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Eugène Delacroix peintre favori de Konstantina Spiliopoulou!

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Eugène Delacroix peintre favori de Konstantina Spiliopoulou!

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Ferdinand Victor Eugène Delacroix est un peintre français. Il est né le 26 Avril 1798 et il est mort le 13 août 1863 a Paris. I l est considéré comme le principal représentant du romantisme. I l fait sa première entrée dans le monde artistique de l’époque en exposant " Dante et Virgile aux Enfers" I l a peint sur toile et décore les murs et plafonds de monuments publics.

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Ioannis Tsarouchis avec ses fameux marins! Un grand peintre moderne!

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Ioannis Tsarouchis avec ses fameux marins! Un grand peintre moderne!

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Stavroula et Panagiotis Gymnase Agios Andreas GR

Yannis Tsarouchis a étudié à l’École des beaux-arts d’Athènes de 1929 à 1935 dans l’atelier de Fotis Kontoglou (1931-1934). Avec celui-ci, il s’est initié à la peinture byzantine. Il appartient à  la génération des artistes des années 1930.
En 1935 et 1936, il a voyagé à Constantinople, à Paris et en Italie. Il s’est initié alors à l’art de la Renaissance et à l’Impressionnisme.
Il s'est installé définitivement à Paris en 1967.

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Maria et Hélène Collège Agios Andreas GR

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Maria et Hélène Collège Agios Andreas GR

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Sotiria et Eugénie Collège Agios Andreas GR

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Chatzikyriakos Gikas un grand surréaliste Grec!

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Chatzikyriakos Gikas un grand surréaliste Grec!

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Sotiria et Eugénie Collège Agios Andreas GR

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Nikiforos Lytras, peintre favori de Georgia Orfanou,Tripolis

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Nikiforos Lytras, peintre favori de Georgia Orfanou,Tripolis

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Leonardo di ser Piero da Vinci,peintre favori de Xara Siakotou et Manto Papageorgiou,4ème college de Tripoli

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Leonardo di ser Piero da Vinci,peintre favori de Xara Siakotou et Manto Papageorgiou,4ème college de Tripoli

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Claude Monet,peintre favori de Dimitra Sykara, Tripoli

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Claude Monet,peintre favori de Dimitra Sykara, Tripoli

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Claude Monet, né le 14 novembre 1840 à Paris et mort le 5 décembre 1926 (à 86 ans) à Giverny, est un peintre français et l’un des fondateurs de l'impressionnisme.D'un caractère parfois difficile, prompt à la colère comme au découragement, Claude Monet est un grand travailleur qui n'hésite pas à défier la météo pour pratiquer sa passion

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Domínikos Theotokópoulos, peintre favori de Maria Tasiakopoulou, 4ème college de Tripoli

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Domínikos Theotokópoulos, peintre favori de Maria Tasiakopoulou, 4ème college de Tripoli

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Domínikos Theotokópoulos(Δομήνικος Θεοτοκόπουλος), dit Le Greco, est un peintre, sculpteur et architecte, né en 1541 à Candie, en Crète, alors une possession de la République de Venise, et mort le 7 avril 1614, à Tolède.

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Nikos Engonopoulos, peintre favori de Faye Sotiropoulou,Tripoli

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Nikos Engonopoulos, peintre favori de Faye Sotiropoulou,Tripoli

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Níkos Engonópoulos (en grec moderne : Νίκος Εγγονόπουλος) est un peintre et un poète grec né le 21 octobre 1907 à Athènes et décédé le 31 octobre 1985 à Athènes.
Il fut un des premiers surréalistes de Grèce. On dit même parfois qu'il fut le seul vrai surréaliste de Grèce.

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Théophilos Hadjimichail, peintre favori de Giota Triantou, Tripoli 

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Théophilos Hadjimichail, peintre favori de Giota Triantou, Tripoli 

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Théophilos Hadjimichail (en grec Θεόφιλος Χατζημιχαήλ) était un peintre naïf grec est né entre 1867 et est mort en 1930 à Lesbos.

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Nicolaos Gyzis, peintre grec du XIX  siècle ,  4ème collège de Tripolis

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Nicolaos Gyzis, peintre grec du XIX  siècle ,  4ème collège de Tripolis

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Nicolaos Gyzis a fait ses études en Allemagne et il est influencé par le style allemand de l'époque. Il est revenu en Grèce en 1872. Le pays était encore sous l'empire ottoman. Pour lui la beauté était tout ce que la Grèce a donné à l' humanité. Il a écrit à son ami allemand: “En Grèce toute femme est Venus”. Il a voyagé en Asie Mineure avec son ami, le peintre Lytras. Ils ont vu là-bas des massacres et toute la misère du peuple grec.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Maurice de Vlaminck est né le 4 avril 1876 dans le quartier des Halles, à Paris, il est l'aîné des cinq enfants d'une famille flamande, son père est violonniste et sa mère pianiste. Vlaminck commence à taquiner les pinceaux vers l'âge de 12 ans, il ne reçoit pendant sa jeunesse aucune formation académique et ne se considère pas sérieusement comme peintre. Il ne reste d'ailleurs quasiment rien de ses premières tentatives. Vlaminck s'est livré à toutes les activités lui permettant de vider un tant soit peu son incroyable réservoir de talent et d'énergie. Il a été romancier, violoniste " tzigane", rédacteur au journal anarchiste Le Libertaire, coureur cycliste, haltérophile...

Il revient à la peinture durant l'été 1900, une rencontre avec un certain André Derain boulverse son rapport à l'art. Ils deviennent amis et partagent un atelier dans un restaurant abandonné de l'île de Chatou, nichée au creux d'une bouche de la Seine, dans les Yvelines. C'est là que ces têtes brûlées créent l'école de Chatou et posent les fondations du . Le turbulent Vlaminck qui boxe la toile, bouscule la perspective, sculpte la matière peinte, est taillé pour ce mouvement. Son coup de génie : être le premier à utiliser de manière systématique la couleur pure, sortie du tube. Ses couleurs qu'il fait exploser comme autant de " cartouches de dynamite", le font remarquer parmi les autres fauves exposés au Salon d'automne de Paris, en 1905. Le marchand Ambroise Vollard lui achète son atelier, toute sa production d'alors, pour 6000 francs (une somme rondelette pour l'époque) et lui organise en 1907 une exposition particulière.

Jusqu'alors sous l'influence de , Vlaminck tombe sous le charme de Cézanne lors d'une rétrospective posthume au Salon d'automne de 1907. Dés lors, sa peinture prend de la profondeur et se " décolore". Ses compositions deviennent aussi de plus en plus géométrisantes, si bien que certains de ses tableaux évoquent désormais les travaux cubistes de et . Mais malgré ses audaces, le peintre ne franchira jamais le pas du Cubisme. Vlaminck est perpétuellement à la recherche d'émotion, c'est cela qui exite son envie de peindre, et pour lui l'émotion ne peut surgir que du réel. C'est pour cela qu'il refusera toujours les courants " intellectualisants" comme et l'Abstraction.

Somme toute, après avoir révolutionné la peinture pendant près de quinze ans, Vlaminck refuse l'évolution de l'art de son temps. Tandis que Derain évolue vers un style de plus en plus académique, il cherche sa propre voie en solitaire en rompant lui aussi définitivement avec les jaillissements de couleurs de sa période flamboyante et en s'éloignant de Paris. Il achète en 1925 un gros domaine en pleine nature, " La Tourillière", situé près du village de Reuil-la-Gadelière, en Eure-et-Loir. Il chasse, pêche, arpente la campagne et ne cesse de la peindre jusqu'à sa mort le 11 octobre 1958. Il crée des ciels de suie, des arbres convulsés et des soleils rouge sang.

Mais finalement, la plupart de ces toiles lyriques qui rétablissent la perspective et les " vraies" couleurs manquent singulièrement de souffle comparées à ses premiers travaux. Peut-être que le plus sauvage des fauves était aussi le moins capable d'évolution. Il reste cependant comme une figure majeure du fauvisme et un de ceux qui a ouvert la voie à l'expressionnisme.

" Je n'employais que les vermillons, les chromes, les verts et les bleus de prusse pour hurler ce que je voulais dire." Vlaminck.

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Biographie du peintre Maurice de Vlaminck

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Maurice de Vlaminck est né le 4 avril 1876 dans le quartier des Halles, à Paris, il est l'aîné des cinq enfants d'une famille flamande, son père est violonniste et sa mère pianiste. Vlaminck commence à taquiner les pinceaux vers l'âge de 12 ans, il ne reçoit pendant sa jeunesse aucune formation académique et ne se considère pas sérieusement comme peintre.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l’Art

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Biographie du peintre célèbre Vincent Van Gogh. Bio de l’artiste Van Gogh...

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Vous trouverez ici la biographie du peintre célèbre Vincent Van Gogh. Découvrez le parcours de l’artiste peintre. Van Gogh Vincent Biographie et Tableaux.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa, né le 24 novembre 1864 à (Albi, France) et mort le 9 septembre 1901 au château Malromé (France), est un peintre et lithographe français de la fin du XIXe siècle. Fils du comte Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa (1838-1913) et d'Adèle Tapié de Celeyran (1841-1930), il grandit entre Albi, le château du Bosc (demeure de ses grands-parents) et le château de Celeyran. Issu d'une famille aristocrate, l'union quasi consanguine de ses parents (ils sont cousins) est pour certains la raison de sa maladie.

Henri de Toulouse-Lautrec, peintre, dessinateur, graphiste, illustrateur et lithographe, demeure une des figures de l'art mondial les plus reconnaissables en raison d'une infirmité contractée dans son enfance. Après de multiples fractures des deux jambes, celles-ci ne grandirent pas malgré le développement normal du reste de son corps. C'est le sujet d'innombrables illustrations. Le père de Toulouse-Lautrec, un riche et excentrique aristocrate, paie les études de son fils (artiste passionné depuis son plus jeune âge) à Paris et lui loue un atelier. Lautrec étudie à Paris auprès des peintres académiques Léon Bonnat et Fernand Cormon, chez qui il rencontre Vincent Van Gogh . Il visite également les expositions impressionnistes, s'intéresse aux estampes japonaises, alors en vogue à l'époque, et devient un admirateur inconditionnel d'Edgar Degas .

Le jeune peintre devient vite connu à Montmartre, passant ses nuits au Moulin-Rouge et dans d'autres lieux de la vie nocturne ( Le Chat Noir dirigé par Aristide Bruant), à faire des croquis. Il réalise régulièrement des affiches publicitaires pour ses endroits favoris. Il adore les femmes et passe une grande partie de son temps dans les maisons closes. Il ne couche pas seulement avec les prostituées mais il est leur ami et les utilise comme modèles. Son oeuvre comprend des vues caractéristiques et pleines de vivacité de la vie de bohème, à l'image de La Danse au Moulin-Rouge ( 1890), des scènes saphiques comme Le Baiser ( 1892), et des représentations empreintes de tendresse, Les Deux Amies ( 1894). Il peint beaucoup sur du carton et se sert d'une huile particulièrement fine ou de peinture mélangée à de la gouache ou de détrempe, afin de créer des lignes et des couleurs particulières. C'est grâce à son oeuvre que les noms de danseuses comme Jane Avril et La Goulue sont encore connus de nos jours. Il est influencé par les aplats dePaul Gauguin , le style vivant de Francisco Goya et les sujets d'Edgar Degas. Il enseigne également à d'autres artistes, dont sa maîtresse et modèle Suzanne Valadon.

Passionné par l'expression humaine, par le trait vrai qui révèle tout l'être, doué d'une pénétration d'analyse et d'une sensiblité exacerbée, Lautrec sut saisir dans chacune de ses œuvres, peintures, dessins, caricatures, illustrations ou affiches, le secret de l'âme humaine. Usant de déploiements d'arabesques et d'aplats colorés, de contre-plongées et de cadrages particuliers, il n'eut pas son pareil pour saisir la gaieté d'un soir des cafés-concerts ( L'Entrée de la Goulue), les paillettes factices des danseuses ( Jane Avril entrant au Moulin-Rouge, 1892, Courtauld Gallery, Londres), ou la vie misérable des filles des maisons-closes ( Au salon de la rue des Moulins, 1894, Musée Toulouse-Lautrec). Interné en 1899 suite à deux crises de ' delirium tremens' provoquées par la quantité d'alcool absorbée chaque jour, il ne doit sa sortie qu'à l'acharnement avec lequel il a produit de magnifiques oeuvres traitant du cirque. Il illustre les ' Histoires naturelles' de Jules Renard, appartient au jury de la section ' affiches' de l'Exposition Universelle de 1900. Mais la maladie et l'épuisement le rattrapent, il meurt à trente-six ans le 9 septembre 1901.

Le musée d'Albi regroupe l'essentiel de son oeuvre: Le Palais de la Berbie, classé monument historique, abrite depuis 1922 le musée de Toulouse-Lautrec, riche de plus de mille œuvres du peintre comprenant 250 tableaux, 31 affiches, des lithographies et des centaines de dessins, devenant ainsi le plus grand musée au monde consacré au peintre. Le musée accueille chaque année 160 000 visiteurs du monde entier, dont une part importante de Japonais, attirés par l'influence considérable du Japon dans les productions du peintre.

Quelques oeuvres majeures:

La Blanchisseuse (1884, Paris, collection privée)

Au Cirque Fernando, L'Ecuyère (1888, Chicago, Art Institute)

La Danse au Moulin-Rouge (1890, Philadelphie, Museum of Art)

La Goulue entrant au Moulin-Rouge (1892, New York, MoMA)

Jane Avril au Jardin de Paris (1893, collection privée)

Au Salon de la rue des Moulins (1894, Albi, musée Toulouse-Lautrec)

Décor de la Baraque de la Goulue à la Foire du Trône (1895, Paris, musée d'Orsay)

Au Rat-Mort (1899-1900, Londres, Courtauld Institute)

" Je boirais du lait le jour où les vaches brouterons de la vigne!" Henri de Toulouse-Lautrec.

Source: Suite101.fr

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Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa, né le 24 novembre 1864 à (Albi, France) et mort le 9 septembre 1901 au château Malromé (France), est un peintre et lithographe français de la fin du XIXe siècle.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Pablo Picasso est né le 25 Octobre 1881, à Malaga, en Espagne, il est le fils de José Ruiz Blasco qui est professeur d'arts plastiques, et de Maria Picasso y Lopez. Son talent se manifeste très tôt, il réalise déjà des tableaux à l'âge de 10 ans, et à l'âge de 15 ans, il est admis à l'Ecole des Beaux-Arts de Barcelone.

En 1901, après avoir remporté des prix pour divers travaux (Science et Charité, , Les douanes de l'Aragon, ), Picasso installe un studio à Montmartre. Avant cette époque, il signait toujours ses tableaux en utilisant à la fois les noms de sa mère (Picasso) et de son père (Ruiz), mais ensuite il décide de changer, et à partir de 1901, il utilise seulement le nom de sa mère (Picasso) pour signer ses oeuvres. Pour le moment, Picasso est un maître des formes traditionnelles de l'art, employant les idées néo-impressionniste de l'école de Degas, Vuillard, et de Toulouse-Lautrec. Il réalise des illustrations pour différents ouvrages touchant des mouvements artistiques naissants, comme le dadaïsme et le surréalisme.

La période bleue de Picasso à partir de 1901-1904. Ce fut une période de deuil pour Picasso, avec la mort de son ami, Carlos Casamegas, qui s'est suicidé après avoir perdu l'amour de son amant. Au cours de cette période, Picasso utilise la couleur bleue, dans différentes nuances, de façon uniforme dans l'ensemble de ses tableaux, d'où le nom de la période. Ses peintures expriment la tristesse, l'angoisse, la nostalgie et la misère humaine, et ont pour sujets des aveugles, des alcooliques, des prostituées, des mendiants, et des misérables. La période culmine avec le tableau peint en , et est suivi par le début de la Période Rose.

Avec la période Rose (1904-1906), Picasso renoue avec les couleurs vives, et des sujets plus joyeux : arlequins, clowns, jongleurs, acrobates... Ses tableaux ont pour pour thèmes la joie, l'amour, la vie et l'existentialisme. Pendant ce temps, il rencontre Fernande Olivier qui sera sa compagne pendant sept ans. Elle sera son inspiration et son modèle pour de nombreuses oeuvres durant les années à venir. Picasso pendant cette période travaille sur le trait, le dessin, plutôt que sur la couleur. Il met l'accent sur l'effet esthétique de la forme. La géométrie formelle prend progressivement le pas sur la forme naturelle. La logique et les proportions disparaissent. Le cubisme peut naître.

Picasso débute ses recherches graphiques dans ce qui allait devenir le cubisme avec le mouvement Protocubisme. Picasso détruit la profondeur spatiale, la perspective, et commence à faire des peintures aux formes solides, volumineuses et simplifiées. (le Portrait de Gertrude Stein, - Autoportrait à la Palette, ).

Le cubisme analytique commence en 1908, Picasso est inspiré par le volume et le traitement de la forme par Cézanne ainsi que par les œuvres primitives qu'il collectionne (dans lesquelles l'idée du sujet prime sur sa réalité physique). En compagnie de l'artiste français , Picasso peint dans un style décrit par le critique Louis Vauxcelles comme étant composé de "petits cubes". Voilà d'où vient le nom, cubisme. Dans le Cubisme Analytique, Picasso et Braque travaillent sur la décomposition et l'analyse des formes. Ils emploient la plupart du temps des arrangements monochromatique dans leurs représentations de scènes radicalement fragmenté, montrant simultanément plusieurs côtés de l'image. Picasso marque le changement dans la deuxième phase du cubisme, le cubisme synthétique, en 1912, avec la création de son premier collage, Nature morte à la chaise cannée. Cette étape du cubisme est caractérisée par une plus large utilisation de la couleur et de la décoration, même si les formes dans les peintures demeurent plates et fragmentée. Picasso créé également plusieurs sculptures cubistes, commeTête de femme, , ainsi que différentes constructions faites de matériaux divers.

Pendant la Première Guerre mondiale, Picasso se rend à Rome, où il rencontre sa future femme, Olga Kokhloven. Au début des années 1920, Picasso créé des peintures néoclassique représentant des figures lourdes et désequilibrées, des œuvres inspirées par la mythologie ( Trois femmes à la fontaine, 1921). Au début des années 1930, il rencontre Marie-Thérèse, qui lui donne une fille, Maya, en 1935. Marie a eu une incidence sur certaines des peintures de Picasso au cours de cette période, il lui emprunte ses courbes généreuses tout en exprimant un érotisme sous-jacent. En 1935, Picasso produit une oeuvre monumentale,La Minotauromachie, qui mêle tauromachie et minotaure, souvent cité comme la gravure la plus importante du 20e siècle .

En 1937, Picasso reçoit une commande du gouvernement espagnol qui lui demande de produire une oeuvre sur la guerre civile espagnole. Picasso décide de peindre le bombardement de la ville Guernica qui eu lieu le 26 avril 1937. Dans cette grande toile, il utilise des symboles et des images pour illustrer les horreurs de la guerre, la brutalité, l'inhumanité, le désespoir et la colère qu'il a ressentit par la mort des ses nombreuses victimes innocentes. Au cours de la Seconde Guerre mondiale, les œuvres de Picasso prennent un ton plus sombre, la mort y est de nombreuses fois le sujet principal. Picasso passe la plupart de ce temps à Paris, et après la fin de la guerre, il rejoint le parti communiste.

En son honneur, pour son 90ème anniversaire, de nombreuses œuvres de Picasso sont exposés au musée du Louvre à Paris. C'est la première fois que les oeuvres d'un artiste vivant sont accrochés dans le célèbre musée. Au cours de ses dernières années, il travaille avec toutes sortes de médias pour produire de l'art, il s'intéresse notamment à la soudure et à la poésie. Continuant de travailler jusqu'à la fin, il produit plus de 20.000 oeuvres de son vivant.

Pablo Picasso meurt le 8 avril 1973, à l'âge de 92 ans, dans sa villa près de Mougins en France. Il est sans aucun doute l'un des plus célèbres peintres espagnol, le plus connu des peintres cubistes et l'un des artistes majeurs du 20e siècle. L'un des grands talents de Picasso aura été de déceler très précisement les points forts et les faiblesses des courants nouveaux, et de savoir en tirer parti dans son oeuvre.

" Je peux à peine comprendre l'importance donnée au mot recherche dans la peinture moderne. A mon avis, chercher ne signifie rien en peinture. Ce qui compte, c'est trouver." Pablo Picasso.

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Biographie de l'artiste Pablo Ruiz Picasso

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Pablo Picasso est né le 25 Octobre 1881, à Malaga, en Espagne, il est le fils de José Ruiz Blasco qui est professeur d'arts plastiques, et de Maria Picasso y Lopez. Son talent se manifeste très tôt, il réalise déjà des tableaux à l'âge de 10 ans, et à l'âge de 15 ans, il est admis à l'Ecole des Beaux-Arts de Barcelone.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Edvard Munch naît le 12décembre 1863 à Loten, au nord d'Oslo, dans une modeste ferme du comté de Hedmark. Il est le deuxième d'une famille de cinq enfants. Son père, médecin militaire, est issu d'une famille de hauts fonctionnaires, d'intellectuels et d'artistes. A la mort de sa mère en 1868 (tuberculose), Edvard et sa soeur ainée Sophie sont élevés par leur tante. Sophie meurt à son tour de la tuberculose. Le sort s'acharne, puisqu'une autre de ses soeurs souffre de mélancolie (dépression) et que son frère Andreas meurt quelques mois après s'être marié. La santé physique et mental de l'artiste est également très fragile : il souffre de rhumatisme articulaires, attrape la grippe espagnole, pâtit de problèmes d'alcoolisme et de crises d'anxiété qui manquent à tout moment de le faire sombrer dans la folie. Munch, en résumé, passe une bonne partie de son existence au bord du précipice... et dans des chambres d'hôpital. Ces évènements tragiques de son enfance sont à l'origine de sa tendance à la dépression nerveuse et de sa vision de l'humanité qui est d'un pessimisme effrayant.

L'art seul lui permet d'extérioriser cette souffrance. " L'angoisse devant la vie me poursuit depuis la naissance. Mon art est comme une suite d'appels radio désespérés émis d'un navire en perdition." Pour exprimer son mal de vivre, il lui faut d'abord sortir du carcan familial. Le jeune Munch se passionne pour le dessin. Il intègre alors l'école royale de dessin d'Oslo en 1880. Ses premières oeuvres sont d'une facture assez classique, rien de son enfance malheureuse n'y transparaît. Mais ses professeurs sont déjà étonnés par sa grande maitrise technique.

De 1884 à 1894, il va s'élever au rang d' artiste le plus controversé d'Europe du Nord, il créer un style à partir de formes aux lignes courbes et de couleurs simplifiées explorant un univers sans espoir, hanté par la mort et une vision tourmentée de l'amour. Incarnation del'expressionnisme, il est confronté aux conventions et aux codes de la société puritaine qu'il dérange avec ses oeuvres emplies de sa mélancolie et de son malaise social. Le Cri ( Skrik, 1893) est probablement son œuvre la plus connue, il y représente son obsession de la solitude de l'homme, de la mort et de la maladie qui l'angoissait beaucoup. Comme dans le cas de beaucoup de ses œuvres, il en a peint plusieurs versions, environ une cinquantaine. Le Cri est une pièce de la série La Frise de la Vie, que Munch a assemblée au tournant du siècle ; il traite d'une manière récurrente des thèmes de la vie, l'amour, la peur et la mort.

Devant ses œuvres sombres marquées par l'angoisse de la mort, la maladie et la mélancolie, les critiques hurlent au " fou" et maudissent ces toiles singulières et inquiétantes affranchies de la tradition académique consacrée dans les salons. " On ne peindra plus de scènes d'intérieur avec des hommes en train de lire ou des femmes qui tricotent. Il faut que ce soient des être vivants qui respirent, qui sentent, qui souffrent et aiment." dira Munch dans son journal.

Quelques unes de ses oeuvres les plus célèbres :

- L'Enfant malade ( 1896) et sa lueur spectrale, qui fit scandale en son temps encore feutré.

- La puberté ( 1894-1895), sa jeune fille prostrée à la poitrine creuse et à l'aile noire.

- Vampire ( 1893) et son baiser goulu dans la nuit bleutée d'un monde vide.

- Le Baiser ( 1897) et la fusion des deux corps en un seul être au visage défiguré par la passion, comme celui du Cri , déformé par la terreur, au bord du fjord noir.

- Les solitaires ( 1905) et l'amour qui laisse le couple interdit, bras ballants, et l'isole sur la plage déserte.

Durant la période Nazi, les travaux de Munch sont étiquetés comme étant de " l'art dégénéré" et 82 oeuvres sont retirées des musées allemands pour être vendues en Norvège. Ceci blesse profondément l' " antifasciste" Munch qui considérait l'Allemagne comme son second pays. Il se retire en Norvège ou il passe ses derniers jours, il décéde le 23 janvier 1944, à 80 ans, à Ekely, près d'Oslo. Il lègue environ un millier de tableaux, 4500 dessins et aquarelles, et six sculptures à la ville d'Oslo, qui construit en son honneur le Musée Munch à Toyen. Il est aujourd'hui considéré comme l'un des précurseurs de l'expressionnisme, l'un des peintres les plus importants de l'art mondial et est vu en Europe du Nord comme un grand maître, l'égal d'un Vincent Van Gogh ou d'un Paul Cézanne.

" Un soir, je marchais le long d'un chemin. J'étais fatigué, malade. Je me suis arrété pour regarder le fjord : le soleil se couchait et les nuages étaient rouges, comme du sang. J'ai senti passer un cri dans la nature ; il m'a semblé que je pouvais entendre le cri. J'ai peint ce tableau, peint les nuages comme du véritable sang. Les couleurs hurlaient." Edvard Munch.

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Edvard Munch naît le 12décembre 1863 à Loten, au nord d'Oslo, dans une modeste ferme du comté de Hedmark. Il est le deuxième d'une famille de cinq enfants. Son père, médecin militaire, est issu d'une famille de hauts fonctionnaires, d'intellectuels et d'artistes.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Oscar Claude Monet est né le 14 novembre 1840. C'était - et c'est toujours aujourd'hui - un peintre très célèbre. Il a été l'un des initiateurs dela peinture impressionniste, on le considére même comme le chef de file de ce mouvement. Monet a d'abord habité à Paris avant de déménager au Havre avec sa famille à l'âge de 5 ans.

Enfant joyeux et sans histoires, le jeune Oscar n'en reste pas moins un élève peu intéressé par les études. Et très tôt, le dessin l'attirant très fortement, il suit des cours de peinture. En ressortent d'excellentes caricatures, dessinées en marge de ses livres et cahiers. Dès l'âge de 17 ans, il vend ses caricatures chez un commerçant spécialisé en matériel de peinture. L'ancien associé du propriétaire, le peintre Eugène Boudin, remarque Monet et le prend sous son aile. L'histoire de ce jeune prodige est en marche et celle de l'Impressionnisme avec.

Il rencontre donc Eugene Boudin qui l' encouragé à peindre en pleine nature. Monet s'inscrit à l'Académie Suisse pour prendre des cours de dessin. C'est là qu'il a rencontré Pissarro, Cézanne, Renoir, Sisley, et Bazille avec lesquels il a entretenu des amitiés durables. En 1860 il est allé en Algérie où il a fait deux ans d'armée. Après cela, Monet est retourné à Paris et est entré au Studio du peintre suisse Charles Gabriel Gleyre. Frédéric Bazille, qui travaillait aussi dans ce Studio, a aidé Monet sur le plan financier dans les années 1960, après avoir vu les oeuvres de Monet lors d'une exposition à Martinet.

Monet et Bazille se sont mis à peindre ensemble dans la forêt de Fontainebleau. En 1864, Monet a rencontré Gaudibert, son plus grand admirateur. Un an plus tard, il a fait la connaissance de Camille Doncieux qui est devenue plus tard son épouse. Monet a peint Doncieux et Bazille dans son oeuvre célèbre : Le Déjeuner sur l'herbe . En 1867, Monet et Doncieux ont eu un fils qu'ils ont appelé Jean. En 1868, Monet a fait une tentative de suicide. Gaudibert l'a beaucoup aidé à reprendre courage et il a insisté pour qu'il continue à peindre. Il l'a aussi aidé financièrement.

Monet et Doncieux se sont mariés in 1870. Pendant la guerre entre la Prusse et la France, ils ont quitté Paris pour se réfugier à Londres, pays du célèbre peintre William Turner qui a fasciné Claude Monet. Il y fait la rencontre du marchand de tableaux Paul Durand-Ruel qui a acheté un bon nombre de ses oeuvres et les a exposées. Ensuite, il est retourné en France et s'est installé à Argenteuil pour peindre avec Manet,Caillebotte, Renoir et Sisley. En 1874, Monet a participé à l'inauguration de l'exposition Impressionniste du Studio Nadar. C'est là qu'il a exposé sa peinture intitulée " Impression : soleil levant ". Le mouvement impressionniste tire son nom de cette peinture et d'une phrase du critique Louis Leroy tiré d'un article acerbe paru dans Le Charivari.

Deux ans plus tard, Monet a rencontré Ernest et Alice Hoschedé, qui lui ont acheté plusieurs tableaux. Malheureusement, Ernest a fait faillite un an plus tard et la famille a dû vendre leur collection de tableaux. En 1878, Monet et Doncieux ont eu leur deuxième enfant, Michel. La famille s'est alors installée dans une maison à Vétheuil, près de la Seine où ils ont hébergé un moment la famille Hoschedé. La femme de Monet, Camille Doncieux, est décédée un an plus tard et Alice Hoschedé s'est chargée de s'occuper des enfants de Monet. Quatre ans plus tard, Monet a loué une maison à Giverny, où il a passé le restant de sa vie, c'est- à -dire 43 ans. Il a participé à de nombreuses exposition, à Paris, Bruxelles et New York.

En 1890, Monet a finalement acheté sa maison de Giverny, ce petit village va devenir l' une des plus grandes colonies d'artistes, à l'image de Pont-Aven (Finistère) ou Barbizon (Seine-et-Marne). Ernest Hoschedé est mort le jour ou Monet a exposé certaines de ses oeuvres à la galerie Durand Ruel. Ces peintures avaient pour titre " Meule de foin " et " Peupliers le long de la rivière Epte ". Monet s'est remarié avec Alice, la veuve d'Ernest, en juillet 1892. En 1900 ont commencé ses problèmes aux yeux. Alice, sa seconde femme, est morte en 1911. Trois ans plus tard, Jean, son premier fils, est décédé également. Blanche, la belle-fille de Monet, s'est occupée de lui.

Après la signature de l'Armistice, Monet a fait une donation de tableaux à la France : " les Nymphéas ". Trois d'entre eux sont exposés dans deux salles de l'Orangerie à Paris. Presque aveugle, Monet a eu une opération à l'œil pour soigner sa cataracte en 1923. Il a pu peindre jusqu'à sa mort le 5 décembre 1926 à l'âge de 86 ans. Il est enterré dans le cimetière de l'église de Giverny, avec sa famille. Sa maison se visite et l'atmosphère qui y règne rappelle la douceur de ses œuvres, la propriété est entretenue par la Fondation Claude Monnet.

" Ce que je ferai ici aura au moins le mérite de ne ressembler à personne, parce que ce sera l'impression de ce que j'aurai ressenti, moi tout seul." Claude Monet.

Source: Hayley Rees.

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Oscar Claude Monet est né le 14 novembre 1840. C'était - et c'est toujours aujourd'hui - un peintre très célèbre. Il a été l'un des initiateurs dela peinture impressionniste , on le considére même comme le chef de file de ce mouvement.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Amedeo Modigliani est un peintre et un sculpteur italien, né dans une famille intellectuelle de juifs commerçants le12 juillet 1884 à Livourne. Amedeo est le quatrième enfant d'un homme d'affaire ruiné et d'Eugénie Garsin. Son enfance est pauvre et marquée par la maladie. À 14 ans, il subit une attaque de typhoïde et deux ans plus tard une tuberculose. En 1898, son frère de 26 ans, Emmanuel, est condamné à six mois de prison pour anarchisme.

En 1902, il s'inscrit à l'école libre du nu, Scuola libera di Nudo à Florence et l'année suivante à l'Institut des Arts de Venise. Il découvre dans ces deux écoles, la peinture impressionniste italienne et les artistes en vogue en europe (Van Gogh , Toulouse-Lautrec...). En 1906, il déménage à Paris alors le centre de l'avant-garde artistique internationale dans Le Bateau-Lavoir, un phalanstère pour prolétaires de Montmartre. D'abord influencé par Toulouse-Lautrec, il s'inspire de Paul Cézanne, du , despeintres fauves et de la période bleue de Picasso .

En 1909, il fait un court séjour à Livourne. Malade et usé par son mode de vie il revient à Paris et fait le portrait des habitués de Montparnasse, comme Soutine qui avait un " gosier en pente ", Diego Rivera, , Max Jacob, Blaise Cendrars et . De 1909/11 à 1913, Modigliani se consacre presque uniquement à la sculpture et au dessin, surtout des études pour ses têtes sculptées et ses cariatides. Il fait la rencontre déterminante de Constantin Brancusi qui lui prodigue encouragements et conseils techniques.

En 1914 Modigliani arrête définitivement la sculpture à cause de sa maladie pulmonaire. En 1915 il se tourne vers la tradition africaine et applique la technique des masques en peinture comme une empreinte de sculpture, ses tableaux présentent des silhouettes allongées, avec des yeux en amande, souvent sans pupille. Il réalise ainsi des tableaux comme Teresa (1915), Mme Othon, La Tête Rouge (1915). Cet attrait pour l'art primitif est partagé avec ses contemporains comme Picasso et Derain.

Connu comme " ModÏ " par ses amis, Amedeo est magnétique pour la gent féminine. Il a beaucoup d'aventures jusqu'à ce que Béatrice Hastings entre dans sa vie. Elle reste avec lui pendant presque deux ans, et devient modèle pour plusieurs portraits de Modigliani comme " Madame Pompadour ". L'été suivant (1917), le sculpteur russe Chana Orloffa lui présente Jeanne Hébuterne, une belle étudiante de 18 ans qui a posé pour Foujita. Leurs relations très orageuses deviennent bientôt encore plus célèbres que le comportement de Modigliani ivre.

En 1917 Modigliani va un peu mieux financièrement car le goût du marché a changé et est plus en adéquation avec sa peinture. Le 3 décembre 1917 a lieu son premier vernissage dans une galerie parisienne, mais l'exposition sur les nus revus par la modernité est fermée quelques heures plus tard pour indécence et outrage à la pudeur. La police intervient et saisit les nus du peintre.

Jeanne Hébuterne accouche fin 1918 d'une fille prénommée Jeanne. L'état de santé de Modigliani s'aggrave rapidement. Ils séjournent à Nice puis remontent à Paris où Amadéo meurt le 24 Janvier 1920 à l'âge de 36 ans d'une méningite tuberculeuse. Deux jours après son décès, sa femme enceinte de huit mois se suicide en se jetant d'une fenêtre au cinquième étage.

Modigliani est enterré le 27 janvier au cimetière du Père Lachaise à Paris; le corps de Jeanne Hébuterne repose à ses côtés. Peu de temps après la mort de Modigliani, la cotation de ses tableaux s'envole... Leur fille est élevée en Italie par la famille de Modigliani. Elle écrit plus tard une biographie importante sur son père intitulée: Modigliani: Homme et mythe.

" D'un oeil, observer le monde extérieur, de l'autre, regarder au fond de soi-même". Amedeo Modigliani.

Source: Ortolan.canalblog.
Source: Wikipedia.

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Amedeo Modigliani est un peintre et un sculpteur italien, né dans une famille intellectuelle de juifs commerçants le12 juillet 1884 à Livourne. Amedeo est le quatrième enfant d'un homme d'affaire ruiné et d'Eugénie Garsin. Son enfance est pauvre et marquée par la maladie.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Joan Miro Ferra né à Barcelone le 20 avril 1893 d'un père horloger et d'une mère ébéniste est un peintre, sculpteur et céramiste catalan, considéré comme un acteur majeur de l'Art moderne.

Passionné très tôt par le dessin et la peinture, il entre malgré tout sous l'impulsion de son père à l'école de commerce de Barcelone à l'âge de quatorze ans, mais il continue à s'intéresser à la peinture en assistant aux cours de l'école des Beaux-Arts de Llonja (1907-1910). Après divers métiers dans ce secteur d'activité, il fait une dépression nerveuse et abandonne tout en 1912 pour se consacrer à sa véritable passion : l'art, malgré la réticence de ses parents. C'est dans sa maison de convalescence de Montroig qu'il a pris conscience que son avenir réside dans la peinture.

Enchanté par son premier voyage à Paris en 1920, Miro décide de partager sa vie entre la capitale et l'Espagne. Il y fréquente Picasso et participe au mouvement Dada. Très lié aux surréalistes, son exposition de 1925 à Paris sera d'ailleurs considérée comme un événement majeur de ce courant. Mais de tous les genres, c'est le dadaïsme qui le bouleverse plus particulièrement. Il fait preuve d'une grande imagination, d'humour et de fantaisie pour donner une vie nouvelle aux objets et aux formes qui l'entourent.

Miro peint la Naissance du monde en 1925. En 1926, il collabore avec sur des décors pour Serge de Diaghilev. La technique du " grattage" est alors expérimentée. L'artiste explore d'autres voies, il laisse pour un temps la peinture de côté afin d'entreprendre des œuvres d'un caractère nouveau : collages, dessins, assemblage de matériaux divers (la Danseuse espagnole, 1928). Il veut révolutionner son art et se rapproche de la littérature et de la poésie. Miró se marie avec Pilar Juncosa à Palma de Majorque le 12 octobre 1929 et se lie d'amitié avecPablo Picasso et Kandinsky .

L'un des plus radicaux théoriciens (et fondateurs) du surréalisme, André Breton, décrit Miro comme " le plus surréaliste d'entre nous". Miro affirme alors vouloir " assassiner la peinture", il exprime son mépris provocateur pour la peinture (au moins celle que l'on considère conventionnellement) et son désir de la tuer et de l'assassiner en faveur de nouveaux moyens d'expression. Miro ne veut pas représenter la réalité, ses toiles deviennent de plus en plus abstraites et les formes plus organiques, plus cellulaires.

Dans ses dernières années, il accélére ses travaux sur divers médias, produisant par exemple des centaines de céramiques, incluant le mur de la lune et le mur du soleil sur l'immeuble de l'UNESCO à Paris (1958). Il expose par écrit ses idées les plus radicales et les moins connues, explorant les possibilités de la sculpture gazeuse et de la Peinture en quatre dimensions.

Miro meurt à 90 ans le 25 décembre 1983 à Palma de Majorque. Il est enterré au cimetière de Barcelone. Peintre, céramiste, sculpteur, l'oeuvre qu'il laisse est immense, tout simplement à la mesure du talent, de l'imagination et de la créativité de ce peintre d'exception. Tout au long de sa vie, il a revendiqué une totale liberté et a échappé ainsi à toute convention , surréaliste et qui auraient pu l'enfermer.

La Fondation Miro de Barcelone a été inaugurée en 1976 ; l'artiste avait fait une donation de 5000 dessins. Le Musée Joan Miro de Palma de Majorque a lui été ouvert, dans l'atelier de l'artiste, dix ans après sa disparition.

L'assassinat de la peinture.
Extrait d'un entretien avec Georges Raillard.

"G. R. - " Il faut brûler les musées!" clamaient les surréalistes. Vous ne l'avez pas crié?...
J. M. - Jamais, non. C'est naïf, juvénile. Il faut voir ce qu'il y a au Louvre!
G.R. - " Assassiner la peinture", ce n'était pas brûler les musées.
J. M. - Non, c'était à l'intérieur de la peinture qu'il y avait quelque chose à détruire. La peinture était arrivée à un état de pourriture totale à l'intérieur, comme une putain. [...] La peinture était figée, butée, arrêtée, sans plus aucune issue." (Joan Miró, Ceci est la couleur de mes rêves, entretiens avec Georges Raillard, Seuil, 1977).

Source: comlive.

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Joan Miro Ferra né à Barcelone le 20 avril 1893 d'un père horloger et d'une mère ébéniste est un peintre, sculpteur et céramiste catalan, considéré comme un acteur majeur de l'Art moderne.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Henri Matisse est né au Cateau-Cambrésis le 31 décembre 1869 dans le nord de la France. Il se découvre une passion pour l'art à l'âge de 19 ans. A la fin de son adolescence, tout en travaillant comme greffier, Matisse prend des cours de dessin. Quelques années plus tard, il se met sérieusement à peindre lors d'une longue convalescence due à une opération de l'appendicite. Matisse vient à Paris pour poursuivre ses études de droit (1887-1889), la tentation de peindre devient trop forte et Matisse part étudier en 1891 la peinture dans l'atelier du peintre académique William-Adolphe Bouguereau qu'il quitte pour recevoir l'enseignement du peintre Gustave Moreau (Beaux-Arts) où travaillaient déjà Marquet, Rouault et Manguin.

Si ses premières oeuvres, dont un grand nombre de natures mortes et de paysages, demeurent sombres, sa palette change après des vacances passées en Bretagne. Ses oeuvres s'animent, représentant des personnages baignés par la lumière du soleil et enveloppés de tissus ondoyants. Matisse, marqué parles impressionnistes, expérimente différents styles et techniques pour rendre la lumière. Ce séjour lui fait mieux comprendre les transcriptions luministes des impressionnistes. Il est profondément marqué par les oeuvres d'Édouard Manet, de Paul Cézanne - dont il achète le chef-d'oeuvre " Les Baigneuses" (1890-1892), en 1899-, de Georges-Pierre Seurat et de Paul Signac. Un voyage en Corse, en 1898, achève de le convaincre à la peinture claire et aux accords colorés aigus. De retour à Paris, travaillant dans différentes Académies, il fait la connaissance de Derain, Jean Puy et Laprade. Matissse passe l'été 19O4 à Saint-Tropez, il découvre le procédé dupointillisme, technique nouvelle des points ou des traits courts. En 1905, il s'associe à André Derain. Ensemble, ils voyagent dans le sud de la France pouy étudier les couleurs et la lumière particulières, introuvable ailleurs selon Matisse. A la fin de l'été, il rapporte de Collioure des paysages résolument traités par l'arabesque enserrant des aplats de couleurs pures.

Au Salon d'Automne de 1905, ces œuvres nouvelles et jugées violentes de Matisse sont réunies, dans une même salle, avec celles, issues d'une même recherche de la couleur pure, de Derain, Friesz, Manguin, Rouault, Vlaminck , Dufy , Marquet. Le critique d'art Louis Vauxcelles, déjà à l'origine du mot surnomme la salle où sont exposées ces oeuvres " la cage aux fauves" les artistes sont alors surnommés " les fauves", terme évoquant la bestialité et la sauvagerie, les accusant de primitivisme. Les visiteurs de l'exposition sont choqués par l'usage " sauvage" de la couleur et par le caractère " barbare" du sujet traité. L'appellation resta mais elle perdit son caractère péjoratif à mesure que la renommée et la respectabilité des artistes grandissaient, et finit même par désigner un véritable mouvement artistique :le fauvisme.

En 1907, Henri Matisse et Pablo Picasso se lient d'amitié. Ils se rencontrent souvent et échangent des tableaux; leurs noms demeurent inexticablement liés aujourd'hui. Ensemble, ils changent l'art du XXème siècle. Matisse n'est pas impressionniste, ni néo-impressionniste, ni même cubiste. Il admire ces écoles, en expérimente les techniques, mais crée son propre style. L'art de Matisse est influencé par Paul Gauguin , Paul Cézanne et de Vincent Van Gogh . Ses toiles, natures mortes et nus féminins, en retrouvent les tons chauds et la construction stricte suivant le plan du tableau. Il fait partie du groupe des fauves, considéré comme l' un des plus grand précurseurs de l'Art Moderne, qui excelle dans l'utilisation des couleurs et des formes pour créer un contenu émotionnel. Il est l'un des peintres les plus estimés et les plus influents de Paris.

Serge Shchukin est l'un des plus importants mécènes de Matisse. Il vient régulièrement à Paris pour acheter tout ce que contient l'atelier de l'artiste et le rapporte en Russie. Riche industriel, il possède un grand palais à Moscou et commande à Matisse deux peintures murales sur les thèmes de la musique et de la danse. Matisse va donc jusqu'à Moscou, où il s'imprègne de l'atmosphère des villes sur son trajet. Excepté un bref voyage au Maroc en 1916, Matisse demeure en France durant une grande partie de la Première Guerre mondiale. Il a quarante-cinq ans lorsque la guerre éclate, il est trop âgé pour aller au combat. En 1917, il décide de quitter Paris et part s'installer à Nice, sur la côte d'Azur. Son style artistique et son utilisation des couleurs s'intensifient, notamment dans ses merveilleuses et sensuelles peintures d'odalisques et ses intérieurs avec des fenêtres largement ouvertes sur le paysage.

En 1925, on lui remet la Légion d'honneur, pour services rendus au monde de l'art. Après avoir subi, en 1941, une opération pour un cancer, Matisse n'est plus capable de peindre et se tenir simplement devant le chevalet lui procure d'atroces douleurs. Il crée alors ses célèbres découpes de papier qu'il réalise, avec de l'aide, depuis un lit ou un fauteuil. Ses assistants doivent peindre des feuilles de papier avec de la gouache vivement colorée. Matisse les découpe et les place sur la toile. Expérimentant par le biais de cette technique un style abstrait et naïf et appréciant particulièrement cette nouvelle pratique, Matisse déclare trouver dans ses découpes plus de plénitude que dans ses peintures ou ses sculptures. Dans ses assemblages de morceaux de papier aux couleurs vives, le dessin devenait la couleur, elle même étant le volume. Il utilise la technique du découpage jusqu'à la fin de sa vie.

Henri Matisse meurt à Nice le 3 Novembre 1954. Deux Musées accueillent les oeuvres de Matisse : le musée Matisse de Nice (Colline Cimiez), entièrement rénové, et celui de Cateau-Cambrésis. Il demeure mondialement célèbre pour sa peinture, sa sculpture et son art graphique, dont ses gouaches " découpées".

" Il y a des fleurs partout pour qui veut bien les voir." Henri Matisse.

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Henri Matisse est né au Cateau-Cambrésis le 31 décembre 1869 dans le nord de la France. Il se découvre une passion pour l'art à l'âge de 19 ans. A la fin de son adolescence, tout en travaillant comme greffier, Matisse prend des cours de dessin.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Le Caravage (29 septembre 1571) est l' un des peintres rebelles les plus admirés de nos jours, car il rassemble toutes les caractéristiques du génie artistique: une personnalité marginale et un talent original, alimenté par l'instabilité, l'excès de boissons, les bagarres, les dettes, la fréquentation d'escrocs, l'emprisonnement, la condamnation pour meurtre, l'errance et une mort prématurée. Sa peinture est celle d'un autodidacte pour une bonne part, mais son naturalisme puissant et nouveau en fait un des plus grands peintres du XVII ème siècle. Initiateur du clair-obscur, il donna son nom à un mouvement, le caravagisme, qui s'étendit à l'ensemble de l'Europe, particulièrement en Espagne et aux Pays-Bas.

Le Caravage, ainsi nommé d'après sa ville natale, même si on ignore toujours s'il est né à Caravaggio (Lombardie) ou à Milan, car bien qu'il ait passé son enfance dans la première de ces villes, son père (mort prématurément de la peste en 1577) travaillait comme architecte dans la seconde à l'époque où il est né. Sa mère meurt quand il est adolescent (1584). Lorsque le Caravage part pour Rome, passant par Venise, Crémone, Milan et Bologne et commence sa carrière, il est non seulement orphelin mais déjà très endetté. Il possède une certaine technique et a une connaissance partielle de la peinture vénitienne, notamment de la lumière et de la couleur. Ses oeuvres de jeunesse sont en majorité des portraits énigmatiques, tel son remarquable autoportrait Bacchus malade ( 1593- 1594). L'artiste vit en exécutant des commandes pour des collectionneurs privés, notamment la Cardinal Francesco Del Monte qui l'héberge dans son palais en 1595.

Vers 1600, le Caravage suscite déjà beaucoup d'admiration, bien que les puristes critiquent son manque d'apprentissage formel et l'absence d'esquisses de préparation, car il dessine directement sur la toile et peint ensuite. Il obtient de prestigieuses commandes de peintures religieuses, telle La Mise au tombeau ( 1602- 1603), mais nombre d'entre elles sont refusées pour leur excès de réalisme. Son approche singulière -ses clairs-obscurs saisissants et la passion exprimée sur ses toiles- émeut les gens du peuple. L'oeuvre du Caravage a toujours déclenché la controverse. Le réalisme de certaines de ses oeuvres est considéré comme blasphématoire par leurs commanditaires ecclésiastiques. La Mort de la Vierge ( 1601- 1606) est rejetée par l'Eglise non seulement parce que son modèle est une prostituée mais aussi parce que le ventre gonflé et les jambes dénudées de la Vierge sont d'un réalisme saisissant. On a beaucoup glossé sur l'homosexualité du Caravage, que nombre de spécialistes jugent être une interprétation moderne erronée.

En 1603, le peintre Giovanni Baglioni, porte plainte contre lui et plusieurs autres artistes pour diffusion de poèmes diffamatoires, Le Caravage est incarcéré le 11 septembre et libéré le 25, grâce à l'intervention de l'ambassadeur de France. En 1604, nouvelle arrestation au mois d'octobre, pour agression envers un gendarme. En mai 1605, le peintre est arrêté pour port d'arme illégal, en juillet une plainte est de nouveau déposé conte lui pour coup et blessures sur un notaire, Mariano Pasqualone, que Caravage blesse gravement au visage avec un poignard. Il s'enfuit à Gènes, puis présente ses excuses et la plainte est retirée. L'artiste revient à Rome et et en 1606, le Caravage doit à nouveau s'enfuir après avoir tué un homme (un certain Ranuccio Tomassoni) en duel, il rejoint Naples, puis Malte et la Sicile.

Malgrés son tempérament sanguin et bagarreur, il continue à recevoir des commandes de collectionneurs privés et explore une nouvelle approche de la peinture plus méditative, sans doute marquée par la culpabilité. Il meurt le 18 juillet 1610, probablement des suites d'une fièvre (Malaria), à l'âge de trente-neuf ans, alors qu'il tente de revenir à Rome pour obtenir sa grâce. Sans qu'il ne l'ait jamais su, celle-ci lui avait déjà été accordée. Il a fallu attendre les travaux de Roberto Longhi à la fin du XIXe pour redécouvrir en lui un des grands réformateurs de la peinture, égarée à la fin du XVIe dans le maniérisme de la Haute Renaissance ou dans les excès baroques de la Contre-réforme. Mais l'Europe du temps du Caravage n'était pas prête à contempler la vérité brute, toute ordinaire et banale à laquelle il voulait faire place dans la peinture.

"Mon métier est celui de peintre. Quand je dis qu'un homme a du talent, je veux dire qu'il réussit dans son art ; ainsi, un peintre de talent est un peintre qui peint bien, et qui imite bien les choses de la nature." Le Caravage.

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Biographie du peintre Michelangelo Merisi da Caravaggio, dit Le Caravage

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Le Caravage (29 septembre 1571) est l' un des peintres rebelles les plus admirés de nos jours, car il rassemble toutes les caractéristiques du génie artistique: une personnalité marginale et un talent original, alimenté par l'instabilité, l'excès de boissons, les bagarres, les dettes, la fréquentation d'escrocs, l'emprisonnement, la condamnation pour meurtre, l'errance et une mort prématurée.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Paul Klee est né à Münchenbuchsee près de Berne en Suisse le 18 décembre 1879 et il est mort en 1940 d'une maladie rare, la sclérodermie, où la peau et les tissus se dessèchent et durcissent.

Son père, Hans, et sa mère, qui étaient musiciens, lui inculquèrent l'art du violon à Berne. Après ses études, bien qu'il hésitât entre la musique et les arts plastiques, il s'inscrivit à l'Académie de Munich où il travailla à partir de 1900 l'anatomie avec Franz Stuck. Les œuvres de ces premières années témoignent d'un effort intense pour se libérer de la tradition. Il introduit peu à peu le clair-obscur et s'essaie à la couleur, notamment dans le portrait de sa Sœur (1903, Berne, K. M. fondation Paul Klee). Klee est alors unartiste symboliste et son art, déjà original, se situe néanmoins dans la suite de Max Klinger et d'Alfred Kubin. Après son mariage avec la pianiste Lily Stumpf, le ménage s'installe à Munich ; leur fils Félix naît en 1907. Au cours de son voyage en Allemagne, Klee avait découvert Rembrandt et Grünewald ; une série d'expositions en 1908 et en 1909 lui révélerontVan Gogh et Cézanne, " le maître par excellence ", tandis qu'il étudie passionnément les gravures de Blake, de et d'Ensor. En 1910, le musée de Berne présente sa première exposition : 56 dessins, gravures et " sous-verre" ; 1911 fut une année décisive : constitution du " Cavalier Bleu" (Blaue Reiter), dont les théories confirmeront ses investigations personnelles ; rencontre deKandinsky , de Franz Marc, de Jawlensky, d'Arp ; enfin découverte du Cubisme (Picasso , Braque ). Il commencera également de tenir un catalogue précis de ses œuvres depuis 1899, document essentiel pour la connaissance de ses premiers travaux.

En 1914 en compagnie de Macke et de Moilliet, Klee se rend à Tunis, ce voyage est pour lui une révélation, il y découvre la lumière et les couleurs, cette vision marquera son oeuvre. À son retour, il note dans son journal : " La couleur a pris possession de moi ; je n'ai plus à la chercher, je sais qu'elle m'a pris pour toujours... La couleur et moi ne font qu'un. Je suis un peintre." ( Coupoles rouges et blanches, 1914). Avec le départ de Kandinsky pour Moscou, la mort de Macke en 1914 et celle de Marc en 1916, la guerre brisa son cercle d'amis. Malgré sa mobilisation, il put partiellement poursuivre son travail, tandis que sa renommée allait croissant. En Novembre 1920, l'architecte allemand Walter Gropius propose à Klee de collaborer à
l'enseignement du Staatliches Bauhaus, sorte d'institut des arts et des métiers fondé par ce dernier en avril 1919 à Weimar. De 1921 à 1924, Klee y enseigne dans la branche de la peinture sur verre, puis du tissage. Plus tard, il se verra confier personnellement un cours de peinture, en collaboration avec Kandinsky, il donne des leçons régulières sur la forme. En 1931, il quitte son poste au Bauhaus et travaille ensuite pour l'Académie de Düsseldorf, mais en 1933 les nazis le destitue en l'accusant de " bolchevisme culturel" et en qualifiant son art de " dégénéré".

Il décide alors de rentrer dans sa ville natale de Berne. En 1935, une importante exposition de ses oeuvres à lieu. En 1936, les premiers signes de sa maladie apparaissent, il commence à faiblir et ne peint presque pas cette année. Ses dernières oeuvres sont remplies d'angoisse, de tristesse et la mort y est omniprésente, mais dans ses derniers jours une certaine gaieté, un certain apaisement se retrouve dans ses toiles ( l'Armoire et Nature morte, 1940). Ses dernières compositions sont d'une grande sobrièté, les couleurs et les matériaux sont utilisés brut et mis en valeur par des signes mystérieux et des personnages tutélaires. Le 29 juin 1940, Klee s'éteint à Muralto près de Locarno à l'âge de 61 ans. En marge des grands courants de l'art du XXe siècle, mais participant à la fois du et duSurréalisme, de l'Expressionnisme et de l'Abstraction, la situation de Paul Klee est exceptionnelle par l'intérêt suscité dans le milieu restreint de l'art d'avant-garde et, après 1960, dans le public.

" Avec le zèle d'une abeille, je récolte dans la nature les formes et les perspectives". Paul Klee.

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Paul Klee est né à Münchenbuchsee près de Berne en Suisse le 18 décembre 1879 et il est mort en 1940 d'une maladie rare, la sclérodermie, où la peau et les tissus se dessèchent et durcissent. Son père, Hans, et sa mère, qui étaient musiciens, lui inculquèrent l'art du violon à Berne.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Wassily Kandinsky (Vasily Vasilyevich Kandinsky) peintre français d'origine russe (1866-1944), est le fondateur de l'art abstrait. Il est généralement considéré comme étant l'auteur de la première œuvre non figurative qu'on appellera abstraite de l'histoire de l'art moderne, une aquarelle peinte en 1910. Mais on soupçonne Kandinsky d'avoir antidaté le tableau peut-être afin d'être considéré comme le créateur del'art abstrait.

Né en 1866 a Moscou dans une famille cultivée, il s'intéresse dans sa jeunesse tant à la musique qu'à la peinture et aux arts traditionnels russes, Kandinsky fait des études de droit et d'économie de 1886 a 1892. Puis il décida d'abandonner sa carrière juridique et de commencer des études de peinture (dessin d'après modèle, croquis et anatomie) à l'âge de 30 ans.

Il découvre Rembrandt, puis plus tardl'Impressionnisme (le tableau de , Les Meules, est exposé à Moscou en 1895) " Je n'ai pas tout de suite reconnu le sujet de cette peinture, racontera-t-il. Cette incompréhension me troublait et m'agaçait. Je sentais sourdement que le sujet manquait dans cette œuvre, mais je constatais aussi qu'il s'en dégageait la puissance d'une palette qui dépassait tous mes rêves. Le sujet n'était donc pas indispensable au tableau". Kandinsky vient d'avoir la première révélation des possibilités d'une peinture non figurative.

Il part étudier la peinture a Munich (l'Académie des Beaux-arts ) , puis effectue une serie de voyages (France, Hollande, Tunisie, Italie, Russie) ou il rencontre Cézanne, et . Lorsque Kandinsky retourne à Munich' il peint avec une hardiesse proche du mais parvient rapidement à une simplification trés personnelle des formes, assortie de couleurs denses.

Avant la Première Guerre mondiale, Kandinsky brosse des toiles abstraites sereines aux couleurs fruitées, mais le début des hostilités s'accompagne de peintures tourmentées. Réfugié dans une datcha à Moscou, il cesse par deux fois de peindre, d'août 1914 à janvier 1916, puis d'octobre 1917 à juin 1919. Sans atelier, sans projet d'exposition, il réalise dessins et aquarelles de petit format qui serviront de socle à son travail postérieur.

En 1921, lassé de l'opposition des artistes d'avant-garde, il quitte l'URSS et accepte d'enseigner au Bauhaus de Weimar (école d'architechture et des Arts), où il publie Punkt und Linie zu Fläche ( Point et ligne sur plan, 1926) dans lequel il réuni ses réflexions sur l'univers de la forme et celui de la couleur. Ses toiles d'après-guerre respirent l'espoir de renouveau suscité par la révolution russe, puis son départ pour l'Allemagne. Elles sont aérées, ludiques, émaillées de courbes audacieuses.

Mais en 1933, sa peinture est condamnée par le régime nazi, et l'artiste s'installe en France à Neuilly-sur-Seine (il prend la nationalité francaise) , où il meurt en 1944 à l'âge de 78 ans. Ses dernières toiles , évoquent une atmosphère irréelle peuplée d'êtres microscopiques, ressemblant à des formes organiques vues sous le microscope ( Bleu ciel, 1940).

Kandinsky est, aux côtés de ou Malevitch, l'un des premiers peintres et théoriciens de la peinture abstraite, de plus il a annoncé l'expressionnisme abstrait. De ses compositions assez simples se dégage une puissante beauté qui fascine le spectateur, il souhaitait que sa peinture fasse appel à " la nécessité intérieure", la sensibilité dépassant la raison.

Wassily Kandinsky (1866-1944) est certainement l' un des artistes le plus important de la première moitié du Xxe siècle. A la fois peintre et théoricien, Kandisky a donner une nouvelle définition aux formes et aux couleurs. Après sa mort, sa femme, Nina Kandinsky, a lèguée l'ensemble des oeuvres en sa possession au Centre Georges Pompidou (Paris), où l'on peut voir la plus grande collection de ses peintures.

" La peinture est le heurt grondant de mondes différents destinés à créer dans et par leur combat le monde nouveau qu'on nomme l'œuvre. Chaque œuvre naît, du point de vue technique, exactement comme naquit le cosmos... par des catastrophes qui, à partir des grondements chaotiques des instruments, finissent par faire une symphonie qu'on nomme musique des sphères. La création d'une œuvre, c'est la création du monde". Wassily Kandinsky.

Source: Sud Ouest.

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Wassily Kandinsky (Vasily Vasilyevich Kandinsky) peintre français d'origine russe (1866-1944), est le fondateur de l'art abstrait. Il est généralement considéré comme étant l'auteur de la première œuvre non figurative qu'on appellera abstraite de l'histoire de l'art moderne, une aquarelle peinte en 1910.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Jean Auguste Dominique Ingres né à Montauban le 29 aout 1780 en Tarn-et-Garonne dans le sud-ouest de la France, il fit très jeune preuve d'un grand talent pour le dessin qu'encouragea son père, sculpteur ornemaniste et miniaturiste. Après avoir étudié à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Toulouse, il monta à Paris à l'âge de 17 ans où il devint l'élève de Jacques-Louis David peintre néoclassique.

En 1801, il obtint le Prix de Rome avec son oeuvre intitulée "la " Les Ambassadeurs d'Agamemnon" mais ne partit pour l'Italie qu'en 1806. Pensionnaire à la Villa Médicis pendant 4 ans, il découvrit Raphaël mais aussi la peinture antique, à travers l'étude des vases grecs. Les oeuvres qu'il peignit alors renferment déjà toutes les caractéristiques de son style : goût du détail, observation précise du modèle et amour de la ligne qu'il déforme jusqu'à l'arabesque (" Jupiter et Thétis", 1811 ; Baigneuse" dite " Valpinçon", 1808).

Ses envois étant mal reçus à Paris, Ingres décida de prolonger son séjour en Italie (il vivra en tout 25 ans en Italie) et pour vivre, exécuta de nombreux dessins qui affirmèrent sa réputation déjà très sûre de dessinateur. Il exécuta de nombreux portraits (Baudelaire, parlait, pour ceux-ci de " rigueur de chirurgien"), et il produisit aussi des paysages et des sujets historiques. Présenté au Salon de 1824 le " Voeu de Louis XIII", permit à Ingres de trouver enfin les faveurs du public parisien. Le retour d'Ingres à Paris est marqué par les honneurs et la gloire ; Ingres est promu par la critique, chef de file du courant néoclassique qui s'oppose alors au jeune mouvement romantique mené par Eugène Delacroix et Théodore Géricault.

Nommé membre de l'Institut, il ouvrit un atelier à Paris qui devint très célèbre, se posant comme le défenseur du néoclassicisme contre les partisans du romantisme, prônant la copie des antiques et inculquant à ses élèves l'amour du dessin. Il mourut adulé, le 14 janvier 1867, après avoir donné quelques derniers chefs-d'oeuvre comme "" (1856) et " Le bain turc " (1862) qui représente une foule de femmes nues dans un harem et qui a longtemps appartenu à une collection privée constituée de tableaux érotiques...

À sa mort, Ingres est enterré au cimetière du Père-Lachaise à Paris. Il lègue la majeure partie de son œuvre dont 4000 dessins à la ville de Montauban qui fait de son ancien atelier le musée Ingres. Les portraits de Ingres constituent aujourd'hui pour nous un inégalable miroir de la société bourgeoise de son temps, de l'esprit et des moeurs de cette classe. Ce peintre inclassable, exemple d'originalité et de créativité, a influencé de nombreux artistes modernes comme , Renoir ou encore .

" L'expression en peinture exige une très grande science du dessin ; car l'expression ne peut être bonne si elle n'a été formulée avec justesse absolue. Ne la saisir qu'à peu près, c'est la manquer ; c'est ne représenter que des gens faux qui s'étudieraient à contrefaire des sentiments qu'ils n'éprouvent pas. On ne peut parvenir à cette extrême précision que par le plus sûr talent dans le dessin. Aussi les peintres d'expression, parmi les modernes, ont-ils été les plus grands dessinateurs. Voyez Raphaël." Jean Auguste Dominique Ingres.

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Biographie du peintre Jean Auguste Dominique Ingres

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Jean Auguste Dominique Ingres né à Montauban le 29 aout 1780 en Tarn-et-Garonne dans le sud-ouest de la France, il fit très jeune preuve d'un grand talent pour le dessin qu'encouragea son père, sculpteur ornemaniste et miniaturiste.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Keith Haring est né le 4 mai 1958 en Pennsylvannie, aux Etats- Unis. Adolescent, il écoute Aerosmith, les Beatles, et consomme drogues et alcool, ce qui ne l'empêche pas d'être déjà très doué pour le dessin. Ses parents et professeurs l'encouragent vivement à continuer dans cette voie. À 18 ans il commence donc des études de graphisme commercial à Pittsburgh puis continue à l'école des Arts Visuels de New York.

Après ses études, il découvre la culture alternative des années 1980 qui, hors des galeries et des musées, développe son expression sur de nouveaux territoires (rues, métros, panneaux publicitaires, entrepôts...), la ville devient un immense terrain de jeu! Il y dessinera des milliers de dessins à la craie blanche, ce qui lui vaudra plusieurs arrestations de la police. L'un de ses plus célèbres dessins, son " bébé rayonnant", apparaît à cette époque. Haring fait parfois une quarantaine de dessins par jour dans le métro. Les espaces souterrains deviennent un laboratoire pour ses idées et ses expérimentations.

Il s'exprimait dans la rue parce qu'il voulait que son art soit universel et accessible à tous, ce qui lui vaudra d'être aussi connu à l'intérieur qu'à l'extérieur du système de l' art traditionnel. Il devient alors une figure majeure et côtoie des artistes de la vie underground new-yorkaise tels Kenny Scharf et Jean-Michel Basquiat avec qui il devient ami. Il expose ensuite dans plusieurs galeries new-yorkaises, notamment chez Léo Castelli qui gère ses premiers pas dans l' univers artistique. Une exposition dans la galerie Tony ShafraziIl et le voilà mondialement connu et reconnu. Il part également peindre sur le mur de Berlin et réalise la fresque de l'hôpital Necker à Paris (enfants malades).

Le style de Keith Haring est reconnaissable par ses formes simplifiées (des croix, des spirales, des points et des cercles) soulignées de noir avec des couleurs vives, ses personnages inspirés des cultures chinoise (calligraphie), japonaise (estampes) et africaine (les masques) aux poses souvent suggestives et par l'aspect général de ses tableaux ressemblant à un puzzle que le spectateur doit s'efforcer de déchiffrer pour comprendre le message qui en sort. Des dessins proches de la bande dessinée, formés à partir d'une ligne continue et représentant des symboles explicites : un bébé à quatre pattes pour incarner la vie, la joie ou l'espoir, un ordinateur ou une télévision pour dénoncer la technologie déshumanisante, un serpent pour exprimer une menace, ou encore une pyramide, en référence aux civilisations anciennes. Keith Haring voulait faire un art universel en utilisant tous les supports inimaginables, il a construit une langue faite de symboles qui viennent de ses histoires personnelles. Mais il ne voulait pas que ses oeuvres aient une interprétation unique et c'est pour cela qu'elles n'ont pas de titres.

En 1988, il apprend qu'il est atteint du Sida. Il s'engage dès lors fortement dans la lutte contre cette maladie, mettant tout son art et sa notoriété au service de cette cause et de sa visibilité. Il luttait aussi contre le racisme, le pouvoir de l'argent, contre la drogue et pour les droits de l'enfant. Avant sa mort en 1990, l'artiste a fondé la Keith Haring Foundation afin de poursuivre son soutien aux organisations pour enfants et de lutte contre le sida. Il meurt à l'âge de 31 ans en février 1990.

Les oeuvres de Keith Haring se vendent aujourd'hui entre 300.000 et 2,8 millions d'euros. Plus de 168.000 visiteurs sont venus admirer ses tableaux au Musée d'art contemporain de Lyon de février à juillet (2008).

" La meilleure raison de peindre est qu'il n'y a pas de raison de peindre...J'aimerai pouvoir dire que je n'ai jamais rien vu, ni lu, ni entendu...et puis faire quelque chose... Chaque fois que je fais quelque chose je pense aux gens qui iront le voir et chaque fois que je vois quelque chose, je pense à la personne qui l'a fait...Rien n'est important...donc tout est important." Keith Haring.

Source: RTL Info.

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Keith Haring est né le 4 mai 1958 en Pennsylvannie, aux Etats- Unis. Adolescent, il écoute Aerosmith, les Beatles, et consomme drogues et alcool, ce qui ne l'empêche pas d'être déjà très doué pour le dessin. Ses parents et professeurs l'encouragent vivement à continuer dans cette voie.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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A une pérégrination entre les mondes : voilà à quoi ressemblent la vie et l'oeuvre de Paul Gauguin. L'artiste présente à sa propre civilisation qu'il méprisait le miroir d'une vie primitive et sauvage où règne une harmonie naïve, comme la promesse d'un paradis accessible. Or, lui-même est le premier à avoir cru à ce paradis qu'il pensa trouver sous les tropiques.

Tout cela fait de Gauguin un défricheur du modernisme dans l'Art : il ouvre en effet la voie au primitivisme et il est l'un des premiers à mettre à l'unisson sa vie et son oeuvre.

Gauguin ne découvre pourtant sa vocation que tardivement. Auparavant, il parcourt le monde comme matelot. Déjà, plus jeune, il avait vécu au Pérou, chez son grand-père. Mais à 25 ans il décide de s'installer et mène une vie bourgeoise : il se marie, a 5 enfants et s'enrichit en spéculant en bourse. Puis il rejette cette vie trop matérialiste, cette prison dorée, pour vivre en marginal et mener une critique systématique de la civilisation occidentale. Comme le philosophe Rousseau, il pensait trouver le bonheur en fuyant le monde et en retournant à la nature primitive.

Mais Gauguin entreprend aussi cette quête d'un paradis perdu par pur calcul : ce rêve, il le partage avec beaucoup d'Européens. On peut parler à l'époque d'un effet de mode dont Gauguin espère tirer le meilleur parti pour être reconnu comme un grand artiste et vendre ses toiles. Ainsi Gauguin restera-t-il toute sa vie, même isolé à Tahiti, un marchand.

Gauguin a donc plus de 30 ans lorsqu'il rejoint le cercle des impressionnistes. Cependant, il ne rencontre pas la reconnaissance espérée et vivra longtemps dans la misère. Il se retire ainsi en Bretagne où la vie est moins chère. Il s'installe dans le petit village de Pont-Aven. Des peintres viennent le rejoindre et il prend la tête de ce petit groupe. En Bretagne, le style de Gauguin se précise : sa ligne stable et solide qui donne son contour aux sujets les plus importants l'éloignent des impressionnistes.

Mais Gauguin ressent à nouveau le désir de fuir : ce sera les tropiques, Panama puis la Martinique. Là, sous le soleil des tropiques, ses couleurs gagnent naturellement une nouvelle puissance lumineuse.

Il revient cependant assez vite en France et à Pont-Aven. Poursuivant sur ce chemin qui s'ouvrait devant lui, il développe un style très personnel, tournant le dos à l'impressionnisme. Avec le peintre Emile Bernard, il invente le Cloisonnisme : toutes les surfaces sont marquées d'épais contours. Ces oeuvres y gagnent un aspect plus abstrait et plus décoratif. Il s'inspire alors tout autant de l'art médiéval (vitraux) que des estampes japonaises.

Le tableau La Vision après le sermont ou la Lutte de Jacob avec l'Ange montre cette double influence. Un tronc d'arbre structure le tableau, le partageant en deux, suivant la diagonale descendante, à la manière des estampes japonaises. Il sépare des femmes en tenue bretonne au premier plan qui songent au sermon qu'elles viennent d'entendre et leur vision à l'arrière-plan. Bref, sont associées une scène du quotidien et une scène surnaturelle, la réalité et la rêve. De plus, la lutte entre Jacob et l'Ange est inspiré par la peinture chrétienne du Moyen-Age. Le tout est sublimé par la couleur rouge et les forts contrastes. Ici, l'objectif de Gauguin est moins de représenter la réalité que d'inspirer des sentiments. Il sera pour cela beaucoup critiqués par les purs impressionnistes dont le but premier était d'imiter la nature.

En 1888, Paul Gauguin rejoint Vincent Van Gogh à Arles, en Provence. Il espère ainsi mettre un terme à ses problèmes financiers puisque le frère de Vincent, Théo Van Gogh, lui promet de l'entretenir. Cependant l'expérience tourne mal.

Il retourne alors en Bretagne et poursuit ses expérimentations. Le Christ jaune représente de nouveau une vision : un crucifix devant des femmes en prière. Les coloris extrêmes, du jaune au rouge, confèrent au tableau un aspect surnaturel. De plus, le Christ qui souffre fait aussi écho à l'artiste souffrant pour créer son oeuvre. Les impressionnistes, de nouveau, ne comprennent pas cette oeuvre : alors que les impressionnistes voulaient révolutionner la peinture allant toujours plus loin dans la nouveauté, Gauguin lui se réfugie dans les croyances, les mythes, un passé idéalisé. Révolutionner l'Art en revenant à ses sources, tel était son souhait.

Il finit par rejoindre le groupe des Symbolistes. Ceux-ci ne veulent plus simplement représenter la réalité mais révéler son sens profond. Les tableaux de ces artistes doivent donc mettre en forme une idée et la révéler indirectement. De plus, l'oeuvre doit être avant tout décorative, comme l'était à l'origine les peintures égyptiennes.

Mais Gauguin pense avant tout à ce paradis perdu. En 1891, il part pour Tahiti. Là-bas, il tourne le dos aux colons français : il entend vivre parmi les indigènes polynésiens et découvrir leur culture. Bien sûr, Gauguin est déçu : Tahiti n'est pas un paradis. Mais il s'attèle dans ses tableaux à représenter un monde meilleur, rejetant tout aspect négatif et restant fidèle à ses idéaux naïfs. La nature et l'Homme sont censés se confondre dans les coloris réjouissants des motifs abstraits. Tous les sens sont interpellés. Des objets typiques sont intégrés au tableau. Dans le tableau , Gauguin reprend le langage visuel schématique de l'Egypte ancienne. Pour peindre un peuple primitif, il fait le choix d'utiliser une représentation primitive.

Par cette naïveté, Gauguin répond ainsi aux attentes de ses clients européens qu'il prétendait tant mépriser. Le peintre connaît cependant des difficultés : l'élan créateur attendu fait défaut et il peint peu. Son style n'évolue plus. Son humeur est morose. Son porte-monnaie est vide, et même au paradis, il souffre de ne pas avoir plus d'argent. De plus, sa santé vacille : il doit faire face à des problèmes cardiaques et est très fatigué.

En 1893, il décide alors de rentrer à Paris. Dans la capitale, il pense dans un premier temps qu'enfin, la reconnaissance est à l'ordre du jour. Il a vendu de très nombreux tableaux pendant son absence. De plus, il met en place un atelier qu'il décore avec des objets exotiques ramenés de Tahiti et accueille de nombreux artistes. Cependant, le public n'adhère que modérement : " pour amuser vos enfants, envoyez-les à l'exposition Gauguin" écrit un critique. Il est intéressant de noter qu'en voulant trouver un style primitif, plus naïf, l'artiste est accusé de faire un travail d'enfant : c'était en quelque sorte son but!

Et les ennuis s'accumulent. De retour en Bretagne, il n'y retrouve pas ses amis, tous partis. Au cours d'une bagarre, il se casse la cheville et finit à l'hôpital. Le procès qui suit tourne à son désavantage. De même, il ne parvient pas à récupérer l'argent de la vente de ses tableaux. Il organise alors une vente aux enchères qui s'avère être un fiasco : aucun tableau n'est vendu. Gauguin se sent abandonné de tous. Fâché, fauché, il fait ses bagages et repart sans avertir personne à Tahiti en 1895.

Il se voit alors dans la peau d' un artiste incompris et insoumis : " on gravit son calvaire en riant, les jambes tremblent sous le poids de la croix ; en haut, on grince des dents, puis on se venge à nouveau d'un sourire". Il se soucie alors beaucoup moins de plaire au public européen et renonce à tout compromis artistique. Il peint maintenant avec amour un entourage qui s'adonne à un farniente dont la société occidentale et lui-même sont incapables.

Mais à nouveau l'argent manque cruellement et les ennuis de santé se multiplient. La dépression menace et il commence à songer à se suicider. Lançant un ultimatum au destin, il se donne quelques mois pour redresser la barre, ou il mettra fin à ses jours. C'est alors qu'il rassemble toutes ses forces pour réaliser un tableau grand format afin de montrer au monde quel génie il n'avait pas su reconnaître.

Il s'agit de D'où venons-nous? Qui sommes-nous? Où allons-nous? . Ainsi se cotoient sur la même toile (comme dans la peinture médiévale) plusieurs scènes représentant la naissance ; la vieillesse, un couple d'amoureux, une étrange statut. Gauguin le primitif veut transmettre une idée : la vie est un mystère incompréhensible, impénétrable.

Une fois cette oeuvre achevée, l'artiste se retire à la montagne pour se suicider. Mais sa tentative échoue et il finit à l'hôpital. Heureusement, en Europe, quelqu'un a acheté sa dernière oeuvre (D'où venons-nous?...). Ses problèmes d'argent sont pour l'instant en partie résolus et Gauguin recommence à peindre son paradis exotique comme si de rien n'était.

Et voilà qu'un collectionneur lui propose un soutien financier constant en échange de ses tableaux! Peut-être parviendra-t-il alors à trouver la paix! C'est sans compter sur son caractère sanguin. Avec l'argent, il fonde un journal et critique le système colonial. Il doit alors faire face à de nombreux procès pour diffamation. C'est comme si Gauguin, irritable, impétueux, ne pouvait s'empêcher de se fâcher avec tout ce qui symbolise ce monde bourgeois, cette civilisation occidentale qu'il onissait.

En 1901, il décide alors de fuir, de nouveau, vers les Marquises. Mais là encore, il se fâche avec l'Eglise locale, avec le fisc, et les procès recommencent. Le tableau Contes barbares montre à quel point le changement d'humeur de Gauguin s'est emparé de ses sujets habituellement nourris de naïveté. La présence d'un Européen à la mine menaçante semble invoquer la menace que la culture occidentale fait peser sur le monde rêvé : un démon s'est introduit au paradis. De plus, il s'agit pour Gauguin de faire le bilan de sa vie parmi les indigènes : lui qui voulait redevenir un sauvage est bien obligé de constater qu'il ne peut renier sa culture, ses origines. Il ne sera jamais un Maori authentique.

Surtout qu'il est condamné pour fraude fiscale à 3 mois de prison et une forte amende. " Toutes ces préoccupations me tuent", écrit-il. Et en effet, il meurt peu après (1903). Quelques jours avant sa mort, il avait reçu une lettre d'un des ces collectionneurs: " Vous êtes en ce moment cet artiste inouï, légendaire, qui du fond de l'Océanie envoie ses oeuvres déconcertantes, inimitables, oeuvres définitives d'un grand homme, pour ainsi dire disparu du monde. Bref, vous êtes passé dans l'Histoire de l'Art".

Sa mort coïncide donc avec le début du triomphe qu'il avait tant attendu, au sein de cette société européenne qu'il haïssait.

" Comment voyez-vous cet arbre ? Il est bien vert ? Mettez donc du vert, le plus beau vert de votre palette ; et cette ombre, plutôt bleue ? Ne craignez pas de la peindre aussi bleue que possible." Paul Gauguin.

Source : Histoire de l'art delteil.

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A une pérégrination entre les mondes : voilà à quoi ressemblent la vie et l'oeuvre de Paul Gauguin. L'artiste présente à sa propre civilisation qu'il méprisait le miroir d'une vie primitive et sauvage où règne une harmonie naïve, comme la promesse d'un paradis accessible.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Antoni Gaudi naît au " Mas de la Caldera", dans la ville de Riudoms, à quelques kilomètres de Reus, dans la province de Tarragone, le 25 juin 1852 (Espagne). Après quelques études scientifiques, il entre, en 1873, à l'Ecole Provinciale d'Architecture de Barcelone où il obtient son diplôme en 1878. Il est alors âgé de 26 ans et entre en formation chez Josep Fontsere I Mestres à qui l'on doit, notamment, le premier plan urbanistique que la ville de Lérida (ndlr Lleida en Catalan), en 1865. Fontsere I Mestres est chargé d'aménager le Parc de la Ciutadella, en plein cœur de Barcelone, et Gaudi collabore à ce projet d'envergure avec son Maître. Le chantier durera 45 ans, de 1877 à 1922, il permettra surtout à Antoni Gaudi de se faire un nom. En parallèle, il signe seul ses premières réalisations modestes : des réverbères.

Gaudi est un touche à tout, il dessine les plans de bâtiments ou d'espaces publics comme il réalise les schémas d'objets de la vie courante, de meubles... avec pour fil conducteur l'Art Déco, l'Art Nouveau et le Modernisme dont il est un des chantres incontestés. Bien qu'il ait exporté son talent vers d'autres provinces ibères, la majeure partie de l'œuvre gaudienne se trouve à Barcelone. La raison principale en est purement économique. En effet, Gaudi a bénéficié d'une situation florissante en Catalogne au début du 20ème siècle. Sous le patronage d'une classe moyenne et d'une bourgeoisie puissantes, Barcelone va connaître un fort développement urbain, la Renaixença. Gaudi, qui depuis près de 25 ans s'érige en chef de file de l'architecture catalane, se voit confier une dizaine de missions de réaménagement. En outre, le Comte Eusebio Guell s'est pris d'admiration pour son travail. Dès 1885, ce dernier demande à Gaudi de réaliser, pour lui, une habitation hors du commun. Usant d'un savant mélange de marbre, de pierre, de fer forgé et de céramique, Gaudi réalise le Palau Guell qui, s'il témoigne déjà d'un style propre, reste inspiré d'une architecture espagnole classique mâtinée d'inspiration mauresque...

Le projet le plus fou de Gaudi est, assurément, le temple expiatoire de la Sagrada Familia (ndlr La Sainte Famille). Débutée en 1882, par un autre architecte, la majestueuse cathédrale est récupérée par Gaudi l'année suivante. Laissant libre cours à son génie, il imagine un édifice religieux à ciel ouvert - afin d'être plus proche de Dieu - fait de 18 tours (une pour chacun des 12 apôtres, quatre pour les évangiles, une pour la Vierge et la plus haute, qui culmine à 170 mètres, pour symboliser le Christ) et de quatre façades dédiées à des scènes précises de la Bible comme la Nativité ou la Passion... Là encore Gaudi se laisse aller à mélanger divers styles : le gothique qui seyait au temps des cathédrales, le romantique espagnol auxquels il adjoint des éléments etsurréalistes. Les seize dernières années de la vie de Gaudi seront uniquement consacrées à ce temple qui représente, dans l'imaginaire collectif, l'œuvre majeure de l'architecte de Riudoms...

L'aube du 20ème siècle est vouée à l'urbanisme de la ville de Barcelone. À la demande d'Eusebio Guell, Gaudi entame un parc, sur les hauteurs de Barcelone. Ce parc se voulait lieu social avec une vingtaine de logements et quelques commerces de proximité. Dans l'esprit de Guell, il est tout à fait imaginable de faire du social tout en préservant l'esthétisme... Elaboré entre 1900 et 1914, le parc ne sera jamais achevé faute de moyens financiers. Il reste, aujourd'hui le Parc Guell où trônent deux habitations, qui ressemblent aux maisons en pain d'épice d'Hansel et Gretel, des bancs serpentant véritable ode au trencadis - l'art de la mosaïque - et une salle hypostyle, qui devait servir d'agora, faite de cent colonnes sur lesquelles repose un plafond lui aussi recouvert de trencadis... Le Parc Guell est classé patrimoine historique par l'UNESCO.

Les habitations privées signées Gaudi fleurissent dans la partie nouvelle de Barcelone ; La Pedrera (ou Casa Milà), la Casa Batllo, la Casa Viçens,... sont autant de chefs d'oeuvres architecturaux qui font de Barcelone la perle de l'urbanisme moderne du 20ème siècle. Gaudi y développe son style fait de pierre, de fer forgé et de mosaïque. Si les formes ondulées de la Pedrera font de cet édifice un régal pour l'œil, la Casa Batllo est, sans conteste, la réalisation la plus remarquable du Maître catalan. A la beauté des formes et à l'esthétisme des matériaux, Gaudi ajoute la touche de génie supplémentaire qui font de cette maison un bâtiment largement en avance sur son temps. Meubles sculptés dans la masse, système d'air refroidi et renouvelé, vitrage à deux épaisseurs afin de protéger les locataires du bruit inhérent à la modernité grandissante émanant du Passeig de Gracia sur lequel la Casa Battlo est édifiée, de grands espaces intérieurs voués à la clarté... Tout ce que les designers d'aujourd'hui s'imaginent avoir inventé pour concevoir un aménagement intérieur de qualité...

A partir de 1910, Gaudi qui a assis sa renommée et acquis une fortune suffisante, n'entend plus se consacrer qu'à un seul projet :la Sagrada Familia. 28 ans après le début du chantier, les travaux sont loins, très loin, d'avoir pris une tournure définitive. Notre homme sait qu'il n'en verra d'ailleurs pas la fin! D'autant moins que par un beau matin du mois de juin 1926, Antoni Gaudi est renversé par un tram. Il décédera quelques jours plus tard laissant à la postérité une œuvre formidable, unique et gravée à jamais dans l'esprit de Barcelone.

Pendant près des cinquante années que dura sa carrière, Antoni Gaudi développa une vision de l'architecture qui ne se résumait pas à construire des murs et y poser un toit. Pour Gaudi, l'aménagement intérieur est forcément lié à la construction extérieure. L'un ne va pas sans l'autre, comment pourrait-il d'ailleurs en aller autrement, puisque toute construction fait un tout indissociable. Impensable pour Gaudi de voir l'aménagement intérieur d'un de ses édifices confié à quelqu'un qui aurait pu avoir une vision ou une interprétation différente de la sienne. Ainsi pendant un demi-siècle, il aura fait appel à maints artisans catalans qui créeront meubles, pièces d'horlogerie, vaisselle, éléments de plomberie ou de menuiserie,... imaginés et dessinés par le Maître.

Beaucoup d'architectes de grand talent ont contribué au développement urbains des cités, parmi eux on peut citer Violet-Leduc, Le Corbusier, Horta, Buckminster-Fuller, Wright, Piano ou Niemeyer... mais Antoni Gaudi est tout de même à part, il a su allier une touche de folie et de mysticisme à son génie créatif ! Gaudi et Barcelone, c'est une histoire d'amour.

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Antoni Gaudi naît au " Mas de la Caldera", dans la ville de Riudoms, à quelques kilomètres de Reus, dans la province de Tarragone, le 25 juin 1852 (Espagne). Après quelques études scientifiques, il entre, en 1873, à l'Ecole Provinciale d'Architecture de Barcelone où il obtient son diplôme en 1878.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Eugène Delacroix, né le 26 avril 1798 à Charenton-Saint-Maurice (Seine), décédé à Paris le 13 août 1863 de la tuberculose (il repose au cimetière du Père-Lachaise), est un peintre français majeur du mouvement romantique, apparu, en peinture, au début du XIXe siècle. Grand peintre très inspiré par la mythologie, la littérature et l'histoire, Eugène Delacroix a laissé une oeuvre importante avec plus de 800 toiles et fresques et des milliers de dessins, pastels et lavis. Plusieurs œuvres de Delacroix sont exposées au musée du Louvre et le dernier appartement qu'il a habité à partir de 1857, rue Furstenberg à Paris, abrite aujourd'hui le musée national Eugène-Delacroix.

Le jeune Eugène fréquente le Lycée Impérial où il exprime dès lors son talent pour le dessin et la peinture. Delacroix fut élève de Pierre-Narcisse Guérin qui est un ancien élève de David et un peintre académique de renom, d'abord en atelier privé, ensuite à l' École des Beaux-Arts. Il privilégie d'abord la copie des grands maîtres ( Velasquez, Rembrandt, Véronèse, Rubens) pour en déceler leur secret, puis il se libère de ce travail en découvrant l' aquarelle en Angleterre. Durant son court séjour anglais, il étudie le grand peintre paysagiste Constable. Il fait ses débuts professionnels dans la peinture en 1819 en décorant quelques salles-à-manger. En 1822, Delacroix âgé de 24 ans, expose pour la première fois au Salon une toile: " Dante et Virgile aux enfers", qui sera plus ou moins appréciée, mais qui sera achetée par l'Etat. Delacroix abandonne bientôt la tradition académique, sacrifie le dessin à la couleur, et, suivant un mouvement semblable à celui qui s'accomplissait alors dans la poésie, produisit une foule d'œuvres fort admirées des uns, fort critiquées par d'autres, qui firent de lui le chef de l' école romantique en peinture, et dont les incontestables mérites lui ouvrirent, après bien des résistances, les portes de l'Institut de France (1857): Après 7 tentatives et 20 ans d'attente.

Il est surtout l'artiste emblématique du romantisme en peinture. Souvent opposé à Ingres, considéré comme néoclassique, notamment par les critiques des différents salons où ils exposèrent, il devient, lors de l'exposition universelle de 1855, l'homme qui sut dépasser la formation classique pour renouveler la peinture. À sa mort, les artistes contemporains lui rendirent de vibrants hommages, notamment Gustave Courbet. Authentique génie, il a laissé de nombreuses œuvres engagées qui étaient souvent en rapport avec l'actualité (" Les massacres de Scio" pour soutenir les indépendantistes grecs ou " La Liberté guidant le peuple" représentant des émeutiers franchissant une palissade à Paris.). Il exécuta aussi nombre de tableaux à thèmes religieux (" Crucifixion", " Jacob et l'Ange", " Le Christ sur le lac de Génésareth", etc...), bien qu'il se soit parfois déclaré athée. Sur tous les terrains de son époque, il reste le symbole le plus éclatant de la peinture romantique. Mais la plupart des oeuvres de Delacroix sont d'inspiration littéraire. Il en était déjà ainsi de " La Barque de Dante". Il en sera de même de son " Sardanapale", inspiré d'un poème de Byron; il en sera également ainsi de sa " Barque de don Juan", tiré d'un autre poème de Byron, et il en sera encore ainsi de quantité d'autres peintures qui sortent tout droit des oeuvres de Shakespeare, de Goethe ou d'autres écrivains. Par ailleurs, grâce à un voyage en Afrique du Nord, il fut l'un des premiers artistes à aller peindre, l'Orient d'après nature: La lumière, la couleur, la simplicité du quotidien, la richesse des textures, les moeurs plus authentiques, plus voluptueuses. Il les instillera dans ses compositions, recherchant la vibration et la magie des couleurs et de la lumière, le sens du naturel, de l'émotion telle la violence et la sensualité. Ce qui nous valut, outre de très nombreux croquis et aquarelles, quelques belles toiles de la veine des " Femmes d'Alger" dans leur appartement. De plus, l'orientalisme est caractéristique des artistes et auteurs romantique au XIXe siecle.

Delacroix, chef de file des romantiques est donc le peintre qui rompt complètement avec le néoclacissisme et les davidiens. Comme Géricault, ce qui l'intéresse sont les sujets d' histoire contemporaine et non plus antique, mais a contraire de ce dernier, il n'utilise plus l'enseignement de David, que l'on peut encore retrouver dans les peintures de Géricault. Delacroix et les romantiques font primer la passion, les sentiments qui passent avant la patrie. Delacroix peint la réalité telle qu'il la voit, ce pourquoi les critiques de l'époque ont beaucoup qualifié sa peinture de " laide". Le dessin n'est plus la base de l'oeuvre, Delacroix est un coloriste. Tout au long de sa carrière, ses œuvres suscitent souvent de violentes polémiques: sévèrement critiquées, parfois refusées au Salon mais aussi quelques fois acclamées. De façon générale elles sont acquises par l'Etat, qui durant toute sa vie, continue de lui passer commande et lui rend les honneurs officiels. Durant son parcours artistique, ses peintures s'éloignent rapidement du classicisme, trop rigide et trop distant à son goût. Delacroix cherche à exprimer au-delà des apparences réelles, la passion humaine. L' œuvre de Delacroix inspirera d'ailleurs de nombreux peintres, tel Goya, Manet et Vincent Van Gogh.

" Dans la peinture, il s'établit comme un pont mystérieux entre l'âme des personnages et celle du spectateur". Eugène Delacroix.

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Eugène Delacroix, né le 26 avril 1798 à Charenton-Saint-Maurice (Seine), décédé à Paris le 13 août 1863 de la tuberculose (il repose au cimetière du Père-Lachaise), est un peintre français majeur du mouvement romantique, apparu, en peinture, au début du XIXe siècle.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Léonard de Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci) Peintre, sculpteur, orfèvre, musicien, architecte, physicien, astronome, savant, géologue, géomètre, anatomiste, botaniste, alchimiste, inventeur visionnaire, ingénieur mécanicien, militaire, horloger, urbaniste, et homme de science, un génie italien multidisciplinaire et ultra prolifique (Vinci, 1452 - Amboise, 1519). Léonard de Vinci Homme d'esprit universel, à la fois artiste, scientifique, inventeur et philosophe humaniste, Léonard incarna l'esprit universaliste de la Renaissance dont il fut un des symboles majeurs et demeure l'un des plus grands hommes de cette époque.

1452 le 15 avril, Léonard est né d'une relation amoureuse illégitime entre son père, Ser Piero da Vinci, notaire de la république d'une riche famille de notables italiens, et sa mère, Catarina, une humble fille de paysans, dans le petit village Toscan d'Anchiano (à 2km du village de Vinci, 80km de Florence, 50km de Pise en Italie). À cette époque les conventions d'appellation modernes ne s'étaient pas encore développées en Europe. Seules les grandes familles faisaient usage du nom de leur " tribu" (ex: Lorenzo de ' Medici, dont le clan avait dû, à l'origine, compter quelques médecins). L'homme du peuple était désigné par son prénom auquel s'adjoignait toute précision utile : le nom du père, le lieu d'origine, un surnom (Botticelli), le nom du maître pour un artisan (Andrea del Verrocchio), etc. Par conséquent, le nom de l'artiste était Leonardo di ser Piero da Vinci, ce qui signifie Leonardo, fils de maître Piero, de Vinci. Léonard lui-même signait simplement ses travaux Leonardo ou Io, Leonardo (Moi, Leonardo). La plupart des autorités rapportent donc ses travaux en tant que Leonardo sans le daVinci. Vraisemblablement il n'employa pas le nom de son père parce qu'il était un enfant illégitime. Leonard vit misérablement avec sa mère Catherina.

1457 : il a 5 ans quand sa mère se marie avec un paysan d'Anchiano. Il est alors admis dans la maison de la famille de son père, du village de Vinci, qui, entre temps, a épousé une jeune fille de bonne famille, âgée de seize ans, Donna Albiera Amadori. Celle-ci sans enfant reporte toute son affection sur Léonard, mais elle meurt très jeune à l'age de 24 ans en 1465 alors que Léonard à 13 ans. Il fut considéré comme faisant partie de la famille de riche notable de son père mais ne fut jamais légitimé par ce père qui se maria quatre fois et lui donna dix frères et deux sœurs légitimes venus après lui.

1466 : Léonard a 14 ans et sa famille recomposée s'installe à Florence. Le jeune Léonard est proche de la nature qu'il observe avec une vive curiosité et s'intéresse à tout, il dessine déjà des caricatures et écrit à l'envers (écriture en miroir) en dialecte Toscan. Giorgio Vasari, dans sa biographie de Léonard de Vinci, raconte une anecdote sur les premiers pas dans la carrière artistique de celui qui allait devenir un des plus grands peintres de la Renaissance. Un jour, le père de Léonard, Ser Piero, " prit plusieurs de ses dessins et les soumit à son ami Andrea del Verrocchio qu'il pria instamment de lui dire si Léonard, s'il devait se consacrer à l'art du dessin, pourrait parvenir à quelque chose en cette matière. Andrea s'étonna fort des débuts extraordinaires de Léonard et exhorta Ser Piero à lui permettre de choisir ce métier, sur quoi Ser Piero résolut que Léonard entrerait à l'atelier d'Andrea. Léonard ne se fit pas prier deux fois ; non content d'exercer ce métier, il exerça ensuite tous ceux qui se rattachent à l'art du dessin." C'est ainsi que Léonard fut placé comme élève apprenti dans un des plus prestigieux ateliers d' art de la Renaissance de Florence sous le patronage d'Andrea del Verrocchio à qui il doit sa formation polytechnique d'excellence, où il côtoya d'autres artistes comme Sandro Botticelli, Pérugin et Domenico Ghirlandaio. Verrocchio était un artiste renommé polytechnique et très éclectique : orfèvre de formation, peintre et sculpteur qui a travaillé pour le riche mécène Laurent de Médicis. Après un an passé au nettoyage des pinceaux et autres petits travaux, Verrocchio initie Léonard de Vinci à la préparation des couleurs, la décoration, la gravure, la peinture des fresques ainsi qu'à la sculpture sur marbre et sur bronze, puis il confie à son élève qu'il trouve exceptionnel le soin privilégié de terminer ses tableaux. Il n'y a pas d' œuvres de Léonard de Vinci connues pendant cette période.

1472 : À l'âge de 20 ans, il est enregistré dans le Livre Rouge de la compagnie de St Luc, célèbre guilde des artistes peintres de Florence, le Campagnia de Pittori. Sa carrière de peintre débute par des œuvres immédiatement remarquables telles que La vierge à l'œillet, ou L'Annonciation (1473). Il améliore la technique du sfumato (impression de brume) à un point de raffinement jamais atteint avant lui.

1476 : Il est toujours mentionné comme assistant de Verrocchio, mais on suppose qu'entre 1476 et 1478 il possédait aussi son propre atelier car pendant cette période il reçut deux commandes personnelles. Il peint son premier tableau ( La madone à l'oeillet, 1473), vers 1476 il entre dans l'atelier de Paolo Ucello, où il étudie la perspective.

1478 : À 26 ans, il quitte son maître après avoir brillamment dépassé celui-ci dans toutes les disciplines. Léonard de Vinci devient alors maître peintre indépendant.

1481 : Le monastère de San Donato lui commande L'Adoration des Mages, mais Léonard, vexé de ne pas être choisi par le Pape Sixte IV pour la décoration de la chapelle Sixtine du Vatican à Rome où il est en concurrence avec Michel Ange, ne terminera jamais ce tableau et quitte Florence pour aller à Milan travailler pour le mécène et Duc de Milan Ludovic Sforza. Ce dernier l'emploi à des tâches diverses. L'artiste est ainsi " ordonnateur de fêtes et spectacles aux décors somptueux" du palais et invente des machines de théâtre qui émerveillent le public, il peint plusieurs portraits de la cour milanaise et entreprend des études pour rendre navigable le canal de la Martezana.

En 1483, Léonard de Vinci commence à peindre l' un de ses chefs-d'œuvre les plus admirés : La Vierge aux rochers, pour la chapelle San Francesco Grande. C'est aussi à cette époque qu'il réfléchit à des projets techniques et militaires. Il améliore les horloges, le métier à tisser, les grues... Il étudie aussi l'urbanisme et propose des plans de cités idéales.

1490 : Vers cette date, il crée une académie portant son nom où il enseigne pendant quelques années son savoir tout en notant ses recherches dans de petits traités. Au cours de cette période, il fait des études pour " Il Cavallo", une statue équestre géante de cheval cabré montée par Francesco Sforza (le père du duc de Milan), une prouesse technique pour l'époque, mais cette sculpture ne sera jamais coulée en bronze.

1495 : Les Dominicains du monastère de Sainte-Marie-des-Grâces lui commandent La Cène dont il peint la fresque sur le mur du réfectoire du couvent et en 1498, il réalise le plafond du palais Sforza.

1499 : Les troupes de Louis XII prennent le Duché de Milan et destitue le Duc Ludovic Sforza. Sa statue équestre cabrée est détruite. Louis XII veut découper le mur représentant la Cène pour l'emporter en France. En mars De Vinci est à Venise pour deux mois après avoir séjourné à Mantoue en compagnie du moine scientifique Luca Pacioli où il fit un carton pour un portrait d'Isabelle d'Este (Louvre cabinet des dessins). Fin Avril il est de retour à Florence. Au cours de son séjour sur les bords de la mer Adriatique il étudie les défenses de la frontière orientale de la Sérénissime contre une éventuelle attaque des turcs.

1501 : Séjour dans le couvent de la Santissima Annunziata il reçoit la consécration pour l'esquisse préparatoire représentant La Vierge et sainte Anne. Bref séjour à Rome à la Villa Tivoli pour l'étude des Antiques, réalisation pour le puissant secrétaire d'état de Louis XII, Florimond Robertet, d'une Vierge au fuseau, aujourd'hui disparue.

1502 : Appelé par le prince César Borgia, duc de Valentinois, avec le titre de " capitaine et ingénieur général" il séjourne dans les Marches et la Romagne pour inspecter les forteresses et territoires nouvellement conquis par le fils du Pape Alexandre VI. Rencontre avec Nicolas Machiavel, " espion" de Florence au service de César Borgia.

1503-1506 : Installation au couvent Santa Maria Novella, nouvel atelier du peintre pour le carton de la Bataille d'Anghiari.

1504 : Léonard de Vinci est consulté par la Seigneurie pour l'emplacement du David de Michel-Ange, son avis s'oppose à celui du " divin", ce dernier obtient gain de cause. Son père décède et Léonard est écarté de l'héritage par son illégitimité. Louis XII sollicite Florence, ou De Vinci réalise des études anatomiques et tente de classer ses innombrables notes, pour que le maître revienne à Milan. Si la est Mona Lisa del Giocondo, rien n'est moins sûr, début des séances de pose.

1505 : Etude sur le vol des oiseaux, rédaction du codex de Turin.

1506 : Le gouvernement de Florence lui permet de rejoindre le gouverneur Français de Milan Charles d'Amboise, qui le retient auprès de lui malgré les protestations de la Seigneurie.

1507 : Le peintre Léonard de Vinci devient l'héritier de son oncle Francesco, mais ses neveux entament une procédure pour casser le testament. Louis XII est à Milan et Léonard est de nouveau l'ordonnateur des fêtes données dans la capitale lombarde.

1508 : Début de la conception de la Sainte Anne, aujourd'hui au Louvre.
1511 : Mort du gouverneur Charles d'Amboise La France perd et quitte le Milanais après la bataille de Ravenne.

1513 : En septembre, Léonard de Vinci part pour Rome travailler pour le Pape Léon X, de la riche et puissante famille des Médicis. Si la Joconde est la maîtresse du duc Julien de Médicis le frère du pape, hypothèse fort probable (Carlo Pedretti, André Chastel), début de sa réalisation.

1514 : Série des " Déluges" une réponse partielle à la version offerte par Michel-Ange, dans la chapelle Sixtine. Projet d'assèchement des marais Pontins, appartenant au duc Julien de Médicis.

1515 : En septembre, le nouveau roi de France François 1er reconquiert le Milanais par la Bataille de Marignan. En novembre il se penche sur un nouveau projet d'aménagement du quartier Médicis à Florence. En décembre rencontre à Bologne avec le roi François 1er.

1516 : Il part travailler en France avec son assistant artiste peintre Francesco Melzi où son nouveau mécène et protecteur, le roi de France François Ier l'installe au Clos Lucé près d'Amboise (Indre-et-Loire) en temps que " premier peintre, ingénieur et architecte du roi". François Ier est fasciné par Léonard de Vinci et le considère comme un père. Projet de construction d'un nouveau palais à Romorantin avec détournement d'un fleuve dans la Sauldre.

1519 : Le 2 mai, après avoir fait son testament le 23 avril devant le notaire d'Amboise, malade depuis de longs mois, Leonard de Vinci est emporté par la maladie au Clos Lucé à l'âge de 67 ans. Vasari, son premier biographe, prétend qu'il est mort dans les bras de François Ier mais cela est contesté. Sa tombe est située à la chapelle Saint-Hubert, dans l'enceinte du château d'Amboise.

Léonard de Vinci, toute sa vie célibataire et abstinent, n'ayant jamais eu ni femme ni enfant, lègue l'ensemble de son œuvre considérable pour les faire publier, ses manuscrits, carnets, et documents et ses instruments à son élève et disciple préféré, Francesco Melzi, son élève depuis l'âge de 10 ans qui après l'avoir accompagné en France, resta près de lui jusqu'à sa mort et qui gérera son héritage pendant 50 ans après la mort de son maître, et de nombreuses peintures (parmi lesquels la Joconde, la Vierge, l'Enfant et Saint Anne, le S. Gerolamo...) qui se trouvaient encore en sa possession dans son atelier à son autre élève et disciple favori, Giacomo Caprotti aussi appelé Salai, entré à son service à l'âgede 15 ans, et ses autres biens à ses serviteurs.

1570 : Décès de Francesco Melzi qui a conservé son héritage toute sa vie sans le publier. À partir de cette époque a commencé la dispersion éparse et la désastreuse perte de son héritage, deux tiers des 50 000 documents originaux multi-disciplinaires rédigés en vieux toscan crypté par Léonard de Vinci dont chaque carnet, manuscrit, page, croquis, dessin, texte, note, etc. est considérée comme une œuvre d'art à part entière. Il ne resterait que 13 000 documents environ dont une majeure partie sont archivés au Vatican.

Source: artdevinci.free.fr.

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Biographie de l'artiste Léonard De Vinci

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Léonard de Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci) Peintre, sculpteur, orfèvre, musicien, architecte, physicien, astronome, savant, géologue, géomètre, anatomiste, botaniste, alchimiste, inventeur visionnaire, ingénieur mécanicien, militaire, horloger, urbaniste, et homme de science, un génie italien multidisciplinaire et ultra prolifique (Vinci, 1452 - Amboise, 1519).

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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﻿﻿ Hilaire Germain Edgar de Gas, dit Edgar Degas, né le 19 juillet 1834 et mort le 27 septembre 1917 à Paris, est un peintre, graveur, sculpteur et photographe français. Fils d' Auguste de Gas, banquier et de Célestine Musson, Edgar Degas grandit dans un milieu bourgeois cultivé. Il a quatre frères et sœurs et jouit d'une enfance dorée rue Saint-Georges non loin du jardin du Luxembourg. Après son baccalauréat, il commence à fréquenter le Cabinet des Estampes de la Bibliothèque Nationale. Dessinateur inlassable, il y copie des oeuvres de Albrecht Dürer, Andrea Mantegna, Paolo Véronèse, Francisco de Goya, Rembrandt. Il passe ses journées au Louvre, fasciné par les peintres italiens, hollandais et français. En 1854, il s'inscrit à l'atelier du lyonnais Louis Lamothe, élève assez médiocre de et des frères Flandrin.

On dit d' Edgar Degas qu'il fait le lien entre l'art classique et l'art moderne. Il est l'un des plus grands dessinateurs du monde, maître aussi bien dans la peinture, le dessin, la sculpture et la photographie (sur laquelle il travaille réellement à partir de 1895). Conscients de ses talents, les riches parents de Degas l'autorisent à avoir son atelier à la maison, et dès l'âge de vingt ans il est fermement décidé à devenir artiste. Son père, amateur raffiné d'art et de musique, lui présente quelques-uns des plus grands collectionneurs de Paris, comme Lacaze, Marcille, et Valpinçon. Les premières oeuvres de Degas sont influencées par les travaux de Jean Auguste Dominique Ingres et Eugène Delacroix. Degas s'inscrit à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris avant d'étudier trois années en Italie. Il expose une première fois au Salon de Paris en 1865 et fait partie de la Société anonyme des artistes qui organise un collectif à partir de 1874. Pour leur première exposition figurent les oeuvres de Degas, , Berthe Morisot et Pierre Auguste Renoir; le critique Louis Leroy la qualifie péjorativement d'" Exposition des impressionnistes", critiquant un style aux détails insuffisants, aux coups de pinceaux trop évidents et aux couleurs sommaires. Durant toute sa carrière, Degas est soutenu par le galeriste Paul Durand-Ruel. L'oeuvre de Degas n'est pas tout de suite appréciée ni comprise mais, dès 1880, ses peintures, aux compositions libres et inhabituelles et aux coups de pinceaux rapides, sont chaleureusement accueillies. Pourtant, la Petite danseuse de quatorze ans (vers 1880-1881), cette sculpture en cire avec tissu (plus tard moulée en bronze), continue aujourd'hui encore de diviser l'opinion, provoquant tout autant l'admiration que l'indignation et le dégoût. Ses oeuvres sont exposées à New York en 1886 et à Londres en 1905 avec les impressionnistes.

Peut-être un peu misogyne, Degas ne se marie pas, préoccupé avant tout par son art, même si ses oeuvres les plus célèbres représentent des femmes: danseuses et ouvrières, blanchisseuses et couturières. Vers la fin de sa vie, il est progressivement atteint de cécité, mais il continue à dessiner, à peindre et à sculpter. Degas meurt d'une congestion cérébrale à Paris le 27 septembre 1917, âgé de 83 ans et est inhumé au cimetière de Montmartre. L'année suivante, les oeuvres entassées dans son atelier et son importante collection sont dispersées aux enchères. Mais bien que célèbre aujourd'hui, Degas reste encore un " mal aimé" par rapport à , à , et même àHenri Toulouse-Lautrec, et on lui refuse l'importance qu'on accorde à Paul Cézanne. Mais la postérité exauce ainsi son voeu : " Je voudrais être illustre et inconnu."

"Aucun art n'est aussi peu spontané que le mien. Ce que je fais est le résultat de la réflexion et de l'étude des grand maîtres; de l'inspiration, la spontanéité, le tempérament, je ne sais rien... " Edgar Degas.

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﻿﻿ Hilaire Germain Edgar de Gas, dit Edgar Degas, né le 19 juillet 1834 et mort le 27 septembre 1917 à Paris, est un peintre, graveur, sculpteur et photographe français. Fils d' Auguste de Gas, banquier et de Célestine Musson, Edgar Degas grandit dans un milieu bourgeois cultivé.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Francisco José de Goya y Luncientes né le 30 mars 1746 à Fuendetodos (Espagne) est l'artiste espagnol le plus important de la fin du XVIIème siècle et du début du XIXème siècle. Chose rare, il accède à la gloire de son vivant, grâce à un fidèle mécénat aristocratique. En 1774, il travaille pour la manufacture royale; dès lors et durant toute sa vie, à travers quatre monarchies, il entretient une relation étroite avec le pouvoir. Loin des sombres visions qui vont dominer la fin de sa carrière, ses premières oeuvres sont pleines de fraîcheur et de légèreté. Ses célébrations des divertissements du peuple espagnol reflètent l'optimisme de son époque, et rappellent le style rococo enjoué d'artistes comme Giambattista Tiepolo.

Goya fait ses débuts dans l'atelier madrilène des frères Francisco et Ramon Bayeu, qui viennent de s'établir à Madrid en 1763, et dont il va être très proche, puisqu'il épouse leur soeur Josefa en 1774. Mais après deux échecs au concours d'entrée de la Real Academia des Bellas Artes de San Fernando, il quitte Madrid pour Rome en 1770. C'est probablement là qu'il rencontre l'artiste allemand Anton Raphaël Mengs, qui l'encourage à retourner à Madrid et grâce à qui il obtient, en 1774, la commande d'une série de cartons de tapisserie pour la manufacture royale de Santa Barbara. S'ensuit un flot de commandes de l'aristocratie pour qui il peint de flamboyants et délicats portraits, dont la facture libre et enlevée saisit la richesse et le pouvoir des modèles, aussi bien que leur état d'esprit. A quarante ans, Goya est nommé premier peintre du roi Charles III, puis en 1789, de son successeur Charles IV.

L'année 1789 marque le début d'une période de grands troubles, avec le renversement de la monarchie française, suivi quatre ans plus tard de la déclaration de la guerre de la France à l'Espagne. Durant cette période, Goya voyage à Cadix, en Andalousie, avec son ami le riche homme d'affaires et collectionneur Sebastian Martinez y Perez. A Cadix, Goya tombe gravement malade, et est frappé de surdité. Il revient à Madrid en 1793, mais à partir de cette époque son travail évolue dans des tonalités sombres. En 1799, il achève et publie ses célèbres gravures allégoriques Les Caprices. Ces dernières, ainsi que la série des Désastres de la guerre ( 1810- 1820) - qui ne seront publiés qu'en 1863 -, témoignent de la brutalité et de la terreur de l'époque. Bien que les gravures de Goya soient fondées sur la tradition baroque des violents contrastes d'ombre et de lumière, elles n'en possèdent pas moins une très grande modernité grâce à leur composition étonnante.

Les dernières peintures de Goya se font de plus en plus naturalistes, jusqu'au grotesque. Son portrait de La Famille de Charles IV ( 1800) est à la fois le portrait d'une monarchie forte et unie, et un portrait de groupe réaliste, sans aucune idéalisation. L'invasion de l'Espagne par Bonaparte en 1808 déclenche la guerre d'Espagne (1808-1814). Quoique révolté par les atrocités françaises, Goya fait allégeance à Napoléon. La monarchie des Bourbons est restaurée à la chute de Napoléon en 1814, mais le nouveau roi Ferdinand VII réinstaure l'Inquisition et s'autoproclame " monarque absolu", instituant un règne de la terreur. Sa loyauté envers la légitimité nationale étant mise en doute, Goya répond en commémorant l'insurrection espagnole contre la France dans deux tableaux: Le 2 mai 1808, à Madrid ( 1814) et Le 3 mai 1808, à Madrid ( 1814), ce dernier montrant l'exécution des insurgés espagnols sur une colline près de Madrid. Les deux tableaux témoignent parfaitement de l'atmosphère sombre et de la facture libre et fluide des dernières oeuvres du peintre, ainsi que de sa dette stylistique envers Rubens et Velasquez.

Entre 1820 et 1823, dans sa retraite campagnarde surnommée " La Quinta del Sordo" (La Maison du Sourd), Goya peint une série de fresques murales et de toiles terrifiantes connues sous le nom de "peintures noires". Mécontent de la situation politique en Espagne, Goya part pour Paris, puis Bordeaux, où il meurt le 16 avril 1828 à l'âge de quatre-vingt-deux ans. L'artiste fut inhumé dans le cimetière des Chartreux dans un caveau où reposait déjà son compatriote Martin Goicocchea, beau-père du fils du peintre et ancien maire de Madrid. Lors de l'exhumation en 1899, dans l'impossibilité de reconnaître les corps, ils furent renfermés tous deux dans le même cercueil et transférés dans le mausolée à la sacramental de San Isidro à Madrid. Francisco Goya, artiste au caractère rebelle et inquiet, sarcastique et provocateur, a laissé un grand nombre d'œuvres immortelles...

" Mais où trouvent-ils ces lignes dans la nature? Moi je n'y vois que des corps éclairés, et des corps qui ne le sont pas ... . Mon oeil n'aperçoit jamais ni linéaments, ni détails ... . Mon pinceau ne doit pas voir mieux que moi." Francisco Goya.

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Francisco José de Goya y Luncientes né le 30 mars 1746 à Fuendetodos (Espagne) est l'artiste espagnol le plus important de la fin du XVIIème siècle et du début du XIXème siècle. Chose rare, il accède à la gloire de son vivant, grâce à un fidèle mécénat aristocratique.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Giorgio de Chirico est né à Vólos en Thessalie (Gréce) le 10 juillet 1888, dans une famille aristocratique d'origine italienne. Enfance dans un petit village jusqu'à la mort de son père en 1905, sa mère déménage ensuite à Munich où Chirico fait ses études à l'Académie des Beaux Arts. Il est très influencé par des peintres romantiques comme Böcklin (" L'île des morts") et Klinger. Et surtout, il lit les philosophes, Nietzche, Schopenhauer et Weininger en tête. Ce qui va influencer toute son œuvre à venir. Pour lui, la peinture devient une énigme. Elle est " métaphysique".

Lorsqu'il débarque à Paris en 1911, il a déjà pas mal de toiles à son actif. Et surtout un univers bien à lui qui surprend et fascine Guillaume Apollinaire qui, dès 1913, introduit l'artiste dans son cercle ( , Derain, Max Jacob, , , etc.) mais surtout André Breton. Ce dernier en fait immédiatement le chantre du surréalisme avant de le renier quelques années plus tard lorsque Chirico change de style. " Quand ils ont vu mes tableaux, ils ont voulu me refaire le coup du Douanier Rousseau : le peintre génial mais que Breton prend sous son aile. Pendant quelques mois, j'ai marché... On se retrouvait chez Apollinaire le samedi de cinq à huit. Il y avait làBrancusi, Derain, qui n'ouvrait jamais la bouche, et Max Jacob, qui parlait tout le temps. Aux murs, il y avait des Picasso, des Marie Laurencin,des cubistes. Plus tard, Apollinaire a ajouté deux ou trois de mes tableaux, dont le portrait que j'avais fait de lui." En ces années là, l'homme n'apparaît pas dans ses toiles. Où alors sous forme de marionnettes sans visage. Seule la statuaire antique le représente parfois. Et la nature morte, réaliste, devient menaçante.

En 1919, tout bascule. C'est le chaos. Chirico revient à un certain classicisme. La mémoire chasse le présent, le bouscule. La figure antique s'impose comme l'éclat le plus brillant de l'art. Chirico décontenance tout le monde. Pourtant, c'est dans ces tableaux là qu'il est le plus intime. A partir de cette date, on le regarde d'un sale œil. Jusqu'au mépris dans les années 40. Alors, par provocation, à moins qu'il ne s'agisse d'ironie ? Le peintre exalte académisme et pompiérisme. Il se peint en costume de cour, dans le style Renaissance, joue à reproduire les maîtres, Botticelli, Raphaël, Titien, Veronese et Rubens. Et surtout reprend toutes ses toiles du début dans une autre lumière, un autre format (les " replay"). Ses amis n'y comprennent plus rien : Chirico, qui peignait le rêve, ne jure plus que par la tradition. " Pictor classicus sum", s'écrie, enthousiaste et en latin, le nouveau converti. " Vade retro, De Chirico", rétorquent, offusqués et au complet, les surréalistes qui n'ont jamais badiné avec l'anathème. " Si encore il cherchait à retrouver l'illusion de son génie perdu, insiste Breton, mais en faisant de laborieuses copies de ses toiles anciennes, il n'a qu'une ambition: vendre ainsi son tableau deux fois."

Cette période enchantera qui a rencontré Chirico à plusieurs reprises à Rome et qui disait de lui : " J'adore son œuvre et cette façon de répéter les mêmes peintures encore et encore, j'aime beaucoup cette idée ; j'ai donc pensé qu'il serait formidable de le faire". On le dit épuisé, n'ayant plus rien à exprimer. Il dément cette affirmation avec les tableaux de la fin de sa vie. Même s'il ressasse certains thèmes comme celui des " Bains", il introduit dans ses compositions de merveilleux soleils, des croissants de lune. La peinture métaphysique est devenue peinture d'enfance. Il meurt à Rome (Italie) le 20 novembre 1978 à l'âge de 90 ans. De Chirico est un des maîtres qui ont révolutionné l'art moderne en élaborant de nouveaux codes linguistiques et visuels. Sa peinture métaphysique a inspiré l'avant -garde surréaliste (, , , à Picabia et Eluard), la Nouvelle Objectivité allemande et le Novecento, mouvement italien des années 1920.

"Si j'étais mort à 31ans, comme Seurat, ou à 39ans, comme Apollinaire, je serais considéré aujourd'hui com me l'un des peintres majeurs du siècle. Vous savez ce qu'ils diraient, ces critiques imbéciles? Que le grand peintre surréaliste, c'était moi, Chirico. Pas Dalí, pas Magritte, pas . Moi." Giorgio de Chirico.

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Giorgio de Chirico est né à Vólos en Thessalie (Gréce) le 10 juillet 1888, dans une famille aristocratique d'origine italienne. Enfance dans un petit village jusqu'à la mort de son père en 1905, sa mère déménage ensuite à Munich où Chirico fait ses études à l'Académie des Beaux Arts.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Salvador Dalí ,Salvador Felipe Jacinto Dali (11 mai 1904 - 23 janvier 1989) était un peintre surréaliste, l'un des artistes les plus populaires du XXème siècle. Il est né et mort à Figueres, petite ville de la province catalane de Gérone située dans le nord de l'Espagne où il créa d'ailleurs son propre musée en 1974, le Teatre-Museu Gala Salvador Dalí.

Dès son plus jeune âge, il se met à la peinture et au dessin (À sept ans, Salvador Dalí peint son premier tableau et veut être Napoléon) ; ses premiers tableaux sont pour l'essentiel des peintures à l'huile influencées parl'impressionnisme. Il part ensuite étudier aux beaux-arts de Madrid (de 1921 à 1925) où il rencontre Luis Buñuel et Federico Garcia Lorca. Il ne reste pas longtemps aux beaux-arts, pour cause il se fait expulser pour avoir incité les étudiants à manifester contre l'incompétence d'un nouveau professeur.

En 1928, il rencontre à Paris, André Breton chef de file dumouvement surréaliste ainsi que Pablo Picasso , Joan Miro et surtout la jeune russe Gala ( femme du poète Paul Eluard) sa future femme et muse. L'apparition de celle-ci est une révélation pour Dali. Dès lors, Gala ne se séparera plus de Dali. Gala devient alors le modèle, la muse et la compagne inséparable d'un des plus célèbres artistes du XXème siècle, qu'elle suivra dans toutes ses errances, en Europe et aux États-Unis. Gala aurait été la seule femme,qu'aurait connu Dali, l'unique qui l'aurait guérit de sa phobie des femmes qu'il a longtemps comparées à des mantes religieuses.

Peintre et sculpteur exhibitionniste, Dali organise autour de lui-même un véritable culte de la personnalité, il se donnera en spectacle tout au long de sa carrière. Extravagant, volontiers provocateur, il se crée un personnage de peintre génial et dérangé : " Les événements les plus importants qui puissent arriver à un peintre contemporain sont au nombre de deux : 1. Être espagnol ; 2. S'appeler Gala Salvador Dalí. Ces deux choses me sont arrivées à moi. Comme mon propre nom de Salvador l'indique, je suis destiné à rien moins que sauverla peinture moderne de la paresse et du chaos." En 1938, il est exclu du mouvement surréaliste pour ses déclarations en faveur d'Hitler ou de Franco, et de son rapport mercantile à l'art ( André Breton le surnommait même Avida Dollars.). Salvador Dali revenant sur cette affaire dira : " Ce fut André Breton, pour piquer à vif mon attirance pour l'or, qui inventa cet anagramme... Il croyait ainsi mettre au pilori mon admirable nom, mais il n'a rien fait d'autre que composer un talisman... L'Amérique m'a accueilli comme l'enfant prodige et m'a couvert de dollars... L'or m'illumine et les banquiers sont les suprêmes prêtres de la religion Dalínienne."

Ses thèmes de prédilection sont la mort, la psychanalyse, la femme, les batailles, les paysages, la religion, l'érotisme, la putréfaction... mis en scène avec une remarquable maîtrise picturale et une tendance pour les images en trompe l'oeil. En 1932, Dalí participe à la première exposition surréaliste aux États-Unis et obtient un succès triomphal. Salvador Dalí s'intéressa aussi à bien d'autres arts et fut en particulier fasciné par le cinéma ("Un Chien andalou" avec Buñuel), la photographie, la mode ou la publicité (Le chocolat Lanvin). En outre, il était passionné par les sciences, notamment par la théorie de la relativité d'Albert Einstein qu'il a représentée à sa façon dans les célèbres "montres molles" de son tableau Persistance de la mémoire .

Le 23 janvier 1989, à Torre Galatea, Salvador Dalí succombe à une crise cardiaque ( Gala est décédée 7 ans plus tôt à Pubol). Conformément à son souhait, il est inhumé dans la crypte de son ' Theatro museo' à Figueras. Une simple pierre indique le lieu de sa sépulture. Par testament, il lègue l'ensemble de sa fortune et de son œuvre à l'État espagnol.

" Je ne comprends pas pourquoi l'homme est capable de si peu d'imagination." Salvador Dali.

Source: Wikipedia.

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Biographie de l'artiste Salvador Felipe Jacinto Dali

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Salvador Dalí ,Salvador Felipe Jacinto Dali (11 mai 1904 - 23 janvier 1989) était un peintre surréaliste, l'un des artistes les plus populaires du XXème siècle. Il est né et mort à Figueres, petite ville de la province catalane de Gérone située dans le nord de l'Espagne où il créa d'ailleurs son propre musée en 1974, le Teatre-Museu Gala Salvador Dalí.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Issu d'une famille de propriétaire terriens, il intègre le petit séminaire à douze ans, puis le collège royal de Besançon. Après des études médiocres, qu'il abandonne, il part sur Paris fin 1839. A paris, il fréquente plusieurs ateliers de peintres et étudie les oeuvres des " grands" au Louvres, comme Rembrandt, Hals, Rubens, Caravage ou Titien et en particulier les peintres de l'école espagnole du xvii e siècle: Vélasquez, Zurbaran et Ribera. Il peint ses premières toiles vers 1841-42 et la première partie de son œuvre, de 1840 à 1848 est principalement consacrée à l' autoportrait ( Le désespéré, 1841; L'homme au chien noir, 1842; L'homme blessé, 1844-1854; L'homme à la ceinture de cuir. Portrait de l'artiste, 1845-1846) et aux paysages.

IL fréquente ensuite assidument la Brasserie Andler, lieu d'effervescence artistique et politique, où il se lie avec des artistes cherchant une troisième vision de l'art à côté de l'antagonisme entre le romantisme et classicisme, notamment Hector Berlioz et Charles Baudelaire. Il jette alors les bases de son propre style: Le réalisme. Après un retour à ses origines, à Ornans, il obtient la reconnaissance des artistes établis - Ingres (classicisme) et Delacroix (romantisme)- en recevant une médaille au Salon de 1849 pour " L'Après-dînée à Ornans". Il choquera ensuite à plusieurs reprise ses contemporains et l'académisme en " secouant" les codes artistiques de l'époque, notamment avec " Les Casseurs de Pierre" (1849), première oeuvre représentant des bagnards, et que Pierre-Joseph Proudhon qualifiera de " première oeuvre socialiste", avec " Un enterrement à Ornans" (1851) où il représente une scène populaire dans un format réservé aux tableaux historiques (tableau gigantesque, quasiment en taille réelle), ou avec " Les Baigneuses" (1853), où il représente une femme normale (grosse, pas idéalisée), et avec les pieds salles (la saletés du corps étant assimilée à la saleté morale à l'époque).

A partir de 1855, Courbet se lance dans une série de natures mortes et de portraits et soutenu par son mécène Alfred Bruyas, Gustave Courbet s'impose par ailleurs comme un peintre individualiste et indépendant en organisant la première exposition personnelle et temporaire en marge du Salon de1855. Il fait bâtir à côté du Palais des Beaux-Arts un pavillon de bois et de briques, le Pavillon du réalisme où il y présente une quarantaine d' oeuvres et " L'Atelier du Peintre" ayant pour sous-titre évocateur: " Allégorie réelle déterminant une phase de sept années de ma vie artistique et morale", refusé quelques semaines plus tôt par le jury à cause de la taille de l'œuvre (3,59m x 5,98m) tandis que son fameux manifeste " Le Réalisme" accompagne son catalogue. En 1859, il propose une série de peintures plus sage de la côte normande.

Mais agitateur par nature, l' artiste attire à nouveau le scandale, avec Le retour de la conférence (1863) un tableau aujourd'hui disparu, montrant des ecclésiastiques éméchés et divagants sur une route de campagne. En 1866, il peint " L'Origine du Monde", mêlant un drapée des plus classiques à un gros plan cru sur un sexe féminin qui ne manquera pas de choquer, encore une fois, les instincts moraux et l' académisme de son temps. Républicain et socialiste, il refuse la Légion d'Honneur que lui propose Napoléon III. Il sera d'ailleurs nommé président de la commission des musées et délégué aux Beaux-Arts après la proclamation de la République, le 4 septembre 1870. Le 16 avril 1871, il est élu au Conseil de la Commune de Paris pour le VIe Arrondissement. Il siègera à la commission de l'enseignement. Il proposera la déboulonnage de la Colonne Vendôme, symbole des guerres napoléoniennes, qui sera finalement abattue par la Commune.

Après la Semaine Sanglante, il est arrêté (7 juin 1871) et jugé par un Conseil de Guerre et condamné à 6 mois de prison et une forte amende de 500 francs. Mais en 1873, le nouveau président de la république (le maréchal Mac-Mahon) fait reconstruire la Colonne Vendôme aux frais de Courbet (soit plus de 323 000 francs selon le devis établi): Il est acculé à la ruine, ses biens sont mis sous séquestre, ses toiles sont confisquées. Exilé en Suisse à partir de 1873, il y fréquente assidument les cercles de la petite colonie de proscrits, exilés de la Commune ne pouvant rentrer en France sous peine de prison. Si, de sa période Suisse, il tirera de nombreuses commandes (qui le pousseront - vu leur nombre - à prendre des " aides" pour dégrossir les tableaux, et dont parfois il n'hésitera pas à signer des oeuvres achevées) de quoi se renflouer financièrement, il n'en tirera, par contre, que peu d' oeuvres majeures, contrairement à sa période post-Communarde. Il se lancera aussi, durant cette période, dans la sculpture.

Il refusera toujours de rentrer en France par solidarité avec les exilés de la Commune, attendant, pour se faire, une amnistie générale qui ne viendra qu'en 1880, soit un peu lus de 2 ans après sa mort (il décède le 31 Décembre 1877). C'est pourquoi il sera enterré en Suisse, à La Tour-de-Peilz. Son corps ne sera rapatrié à Ornans qu'en 1919 où l'on peut toujours voir sa pierre tombale. Gustave Courbet, figure parmi les pionniers du mouvement réaliste du XIXe siècle et fut un artiste révolutionnaire, qui se moqua des conventions et s'opposa toujours à l'académisme. Ses peintures controversées ont d'ailleurs servi à influencer d'autres artistes, même bien après son décès en 1877. Mais sa grandeur est sans doute d'avoir porté en lui une vision réaliste et poétique du monde.

" J'ai étudié, en dehors de tout système et sans parti pris, l'art des anciens et l'art des modernes et puisé dans l'entière connaissance de la tradition le sentiment raisonné et indépendant de ma propre individualité". Gustave Courbet.

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Issu d'une famille de propriétaire terriens, il intègre le petit séminaire à douze ans, puis le collège royal de Besançon. Après des études médiocres, qu'il abandonne, il part sur Paris fin 1839.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Marc Chagall , ou de son vrai nom Moishe Zakharovich Shagalov est un peintre français (à partir du 7 juillet 1937) juif né le 7 juillet 1887 à Vitebsk, en Biélorussie (laquelle appartenait alors à la Russie tsariste). Chagall, dont les parents sont illettrés, est l'aîné d'une famille de neuf enfants. Son père travaille dans un dépôt de harengs, tandis que sa mère tient un modeste commerce d'épicerie.

L'oeuvre de Marc Chagall est illuminée par les images de son enfance heureuse, passée dans la petite ville de Vitebsk, en Russie. D'origine juive, il menait dans le ghetto une existence relativement libre, au sein d'une famille de condition modeste, qui toutefois ne connaissait pas la pauvreté. C'est un univers plein de chaleur et de foi qu'il décrit dans son autobiographie (Ma Vie, 1921), un univers entièrement baigné par la tradition hassidique -courant mystique venu d'Europe centrale selon lequel l'omniprésence du Dieu caché se révèle dans les merveilles du monde.

Les séjours passés à la campagne, chez son grand-père, ont marqué son imaginaire. Son oeuvre témoigne de la fascination qu'exerçaient sur l'enfant les animaux de la ferme. A Vitebsk, le jeune Chagall entre dans l'atelier de Pen, pour y étudier le dessin et la peinture. Déjà, il puise son inspiration dans la vie familiale et l'observation du quotidien ( La Femme à la corbeille, 1906-1907 ; Mariaska, 1907 ; Le Mariage, 1909).

Mais peu satisfait de l'enseignement qu'il reçoit, il part étudier à Saint-Pétersbourg. Comme juif, il doit obtenir un permis de séjour, et pour cela trouver un emploi. Par chance, il rencontre l'avocat Goldberg, d'origine juive qui le prend chez lui comme prétendu domestique, lui laissant tout loisir de suivre le cours de peinture de Nicolas Roerich, puis de Léon Bakst, comme lui d'origine juive. Auprès de ce dernier, décorateur des ballets russes fondés par Serge de Diaghilev, il trouve plus de liberté et affirme sa vision de coloriste. La revue Zol toe Runo (La Toison d'Or) lui fait connaître les peintres novateurs de Paris (Cézanne,Van Gogh , Lautrec, Matisse ) . A travers leur exemple, Chagall découvre le pouvoir expressif de la couleur ( Le Nu Rouge, 1908 ; Le Mort, 1908).

En 1910, un mécène, Vinaver, lui offre une bourse pour séjourner à Paris. Chagall s'y rend l'année suivante, et trouve un atelier à La Ruche, où résident la plupart des futurs maîtres de l'école de Paris.

Il y rencontre aussi Guillaume Apollinaire, dont il écrira avec humour qu'il portait " son ventre comme un recueil d'oeuvres complètes". Apollinaire reconnaît d'emblée le talent du jeune peintre. Chagall est aussi l'ami du poète Blaise Cendrars qui lui consacre en 1913 son Quatrième poème élastique et titre les tableaux de cette période.

A Paris, Chagall découvre la peinture de Cézanne et les nouvelles recherches des peintres cubistes. ll retiendra certains principes de leur construction rigoureuse, sans renoncer pour autant à son imaginaire ( A la Russie, aux ânes et aux autres, 1911-1912 ; Moi et le Village, 1911-1912).

En 1914, à la fin de son premier séjour à Paris, il envoie à Berlin à la Galerie Der Sturm, qui réalise sa première exposition, tout un ensemble de peintures et de dessins.

Chagall, qui avait regagné Vitebsk pour y épouser Bella Rosenfeld, se voit contraint de rester en Russie à cause de la guerre. Accusés d'espionner pour le compte de l'Allemagne, les Juifs sont chassés des régions frontalières, et Vitebsk accueille bientôt un flot important de réfugiés. Pourim (1916-1917), Cimetière juif (1917), La fête des tabernacles (1916), témoignent du nouvel intérêt de Chagall pour les coutumes et traditions de son peuple. En retrouvant le monde de son enfance, il revient à une sorte de réalisme ( La Maison grise, 1917 ; La Mère, 1914).

Dès 1917 cependant il donne la mesure de sa liberté créatrice à travers les toiles inspirées par l'amour qu'il porte à sa jeune épouse ( Les Amoureux au-dessus de la ville, 1915 ; La Promenade, 1917).

Lorsqu'éclate la Révolution de 1917, Marc Chagall devient Commissaire des Beaux-Arts de la région de Vitebsk sur la proposition de Lounatcharsky, responsable du ministère de la Culture et comme lui, d'origine juive, qu'il avait rencontré précédemment à Paris.

De retour à Vitebsk, Chagall fonde une école d'art, faisant appel à des peintres de toutes tendances. Devant la réaction négative de certains de ses collaborateurs, et de Malevitch en particulier, il s'installe à Moscou et travaille pour le Nouveau Théâtre Juif. Il y réalise une série de décors et de costumes de théâtre, libérés des conventions et de l'anecdote. Mais les difficultés de la vie en Russie s'accroissent et le couple émigre à Berlin. Chez l'éditeur Cassirer, Chagall exécute alors ses premières eaux-fortes, qui illustrent son ouvrage autobiographique Ma vie (1922).

Toutefois le séjour allemand sera de courte durée. Bientôt il reçoit un télégramme de Cendrars : " Reviens, tu es célèbre, et Vollard t'attend". Avec Bella, il va retrouver Paris, son " second Vitebsk".

C'est en 1923 que Chagall quitte la Russie, pour s'installer en France. Son art magistral gardera toute sa vie la nostalgie de sa ville de Vitebsk et des paysages russes. Ces paysages peints dans des couleurs vives et jamais réalistes sont plutôt des représentations symboliques de la paix intérieure et de la sensibilité de leur auteur. De retour en France en 1923, Chagall s'installe dans un atelier et retrouve Sonia et Robert Delaunay, Marcoussis, Gris. Il s'intéresse à la naissance du surréalisme, mais se heurte très vite à l'hostilité du mouvement à l'égard de tout mysticisme. Son amour pour Bella inspire plus que jamais son oeuvre. Les sujets reflètent le bonheur d'aimer et de peindre. La tonalité se fait plus claire, les contours s'assouplissent, les contrastes sont moins violents ( Ida à la fenêtre, 1924 ; Le Rêve, 1927 ; La tour Eiffel, 1934) .

Dans le même temps Chagall voyage beaucoup et découvre le paysage français ; les fleurs abondent dans les toiles de cette époque. A la demande d'Ambroise Vollard, le grand marchand, il réalise plusieurs séries d'illustrations, d'abord pour les Ames Mortes (1924-1925) de Gogol, puis pour Les Fables (1931) de La Fontaine, enfin pour La Bible (1931-1952). Après un voyage en Palestine, il exécute une série de gouaches. 105 eaux-fortes seront par la suite exécutées dont une première série de 66 planches en 1939. L'ouvrage est terminé en 1957 par Tériade, successeur de Vollard.

La seconde guerre mondiale et les menaces qui pèsent sur les communautés juives obligent la famille Chagall à fuir à New York en 1941. La guerre et les persécutions inspirent à l'artiste des scènes douloureuses comme les crucifixions ( Obsession, 1943 ; Crucifixion blanche , 1943), et des scènes villageoises qui, éclairées par les incendies tout proches, semblent autant de pogroms.

A New York, le peintre découvre la lithographie en couleurs, il réalise à nouveau des décors et des costumes de scène, pour le ballet Aleko d'après un argument de Pouchkine en 1942, et pour L'Oiseau de feu, sur une musique de Stravinsky.

Toutefois le séjour américain sera dramatiquement marqué par la mort de Bella. Pendant plusieurs mois, il cessera de peindre.

Une première rétrospective de son oeuvre en 1947, au musée national d'art moderne, donne à Chagall l'occasion de revenir à Paris. Il s'installe désormais en France, résidant d'abord à Orgeval, puis en Provence à Vence et enfin à Saint-Paul. L'équilibre trouvé dans son mariage, en 1952, avec Valentina Brodsky -Vava- et la lumière méditerranéenne vont nourrir une vitalité créatrice sans cesse renouvelée.

Il aborde la céramique et la sculpture (1950-1969).

L'oeuvre prend une ampleur exceptionnelle. Ce sont les grandes suites lithographiées dans l'atelier parisien de Mourlot qui illustrent Daphnis et Chloé (1959-1961) The story of the Exodus (1966), Le Cirque(1962-1966), dont il écrit lui-même le texte, L'Odyssée (1974-1975).

A partir de 1956 l'art de Chagall prend une dimension monumentale. L'artiste découvre le vitrail et la mosaïque. Il trouve dans ces techniques le mode d'expression privilégié de son inspiration biblique que mettent en oeuvre les maîtres verriers Charles Marq et Brigitte Simon ; (église d'Assy, 1956-1957 ; cathédrales de Metz, 1958-1968 : de Reims, 1973-1974 ; svnagogue de Jérusalem, 1960...).

Sur le thème d'Ulysse, il réalise pour l'Université de Nice une mosaïque de 11 mètres de long qui est inaugurée en 1969, précédant l'ouverture du Message Biblique en 1973 qui le consacre définitivement comme l' un des plus grands peintres de son temps, . Il est l'un des artistes installés en France les plus connus du XXe siècle avec Picasso (1881-1973) et Matisse (1869-1954) et reste l' un des peintres les plus originaux et les plus prolifiques du XXe siècle.

Par la magie des couleurs et leur gravité méditative l'oeuvre atteint désormais l'universalité que Chagall n'a cessé de poursuivre. Funérailles de Marc Chagall à Saint-Paul-de-Vence le 1er avril 1985 à l'âge de 97 ans. L'artiste repose dans le petit cimetière du village baigné par la lumière méditerranéenne qu'il a tant aimée.

" Les recherches sur le cubisme ne m'ont jamais passionné. Ils réduisaient tout ce qu'ils décrivaient à une géométrie qui demeure un esclavage, tandis que je cherchais plutôt une libération, mais une libération plastique, non pas seulement de la fantaisie ou de l'imagination. Si je place une vache sur un toit, si je peins une toute petite femme au milieu du corps d'une autre femme bien plus grande, ce n'est pas de la littérature, mais une logique de ce qui est illogique, un formalisme qui est autre, une sorte de composition qui ajoute une dimension psychique aux formules qui furent celles des impressionnistes ou des cubistes." (Edouard Roditi, " Entretiens avec Chagall", in Propos sur l'art, José Corti, 1987).

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Marc Chagall , ou de son vrai nom Moishe Zakharovich Shagalov est un peintre français (à partir du 7 juillet 1937) juif né le 7 juillet 1887 à Vitebsk, en Biélorussie (laquelle appartenait alors à la Russie tsariste). Chagall, dont les parents sont illettrés, est l'aîné d'une famille de neuf enfants.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Georges Braque est né le 13 mai 1882 à Argenteuil-sur-Seine (Val-d'Oise) dans une famille de peintres-décorateurs en bâtiment. Il a huit ans quand sa famille déménage au Havre. De 1897 à 1899, il se rend aux cours du soir des beaux-arts et entreprend ensuite de suivre les traces de son père en s'engageant dans un apprentissage de peintre-décorateur. Ce qui lui permet à 18 ans de se rendre à Paris pour parfaire sa formation, il y apprend les techniques du trompe-l'œil, le faux bois ou le faux marbre, éléments qui seront déterminants dans l'évolution du .

Après son service militaire, il s'installe définitivement à Paris (rue Lepic à Montmartre) et reprend des cours de dessin à l'Académie Humbert (de 1902 à 1904) où il fait la connaissance de Francis Picabia et Marie Laurencin. Il se rend souvent aux musées du Louvre et du Luxembourg et fréquente les galeries parisiennes. Braque a une seule idée en tête, devenir artiste peintre. Georges Braque commence à peindre dans un atelier loué rue d'Orsel, en face du Théâtre Montmartre.

Inspiré par Cézanne et le , ses premiers paysages de L'Estaque et de La Ciotat, en 1906 et 1907, à l'entrée de l'exposition des Indépendants affichent des couleurs gaies, pures et le trait reste gros et spontané. Braque y rencontre un certain succès, plusieurs de ses toiles sont vendues. Après sa découverte des "Demoiselles d'Avignon" de Picasso en 1909 au Bateau Lavoir où l'a emmené le poète Guillaume Apollinaire, Braque opte pour une nouvelle vision de la peinture en cherchant à rendre les trois dimensions des objets vus par l'oeil sur ses toiles. Le tableau des Demoiselles d'Avignon accompagne les recherches de Braque qui aboutiront au Grand Nu.

S'en suivent 5 ans de coopération intense entre Braque et Picasso qui lancent la phase analytique du cubisme en privilégiant les couleurs monochromes et l'éclatement des formes. Ils passent ensemble l'été 1911 à Céret (Pyrénées, sud). " On se voyait tous les jours et on parlait beaucoup. On comparait nos réflexions, nos tableaux et nos techniques, et nous n'étions pas toujours d'accord mais c'était gratifiant pour les deux. Notre amitié reposait sur l'indépendance de chacun", a résumé Braque. La coopération devint si intense que les deux peintres refusèrent un moment de signer leurs oeuvres, ce qui crée encore aujourd'hui parfois la confusion.

En 1912, profitant d'une absence d'un mois de Picasso, toujours très friand de nouvelles techniques, Braque expérimente seul le papier collé, après avoir trouvé dans un magasin de décoration du papier peint " faux bois". Avec quelques traits au fusain et une feuille de ce papier peint couleur bois Georges Braque compose alors ses tableaux d'instruments de musique comme La Guitare (1912-1913) épuré mais très suggestif. A son retour Picasso est emballé et adopte la nouvelle technique immédiatement. Par d'autres collages d'extraits de journaux sur des esquisses de guéridons, Georges Braque fait entrer l'actualité dans ses toiles.

En 1914, il est enrôlé dans l'armée française et est envoyé au front en novembre. Son ami Picasso, de nationalité espagnole, y échappe. Blessé grièvement à la tête et trépané Braque ne peint plus jusqu'en 1917. Mais cette période dramatique ne filtre pas dans ses oeuvres. Il n'en parlait jamais, il a digéré cette période dans son fort intérieur et est resté un homme de l'harmonie et de la beauté. L'évolution du travail de son ami Picasso le déconcerte et leur collaboration se termine.

Pendant plus d'un quart de siècle le peintre se spécialise alors dans les natures mortes, ustensiles de cuisine, fruits, verres, bouteilles tout en développant une fascination pour les perspectives inattendues " pour atteindre la plénitude des choses" selon lui et en expérimentant l'ajout de sable, de galets, plâtre et autres matières dans ses toiles.

Son art est mondialement reconnu : rétrospective à Kunsthalle de Bâle en 1933, aux Beaux-Arts de Bruxelles en 1936, au Musée d'Art Moderne de New-York en 1949 ; prix Carnegie en 1937 ; Grand Prix de la peinture à la Biennale de Venise en 1948.

Seul peintre dont une oeuvre est exposée au Louvre de son vivant -- le plafond de la salle des Etrusques -- Georges Braque meurt le 31 août 1963 (à l'âge de 81 ans) dans son appartement parisien. Il est enterré au cimetière marin de Varengeville, dont l'église porte les vitraux qu'il avait lui-même réalisé. Le ministre de la Culture de l'époque, André Malraux, lui organisa des funérailles nationales. C'est l'une des grandes figures de l'art du XXème siècle.

"Quand je commence, il me semble que mon tableau est de l'autre côté, seulement couvert de cette poussière, la toile. Il me suffit d'épousseter. J'ai une petite brosse à dégager le bleu. une autre le vert ou le jaune : mes pinceaux. Lorsque tout est nettoyé, le tableau est fini." Georges Braque.

Source : AFP.

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Georges Braque est né le 13 mai 1882 à Argenteuil-sur-Seine (Val-d'Oise) dans une famille de peintres-décorateurs en bâtiment. Il a huit ans quand sa famille déménage au Havre. De 1897 à 1899, il se rend aux cours du soir des beaux-arts et entreprend ensuite de suivre les traces de son père en s'engageant dans un apprentissage de peintre-décorateur.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, dit Sandro Botticelli (qui signifie " petits tonneaux"), est un peintre italien né à dans le quartier d'Ognissanti de Florence (Italie) vers 1444, où son père était tanneur. Et il est mort le 17 mai 1510 dans la maison de la Via della Porcellenna à Florence toujours. Il interrompt son apprentissage d'orfèvre vers 20 ans et entre en apprentissage chez le maître du début de la Renaissance Fra Filippo Lippi (entre 1464 et 1467).

Le style de Lippi transparaît dans la plupart des premiers travaux de Botticelli où on retrouve son goût pour la décoration extravagante et une tendance à la composition linéaire. Botticelli travaille ensuite avec les peintres et sculpteurs Antonio Pollaiolo et Andrea del verrocchio avec lesquels il apprend l'orfèvrerie, la gravure et la ciselure. Ces deux artistes préfèrent les portraits naturalistes et les corps sculptés: Botticelli copie d'ailleurs rapidement leur approche sculpturale, qu'il admire. En 1470, il devient à Florence un peintre indépendant possédant son propre atelier et reçoit sa première commande: " Allégorie de la force" (1470) pour le Tribunal de Commerce de Florence.

Son talent attire bientôt l'attention de la puissante famille Médicis qui s'éprenant de sa vision profane de l'histoire, de son traitement des thèmes religieux et mythologiques et de son talent pour le portrait, l'inonde de commandes. Et ils ne sont pas les seuls. En 1481, le pape Sixte IV l'appelle à Rome pour décorer la chapelle Sixtine. Il peint des retables, des fresques et des médaillons de toutes tailles, créant d'harmonieuses compositions de paysages fantastiques et de personnages vivants et émouvants. Parmi les commandes des Médecis, beaucoup reflètent leur goût pour l' Antiquité. La peinture profane de Botticelli trouve son apogée avec " Le Printemps" (1482) et " La Naissance de Vénus" (vers 1485), où l'artiste adopte ses formes allégoriques typiques et ambiguës.

Le style de Botticelli change radicalement dans ses dernières années sous l'influence du moine dominicain Savonarole. Ses tableaux sont d'un format plus petit, les thèmes traités tourmentés et apocalyptiques. A la fin de sa vie, il se consacre à une immense tâche, illustrer " La Divine Comédie de Dante" (1308-1321), la maladie interrompt son rêve. Lorsqu'il décède, en 1510, il est quelque peu tombé dans l'oubli, et ne sera redécouvert qu'au XIXe siècle par les préraphaélites. Mais la peinture de Botticelli demeure intemporelle: Le large usage qu'elle fait de l'allégorie la rend aussi énigmatique que son créateur.

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Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, dit Sandro Botticelli (qui signifie " petits tonneaux"), est un peintre italien né à dans le quartier d'Ognissanti de Florence (Italie) vers 1444, où son père était tanneur. Et il est mort le 17 mai 1510 dans la maison de la Via della Porcellenna à Florence toujours.

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Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

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Fernando Botero est un peintre et sculpteur colombien contemporain né le 19 avril 1932 à Medellin dans les Andes colombiennes en Amérique. Ses parents, David Botero et Flora Angula, ont eu trois garçons et Fernando est le second de cette famille. Sa mère fabrique des objets artisanaux et son père est agent de commerce, il parcourt la région de Medellin à dos de cheval pour gagner sa vie. A l'âge de 4 ans, son père meurt prématurément. C'est un de ses oncles, prénommé Joaquin, qui aide sa mère à élever les trois enfants. En 1944, son oncle, passionné par les corridas, l'inscrit dans une école de tauromachie de Medellín. Mais Botero a très peur des taureaux, il quitte donc rapidement le monde de la corrida et se concentre sur sa première passion, qui est le dessin et la peinture.

En 1948/49, ses dessins se retrouvent une fois par semaine dans le magazine littéraire El Colombiano et il participe à quelques expositions. Dans les années 1951/1955, une fois ses études secondaires terminées, il s'installe à Madrid, Paris puis Florence, villes dans lesquelles il découvre l'art classique européen, les artistes de la Renaissance ( Titien, Tintoret, Vélasquez) et considéré comme l'un des grands précurseurs de l' art contemporain. De retour en Amérique latine, il va vivre à Mexico où les peintures murales de Diego Rivera et Jose Clemente Orozco sont pour lui une véritable révélation. En 1960, Botéro déménage à New York. Il y passe treize années au cours desquelles il n'intègre jamais les grands mouvements artistiques américains mais reste fidèle à l'imagerie de sa Colombie natale. En 1961, le musée d'art contemporain de New-York, achète la toile de la Mona Lisa que Fernando a faite à l'âge de 12 ans.

Son style est marqué par la rondeur de ses personnages, parfois obèses même, qui célèbrent le plaisir de la chair et de la volupté. Les déformations des corps, des visages ou des objets créent une véritable harmonie dans ses oeuvres ce qui fait de Botero un artiste unique en son genre. Quand on lui pose la question du pourquoi ses personnages sont gros il répond : GROS, mes personnages ? Non, ils ont du volume, c'est magique, c'est sensuel. Et c'est ça qui me passionne : retrouver le volume que la peinture contemporaine a complètement oublié..."En 1956, Botero est à Mexico. Il dessine une mandoline et découvre soudain qu'en réduisant la rosace au centre de l'instrument, il modifie du coup les proportions et le volume de la mandoline, qui devient énorme. C'est le choc. Il sait dès lors ce qu'il va faire : tout grossir ce qu'il dessine ou peint à la manière baroque et donner ainsi une expression de somptuosité et de sensualité, non seulement aux personnages mais également aux éléments des natures mortes, fruits ou mandoline. Il exécutera plus de trente peintures de cette manière, devenant le Botero que nous connaissons aujourd'hui." John Sillevis.

Les thèmes de prédilection de Botero sont la politique, la religion, la tauromachie, les natures mortes, les bordels et les prostituées. La beauté et l'amour sont aussi deux exigences primordiales du peintre, qui se définit lui-même en opposition avec Siqueiros, dont la haine est visible à travers ses toiles. Botero, même dans une critique du régime colombien (militarisme et religion), dont il montre clairement la putréfaction, ne va pas au-delà d'une douce ironie ( La Familia del presidente, 1967). " J'avais toujours pensé que l'art pouvait permettre d'échapper aux cruautés de la vie, constituer un refuge pour la beauté et la sérénité. Néanmoins la tragédie qui tourmente mon pays est tellement accablante qu'elle a envahi jusqu'à mon propre travail.... Je ne pense pas que mes peintures changeront la dramatique réalité de la Colombie, mais j'ai éprouvé la nécessité morale de laisser au moins un témoignage de cette terrible folie et de cette violence barbare". Fernando Botero.

En 1974, alors que le monde entier commence à reconnaître en lui l' un des grands maîtres de la peinture de la seconde moitié du siècle, Pedro, son fils de quatre ans meurt dans un accident de voiture en Espagne. Le peintre est gravement blessé mais s'en sort. Cette tragédie marquera son oeuvre toute entière : ses peintures deviennent de plus en plus profondes, moins joyeuses peut-être... En 1992, ses sculptures géantes ont peuplé les Champs-Élysées à Paris, puis en 2006, Fernando Botero a présenté une série d'oeuvres sur les tortures à la prison d'Abu Ghraib dans une galerie new-yorkaise. En 2007, il a exposé au Musée National des Beaux-Arts au Québec .

" Ce qui m'intéresse dans chaque peinture, c'est de résoudre des problèmes de technique, de volume, de couleur, de composition. On n'apprend jamais à peindre une bonne fois pour toutes. Chaque fois que l'on peint, on résout un problème pictural." Fernando Botero.

Source: Wikipedia.

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Fernando Botero est un peintre et sculpteur colombien contemporain né le 19 avril 1932 à Medellin dans les Andes colombiennes en Amérique. Ses parents, David Botero et Flora Angula, ont eu trois garçons et Fernando est le second de cette famille.