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" El Terapeuta"
Renè Magritte

Fecha: 1937; Brussels, Belgium

Estilo: Surrealismo

Perìodo: Brussels pre-war and war years

Género: pintura alegórica

Media: óleo, canvas

Localización: colección privada

Dimensiones: 47,6 x 31,3 cm

En sus cuadros es muy habitual ver juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones; además, Magritte manipulaba imágenes cotidianas como un juego con el que explorar los límites de la percepción. Más que las disquisiciones teóricas y el automatismo de los surrealistas del grupo de París, a Magritte le interesan la ironía, la subversión de los valores ópticos de la pintura tradicional y los juegos de palabras. Sus cuadros, por lo general, carecen de la complejidad, el dramatismo o la apariencia convulsa de otras obras surrealistas, y presentan a menudo guiños o referencias a la pintura tradicional.
Los acontecimientos importante en el mundo en 1937
31 de marzo: Guerra Civil Española: Comienza la ofensiva sobre Vizcaya, la aviación italiana bombardea Durango Vizcaya (España) causando varios muertos. ... 26 de abril: en España, se produce el Bombardeo de Guernica. 1 de mayo: el Congreso promulga la ley de neutralidad estadounidense en la Guerra Civil Española.

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Me faltó la foto que imita al cuadro.

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Silvina Messina Pep 18.30

" Los amantes " ( 1928 )
Óleo sobre lienzo, 54,2 x 73 CM

El pintor belga René Magritte, padre de Los Amantes, logra llamar la atención del público por las telas húmedas cubriendo los rostros de los protagonistas y por los colores duros del lienzo. Hay un predominio del granate, azul y negro, destacando el blanco por encima de  todos para subrayar el efecto mojado de las telas que los cubren.

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"La Joven de la Perla" es el cuadro más famoso de Vermeer. No es un retrato, sino un "tronie", es decir, la pintura de una figura imaginaria que representa a cierto tipo o personaje; en este caso, una joven que lleva un vestido exótico, un turbante oriental y una perla extremadamente grande en la oreja.

Johannes Vermeer fue el maestro de la luz. Aquí se destacan la suavidad del rostro de la joven, los destellos que salen de sus húmedos labios y, por supuesto, la perla brillante.Artista: Johannes Vermeer

Tamaño: 44 cm x 39 cm

Ubicación: Mauritshuis

Período: Siglo de Oro neerlandés

Fecha de creación: 1665

Material: Pintura al aceite

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Titulo: A lúa
Autora: Tarsila do Amaral
Brasil, 1928

El año de 1928 está considerado por muchos críticos como el momento álgido de producción de la autora, en el que causa una gran admiración con esta tela, creando así una fase de cromatismo explosivo y exótico que continuaría en muchas de sus obras posteriores.

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“Skrik” 1893
Autor: Edvard Munch

Técnica: Óleo Pastel Temple (91cm x 74 cm)

Se encuentra en la Galería Nacional de Oslo, Oslo (Noruega)

Mensaje de la obra: El humano moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial.

Edvard Munch (1963-1944) nació en Loten, Noruega.

Pintor de la angustia, del miedo, de la enfermedad y de la muerte. Fue el precursor del Expresionismo alemán .

Retrató a la perfección al hombre moderno y su sufrimiento existencial, tan ligado al sexo como a la muerte y que se tradujo en los temas que trató en su pintura: la soledad y la angustia.

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Sunrise by the ocean (Vladimir Kush, 2000)
Medidas: 21x25 cm.
Vladimir Kush (1965) es un pintor identificado con el movimiento del realismo metafórico, heredero del surrealismo, especialmente del pintor Salvador Dalí, sobre todo en lo referente al uso de simbolismos.
Nacido en Moscú, empezó a pintar a muy temprana edad, iniciando sus estudios de dibujo a los 7 años en la escuela de arte y posteriormente con 17 en el Instituto de Arte de Moscú. Influido por su padre, científico de oficio, piensa que la pintura realista muestra la capacidad profesional del artista adentrando al espectador en un mundo fantástico, como haría un matemático. Éste, fascinado por lo que ve, acepta dichas imágenes imposibles para ver metáforas en ellas y explorar sus diferentes significados.

El huevo simboliza el sol naciente y el comienzo de la vida. En muchos mitos sobre la creación del mundo, un huevo cósmico es puesto por un ave gigante en un océano sin forma, la antigua. El óvulo se divide en dos y el cielo y la tierra parecen de las mitades de la misma, mientras el sol se ve en la yema. Se puede ver en la imagen que el Sol recién nacido todavía no ha tomado su forma final todavía. Fragmentos de materia prima continúan corriente de la esfera de la quema se levanta sobre el océano. Según el mito de Polinesia, las islas de Hawaii nacieron a partir de ese huevo.

Realice esta recreación pintando con acuarelas en una hoja, pegando cáscaras de huevo, pan rallado y agua para lo que sería la arena y el lago.
¡Saludos!

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Nombre de la obra: The Nightmare.
Autor: Johann Heinrich Füssli.
Año: 1781.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 101 cm × 127 cm.
Estilo: Romanticismo.

La obra fue exhibida en 1782, donde deslumbró y atemorizó al público.
En la era de la Ilustración en Inglaterra, mientras otros artistas representaban acontecimientos científicos, Henry Füssli eligió un tema tanto de fantasía como de realidad que sería un indicio de las teorías del subconsciente exploradas por los psicoanalistas en el siglo XIX.

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Verónica Lipochaki PEP 2do cuatrimestre 16:30hs
La obra se llama Mirando hacia afuera de Paula Rego.
Su arte en defensa de la muje " Seis cuadros. Un. concepto".
Hace décadas que eligió como uno de sus temas a la mujer: la mujer desprotegida y vulnerable en medio de un entorno hostil, de una realidad violenta y silenciosa al mismo tiempo.
Es que mucho de lo que le suced a la mujer sucede en silencio, no se denuncia, es algo de lo que no se habla. Paula Rego ha sido la primera artista en pintar escenas de abortos, ya hace más de 20 años.
Su convicción es que el arte debe romper es silencio, debe decirlo cómo son las cosas, y ese decir, ese exponer a la luz, es el primer paso para la defensa. El cambio empieza por decir la verdad.
Pintura realizada en Pastel sobre papel sobre aluminio, 179 x 129,5 cm.

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Candela Lembo Sorensen C2 18:30 hs - 2º Cuatrimestre

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Candela Lembo Sorensen C2 18:30 hs - 2º Cuatrimestre

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La obra, sin un nombre aparente más que “El gato y el ratón” es del artista callejero Bansky, y se caracteriza por pertenecer al art street, una obra hecha en stencil sobre la pared(probablemente de Inglaterra). Es un artista contemporáneo, que sigue creando obras en la actualidad, y se resaltó por las críticas antisistema que representa, con tintes de ironía y sarcasmo, y en ocasiones utilizando iconos o símbolos populares. En la foto recreando esta hermosa y significativa obra utilicé una botella, una cuchara, un papel en el cual dibujé un ratón y... mi gata, Cajú! Luego de varios intentos para que Cajú colabore, la mejor foto que salió me tuvo de participante a mi también (se pude notar cerca de la cuchara unas galletitas, mi recurso para intentar convencerla de posar). Una propuesta muy divertida e interesante para realizar, despierta la creatividad. Les mando un saludo!

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Nombre de la obra:  Arreglo en gris y negro nº 1

Año | 1871
Autor | James McNeill Whistler
Técnica | Óleo sobre lienzo
Tamaño | 144,3 cm × 163 cm
Localización |  Museo de Orsa

Arreglo en gris y negro nº 1 también conocido como retrato de la madre del artista. Aparece retratada Ana Matilda, madre del artista, que contaba en ese entonces con 67 años.

Este cuadro es del norteamericano James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)  quien expuso con Édouard Manet en el Salón de los Rechazados en 1863, compartía el desprecio común de sus colegas por el interés del público sobre los cuadros con anécdotas sentimentales. Whistler subrayó que el objeto de la pintura no es el tema, sino cómo el artista lo expresa a través de formas y colores. El título bajo el cual presentó el artista el retrato de su madre despojó al cuadro de cualquier sugerencia temática, de manera que éste fuera apreciado en su forma y color.

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Nombre de la obra: Rosa meditativa (1958)
Autor: Salvador Dalí (1904 - 1989) Artista Español
Técnica: Óleo sobre cartón piedra
Tamaño: 36cm. x 28cm.
Dalí utilizó la figura de las rosas de manera transversal en sus obras, pintó en muchas oportunidades la figura femenina con un  buque de rosas en la cabeza en vez de cabello, lo que posiblemente simbolizaba una sexualidad latente.
En esta obra representa una rosa perfecta, la imagen es una paradoja visual, la base fundamental del surrealismo, la rosa levita en el cielo por encima de dos pequeñas personas.

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Retrato de la periodista Sylvia von Harden HERRERA CLAUDIA

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Retrato de la periodista Sylvia von Harden HERRERA CLAUDIA

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Título original: Bildnis der Journalistin Sylvia von Harden

Museo: Centre Pompidou, París (Francia)

Técnica: Óleo Temple (121 x 89 cm)

Escrito por: Emilia Bolaño

Sylvia von Harden fue una intelectual de la Alemania de entreguerras. Otto Dix la conoció en la noche berlinesa con ese corte de pelo masculino y un excéntrico monóculo, y al momento se enamoró de su aspecto andrógino,pidiéndole que posara para él.

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Natalia Mazza : P.E.P 2C.18:30 / "Mujer en la ventana" de Caspar David Friedrich (1822)

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Natalia Mazza : P.E.P 2C.18:30 / "Mujer en la ventana" de Caspar David Friedrich (1822)

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(Óleo sobre lienzo, 73 cm x 44.1 cm - Se encuentra en la Antigua Galería Nacional de Berlín)

La pintura es la única imagen de un interior pintada por el autor, para la que utilizó a su esposa Christiane Caroline Friedrich como modelo. En esta pintura le da al observador una doble mirada, ya que Friedrich representa una paradoja, pues mientras la mujer observa el paisaje crea una reflexión sobre ella misma.
Esta representación la hicimos en casa , las cortinas dieron el marco, unas sábanas el vestido y la modelo soy yo. La foto la tomó mi hijo.

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La sorpresa del trigo
Maruja Mallo
1936
Óleo sobre lienzo
66 x 100 cm
Colección particular.

La sorpresa del trigo (1936) es el primer óleo de una serie titulada La religión del trabajo.
La obra es de 1936, tiempos convulsionados en España que se encontraba sumida en una guerra cívil. En Argentina, ahora, también son momentos complicados. Lo elijo porque representa a la mujer y el trabajo. En el aqui y ahora mi trabajo es distinto (cocinar, enseñar, cuidar, etc) pero el esfuerzo diario lo imagino parecido.

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OBRA: Retrato de  Mujer en azul
AUTOR: Vincent Van Gogh

Pinturas, Óleo sobre tela
Antwerp: diciembre, 1885
Museo Van Gogh
Amsterdam, Los Países Bajos, Europa.
Es un cuadro de una serie de cuadros pintados en Arles.
El utilizò su imaginaciòn, colores    logrando captar las emociones de las personas.
Como veràn me ayudò mi hija Bianca de 15 años.

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Obra : El tiempo vuela pintada por Frida Kahlo en 1929 cuando contrajo matrimonio con el pintor Diego Rivera. Autoretrato

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| Título  La virgen de la rueca
Año        1501
| Autor | Leonardo da Vinci
| Técnica | Óleo sobre lienzo
| Estilo | Renacimiento
| Tamaño | 50,2 cm × 36,4 cm
| Localización | Colección privada, Nueva York, Estados Unidos

La Virgen de la rueca, también conocida como La Virgen del huso, es el título de varias pinturas al óleo (al menos tres) ejecutadas copiando un original (hoy perdido) del pintor renacentista italiano Leonardo Da Vinci. La pintura original fue probablemente encargo de Florimund Robertet, Secretario de Estado del reyLuis XII de Francia, y hubo de realizarse hacia 1501.
La imagen diseñada por Leonardo representa a la virgen María con el Niño Jesús, que mira con nostalgia a una rueca que la Virgen está usando para hilar.
La foto la realicé con los siguientes tres elementos: una cruz hecha con maderas, la colcha azul y mi pequeño niño.

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De cerqueira Melanie P.E.I  Plástica - 16.30 hs 

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De cerqueira Melanie P.E.I  Plástica - 16.30 hs 

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2C.
Artista : Realizado  por el pintor cubista Pablo Picasso
Obra: El viejo guitarrista ciego
Año : Pintado en el año 1903 mediante la técnico de oleo sobre lienzio.
Medidas: 121cm de alto x 92 cm de ancho .
El anciano hombre sentando en el suelo, refleja los estados de ánimo del artista por la dramática desaparición de Carlos Casagemas. Este cuadro muestra la imagen de un mendigo tocando la guitarra, en el que predominan los característicos tonos azules del llamado Período azul de Picasso.En esta etapa podemos observar como sus pinturas reflejan la desesperación, soledad y tragedia de todos sus personajes. Los colores son fríos y melancólicos. Muestran la compasión de Picasso por las personas pobres y destituidasTambién en este momento Picasso siente una identificación con la gente más humilde, con los desarraigados de la sociedad, con los pobres. Da impresión de que el personaje que tenemos representado no es un rico sino más bien un pobre hombre ciego que toca la guitarra en la calle por unas monedas. Para reafirmar esto no tenemos más que mirar su ropa y ver como en el hombro le falta parte de la misma, dando sensación de llevar una camisa vieja y raída.

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Emily Marcano (PEP, 18:30) - Obra: ¨La Espera¨ (De una colección particular)             - Autor: Héctor Poleo             - Fecha: 1948                          -Técnica: Lienzo de aceite    - Medida: 45.7 x 40.5 cm.     - Estilo: Realismo Social y Figuración Poética.                - Enfocado en la realidad sudamericana.                        - Época y sociedad: Pintor venezolano, nació en Caracas (1918-1989). En su juventud  obtuvo una beca para estudiar en México, estudió técnicas y obtuvo grandes influencias de maestros como Diego Rivera. Una de sus intenciones era transmitir el horror de las guerras.            - Elementos usados: Pañuelo celeste, remera blanca, recreación. Yo misma lo recreé.     

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Emily Marcano (PEP, 18:30) - Obra: ¨La Espera¨ (De una colección particular)             - Autor: Héctor Poleo             - Fecha: 1948                          -Técnica: Lienzo de aceite    - Medida: 45.7 x 40.5 cm.     - Estilo: Realismo Social y Figuración Poética.                - Enfocado en la realidad sudamericana.                        - Época y sociedad: Pintor venezolano, nació en Caracas (1918-1989). En su juventud  obtuvo una beca para estudiar en México, estudió técnicas y obtuvo grandes influencias de maestros como Diego Rivera. Una de sus intenciones era transmitir el horror de las guerras.            - Elementos usados: Pañuelo celeste, remera blanca, recreación. Yo misma lo recreé.     

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Este retrato integró la colección que Manuel José de Guerrico trajo al país en 1848 cuando regresó de una larga estadía en París. Formó parte del grupo de obras que el pintor Jenaro Pérez de Villaamil entregó a Guerrico y a José de San Martín en 1845 como retribución por la ayuda monetaria que de ellos recibió (1). Figuraba como obra de Anthony van Dyck (1599-1641) a partir de una firma apócrifa, abajo a la izquierda. Por su realización y sobre todo por la tipología utilizada, el nombre del artista flamenco queda inmediatamente descartado. Pero en ella encontramos características típicas del género según se practicó en el norte de Holanda, especialmente en la ciudad de Enkhuizen, Frisia, importante centro comercial en el siglo XVII muy conocido por la pesca del arenque que, junto a Ámsterdam y Hoorn, era una de las ciudades propietarias de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales.
Autor: Anónimo
Origen: Guerrico de Lamarca, María Salomé de y Guerrico, Mercedes
Fecha: 1625
Período: Arte Siglo XII al Siglo XVIII
Escuela: Holandesa S.XVII
Técnica: Óleo
Objeto: Pintura
Estilo: barroco
Género: retrato
Soporte: Sobre tabla
Medidas: 92 x 78 cm.
Con marco: 112 x 93 cm.

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Mariana Zárate

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Las Tres Edades de la Mujer
Año: 1905
Autor: Gustav Klimt
Técnica: Óleo sobre tela
Estilo: Modernismo
Tamaño: 180 CM x 180 CM
Localización: Galería Nacional de Arte Moderno, Roma, Italia.

Si bien mi representación es una parte de la obra original, la misma simboliza la esencia de la mujer desde su nacimiento, pasando por sus años de madurez, hasta la etapa final de su vida. Muestra a través de la figura de la Mujer, la inocencia y pureza de la infancia, la belleza de la juventud, y la decadencia del cuerpo, con el paso del tiempo.
Gustav Klimt  fue sin duda uno de los mejores representantes del Modernismo de la secesión vienesa ( movimiento que fue fundado en 1897 por un grupo de 19 artistas Vieneses).
Por aquellos años Viena era una de las cunas del arte y la cultura, el artista se convirtió paulatinamente en uno de los más importantes personajes de la sociedad vienesa y su particular estilo modernista triunfaba a principios del siglo XX.
Después de su muerte antes del colapso del Imperio
Austrohúngaro, un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Y quemaron el castillo donde éstas permanecían confiscadas..
En junio de 2006 el retrato de Adele Bloch-Bauer, se convirtió en la segunda pintura más cara de la historia.

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Composición con una franja gris, 1958.

Arte abstracto. Neoplasticismo su autor Bart Van Der Lec (1876-1958) fue un pintor,diseñador y ceramista neerlandés, perteneciente al neoplasticismo .Con Theo Van Doesbug y Pie Mondrian fundo el movimiento artístico de Stijl , ahí se volvió completamente abstracto. pero después por desacuerdos con Mondrian volvió a realizar cuadros casi abstractos, basados en imágenes reales. Desarrollo un alfabeto construido con formas geométricas y rectilíneas. Su diseño simple y colores tan mínimos, utiliza una paleta restringida únicamente a los colores primarios complementados con negro,gris y blanco.

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“Si toda vida va inevitable hacia su fin, debemos, durante la nuestra, colorearla de amor y esperanza“

Marc Chagall nació en Bielorrusia (Imperio Ruso) en 1887. Sus pinturas son sumamente poéticas, de una gran sensibilidad y optimismo que se expresan mediante su uso tan personal del color y las formas. Los temas, que suelen estar relacionados a su niñez, las tradiciones rusa y judía, los acontecimientos históricos de los que fue testigo y el amor, se presentan desde una visión como de ensueño.

Fue un artista muy prolífico, realizó viajes por San Petesburgo, Berlín y París, en donde estuvo en contacto con las vanguardias del momento y sus mayores exponentes. Muchos críticos lo consideran inclasificable, ya que su arte combina elementos de las vanguardias de la época como el surrealismo, el expresionismo, el fauvismo y el cubismo.

Chagall vivió las dos guerras mundiales y  participó activamente en la Revolución Rusa. Durante la segunda guerra mundial fue perseguido por el régimen nazi, por su origen judío y porque su obra se consideraba "degenerada". Se exilió en Nueva York y luego volvió a París, donde se reunió con otros artistas emigrados judíos como Modigliani.

"El arte es el esfuerzo incesante por competir con la belleza de las flores… sin triunfar jamás."

Los amantes en rosa (1916) Colección Tchounovskaya de San Petersburgo.

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El Plátano de Warhol
Corre el año 1967, y la juventud del mundo experimenta con ácido. En Santiago, se suicida Violeta Parra y dice de ella Pablo Neruda "De cantar a lo humano y a lo divino, voluntariosa hiciste tu silencio, sin otra enfermedad que la tristeza".
Nace el "Pájaro" Claudio Paul Caniggia (?), Martin Luther King Jr. denuncia el genocidio perpetrado por el ejército estadounidense en Vietnam, Fidel Castro declara que la propiedad intelectual es del pueblo, y Andy Warhol, el padre del Pop Art, crea esta obra para la tapa del disco de Velvet Underground, y convence a Verve Records de editar su disco de rock experimental. La tapa invitaba a retirar la piel del fruto, y debajo aparecía una banana rosa fluor.
La técnica que utilizaba Warhol es la fotografía serigrafiada.

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Niña Vestida de rosa
Una obra del autor Raul Soldi (Argentino), con técnica de Témpera, con soporte sobre madera terciada. Sus medidas son : 56 x 40,5 cm - Marco: 58 x 43 cm.
La obra fue publicada en 1943. Argentina estaba pasando por un golpe de estado militar, que derroco el gobierno de Castillo. El acontecimiento recibió el nombre "La revolución del 43".
Mientras en otros continentes pasaban la Segunda Guerra Mundial.

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Hola todxs. Elegí recrear la obra "L'Agneau Nouveau-Ne" ("El nuevo cordero" o "El cordero recién nacido") del autor francés William-Adolphe Bouguereau.
A continuación uno datos de la obra:
Estilo: Academicismo

Año: 1873

Tipo: Cuadro

Técnica: Óleo

Soporte: Lienzo

Se encuentra en: Museo de Berkshire, EE. UU.
Representa una escena campestre donde una joven pastora, descalza y con apariencia humilde, lleva en sus brazos al nuevo cordero nacido en el rebaño.
La Francia de ese año se encontraba en un contexto poco favorecedor para la sociedad, ya que estaba en el comienzo de la Gran Depresión, lo que marcó las desigualdades y aumentó profundamente una crisis económica.

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Obra: Retrato de niña

Autor: Pallière, Jean Léon (Brasil, Río de Janeiro, 1823 - Francia, Lorris, 1887)

Se trata de una pintura al óleo sobre tela, es un ovalo de 41 x 33 cm.

El estilo es naturalismo.

Arte del siglo: XIX (1800-1910)

Origen: Donación de Antonio Santamarina y Lola de Acosta Santamarina (en completa conformidad con sus hijos), 1955.

Es una obra no exhibida.

Un poquito de su historia:

Pallière residió en Buenos Aires de fines de 1855 a 1866, año en que regresó a Francia definitivamente. Observador agudo de un país en formación, parece haber encontrado en la vertiente del costumbrismo una respuesta al desafío de representar visualmente las notas peculiares de la pampa, escenario favorito de sus obras.

Una de sus obras “El Idilio” muestra la rigurosa geometría que domina la composición de muchas de las obras del artista, y que es propia de su formación académica, mientras que la factura revela en algunas partes el influjo romántico, acorde además con el tema principal del cuadro. Esta combinación puede explicar la recepción positiva que tuvieron en su época las imágenes de Pallière. En ellas, según la prensa porteña, las extensiones de la pampa adquirían “majestad”, la vegetación cerrada del Chaco resultaba “magnificente”, y las costumbres de los gauchos, lejos de aparecer rústicas, quedaban imbuidas de “poesía”.

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Artista: Pablo Picasso
Obra: EL VIEJO GUITARRISTA CIEGO
pintado en 1903, mediante la técnica oleo sobre lienzo. medidas 121 cm de alto x 92 cm de ancho.
El cuadro muestra la imagen de un mendigo tocando la guitarra, donde predominan los tonos azules característicos del llamado periodo azul de Picasso. Mantiene el color marrón de la guitarra como muestra de esperanza para el mendigo ya que es su único medio de subsistencia. Fue creado en el periodo azul de Picasso que abarca desde el suicidio de su amigo, Carlos Casagemas en 1901 hasta su establecimiento en Paris en 1904. Durante esa época vivía en Barcelona y se dedicaba a reflejar la pobreza en sus cuadros, el aislamiento y el pesimismo con el que se veía identificado.
Acontecimientos importantes en ese momento:
- En Barcelona doce mil mujeres firmaron un peticionario, dirigido al alcalde de la ciudad para que emprenda una campaña contra la blasfemia.
-En Estados Unidos, Henry Ford, funda la empresa Automóviles Ford Motor Company.
-Muere el papa León XIII
-Termina la Revolucion Libertadora en Venezuela
-En Rio Negro se funda la Ciudad de Cipoletti.
-El Perito Moreno dona para la Fundación del primer parque Nacional tres leguas de los terrenos en la Patagonia que le fueron adjudicadas por sus trabajos en la frontera con Chile.
-Panamá se separa de Colombia.

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Lunes 18.30 2C
Kasimir Malevich. Ruso 1878-1935.
Composición suprematista (1914-196)
Óleo sobre tela, 80.3 x 80.30 cm.
Museo Moderno e Arte N. York
Malevich fue uno de los revolucionarios estéticos del Siglo XX y mantiene aún una fuerte influencia sobre el abstracción contemporánea. Absorbió tempranamente las innovaciones del Cubismo y a partir de ellas desarrolló su propio reduccionismo radical al que llamó Suprematismo. Hacia 1913 hizo un dibujo que era la esencia de la bi-dimensionalidad. Cada una de las composiciones suprematistas "expresan " alo como el sentimiento de la telegrafía inalámbrica, la atracción magnética y en en ESTA OBRA la "sensación de vuelo". El autor dijo: "Entiendo al Suprematismo como la supremacía del sentimiento puro en el arte creativo". [...] "Los medios apropiados de representación son siempre aquellos que dan la total expresión más completamente posible al sentimiento e ignoran la apariencia conocida de los objetos. Es el sentimiento de la no objetividad".

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El Retrato de un hombre con turbante

Artista: Jan van Eyck

Tamaño: 26 cm x 19 cm

Ubicación: Galería Nacional de Londres

Período: Renacimiento nórdico

Fecha de creación: 1433

Materiales: Pintura al aceite, Pintura sobre tabla

El hombre del turbante rojo  no es un retrato más, para mí, es la expresión del  Humanismo donde se resaltan las cualidades de la naturaleza humana. Por un lado, se desarrollan un “renacer” de la antigüedad clásica (la de los antiguos griegos y romanos) y se le suma  una búsqueda de la belleza idealizada del hombre y del mundo terrenal.

En este caso. vemos un rostro con rasgos y personalidad que no se parece más que a sí mismo, podemos decidir que estamos frente a un autorretrato y donde se rescata al ser humano individual, como objeto digno de observación y de representación.

Mercedes Bernal 2°C -18:30

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La Coiffure (El peinado) es una obra pintada
al óleo de Berthe Marie Pauline Morisot, publicada en Francia en el año 1894. Berthe
Morisot fue fundadora y 🤬 histórico del Grupo Impresionista. El baño, el toilette y los peinados eran temas de
auge en aquella época, tratados por la mayoría de los pintores de aquel movimiento
artístico.

Este estilo se corresponde con el florecimiento de la burguesía, sus usos y costumbres. La pintora francesa define el estilo de vida de una mujer de su tiempo y de su ambiente: en la pintura se puede apreciar a dos jóvenes mujeres al interior de la habitación de una casa, dedicando un tiempo de intimidad al ejercicio del peinado.

Para la recreación le pedí a mi hermana que me ayudara y juntas fuimos construyendo la escena. Fue un momento divertido!

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Natalí Leiro PEP 18:30 2C LA NOCHE ESTRELLADA.

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Natalí Leiro PEP 18:30 2C LA NOCHE ESTRELLADA.

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Esta obra fue creada por Vincent Van Gogh, pintor post impresionista, en junio del año 1889.
Se inspiró en el paisaje que veía desde su ventana mientras vivía en el asilo Saint Paul de Mausole ubicado en Saint Rémy de Provence (comuna francesa) y plasmó su pintura al óleo sobre lienzo de 73,7 cm x 92,1 cm.
En 1889 la sociedad francesa atravesaba un hecho artístico e histórico inolvidable, ya que el 6 de mayo se inauguraba la Exposición Universal de París y La Torre Eiffel se construyó para dicha ocasión celebrando el centenario de la toma de la Bastilla, un acontecimiento tradicionalmente considerado como el símbolo del comienzo de la revolución francesa.

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Joana Culela PEI 18:30 Retrato de un perro

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Joana Culela PEI 18:30 Retrato de un perro

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Obra por Thierry Poncelet Bélgica
Año 1969 Obra retrato de un perro en óleo sobre lienzo
63 x 53 cm .
Thierry Poncelet se dedicó  a las bellas artes y aprendió  la tecnica  restauración  de pintura  pero decidió  convertirse  en pintor al óleo  ,especializándose  particularmente  en retratos caprichosos  de perros.
En esa época  el hombre puso el pie sobre la súperficie lunar en la misión  espacial  apolo 11. Mientras que  en Argentina  ocurría  El Cordobaso.
Mi retrato es sobre mi 🤬 Emilia sobre una pared blanca  de latex usando ella   un saco  negro , camisa  blanca y un libro sobre la mesa.

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El cuadro es de Alonso, Carlos. Creado en 1963, titulado L.E.S, inspirado en el siglo XX-XXI(1945; actualidad). Su técnica tiene que ver con el acrílico, carbonilla, papel... Está hecho sobre tela, sus medias son de 200cm x 200cm, su estilo generalmente es realismo y figuración.
En sus pinturas representaba el dolor, amargura, protesta contra la maldad y los abusos humanos.
Creo que su propia vida la transmitía en sus cuadros.

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Liceda Lucas 16:30hs 2C

El grito  Edvard Munch, fue un pintor noruego. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. Sus obras están basadas en la atormentada vida del artista, un hombre educado por un padre severo y rígido que, siendo niño, vio morir a su madre y a una hermana. El estado anímico del artista queda reflejado en esta obra.

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No pude hacerlo desde la computadora por eso subo las imágenes por separado. Aquí va el cuadro de Degas

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Bailarinas Basculando - Edgar Degas. Degas se interesó mucho por el mundo del ballet, disciplina que vuelca en esta obra que data entre 1877 y 1879. Un período en donde Francia estaba viviendo una época de falsa tranquilidad con algunas huelgas que organizaban los sindicatos hasta desenvolverse la Primera Guerra Mundial.
Para la recreación participó mi hija, con zapatillas de punta mías de otras épocas, un tutu de su propiedad, remera reciclada de la abuela y una cinta negra que nos vino Perfecto para la ocasión.

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Artista: René Magritte, Bélgica 1964
Obra: Le fils de L' Home - El hijo del hombre
Técnica: óleo (116 x 89 cm)
Tema: surrealismo- autorretrato
Palabras del autor sobre esta obra "todo lo que estamos viendo, esconde otra cosa, nosotros siempre queremos ver lo que está escondido por lo que vemos, pero imposible"
Acontecimientos importantes en 1964:
Febrero: EE UU: The Beatles se presentan por 1º vez en el show de Ed Sullivan, audiencia récord 73 millones de espectadores.
Junio: Sud África: Nelson Mandela (activista antiapartheid) es condenado a cadena perpetua.
Julio: Inglaterra: nace la banda Pink Floyd.
Septiembre: Argentina: La revista Primera Plana comienza a publicar la historieta de Quino "Mafalda".
Octubre: Martín Luther King recibe el premio Noel de la Paz.
Noviembre: EE.UU: Lyndon B. Johnson es elegido presidente, después del asesinato de John Kennedy.
Diciembre: EE.UU : Nueva York Ernesto Guevara habla ante la Asamblea General de las Naciones Unidas, durante su discurso un terrorista lanza proyectiles.

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Artista: Giuseppe Arcimboldo

Tamaño: 70 cm x 57 cm

Fecha de creación: 1590–1591

Autor: Giuseppe Arcimboldo, c. 1590

Tema: Vertumno, Rodolfo II del Sacro Imperio Romano Germánico

Materiales: Pintura al aceite, Pintura sobre tabla

Las primeras obras de estas características ,que comenzó a pintar en 1563 , forman parte del ciclo de las estaciones. Desde un primer momento se da un entrelazado sistemático entre varios planos semánticos. El Vertumno personifica la deidad clásica de la vegetación, de los cambios que se producen en las estaciones, con numerosos frutos como es usual .
El primer plano semántico se refiere pues a la personificación de la vegetación , del dios Vertumno , lo que Arcimboldo logra con las analogías formales entre las formas individuales de la cabeza y los frutos y plantas.

Un punto central para comprender los cuadros de Archimboldo radica en la cuidadosa imitación de la naturaleza y en la idea de naturaleza que se esconde tras esta y que considera la posibilidad de combinar objetos de diferente género se encuentra ya en la misma naturaleza.

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-Obra expuesta en una de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes.
-Datos de la Obra:
.Tìtulo: “Retrato de Rosario”.
.Autor: Ramón Gómez Cornet. Dicho artista fue reconocido como el “Precursor de la Pintura Moderna en la Argentina”. Gómez Cornet, oriundo de Santiago del Estero, además de haber sido un artista plástico, también se dedicó al mundo de la docencia. En sus obras, prevalecen los retratos de niños y niñas nórdicos. Se puede apreciar, si hacemos un breve recorrido por sus obras, que mantuvo siempre una gama de colores bajos, y otra distinción que se hace del autor, son las miradas penetrantes, firmes y tristes que le adjudica a estos niños y niñas en sus pinturas. Recibió, a lo largo de su carrera, una gran cantidad de premios y reconocimientos y sus obras estuvieron expuestas en museos nacionales y del exterior del país,  logrando llegar a Nueva York y París.
.Técnica: Óleo.
.Estilo: Realismo.
.Soporte: Sobre tela.
.Medidas: 86,5 cm de alto x 65,5 cm de lado.
.Origen: Donación Grupo de Amigos del Artista.
.Período: Arte Siglo XX (1910-1945).
.Escuela: Argentina S.XX.
.Objeto: Pintura.
.Género: Figura.
-Adentrándonos en el contexto social... Esta obra fue creada en 1934 y para tal año, Argentina estaba atravesando lo que se denominó la “Década Infame” (1930-1943), la cual fue considerada como el primer Golpe de Estado que atravesó el país. Resumiéndola, fue una época donde el fraude electoral, la tortura y la persecución política fueron protagonistas. Se prohibía votar a los ciudadanos o directamente se los obligaba a votar por un partido político específico. Los gobiernos cívico-militares trajeron al país grandes enfrentamientos, conflictos y disputas políticas.
-Los tres elementos que emplee para reproducir esta pintura fueron: el moño azul, un cuellito blanco y a mi mamá, protagonista de esta obra ya que no tengo una hermanita para que haga de niña.

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Artista: Salvador Dalí

Nombre de la obra: La cesta de pan, subtitulada “Más bien Muerte que vergüenza “Materiales: Pintura al Óleo

Tamaño: 13 cm x 17 cm

Fecha de creación: 1945

Paleta: colores cálidos, poco saturados con fondo neutro

Composición: simétrica

- Dalí ha usado pan en muchas de sus pinturas, explica:

"El pan siempre ha sido uno de los temas más antiguos de fetichismo y obsesión en mi trabajo, el primero y el que he mantenido como el más fiel. Pinté el mismo tema hace 19 años. Al hacer una comparación muy cuidadosa de los dos imágenes, todo el mundo puede estudiar toda la historia de la pintura allí mismo, desde el encanto lineal de primitivismo a estereoscópica hiper esteticismo

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Agrego la foto artistica SOY GUSTAVO

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"Bodegón con manzanas, pera y jarra de cerámica", fue una pintura realizada por el pintor  Paul Gauguin, en  Francia en el año 1889. En ese año, en Francia se desarrolló la exposición  Universal de París.
Estilo: Posimpresionismo.
Género: Naturaleza muerta.
Dimensiones: 28,5 x 36,2 cm.
Período: Período bretón.
Ubicación: Museo Fogg (Harvard Art Museums) EE.UU.

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Caceres Mabel (PEI 18:30)

La obra Ajo y cebollas, fue realizada por el autor: Tiglio, Marcos  (Argentina, Buenos Aires,1903 - 1976). La mayoría de sus  obras nos hablan de paisajes urbanos y de naturalezas muertas, las flores y los bodegones.

Técnica: Óleo

Objeto: Pintura

Género: naturaleza muerta

Soporte: sobre cartón

Medidas: 30 x 35,8 cm. - Marco: 52 x 59,5 cm.

Período: Arte Siglo XX (1910-1945)

Por aquellos tiempos eran pésimas las condiciones laborales y los salarios muy bajos, por lo que las huelgas y las protestas eran permanentes. En varias ocasiones fueron duramente reprimidas, contando con heridos y muertos.

Otro dato de suma importancia era la lucha por los Derechos de todo tipo. En cuanto a derechos políticos; en parte gracias a los constantes reclamos y el descontento generalizado, en 1912 con la sanción de la ley Sáenz Peña se estableció el voto de los hombres como universal, obligatorio y secreto. Pero aún predominaba la exclusión, ya que por motivos étnicos o de género, dos tercios de la población seguían sin votar. En cuanto a la mujer, se hallaba muy relegada y su principal función era el ser madre.

Era necesario entonces generar una identidad colectiva, ya que la sociedad estaba fragmentada: Los del campo contra los de la ciudad, los argentinos versus los extranjeros, diferencias entre clases sociales e ideologías políticas, y diferencias entre los mismos sexos.

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"Jóven decadente" es una pintura de óleo sobre lienzo realizada por Ramón Casas en 1899 en París, estilo modernismo catalán, tamaño 46,5 x 56cm.

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a quienes han dejado tan bellas y poéticas  participaciones. Son realmente de un nivel de excelencia.
Recuerden que, como en el trabajo de autorretrato que subieron en el primer Padlet, cuando vean el corazoncito pintado quiere decir que ya anoté la participación.
¡Seguimos creando y conociendo artistas! Nos encontramos en la línea de tiempo.¡Allá vamos!

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Retrato al óleo de Wladyslaw Theodor Benda. Fue un pintor, ilustrador de mujeres y diseñador de máscaras, nacido en Polonia. Las ilustraciones de Benda fueron publicadas en libros y series de revistas. La siguiente pintura fue tapa de la revista 'Hearst's International' en enero de 1924. Sobre el contexto social, la revista detallaba una nueva guerra contra el grupo Kkk.

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"Golden Tears". De Gustav Klimt
El autor ha realizado numerosos cuadros retratando mujeres, ya que sus principales temas de inspiración son la sexualidad, el amor y la muerte.

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Pintura: “Retrato de un hombre con turbante”

Año: 1433

Autor : Jan van Eyck

Técnica: Pintura al óleo

Género: Arte Retrato

Tamaño: 25.5 cm × 19 cm

Localización: National Gallery, Londres,  Reino Unido.

La pintura representada posiblemente es un autorretrato del mismo Jan Van Eyck (en la actualidad todavía no hay evidencias de eso) quien fue un primitivo flamenco en el sigo XV donde la pintura en óleo alcanzo su mayor reconocimiento. Los pintores de la escuela flamenca trabajaban para la clase alta (la corte, burguesía) y captaban los detalles de la realidad, en el caso de dicha obra rasgos faciales, pero en sus otras pinturas reflejando lo religioso ya que en esa época comenzaba una revolución: la Reforma protestante; muchas de las pinturas de Van Eyck fueron destruidas por dicha revolución.

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"Autorretrato con collar de espinas" fue pintado en 1940. En esta obra, Frida Kahlo se pinta a sí misma de frente con una corona de espinas en forma de collar. Las espinas se hunden en su cuello en representación de su dolor luego del divorcio. Del collar cuelga un colibrí muerto, sus alas extendidas imitan a las cejas de Frida. Sobre su hombro izquierdo hay un gato negro preparado para saltar sobre el colibrí. En su hombro derecho, está su mono, mascota que le regaló Diego Rivera.

Como la mayoría de las obras de Frida "Autorretrato con collar de espinas" refleja el turbulento universo de la artista; un mundo en el que el dolor y la lucha fueron una constante.  Su fuerte carga simbólica hace referencia al cristianismo y a la cultura amerindia, así, Kahlo se retrata como una orgullosa mestiza.

Sobre su insistencia en retratarse a sí misma Frida dijo: "pinto autorretratos porque estoy mucho tiempo sola. Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco".

Ficha técnica:

Autor: Frida Kahlo
Ubicado en: Harry Ransom Center, Austin, Texas (Estados Unidos)
Año: 1940
Técnica: Óleo sobre tela
Tamaño: 61cm x 47 cm
Le quiero agradecer a mi hija Candela que se prestó para ser de Frida junto nuestras perras Luna y Lulu.

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Autor: Leonardo da Vinci, 1490
Técnica: Oleo y temple sobre tabla de nogal.
Estilo: Renacimiento
Tamaño: 54,8 cm × 40,3 cm.
Es un cuadro realizado hacia 1490, la modelo ha sido identificada con Cecilia Gallerani, retratada cuando era la amante de Ludovico Sforza, duque de Milan y cuando Leonardo estaba a su servicio.
Sostiene en sus manos un hurón blanco, representado con precisión y vivacidad. Un animal favorito en la edad media.

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Título original: Le Désespéré

Autor‎: ‎Gustave Courbet

Técnica: ‎Óleo sobre lienzo

Tamaño: 45cm. x 55cm.
Estilo‎: ‎Realismo

Años: 1843-‎1845

“El hombre desesperado” es una obra de Gustave Courbet, (Ornans, Francia 1818 – La Tour-de-Peilz, 1877) pintor francés, fundador y máximo representante del realismo en pintura.

En la obra el artista muestra el asombro, la preocupación, su desesperación  por los acontecimientos que venían; después de la Revolución de 1830 contra Carlos X, subió al trono Luis Felipe de Orleans, el rey burgués que restableció la Carta Magna, aplicando reformas liberales que favorecían sólo a la alta burguesía y en detrimento de los trabajadores, los intelectuales, y la pequeña burguesía. No otorgaban el sufragio universal, que era lo que estos sectores estaban buscando.

A partir de 1845, Francia comenzó a sufrir una grave crisis económica: cerraron fábricas, aumentaron los desempleados y el hambre se generalizó. La pequeña burguesía y los estudiantes se unieron a las protestas de los obreros, de manera que cuando el Gobierno intentó utilizar a la policía y a las fuerzas armadas, pero éstas se negaron, el rey Luis Felipe de Orleans se vio obligado a abdicar. De esta manera, se creó un Gobierno provisional, que daría paso a la Segunda República Francesa.

Decidí representar esta obra, porque considero que en estos momentos muchos estamos al igual que el nombre de la misma. Al menos yo me siento totalmente identificada, ya estoy " Desesperada."
Agradezco a mi hijo Agustín que se prestó(después de varios sobornos de parte mía) a representarla.

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Título: Vendedora de Flores
Autor: Diego Rivera
Fecha de realización: 1941
Dimensión: 121.9 x 121.9 cm
Técnica: Óleo sobre tela
SOBRE EL AUTOR:
Rivera desarrolló un arte profundamente mexicano. Los temas que expresa son la historia y la política revolucionaria mexicana, y la vida de la gente común.
Se inspiró en los frescos italianos que había visto en el extranjero, y también por los antiguos frescos aztecas, realizó grandes murales, que fueron tema en boca de todos, en edificios públicos de los Estados Unidos y México.
Llegó a su marca distintiva de naturalismo estilizado después de una década en París (1909-1919), donde se hizo amigo de artistas europeos como Picasso y Duchamp y experimentó con varios enfoques de vanguardia.
La figura del vendedor de flores fue un tema recurrente en el trabajo de Rivera, apareciendo tanto en sus murales como en pinturas de caballete como este es el caso de este.
SOBRE EL CUADRO:
La niña india, arrodillada ante su montón de flores, especifícamente alcatraces (una flor asociada con los funerales y la muerte) nos permite ver y contemplar la belleza de las culturas nativas de México y al sufrimiento de sus pueblos nativos.
La obra se basa en la pobreza y cómo las clases más altas se aprovechan de los indígenas o de las personas de la clase baja. Diego Rivera en esta obra trata de reflejar uno de los problemas desde entonces en México y en muchos otros países que es el racismo. El tratar a una persona inferior solo por poseer menos educación.
CONTEXTO:
En 1941 transcurría la Segunda Guerra Mundial y aunque México no tuvo una participación directa, el conflicto internacional influyó profundamente en la política y economía del país. A diferencia de la mayoría de las naciones involucradas, los efectos de la guerra fueron, en su mayoría, positivos para México

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Sandra Gómez
(Pep, 16:30 hs)

La obra representada se llama :"mujer con un gato". (1875)
El autor del cuadro es : Pierre Auguste Renior.
La técnica que utilizo fue el óleo  sobre lienzo.
El movimiento artístico es el impresionismo  y mide 56 x 46,4 cm.
Durante el siglo XVIII, los gatos desarrollaron una estrecha relación con los humanos, que se baso en una admiración por las patas de terciopelo, los gatos se abrieron paso en el arte y la literatura.Renoir logró retratar a los gatos como un animal de peluche como ningún otro artista. La coneccion íntima fue un tema recurrente en sus obras. En esta obra representa la suavidad del gato  en combinación con la tierna y rosada tez  de la mujer joven. Renoir logra captar un momento especial.
Quería agregar y agradecer a mi hija Abril que se prestó para la foto y a nuestra gatita sammy.
Saludos!!

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La Virgen con el Niño, hacia 1495, óleo sobre tabla, 30,5x27 cm, de Andrea Solari.

Andrea Solari (Milán, 1460 - 1524) fue un pintor italiano del Alto Renacimiento. Nació en el seno de la familia Solari, dinastía de arquitectos y artistas. Tras aprender el oficio de pintor con su hermano Cristoforo Solari, ingresó en el taller de Leonardo da Vinci, de quien se considera uno de sus principales discípulos. Cuando esta obra fue pintada, hace un año que había comenzado la primera guerra italiana (1494 a 1498), en la que Francia se enfrentó contra la llamada Liga de Venecia (Milán, Venecia, el Sacro Imperio Romano Germánico, España y los Estados Pontificios).

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La obra se llama "Bouquet of bluebottles "
Autor Hans Emmenegger (1866-1940, Suiza)
Técnica Petróleo
Material Lona
Tamaño 72,5 x 101 cm
Desde 1921 se encuentra en el Museo Hermitagge, San Petersburgo, Rusia.
El cuadro es de 1912. En esa época, Europa estaba viviendo los albores de una inminente guerra, lo que luego sería la Primera Guerra mundial. El imperialismo se hacia presente en los diferentes pueblos europeos, por lo que la necesidad de extender sus dominios provocaban tensión entre los mismos. Es por ello que se empezaba a vivir una división en la sociedad, se formaban alianzas y posiciones ante la posible enfrentamiento. No solo se concretaron alianzas en el mismo continente sino que se armaron también alianzas de índole internacional. Suiza es un país que se caracteriza por su política de neutralidad lo que permitió que atravesara el siglo XX sin participar de guerra alguna.

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La Virgen con el Niño, hacia 1495, óleo sobre tabla, 30,5x27 cm, de Andrea Solari.
Andrea Solari (Milán, 1460 - 1524) fue un pintor italiano del Alto Renacimiento. Nació en el seno de la familia Solari, dinastía de arquitectos y artistas. Tras aprender el oficio de pintor con su hermano Cristoforo Solari, ingresó en el taller de Leonardo da Vinci, de quien se considera uno de sus principales discípulos. Cuando esta obra fue pintada, hace un año que había comenzado la primera guerra italiana (1494 a 1498), en la que Francia se enfrentó contra la llamada Liga de Venecia (Milán, Venecia, el Sacro Imperio Romano Germánico, España y los Estados Pontificios).

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"Lily" de Antonio Berni
Fecha: 1943
Técnica y soporte: óleo sobre tela
Medidas: 100 x 70 cm

Lily era la hija mayor y musa inspiradora de Berni. El pintor rosarino falleció en 1981 y ella supo crear el archivo de su padre y documentar su trayectoria. La mujer falleció el 25 de junio de 2013, a la edad de 83 años, por una afección pulmonar.

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El hijo del hombre.
Autor: René Magritte en 1964
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Surrealismo
Tamaño 116 cm × 89 cm

Significado de el personaje:
Magritte pintó este cuadro como un autorretrato, aunque el personaje está representado de forma anónima ya que su rostro se tapa con una manzana.
Significado de la manzana:
La manzana, según los teóricos, representa la tentación, siendo el personaje el hijo de Adán, según el título. Son las tentaciones de la vida moderna.
Significado según el artista René Magritte:
Según las propias palabras del artista, hizo este cuadro para denunciar lo fácil que es para nosotros rellenar lo que no conocemos. El hombre para él tiene muchas cosas que no da a conocer, que se tapan, al igual que en el cuadro.

La época de creación de la obra fue influenciada por acontecimientos de liberación históricos, creación de nuevas tendencias,y una forma liberal de ver conceptos que en la década de los cincuenta eran impropios. Aunque según la declaración de Renè, lo que él buscaba era hacer una  “critica” o dar a conocer un “pensamiento” que tenía acerca del hombre, esto se dio a conocer mediante la siguiente declaración:  “Todo lo que estamos viendo esconde otra cosa, nosotros siempre queremos ver lo que está escondido por lo que vemos, pero es imposible. Los humanos esconden sus secretos demasiado bien…”

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"Mujer con sobrero y cuello de piel"
Autor: Picasso, Paris 1937
Material: Oleo sobre lienzo
Tamaño 61 x 50 cm.
Estilo: Cubismo
Genero: Retrato

Varios cuadros cubistas de comienzo de la década de 1930, en los que predominan la armonía de las lineas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo, reflejan el placer y las pasiones de Picasso por su nuevo amor Marie Thérése Walter.
Realiza la obra "Mujer con sombrero y cuello de piel" en París en 1937 que hizo de Marie Walter, convirtiendo a la modelo en un icono de la sensualidad consolidando el llamado "Estilo Picasso".
En ese año durante la guerra civil Española, la aviación Alemana bombardeo el pueblo vasco de Guernica y Picasso comenzó a retratar la violencia y crueldad del acontecimiento. Con la llegada de la segunda Guerra Mundial contribuye a que la paleta del artista se oscurezca y que la muerte fuera el tema mas frecuente en la mayor parte de sus obres.

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Agostina Mondin                    ( PEI,16:30) 

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Agostina Mondin                    ( PEI,16:30) 

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"La mona lisa" o " La Gioconda", Leonardo da Vinci.
El cuadro La Gioconda está realizado en pintura al óleo sobre madera. Leonardo da Vinci aplicó en él la técnica del sfumato. Este consiste en superponer varias capas de pintura delicadas para suavizar o diluir los contornos de la figura y lograr la sensación de naturalidad y volumen, lo que permite percibir que las figuras se integran al resto de la composición.
La postura de la Mona Lisa indica serenidad y, junto con la mirada de soslayo, pero directa hacia el espectador, muestra el dominio de los sentimientos, cosa que normalmente no se atribuía a una mujer en aquel entonces.

Para esta representación participo mi mama. utilice una manta para cubrir su rostro y un poncho para realizar el fondo.

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"Adriadna abandonada por teseo" - Angelica Kauffmann
(realizada en 1774, utilizando la técnica de óleo sobre lienzo con un estilo neoclasicismo)

Angelica Kauffmann nació en 1741 en Coria, suiza pero su infancia transcurrió en Schwarzenberg, Austria, de donde era originaria su familia.
Su temprano talento para las artes fue pronto exprimido por su padre, Johann Josef Kauffmann, pintor de profesión. A pesar de que Johann fue un artista mediocre, tuvo la habilidad de enseñar con eficiencia a su joven hija. Angelica era aún una niña cuando ya destacaba en la música y la pintura.
Con tan sólo 12 años Angélica empezó a pintar para la clientela de su padre. Su fama como retratista se extendió entonces entre la clase alta austriaca.

La artista en la obra usa el tema mitológico narrado por Hesíodo, quien describe el abandono de Ariadna en Naxos. Representa el momento exacto en el que la doncella despierta desconsolada, tras darse cuenta que había sido olvidada por Teseo, y ver como el barco de su amante se pierde en la lejanía.

La joven se encuentra sobre un lecho, cubierta por una fina tunica blanca y con algunas pequeñas joyas; otras yacen en un pequeño cofre a su lado. Su mano derecha, guia (y quizás repele) la nave que se lleva a su amado Teseo.
El término neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración , que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Aunque, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del romanticismo.

Para representar esta obra utilice una toalla roja, una manta marrón y un cofre de madera.

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Ruth E. Giusti M.(PEP – 18:30HS)“Siempre Juntos”Autor: Vladimir Kush, pintor y escultor ruso, nacido en Moscú en 1965.Vladimir Kush. Estudió en el Instituto de Arte de Moscú y ahora vive en los Estados Unidos. Su obra surrealista está influenciada por Dali y Magritte-Sus pinturas, con una visión algo mística, se basan en temas recurrentes como mariposas, barcos de vela, fruta, nubes etc. En esta obra podemos apreciar el cuerpo de una mujer y un hombre formando unas tijeras  sobre  papeles cortados, esta obra trae muchas representaciones y cada una es diferente de persona a persona. Esta obra en algunas oportunidades se la han adjudicado erróneamente a Salvador Dalí, por la influencia que el autor de la obra a tenido en sus pinturas.

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Ruth E. Giusti M.(PEP – 18:30HS)“Siempre Juntos”Autor: Vladimir Kush, pintor y escultor ruso, nacido en Moscú en 1965.Vladimir Kush. Estudió en el Instituto de Arte de Moscú y ahora vive en los Estados Unidos. Su obra surrealista está influenciada por Dali y Magritte-Sus pinturas, con una visión algo mística, se basan en temas recurrentes como mariposas, barcos de vela, fruta, nubes etc. En esta obra podemos apreciar el cuerpo de una mujer y un hombre formando unas tijeras  sobre  papeles cortados, esta obra trae muchas representaciones y cada una es diferente de persona a persona. Esta obra en algunas oportunidades se la han adjudicado erróneamente a Salvador Dalí, por la influencia que el autor de la obra a tenido en sus pinturas.

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Siempre Juntos

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La lectora (1875-1876) de Pierre-Auguste Renoir
Material: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 47 x38 cm
Género: Retrato
Estilo: Impresionismo
Museo de Orsay (París)

Esta obra titulada “La Lectora” es del pintor francés Pierre Auguste Renoir (1841–1919), quien fue un reconocido pintor impresionista.

El impresionismo es un movimiento artístico que surgió en Francia a finales del S.XIX.  Los artistas impresionistas mostraron una nueva forma de observar y retratar el mundo en su trabajo, renunciando a retratos realistas para realizar impresiones fugaces de su entorno. La pintura impresionista quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante. Este movimiento se caracteriza por el uso de colores y por el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto, darle protagonismo ante todo a la luz y el color.

Renoir es el gran pintor de figuras dentro del grupo impresionista, quien le da un lugar protagónico a la mujer, ya que pintó muchas figuras femeninas. En todas sus obras se puede observar mujeres de rostros dulces, que irradian candidez y belleza. Sus obras se caracterizan por escenas delicadas que plasma con largas pinceladas y rostros luminosos y rosados, así como la utilización de una luz tomada del natural.

En esta obra, la figura de la mujer leyendo resulta ser un motivo elegido por Renoir que, además de regalar al observador una indiscutible riqueza estética, plástica y estilística, ofrece la visión de una mujer inserta en la cultura de la época.

El motivo de la mujer leyendo será una constante en la obra del pintor. Otros cuadros con esta temática son “Niña leyendo”, “Una joven leyendo”, “Dos niñas leyendo en el jardín”.

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Retrato de Cecilia Gallerani como "La Dama del  Armiño" por Leonardo da Vinci.
Esta obra fue pintada en (1489-1490) Milán Italy ,la técnica que utilizó es Óleo,Panel,medidas 40,3 x 54,8 cm.

La dama del Armiño es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, realizado hacia 1490.La modelo ha sido identificada como Cecilia Gallerani,retratada cuando era la amante de Ludovico Sforza,duque de Milán y cuando Leonardo estaba a su servicio.
La pintura fue adquerida a finales  del siglo XVIII por el príncipe Adam Jerzy Czartoryski y desde entonces ha permanecido en posesión de esa familia,que desde 1876 lo exponía en el museo Czartoryski de Cracovia (Polonia).Desde diciembre de 2016 la obra es propiedad del gobierno polaco,tras su adquisición a los herederos de la familia Czartoryski.
Desde,al menos,finales del siglo XIX,la mayoría de los expertos han querido ver identificada a una jovencísima Cecilia Gallerani,quien,al poco tiempo de instalarse en la corte de Ludovico Sforza en Milán,se convirtió en la amante favorita del duque.Ademas,Cecilia fue una de las pocas mujeres con la que Leonardo estableció una amistad cercana.
Cuando Cecilia llegó a la corte de Milán,a principios de 1489, tan solo tenía 15 años,y se convirtió inmediatamente en la amante preferida del duque hasta su matrimonio con Beatriz de Este en 1491.Cecilia era conocida por su belleza y sus grandes dotes,especialmente para la literatura y la música.Fue llamada "Musa" y "Donna Docta", e incluso fue comparada con destacadas mujeres de la antigüedad clásica.

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"Autorretrato dedicado al Doctor Eloesser"
Autor: Frida kahlo
Esta obra se trata de un autorretrato que se realizo ella misma en agradecimiento a su doctor y su mejor amigo Leo Eloesser, el trabajo fue realizado en el año 1940,la pintura se realizo bajo la técnica de oleo sobre fibra dura.
varias de las obras de kahlo son autorretratos de un tipo o otro kahlo sugirió "me pinto por que soy tan menudo sola y por que soy el tema que mejor conozco",de sus 143 pinturas, 55 son autorretratos que incorporan sus representaciones simbólicas de las heridas físicas y psicológicas, algunas de sus frases "nunca pinte sueños, pinte mi propia realidad" .
Esta obra lleva una cinta con una dedicatoria "pinte mi retrato en el año 1940 para el Doctor Leo Eloesser , mi medico  y mi mejor amigo, con todo mi cariño Frida Kahlo.
Para representar esta obra utilice un filtro y bueno soy Frida en cuarentena.

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"Retrato de José André", pertenece al autor Guettero Alfredo quien fue su amigo durante muchos años, este retrato fue realizado en el año 1927, el trabajo fue realizado bajo la técnica de óleo sobre lienzo y su estilo es figuración, retorno al orden.

Elijo esta obra en la que puede describirse quizás, a un hombre que está listo para salir al mundo, para continuar con lo que viene, con responsabilidad y seriedad. Parece ser el patrón de una estancia, ligado a negocios del campo.

En ese momento la sociedad era muy machista y solo el hombre debía estar preparado para el trabajo, solo el hombre era el que se dedicaba a los negocios.

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“Los amantes”, de René Magritte (1928)

Esta es una pintura surrealista, realizada en París. La obra forma parte, y es la primera, de una serie de cuatro pinturas similares. Actualmente se encuentra en Nueva York. Toda su serie muestra personas ocultas tras velos húmedos, que tapan sus rostros. Esto está asociado al suicidio de su madre dieciséis años antes a la creación de su obra. Esto fue lo que llamo la atención del público, sus velos húmedos y sus colores duros en los lienzos.
El cuadro muestra el misterio de dos personas besándose, con sus cabezas tapas por mantas blancas. René decía que con sus obras pretendía dar al mundo real de los objetos un significado poético.
Me pareció una obra muy interesante por la intriga que genera, y la perspectiva de un amor. Por un lado, veo un amor puro, sin importancia en las apariencias, algo más allá de lo vistoso. Por otro, veo un encierro terrible, una sensación de falta de aire en ambas personas. Quizás es un poco de lo que buscaba, que sea algo más poético. El amor como algo imperfecto, como una búsqueda interminable. Además, el beso como algo más, mostrando que no todas las parejas se aman, ni que cualquier beso es sinónimo de amor. Además, me hizo pensar en la sociedad hoy, en cuarentena. Los encierros con aquellos que amas, o alejados de ellos. Seguimos amándonos juntos o separados, o ya no más…

Para realizar la representación de la obra me ayudaron mi mamá y mi papá, posando para mí. Taparon sus rostros con remeras blancas, y elegimos una pared oscura de la habitación de mi hermano. Luego edite un poco la foto para lograr esas sombras que se pueden apreciar en la obra.

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Pablo Picasso - “Bebedora de absenta” (1901, óleo sobre lienzo, 73 x 54 cm, Museo Hermitage, San Petersburgo)

El tema adquirió un sentido de drama previamente desconocido.
Nuestra heroína solitaria se sienta en una mesa en un café, el fondo es una pared sucia y roja que refuerza la sensación de incomodidad. Al enfatizar la plenitud del lienzo, el color de las paredes y el tono azulado de la mesa de mármol parecen presionar el espacio hacia adentro, alrededor de la mujer, encerrándola en su desesperada soledad. En la pose de la absenta, en su rostro, podemos identificar al paria: el espacio totalmente cerrado de su cuerpo, la distorsión expresiva de la mano derecha, parecen indicar la tensión de un resorte en espiral.
Picasso estrictamente encajonado en la cara inmóvil: la mano actúa como soporte, su perpendicular precisa atraviesa el óvalo imperfecto de la figura, mientras una mano protectora agarra el hombro. Todo refuerza la sensación de tensión interna y corta la figura del mundo que lo rodea. Sobre la base de observaciones reales en un café, Picasso creó un símbolo generalizado y atemporal de la tragedia de la vida.
En la parte posterior de la pintura, oculta debajo de una pintura excesiva en azul y amarillo, hay una cabeza de mujer, probablemente un fragmento de una obra que no satisfizo al artista.

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Beatrice Cenci, retrato que data del año 1662. El mismo es un óleo sobre lienzo y tiene una medida de 75 cm x 50 cm. Se encuentra en la Galleria Nazionale d´Arte Antica, en Roma; y aunque la identidad de este retrato es medio dudosa, se le atribuye a Guido Reni y a Elizabetta Sirani (principal ayudante de Reni), quien, por ser mujer, no se le permitió asistir a la academia de arte y tuvo que aprender en el propio taller de su padre.

Beatrice Cenci, hija de Francesco Cenci, aristócrata italiano, a quien había denunciado por violencia física y abuso sexual sobre el resto de los integrantes de la familia (hermanxs y madre), fue ejecutada juntos a 2 de sus 3 hermanos, el 11 de Septiembre de 1599.
A pesar de hacer denunciado al padre, por los títulos que éste tenía, quedaba en libertad al poco tiempo. Por tal motivo la familia idea un plan para matarlo. El mismo se ejecuta, pero se descubre, lo que lleva a juicio de los 4 hermanxs. La justicia ordena matar a 3 de ellxs, dejando con vida al menor quien tuvo que presenciar las brutales muertes de Giacomo, Lucrezia y Beatrice.

Aunque en la Edad Moderna, se seguía fuertemente el modelo patriarcal que restringía e invisibilizaba a la mujer, ésta no estaba ausente y distintos hechos lo demuestran. En este caso en particular, a pesar del brutal parricidio, Beatrice se convirtió en símbolo de resistencia contra la aristocracia; convirtiéndose incluso en leyenda, la cual dice que en la noche, antes del día de su muerte, ella vuelve al puente cargando con su cabeza.

Como se puede apreciar en la obra, se apela directamente a los sentidos a través de juegos con la luz y sombras, en el contraste de colores y en la contradicción entre la apariencia y la realidad, características propias del arte barroco.

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Retrato de Dante Alighieri por Sandro Botticelli.
Pintado en 1495, utilizando la técnica de óleo sobre lienzo y sus medidas son de 54.7x47.5 cm.

Fue un pintor del Quattrocento italiano, uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo, considerada una primera fase del movimiento conocido como Renacimiento(siglo XV). Durante el renacimiento el centro del arte se vuelve hacia el hombre.
Este pintor se inclinó por la delicadeza y la gracia.

Este siglo es caracterizado por una etapa de grandes cambios en la mente occidental, económicos, científicos, sociales y religiosos, y de revoluciones, que dieron origen al sistema capitalista.

Dante es conocido por escribir la Divina Comedia, una de las obras fundamentales de la transición del pensamiento medieval al renacentista y una de las cumbres de la literatura universal. Participó activamente en las luchas políticas de su tiempo, por lo que fue desterrado de su ciudad natal, y fue un activo defensor de la unidad italiana.

Para la recreación utilice una remera roja, hojas, y un papel blanco que recorté para simular el gorro.

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La Gioconda (también conocida como "la Mona Lisa") es una obra del Renacimiento pintada por Leonardo Da Vinci (quien fue el artista más polifacético del Renacimiento italiano). Fue pintada en el siglo XVI, entre los años 1503 y 1519 y, actualmente, se encuentra en el Museo del Louvre en Paris.

Es una de las pinturas más populares en todo el mundo; se encuentra pintada al óleo sobre madera y se utilizó la técnica del sfumato.

Hay muchas razones por la cual La Gioconda es tan famosa. Principalmente es por la técnica empleada por Leonardo da Vinci; pero también es porque existen grandes misterios y curiosidades relacionados con ella: el cuadro sufrió un robo en 1911 y hay muchas teorías sobre la verdadera identidad de la modelo que protagoniza el retrato (además del gran misterio por su enigmática sonrisa).

El Renacimiento fue un movimiento social, cultural y artístico que tuvo su origen en la Península Itálica y se prolongó aproximadamente desde el año 1400 hasta 1550. La palabra Renacimiento representa el renovado interés del período en la cultura de la antigüedad clásica, luego de lo que allí mismo se etiquetó como la «edad oscura».

Durante la Edad Media, el arte es un medio para honrar a Dios; en el Renacimiento, el centro del arte se vuelve hacia el hombre. Por esto, “La Gioconda” es considerada como un emblema del Renacimiento: muestra a un retrato, es decir que se refleja a alguien real, en lugar de ser un tema religioso o mitológico. También es un ejemplo de Renacimiento por la técnica que empleó Leonardo da Vinci para pintarla.

(La recrea mi mamá, Fabiana)

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Los amantes (1928) es una pintura surrealista de René Magritte, realizada en Paris. Es la primera obra de una serie de cuatro variaciones. Representa en primer plano, el beso de una pareja con los rostros cubiertos por unas telas que ocultan sus identidades (¿Amores imposibles? ¿Amores no correspondidos? ¿Pérdida?)

Magritte decía que, en las obras de esa época, él pretendía dar al mundo real de los objetos un significado poético.

Magritte nunca quiso encontrar significado a sus obras, pero muchos especialistas dicen que representa una época dolorosa del pintor. A los 13 años, presenció cómo sacaban el cadáver de su madre (quien se había suicidado) del Rio Sambre, con su camisón blanco mojado, enrollado en su cabeza ocultándole la cara. Hay muchas obras del pintor con personajes con la cabeza tapada y por eso consideran que es un trauma que le quedó.

En la foto estamos mi novio que me ayudó y yo. El fondo de la pared es celeste, pero por la luz no se ve, y el rojo lo hice con una tela que revestía un banco parado. Nos tapamos los rostros con dos fundas de almhodas húmedas color blanco. ¡Fue una sensación bastante extraña!

La obra se realiza en Paris, diez años después de la Primer Guerra Mundial, y a pocos años de estallar la Segunda. El Surrealismo surge como arma de lucha contra la tradición burguesa. Criticaba el arte europea y la frágil condición humana ante un mundo cada vez más complejo. El Surrealismo surge como movimiento estético (de la mano de André Breton), que interfiere de manera fantasiosa en la realidad. Fue por excelencia la corriente moderna artística de la representación del inconsciente y el subconsciente (Freud). Los Surrealistas pretendían la destrucción de la sociedad en la que vivían (como el Dadaísmo), pero con la creación de una nueva, situada en el plano del subcontinente e inconsciente.

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“El viejo guitarrista ciego” cuadro realizado por Pablo Picasso.

Fue pintado en 1903 mediante la técnica de óleo sobre lienzo, y sus medidas son de 121 cm de alto x 92cm de ancho.

El pintor, buscaba reflejar en sus cuadros la pobreza, el aislamiento y el pesimismo, con la que se sentía tan identificado ( el mismo había experimentado dichas situaciones años atrás).

La ceguera pasó a ser un tema recurrente a lo largo de su obra, por su miedo a perder la vista, tal como su padre.

Los tonos azules en la obra reflejan la “etapa azul” del autor del cuadro. Este era el  color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que dejó a Picasso lleno de dolor y tristeza.

Realice el trabajo junto a mi hermano Geronimo.

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"Autorretrato de pelo suelto" artista Frida Kahlo, se pinto en el año 1947 sobre fibra dura de 61 x 45cm en óleo.
En 1946 viajo a Nueva York para una fusión espinal. Esta operación ha sido llamada "el principio del fin" para Frida, su condición empeoraba cada vez y más después de esta intervención quirúrgica. Aparece delgada y frágil, aunque relajada, se dice que la abundante cabellera que retrato fue para complacer a Diego, ya que el amaba su pelo.
Esta es mi hija la que me ayudó para poder hacer este trabajo!

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"Frida y Diego Rivera" por Frida Kahlo. En 1931 Frida pinta este autorretrato de ella y su marido al que idolatraba y admiraba como artista. Lo que intenta expresar Frida es la superioridad de Diego como artista en relación con ella por eso lo pinta grande, con la paleta y los pinceles en la mano. En cambio, ella se pinta diminuta, inferior, sosteniendo la mano de su marido sin oponerse a nada.

En ese momento la sociedad no reconocía a las mujeres como artistas. Frida al casarse con Diego lo tuvo que padecer.
Frida Kahlo pudo captar el espíritu de su violento y surrealista país, se dice que hasta mejor que su marido Diego; sobretodo el espíritu feminista ya que el "ser mujer" fue uno de los temas que mas trató en sus obras y por ello hoy en día es considerada como un símbolo del feminismo en el arte.

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El hijo del hombre
autor: Rene Magritte
localizacion: Belgica
tecnica:  oleo sobre lienzo
Elijo esta obra  el hijo del hombre. en ella puede persibirse que el  hombre cubre su rostro , ya sea para no ser conocido o visto ..para ocultarse .para ello utilice una sabana para simular el cielo ,manzana ,hojas ,saco corbata y sombrero.
esta es una obra surrealista mas conocida de la historia.tiene lugar en el año 1964 Bélgica donde Magritte utiliza materiales presentes como la manzana,el cielo nublado en plano americano el hombre del traje , corbata y sombrero bombim.habia hecho un retrato de si mismo.
lo que ocurría en la sociedad en dicho año :Bélgica 1964una sociedad en crisis y sus expresiones,Mandel sostenía haciendo referencias a las huelgas generales que duraron del 50 a 1967. -

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¡Bien por Marcos y Karen que se animaron! ¡Y por la hermana de Karen!

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¡Bien por Marcos y Karen que se animaron! ¡Y por la hermana de Karen!

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¡Bravo Elizabeth por reversionar la obra de Magritte!
¡Buen trabajo!
Marcela

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"El Hijo del Hombre" por René Magritte. En 1963, el buen amigo, consejero y mecenas de Magritte, Harry Torczyner, encargó un autorretrato del propio Magritte. Sin embargo, las cartas escritas por Magritte indican que le resultaba difícil pintar su propio retrato. Magritte describió sus dificultades como un "problema de conciencia". A partir de ello, nace esta pintura "surrealista".

El surrealismo es uno de los aspectos más populares del arte contemporáneo del siglo XX, y Magritte se sienta en la cima de la pila dentro de este, junto a otros grandes como el español Salvador Dali.

El contexto histórico del surrealismo se encuentra dentro del periodo de la segunda guerra mundial en donde aparecen tres grandes movimientos totalitarios como son: El Fascismo, el Nazismo y el Comunismo.

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"La Joven de la Perla" es el cuadro más famoso de Johannes Vermeer, su año de creación es en 1665. No es un retrato, sino un "tronie", es decir, la pintura de una figura imaginaria que representa a cierto tipo o personaje.
Lo que ocurria en la sociedad en ese momento:
El período del descubrimiento y de la conquista española en el territorio de la actual República Argentina fue un largo espacio de tiempo que ocupó casi todo el siglo XVI. Durante este período el territorio estuvo bajo el dominio de diversos poderes.

(La recrea mi hermana Brisa)