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L'opera del lunedì - Gustave Courbet "l'Atelier"

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Lezioni d'autore con Irene Baldriga - Il Realismo

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https://www.musee-orsay.fr/it/opere/latelier-du-peintre-927

https://www.artedossier.it/it/art-history/artist/courbet-gustave/

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L'opera del lunedì, seconda serie - Gustave Courbet "Funerale ad Ornans"

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Eventi & Mostre / GAM

VERITÀ E REALTÀ IN PITTURA E LETTERATURA
GAM - Percorso propedeutico alla mostra I Macchiaioli. Arte Italiana verso la modernità. Riservato Abbonati Musei

Il Dipartimento Educazione GAM in occasione della mostra I Macchiaioli. Arte Italiana verso la modernità propone al pubblico adulto alcuni appuntamenti propedeutici alla visione successiva e autonoma dell'esposizione, offrendo alcune chiavi di lettura, che prendono le mosse dalla Collezione ottocentesca del Museo.

Tra il 1855 e il 1867 si costituì a Firenze il gruppo dei Macchiaioli, giovani artisti desiderosi di superare il linguaggio ormai obsoleto del romanticismo con una riscoperta della realtà quotidiana rappresentata senza eccessivi sentimentalismi. Le innovative questioni dibattute da questi pittori presto coinvolsero e affascinarono anche scrittori come Verga e Capuana, che fecero propri il vocabolario, i soggetti e i problemi posti dai Macchiaioli ma soprattutto la necessità dello studio dal vero per la rappresentazione della realtà contemporanea.

Si propone, quindi, di approfondire questo rapporto tra arte e letteratura attraverso due appuntamenti. Il primo incontro sarà dedicato alla Collezione permanente in cui si vedranno opere di artisti dell'Ottocento in relazione alle ricerche letterarie dell'epoca a cui seguirà un secondo appuntamento di commentato di alcune opere della mostra attraverso confronti con racconti veristi del periodo offrendo così suggestioni per una visita autonoma.

Le attività potranno essere ripetute durante il periodo e fruite anche da gruppi organizzati concordando date, orario e argomenti.

Percorso con approfondimento: ogni incontro €7 + biglietto di ingresso secondo regolamento museo
Prenotazione al Numero verde Musei: 800.329.329, oppure on-line sul sito: www.abbonamentomusei.it-menu Attività riservate
E-mail: didattica@fondazionetorinomusei.it

GAM / Informazioni evento

Orari

Biglietti

Dove si trova

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VERITÀ E REALTÀ IN PITTURA E LETTERATURA Percorso sulla mostra I macchiaioli

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Mercoledì 12 dicembre ore 16.30 VERITÀ E REALTÀ IN PITTURA E LETTERATURA GAM - Percorso propedeutico alla mostra I Macchiaioli. Arte Italiana verso la modernità. Riservato Abbonati Musei Il Dipartimento Educazione GAM in occasione della mostra I Macchiaioli.

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Il Neoclassicismo, il Romanticismo e il Realismo

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Lezioni d'autore con Stefano Zuffi - L’atelier del pittore

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Lezioni d'autore con Tomaso Montanari - Lo scandalo dell’arte

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Webinar - La rappresentazione degli scartati nella storia dell’arte

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Webinar Giunti

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L'atelier è lo spazio dedicato al mestiere dell'artista: luogo polivalente dove si producono le opere d'arte, ma anche dove si conservano le opere in attesa della vendita e si incontrano committenti, collezionisti, viaggiatori e altri artisti. Un po' officina e un po' museo, un po' fabbrica e un po' salotto.

Nel Libro dell'arte di Cennino Cennini possiamo leggere come erano organizzate le botteghe degli artisti nel Medioevo. A capo della bottega c'era il Maestro, e sotto la sua direzione si trovavano giovani apprendisti ansiosi di imparare l'arte, operai salariati e assistenti. Con il Rinascimento l'artista, divenuto cortigiano, doveva dividere equamente il proprio tempo tra cavalletto, colori, mestiche e relazioni sociali a corte, per accrescere la propria fama e procacciarsi sempre nuove commissioni. Nell'Ottocento le dinamiche sociali e il mercato dell'arte cambiano notevolmente, e l'atelier varia forma e caratteristiche per rispondere a questi mutamenti: spesso l'artista vive da solo nel proprio atelier e le fotografie dell'epoca mostrano stanze che rispecchiano il prestigio sociale raggiunto.

Gustave Courbet, "La Bottega del pittore, allegoria reale che determina una fase di sette anni nella mia vita artistica e morale", 1854-1855, olio su tela, Parigi, Museo d'Orsay

L'atelier del pittore di Gustave Courbet ritrae invece un atelier in parte immaginario. La stanza, enorme, è descritta con voluta avarizia di particolari. La parete di fondo è resa con una pittura compendiaria, sommaria, come fosse decorata da un affresco corroso dall'incuria e dal tempo. Gli unici oggetti ben visibili sono, a sinistra, una tela dipinta, rovesciata e appoggiata al muro; al centro, una statua di San Sebastiano con un drappo sul braccio alzato, che assume il valore simbolico della pittura accademica; a destra, un piccolo scrittoio che offre sostegno alla lettura di Charles Baudelaire. Due incongruenze non possono sfuggire: la prima è che nella stanza non sono presenti significative fonti di luce, elemento indispensabile al lavoro del pittore; la seconda è che Courbet, orgoglioso fondatore del Realismo, è seduto al cavalletto, intento a dipingere un paesaggio e un cielo azzurro nel contesto chiuso del proprio atelier. Una contraddizione in termini, una dura polemica contro l'accademismo che si opponeva al suo nuovo stile. Proprio la ricerca della luce naturale e del "vero" sono infatti i tratti distintivi di altre esperienze d'atelier dell'Ottocento.

Le stanze raccontate nelle Memorie di Francesco Hayez

Francesco Hayez, il grande pittore del Risorgimento italiano, ha lasciato nelle sue Memorie vive tracce della ricerca dell'atelier ideale.

Clicca qui per vedere un video sulla mostra "Hayez" a Milano (dal canale You Tube di arslife)

" Studio in casa de' Capitani alla Spiga. Al ritorno di Sabatelli da Firenze, dove aveva eseguito i suoi affreschi a Pitti, dovetti cercarmi uno studio nella Spiga, in casa dei Capitani, al pianterreno verso il giardino: questo locale era piuttosto umido per cui danneggiava le mie tele. Peccato perché la luce vi era eccellente. - Studio in casa d'Adda al Gesù. ... presi [studio] in casa d'Adda al Gesù, pure a pian terreno e queste ancor più umide delle prime, ma poco vi stetti, perché avendo trovato locale più vasto, e veramente adatto per lo studio mi fermai."

Agli esordi della carriera, nel periodo che solitamente corrisponde alle maggiori ristrettezze economiche, il pittore si era adattato a numerose peregrinazioni, tra studi lasciati liberi da amici pittori, assenti per commissioni lontane, e locali affittati per brevi periodi, in situazioni di ripiego. Emerge dalle poche righe il senso di inadeguatezza di alcune strutture - a volte anguste, mal illuminate, umide, o rumorose - e la perenne ricerca del locale perfetto, del luogo che corrisponda alle sue esigenze profonde.

" 1829-1864 Studio in casa Repossi al monte di Pietà, allora via dei tre monasteri. [...] Questo mio studio era nella via dei tre monasteri monte di Pietà) e la casa apparteneva al Sig.r Repossi; era fabbricato precisamente in un locale d'uno di questi monasteri, un gran salone, lungo 23 braccia e largo 14 con un grandissimo finestrone da cui ricevevo la luce: un altro finestrone metteva in una gran terrazza e sopra i giardini Raimondi e Passalacqua, da dove in prossimità di questa erano platani d'un'enorme grandezza e altri alberi che mi deliziavano nelle ore di riposo e altri che servivano anche di studio. Due altre stanze attigue, una maggiore e una minore e molto servibili all'arte mi completavano lo studio che tenni dal 1829 al 1864."

Elementi architettonici chiave nello studio dell'artista sono adesso un ampio finestrone, un lucernario e, in subordine, uno spazio confortevole adatto alla pittura. In particolare, il ruolo della luce naturale, dopo secoli in cui il lavoro negli atelier degli artisti e nelle sale delle Accademie di pittura era stato condotto a lume di candela, sottolinea un nuovo approccio verso il mondo reale, un nuovo sguardo sul mondo.

Una volta nominato professore di pittura all'Accademia di Brera, Hayez applicherà questi stessi criteri per la creazione dei nuovi spazi dell'Accademia, seguendo da vicino il progetto dell'ingegnere Giovanni Voghera. Il progetto, realizzato nel 1853-1857, si caratterizzava proprio per la scelta di posizionare un grande finestrone nella parete nord, per garantire la luce ideale. Ogni accortezza fu osservata per ottimizzare la resa della luce: vennero montati serramenti in ferro, più resistenti ma anche più esili rispetto ai serramenti in legno, per sfruttare tutta l'ampiezza delle specchiature di luce; i muri opposti alla costruzione vennero tinteggiati di colori scuri, per evitare fastidiosi e indesiderati riflessi; le classi vennero intonacate di bianco, mentre il piccolo studio intermedio, occupato da Hayez, fu tinteggiato del tipico grigio d'atelier. Questa austera ambientazione forse è illustrata nel suo autoritratto degli anni '60. Hayez si mostra in piedi, investito di luce naturale contro pareti grigie, con in mano, fieramente esibiti, pennelli e tavolozza, in un abito scuro quasi clericale, che rievoca gli autoritratti del suo amato Tiziano.

F. Hayez, Autoritratto a sessantanove anni, 1860, Firenze, Galleria degli Uffizi

Clicca qui per vedere un video sulla produzione di Hayez (dal canale You Tube di "AMICIDELLARTE VARESE")

La vocazione dei luoghi: 41 Boulevard Berthier, Paris

Appartamento al numero 41 di Boulevard Berthier a Batignolles ( foto tratte da Jssgallery.org)

Alcuni atelier hanno ospitato più artisti in successione temporale. È questo il caso dell'appartamento al n. 41 di Boulevard Berthier, vicino alle Fortificazioni, presso Batignolles. La casa, che aveva già ospitato il pittore belga Alfred Stevens (1823-1906), nel 1883 viene presa in affitto dal pittore John Singer Sargent. Dell'atelier rimangono due fotografie scattate da Auguste Giraudon e una descrizione, molto puntuale, dell'amica scrittrice Vernon Lee: lo studio era molto grande, bellissimo, decorato con carta da parati di Morris e con tappeti e drappi disseminati intorno. In una delle foto Sargent è colto accanto al cavalletto e a fianco spicca il suo quadro oggi più famoso, il ritratto Madame X (Madame Gautreau), l'avventuriera parvenue più chiacchierata del tempo. Lo studio è interpretato come il tempio dell'autocelebrazione: la stanza è elegantemente arredata secondo i criteri eclettici dell'estetismo di fine secolo, con una mescolanza sapiente di drappi orientali e japonaiseries, un pianoforte Bechstein e un lungo sofà. Tra i quadri appesi, troviamo alcune copie realizzate dallo stesso Sargent degli antichi maestri a cui si ispirava per la sua pittura, Diego Velázquez e Franz Hals.

Nel 1886 Sargent abbandona quelle stanze che vengono subito occupate dal pittore ferrarese Giovanni Boldini. In alcuni suoi quadri di piccolo formato degli anni '80, Boldini gioca a fare l'illusionista, mostrando particolari dell'atelier e nascondendo gli ambienti, trattando gli oggetti come tessere di un puzzle, mai presentate in una visione unitaria. Del resto per le visioni d'insieme delle stanze ci si poteva affidare alla fotografia, mentre l'artista rivendica così la possibilità di ritrarre brandelli di realtà da ricomporre a piacere. In questa serie di quadretti trovano posto gli oggetti che sono compagni di vita dell'artista: i ritratti non ancora finiti appoggiati in bilico alle pareti, la sagoma del pianoforte e l'orologio Luigi XV. Protagonista di molte tele è il calco in gesso del busto del Cardinale de' Medici del Bernini, presenza ossessiva dopo il 1892. Scherzando Boldini scriveva a un amico: "Il cardinale ha fatto furori, piace molto e fa paura alle signore". Sembra che l'artista gli avesse affidato il ruolo di guardiano dei segreti del suo atelier, un talismano e un totem che spicca candido tra gli intrecci di pittura monocroma grigia. Il pittore che più di ogni altro incarnava il glamour e la moda ricercava nella quiete domestica degli angoli dell'atelier la poesia del quotidiano, il canto lirico della "pittura per la pittura".

G. Boldini, Il busto del Cardinale del Bernini nello studio del pittore, 1899, Ferrara, Museo Giovanni Boldini ( qui il link all'immagine)

Monet e la ricerca dell'atelier naturale

E. Manet, Monet che dipinge sulla sua barca, (Monet sur son bateau), 1874, Monaco di Baviera, Neue Pinakothek ( Wikipedia)

J. S. Sargent, Monet che dipinge sul limitare del bosco, 1885, Londra, Tate Gallery ( Wikipedia)

Claude Monet aveva invece un pessimo rapporto con la stanza che siamo soliti chiamare atelier. A tal proposito è famoso un episodio. Nel 1880 il pittore stava soggiornando a Vétheuil, un paesetto sulla riva destra della Senna, quando ricevette la visita del giornalista Emile Taboureaux che voleva intervistarlo per il giornale La Vie Moderne. Quando il giornalista espresse il desiderio di vedere l'atelier del pittore, Monet rispose: "Il mio atelier? Non ho mai avuto un atelier e non comprendo chi si rinchiude in una stanza". Poi, indicando con un ampio gesto la Senna e la campagna, ribadì: "Ecco il mio atelier". Il gesto, eloquente ma autentico, equivaleva a una dichiarazione programmatica sulla propria prassi artistica.

La pittura en plein air non era una novità assoluta: sin dal Seicento, molti pittori erano usciti dalla bottega per raccogliere idee e schizzi ispirandosi alla natura. Ritraevano panorami direttamente dentro il paesaggio, ma questa era una pratica estemporanea, che poi lasciava il posto a un lungo lavoro in atelier. Praticarla in senso intransigente e pressoché totalitario era stata la rivoluzione degli impressionisti.

Quando usciva a dipingere, Monet portava con sé i colori in tubetto, le tele di formato portatile, il cavalletto, il parasole e si immergeva totalmente nell'ambiente naturale. Usava tutti i sensi, non solo la vista. Sceglieva un posto dove fermarsi a dipingere, e quello diventava il suo atelier, variabile secondo le condizioni meteorologiche.

Un primo 'atelier naturale' di Monet fu la foresta di Fontainebleau. Dentro quell'immenso castello verde, immerso nella luce mutevole e guardando i ritagli di cielo azzurro tra le foglie, Monet dipinge la strada di Chailly tra le macchie di cespugli, i grandi tronchi d'alberi maculati dai muschi, trattando ogni particolare come fosse un ritratto.

Monet sosteneva di non poter abitare in una casa senza giardino, perché ciascun giardino diventava il suo atelier: così nacquero i giardini-atelier delle case di Argenteuil, quello della casa di Vétheuil, e infine quello che più di ogni altro ha occupato un posto fondamentale nella sua vita e nella storia dell'arte, il giardino di Giverny, pensato come un atelier profumato, cangiante e luminoso, variabile con il variare delle stagioni, studiato in ogni essenza, pianta e abbinamento cromatico dalla mente ossessiva di Monet.

Clicca qui per vedere un video su una mostra alla Royal Academy di Londra che illustra il giardino di Giverny (dal canale You Tube Royal Academy of Arts)

John Sargent, che si schermiva chiamandosi l'"aspirante impressionista" e che aveva stretto amicizia con Monet, fu invitato a trascorrere qualche tempo a Giverny verso la metà degli anni '80. A quel periodo di frequentazione risale il bozzetto Claude Monet che dipinge sul limitare del bosco, che ci permette di vederlo all'opera en plein air. Anche il quadro Monet che dipinge sulla sua barca, dipinto da Édouard Manet, ci mostra come l'artista percorresse la Senna usando la sua barca come un atelier. Aveva dichiarato di esser incapace di dipingere l'acqua dalla riva: doveva immergervisi per cogliere i riflessi, la luce sui cespugli, sentirsi cullato dallo sciabordio e inspirare l'odore della frescura.

Un atelier poteva nascere anche in una stanza d'albergo - come il celebre quadro Impression soleil levant, che diede il nome alla nuova corrente pittorica -, davanti a una finestra aperta o nel mezzo di una strada. Nel 1877 Monet dipinse per quattro mesi all'interno della Gare Saint-Lazare, ritraendo locomotive avvolte da fumi densi e riflessi di nuvole sulle volte di vetro contro il cielo azzurro.

Per Monet ogni luogo poteva diventare un atelier, tranne che un atelier.
Bibliografia:
Gli interni della casa e dell'atelier, in Boldini nella Parigi degli Impressionisti, catalogo della mostra, a cura di S. Lees, Ferrara 2009, pp. 180-182

R. CASSANELLI, Artisti in bottega. Luoghi e prassi dell'arte alle soglie della modernità, in La bottega dell'artista tra Medioevo e Rinascimento, a cura di R. Cassanelli, Milano 1998, pp. 7-30

F. HAYEZ, Le mie memorie, a cura di F. Mazzocca, Vicenza 1995, pp. 166-167

V. ROSA, Un nuovo studio per una nuova scuola di pittura, in Hayez, catalogo della mostra, a cura di F. Mazzocca, Milano 2015, pp. 335-337

Sargent e l'Italia, catalogo della mostra, a cura di E. Kilmurray, R. Ormond, Ferrara 2002

R. TASSI, L'atelier di Monet, in L'atelier di Monet: arte e natura. Il paesaggio nell'Ottocento e nel Novecento, Milano 1989, pp. 139-171

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L'atelier dell'artista: dove il lavoro diventa arte | Zanichelli Aula di lettere

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L'atelier non è solo il luogo dove si materializza il lavoro dell'artista. Per Courbet è stato metafora di una polemica contro l'accademismo, Boldini lo ha accennato e nascosto nei suoi dipinti, per Monet poteva essere ovunque, tranne che in un atelier

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"Uomini come Daumier dobbiamo venerarli, perché sono i veri pionieri"

Vincent Van Gogh, Lettere al fratello Theo

Il "vero pioniere" Honoré Daumier (1808-1879) approda in Canton Ticino. Villa dei Cedri a Bellinzona presenta una monografica dedicata all'artista di Marsiglia. "Attualità e varietà": oltre un centinaio di opere scelte tra litografie e silografie, a cui si uniscono una trentina di sculture e alcuni disegni e matrici. Daumier, con la sua produzione, che si sforza di descrivere la realtà in maniera distaccata, si colloca, insieme a Courbet e Millet, fra i pionieri del Realismo.

A dieci anni esatti dalla mostra su Steinlen, che metteva sotto i riflettori un artista d'impronta socialista-umanitaria, riservando una particolare attenzione alle scene di vita di strada, il Museo di Villa dei Cedri torna quindi con Daumier a riflettere sulla questione sociale, sul conflitto tra notabili ed emarginati. La realtà umana è il cuore dell'opera di Daumier, in un'epoca chiave come la metà dell'Ottocento, segnata dalle rivendicazioni nazionaliste e dalla crescita della classe operaia. La poesia sociale disegnata nelle stampe popolari da Daumier trova larga diffusione grazie alla riproduzione litografica su larga scala: l'artista, fra polemica e ironia, illustra e commenta la vita difficile dei poveri che dagli scantinati spiano i passi eleganti dei signori, o che dagli abbaini teneramente guardano la luna.

L'artista è anche un grande divulgatore di idee, un giornalista che usa l'immagine al posto della parola, un vignettista di satira politica che, come i suoi colleghi di oggi, reagisce all'attualità.

"Scopro in lui uno spirito acuto e riflessivo, è d'animo sublime ma insieme estremamente sensibile e passionale"

Vincent Van Gogh, Lettere al fratello Theo

I contenuti dell'esposizione
Anche se la mostra offre una visione monografica dell'intero percorso di Honoré Daumier, dagli esordi alle ultime litografie, non è da considerare cronologica, ma piuttosto tematica: il suo intento è quello di concentrarsi su alcuni soggetti, che trovano una risonanza particolare nella nostra attualità; soggetti che richiamano temi legati allo sviluppo della società moderna, con tutti i suoi conflitti e squilibri. L'armata di nuovi poveri che, come ai tempi di Daumier, abita oggi le strade di tante capitali europee è la preoccupante conferma del fatto che i problemi sociali di cui l'artista si faceva testimone non sono ancora risolti.

La mostra si articola in diversi capitoli, corrispondenti a temi specifici dell'opera dell'artista:

DAUMIER E LO SVILUPPO DELLA SOCIETÀ MODERNA riguarda scene di trasporti pubblici, passeggiate sugli Champs-Elysées, ma anche scampagnate o vacanze al mare. In questa sezione rientrano anche i lavori intitolati Croquisparisiens, che documentano la vita quotidiana dei parigini, senza dimenticare gli emarginati creati dalla nuova realtà sociale delle città industriali, come gli inquilini delle cantine o dei sottotetti ed i vagabondi.

DAUMIER, GLI ESORDI SATIRICI mette al centro la caricatura politica e lesportraitscharges, lavori che costeranno anche il carcere a Daumier. Questa sezione punta soprattutto sul lato giornalistico e documentaristico dell'autore. In particolare sarà presente la famosa litografia Rue Transnonain, le 15 avril 1834; simbolo della 'pulizia' operata dalla censura negli anni intorno al 1835. Un'altra opera altamente rappresentativa di questo tema è la litografia Celui-là, on peut le mettre en liberté! il n'est plus dangereux.

DAUMIER E L'EUROPA è un soggetto di pressante attualità. A lungo le litografie della fine della carriera dell'artista sono state disprezzate: la mostra a Villa dei Cedri intende correggere queste riserve. Imbavagliato dalla censura sotto Napoleone III, Daumier è costretto a tacere sulla politica dell'Impero ma si rivolge a quella straniera, trattando così il tema della formazione dell'Europa, speranza condivisa nelle rivoluzioni del 1848. Le litografie 'storiche' del periodo 1850-1860 contano tra i suoi capolavori. Con questa parte del suo lavoro Daumier assurge a simbolo dell'artista che sa portare fino in fondo una battaglia generosa, con il vigore del suo stile e con la scelta di un mezzo d'espressione popolare come la stampa e di una tecnica, la litografia, che permetteva una massima distribuzione e disponibilità per tutti.

LA GIUSTIZIA riunisce litografie e disegni dedicati alla commedia umana che si svolge all'interno dei palazzi di giustizia. Qui la satira di Daumier colpisce gli avvocati pieni di sé, i giudici refrattari ad ogni compassione ("Sotto il guanto di velluto del giudice, si intuiscono gli artigli del boia", scriveva Victor Hugo), le vittime e gli imputati privi di ogni speranza.

IL MONDO DELL'ARTE E DEGLI ARTISTI include infine le serie legate al lavoro dell'artista, come le Scènes d'atelier (1840 e 1848), Lesartistes (1848-1849; 1865), Lespaysagistes (1864-1865), Lesartistes à la campagne (1865). Nelle litografie su temi come il mercato dell'arte e le mostre, da Le public duSalon (1852) alla serie Croquispris à l'exposition (1864-1865), Daumier emerge come 'critico d'arte', pacifico ma ironico, che si sofferma tanto sulle giurie accademiche quanto sul pubblico borghese, di cui denuncia l'ignoranza e l'eccesso di pudore. L'artista rivolge poi il suo sguardo divertito al mondo del teatro e della musica, diviso tra scherno e compassione: suo padre stesso, vetraio di professione, aveva tentato a Parigi la carriera drammaturgica, senza successo, trascinando la famiglia intera in un vortice di problemi economici. Non manca il nascente tema della fotografia, come si vede in Nadarélevant la Photographie à la hauteur de l'Art (1862).

Filo rosso di tutta la mostra è anche il tema della nascita della stampa satirica: nei primi anni Trenta Daumier produce una novantina di litografie per La Caricature, primo giornale satirico al mondo, chiuso nel 1835. In seguito collabora con Le Charivari, nato nel 1832 e attivo per oltre un secolo. Come non pensare oggi alle drammatiche vicende legate a Charlie Hebdo o alle caricature di Maometto comparse in Olanda?

Nel 1832, in reazione alla censura esercitata dal governo sulla stampa di opposizione, viene fondata l' Association pour la liberté de la presse, che produce ogni mese una litografia di grande formato al costo di un franco, allo scopo di creare una cassa per coprire i costi dei processi a carico di autori, caricaturisti ed editori. Anche in questo caso, il dibattito sulla libertà di espressione e di informazione è quanto mai aperto e attuale.

La mostra sarà corredata da un catalogo in doppia edizione, francese e italiana, pubblicato con Pagine d'Arte (Tesserete/Parigi), che raccoglierà contributi dei curatori Matteo Bianchi e Carole HaenslerHuguet, e di tre esperti quali Michel Melot, già direttore del Dipartimento delle Stampe della Biblioteca Nazionale Francese di Parigi, JürgAlbrecht, già direttore del Dipartimento di studi d'arte presso l'Istituto svizzero di studi d'arte SIK-ISEA a Zurigo e Sylvie Gonzalez, direttrice del Museo d'Arte e di Storia di Saint-Denis.

Informazioni utili
HONORÉ DAUMIER: ATTUALITÀ E VARIETÀ
Museo Civico di Villa dei Cedri

15 settembre 2017 - 7 gennaio 2018

Curatori: Matteo Bianchi e Carole Haensler Huguet, conservatore del Museo stesso.
Modalità d'ingresso
Ingresso: CHF 10.00 / EUR 9.00

Ridotti: CHF 7.00 / EUR 6.00

Il Museo propone su richiesta scritta le seguenti visite guidate per gruppi (fino a 25 persone):

visite guidate a tutte le mostre in corso al Museo Civico Villa dei Cedri (durata circa 1 ora). Prezzo: CHF 180.- (in italiano) / CHF 200.- (in lingua straniera);

visite storico-botaniche della Villa dei Cedri e del suo parco (durata circa 1 ora). Prezzo: CHF 180.- (in italiano) / CHF 200.- (in lingua straniera);

visite combinate: mostra in corso e visita storico-botanica della Villa dei Cedri e del suo parco (durata minima 1 ora e mezza). Prezzo: CHF 220.- (in italiano) / CHF250.- (in lingua straniera).

Museo Civico Villa dei Cedri piazza San Biagio 9, 6500 Bellinzona Tel. 0041.91.8218520 / Fax 0041.91.8218546 museo@villacedri.ch
www.villacedri.ch
Orari
mercoledì - venerdì 14:00 -18:00
sabato, domenica e festivi 10:00 - 18:00
lunedì e martedì chiuso

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La poesia sociale di Honoré Daumier a Bellinzona, l'opera (realista) incisa

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Il "vero pioniere" Honoré Daumier (1808-1879) approda in Canton Ticino. Villa dei Cedri a Bellinzona presenta una monografica dedicata all'artista di Marsiglia. "Attualità e varietà": oltre un centinaio di opere scelte tra litografie e silografie, a cui si uniscono una trentina di sculture e alcuni disegni e matrici.

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L'opera del lunedì - "L'Angelus" di J F Millet

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Universalmente noto per il suo dipinto L'origine del mondo (1866), Gustave Courbet, pittore del cosiddetto "realismo francese", non era più stato al centro di operazioni culturali ed espositive in Italia da quasi cinquanta anni. Un'assenza parossistica e inspiegabile (dal nostro paese) per un artista che con il suo tratto espressivo, il suo stile e la sua poetica è stato un autentico spartiacque nella storia delle arti figurative. Quest'assenza è stata ora colmata dalla mostra, ospitata fino al fino al 6 gennaio 2019 presso il Palazzo dei Diamanti a Ferrara, intitolata Courbet e la natura.

L'esposizione, organizzata da Fondazione Ferrara Arte e di Gallerie D'Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara ed edificata da ben cinque curatori, presenta circa cinquanta opere il cui comune denominatore è rappresentato dal rapporto intenso e non banale (come spesso viene descritto, purtroppo) tra Gustave Courbet e i concetti di paesaggio e natura. La mostra presenta un percorso molto ben studiato che ci porta progressivamente fino alle opere che il pittore transalpino realizzò nel periodo svizzero (quando era in fuga dalla Francia) e alla raffigurazione del mondo animale in cui, se possibile, il concetto di realismo si fa ancora più chiaro e preciso.

I paesaggi malinconici e a tratti cupi (quasi senza speranza) del Lago Lemano (Svizzera) e la crudezza realistica (quasi iper) delle opere di caccia ci restituiscono una figura creativa di estremo interesse che però, a nostro avviso, trova la sua massima espressione quando vengono messe in relazione elemento umano (in special modo quello femminile) e fattore naturalistico; e quest'ultimo diviene una sorta di luogo idealizzato (ma paradossalmente super reale) in grado di contenere esteticamente "il femminile". In tal senso, dipinti come Giovane bagnante (1866), La sorgente o Bagnante alla fonte ( 1868) e, ancora di più Fanciulle sulle rive della Senna (1856-57) rappresentano i risultati più alti e toccanti del percorso espositivo ferrarese, percorso che però non conclude la sua parabola cultura e divulgativa senza prendere in considerazione un altro fattore fondamentale che riguarda l'estetica visuale di Gustave Courbet, ovvero lo strettissimo legame tra visione pittorica e rappresentazione fotografica del mondo.

A tal proposito, dobbiamo evidenziare come una delle scelte curatoriali più significative sia ricaduta proprio su un sistema di comparazione tra dipinti di Courbet e fotografie del XIX secolo, scelta che ha illuminato un fattore a nostro avviso di straordinaria importanza.

Non è escluso che il realismo di Courbet sia stato influenzato dalla presenza attiva (nella sua vita creativa e nel suo pensiero) del movimento fotografico francese che in alcune circostanze ha, di fatto, anticipato le idee espressive del pittore e la sua capacità di riportare la natura da forma puramente simbolica a espressione di verità (seppur a volte caratterizzata da connotazioni decisamente oscure e minacciose, e dunque enigmatiche).

Per supportare il nostro discorso prendiamo a esempio l'opera intitolata La quercia di Flagey o La quercia di Vercingetorige, datata 1864. Colpisce di questo dipinto la capacità di Courbet di lavorare sulla densità visuale e sulla costruzione di un'inquadratura (usiamo questa terminologia foto-cinematografica) che si concentra sull'oggetto prescelto (l'albero, appunto) relegando sullo sfondo il paesaggio. La grande chioma della quercia diviene una sorta di "territorio assoluto" della natura che occupa la realtà con la sua possanza e la domina grazie alla sua sublime armonia.

Ebbene, nel 1856 il fotografo Gustave le Gray realizzava un'immagine intitolata Il faggio, Foresta di Fontainebleau che, a parte la differenza di genere della pianta presa in esame, di fatto anticipava in modo eclatante il quadro già precedentemente citato di Courbet.

Questa connessione con la fotografia è evidenziata nella mostra ferrarese grazie a delle grandi riproduzioni fotografiche parziali dalla struttura verticale (supportate da piccole riproduzioni integrali poste a lato) di vari autori dell'epoca, come il già citato Gustave le Gray e il non meno importante Constant Alexandre Famin, quest'ultimo uno dei più significativi fotografi transalpini del XIX secolo che si occupò con grande attenzione (e con esiti compositivi molto interessanti) della relazione tra figura umana, natura e paesaggio.

Ebbene, proprio questo forte e imprescindibile intreccio tra dimensione pittorica e raffigurazione fotografica, tra segno scaturito dal gesto della pennellata e rappresentazione della realtà grazie proprio ai segni della realtà, ci è sembrato in verità uno dei motivi espositivi più stimolanti della mostra di Ferrara che ha avuto non solo, come già detto, il merito di riportare in Italia Courbet dopo alcuni decenni di assenza ma anche quello di contestualizzare il suo universo creativo in un territorio dell'immagine che fa di Courbet uno dei pittori più moderni degli ultimi duecento anni e ancora oggi uno dei più attuali.

© CultFrame 10/2018

INFORMAZIONI
Courbet e la natura / A cura di: Dominique de Font-Réaulx, Barbara Guidi, Maria Luisa Pacelli, Isolde Pludermacher e Vincent Pomarède
Dal 22 settembre 2018 al 6 gennaio 2019
Palazzo dei Diamanti / Tel. 0532.244949 / diamanti@comune.fe.it
Orario: Tutti i giorni 9,00 - 19.00 / Aperto anche 1 novembre, 8, 25, 26 dicembre, 1 e 6 gennio
Biglietto: intero 13 euro / ridotto: 11 duro

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Il realismo di Courbet tra pittura e fotografia a Ferrara

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Universalmente noto per il suo dipinto L'origine del mondo (1866), Gustave Courbet, pittore del cosiddetto "realismo francese", non era più stato al centro di operazioni culturali ed espositive in Italia da quasi cinquanta anni. Un'assenza parossistica e inspiegabile (dal nostro...Leggi

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https://www.palazzodiamanti.it/352/corot-natura-emozione-ricordo
https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/latelier-du-peintre-927

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Corot to Monet | Exhibitions | The National Gallery, London

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Théodore Rousseau , Albero di Quercia, 1850-1852

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Théodore Rousseau , Albero di Quercia, 1850-1852

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Corot to Monet | Exhibitions | The National Gallery, London

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Camille  Corot, La Cattedrale di Chartes (1830)  «L'architettura, specialmente nella prima fase della pittura di Corot, è una componente essenziale della veduta: non soltanto allude all'unità inscindibile di civiltà e natura, ma con i suoi piani nettamente tagliati e contrapposti costituisce il nucleo solido in cui si condensa, assumendo una funzione costruttiva, la luce diffusa del paesaggio. [...] Ciò che interessa al pittore non è l'accostamento di soggetti, pittoricamente interessanti (la bella cattedrale, le quinte arboree, il movimento delle nuvole argentee nel cielo azzurrino), ma la definizione di uno spazio pittorico unitario, in cui nessun elemento sovrasta o subordina gli altri: le zone d'ombra hanno una loro qualità tonale, così come i piani di luce; il cielo non è uno sfondo, mescola un velo azzurrino a tutte le tonalità; l'edificio stesso, respinto in secondo piano dal monticello, non è il protagonista della veduta»(Giulio Carlo Argan, L'Ottocento, Sansoni 1970)

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Camille  Corot, La Cattedrale di Chartes (1830)  «L'architettura, specialmente nella prima fase della pittura di Corot, è una componente essenziale della veduta: non soltanto allude all'unità inscindibile di civiltà e natura, ma con i suoi piani nettamente tagliati e contrapposti costituisce il nucleo solido in cui si condensa, assumendo una funzione costruttiva, la luce diffusa del paesaggio. [...] Ciò che interessa al pittore non è l'accostamento di soggetti, pittoricamente interessanti (la bella cattedrale, le quinte arboree, il movimento delle nuvole argentee nel cielo azzurrino), ma la definizione di uno spazio pittorico unitario, in cui nessun elemento sovrasta o subordina gli altri: le zone d'ombra hanno una loro qualità tonale, così come i piani di luce; il cielo non è uno sfondo, mescola un velo azzurrino a tutte le tonalità; l'edificio stesso, respinto in secondo piano dal monticello, non è il protagonista della veduta»(Giulio Carlo Argan, L'Ottocento, Sansoni 1970)

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Chartres, Cathedrale, Facade ouest, Peinture par Camille Corot (1830) (1)

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Ed.Atlas

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La litografia e l'arte di denuncia: Daumier, Rue Transnonain, Le 15 Avril 1834, litografia, 1834, 28.6 x 43.8 cm

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La litografia e l'arte di denuncia: Daumier, Rue Transnonain, Le 15 Avril 1834, litografia, 1834, 28.6 x 43.8 cm

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"Il Signor Courbet è un realista, io stesso sono un realista: poiché i critici lo sostengono, io li lascio dire. Tuttavia, con mia somma vergogna, confesso di non aver mai studiato il codice che racchiude le leggi grazie alle quali è consentito al primo venuto di realizzare opere realiste."
Champfleury, Del realismo, Lettera alla signora Sand, settembre 1855

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Gustave Courbet ,La trota,1873,olio su tela, Musee d'Orsay, Parigi   "Dopo aver scontato i sei mesi di prigione ai quali era stato condannato per la sua partecipazione alla Comune del 1871, Courbet soggiorna per un breve periodo di tempo nella sua regione natale, la Franca Contea, prima di recarsi definitivamente in esilio in Svizzera. Proprio in questo periodo l'artista esegue molte nature morte aventi come soggetto i pesci[ ...]"

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Gustave Courbet ,La trota,1873,olio su tela, Musee d'Orsay, Parigi   "Dopo aver scontato i sei mesi di prigione ai quali era stato condannato per la sua partecipazione alla Comune del 1871, Courbet soggiorna per un breve periodo di tempo nella sua regione natale, la Franca Contea, prima di recarsi definitivamente in esilio in Svizzera. Proprio in questo periodo l'artista esegue molte nature morte aventi come soggetto i pesci[ ...]"

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http://www.musee-orsay.fr/en/home.html

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Jean-François Millet (1814-1875), Le spigolatrici,1857, olio su tela, Musée d'Orsay, Parigi"Fedele ad uno dei suoi soggetti preferiti, la vita contadina, Millet affida a questo quadro il risultato di dieci anni di ricerche sul tema delle spigolatrici. Queste donne simboleggiano il proletariato rurale. Prima che il sole tramonti, le spigolatrici sono autorizzate a recarsi nei campi dove è stata già effettuata la mietitura per raccogliere in fretta, una ad una, le spighe rimaste in terra[...]" 

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Jean-François Millet (1814-1875), Le spigolatrici,1857, olio su tela, Musée d'Orsay, Parigi"Fedele ad uno dei suoi soggetti preferiti, la vita contadina, Millet affida a questo quadro il risultato di dieci anni di ricerche sul tema delle spigolatrici. Queste donne simboleggiano il proletariato rurale. Prima che il sole tramonti, le spigolatrici sono autorizzate a recarsi nei campi dove è stata già effettuata la mietitura per raccogliere in fretta, una ad una, le spighe rimaste in terra[...]" 

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http://www.musee-orsay.fr/en/home.html

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Lettera di Courbet a Champfleury, autunno 1854:
"Mio caro amico,
Malgrado io tenda all'ipocondria, eccomi impegnato nella realizzazione di un quadro dalle enormi dimensioni che misura 20 piedi di lunghezza e 12 di altezza, forse ancor più grande del Funerale il che dimostrerà che io non sono ancora morto e nemmeno il realismo, poiché proprio di realismo si tratta. (...)
È la società in tutti i suoi strati, alto, basso, medio. In poche parole, è il mio modo di vedere la società con i suoi interessi e le sue passioni. È il mondo che viene a farsi dipingere da me.(...)"

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Gli spaccapietre, olio su tela del 1849, già alla Gemäldegalerie Alte Meister di Dresda, è distrutto nel corso dei bombardamenti del febbraio 1945. Rimane soltanto la documentazione fotografica.

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Gli spaccapietre, olio su tela del 1849, già alla Gemäldegalerie Alte Meister di Dresda, è distrutto nel corso dei bombardamenti del febbraio 1945. Rimane soltanto la documentazione fotografica.

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Mary Morton, Charlotte Eyerman, Courbet and the modern landscape, The  J.Paul Getty Museum, Los Angeles

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Mary Morton, Charlotte Eyerman, Courbet and the modern landscape, The  J.Paul Getty Museum, Los Angeles

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Risposta di Gustave Courbet a Garcin che lo definisce un pittore socialista:
"Accetto molto volentieri questo appellativo. Io non solo sono un socialista ma anche e soprattutto un repubblicano. In altre parole, partigiano di ogni rivoluzione –ma sopra ogni altra cosa realista... realista significa autenticamente innamorato della verità vera."

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https://www.musee-orsay.fr/it/agenda/mostre/daumier-le-celebrita-del-juste-milieu

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Daumier, La lavandaia, 1863 circa, olio su legno, Musee d'Orsay, Parigi

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Daumier, La lavandaia, 1863 circa, olio su legno, Musee d'Orsay, Parigi

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http://www.musee-orsay.fr/en/home.html
" [...]Della lavandaia, esistono tre versioni simili, la prima delle quali viene presentata al Salon del 1861. Sulla stessa scia di Millet che, rinunciando al folclore, ha osservato con un'ottica nuova il mondo contadino della metà del XIX secolo, Daumier in questa sua opera effettua un'analisi parallela a quella del suo predecessore ambientandola, però, in un contesto prettamente urbano.[...]"

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Daumier, Vagone di terza classe, olio su tela su tavola, 1862-1864, National Gallery of Canada, Ottawa

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Daumier, Vagone di terza classe, olio su tela su tavola, 1862-1864, National Gallery of Canada, Ottawa

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Il Realismo di paesaggio: Corot(1796-1875)

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Il Realismo di paesaggio: Corot(1796-1875)

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www.raiscuola.rai.it/lezione/realismo-in-francia-ed-in-italia/2138/default.aspx
www.arte.rai.it/articoli-programma/gustave-courbet/1773/default.aspx
https://www.youtube.com/watch?v=-g1pkDfwdrY