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Ottavo appuntamento per il ciclo di mostre a cura di Marcello Smarrelli dedicate agli artisti italiani e stranieri temporaneamente presenti a Roma, o che intrattengono un rapporto speciale con la città. Protagonisti quest’anno saranno Pa...

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Dal 24 settembre 2022 al 26 febbraio 2023, a Palazzo del Monte di Pietà a Padova, un intrigante viaggio nelle illusioni visive dell'arte dal Medioevo alla Contemporaneità.

Promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo in collaborazione con l'Università di Padova, "L'occhio in gioco" è una di quelle mostre si presume di poter ammirare in una delle grandi sedi espositive di New York o Londra. Laddove ci si attende qualcosa che vada molto oltre il consueto, il già visto.

L'occhio guarda, cattura, legge, ordina, compone. Ma può essere illuso, raggirato, imbrogliato. E questa mostra, camminando sul confine tra arte e scienza, tra colore e movimento, racconta l'inganno del colore, delle forme e del movimento.

Originale nella curatela, affidata a Luca Massimo Barbero per la parte storica, e a Guido Bartorelli, Giovanni Galfano, Andrea Bobbio e Massimo Grassi dell'Università di Padova per la parte dedicata al Gruppo N e alla psicologia della percezione, questa ricchissima esposizione è visitabile a Padova, in Palazzo del Monte di Pietà, sede della Fondazione, che ha voluto proporla - in collaborazione con l'Ateneo Patavino - nell'ambito delle celebrazioni per gli 800 anni di storia ed attività di una delle Università più antiche al mondo.

Biglietti

Intero: 12 euro

Ridotto: 9 euro

Scuole: 2 euro per ogni alunno; gratuito per gli insegnanti accompagnatori

Ridotto: visitatori fra i 6 e i 19 anni, studenti universitari, over 65, insegnanti con documento, dipendenti dell'Università di Padova con tesserino, gruppi di adulti in visita organizzata con gratuità per 1 accompagnatore, gruppi di adulti in visita guidata a orario fisso, categorie convenzionate.

Gratuito: bambini fino a 5 anni, persone con disabilità con accompagnatore, giornalisti con tesserino, guide turistiche con patentino, enti del terzo settore che operano nell'ambito della disabilità e loro dipendenti/volontari (previa richiesta di accredito via email da parte dell'ETS), possessori della Roverella Card.

Combinato: 15 euro intero; 11 euro ridotto biglietto unico per le due mostre L'occhio in gioco e Robert Capa (Palazzo Roverella, Rovigo)

Servizi in mostra

Attività didattiche per le scuole, gratuite per le scuole delle province di Padova e Rovigo.

Laboratori creativi per bambini e ragazzi.

Audioguida: 3 euro

Referenti progetto

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"L'Occhio in gioco. Percezione, impressioni e illusioni nell'arte"

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Dal 24 settembre 2022 al 26 febbraio 2023, a Palazzo del Monte di Pietà a Padova, un intrigante viaggio nelle illusioni visive dell'arte dal Medioevo alla Contemporaneità. Promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo in collaborazione con l'Università di Padova, "L'occhio in gioco" è una di quelle mostre si presume di poter ammirare in una delle grandi sedi espositive di New York o Londra.

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Contenuto della Pagina

L'itinerario museale inizia dalla trecentesca Cappella Palatina o di Santa Barbara, che si apre sul quattrocentesco cortile di Castel Nuovo.

All'esterno l'attuale portale marmoreo, opera di Andrea dell'Aquila, ha sostituito alla metà del XV secolo quello angioino, come il rosone soprastante, progettato dal catalano Matteo Forcimanya nel 1470, sostituì quello trecentesco distrutto da un terremoto.

L'interno, riportato ai canoni dell'architettura gotica dopo i vari rifacimenti dei secoli scorsi tra cui quello barocco del Settecento, è formato da una sola navata ricoperta da una volta a capriate lignee, senza cappelle laterali, terminante con un'abside rettangolare sul cui fondo si apre un'alta e larga monofora contrapposta a quelle, lunghe e strette, delle pareti laterali.

Nel Trecento venne interamente affrescata con le Storie del Vecchio e del Nuovo Testamento da Giotto e dai suoi allievi. Di questo ciclo restano soltanto pochi frammenti negli sguanci delle finestre con testine decorative e motivi vegetali, attribuiti a Maso di Banco e collaboratori, che ricordano gli affreschi giotteschi della cappella Bardi in Santa Croce a Firenze.

La Cappella, unica testimonianza dell'antica reggia angioina, attualmente è destinata ad ospitare mostre temporanee. Con l'annessa sacrestia (temporaneamente chiusa), raccoglie pregevoli sculture del Rinascimento napoletano, quasi tutte opere di artisti che lavorano all'Arco di Trionfo di Alfonso di Aragona (1452-1458), tra cui è degno di nota il magnifico Tabernacolo con la Madonna e il Bambino, capolavoro giovanile del lombardo Domenico Gagini, allievo di Donatello e Brunelleschi.

Sulla parete di fondo della sacrestia, al posto di un settecentesco armadio ligneo trasferito al secondo piano del museo, campeggiano le due Madonne con il Bambino del dalmata Francesco Laurana, uno dei maggiori rappresentanti della scultura napoletana quattrocentesca. Delle due, l'una, detta anche Madonna del passero, proveniente dalla chiesa napoletana di Sant'Agostino alla Zecca, appartiene al primo soggiorno napoletano del Laurana e si avvicina stilisticamente alle sculture eseguite per l'Arco alfonsino dallo stesso artista.

L'altra Madonna "soave fanciulla nel volto adombrato di melanconia" proviene dal portale della Cappella Palatina e risale al secondo soggiorno napoletano dello scultore (1474). L'itinerario prosegue negli ambienti del primo e secondo piano dell'ala meridionale del Castello.

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Vivere la Città - Maschio Angioino - Cappella Palatina

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Contenuto della Pagina L'itinerario museale inizia dalla trecentesca Cappella Palatina o di Santa Barbara, che si apre sul quattrocentesco cortile di Castel Nuovo. All'esterno l'attuale portale marmoreo, opera di Andrea dell'Aquila, ha sostituito alla metà del XV secolo quello angioino, come il rosone soprastante, progettato dal catalano Matteo Forcimanya nel 1470, sostituì quello trecentesco distrutto da un terremoto.

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Alan Charlton
Trapezium
A arte Invernizzi
1 dicembre 2022 - 15 febbraio 2023

La galleria A arte Invernizzi inaugura giovedì 1 dicembre 2022 alle ore 18 una mostra personale di Alan Charlton dal titolo Trapezium.

Sin dal 1969 Charlton utilizza il grigio come unico colore e la stesura monocroma è la sola modalità in cui lo tratta. Le sue opere costituiscono il radicale azzeramento di ogni tratto espressivo e allo stesso tempo un'indagine delle molteplici potenzialità dei monocromi attraverso la luce. I suoi lavori infatti, messi in relazione con l'ambiente circostante, vivono in un continuo mutamento dettato dalle modulazioni della luce.

In questa occasione l'artista inglese ha ideato una mostra che pone in dialogo i due piani della galleria, presentando opere recenti che si collegano a quelle esposte nella sua ultima mostra personale nel 2018.

I lavori, caratterizzati da una forma trapezoidale costituita da tre elementi, sono declinati in relazioni combinatorie di superfici dipinte con tre grigi differenti.
Le opere Trapezium in 3 Parts with 2 Greys e Trapezium in 3 Parts with 3 Greys mettono in luce una ripetizione e allo stesso tempo una costante alterazione dell'elemento monocromo, in una composizione di differenti variabili alternate.
Nella seconda sala del piano superiore sono presentati i progetti-collages dei lavori esposti, in cui proporzionalità e cromie si riconoscono analoghe alle opere, ma il risultato fenomenico ed esperienziale risulta di natura completamente differente, come materializzazione plastica e germinale dell'idea.

"Chi segue e conosce il percorso di Alan Charlton troverà in Trapezium la coerente conferma di quanto da tempo maturato e da lui sviluppato in termini di ricerca. E non potrà che apprezzare l'evoluzione del suo procedere: sempre rinnovati, ritroverà tanto il senso assoluto della geometria delle forme, che la feroce capacità di non derogare mai dai canoni formali, matematico/proporzionali, volumetrici e modulari sui quali si fonda il suo lavoro. Riconoscerà quella fiducia incrollabile nelle coerenti variazioni di ritmo e percezione da sempre in opera nel suo fare. Per chi invece si avvicina con sguardo nuovo all'artista, Trapezium costituisce l'occasione di entrare in contatto con la sua visione assoluta e scendere in profondità [...] alla ricerca di qualcosa di puro". (Francesco Castellani)

In occasione della mostra verrà pubblicato un catalogo bilingue con un testo di Francesco Castellani, la riproduzione delle opere in mostra e un aggiornato apparato bio-bibliografico.

Alan Charlton
Trapezium

1 dicembre 2022 - 15 febbraio 2023
lunedì - venerdì 10-13 / 15-19, sabato su appuntamento
Inaugurazione giovedì 1 dicembre ore 18

A arte Invernizzi
Via D. Scarlatti 12
20124 Milano Italy

+39 02 29402855
info@aarteinvernizzi.it
www.aarteinvernizzi.it

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Alan Charlton @ A arte Invernizzi: Trapezium - art a part of cult(ure)

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Alan Charlton Trapezium A arte Invernizzi 1 dicembre 2022 - 15 febbraio 2023 Sin dal 1969 Charlton utilizza il grigio come unico colore e la stesura monocroma è la sola modalità in cui lo tratta. Le sue opere costituiscono il radicale azzeramento di ogni tratto espressivo e allo stesso tempo un'indagine delle molteplici potenzialità dei monocromi attraverso la luce.

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Inaugurazione: 14.10.2022, 16:26
Durata: 15.10.2022 - 29.01.2023
Artisti e artiste: Cana Bilir-Meier, Monica Bonvicini, Rosalyn D'Mello, Regina José Galindo, Silvia Giambrone, Philipp Gufler, Giulia Iacolutti, Paulo Nazareth, Dan Perjovschi, Adrian Piper, Puppies Puppies (Jade Guanaro Kuriki-Olivo), Sven Sachsalber, Giuseppe Stampone
a cura di: Judith Waldmann

La mostra TURNING PAIN INTO POWER , che Kunst Meran Merano Arte ospita dal 15 ottobre 2022 fino al 29 gennaio 2023, pone l'accento sul potenziale dell'arte nel risvegliare e incrementare la consapevolezza sulle ingiustizie sociali e politiche. La collettiva presenta una selezione di artist* che contrastano diverse forme di iniquità attraverso strategie forti, consapevoli e creative, affrontando tematiche quali il razzismo, la violenza di genere e la lotta alle discriminazioni, come ad esempio quelle rivolte contro la comunità LGBTQIA+.

La mostra si apre con un motto militante scritto a lettere rosse: "I won't shut up", che in inglese significa "non terrò la bocca chiusa". Il lavoro, di Monica Bonvicini, si riferisce alla libertà di espressione, sancita dall'articolo 11 della Carta dei diritti fondamentali dell'Unione europea, che esprime quasi il dovere di "aprire la bocca" e non accettare in silenzio le ingiustizie. Le relazioni annuali di organizzazioni come Reporter Senza Frontiere, PEN International o FREEMUSE - defending artistic freedom fanno emergere in modo impressionante come, in molte zone del mondo, il diritto di far sentire la propria voce continui a non essere tutelato e come assumere delle posizioni critiche possa addirittura essere una fonte di pericolo.

Oltre alla parola, anche altre forme espressive - come gesti o simboli - possono diventare segni di resistenza collettiva. Giuseppe Stampone cattura un momento storico impresso nella nostra memoria collettiva riproducendolo con una biro: nel 1968, durante la premiazione alle Olimpiadi di città del Messico, l'atleta afroamericano Tommie Smith alza il pugno proponendo il saluto del movimento Black Power, un segno contro la discriminazione della popolazione afroamericana. A distanza di circa cinquant'anni, il gesto di inginocchiarsi proposto da molti atlet* in tutto il mondo come atto di solidarietà, in relazione al movimento Black lives matter, si ricollega a queste strategie di protesta pacifica.

Negli anni del nazionalsocialismo le persone omosessuali venivano marchiate con un triangolo rosa, il cosiddetto "Rosa Winkel". Questo simbolo era cucito sulle casacche dei deportati nei campi di concentramento a causa del loro orientamento sessuale o della loro identità di genere. "Kostüm Kakaduarchiv" (2022) di Philipp Gufler mostra come il "Rosa Winkel" sia stato adottato nella Germania postbellica, accompagnato dalla scritta "Gays against Oppression and Fascism", come segno contro l'omofobia e contro l'oblio delle atrocità perpetrate dal nazionalsocialismo. Attraverso una contestualizzazione fornita da testimonianze dell'epoca - come ad esempio la foto dello striscione riportante: "Chi tace sui crimini contro le persone omosessuali, finisce per approvarli" - e da altri materiali documentari fotografici e testuali, il gioco di riferimenti e rimandi apre a riflessioni e ulteriori approfondimenti.

La violenza di genere è affrontata con particolare intensità anche nel lavoro di Regina José Galindo. Nel video esposto a Merano, "El dolor en un pañuelo" (1999), il corpo femminile vulnerabile, perché nudo, dell'artista diventa letteralmente una superficie di proiezione: su di esso, legato a un letto verticale, vengono infatti fatte scorrere diapositive che mostrano articoli di giornale sugli innumerevoli casi di violenza contro le donne in Guatemala. In questo modo l'artista rende il proprio corpo una piattaforma che porta all'attenzione dei visitatori e delle visitatrici i crimini commessi contro le donne, spronandoli a confrontarsi con questa tematica.

TURNING PAIN INTO POWER è pensata da Merano Arte come punto di partenza di un lavoro a lungo termine sui rapporti tra arte, attivismo e formazione, volto a indagare, mettere in discussione e contrastare i "punti ciechi", cioè quelle forme di pregiudizio inconsapevoli, e i gli aspetti da cui scaturiscono le diverse forme di discriminazione.

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Inaugurazione: 14.10.2022, 16:26 Durata: 15.10.2022 - 29.01.2023 Artisti e artiste: Cana Bilir-Meier, Monica Bonvicini, Rosalyn D'Mello, Regina José Galindo, Silvia Giambrone, Philipp Gufler, Giulia Iacolutti, Paulo Nazareth, Dan Perjovschi, Adrian Piper, Puppies Puppies (Jade Guanaro Kuriki-Olivo), Sven Sachsalber, Giuseppe Stampone a cura di: Judith Waldmann La mostra TURNING PAIN INTO POWER , che Kunst Meran Merano Arte ospita dal 15 ottobre 2022 fino al 29 gennaio 2023, pone l'accento sul potenziale dell'arte nel risvegliare e incrementare la consapevolezza sulle ingiustizie sociali e politiche.

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Nuove Tendenze | Leonardo Dudreville e l'avanguardia negli anni Dieci - Fondazione Ragghianti

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Leonardo Dudreville e l'avanguardia negli anni Dieci a cura di Francesco Parisi in collaborazione con l'Archivio Leonardo Dudreville Il percorso di Leonardo Dudreville (1885-1976), tra i fondatori nel 1913 del gruppo Nuove Tendenze, è esemplare per comprendere la situazione delle avanguardie artistiche nella particolare congiuntura in cui si muovevano sia i Futuristi, sia quei giovani che, non riconoscendosi pienamente nei princìpi del movimento di Marinetti e Boccioni, cercavano via autonome.

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BANKSY
Realismo Capitalista
An Unauthorized Exhibition
17 dicembre 2022 - 19 marzo 2023
Museo della Città di Livorno
Polo Culturale Bottini Dell'Olio
Piazza del Luogo Pio, Livorno

Vernissage venerdì 16 dicembre ore 17.30 al Museo della Città di Livorno per Banksy Realismo Capitalista, la mostra che porta a Livorno fino al 19 marzo 2023 una selezione delle opere dell'artista inglese conosciute in tutto il mondo per la loro carica dirompente e per i loro messaggi trasversali, politici e sociali, capaci di interpretare con i tratti veloci e intuitivi della street art la realtà complessa dei nostri tempi.
Prodotta e organizzata dal Comune di Livorno e MetaMorfosi Eventi, Banksy Realismo Capitalista grazie alla ricca selezione di opere in mostra al Polo Culturale Bottini dell'Olio di Livorno, permetterà al pubblico di ammirare alcune tra le creazioni di Banksy più rappresentative degli ultimi decenni.

Tra queste alcune vere e proprie icone dell'artista britannico: Girl with Balloon, da tutti conosciuta come "la bambina con il palloncino rosso", forse la più amata tra tutte le opere di Banksy, e Love is in the Air, il "Lanciatore di fiori"
L'esposizione di Livorno tratta per la prima volta Banksy come se fosse un grande artista classico. Grazie ad una collezione di pezzi originali e autenticati gli spettatori possono addentrarsi nell'immaginario artistico di un autore che ormai da oltre un ventennio attraversa la scena culturale mondiale e che ha
scelto anche gli attuali scenari di guerra come palcoscenico per i suoi messaggi artistici, mostrando ancora una volta la sua capacità di stare in mezzo al presente.
Strutturata in maniera rigorosamente non commerciale, Banksy Realismo Capitalista non è una mostra immersiva di riproduzioni - ma una collezione di opere originali che permettono agli spettatori di entrare nel mondo contemporaneo visto con gli occhi di un grandissimo artista, capace di lasciare
il segno grazie a un messaggio semplice ma di dirompente impatto sulla realtà.

"Un'altra grande mostra - dichiara il sindaco di Livorno Luca Salvetti - approda a Livorno nella splendida cornice del Museo della Città ai Bottini dell'Olio. Dopo Modigliani che ha registrato 110mila presenze in tre mesi, Livorno ospita le opere del maggiore esponente mondiale della Street Art, l'artista Banksy, la cui identità è sconosciuta, anche se si presuppone che sia inglese e sia nato a Bristol nel 1974. Banksy ha un grande appeal sui giovani e sono certo che molti di loro si recheranno a visitare la mostra. Proprio per questo l'Amministrazione Comunale ha deciso di organizzare, a corollario della mostra, una serie di eventi che coinvolgano giovani, appassionati di street art e gallerie cittadine.

Si può ormai dire che la città di Livorno ha una tradizione consolidata di Street Art, visto che i muri dei quartieri della Venezia, Pontino, Borgo e anche via Roma, sono decorati con splendide opere alcune commissionate, altre improvvisate da artisti sconosciuti che esprimono la propria interiorità e la profondità dell'animo umano usando l'arte di strada come mezzo di espressione visiva.

Con la mostra dedicata a Banksy, siamo di fronte alle opere di un artista che, dagli anni 2000, ha saputo cogliere, con genialità e grande intuizione, i codici comunicativi della cultura di massa, usando come tematiche centrali le atrocità della guerra, il consumismo, il maltrattamento degli animali e l'inquinamento e utilizzando con ironia varie tipologie di soggetti umani e animali.

La mostra di Banksy al Museo della Città è stata fortemente voluta dalla Giunta che ha accolto la proposta dell'assessore alla Cultura Simone Lenzi come per la mostra di Modigliani. Una intuizione sicuramente fortunata che porterà a Livorno molti visitatori, soprattutto giovani, e sarà la protagonista del Natale 2022 e chissà che non riservi sorprese"!

Le opere in mostra
Esposte alcune tra più iconiche dell'artista, quelle che ne hanno decretato la fama mondiale.
Tra queste: Girl with Balloon, Love is in the Air (Flower Thrower), Bomb Hugger, e Toxic Mary.

GIRL WITH BALLOON La "ragazza con palloncino" è forse l'immagine più popolare di Banksy, votata nel 2017, in un sondaggio promosso da Samsung, come l'opera più amata dai britannici. Banksy dipinge per la prima volta Girl with Balloon, con la tecnica dello stencil, in forma non commissionata su un muro al lato di un ponte della zona di Southbank, Londra, nel 2002.

L'artista firma l'opera su una cassetta elettrica, situata in basso a destra dell'opera, e accompagna l'immagine con un testo che recita: "C'è sempre una speranza".

LOVE IS IN THE AIR conosciuta anche con il nome di Flower Thrower (Lanciatore di Fiori) appare per la prima volta nel 2003 come stencil non commissionato a Gerusalemme, sul muro costruito per separare israeliani e palestinesi nell'area della West Bank. Nel corso dello stesso anno realizza l'edizione qui esposta su fondo rosso: un giovane che lancia un mazzo di fiori, simbolo di una rivoluzione antimilitarista che capovolge il senso comune della guerriglia urbana. Love Is In The Air cita e manipola l'immaginario degli attivisti durante le rivolte universitarie che attraversarono Stati Uniti e Gran Bretagna nel periodo del Vietnam, e prende il titolo da una famosa canzone, pubblicata nel 1977, del cantante australiano John Paul Young.

LOVE RAT I topi sono tra i soggetti più rappresentati da Banksy che su di loro scrive:
"Esistono senza permesso. Sono odiati, braccati e perseguitati. Vivono in una tranquilla disperazione tra la sporcizia. Eppure, sono capaci di mettere in ginocchio intere civiltà".
L'artista coglie un parallelismo tra i topi e la condizione dello street artist e ci mette in guardia dalle tranquille ma ambigue moltitudini. I topi di Banksy sono prelevati dall'immaginario di un altro street artist, il francese Blek Le Rat, che nel corso degli anni Ottanta li dissemina per Parigi con una visione simile a quella dell'artista britannico. Il topo di Love Rat è rappresentato con un grande pennello in mano mentre ha terminato di tracciare il contorno di un cuore rosso su un muro invisibile. Il simbolismo suggerisce che la street art - non importa quanto insignificante possa sembrare a prima vista - è degna di amore e che questi piccoli contributi possono avere un impatto luminoso sulla comunità circostante.

TOXIC MARY/VIRGIN MARY Virgin Mary è anche nota come Toxic Mary a causa del simbolo del veleno sul biberon. Secondo alcuni l'immagine rappresenta una dura critica al ruolo della Religione nella Storia; secondo altri è una critica al modo in cui stiamo educando i nostri figli. L'opera riprende una Madonna con Bambino nello stile del Rinascimento. L'immagine presenta delle colature che riportano un elemento peculiaredella street art. É una tipica immagine popolare che Banksy sottopone ad un "détournement". Si tratta di un processo che consente di sfruttare immagini già cristallizzate nella memoria, manipolandole e collocando elementi che ne mettano in crisi il significato acquisito. L'opera viene presentata per la prima volta nel 2003 come dipinto a stencil su tela nel corso della mostra Turf War.

BOMB HUGGER è un'immagine che parla di guerra e quindi attualissima. Ha un titolo ufficiale e uno adottato dal pubblico: quello ufficiale è Bomb Love. Tuttavia il pubblico lo ha accolto come Bomb Hugger, ovvero, colei che abbraccia la bomba. L'immagine è stata pubblicata in 750 copie serigrafiche da Pictures On Walls, proprio durante le manifestazioni in Gran Bretagna per criticare l'intervento congiunto con gli USA contro l'Iraq. Su uno sfondo rosa pop, una bambina abbraccia una bomba come se stesse abbracciando un orsacchiotto. L'artista sta parlando della guerra nella versione fornita dai governanti e dai media allo scopo di giustificare l'attacco all'Iraq, ovvero, una guerra per "esportare la democrazia". L'immagine è stata riprodotta in vari formati, è apparsa sui muri di città europee tra cui Berlino, realizzata a stencil ma anche su cartelli distribuiti al pubblico in occasione delle proteste antimilitariste.

Seppur risalente al 2000, Banksy documenta alcune Bomb Hugger a stencil monocromo su muro pubblico nel 2003, realizzate nella zona est di Londra e poi a Brighton.

Da questo link è possibile scaricare immagini delle opere e materiali di mostra: https://www.dropbox.com/sh/0ryrd2v7hcpk70j/AAAoFmv_2qy32tA8OarRbtVDa?dl=1
Banksy Realismo Capitalista
Prodotta e organizzata da Comune di Livorno e MetaMorfosi Eventi
Dal 17 dicembre 2022 al 19 marzo 2023
Museo della Città di Livorno, Polo Culturale Bottini Dell'Olio
Piazza del Luogo Pio, Livorno
Info
Museo della Città https://www.museodellacittalivorno.it/
museodellacitta@comune.livorno.it | tel.0586 824551
orario di apertura dal lunedì al venerdì dalle 10,00-20,00, il sabato e la domenica 10.00-22.00
Sempre aperti compreso Natale, S.Stefano, 31 dicembre, 1 gennaio e 6 gennaio

Biglietti:
€ 12,00 intero;
€ 8,00 ridotto;
€ 2,00 ridotto scuole
Visite guidate per gruppi max 25 persone € 50

Ufficio Stampa MetaMorfosi Eventi
Maria Grazia Filippi
mariagraziafilippi@associazionemetamorfosi.com
06.83600147

Ufficio Stampa Comune di Livorno
Dott.ssa Maria Ursula Galli
tel.0586-820237/268
ugalli@comune.livorno.it
stampa@comune.livorno.it

social del Comune di Livorno:
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BANKSY Realismo Capitalista. An Unauthorized Exhibition. 17 dicembre 2022 - 19 marzo 2023 Museo della Città di Livorno

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BANKSY Realismo Capitalista An Unauthorized Exhibition 17 dicembre 2022 - 19 marzo 2023 Museo della Città di Livorno Polo Culturale Bottini Dell'Olio Piazza del Luogo Pio, Livorno Vernissage venerdì 16 dicembre ore 17.30 al Museo della Città di Livorno per Banksy Realismo Capitalista, la mostra che porta a Livorno fino al 19 marzo 2023 una selezione delle opere dell'artista inglese conosciute in tutto il mondo per la loro carica dirompente e per i loro messaggi trasversali, politici e sociali, capaci di interpretare con i tratti veloci e intuitivi della street art la realtà complessa dei nostri tempi.

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Nell'ambito della convezione con il MAXXI L'Aquila studenti e docenti dell'Accademia di Belle Arti dell'Aquila hanno partecipato alle diverse fasi di allestimento della mostra dedicata al maestro Franco Summa, che si apre il 14 dicembre 2022 al MAXXI L'Aquila, al Palazzo dell'Emiciclo e alla Fondazione Giorgio de Marchis onlus.
Ecco i loro nomi:
Martina Festuccia, Chiara Di Pasquale, Caterina Brigida Russo, Daniele Muggia (Scuola di Restauro, coordinamento prof. Grazia De Cesare); Maria Fidanza, Anna Berardi (Scuola di Scenografia, coordinamento prof. Marco Cortopassi ); Dorina Manari, Vittoria Dante (Scuola di Decorazione coordinamento proff. Franco Fiorillo e Sebastiano Dammone Sessa).
In Principio era il Colore - Omaggio a Franco Summa

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In Principio era il Colore - Omaggio a Franco Summa

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Nell'ambito della convezione con il MAXXI L'Aquila studenti e docenti dell'Accademia di Belle Arti dell'Aquila hanno partecipato alle diverse fasi di allestimento della mostra dedicata al maestro Franco Summa, che si apre il 14 dicembre 2022 al MAXXI L'Aquila, al Palazzo dell'Emiciclo e alla Fondazione Giorgio

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Indirizzo: Musei di Nervi - Wolfsoniana - Via Serra Gropallo, 4

Data: da 25/11/2022 a 26/03/2023

La Wolfsoniana di Genova Nervi ospita dal 25 novembre 2022 al 26 marzo 2023 la mostra Le stanze delle meraviglie. I vetri dipinti di Dady Orsi.

La mostra a cura di Mariateresa Chirico e Matteo Fochessati presenta una selezione di pitture sotto vetro realizzate dall'artista genovese (di nascita ma milanese di adozione) nel periodo della sua maturità creativa tra gli anni Sessanta e Ottanta del Novecento. Il percorso espositivo, anticipato dall'Autoritratto (1936) dell'artista, si focalizza su uno dei soggetti prediletti nella pittura di Dady Orsi - Le stanze, vere e proprie Wunderkammer, in cui il mondo reale dell'artista - la sua casa, i suoi oggetti - e quello visionario, trasfigurato dalla sua creatività, si traducono in immagini intriganti e coinvolgenti. Si tratta di lastre a volte di dimensioni abbastanza ridotte, altre, invece, di dimensioni più significative, dipinte con colori acrilici con una particolare tecnica che prevede di dipingere al contrario.

La mostra è promossa da L 'Associazione Dady Orsi, un Artista del Novecento (Milano) nell'ambito del " Anno internazionale del vetro", dichiarato dalle Nazioni Unite, e patrocinata da AIHV - Association Internationale pour l'Histoire du verre - Comitato Nazionale Italiano e AitArt - Associazione Italiana Archivi d'Artista.

In occasione dell'inaugurazione della mostra la Wolfsoniana presenta anche una selezione di opere recentemente acquisite, dalla fondazione T he American Friends of the Palazzo Ducale Genoa, per donazione o comodato. Si tratta di dipinti dei due maestri genovesi Domingo Motta e Federico Maragliano, e opere di Antelma Santini, Domicella D'Incisa di Camerana e Sandro Cherchi.

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Le stanze delle meraviglie. I vetri dipinti di Dady Orsi

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Indirizzo: Musei di Nervi - Wolfsoniana - Via Serra Gropallo, 4 Data: da 25/11/2022 a 26/03/2023 La Wolfsoniana di Genova Nervi ospita dal 25 novembre 2022 al 26 marzo 2023 la mostra Le stanze delle meraviglie. I vetri dipinti di Dady Orsi.

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Presentata per la prima volta al pubblico nel 2022 in occasione della 59. Biennale di Venezia, l'installazione Da Schifanoia: re-incantare il mondo dell'artista rom-polacca Małgorzata Mirga-Tas arriva ora a Ferrara. Nonostante non sia mai stata esposta in città, è come se l'opera tornasse a casa: un ritorno ( anabasis) di carattere simbolico con cui l'artista si propone di pagare il debito contratto con la città estense. La mostra si svolge infatti dove tutto è cominciato, dalla storia e dai monumenti diventati fonte di ispirazione del suo lavoro. Mirga-Tas ha visitato per la prima volta Ferrara insieme ai curatori Wojciech Szymański e Joanna Warsza quando stava immaginando l'installazione per la Biennale di Venezia. Durante la suapermanenza si è soffermata sugli affreschi di Palazzo Schifanoia, proprio come avevano fatto prima di lei, tra gli altri, lo storico e studioso dell'arte tedesco di origini ebraiche Aby Warburg e la scrittrice scozzese Ali Smith. Ha visto i luoghi immortalati dallo scrittore ferrarese Giorgio Bassani, ammirato le opere di grandi maestri come Francesco del Cossa ed Ercole de' Roberti, scoperto la figura del duca Borso d'Este, mecenate dei due artisti e committente del Salone dei Mesi.

L'allestimento al Castello Estense, organizzato da Fondazione Ferrara Arte, Servizio Musei d'Arte del Comune di Ferrara e Zachęta - National Gallery of Art di Varsavia, comprende otto dei dodici teleri creati dall'artista. Mirga-Tas ha deciso di esporre i mesi di marzo, aprile, maggio, giugno, luglio, agosto, settembre e ottobre: i primi sette sono quelli tutt'ora visibili a Palazzo Schifanoia.

Tuttavia i visitatori della mostra ferrarese non vedranno le stesse vicende rappresentate nelle tre fasce degli affreschi del Salone dei Mesi. Le storie delle divinità dell'Olimpo, quelle dei decani e le scene di vita cortigiana della Ferrara del XV secolo sono state infatti sostituite da episodi narrati dall'artista.

Nella fascia superiore è raffigurato il mitico viaggio del popolo rom verso l'Europa, ispirato a una serie di stampe del XVII secolo dell'incisore lorenese Jacques Callot. La fascia centrale è un archivio affettivo di storie rom declinate al femminile che accosta immagini di donne reali a elementi magici e astrologici. In quella inferiore è rappresentata la vita quotidiana nella città natale dell'artista, Czarna Góra, e in altri insediamenti rom tra i monti Tatra, come Podhale e Spiš, in Polonia.

Tutto parte dunque dal celebre ciclo dei mesi di Palazzo Schifanoia, il luogo in cui Aby Warburg aveva coniato il concetto di Nachleben, la sopravvivenza delle immagini. I segni zodiacali, il sistema dei decani, le allegorie dei mesi, la ciclicità e la diffusione dei simboli tra epoche e continenti - attraverso India, Persia, Asia Minore, antica Grecia, Egitto e Europa - sono i punti di riferimento visivo e ideologico di Małgorzata Mirga-Tas, che li ha compresi e calati nella storia, cultura e identità rom-polacca.

Fondazione Ferrara Arte,

Servizio Musei d'Arte del Comune di Ferrara,

Zachęta -National Gallery of Art di Varsavia

A cura di Wojciech Szymański e Joanna Warsza

Coordinamento mostra: Tiziana Giuberti e Joanna Waśko

Progetto di allestimento: Inout Architettura

3404190867

comunicazione.ferrararte@comune.fe.it

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Małgorzata Mirga-Tas Da Schifanoia: re-incantare il mondo

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Presentata per la prima volta al pubblico nel 2022 in occasione della 59. Biennale di Venezia, l'installazione Da Schifanoia: re-incantare il mondo dell'artista rom-polacca Małgorzata Mirga-Tas arriva ora a Ferrara. Nonostante non sia mai stata esposta in città, è come se l'opera tornasse a casa: un ritorno ( anabasis) di carattere simbolico con cui l'artista si propone di pagare il debito contratto con la città estense.

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I colori della fede a Venezia: Tiziano, Tintoretto e Veronese - Abbonamento Musei

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Il Complesso Monumentale di San Francesco a Cuneo propone un progetto espositivo promosso da Fondazione CRC e Intesa Sanpaolo dal titolo I colori della fede a Venezia: Tiziano, Tintoretto e Veronese. La mostra, curata da don Gianmatteo Caputo e Giovanni Carlo Federico Villa e realizzata con il supp…

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Il calendario eventi a Como. Ricerca per data e tipo di evento

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Sabato sarà inaugurato al Castello Ursino la mostra per il centenario di Verga. Di seguito tutte le info utili.

"Verga: quotidianità di un romanziere. Famiglia, vita, carattere e opere dello scrittore dal carteggio Fondo Eredi Verga" è il titolo della mostra documentaria che sarà presentata sabato 19 novembre alle ore 17.30, con inaugurazione alle 18, nel Castello Ursino, promossa dal Comune in occasione del centenario della morte del grande autore, massimo esponente del Verismo. L'iniziativa, in calendario sino al 26 dicembre, rientra tra gli eventi celebrativi voluti dalla Regione Siciliana - Assessorato ai Beni Culturali con la Soprintendenza di Catania, ed è realizzata anche con la collaborazione dell'Accademia di Belle Arti di Catania.

Saranno presenti il Commissario straordinario del Comune, Federico Portoghese, la soprintendente ai Beni culturali Donatella Aprile, gli organizzatori della direzione Cultura, a partire dal direttore Paolo Di Caro e dalla coordinatrice del sistema bibliotecario Sabina Murabito, il curatore scientifico prof. Antonio Di Silvestro, il direttore dell'Accademia di Belle Arti Gianni Latino.

L'esposizione dedicata allo scrittore, figlio illustre della città di Catania, svela buona parte dell'archivio familiare sia del Verga personaggio pubblico sia del Verga uomo. In vetrina, straordinari documenti ancora oggi poco noti e conservati nell'Archivio Storico comunale, tra lettere, carteggi, atti giudiziari, contabilità, scritti che rievocano atmosfere, relazioni, abitudini. Il percorso museale è arricchito dalla presentazione di articoli giornalistici pubblicati dai più accreditati critici verghiani tra gli anni '50 e '70, oltre che da una sezione di arte contemporanea tematica.

La mostra è accompagnata da un corposo catalogo, a firma del prof. Di Silvestro, esperto delle carte dell'Archivio Verga e componente del direttivo all'interno del consiglio scientifico della Fondazione Verga. Tutto il progetto della mostra è stato realizzato con il coordinamento del Direttore comunale della Cultura Paolo Di Caro e il controllo gestionale di Sabina Murabito del sistema bibliotecario, di Agata Tarso che opera nell'Archivio Storico comunale insieme con Antonella Curiale, e Denise Bruno, studiosa in filologia.

A curare il visual, il progetto grafico del catalogo, le foto del materiale d'archivio e l'allestimento dell'esposizione documentaria è l'Accademia di Belle Arti di Catania, che gestisce anche la sezione "Cuore contento" di opere di arte contemporanea di nove autori, da un'idea di Davide Bramante per dare forma, segno e colori alle parole di Verga.

La mostra sarà aperta al pubblico, con ingresso incluso nel biglietto del museo civico, tutti i giorni dal lunedì alla domenica, dalle ore 9 alle 19 (ultimo ingresso ore 18). Per maggiori informazioni è possibile visitare il sito delle celebrazioni ufficiali www.verga2022.it

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Centenario Verga: al Castello Ursino inaugurazione mostra "Quotidianità di un romanziere"

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Sabato sarà inaugurato al Castello Ursino la mostra per il centenario di Verga. Di seguito tutte le info utili. "Verga: quotidianità di un romanziere. Famiglia, vita, carattere e opere dello scrittore dal carteggio Fondo Eredi Verga" è il titolo della mostra documentaria che sarà presentata sabato 19 novembre alle ore 17.30, con inaugurazione alle 18, nel Castello Ursino, promossa dal Comune in occasione del centenario della morte del grande autore, massimo esponente del Verismo.

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Il 16 dicembre Fondazione di Sardegna ha inaugurato Hallucinations una mostra personale di Tim Davis a cura di Marco Delogu, nell'ambito di AR/S - Arte Condivisa in Sardegna. L'appuntamento alle ore 18, nella sede di Cagliari in via San Salvatore da Horta, 2 ed erano presenti: Giacomo Spissu, Presidente della Fondazione di Sardegna, Marco Delogu, curatore della mostra, la manager culturale, Francesca Campana e l'antropologo Bachisio Bandinu. Ha moderato Franco Carta, responsabile del Progetto AR/S.

Tim Davis è un artista visivo, musicista e poeta di base a New York, dove insegna Fotografia presso il Bard College. Il suo lavoro spazia dall'indagine sugli aspetti formali della fotografia, al documentario socialmente impegnato, per spingersi verso dimensioni più poetiche e rarefatte.

La serie Hallucinations è frutto dell'incontro tra Davis e la Sardegna, avvenuto grazie al progetto della Fondazione di Sardegna The Photo Solstice. A questa esperienza in Barbagia è seguito un periodo di residenza e produzione fotografica sull'isola, nell'ambito del progetto "Commissione Sardegna". Questo viaggio ha condotto il fotografo statunitense da Sassari a Cagliari, addentrandosi nei paesi barbaricini, in quelli dell'Ogliastra e dell'oristanese.

Fino al 31 marzo saranno in mostra 60 scatti in cui Davis ritrae una realtà che lo porta a non credere ai suoi occhi, che si rivela al suo sguardo come una visione, un'allucinazione. Il suo approccio alla costante ricerca della poetica del quotidiano e del consueto ha trovato in questo territorio terreno fertile: i suoi scatti ritraggono dettagli diversi, opposti, che convivono contemporaneamente nello stesso spazio come l'incredibile blu del mare insieme alla terra arsa, le vigne e i resti delle auto bruciate, i cavalli e l'immondizia.

ars.fondazionedisardegna.it

L'esposizione mette in mostra 60 scatti e sarà visitabile sino al 31 marzo
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L' iniziativa propone una forma di esposizione fotografica inusuale, che si caratterizza per la sua valenza di condivisione sociale e diffusione visiva
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"Hallucinations", inaugurata a Cagliari la mostra di Tim Davis

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Il 16 dicembre Fondazione di Sardegna ha inaugurato Hallucinations una mostra personale di Tim Davis a cura di Marco Delogu, nell'ambito di AR/S - Arte Condivisa in Sardegna. L'appuntamento alle ore 18, nella sede di Cagliari in via San Salvatore da Horta, 2 ed erano presenti: Giacomo Spissu, Presidente della Fondazione di Sardegna, Marco Delogu, curatore della mostra, la manager culturale, Francesca Campana e l'antropologo Bachisio Bandinu.

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Le fotografie di Tina Modotti in mostra al Centro Saint-Bénin di Aosta - Aostasera

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Dall'11 novembre al 12 marzo 2023 il Centro Saint-Bénin di Aosta ospita la mostra "Tina Modotti. La genesi di uno sguardo moderno".

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On the occasion of Florence Art Week, the Museo Novecento hosts one of the greatest exponents of international sculpture, Tony Cragg (Liverpool, 1949), who will be the protagonist of the great monographic TONY CRAGG. Transfer, curated by Sergio Risaliti and Stefania Rispoli, from 22 September 2022 to 15 January 2023.

The exhibition presents a selection of sculptures and works on paper by the English master, known above all for having contributed to a renewal of the plastic language thanks to the introduction of new materials and new techniques, among the most experimental and innovative of our time.

The project is absolutely unprecedented, designed as a mediation tool to present not only the artist's works (sculptures and drawings) but also show his creative process. This special experience brings the visitor closer to contemplating and interpreting a world of original forms that amplify perceptions and imaginings between the natural world and artificial invention, between the organic and the technological. It is a chance to learn more about the work of a master who opened up new and unprecedented possibilities of expression in art, new strands of research and courageous experimentation with materials, technologies and sources of inspiration that have influenced generations of artists from the 1970s to the present.

All of Tony Cragg's artistic research can be interpreted as a tribute to the infinite possibilities of form and that unlimited variety of solutions that only art, with nature, can evoke.
His earliest works, dating back to the late 1970s - an era of Minimalism, Conceptual Art, Land Art and Arte Povera - are assembled from common objects (such as tools, furniture, small artefacts and discarded materials) and influenced by the tradition of Duchamp's ready-made and the Surrealist object trouvè. Later, his practice began to show the influence of philosophical studies and scientific research, leading him to experiment with the materials (bronze, resins, steel, plastic, chalk, wood, glass, household and industrial objects, organic and synthetic ones) and make sculptures that still combine craftsmanship with technology today, often using robotics.

In his works, Cragg draws from an inexhaustible source of inspiration by observing our surroundings: from nature with its organic compositions, to the crystalline structures of minerals; from digitally processed images to products artificially created in the laboratory; from archaeology to geology; from the history of art to biology. " Nature has produced wonderfully intricate shapes and structures for millions of years... it's a diversity that fascinates me. We, on the other hand, produce rather simple, repetitive, easily reproducible shapes based on simple geometries ". This extreme curiosity for the 'forms of the world', whether natural or man-made, and faith in the expressive capacities of art, translates into an experimentation that sets no limits and is continuously seeking new visions.

The sculptures are generated by a root, a central structure that supports them, from which they unfold to generate many different branches, imitating what nature does with its forms: " I want to make a work that has the same intense effect that looking at Nature has on me. In this sense, I was fascinated by how the rational constructions underlying the forms translate into emotional qualities ". In the artistic process, Cragg continually takes, creates, manipulates and distorts the form, giving life to semantically ambiguous sculptures that, positioned between abstraction and figuration, can evoke complex natural landscapes, like the inlets of fjords, as well as giving us the illusion of representing a human figure or a familiar object.

The exhibition Transfer is a tribute to sculpture, that magnificent obsession that has been with Cragg from the outset. In fact, the exhibition rooms host a selection of small and medium-sized works as well as drawings and watercolours, to give an idea of his prolific and multifaceted practice. Organised according to stylistic and formal criteria, the more than eighty works reveal a coherence and organic quality inherent to all of Cragg's work, showing an expressive language meticulously constructed over the years based on the idea that the creative process is also a journey of discovery. The artist always uses the same procedure - from the drawing to the choice of materials, experimentation with the technique, to the selection of the colour - working with the material and learning from it and its reactions. This way, the work unfolds only step by step in its making, revealing the infinite possibilities of form.

The works located between the ground floor and the first floor of the Museo Novecento are flanked by the first three monumental sculptures exhibited in the cloister of the museum ( Versus, Masks, Spring) and one in the Courtyard of the Men of the Istituto degli Innocenti ( Stack) , which interact with the architecture of the places conceived in the Renaissance as environments dedicated to retreat and meditation. Once again, the collaboration between the Museo Novecento and one of the most ancient city institutions is renewed, under the banner of the contamination between ancient and contemporary, between past and present of art.

The exhibition is conceived as a mediation tool as well as an exhibition, aimed at recounting the artist's creative process and working method. In this sense, the rooms on the second floor host a number of drawings conceived as basic preparatory tools for making the sculpture, while those on the ground floor, through the staging, the artist's studio, replicate a place of creation but also life. In Wuppertal in Germany, where he moved at the end of the 1970s, Cragg created a design space conceived as a veritable citadel of art, a scientific laboratory with technicians and artisans working simultaneously on several pieces and taking turns in workshops testing the limits and capabilities of techniques and materials. Not far from there, in 2008, he founded the Skulpturenpark Waldfrieden, an outdoor sculpture park that exhibits works by many contemporary artists, including his own, bearing witness to his ongoing dedication to sculpture in the broadest sense.

TONY CRAGG (Liverpool, 1949)

After graduation, he worked for two years as a laboratory technician in the field of biochemical research. During this period, he began drawing and was admitted in 1969 to the Gloucestershire College of Art and Design and later to the Wimbledon School of Art. In 1973, he enrolled at the Royal College of Art in London, where he focused on sculpture. Before he started to work with traditional materials such as stone, iron and bronze, his works were conceived as assemblages of discarded elements and objets trouvés and his research was influenced by Minimalism and Land Art. In 1976, he began teaching at the École des Beaux-Arts in Metz and the following year he moved to Wuppertal, the birthplace of his first wife, where he still lives today and where, in 2008, he founded the Skulpturenpark Waldfrieden, an outdoor sculpture park that exhibits works by many contemporary artists, including his own. From 1978 to 1988, he taught at the Düsseldorf Academy of Art, and later in Berlin at the University of the Arts where he taught sculpture. In 2006, he was in Düsseldorf at the Academy of Art, where he was director from 2009 to 2014.
From 1977 onwards his work has been presented in major museums and institutions throughout the world, and his works are today in the most important collections of public and private art. He has been represented several times at the Venice Biennale and at Documenta in Kassel, as well as at the São Paulo and Sydney biennials. In 1988, he was awarded the Turner Prize. After receiving several honorary doctorates and many other eminent awards, he was appointed Commander of the Order of the British Empire in 2003. In 2007, he was awarded the Imperial Praemium by the Imperial Court of Japan as one of the greatest present-day sculptors.

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On the occasion of Florence Art Week, the Museo Novecento hosts one of the greatest exponents of international sculpture, Tony Cragg (Liverpool, 1949), who will be the protagonist of the great monographic TONY CRAGG. Transfer , curated by Sergio Risaliti and Stefania Rispoli, from 22 September 2022 to 15 January 2023.