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Bande annonce de "La Petite Voleuse" de Claude Miller (1989)

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Bande annonce de "La Petite Voleuse" de Claude Miller (1989)

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AlloCiné

Spectateurs

3,2 693 notes dont 42 critiques

Synopsis

Une petite ville du centre de la France dans les années cinquante. Janine en sortant de l'école vole un paquet de cigarettes dans une voiture de l'armée américaine et un vêtement aux "folies de Paris". Le directeur de cet établissement arrive chez ses parents adoptifs et découvre le butin. Un jour, Janine rencontre Raoul, jeune couvreur, en train de voler. La complicité, puis l'amour va lier ces deux jeunes gens en rebellion contre leur monde.

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Critiques Spectateurs

Chroniques des années d'apres guerre amorçant la lente mais sûre mutation de notre vieille france.Un regard lucide sur un feminisme etroitement lié à l'avenement du capitalisme en france,dont les ramifications liberales allaient engendrer le cataclysme ideologique de mai 68 quelques années plus tard...

Un des meilleur de Claude Miller. Charlotte Gainsbourg par sont talent, nous fait voyager loin, dans un élans de liberté.

Claude Miller retrouve pas mal d'acteurs de L'Effrontée dans ce film, notamment son héroïne, Simon de la Brosse, lequel a un plus grand rôle que dans le sus-nommé. Le film n'est pas désagréable mais ça reste une chronique assez fade. Le casting apporte pas mal de substance, Charlotte Gainsbourg reprenant un rôle assez similaire en fait à celui qu'elle avait dans L'Effrontée. Sa prestation est assez similaire, et elle convainc ...
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Le paradoxe truffaldien se trouve résumé dans un seul film : "La petite voleuse" (France, 1988) de Claude Miller. Dernier scénario écrit par Truffaut, avec Claude de Givray, il invente à son Antoine Doisnel un analogue féminin. La grandeur naturelle de Jean-Pierre Léaud laisse place à la candeur juvénile de Charlotte Gainsbourg. Il est question en l'occurrence de l'étrangeté du paradoxe truffaldien. Qu'est-ce que ceci ? ...
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42 Critiques Spectateurs

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13 Photos

Infos techniques

Récompenses 1 prix et 3 nominations

Date de sortie DVD 25/10/2016

Date de sortie Blu-ray 25/10/2016

Date de sortie VOD 20/07/2020

Type de film Long-métrage

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Commentaires

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Ce roman évoque le thème de l'errance et propose, avec les personnages de Théa, May et Peggy, trois modèles de femmes errantes : la femme aliénée, l’aventurière et la criminelle.

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Bande-annonce de "Sans toit ni loi" d'Agnès Varda (1985)

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Bande-annonce de "Sans toit ni loi" d'Agnès Varda (1985)

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Regardez la bande annonce du film Sans toit ni loi (Sans toit ni loi Bande-annonce VF). Sans toit ni loi, un film de Agnès Varda

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Bande-annonce de "Peaux de Vaches" de Patricia Mazuy (1989)

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Bande-annonce de "Peaux de Vaches" de Patricia Mazuy (1989)

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Regardez la bande annonce du film Peaux de vaches (Peaux de vaches Bande-annonce VF). Peaux de vaches, un film de Patricia Mazuy

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La Vie enfantine de La Tarentule noire, par La Tarentule noire, premier roman de Kathy Acker, écrit en 1973, fut attribué à sa publication à un auteur dénommé La Tarentule noire, personnage que Acker inventa au début des années 70 (et fit même référencer dans l'annuaire).

S'articulant autour du thème de l'identité en perpétuelle mutation, ce roman en six chapitres marque la naissance d'un auteur majeur. La narration, polyphonique et ludique, porte tour à tour la voix d'une empoisonneuse, d'une brigande, d'une catin ou d'une courtisane, mais aussi celle de Kathy Acker, ou d'auteurs puisés dans son panthéon littéraire (Violette Leduc, Alexander Trocchi, William Butler Yeats, le marquis de Sade...) Le jeu des masques, jubilatoire, permet à l'auteur de changer constamment de personnage, de langage, de sexe, d'époque... Kathy Acker pratique la confusion des genres sexués, mais aussi littéraires, du récit picaresque anglais façon XVIIe siècle au cut-up à la Burroughs.

Dans ce texte fondateur, Kathy Acker tisse avec une frénésie quasi masturbatoire la toile des thèmes qui hanteront toute son œuvre : la construction de l'identité, la hantise de l'oppression, la relation entre la sexualité et le langage, la création et le plagiat. La Vie enfantine de La Tarentule noire, par La Tarentule noire, ravit par la truculence, la spontanéité, la radicalité d'une voix poétique que la France a récemment redécouverte avec Sang et stupre au lycée.

L'auteur

Du même auteur

Kathy Acker ne déconstruit pas, elle pulvérise. Je ne connais aucun autre auteur qui ait un tel souffle, une telle capacité à bouleverser nos certitudes sur ce qu'on peut attendre d'un roman. Virginie Despentes

Sang et stupre au lycée est un conte philosophique voltairien, un roman d'apprentissage intertextuel qui retrace avec facétie les mésaventures de Janey Smith à la façon d'un journal intime. Sang et stupre au lycée - roman de jeunesse et chef-d'œuvre incontestable de Kathy Acker - opère comme un manifeste qui contient en germe toute son œuvre. C'est le laboratoire où elle met au point les expérimentations stylistiques et les jeux avec le canon littéraire qui lui resteront chers. La difficulté à vivre dans une société brutale, néolibérale, patriarcale donne lieu à des diatribes anticapitalistes et féministes dont l'écho résonne encore aujourd'hui. Le fil conducteur de ce roman pulvérisé, traversé par un humour noir ravageur, réside dans la fraîcheur survoltée et si attachante de la voix de Janey/Kathy, irrévérencieuse et érudite, onirique et autobiographique, visionnaire et surdouée.

Du même auteur

Chez Kathy Acker, don Quichotte est une femme qui, devenue folle après avoir subi un avortement, se lance dans une formidable aventure: se faire chevalier errant et combattre les enchanteurs malins de l'Amérique moderne en poursuivant " l'idée la plus insensée que jamais femme put concevoir. C'est-à-dire, aimer. ".

Du même auteur

Kathy Acker a déclaré au sujet de ses expériences littéraires : " Je me suis alors intéressée au "texte pur". Aux textes des autres... C'était comme quand on est petit ; tout à coup ouvre un magasin de jouets et le magasin de jouets s'appelait " la culture ". " Grandes espérances, roman qui figure parmi les chefs-d'œuvre de Kathy Acker, offre une bien belle vitrine à ce magasin : ici tout est parodie, plagiat, pastiche. L'auteur convoque Dickens, bien sûr, mais aussi Guyotat - qu'elle est la première à avoir traduit en anglais -, Proust, Ben Jonson, ou Pauline Réage ; elle mêle culture classique et culture populaire.

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La Vie enfantine de La Tarentule noire, par La Tarentule noire - Editions Laurence Viallet

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La Vie enfantine de La Tarentule noire, par La Tarentule noire, premier roman de Kathy Acker, écrit en 1973, fut attribué à sa publication à un auteur dénommé La Tarentule noire, personnage que Acker inventa au début des années 70 (et fit même référencer dans l'annuaire).

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"La nuit s'en va, le jour est froid, je me sens plus vivante que jamais, je mène une vie plus secrète que jamais"
Le Caméléon, 1. Opale Ballerine

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Sur ce site, vous trouverez un grand nombre d'informations sur le piano préparé avec des documents exploitables lors de séances pédagogiques.

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Avec plus de 12 000 échantillons sonores et 45 techniques de préparation, IRCAM Prepared Piano 2 vous permet de contrôler en détail la façon dont vous exploitez et combinez les préparations. Explorez une grande palette sonore grâce à la quarantaine de préparations proposées, incluant des vis, des gommes, des pièces de monnaie, des pinces à linge, des baguettes, etc. Stimulez les cordes avec une mailloche, un médiator, un archet et même un eBow. Utilisez les frappes sur le cadre, l'una corda, le sostenuto, la dynamique et la vélocité ; mixez deux positions de micros différentes ; vous pouvez même combiner deux préparations pour chaque note et en contrôler le niveau et la hauteur tonale séparément !

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UVI IRCAM Prepared Piano 2 - Piano préparé d'avant-garde

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Avec plus de 12 000 échantillons sonores et 45 techniques de préparation, IRCAM Prepared Piano 2 vous permet de contrôler en détail la façon dont vous exploitez et combinez les préparations. Explorez une grande palette sonore grâce à la quarantaine de préparations proposées, incluant des vis, des gommes, des pièces de monnaie, des pinces à linge, des baguettes, etc.

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Bibliographie et filmographie en lien avec les thématiques de l'errance 

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Bibliographie et filmographie en lien avec les thématiques de l'errance 

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                                         Le décor

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                                         Le décor

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Florilège des œuvres de Silvia Costa, ancienne collaboratrice de Roméo Castellucci

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Florilège des œuvres de Silvia Costa, ancienne collaboratrice de Roméo Castellucci

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Site très intéressant qui recense toutes les œuvres que Silvia Costa a créées ou auxquelles elle a participé. Cet espace permet de mieux cerner l'univers de la comédienne, scénographe, plasticienne.

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Sono dentro. L'essere ciò che è chiuso in un tratto

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Où Silvia Costa puise-t-elle son inspiration ?

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Où Silvia Costa puise-t-elle son inspiration ?

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Interview de Silvia Costa par une journaliste de Mouvement.
"Son travail n’a pas de définition précise, il est en lien avec le théâtre visuel et philosophique de Castellucci, dans lequel elle s’inscrit. Et elle crée donc elle-même des pièces puissantes qui oscillent entre un manque de distinction voulu ainsi que l’éclectisme et le nomadisme de la forme, comme ses propres codes."
Temps de la vidéo : 13 min 21s

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//english Interview with Silvia Costa, in collaboration with Mouvement. Born in 1984 in Treviso. She studied Visual Art and Theater at IUAV University in Venice. In 2006 she starts to work with Soc…

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La metteuse en scène : Anne-Lise Heimburger

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La metteuse en scène : Anne-Lise Heimburger

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Dates clés retraçant le parcours artistique de la comédienne et metteuse en scène, artiste associée au CDN -La Comédie de Reims

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L'autrice et comédienne de la pièce: Elsa Agnès

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L'autrice et comédienne de la pièce: Elsa Agnès

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Florilège du beau parcours artistique de cette jeune artiste diplômée du Conservatoire National d’Art Dramatique de Montpellier. Dans cette biographique, sont listés les pièces dans lesquelles Elsa a tenu un rôle ainsi que les textes qu'elle a produits à destination de la scène.

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syndicat français des agents artistiques et littéraires

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La plateforme des agences artistiques françaises, réalisée par CC.Communication. Annuaire regroupant tous les agents artistiques français. Recherche détaillée sur leurs fichiers de comédiens.

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« Le Caméléon est un monologue, une suite de portraits de femmes issues de milieux populaires pour lesquelles l’avenir semble bouché. De façon précoce, ces anti-héroïnes fuient le foyer médiocre qui leur colle à la peau et foncent vers l’inconnu : elles errent, voyagent, changent de ville, de milieu, de pays, de métier. Elles se laissent façonner par les hommes rencontrés et prennent forme l’espace d’un instant, qui n’est jamais satisfaisant. Rien ne semble à même de border ce flot qui les secoue […]. Mais qui fait l’ange fait la bête, et c’est précisément cette logique que nos jeunes femmes sabotent de tout leur être, se rapprochant inexorablement des hors-normes, des marginaux, des borders, des vauriens, pour le meilleur et pour le pire. »

Anne-Lise Heimburger, extrait de la note d’intention

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Source d'inspiration pour la scénographe : le travail du plasticien allemand Franz Erhard Walther

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Source d'inspiration pour la scénographe : le travail du plasticien allemand Franz Erhard Walther

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Cette vidéo (durée de 10 minutes) a été réalisée en 2015 lors d'une exposition dédiée à l'artiste par Le CAPC, musée d'art contemporain de Bordeaux. La commissaire de l'exposition, Elena Filipovic, y explique le travail conceptuel mené par Franz Erhard Walther depuis les années 60 : ses créations plastiques interrogent la notion d'action dans l'oeuvre.

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"Paroles d'artistes" : interview de Franz Erhard Walther par un conférencier du Centre Pompidou

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"Paroles d'artistes" : interview de Franz Erhard Walther par un conférencier du Centre Pompidou

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En 3 min 30 (générique non inclus), pénétrez dans l'univers du plasticien allemand. Cette interview permet de saisir les éléments qui ont inspiré Silvia Costa et qui l'ont amenée à créer un décor composé de cabines en tissu dans lesquelles se fondent, tour à tour, les personnages incarnées par Elsa Agnès.

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Franz Erhard Walther | Parole d'artistes

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Cet article du magazine Beaux-arts rappelle les enjeux du travail plastique de Piet Mondrian. Si Silvia Costa se revendique du travail de Frank Erhard Walther, il est impossible de ne pas penser aux différentes compositions du peintre néerlandais en observant les cabines présentes sur le plateau du Caméléon. La présence des lignes horizontales et verticales et des "couleurs pures" comme les considérait Mondrian révèle des principes fondamentaux et opposés de l’univers tels que : le masculin et le féminin, le positif et le négatif ou même le dynamique et le statique, le noir et le blanc.

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En bref

Maître de la ligne droite, du quadrillage parfait et des couleurs primaires, Piet Mondrian (1872-1944) est l'un des fondateurs de l'abstraction historique, et la grande figure du mouvement De Stijl à la recherche d'un art total. L'artiste néerlandais visait la création d'un langage pictural universel, néanmoins radical, sans négliger la dimension spirituelle. Aux côtés de Vassily Kandinsky et de Kasimir Malevitch, mais dans un style bien différent, Mondrian a consacré la naissance de l'art moderne.

© Prismatic Pictures / Bridgeman Images

Il a dit

" Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur des surfaces planes afin d'exprimer, avec la plus grande conscience, la beauté générale. "

Sa vie

Né à Amersfoort, dans la province d'Utrecht, Piet Mondrian (de son véritable nom Pieter Cornelis Mondriaan) est le fils d'un pasteur calviniste. Son enfance baigne dans cette doctrine protestante à la gloire de Dieu. Son oncle l'encourage à dessiner et à peindre, notamment en plein air - la Hollande étant une terre d'élection de la tradition paysagère. Il commence ainsi par peindre des paysages classiques et, en 1892, s'inscrit à l'Académie royale des Beaux-Arts d'Amsterdam.

Au début des années 1900, Mondrian se tourne vers le symbolisme, alors en vogue dans toute l'Europe. Ses paysages se teintent d'une dimension intellectuelle, voire morale. C'est dès cette époque qu'il réalise l'importance de la couleur comme voie d'expression, et cultive certaines parentés avec le Fauvisme. Mondrian s'éloigne de la figuration traditionnelle pour rejoindre le monde des avant-gardes.

Influencé par la découverte de l'œuvre de Vincent van Gogh, aux couleurs éclatantes, Mondrian développe une palette lyrique. Comme son compatriote, tragiquement disparu en 1890, il s'installe à Paris en 1911. Lui aussi est un mystique, intéressé par la théosophie qui associe la quête spirituelle à l'approche scientifique. Tenté brièvement par le cubisme, Piet Mondrian s'affranchit de la figuration pour employer un langage abstrait. Nous sommes en 1913, et Vassily Kandinsky lui disputera la paternité de cette révolution esthétique.

Dès 1914, l'artiste trouve son propre langage pictural : il est radicalement géométrique, basé sur le jeu des verticales et des horizontales, ainsi que sur un choix de couleurs pures détachées de tout mimétisme avec le réel. De son propre aveu, il recherche " la beauté générale " et l'abstraction est pour lui un moyen d'accéder à la vérité.

Piet Mondrian contribue au mouvement De Stijl (" Le Style ") fondé par Theo van Doesburg, créateur d'une revue éponyme en 1917. En faveur de l'abstraction pure, ils baptisent leur esthétique le " néoplasticisme ". Très vite, Van Doesburg et Mondrian envisagent d'en faire un art total qui se décline dans le mobilier. La ligne droite et la couleur primaire deviennent des impondérables de leur grammaire. N'admettant que des figures géométriques précises, Mondrian se brouille cependant avec Van Doesburg. La rupture avec De Stijl est actée en 1924.

Selon Mondrian, l'angle droit serait la matérialisation des complémentarités essentielles à l'origine de la vie (intérieur/extérieur, féminin/masculin...). Le peintre rejette toute référence à l'objet naturel, à la perspective traditionnelle, pour se concentrer sur les pures relations plastiques. En ce sens, il apporte une autre vision du monde, une " grille " de lecture essentialiste qui dépasse les concepts de nature ou de culture.

L'artiste travaille suivant le principe de la série. Ses toiles sont numérotées - manière d'échapper à la loi du chef-d'œuvre. Dans les années 1930, il commence à être exposé en France, adhère au groupe Cercle et Carré puis devient membre d'Abstraction-Création, bien que cette peinture ne soit pas encore totalement en vogue dans l'Hexagone. Mais Alexander Calder, qui le découvre, est subjugué.

En 1940, Mondrian part pour les États-Unis et s'établit à New York. La ville, avec ses hauts gratte-ciels et son quadrillage rectiligne, l'inspire. Amoureux du jazz, il se plaît dans cette atmosphère stimulée par l'arrivée de nombreux artistes de l'avant-garde européenne dans le contexte de la Seconde Guerre mondiale. Mondrian trouve aux États-Unis une grande reconnaissance. Il y décède en 1944.

Ses œuvres clés

Piet Mondrian, L'Arbre rouge, 1908-1910

huile sur toile * Gemeentemuseum, La Haye * © Gemeentemuseum, La Haye

Cette œuvre montre l'influence du Fauvisme et du divisionnisme sur Mondrian, mais plus encore celle de Vincent van Gogh - l'artiste l'avait découvert en 1905 à l'occasion d'une exposition à Amsterdam. Cet arbre isolé n'est pas représenté de façon mimétique, comme le montrent les couleurs très expressionnistes. Déjà, se dégage l'attrait de Mondrian pour la complémentarité des énergies dans le choix des couleurs, ainsi que dans l'opposition des lignes verticales et horizontales.

Piet Mondrian, Composition en rouge, jaune et bleu, vers 1922

huile sur toile * Musée Granet, Aix-en-Provence * © akg-images

Composition en rouge, jaune et bleu, vers 1922

Piet Mondrian, Broadway Boogie-Woogie, 1942-1943

Huile sur toile * Museum of Modern Art, New York * © Digital image, The Museum of Modern Art, New York / Scala, Florence

Cette œuvre est emblématique du néoplasticisme de Piet Mondrian. L'œuvre présente une parfaite planéité et joue avec le module de la grille, créée par des segments de droites noires sur fond blanc. L'artiste recherche un équilibre, bannit les courbes ou les diagonales. Dans cette œuvre, les couleurs primaires sont rejetées vers les extrémités de la toile, comme si elles s'épanouissaient dans une réalité qui nous échappe, au-delà des marges du tableau. L'image est celle d'une certaine perfection, pour autant le trait de Mondrian n'a rien de mécanique : les droites sont peintes à l'aide de papier adhésif et à main levée.

Réalisée à New York, cette toile montre une certaine évolution dans le travail de Mondrian. Le noir est éliminé de la composition au profit des lignes jaunes accueillant des portions de rouge, de bleu et de blanc. Cette œuvre témoigne de la fascination de l'artiste pour le thème de la ville, mais aussi pour l'énergie des rythmes. Tout en étant basées sur l'angle droit, les couleurs s'animent comme sous l'action d'une musique endiablée.

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Pionnier de l'abstraction et du mouvement De Stijl, Piet Mondrian a bouleversé les codes de la peinture en privilégiant les couleurs primaires et les lignes orthogonales.

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"Telle la pure représentation de l’esprit humain, l’art s’exprime d’une manière artistiquement purifiée, qui est, l’art abstrait"

de Piet Mondrian

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Émission de Radio France de Corinne Schneider
(Durée 5 min 45
Dans cette chronique, Corinne Schneider explique la technique du "piano préparé",  technique de jeu étendue de l’instrument, créée par John Cage dans les années 1940, qui consiste à modifier la nature même des sonorités du piano (hauteur des notes, durée, timbre...) en appliquant directement sur les cordes divers matériaux (papier, objets métalliques, pièces de bois ou de plastique, verre...). Cette technique est utilisée dans le spectacle Le Caméléon par Eve Risser et Adrian Bourget. En duo, ils s’inspirent de la sculpture et utilisent le son comme matériau pour développer un langage singulier, augmentant les compositions de texturations harmoniques et bruitistes.

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♫ John Cage / Bacchanale / Markus Hinterhauser (piano préparé) / Disque : Digitalpressure/Col Legno 1998

♫ John Cage / A Room / Markus Hinterhauser (piano préparé) / Disque : Digitalpressure/Col Legno 1998

♫ Mauricio Kagel / Rrrrr.... Pour piano quatre mains / IV Rossignols enrhumés / Alexandre Tharaud et Eric Lesage (pianos) / Disque AEon 2003

♫ Toshiro Mayuzumi / Pieces for prepared piano and strings / II. Interlude / The Louisville Orchestra, Robert Whitney / Disque Santa Fe Music Group 2001

♫ Stefano Gervasoni / Adagio ghiacciato (d'après Mozart) pour violon et piano préparé / Aldo Orvieto et Saori Furukawa / Disque : Winter and Winter 2016

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Le Piano préparé est une technique de jeu étendue de l'instrument qui consiste à modifier la nature même des sonorités du piano (hauteur des notes, durée, timbre...) en appliquant directement sur les cordes divers matériaux (papier, objets métalliques, pièces de bois ou de plastique, verre...).

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Interview de David Greilsammer en anglais.
(durée 2 min 25)

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David Greilsammer demonstrates a prepared piano

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Vidéo présentant John Cage lors de la préparation de son "piano préparé"

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Vidéo présentant John Cage lors de la préparation de son "piano préparé"

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Capsule sans paroles montrant à des néophytes comment  réaliser un piano préparé
Durée 1 min 29

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John Cage, préparation d'un piano préparé !

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Article de pianoweb évoquant la technique du piano préparé

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Article de pianoweb évoquant la technique du piano préparé

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Histoire du piano préparé et rétrospective de morceaux qui ont fait date dans l'utilisation de cette technique.

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Le 20e siècle est celui qui a essoré la transmission entre un monde acoustique et un monde électrique. Depuis la désagrégation de la tonalité, tout devenaient possible. Les repères cadenassés par des siècles d'écriture musicale avaient sauté. Les compositeurs les plus audacieux osaient l'impossible et repoussaient les frontières de l'inacceptable.

Ce qui domine et oriente surtout l'ensemble de la musique, du moins dans la première moitié du 20e siècle, c'est son rapport avec l'harmonie. L'accentuation d'une dissonance marquée et son acceptation par une majorité d'auditeurs expliquent bien des comportements de la part d'un grand nombre de compositeurs. Même les plus " prudents ", ressentant que la musique écrite était parvenue à un tournant, n'y seront pas farouchement opposés.

Avec quelques années de retard, les musiciens de jazz finiront par adopter, eux aussi, une autre attitude. Au tournant des années 60, certains suivront cette route qui s'écarte du " bon chemin " en produisant une musique débridée que l'on nomme " free jazz ". Aujourd'hui, il ne reste plus grand-chose de ce langage, si ce n'est quelques effets appuyés que certains jazzmen incorporent de temps en temps dans le fil conducteur de leur improvisation.

© Hara Alonso - Exemple d'un piano préparé avec vis et isolant.

Dans ce lot d'incertitudes et d'expériences inachevées, le piano, par sa place dans l'échiquier des instruments conducteurs, était tout désigné pour vivre d'intenses expériences. Alors que son tempérament continuait d'être débattu par d'éminents spécialistes, de " réguliers " à " irréguliers ", le pire allait arriver avec le piano préparé en offrant aux plus audacieux compositeurs américains la possibilité d'entrer au cœur de l'histoire de l'instrument en bouleversant sa sonorité par des moyens techniques parfois inavouables. Citons le précurseur Charles Ives, à qui l'on doit entre autres l'usage du cluster (si cela vous intéresse, rapprochez-vous du compositeur Henry Cowell), puis les compositeurs de musique minimaliste : John Cage, Steve Reich et La Monte Young, sans oublier Conlon Nancarrow et ses œuvres pour piano mécanique.

LA MONTE YOUNG : 'THE WELL TUNED PIANO' (1964 - extrait)

Avant l'apparition des premiers claviers électroniques fiables, tous ces musiciens considéreront le piano comme un objet d'étude sonore contribuant à lui donner un autre rôle que celui pour lequel il avait été pensé au départ. Dans l'histoire de la musique du 20e siècle, les différentes expérimentations musicales que subira l'instrument éveilleront plus de curiosité que de désapprobation. Contre vent et marée, le piano conservait son cap original ; la majorité des compositeurs pensant toujours " piano " en suivant les préceptes étudiés au conservatoire.

Les démarches et les méthodes pour accroître son potentiel sonore sont restées et restent encore marginales. Toutefois, il reste évident que si les instruments acoustiques n'avaient pas été confrontés à partir des années 50 à l'apparition des premiers instruments électroniques, aux premiers ordinateurs et aux bandes magnétiques, peut-être que de nombreux instruments acoustiques, et pas seulement le piano, auraient vécu d'importants bouleversements concernant leur lutherie et mécanismes ; sans compter leurs mises en relation avec des techniques inconnues... ce que confirma des années plus tard l'arrivée du numérique.

De nos jours, le piano préparé (par intrusion d'objets) est dans une sorte de statu quo depuis que les signaux sonores sont enregistrés par micros de contact et traités par des logiciels sur ordinateur. Ces moyens ont permis de repousser les limites acoustiques de l'instrument, comme en témoigne l'album PC Pieces de Laurent de Wilde et Otisto 23 paru en 2011. Dans ce cas, tous les sons provenant du piano sont capturés, modifiés et amplifiés sans perte de qualité. Mieux encore... D'une simple frappe sur le bois du piano peut surgir une percussion très réaliste. Rien n'empêche également de passer le son de l'instrument par des filtres comme le delay, le phasing voire la distorsion, de prolonger sa résonance naturelle ou de faire appel à du larsen (ce que fera John Cage bien des années avant l'apparition du numérique dans Electronic Music for Piano en 1964).

Si le numérique permet d'ouvrir de nouvelles voies dans le domaine de la créativité, il a surtout " l'intelligence " de rapprocher deux univers qui, au départ, n'avait pas été conçu pour se rencontrer : l'acoustique et l'électricité. Pour de nombreux musiciens, notamment chez les claviéristes, le synthétiseur est resté longtemps l'arme fatale, le seul instrument capable d'innover dans le domaine de la création sonore. Mais aujourd'hui, le numérique est là. Ses nouveaux outils et ses formidables développements sont désormais acceptés par une majorité de pianistes. Des expériences sonores qui associent piano et numérique continuent de se développer, notamment dans le jazz. Espérons seulement que ces tentatives ne sont pas le résultat d'une mode sans lendemain, mais au contraire un vrai défi dans la façon d'associer le son du piano et la composition.

AU CŒUR DU 20e SIÈCLE ET DE SES PRÉPARATIFS

De nos jours, écouter le son d'un piano avec la résonance de ses cordes étouffée par un ruban adhésif ou un pianiste pinçant les cordes avec ses doigts en plein milieu d'une œuvre ou d'une improvisation ne choquera personne, mais dans la première moitié du 20e siècle, le son d'un piano préparé scientifiquement était censé offrir à l'auditeur un voyage sonore inédit...

Comme entrée en matière, un premier exemple nous est donné avec The Banshee, composé par Henry Cowell en 1925. Il ne s'agit pas encore de piano préparé, mais simplement d'une exploitation sonore des cordes du piano à l'état brut, sans aucun préparatif d'aucune sorte. Tandis qu'un pianiste appuie constamment sur la pédale forte pour soulever les étouffoirs, un autre pianiste se place à l'arrière du piano à queue et fait glisser ses doigts horizontalement le long des cordes. Des sons irréels, cosmiques ou profonds, des voix et des pleurs surgissent alors de l'instrument.

HENRY COWELL : 'THE BANSHEE' (1925) - Robert Miller, piano

L'une des premières expériences de piano préparé, on la doit au compositeur américain John Cage qui enregistrera en 1940 Bacchanale composée à l'intention d'une danseuse. Suivront du même compositeur Roots of an Unfocus et The Perilous Night en 1944. Ce genre d'expérience sonore, comme toutes les autres, ne partira jamais du point zéro et sera le fruit de diverses influences. Pour Cage, il y aura Arnold Schönberg (inventeur du dodécaphonisme), Anton Webern (musique atonale) et Erik Satie.

John Cage s'est toujours défendu d'aborder la composition par le biais d'une recherche harmonique tous azimuts ; le compositeur n'a jamais caché son incapacité à traduire harmoniquement ce que d'autres pensent et exécutent avec art. Toutefois, ce " maillon faible " lui a permis de se rapprocher du son et plus exactement du bruit qui est devenu pour lui son principal domaine artistique. Grâce à cette approche scientifique de la composition du son et de son évolution dans le temps, Cage s'est transformé en expérimentateur et a échappé, de fait, à la science des harmonies, à l'usage du contrepoint et aux limites de la tonalité.

© The New York Public Library. - John Cage préparant le piano (années 1950)

Quand le bruit devient opérant, il entre dans le monde de la musique sans devenir un corps totalement étranger. Un compositeur, confronté comme John Cage aux bruits, oriente ses recherches autrement. Cependant, dans ce qu'il est convenu d'appeler désormais un son, le musicien ne peut échapper au rythme, car le rythme reste toujours l'élément central à toute création sonore.

Dans The Perilous Night (1944), chaque son de piano émis devient une percussion agressive, un " coup de poing " dans le temps qui s'enfuit. Des corps étrangers sont installés entre les cordes (vis) et modifient le son du piano sans le dénaturer complètement. L'instrument conserve sa " racine sonore ". On perçoit très bien l'origine du son du piano, notamment dans les basses, alors qu'en se dirigeant ver l'aigu, les harmoniques sont dénaturées, parfois mêmes enrichies suivant la méthode de préparation utilisée.

JOHN CAGE : 'THE PERILOUS NIGHT' (1944) - Tzenka Dianova, piano

JOUER SUR UN PIANO PRÉPARÉ

Dans cette approche singulière, il n'est pas question de revisiter un répertoire existant, mais au contraire de créer des œuvres en fonction de la sonorité de l'instrument préparé. Dans sa Sonate pour Piano Préparé (1948), le son du piano de John Cage est parfois proche d'un gong ou d'un métallophone comme le saron des orchestres gamelans. Cette démarche créative est bien différente de l'utilisation du synthétiseur qui est pour un compositeur un centre de recherche sonore qu'il adaptera en fonction de ses objectifs et de l'arrangement de l'œuvre, du son soliste au son d'ensemble en passant par différents effets (filtres). Contrairement à un instrument préparé, le compositeur peut planifier la texture sonore à sa convenance, jusqu'à obtenir le " grain " désiré ou à défaut très proche.

Fondamentalement, sur un piano préparé, rien ne change concernant le jeu sur le clavier, seul le son est à même de perturber le pianiste qui, innocemment, posera ses doigts sur celui-ci. Souvent, ce n'est qu'une petite partie de la tessiture de l'instrument qui est techniquement modifiée. Toutes les autres cordes conservent leur résonance pleine et naturelle, ce qui permet de confronter par alternance ou juxtaposition les deux sonorités.

Le piano préparé peut également s'accompagner de tout un " cérémonial technique " : l'intervention des doigts du pianiste qui pincent les cordes ou sa main qui frappe la ceinture pour en tirer un son de percussion ; l'enfoncement de la pédale forte pour dégager les étouffoirs et se servir de l'instrument comme d'une harpe en faisant glisser ses doigts sur les cordes ( Aeolian Harp de Henry Cowell - 1923) ou encore l'adjonction de punaises placées sur les marteaux ( Incidental Music for Corneille's Cinna de Lou Harrison - 1957). Il est clair que face à de tels procédés, l'image sonore du piano ne pouvait être que déstabiliser après plusieurs siècles d'utilisation si bien préservés... Et comment ne pas préparer son répertoire, si sagement installé, à vivre aussi autre chose !

JOHN CAGE : 'SONATES N° 1, 2, 3, 5 POUR PIANO PRÉPARÉ' (1964)

LE PIANO PRÉPARÉ AU SEIN DE L'ORCHESTRATION

L'autre donnée qui a son importance est l'intégration du piano préparé au sein d'un " orchestre conventionnel ". Ce mélange ne va pas de soi, car il existe un contraste saisissant entre le " son naturel ", celui de l'orchestre, et " le son travaillé ", celui du piano préparé. Par exemple, dans le cas du Concerto pour piano préparé et orchestre (John Cage - 1957), ce sont les aspects de la musique contemporaine qui s'expose. L'écriture est constituée de ponctuation sonore, dans une conversation éclatée entre le piano préparé et l'orchestre. L'œuvre ne consiste pas nécessairement à faire entendre un continuum sonore avec ses développements comme cela existe dans de nombreuses orchestrations, ici ce sont souvent des fragments dissonants qui sont exploités et qui se répondent pour créer un dialogue. Sans ligne conductrice apparente, il y a donc place pour des dissonances et des ruptures de tons aux allures très contrastées.

Des questions se posent : "Peut-on alors associer ce type d'œuvre à du bricolage ?". "Existe-t-il une limite, un cap à ne pas franchir ?" Nous pourrions sans aucun mal illustrer cela à travers la musique de films qui, pour répondre à l'action d'une scène, " déchiquette " la conventionnelle écriture en la morcelant d'effets sonores. De la part des compositeurs classiques, la musique de film a été considérée comme une réponse à toutes les musiques préexistantes. On y retrouve de la musique traditionnelle, de la musique ancienne, des écritures symphoniques dans le genre " Rachmaninov " ou de la musique contemporaine genre " Pierre Boulez ".

À titre d'exemple amusé, citons un passage de la musique du film Les Tontons Flingueurs où le compositeur Michel Magne brasse large en utilisant le jazz, la " musique yéyé " mais aussi la musique contemporaine qu'il pastiche. Ce passage atypique peut être entendu dans la scène où l'on voit Claude Rich, étudiant et compositeur d'avant-garde à la recherche de l'anti-accord absolu, s'opposer à Lino Ventura qui, visiblement, ne comprend rien à ce qu'il fait avec " ces instruments de ménages " !

MICHEL MAGNE : 'MUSIQUE DE L'ANTI-ACCORD ABSOLU' (issue du film Les Tontons Flingueurs - 1963)

Mis à part cette parenthèse illustrée et cocasse, considérer que la musique de film est un genre basé sur de la récupération serait toutefois une erreur à ne pas commettre !

Face à un " orchestre conventionnel ", une solution plus logique et plus ouverte serait de réunir piano préparé et instruments insolites. Les objets du quotidien pourraient alors s'associer et constituer une sorte de famille d'instruments improbables, mais capables de produire tout un ensemble de nouveaux sons. L'arrivée de Pierre Schaeffer dans le paysage sonore de la musique concrète allait ouvrir la voie à un genre musical en lien avec les techniques électroacoustiques, et des compositeurs comme Pierre Henry et Olivier Messiaen l'adopteront un temps.

Désormais, le piano préparé devenait un élément parmi d'autres, d'autant que les nouvelles techniques d'enregistrement utilisées ne faisaient pas que de la figuration. La musique concrète est une musique non délimitée, abstraite dans sa construction, et qui réclame surtout des " oreilles neuves " pour arriver à faire la part des choses. Face à cette " musique incongrue ", le piano dans sa compensation entre timbre harmonique et timbre dynamique devenait bien peu de chose.

Pour conclure, soulignons aussi le rôle joué par le piano mécanique (à rouleau). Son fonctionnement proche de l'orgue de barbarie avec sa fonction automatisé par carte perforée permet de mettre au point des répertoires spécialement étudiés, parfois complexes, avec des usages de polyrythmie si poussés qu'il rend impossible l'exécution par un pianiste ( Études pour piano préparé de Conlon Nancarrow - 1960).

par ELIAN JOUGLA (Piano Web 07/2021)

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LE PIANO PRÉPARÉ, IL EN EST QUESTION SUR 'PIANOWEB'

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L'usage du piano préparé répond à une évolution de la composition musicale apparue au début du 20e siècle. Des compositeurs américains comme Charles Ives, Henry Cowell, John Cage, Steve Reich ou La Monte Young vont entrer au cœur de cette histoire en bouleversant la sonorité de l'instrument par différents moyens techniques.

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Extrait d'un concert de Joy Division, morceau "She's lost control" en sept 1979

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Extrait d'un concert de Joy Division, morceau "She's lost control" en sept 1979

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Ce morceau dont le titre rappelle de nombreux extraits du texte Le Caméléon d'Elsa Agnés est utilisé au plateau et invite le personnage d'Arceline Ald à refuser le réel comme carcan, pour le transcender.

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Joy Division - She's Lost Control (Live At Something Else Show) [Remastered] [HD]

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Paroles de la chanson "She's lost control" de Joy Division

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Paroles de la chanson "She's lost control" de Joy Division

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"Tout ce que je veux c'est détruire, je commencerai par moi"
Le Caméléon, 1. Opale Ballerine