali: sono gelosi, vendicativi, spesso accecati dalla passione.

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La mitologia greca è l'insieme dei miti e delle leggende legati alla cultura dell'antica Grecia. Riflette la natura e la società degli uomini: gli Dei greci hanno infatti vizi e difetti tipici dei mortali. La conosciamo soprattutto grazie ad opere letterarie come l'Iliade, l'Odissea e la Teogonia.

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I miti greci sono storie e leggende tramandate fino ai giorni nostri, dai tempi dell'antica civiltà greca. Ogni mito narra diversi accadimenti, alcuni raccontano la nascita delle divinità greche, di esseri soprannaturali, altri di battaglie combattute tra eroi e personaggi malvagi.

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Il mito costituisce la più antica espressione culturale del mondo greco e, assieme all'epica, da' vita a un patrimonio di racconti che, tramandato oralmente per lunghi secoli, contribuisce a plasmare la coscienza dell'unità spirituale del popolo greco, pur nel permanere della divisione politica. Il mito è sostanzialmente un racconto (in greco mythos = racconto, narrazione) di vicende, fatti e imprese riguardanti gli dei e gli eroi: imprese e fatti perlopiù eccezionali, straordinari, riflesso di un bisogno collettivo, di superare i limiti del reale e di oggettivare ideali e valori. Esso non ha una netta dimensione temporale e la visione del mondo che si rispecchia nelle vicende "mitiche" è chiaramente pre-scientifica, pre-razionale. Il mito, dunque, rispecchia un'epoca caratterizzata dall'assenza della ricerca storica e di una speculazione scientifico-filosofica: in essa c'è una forte contiguità (e continuità) fra mondo umano e mondo divino, non solo perché si intrecciano le vicende degli uomini e degli dei, ma anche perché manca una distinzione qualitativa fra la sfera dell'agire umano e quella dell'agire divino (e alcuni uomini, infatti, naturalmente eroi, possono essere divinizzati). Eppure il mito sopravvive all'età arcaica e permea le più alte espressioni dell' arte dell'età classica(la lirica, il teatro, la scultura). Esso permane nella cultura greca anche quando si sviluppa la ricerca storica, scientifica e filosofica. La ragione è che i racconti "mitici" avevano dato voce a vicende che potevano essere reinterpretate e arricchite di significati simbolici, sicché il mito può convivere accanto, o meglio dentro, le mature espressioni di pensiero e di arte di una cultura più evoluta.

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Dopo la morte di Alessandro Magno nel 323 a. C., i greci iniziarono il periodo più luminoso della loro storia (durò fino al 30 a. C.), dove si diffuse la loro cultura un po' dovunque nell'impero che crearono chiamato Magna Grecia. L'arte fu usata per magnificare le conquiste militari e la potenza politica raggiunta nel sottomettere popoli. Tutto quanto piacque delle civiltà antiche i greci lo assimilarono, rielaborando invece ogni forma artistica ritenuta non in sintonia con le loro convinzioni: leggende orali, sculture, pitture ect.

L'antropomorfismo greco nato con la divulgazione dei testi omerici, vedeva gli dei dell'Olimpo distinguersi dagli uomini unicamente per la maggiore forza e bellezza fisica, questo produrrà un attenzione sul corpo umano mai esistita prima che si rifletterà in ogni opera artistica. L'arte figurativa incomincerà così il suo maggiore sviluppo raggiungendo vette altissime nella esecuzione di capolaviri che diventeranno scuola per il mondo. E' opinione generale che furono l'architettua e la statuaria i campi più amati dagli artisti greci per esprimersi, ma in realtà essi non trascurarono affatto la pittura; i dipinti purtroppo non resistettero all'usura del tempo come invece le statue e i templi, lasciandoci perciò poche tracce della loro esistenza.

Che lo sviluppo della pittura greca dovesse essere stato pari a quello della statuaria però, ci è rivelato dall'arte vasaria della ceramica, un prodotto artigianale robusto di cui sono state ritrovate molte testimonianze. I ceramisti riproducevano i lavori dei pittori più famosi risolvendo i problemi della narrazione sintetizzando le forme e quindi non sapremo mai come di preciso potessero essere le conquiste tecniche in pittura in base agli studi del corpo umano ben risaltati invece dalla statuaria, però vi sono comunque visibili notizie assai interessanti.

Nell'antica Grecia come per i poeti e gli scultori, la sensibilità dei pittori si concentrò unicamente sull'utile, senza la quale per loro non poteva esistere il bello. Essi dipingevano allora navi, templi, ricche dimore, oggetti posti sotto l'abilità tecnica del dio Efesto (nome romano Vulcano) come armi, scudi etc.

Le storie mitologiche davano spunti narrativi per esprimere le proprie idee politiche sui fatti che accadevano sul momento e con il passare del tempo dalle decorazioni sui vasi, si poté intuire come cambiava il pensiero umano.

Le tecniche pittoriche vasarie cambiarono di secolo in secolo per migliorare gli effetti pittorici, segno di progressi nella pittura che per riprodurli abbisognavano di modifiche.

Nel IV secolo a. C. in poi, ai tempi del famoso Polignoto, (il divo del pennello di quei tempi), appare un impoverimento nell'arte vasaria. Lo stile di questo grande pittore cantato nell'antichità, sarà difficile da eseguire sui vasi perciò ne uscirà un manierismo piacevole, però senza nessuna poeticità.

Di Polignoto che incantò con le sue opere non ci è rimasto nulla, ma la sua grandezza è ricordata dagli scrittori e dall'impossibilità di artisti più modesti come i vasai, di riprodurre la sua arte su anfore e vasi. Le fonti ci dicono che egli dipingeva con i colori fondamentali (nero, bianco, rosso e giallo) con straordinaria ricchezza tonale fatta di grande varietà di mezze tinte e con solidi impianti narrativi.

Chissà, forse Polignoto s'impegnò anche molto nello studiare un modo per non essere facilmente copiato dai vasai, senza supporre ovviamente che proprio loro, avrebbero potutofarci conoscere meglio le sue opere.

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Nell'arte figurativa degli antichi greci (a partire dall'VIII sec.a.C.) la pittura ha raggiunto livelli qualitativi ed estetici notevoli che purtroppo non sono pervenuti a noi completamente.

Le cause della perdita delle opere pittoriche greche è da individuarsi nel deterioramento naturale, nella distruzione conseguenza delle guerra e nella deperibilità di alcuni materiali su cui erano dipinte.

Le pitture che sono rimaste intatte nei secoli sono piccole tracce di uno sviluppo artistico straordinario e anche nei pochi reperti che abbiamo è evidente il livello di perfezione e bellezza.

Gli artisti greci lavoravano molto ad affresco, a tempera, ad encausto e a mosaico ma la maggior parte delle pitture greche rimaste integre nei secoli sono prevalentemente di tipo vascolare (vasi dipinti).

Il vasellame greco presenta rappresentazioni astratte (geometriche), naturali (piante o animali), soggetti umani (non divinità) impegnati in battaglie o soggetti umani impegnati in attività quotidiane (non necessariamente eroiche).

L'attuale notorietà dei pittori che dipinsero in Grecia è frutto del lavoro di ricerca degli studiosi che hanno trovato riferimenti scritti e reperti a testimonianza del loro virtuosismo pittorico. Alcuni pittori greci famosi sono: Zeusi, Parrasio, Timanto ed Apelle, di questi grandi artisti greci non possiamo ammirare le opere perchè non sono sopravvissute ai millenni di storia che li dividono da noi.

Un altro pittore greco molto conosciuto è Polignoto di Taso, egli dipingeva le sue opere utilizzando una gamma cromatica di solo quattro toni su fondo monocromo e ha raggiunto la notorietà per la sua capacità di inventare spazi e forme, i primi pittori Greci non conoscevano il chiaroscuro come lo intendiamo noi e dipingevano con tinte piatte, nel 540 a.C. sembra che alcuni pittori abbiano iniziato ad introdurre e ad applicare le ombre utilizzando sempre e solamente pochi colori (es. bianco, ocra gialla, terra rossa e nero).

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Nell'arte figurativa degli antichi greci (a partire dall'VIII sec.a.C.) la pittura ha raggiunto livelli qualitativi ed estetici notevoli che purtroppo non sono pervenuti a noi completamente. Le cause della perdita delle opere pittoriche greche è da individuarsi nel deterioramento naturale, nella distruzione conseguenza delle guerra e nella deperibilità di alcuni materiali su cui erano dipinte.

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La storia dell'architettura nell'antica Grecia attraverso un viaggio nella storia.

Abbiamo imparato molto dalla storia dell'arte per quanto riguarda lo sviluppo e le meraviglie portate dalla civiltà dell'antica Grecia. Abbiamo appreso per esempio come questo fiero e importante popolo vissuto in un periodo molto lontano dal nostro attraverso le idee, le nuove tecniche e le straordinarie opere dei suoi grandi artisti abbia contribuito a influenzare e a dare un forte impulso al mondo dell'arte e della cultura trasformandola positivamente e diventando addirittura un modello da imitare e ammirare per tante generazioni di artisti nel futuro.

Caratteristiche dell'architettura greca e le città-Stato.

Soprattutto quando pensiamo all' architettura gli artisti greci hanno permesso un grande cambiamento, sono stati fondamentali concependo delle idee innovative superiori a tutti e arrivando a costruire delle stupende opere con Edifici che ancora oggi possiamo vedere e ammirare. Grazie alle numerose testimonianze storiche e le opere che sono arrivate quasi intatte fino ai nostri giorni dopo scavi archeologici eseguiti possiamo capire quanto questa civiltà Greca era avanzata nel campo delle costruzioni e dell'architettura di urbanizzazione.

Le architetture greche presentano come caratteristiche delle forme molto semplici, i volumi vengono definiti in modo preciso e presentano delle armonie e dei ritmi perfetti anche nelle strutture. I bravissimi architetti greci sono riusciti a creare strutture per Edifici che presentavano novità come le colonne, gli archi e altri elementi. Nel tempo sono stati creati dei nuovi Ordini architettonici usati per la costruzione di nuovi tipi di Edificio. Si assiste infatti alla nascita di nuove tipologie architettoniche che vengono progettate dai più bravi architetti dell'epoca con degli scopi precisi e funzionali per la popolazione greca, come per esempio quella dei Templi per un uso religioso dei fedeli, di Edifici civili o dei Teatri che avevano uno scopo invece di utilità pubblica o di semplice divertimento. I materiali più utilizzati all'epoca per queste costruzioni erano i marmi, la pietra e il legno.

Intere città sono state fondate o riordinate durante il periodo di massimo splendore dei Greci. Queste città che in lingua greca venivano chiamate Polis, ovvero le Città-Stato avevano delle regole architettoniche molto precise. I confini di alcune di queste belle città greche come per esempio una delle più famose, Atene erano in genere molto vasti e comprendevano anche la campagna circostante la quale era a sua volta costellata da tanti piccoli villaggi abitati da contadini e da agricoltori. Il centro della città vera e propria era protetta da alte mura e di solito veniva divisa in due parti:

la città bassa dove si viveva la gran parte della vita quotidiana. Qui vivevano molti cittadini, si lavorava e si studiava;

la città alta chiamata anche Acropoli. Vediamo in alto una ricostruzione dell' Acropoli di Atene dove vi era tra l'altro anche la sede di molti importanti Edifici come quelli adibiti al culto religioso con i famosi Templi greci costruiti dagli architetti per devozione dei cittadini e dei sovrani greci. l'Acropoli era la zona più protetta e riservata della città allo stesso tempo.

L'architettura e gli Edifici più importanti dell'antica Grecia.

Uno degli Edifici che oggi possiamo definire uno dei simboli dell'architettura greca sia per la sua architettura ma anche per essere un importante centro per la vita religiosa di questa civiltà con tutti i suoi fedeli era il Tempio. Questo esprime attraverso le sue forme e i suoi precisi elementi la ricerca di una armonia e di un equilibrio che erano proprio tipiche della cultura greca e ellenica. Leggete l'articolo sul Tempio.

Da italiani come non pensare per esempio alla favolosa Valle dei Templi di Agrigento nella bella Sicilia quando si parla di architettura greca. Questa valle è stata dichiarata patrimonio dell'Umanità dall'UNESCO. Presenta moltissime rovine antiche di una intera Acropoli, con tanti Templi greci di cui ben sette sono costruiti in stile Dorico. Il Tempio della Concordia è uno dei meglio conservati, quasi tutto intero.

Il Tempio che era la casa di una delle divinità protettrici della città e del popolo doveva essere progettato e costruito con precise regole matematiche e geometriche. In genere la pianta doveva essere rettangolare e una o più file di colonne dovevano circondare il perimetro dell'edificio. Queste colonne dovevano essere appoggiate su un basamento perfettamente regolare al quale si poteva accedere tramite una gradinata.

I due lati corti del Tempio che chiamiamo facciate sono coronate dal frontone che era la caratteristica più evidente di ogni tempio con le sue decorazioni. Infatti l'interno del frontone chiamato timpano era molto spesso arricchito con sculture in altorilievo o addirittura a tutto tondo. Vediamo sopra una immagine grafica di un Tempio greco con alcuni suoi particolari.

La statua appartenente alla divinità di cui il Tempio prendeva il nome veniva custodita all'interno di una cella chiamata naos, preceduta da un vestibolo (pronao) e a volte si poteva trovare anche un altro vano chiamato opistodomo. Potevano entrare all'interno dei Templi soltanto i Sacerdoti e alcune persone che svolgevano particolari lavori, infatti le cerimonie a cui partecipava tutta la città venivano celebrate all'esterno dell'edificio (vediamo sotto la pianta).

Gli architetti greci nel realizzare un Tempio usavano seguire il sistema architettonico chiamato trilitico, che era basato su elementi verticali (le colonne) che reggono il peso degli elementi orizzontali (trabeazione). Nel corso dei secoli il sistema costruttivo e la pianta del Tempio non subirono variazioni o importanti modifiche, anzi alcune di queste caratteristiche fondamentali dell'architettura greca talmente erano ben fatte, armoniose e belle da vedere secondo i canoni del tempo che diedero vita ai famosi Ordini Architettonici Greci, cioè l' ordine Dorico, Ionico e Corinzio di cui abbiamo parlato in un altro articolo sempre su questo sito.

Altro importante Edificio dell'architettura dell'antica Grecia di cui per fortuna alcuni esempi sono arrivati quasi intatti sino ai nostri giorni è il Teatro greco.

Il Teatro la cui forma inizia a definirsi tra il V e il IV secolo a.C. è una delle belle creazioni e vanto dell'architettura greca. Vediamo una immagine sotto del Teatro di Epidauro, del IV secolo a.C..

Il pubblico sedeva su un ampia gradinata a forma di semicerchio chiamata la Cavea, costruita con genialità sfruttando spesso la pendenza naturale di un colle. La Cavea veniva divisa in settori da corridoi convergenti che servivano ad agevolare l'afflusso e il deflusso del pubblico nel Teatro. Tutta la rappresentazione teatrale si svolgeva in basso.

Gli spettacoli teatrali greci erano quasi sempre collegati a cerimonie sacre in onore delle divinità. Per questo motivo oltre ad avere una funzione gioiosa di puro divertimento vero e proprio, il Teatro svolgeva anche una funzione religiosa.

Tra i vari Teatri meglio conservati ai giorni nostri oltre quello che possiamo ammirare presso la città di Taormina che si trova in Sicilia, usato oggi per spettacoli di arte, sicuramente c'è quello di Epidauro nel Peloponneso nord-orientale. Questo bellissimo Teatro antico riusciva ad avere una acustica perfetta e arrivava a contenere circa 14.000 spettatori.

Nei Teatri greci lo spazio destinato alle rappresentazioni era suddiviso in questo modo:

l'orchestra è lo spazio, circolare o semicircolare riservato al coro che con canti e danze accompagna la recita degli attori.

Il proscenio sarebbe invece il nostro palcoscenico di oggi. Qui si faceva la vera e propria rappresentazione teatrale.

Il palcoscenico chiuso da una scena fissa che poteva essere di pietra o di legno corrispondeva ai fondali moderni.

Se vi fa piacere leggete altri articoli che spiegano meglio l' architettura Greca, gli Ordini architettonici e i suoi Edifici più importanti cliccando qui sopra.

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L'architettura nell'antica Grecia tra stili, città ed Edifici di questa grande civiltà

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La storia dell'architettura nell'antica Grecia attraverso un viaggio nella storia. Abbiamo imparato molto dalla storia dell'arte per quanto riguarda lo sviluppo e le meraviglie portate dalla civiltà dell'antica Grecia.

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le fasi dell'arte greca e l'arte dei vasi

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Le fasi dell'arte greca e l'arte dei vasi

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La ceramica, essendo indistruttibile, era impiegata per produrre oggetti dagli svariati usi. Per questo motivo costituisce la fonte più cospicua e fondamentale per conoscere le civiltà del passato. Nel caso specifico della Grecia, ci restituisce quasi interamente l'immagine della pittura greca.
L'arte ceramica greca ha una storia il cui inizio risale al secondo millennio a.C.. In quell'epoca si cominciò a fabbricare i vasi mediante l'impiego del tornio, uno strumento che consentì la realizzazione di opere più raffinate.

Il repertorio figurativo della ceramica greca cambia completamente nel X secolo a.C., quando cominciano a essere utilizzati motivi "geometrici". Triangoli, rosette, linee ondulate e svastiche uguali nello spessore, cerchi e semicerchi tutti rigorosamente tracciati con il compasso, Mentre lo stile naturalistico tipico dell'arte cretese e micenea fatto di animali marini e piante, viene completamente ridotto al minimo. Ciò è visibile nell'Anfora del Ceramico (il quartiere di Atene con le botteghe artigiane). Qui la figura del cavallo non solo è resa quasi come un simbolo attraverso la raffigurazione con zampe filiformi e il collo arcuato, ma è subordinata al resto della decorazione.

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Ci troviamo nel periodo cosiddetto Protogeometrico che inizia sullo scorcio dell'XI sviluppandosi per tutto il X secolo. Una produzione fatta di vasi con pareti sottili, orlo spesso, piede espanso e pancia ampia, con una netta articolazione nelle varie parti compositive. Il vaso veniva studiato nella forma e nella superficie al fine di calcolare quanti motivi geometrici scelti potessero costituire la decorazione complessiva perfettamente aderente alla forma, la quale tende da globulare a ovoidale con un progressivo snellimento.

Bisognerà attendere il Periodo Geometrico tra il IX e l'VIII secolo a.C. per la ricomparsa di un repertorio figurativo con la figura umana. Inizialmente è raffigurata mediante una semplice silhouette successivamente arricchita da una linea di contorno e dettagli interni. Inoltre, le figure umane figuravano anche sulle anse mentre quelle animali, come prese per i coperchi. Per quanto concerne la tipologia, molti dei vasi del periodo geometrico erano di tipo funerario. Dunque impiegati per contenere le ceneri dei defunti, oppure come doni votivi. La struttura del vaso è sempre più articolata, slanciata e armonica per forme di piccole dimensioni per arrivare alle grandi dimensioni come anfore e crateri usati come segnacolo per le tombe a cremazione. Un monumento funerario dove sono visibili le capacità artistiche, l'abilità tecnica, il gusto raffinato dei ceramisti e dei ceramografi.

Ma i vasi più importanti erano quelli dalle grandi dimensioni infatti, lavorati in parti separate che venivano unite mediante argilla liquida. La forma dipendeva dal sesso della persona a cui il vaso era destinato. Agli uomini spettava il cratere poiché dovevano mescere l'acqua e il vino per il banchetto, mentre alle donne andava l'anfora, dato che avevano il compito delle funzioni domestiche. La superficie esterna era ricoperta dalla decorazione disposta secondo ordini a riquadri o sovrapposti. Era frequente il tema del defunto collocato sul feretro attorniato da cortei funebri insieme a scene di naufragi e battaglie marittime. La raffigurazione era di tipo bidimensionale senza alcuna distinzione dei piani prospettici.

Il Cratere attico geometrico figurato conservato al Metropolitan Museum di New York, è uno dei vasi più rappresentativi dell'eccellenza raggiunta dalla ceramica greca nell'VIII secolo a.C.. Su di esso è raffigurato il defunto su letto funebre con ai lati la celebrazione rituale del lutto. A lato di una delle due anse è disegnato un uomo isolato. Mentre il registro inferiore riporta scene della vita del defunto in chiave epica, un uomo potente avvezzo a tali imprese. C'è una nave che ha toccato terra poiché le vele sono ammainate e i rami alzati, l'equipaggio è in parte sceso e si appresta all'assalto.

Inoltre, si delineano figure di decoratori con una spiccata creatività tra i quali abbiamo il Pittore di Bellerofonte, cosiddetto dalla raffigurazione di Bellerofonte su Pegaso che combatte una Chimera. Un capolavoro che segna perfettamente il passaggio di tematiche da animali e vegetali a mitologiche che successivamente si arricchiranno di elementi militari. Il lungo processo mediante il quale si verificò la rottura con il formulario della tradizione geometrica e la conseguente apertura agli influssi orientali comportò, a partire dalla fine dell'VIII secolo a.C., la diffusione della produzione Protoattica, così chiamata per indicare il risveglio dell'Attica come posizione egemone.

Verso la ricerca di forme nuove

Comincia la ricerca di forme e decorazioni nuove. Momento di grande splendore vi fu negli ultimi anni del VII secolo a.C. quando la gamma cromatica si ampliò e si affinò il gusto compositivo. Artisti di eccezionale talento furono il Pittore di Analatos, così chiamato per una Hydria rinvenuta dell'omonima località, attivo tra VIII e VII secolo a.C..Il Pittore di Polifemo per un'anfora rappresentante Ulisse in atto di accecare il Ciclope, attivo nel 660 circa. Aristonothos che formò un Cratere che aveva da un lato la raffigurazione di una battaglia navale con soldati e navi da guerra e dall'altro, l'accecamento di Polifemo da parte di Odisseo.

di Mariapia Statile

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Ceramica greca. Dal Protogeometrico al Protoattico > Artesplorando

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La ceramica, essendo indistruttibile, era impiegata per produrre oggetti dagli svariati usi. Per questo motivo costituisce la fonte più cospicua e fondamentale per conoscere le civiltà del passato. Nel caso specifico della Grecia, ci restituisce quasi interamente l'immagine della pittura greca. L'arte ceramica greca ha una storia il cui inizio risale al secondo millennio a.C..

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Bibliografia

Nel periodo arcaico la scultura greca conosce un nuovo impulso: si evolve nelle tecniche, nei repertori figurativi, nelle forme e anche nei generi. In stretto rapporto con l'architettura, botteghe specializzate di artisti realizzano tutti gli elementi dei templi che fanno parte dell'ornamentazione plastica: i frontoni, le metope, i fregi, gli acroteri, le antefisse e i capitelli delle colonne. Vengono rappresentate scene del mito, episodi di guerra o cerimonie sacre, eroi e divinità. Si passa dalla tecnica a rilievo alle forme a tutto tondo. Ma soprattutto si assiste alla monumentalizzazione della figura umana con la produzione delle statue di grandi dimensioni e al definirsi delle due caratteristiche categorie della Kore e del kuros.

i.

Statuaria

La prima novità importante è la comparsa della scultura monumentale, cioè di statue in pietra a grandezza naturale o di maggiori dimensioni a partire dal VII secolo, che vennero depositate come ex-voto nei templi e nei santuari più importanti della Grecia.
Precedenti a queste esistono solo rari esempi di sculture in legno rivestite in lamine di metallo: gli xoana, risalenti ai periodi geometrico e orientalizzante. Ma la stragrande maggioranza delle sculture dei periodo protogeometrico e geometrico erano di piccole dimensioni, avevano funzione votiva ed erano realizzate in materiali diversi come ceramica (le più comuni), bronzo, avorio, pietre pregiate. I primi e ancora rari esempi di sculture monumentali in pietra si rintracciano nel periodo orientalizzante.

In una originale fusione tra il gusto orientalizzante e il primo arcaico, nell'isola di Naxos, particolarmente aperta agli scambi commerciali e culturali con l'Egitto, vengono realizzati altri tipi di sculture monumentali, sia con funzione votiva che con destinazione funeraria. Uno degli esempi più importanti è la , del 550 a.C. proveniente dal santuario di Apollo a Delfi e oggi esposta al Museo di Delfi.

Altra zona artistica che comincia a produrre grandi sculture è l'Attica da cui proviene la Stele funeraria del Metropolitan di New York risalente al 530 a. C.

Diverse sono le ragioni che portano allo sviluppo della scultura monumentale arcaica.
I rapporti e gli scambi con altri popoli hanno stimolato una maggiore apertura culturale e sperimentazione. La diffusione dei culti presso i santuari ha contribuito al nascere di numerosi laboratori artistici per la produzione di oggetti votivi. L'affermarsi dell'aristocrazia e la conseguente distinzione sociale ha provocato la richiesta di oggetti sempre più raffinati e pregiati che potessero manifestare il prestigio personale. La tendenza alla competizione tra individui e città ha spinto intere comunità cittadine a gareggiare con le altre per offrire agli dei i doni più preziosi.

Tema esclusivo della scultura arcaica è la figura umana.
Nello stile inizialmente le statue arcaiche risentono dell' influenza della statuaria egizia. I primo esempi ne riprendono anche la tecnica di lavorazione, la composizione simmetrica, la generale fissità e staticità. Ma si tratta di una somiglianza solo esteriore e che vale soltanto per una breve della fase iniziale. Dai quei primi esempi le statue greche si evolvono in forme molto diverse perchè rispetto alle sculture egizie hanno un significato diverso. Mentre il simulacro egizio rappresentava la sede dell'anima del defunto, la statua greca rappresenta una figura umana ideale. Per questo viene avviato un processo di "perfezionemento": gli artisti cercano di raggiungere proporzioni e forme perfette con un'attenzione sempre maggiore all'anatomia del corpo umano. Le forme anatomiche perfette nella statuaria greca corrispondono all'idea di perfezione morale. In un primo tempo questa perfezione è identificata con la geometria (quindi le forme anatomiche sono più geometriche), in seguito la perfezione morale si identifica sempre di più con la bellezza fisica ideale.
Una conseguenza di questa rappresentazione dell'umanità idealizzata è che nelle statue arcaiche non esiste il ritratto, la somiglianza all'individuo, il realismo, ma si tratta sempre di figure generiche, corrispondenti ad un'idea astratta di bellezza.

Vengono quindi elaborati due tipi di statue: il (il giovane) e la (la giovane), che rappresentano i corrispettivi maschile e femminile di un offerente ideale o di una divinità (poichè nella religione greca gli dei erano assimilati a forme umane). Quando rappresentano una divinità, di solito le statue hanno dimensioni maggiori.

Kuros e Kore sono figure generiche perchè non hanno particolari attributi, caratteri distintivi nè intenzioni ritrattistiche. Non compiono gesti e non sono mai impegnati in azioni particolari, tranne l'atteggiamento di offerta. Anche nello stile non sono mai realistiche, ma rispondono sempre a regole generali. La figura è chiusa in una posizione eretta, molto composta, austera, solenne. Esprime un senso di dignità, equilibrio, di eleganza e civiltà per la kore e di energia contenuta, potenziale per il kuros. Per tutto il periodo arcaico nelle statue manca il dinamismo, ma viene sempre sottolineata la presenza fisica dell'oggetto nello spazio attraverso un carattere di concretezza e solidità fisica.

Un'altra componente importante della statua greca arcaica è la nuova concezione di autonomia. A differenza della statuarie di altre civiltà come ad esempio quelle medio-orientali o egizie, il kuros e la kore, per la loro funzione di omaggio esteriore del devoto alla dinvinità, non subiscono alcun assoggettamento esercitato dal potere politico o religioso: la statua non greca non è più nè un idolo nè un simulacro, ma il semplice dono di un fedele, e il fatto più importante e senza precedenti nel mondo antico è che il suo valore non è più nel tema rappresentato ma nella qualità artistica.

Altra novità assoluta è lo spirito di ricerca e sperimentazione formale dell'arte greca. Nelle altre civiltà gli artisti sonopiù legati a schemi fissi per rappresentare soggetti diversi. Quindi si ripetono le forme sostanziali e si variano i temi, anch'essi definiti.

L'arte greca invece usa per lungo tempo lo stesso tema della figura umana ma variandolo continuamente fino a produrre modificazioni e interpretazioni infinite dello stesso tema.
La rispondenza ad un canone rappresentativo è soltanto una caratteristica iniziale, che verrà subito interpretata con molta libertà dalle diverse facies e dai singoli artisti fino ad ottenere un'infinita ganmma di rappresentazioni diverse dello stesso tema della figura umana. Durante il periodo arcaico si coglie una continua evoluzione stilistica e tecnica, la maggiore conoscenza anatomica si esprime nel perfezionamento delle forme del corpo in un processo di graduale conquista dell'apparenza naturale, che procederà anche nel periodo successivo.
La tecnica inizialmente è ripresa dalla scultura a tutto tondo in uso nella civiltà Egizia. Da un blocco di pietra squadrato in una forma regolare venivano disegnate le quattro vedute su ogni faccia. Quindi si procedeva con la sbozzatura con la mazza. Il lavoro veniva continuato con lo scalpello, passando dalla punta più grossa alla più fine. Per alcuni particolari veniva usato il trapano, l'ultima fase era la levigatura. Infine le statue venivano dipinte a colori vivaci. Ma anche questo procedimento verrà perfezionato nel corso del periodo arcaico.

Per quanto riguarda lo stile, analogamente agli ordini architettonici, si possono individuare tre grandi correnti scultoree principali, che si sviluppano tra il VII e il VI secolo a. C:

dorica, caratteristica soprattutto del Peloponneso,

ionica, di origine orientaqle ma poi diffusa nelle isole dell'Egeo, soprattutto ad Efeso, Mileto, Samo.

attica, relativa ad Atene e al territorio limitrofo.

Le tre correnti espressive manifestano differenze di gusto e variazioni nelle tecniche di lavorazione.

La scultura dorica si riconosce per le forme squadrate e compatte e le proporzioni volutamente massicce, con un effetto di grande solidità ed energia contenuta. La lavorazione iniziava da un blocco squadrato di forma parallelepipeda.

Le forme più affusolate e tondeggianti della corrente ionica derivano invece da una prima preparazione di un blocco cilindrico. Le forme sono sempre semplici, ma risultano più elastiche e le proporzioni più slanciate. Il modellato è più dolce e nell'insieme l'effetto è di maggiore eleganza.

La corrente attica si manifesta a partire dal VI secolo a. C. ed è più attenta ai particolari, precisa nella lavorazione e attenta nello studio delle proporzioni e delle caratteristiche anatomiche. Rispetto alle altre correnti presenta anche maggiori variazioni rispetto al modello generale.

All'interno di ogni corrente si distinguono anche gli stili personali degli artisti, i cui nomi e la cui fama è giunta fino a noi.

A. Cocchi.

La Kore

La (dal greco: la giovane) è una scultura di grandi dimensioni tipica del periodo arcaico greco. Kore in greco indica una giovane donna nel momento del massimo fiorire dalla sua femminilità e del raggiungimento della sua consapevolezza ed equilibrio interiore.
Riferendosi idealmente alla donatrice, era utilizzata come offerta votiva da deporre nei templi e nei santuari, e a volte, nelle tombe. Come nel caso del, anche la veniva lavorata a tutto tondo partendo dalle quattro facce di un blocco di pietra precedentemente squadrato e l' anatomia passa gradualmente dai primi esempi più schematici alle forme meglio definite del tardo arcaismo.
La scultura, corrispettivo femminile del kuros, rappresenta una giovane donna stante in posa eretta, con i piedi uniti, un braccio lungo il corpo e l'altro piegato sul petto o con in mano un'offerta. A differenza del kuros la kore è vestita secondo la moda del tempo. In genere indossa una lunga tunica, detta , fermato da una cintura in vita e da un mantello drappeggiato, chiamato himàtion. L'acconciatura è simile a quella maschile, divisa in numerose treccioline ricadenti sulle spalle in modo da formare un triangolo.

Anche in questo caso si tratta di un' immagine di donna generica e ideale, senza alcun intento ritrattistico.
La frontalità e la simmetria che ne caratterizzano la composizione discendono direttamente dalla scultura egizia, come anche gli occhi a mandorla, il lieve sorriso, la continuità dell'arco sopraccigliare con la linea del naso. Anche le korai greche, come i kuroi hanno un intento celebrativo e sono riferite alle donatrici, che erano di solito persone appartenenti alla classe dominante. Esprimono simbolicamente valori civili di grazia, eleganza, rettitudine.

A. Cocchi.

Il Kuros

Il (dal greco: il giovane) arcaico è una scultura greca con funzione votiva destinata i santuari, ai templi o alle tombe. Il termine kuros in greco indica un giovane nel pieno del suo sviluppo fisico e interiore.
La statua veniva scolpita a tutto tondo partendo da un blocco di pietra o marmo, precedentemente squadrato e sbozzato. Nelle dimensioni il kuros greco generalmetne è a grandezza naturale, o a volte maggiore.
Rappresenta una figura maschile in piedi, nuda, priva di qualsiasi riferimento indivuduale, è l'immagine generica e ideale di un uomo giovane.
E' perfettamente simmetrica rispetto al suo asse verticale, ha un corpo proporzionato e di conformazione atletica. La testa è eretta e perfettamente frontale, i capelli divisi a treccioline cadenti sulle spalle, (secondo la moda del periodo) in modo da formarre un triangolo. Le braccia sono stese lungo i fianchi e le mani chiuse a pugno, il piede sinistro leggermente avanzato rispetto al destro.
Questo lieve incedere allude ad un lento procedere verso il tempio, come in una processione sacra.
Il lieve sorriso chiamato " sorriso arcaico" non rappresenta un sentimento di gioia, ma è un espediente tecnico per suggerire un po' di profondità su un volto che altrimenti sembra troppo piatto. Comunque è un altro elemento che deriva dalla statuaria egizia e verrà superato tra il tardo arcaico e il periodo severo.

L'anatomia, soprattutto nelle versioni più antiche è approssimativa, le forme tendono alla geometria e viene evidenziata la tensione muscolare. Nel corso del periodo arcaico l'anatomia diventa via via più naturalistica. In genere non c'è dinamismo, se non il lieve avanzamento del piede, la figura è quasi perfettamente immobile, "chiusa", molto composta, solenne, austera. Trasmette un senso di grande dignità umana, e di energia contenuta, potenziale. Ha un carattere di concretezza, equilibrio e di solidità fisica che sottolinea il suo esistere nello spazio.
La nudità del kuros è simbolica, rappresenta la virtù del coraggio (essere vestiti solo del proprio coraggio al cospetto degli dei), ma è anche funzionale alla rappresentazione della forza fisica che rinvia alla forza morale, intesa come equilibrio e armonia interiore.
Si tratta di qualità proprie degli eroi, secondo un culto antico che continua anche in età arcaica, e dovevano rispecchiare le qualità del donatore, con un intento autocelebrativo.

A. Cocchi.

Sfinge dei Nassi

Sfinge dei Nassi. 550 a.C. Proveniente dal Santuario di Apollo a Delfi.
Marmo. h 232 cm.Delfi, Museo Archeologico.

Una delle prime statue monumetali dell'antica Grecia è la Sfinge dei Nassi, risalente al 550 a. C., conservata al Museo Archeologico di Delfi.
L'opera, realizzata in marmo di Nasso, è collocata su una colonna ionica, alta 12 metri ed è stata ritrovata presso il Santuario di Delfi, secondo alcuni studiosi, forse si trovava slla tomba del serpente Pitone. Si tratta di un monumentale ex voto, offerto dai cittadini dell'isola di Naxos al Tempio di Apollo a Delfi e testimonia il perdurare del gusto orientalizzante nella produzione artistica nesiotica. In particolare, è evidente il legame con la cultura figurativa egiziane, da cui è stata desunta l'immagine della sfinge. Grazie ai frequenti scambi tra l'isola di Naxos e l'Egitto in età orientalizzante, la sfinge, divinità protettiva dell'Egitto, simbolo di forza e saggezza è stata assimilata dalla cultura greca nel mito di Edipo, divenendo l'inquietante inquietante creatura che divorava i passanti incapaci di risolvere i suoi indovinelli. Rappresenta comunque una divinità dell'oltretomba ellenico e fa parte dell'arte funararia.

Sfinge dei Nassi. Dett. 550 a.C. Proveniente dal Santuario di Apollo a Delfi.
Marmo. h 232 cm.Delfi, Museo Archeologico.

Appartiene al periodo arcaico, ma lo stile mostra una forte impronta orientalizzante.
La Sfinge dei Nassi ha un corpo stilizzato di leonessa o di cagna, testa di donna e ali d'uccello dalla forma falcata. La figura, ieratica, è in posizione seduta, composta. La composizione è perfettamente simmetrica e segue un chiaro ordine geometrico: tutta la figura è iscritta in un quadrato nel quale la linea del corpo e quella delle ali corrispondono alle diagonali e suddividono il quadrato in triangoli.
Le forme sintetiche e rigide, i volumi compatti, squadrati e arrotondati ai bordi, sono caratteristiche tipicamente arcaiche, come anche l'anatomia approssimativa. Le superfici sono lavorate con modulazioni molto contenute, ad esempio sono appena percettibili le costole. Al nitore delle superfici levigate si cotrappone il delicato contrasto del piumaggio delle ali, inciso seguendo una scansione modulare, geometrica e di effetto decorativo.
La testa, per i volumi un po' squadrati, il "sorriso arcaico", gli occhi grandi e la capigliatura a trecce ricadenti sulle spalle, corrisponde al modello della kore arcaica.
Anche la colonna ionica, dal fusto alto e percorso da sottili scanalature e capitello basso e schiacciato, rispetta proporzioni arcaiche.

A. Cocchi

Hera di Samo

Uno dei più noti capolavori della statuaria greca arcaica è l'Hera di Samo, conservata al Louvre. L'opera, di stile ionico, è alta quasi due metri, realizzata in marmo bianco e risalente al 600 ca. a. C. Nonostante la condizione frammentaria (è acefala e priva di un braccio), per la sua compiutezza e armonia di forme è considerata un modello della kore antica.

Pur nella sua estrema semplicità, questa statua è un'opera perfetta.

Kleobi e Biton di Polimedes

Polimedes. Kleobis e Biton. Seconda metà del VI sec. A. C. marmo.
h. 214 cm. Atene, Museo Archeologico Nazionale.

La coppia di , tradizionalmente chiamata come ritrovata alla fine dell'800 presso il santuario di Delfi, rappresenta uno dei primi e più importanti esempi di statuaria greca arcaica di stile dorico. Dall'iscrizione alla base delle statue si desume che siano stati scolpiti da Polymedes, un maestro attivo ad Argo tra la metà del VII e gli inizi del VI secolo a. C.
Si tratta di due statue quasi identiche, alte ognuna 216 centimetri scolpite a tutto tondo in marmo ed esposte al Museo Archeologico di Delfi.

Polimedes. Kleobis. Dett. Seconda metà del VI sec. A. C.
marmo. h. 214 cm. Atene, Museo Archeologico Nazionale.

In ognuna di queste statue il corpo umano è concepito come una costruzione architettonica. I valori estetici principali sono espressi dalla simmetria, dall'essenzialità, dall'equilibrio di volumi squadrati e solidi,dal gioco funzionale dei pesi e sostegni delle masse corporee che si comportano come colonne e trabeazioni.

Caratteristiche dello stile dorico sono le proporzioni tozze e massicce, le forme anatomiche piene, rese con una modellazione essenziale, tesa più a tornire geometricamente che a descrivere in dettaglio. Le forme anatomiche formano un insieme compatto e unito. Le articolazioni sono appena indicate con qualche incisione appena graffita, come si nota nelle linee del diaframma, dei pettorali e dell'inguine o nel curioso motivo del ginocchio.
Si notano anche le sproporzioni tozze tipicamente doriche, la testa troppo grande, le braccia troppo corte. Ma le forme rudi non ostacolano la resa di un corpo vigoroso, che esprime un senso di forza, di grande tensione, di energia contenuta. La compostezza ieratica, l'effetto monumentale dell'insieme sottolineano anche la solennità propria di queste statue dedicate agli dei.

A. Cocchi

Moscophoros

Moscophoros. 560 ca. a. C. Proveniente da Atene. Marmo dell'Imetto.
h.162 cm. Atene, Museo dell'Acropoli.

Il Moscophoros è un'opera di fattura attica risalente al VI secolo a. C., conservato presso il Museo dell'Acropoli di Atene. Si tratta di uno degli esempi più belli della scuola attica, che a partire dal 560 a. C. raggiunge il livello qualitativo più elevato (come in questo caso) e assume un ruolo predominante rispetto agli altri centri produttivi.

Come avviene in diversi esempi di stile attico, l'opera rappresenta una variazione rispetto al modello del kuros arcaico. Alla tradizionale figura maschile stante, nuda, con le braccia lungo il corpo, in questo viene presentato un offerente che indossa un mantello e procede con un vitello sulle spalle. E' una composizione singolare in cui si combina la grande naturalezza della posa dell'uomo e dell'animale con la soluzione razionale, perfettamente geometrica del nodo centrale a X in cui s'incrociano le braccia dell'uomo e le zampe del vitello.

Rispetto agli esempi coevi dorici e ionici, grande attenzione viene riservata ad alcuni particolari anatomici: si notano le contrazioni e tensioni di muscoli e tendini sia nel vitello che nell'uomo.
La statua è stata ritrovata insieme a numerosi e iportanti esemplari dalla cosiddetta colmata persiana presso l'Acropoli di Atene. Un'iscrizione indica che questo ex-voto è stato offerto ad Atena da Rhombos, figlio di Paros.

Lo stesso vale per i passaggi sensibilissimi della modellazione che permette passaggi di luce molto morbidi e sfumati, gli effetti di trasparenza del leggerissimo tessuto del mantello, aderente alla pelle dell'offerente.
L'artista tuttavia non si abbandona al naturalismo. Tutto è riportato ad un criterio di ordine geometrico: prevalgono i valori si simmetria, ordine, ritmo. Tutte le linee e tutte le forme vengono riassunte in una superiore e rigorosa armonia geometrica.

La statua è stata ritrovata, insieme ad altri numerosi ed importanti esemplari arcaici nella cosiddetta colmata persiana, presso l'Acropoli di Atene. Da un'iscrizione risulta che il kuros è stato offerto da Rhombos, figlio di Paros, alla dea Atena.

A. Cocchi

Ornamentazione plastica

A partire dal periodo arcaico in Grecia la scultura viene considerata parte integrante dell'architettura. Soprattutto nell'architettura sacra gli elementi costitutivi del tempio sono insieme strutturali e decorativi. I cantieri che si diffusero numerosissimi in tutti i santuari vedevano all'opera contemporaneamente e in modo molto organizzato le squadre dei costruttori, muratori, carpentieri, tagliapietre, scultori e pittori. Ogni parte doveva rispondere a misure, proporzioni, caratteristiche, rigorosamente stabilite a seconda dell'ordine architettonico (, e nel secolo successivo, anche ) e tutti i lavori venivano seguiti e coordinati da un maestro.

Nello specifico della scultura, parti come i capitelli, i fregi, i frontoni, gli acroteri, ecc, erano affidate ad artisti specializzati nella lavorazione della pietra e del marmo.
Ognuno di tali elementi presentava caratteristiche proprie, e richiedeva un suo particolare procedimento di lavorazione. Ma in linea di massima si possono distinguere due tecniche principali:

la scultura a tutto tondo, per i capitelli, le statue, gli acroteri

la scultura a rilievo per i fregi, le metope, le cornici.

Alla fine si procedeva con la pittura, poichè i templi erano vivacemente colorati, anche se oggi i colori originali sono scomparsi.

Anche le composizioni venivano sviluppate in maniera diversa a seconda dell'elemento da realizzare, ma il principio della simmetria è stato fondamentale, soprattutto nella prima fase del periodo arcaico.
Gli elementi come le cornici e i capitelli, anche evolvendosi nel tempo e presentando variazioni locali, mantengono costanti le loro caratteristiche. Ad esempio nello stile ionico il capitello presenta sempre le volute orientate sui quattro spigoli della pianta quadrata, oppure la cornice con gli ovoli segue sempre lo stesso ritmo costante.

Anche le metope dei templi , sono generalmente quadrate e presentano decorazioni con episodi appartenenti sempre ad uno stesso contesto narrativo, ad esempio le imprese di Eracle.

I fregi ionici si sviluppano a bassorilievo in una narrazione continua, senza interruzioni.

I problemi maggiori si sono riscontrati nella decorazione dei frontoni, poichè la forma triangolare schiacciata non è facilmente gestibile a livello compositivo. La decorazione frontonale dei templi ha infatti rappresentato un importante vicenda stilistica che attraversa tutto il periodo arcaico e procede nei periodi successivi. Si passa dalle primitive soluzioni più schematiche, realizzate a rilievo alle complesse scene figurate e piene di dinamismo del periodo classico.

A. Cocchi.

Bibliografia

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Scultura arcaicaStatuariaLa KoreIl KurosSfinge dei NassiHera di SamoKleobi e Biton di PolimedesMoscophorosOrnamentazione plastica dei templi Bibliografia Nel periodo arcaico la scultura greca conosce un nuovo impulso: si evolve nelle tecniche, nei repertori figurativi, nelle forme e anche nei generi.

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La lavorazione del bronzo: la fusione a cera persa (tratto da Itinerario nell'arte 4ed.)

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Teatro Greco: struttura e architettura - Studia Rapido

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Riassunto di Storia dell'Arte -Teatro Greco: struttura e architettura Oltre al tempio greco , un altro edificio tipico della cultura greca è il teatro. Per i Greci lo spettacolo teatrale non era solo un intrattenimento ma aveva funzioni educative e religiose. Per un approfondimento leggi Spettacoli teatrali nell'antica Grecia .

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Struttura del teatro greco - Tratti generali

Il teatro come oggi lo conosciamo è un luogo che si è sviluppato nel corso del tempo. Alle radici, sia ideologiche sia architettoniche, del teatro occidentale possiamo, seguendo uno schema cronologico, collocare il teatro greco, il teatro della Grecia antica.

In senso architettonico il teatro è il luogo del theàomai, dello stare a guardare. Pertanto, ha bisogno di due parti, una per lo svolgimento dello spettacolo e una per lo spettatore. Da uno spazio allestito in maniera occasionale, si passò all'uso di strutture lignee mobili, fino ad arrivare, durante il V secolo a.C., a uno spazio creato ad hoc, con strutture fisse in pietra. Il teatro greco era scavato nella roccia e pertanto era collocato presso un pendio. Uno spazio semicircolare (in greco kòilon, in latino cavea) era occupato dagli spettatori, al centro l'orchestra, il luogo del coro, e dalla parte opposta a essa la skenè, o edifico scenico, il luogo dove gli attori si cambiavano. All'orchestra si accedeva attraverso due accessi scoperti, le pàrodoi, che separavano l'edificio scenico dalla cavea. Davanti alla skène, il proskènion, ovvero il palcoscenico dove gli attori si esibivano.

Nel corso del tempo il teatro come è stato sintatticamente descritto ha subito molteplici mutamenti. Per esempio, nel corso del III secolo, la skenè assunse dimensioni maggiori, fino a divenire una monumentale facciata a più piani, con varie porte da cui entravano e uscivano gli attori, mentre il palcoscenico tendeva a invadere l'orchestra, la cui importanza diminuiva insieme all'importanza che al coro veniva data.

Funzionamento del teatro - Come e quando si andava a teatro

Una struttura quella del teatro greco che prevedeva un funzionamento assai diverso da come noi oggi siamo abituati a vivere e pensare il teatro. Quello teatrale era anzitutto un agone, una gara tra drammaturghi scelti, una competizione che si svolgeva in un arco di tempo circoscritto e in un luogo ben preciso: Atene. Infatti, quando parliamo di teatro nella Grecia antica, parliamo soprattutto delle rappresentazioni teatrali ad Atene poiché è qui che il teatro è nato ed è qui che si è sviluppato.

L'agone drammatico si svolgeva durante le Grandi Dionisie, o Dionisie cittadine, celebrate in onore di Dioniso alla metà del mese di Elafebolione (marzo-aprile). La festa vera e propria era preceduta da una processione, durante la quale la statua del dio veniva portata in un tempio fuori città e successivamente condotta nel teatro. Nei giorni precedenti si svolgeva il , momento in cui i poeti presentavano le opere che avrebbero messo in scena. Nei giorni successivi si svolgevano gli agoni ditirambici, gli agoni tragici - tre giorni consecutivi durante i quali tre poeti rappresentavano ciascuno una tetralogia (tre tragedie e un dramma satiresco) nel corso di un'unica giornata - e gli agoni comici (a partire dal 486 a.C.), in cui venivano messe in scena cinque commedie di autori diversi nello spazio di una sola giornata. La giuria che doveva proclamare il vincitore era formata sorteggiando un membro per ognuna delle tribù in cui era suddivisa l'Attica, secondo una procedura complessa volta a garantire il massimo dell'imparzialità. Un gran numero di cittadini era impegnato sia nel periodo che precedeva la festa, sia durante la festa, nell'allestimento dei rituali e della processione preliminare, nella selezione della giuria, nelle rappresentazioni vere e proprie.

Abbiamo notizia dalle fonti antiche di altre feste come le Dionisie "rurali" che si svolgevano nei demi periferici di Atene, di solito nel mese di Posideone (dicembre-gennaio), meno fastose. C'erano le Lenee nel mese di Gamelione (gennaio-febbraio), agoni drammatici destinati prevalentemente alla rappresentazione delle commedie.

Per il cittadino ateniese andare a teatro significava assistere a uno spettacolo osmotico alla comunità di cui era parte. Poiché Atene non possedeva un vero e proprio sistema interno di tassazione, a seconda dei momenti storici lo sforzo necessario a muovere la macchina economica dello spettacolo poteva essere sostenuto dalla città stessa, dalle sue istituzioni o da privati cittadini e famiglie altolocate. Ad esempio spesso i cittadini più ricchi finanziavano la coregia (l'allestimento di un coro tragico), una sorta di "imposta" che prevedeva, tra l'altro, la retribuzione del musico e il mantenimento dei coreuti, e garantiva a colui che se ne addossava l'onere la gratitudine e la riconoscenza da parte della comunità. Inutile dire che l'incarico di corego fu ricoperto da molti uomini politici di spicco come Temistocle, Pericle, Alcibiade. Era l'arconte eponimo (figura istituzionale di riferimento anche per l'organizzazione dell'agone teatrale) che sceglieva tre dei cittadini più ricchi ai quali affidare la coregia. L'intervento del singolo cittadino rientrava nell'ambito della polis, che si preoccupava della selezione dei poeti e dei giurati, dell'organizzazione dello spettacolo e dell'elargizione del theorikón, un sussidio statale, concesso ai cittadini che si recavano ad assistere alle rappresentazioni e che per far questo dovevamo lasciare il loro lavoro quotidiano.

Dopo la fine della seconda guerra persiana, grazie ai contributi della Lega e alla grandi ricchezze accumulate nel tempo, Atene poté permettersi di finanziare maggiormente la dimensione artistica e sociale della propria comunità.

Protagonisti sulla scena - Attori e drammaturghi

In scena a teatro vi erano gli attori e i coreuti. L'origine dello spettacolo teatrale è legata al dialogo che il capo coro, il coreuta, istituiva con l'attore. È proprio questo dialogo, che si affianca e alterna al canto e alle danze del coro, la condizione tecnica perché esistano la tragedia e la commedia. All'unico attore presente sulla scena nei primi anni di vita della rappresentazione teatrale, all'epoca di Tespi, se ne aggiunge con Eschilo un secondo; con Sofocle la scena arriva a ospitare un massimo di tre attori attivi contemporaneamente in scena. Il fatto che non sia mai stato superato questo numero è dovuto probabilmente alla necessità di uno svolgimento lineare dell'azione che evitasse confusioni e sovrapposizioni del parlato.

Gli attori erano tutti uomini che recitavano indossando maschere, diverse a seconda del sesso del personaggio (le maschere femminili erano più chiare) e della tipologia di spettacolo. Le maschere degli attori comici presentavano nasi prominenti, barbe arruffate, tratti caricaturali, mentre gli attori tragici si servivano di maschere piuttosto realistiche. In generale le maschere avevano anche una funzione pratica, dovevano far sentire chiaramente la voce del personaggio, le sue battute, oltreché permettere la sua identificazione.

Molti sono i nomi dei drammaturghi che la tradizione ci ha lasciato, ma pochissime sono le opere complete giunteci, tutte legate ai nomi di Eschilo, Sofocle ed Euripide, gli autori che la tradizione ha meglio conservato e che finiscono per apparirci come la summa del teatro greco antico. Meglio, è un eufemismo: di Euripide sappiamo che compose 92 drammi, eppure noi oggi abbiamo solo 19 opere sue di cui una, il Reso, è considerata spuria. Sette sono le tragedie di Sofocle che ci sono rimaste e altrettante sono le tragedie che possediamo di Eschilo. Un numero non troppo ampio di frammenti, unito alle commedie superstiti di Aristofane e a quelle di Menandro, finisce per essere quasi tutto il materiale in nostro possesso, materiale che copre un arco cronologico di più o meno due secoli: Eschilo nasce nel 525 a.C. e Menandro muore nel 291 a.C.

Il teatro nella e della polis

La vita del teatro ha avuto alle sue spalle un contesto storico politico cangiante, sicché il significato dello spettacolo e le tematiche messe in scena mutavano sensibilmente con il passare del tempo: la tragedia di Eschilo non è quella di Euripide, la commedia di Aristofane non è quella di Menandro. Inoltre, il percorso di un singolo autore presenta mutamenti determinati da quel che succede intorno a lui, così che le prime commedie di Aristofane si differenziano dalle sue più recenti produzioni conservatesi. Ancora, va detto che i primi sessant'anni della storia dell'agone drammatico sono per noi scarsamente documentati.

Sappiamo che negli anni della 61a Olimpiade (536/535-533/532 a.C.) sono stati istituiti agoni durante i quali veniva allestito uno spettacolo drammatico - opera di Tespi, il primo poeta tragico secondo la tradizione - della cui forma originaria poco sappiamo. Nel corso di alcuni decenni lo spettacolo si precisa nei contenuti e nella struttura, assumendo quelle caratteristiche che saranno proprie della tragedia, e viene affiancato da altre rappresentazioni (commedia e dramma satiresco).

Quando noi parliamo di significato politico dell'esperienza teatrale siamo soliti riferirci al teatro dell'Atene classica (ca. V secolo a.C.), teatro che vuole configurarsi, secondo una delle molteplici letture che di esso si sono date, come una grande esperienza pedagogica collettiva, un momento in cui il drammaturgo, con la sua tetralogia, vuole invitare il pubblico a riflettere sui temi caldi dell'attualità, per poi offrire un momento di distensione con il dramma satiresco.

Il racconto sulla scena attinge alle vicende del mito, un repertorio di vicende comuni tra il drammaturgo e il suo pubblico. Pertanto è la variazione del mito che contribuisce a far l'opera. Il mito acquista una nuova funzionalità nell'azione drammaturgica e può essere riutilizzato in modo diverso innumerevoli volte. " La tragedia nasce quando si comincia a guardare il mito con gli occhi del cittadino" ( Walter Nestle). La tradizionale valenza formativa del mito viene piegata alla realtà della polis che ha bisogno di spazi in cui formare i cittadini e discutere le questioni che possano interessarli, modificando continuamente l'approccio delle vicende messe in scena. Aggiornandosi continuamente, il mito nel dramma diviene espressione della problematizzata polis.

Extra - Ad uso e consumo del lettore

Infine, un piccolo spazio per qualche romantica osservazione sparsa. Di tutto quel che è stato detto, oggi cosa resta? Cosa rimane del teatro greco? Un rudere ad Atene, un bel luogo che a Epidauro i turisti si divertono a visitare, una cartolina da Siracusa. Un discorso, quello sull'eredità del teatro greco, che è meglio qui non affrontare. Troppo lungo, troppo complesso. Eppure, a un problema spinoso, si può dare una riposta che possiede un buon grado di ragionevolezza. Come la variazione sul mito ha fatto parte del processo drammaturgico in antico, anche per noi la variazione su quel bagaglio culturale diviene un modo per confrontarci con questa eredità, riutilizzandola. Pensando a qualche opera sparsa, viene in mente La vedova Socrate di Franca Valeri: Santippe, la vedova dell'illustre filosofo, mette in scena nel suo monologo tutti i massimi personaggi della Grecia antica, drammaturghi compresi, per divenire lo specchio del nostro tempo, guardando al suo. In Mai di sabato, signora Lisistrata (regia di Vito Molinari), versione televisiva della commedia Un trapezio per Lisistrata, la trama di una commedia di Aristofane ( Lisistrata) diviene il mezzo per parlare della Guerra Fredda. E per la regia di Tullio Solenghi è andata in scena a Siracusa nel 2019 un'incredibile Lisistrata che (forse) avrebbe trovato il plauso dello stesso Aristofane, viste le soluzioni comiche adottate. Gli esempi si sprecano e questi sono solo alcuni dei molti possibili. Vogliono segnare l'inizio di mille e mille percorsi percorribili che dall'esperienza ateniese del V secolo si snodano e si possono snodare ancora oggi sotto i nostri occhi.

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Andando indietro - Il teatro greco antico: struttura e funzionamento

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Struttura del teatro greco - Tratti generali Il teatro come oggi lo conosciamo è un luogo che si è sviluppato nel corso del tempo. Alle radici, sia ideologiche sia architettoniche, del teatro occidentale possiamo, seguendo uno schema cronologico, collocare il teatro greco, il teatro della Grecia antica.

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Come si svolgevano le Olimpiadi antiche?

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Come si svolgevano le Olimpiadi antiche? La storia degli antichi Giochi Olimpici, che si svolgevano in Grecia nella città di Olimpia.

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I primi giochi olimpici si svolsero nel 776 a.C. ad Olimpia, in Grecia. Nelle prime edizioni l'unica gara sportiva consisteva in una corsa di 180 m., in seguito, quando cominciarono a partecipare i potenti guerrieri Spartani, il programma di gare fu ampliato. Infatti si aggiunsero altri sport e i Giochi arrivarono a comprendere corsa, pugilato, lotta e pentathlon. Durante le gare ogni conflitto armato veniva sospeso, così che la gente di ogni parte della Grecia potesse recarsi indisturbata alle Olimpiadi. Le Olimpiadi antiche avevano funzioni e obiettivi diversi. Sicuramente importante è il loro carattere religioso: si parla addirittura di “culto agonistico”, riferendosi all’istituzione delle competizioni a coronamento dei riti religiosi, per rendere più solenni le funzioni; esse, infatti, venivano celebrate in onore di Zeus, vicino al Santuario del dio stesso ad Olimpia. Fondamentale era la loro valenza funebre: servivano a perpetuare il ricordo della figura di Pelope, la cui tomba si trovava appunto nel santuario di Olimpia. Il primo vincitore delle olimpiadi fu un cuoco: Coroibo di Elis

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Olimpia e le Olimpiadi degli Antichi Greci

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I primi Giochi Olimpici della storia iniziarono nel 776 a.C.. Si trattava fondamentalmente di celebrazioni atletiche e religiose, perché le gare sportive erano dedicate a Zeus.

Il primo documento che tratta di Olimpiadi si riferisce allo stadion, una gara di corsa. I giochi iniziarono a prendere sempre più piede nella Grecia antica, al punto che si aggiunsero nel tempo diversi sport, fino ad arrivare a circa 20.
La festa sportiva veniva celebrata ogni quattro anni nella città di Olimpia e aveva una durata di sette giorni, durante i quali l'attività bellica in Grecia era sospesa. La fase tra un Gioco e l'altro veniva chiamata Olimpiade, da cui il termine moderno con cui ancora designiamo i giochi. La tregua era invece detta Ekecheiria.