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Art News - Secrets - Il bar delle Folies Bergère

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Art News - Ballo di campagna(Pierre Auguste Renoir)

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Art News - Ballo di campagna(Pierre Auguste Renoir)

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Art News -Secrets- Ballo di campagna(Pierre Auguste Renoir)

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Pierre Auguste Renoir -Ballo di campagna(1883)

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Altissima Definizione - Pinacoteca di Brera

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Altissima Definizione - Pinacoteca di Brera

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La Pinacoteca di Brera è lieta di aprire le porte al mondo sulla sua collezione.
Un nuovo approccio al consumo culturale attraverso una campagna di digitalizzazione in altissima definizione dei capolavori esposti, da rendere fruibili e visibili alla collettività.
Una più approfondita conoscenza e un accostamento delle opere per progressione temporale. Una nuova generazione di riproduzioni d'arte ad altissima definizione per consentire un approccio agli originali che va oltre ciò che percepisce l'occhio umano. Un'esperienza nuova, creativa e trasversale di una delle collezioni più importanti d'Europa. In particolare le immagini raggiungono parametri molto ambiziosi in termini di qualità e risoluzione (per alcuni soggetti è possibile arrivare a 4000 ppi sulla misura reale dell'opera).
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Ogni opera è descritta con gli opportuni metadati, corredata di informazioni circa Autore, Anno, Materia e Tecnica, Dimensioni, Firma, Inventario, Sala e Scuola pittorica.
La Soprintendenza è lieta della collaborazione con Borsa Italiana che, attraverso la London Stock Exchange Group Foundation, ha contribuito con un gesto generoso a realizzare la prima gallery Made in Italy digitalizzata in altissima definizione delle collezioni della Pinacoteca di Brera, adesso visibile in tutto il mondo.

Con la collaborazione di:
Ilaria Bruno, Marina Gargiulo, Cesare Maiocchi, Cristina Quattrini.

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Altissima Definizione | Pinacoteca di Brera

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La Pinacoteca di Brera è lieta di aprire le porte al mondo sulla sua collezione. Un nuovo approccio al consumo culturale attraverso una campagna di digitalizzazione in altissima definizione dei capolavori esposti, da rendere fruibili e visibili alla collettività. Una più approfondita conoscenza e un accostamento delle opere per progressione temporale.

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DailyArt - Your Daily Dose of Art History Stories - Apps on Google Play

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The Acropolis of Athens
The world´s most famous citadel, the Acropolis of Athens, was built in Ancient Greece in the 5th century BC.
Explore history with our interactive 3D scenes. Learn about historical sites, great works of architecture or events of the past. With our apps, learning becomes a playful experience.

Our 3D scenes have been designed for students between 8 and 18 years of age but can be interesting for everyone.

Available languages: English, American English, Deutsch, Français, Español, Русский, العربية, 日本語, 中文, 한국어, Italiano, Português, Svenska, Türkçe, Nederlands, Norsk, Polski, Magyar, ελληνικά
With the mozaik3D App, available in the Google Play store, you can access more than 1200 similar 3D scenes.

Mozaik Interactive 3D
Our fully interactive scenes can be rotated, enlarged or viewed from pre-set angles. With the predefined views, you can easily navigate through the complex scenes. Some of the 3D scenes contain a Walk mode, enabling you to explore the scene yourself. Most of our 3D scenes include narrations and built-in animations. They also contain captions, entertaining animated quizzes and other visual elements. The 3D scenes are available in several languages, which also offers an opportunity to learn and practice foreign languages.

Usage and navigation
Rotate the scene by dragging your finger.
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Activate VR mode by pressing the VR goggles icon in the bottom right corner.
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Acropolis Interactive educational 3D - Apps on Google Play

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The Acropolis of Athens The world´s most famous citadel, the Acropolis of Athens, was built in Ancient Greece in the 5th century BC.Explore history with our interactive 3D scenes. Learn about historical sites, great works of architecture or events of the past. With our apps, learning becomes a playful experience.

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A fantastic journey through the wonders of the land of the Pharaohs reconstructed by Altair4 in all their glory using 3D computer graphics. By means of a swipe across the screen you will travel along the Nile from Alexandria to Abu Simbel discovering the internal structure of two of the Seven Wonders of the Ancient World: the Lighthouse of Alexandria and the Great Pyramid of Giza. With the 3D flight feature you can interactively fly over the endless expanse of the ancient capital Thebes, the city of the hundred gates, with the sacred precincts of Luxor and Karnak and the Avenue of Sphinxes. Thanks to our Virtual Tour feature you can walk inside the enclosure of Amon by moving right into the forest of columns in the hypostyle hall; then also the magnificent Dendera faces of the goddess Hathor on the capitals of the temple rebuilt after being destroyed by religious intolerance; you can also visit a typical house of the Egyptian workers' village in the Valley of the Kings' tombs at Deir el Medina, the temple of Isis on the Island of File and the colossal statues of Abu Simbel, with the story of their rescue from the waters of Lake Nasser in two exceptional video documents that show the titanic work involved in dismantling and moving the temples to their current homes. A unique piece of work which includes 15 years of contributions by archaeologists and artists. More than 13,000 files, 2 Gb of original data specifically created for an application unrivalled on the market for its rigorous approach, its completeness and its quality.

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Ancient Egypt 3D (Lite) - Apps on Google Play

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A fantastic journey through the wonders of the land of the Pharaohs reconstructed by Altair4 in all their glory using 3D computer graphics. By means of a swipe across the screen you will travel along the Nile from Alexandria to Abu Simbel discovering the internal structure of two of the Seven Wonders of the Ancient World: the Lighthouse of Alexandria and the Great Pyramid of Giza.

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arte architettura mostre mostra eventi notizie notizia restauro archeologia documenti aste fotografia libri opinioni

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addsarchivio / ARCHIVIO DIGITALE DELLA SALVAGUARDIA

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VRRC VIRTUAL RESTORATION RESEARCH CENTER OFFERTA FORMATIVA - prototipi goo.gl/TdCi6 - INFO. 347 2542 819

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Wikiart.org is the best place to find art online. Discover paintings and photographs in a searchable image database with artist biographies and artwork descriptions.

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Libri, trattati, epistolari, appunti e testi sull'arte digitalizzati

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Dai trattati dell'antica Roma ai taccuini degli artisti del Novecento. Tutti i testi digitalizzati in altissima risoluzione e sfogliabili online

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Tutti i periodi artistici nei video di YouTube.

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I fratelli Lumière sono gli inventori del cinematografo, il primo apparecchio che riprende e proietta su uno schermo immagini in movimento. Auguste e Louis Lumière nascono a Besançon, in Francia, rispettivamente nel 1862 e nel 1864. La famiglia Lumière possiede un'azienda di prodotti fotografici ed è qui che Auguste e Louis, partecipi del fermento della loro epoca, effettuano i primi esperimenti sulle pellicole. Negli anni che vanno dalla seconda metà dell'800 agli inizi del '900, infatti, il pensiero occidentale è permeato da una fiducia nella scienza e nel progresso. In questi anni nasce la società industriale capitalistica e l'uomo è convinto che l'uso della tecnologia rivoluzionerà il suo modo di vivere: ciò che prima era ritenuto irrealizzabile, ora diventa possibile.

Numerosi ricercatori in questi anni tentano di realizzare una macchina capace di registrare e mostrare immagini in movimento. Nel 1891, l'inventore statunitense Thomas Alva Edison mette a punto il kinetoscopio, uno strumento che, attraverso un visore, consente a una persona per volta di vedere immagini che sembrano muoversi. Lavorando sul kinetoscopio di Edison, i Lumière brevettano il cinematografo: un'unica macchina in grado di registrare e proiettare immagini in movimento. Il cinematografo dei fratelli Lumière, si distingue dal kinetoscopio di Edison per una caratteristica fondamentale: proiettando le immagini all'esterno dell'apparecchio, consente la visione a più spettatori contemporaneamente. Nasce il cinema. La prima proiezione pubblica di filmati avviene il 28 dicembre 1895 negli scantinati del Grand Cafè di Parigi: 10 filmati da un minuto ciascuno raccontano scene di vita quotidiana, riprese da un'unica inquadratura fissa. Il costo del biglietto è di 1 franco. Rimane celebre l'"Arrivo di un treno alla stazione di La Ciotat", la cui inquadratura fissa, crea la sensazione che la locomotiva stia per uscire dallo schermo: gli spettatori, credendo di essere travolti, si danno alla fuga.

Ancora oggi questa è forse la più grande emozione che il cinema abbia mai regalato ad un pubblico. Ma la concorrenza non tarda ad arrivare e nei primi anni del Novecento i Lumière vendono i diritti del cinematografo a Charles Pathé, convinti che il cinema sia un'invenzione senza futuro. Da questo momento in poi i Lumière si dedicano alla sperimentazione di fotografie a colori. Louis e Auguste muoiono in Francia, rispettivamente a Bandol nel 1948 e a Lione nel 1954. La loro invenzione ha rivoluzionato il modo di raccontare, ricordare e immaginare la vita.

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I fratelli Lumière sono gli inventori del cinematografo, il primo apparecchio che riprende e proietta su uno schermo immagini in movimento. Auguste e Louis Lumière nascono a Besançon, in Francia, rispettivamente nel 1862 e nel 1864. La famiglia Lumière possiede un'azienda di prodotti fotografici ed è qui che Auguste e Louis, partecipi del fermento della loro epoca, effettuano i primi esperimenti sulle pellicole.

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Il gabinetto del dottor Caligari (1919) - Intertitoli sottotitolati in italiano

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Il gabinetto del dottor Caligari (1919) - Intertitoli sottotitolati in italiano

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Nosferatu il vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1922) [ITA]

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Nosferatu il vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1922) [ITA]

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Sir Charles Spencer "Charlie" Chaplin ( Londra, 16 aprile 1889 - Corsier-sur-Vevey, 25 dicembre 1977) è stato un attore, comico, regista, sceneggiatore, compositore e produttore cinematografico britannico, autore di oltre novanta film e tra i più importanti e influenti cineasti del XX secolo.

Il personaggio attorno al quale costruì larga parte delle sue sceneggiature, e che gli diede fama universale, fu quello del " vagabondo" Charlot ( The Tramp in inglese). L'emotività sentimentale e il malinconico disincanto di fronte alla spietatezza e alle ingiustizie della società moderna fecero di Charlot l'emblema dell' alienazione umana (in particolare delle classi sociali più emarginate) nell'era del progresso economico e industriale.

Chaplin fu una delle personalità più creative e influenti del cinema muto. La sua vita lavorativa nel campo dello spettacolo ha attraversato oltre 76 anni. Fu influenzato dal comico francese Max Linder, a cui dedicò uno dei suoi film. Star mondiale del cinema, fu oggetto di adulazione e di critiche serrate, anche a causa delle sue idee politiche. Nei primi anni cinquanta, durante le persecuzioni del cosiddetto Maccartismo, le sue idee di forte stampo progressista furono infatti avversate dalla maggior parte della stampa; fu inviso anche al governo federale statunitense. In viaggio con la famiglia verso Londra (settembre 1952), dove si sarebbe tenuta la prima mondiale diLuci della ribalta e successivamente un periodo di vacanza, fu raggiunto dalla notifica del procuratore generale degli Stati Uniti in base alla quale gli veniva annullato il permesso di rientro negli USA: visse il resto della sua esistenza in Svizzera, nella tenuta de "Manoir de Ban", nel comune di Corsier-sur-Vevey. Riabilitato dall'opinione pubblica americana solo all'inizio degli anni settanta, quando tornò nella sua patria di adozione per ritirare l'Oscar alla carriera. Tra gli attori più famosi dalla nascita dell'industria hollywoodiana, l' American Film Institute lo ha inserito al decimo posto tra le più grandi star della storia del cinema.

L'infanzia e gli inizi

Charles Chaplin nacque il 16 aprile 1889 a East Street, nel sobborgo londinese di Walworth. Nei registri del Comune di Londra non c'è traccia della sua nascita, ma solo la notifica della sua presenza nel 1891, due anni dopo la nascita. Nel 2011 venne ritrovata una lettera a lui indirizzata, datata 1970, che ipotizza la sua venuta al mondo in un carro di zingari accampato nei pressi di Birmingham. I suoi genitori erano Charles Chaplin Senior, un attore di varietà di discreto talento e successo ma compromesso dal vizio dell'alcol, e Hannah Harriette Hill, un'attrice conosciuta come Lily Harley di altrettanto talento, ma minor fortuna. La coppia aveva già un figlio, Sydney, nato quattro anni prima.

Col piccolo Charlie in fasce ed il di lui padre in tournée in America, Hannah allacciò una relazione con un cantante all'epoca piuttosto in voga, Leo Dryden, dal quale ebbe un figlio, Wheeler Dryden (dell'esistenza di questo fratellastro Chaplin verrà a conoscenza molto più tardi). Il matrimonio già in crisi subì un colpo definitivo dal tradimento: la separazione avvenne l'anno successivo la nascita di Charles. Il padre cercò di tenere con sé (per la verità senza troppa convinzione) e con la sua nuova compagna sia il piccolo Charles sia suo fratello Sydney, ma il tentativo fallì e i due bambini andarono a vivere con la madre cui furono concessi dieci scellini la settimana per il mantenimento di entrambi.

Per le precarie condizioni finanziarie della famiglia, Charles e suo fratello trascorsero due anni fra collegi e istituti per orfani a Lambeth. Il talento innato e la frequentazione dei teatri al seguito della madre forgiarono il piccolo Chaplin, sedimentando i primi rudimenti artistici appresi proprio dalla madre nel canto e nella recitazione. I primi passi sul palcoscenico li mosse assieme a lei a sette anni. Nel 1896, durante una recita in un teatro di varietà, Hannah, a causa di un improvviso abbassamento di voce, fu fischiata e costretta ad abbandonare il palcoscenico; l'impresario mandò a sostituirla in scena proprio il piccolo Charlie che ottenne un discreto successo cantando una canzone popolare dell'epoca, 'E Dunno Where 'E Are.

La famigliola si trasferì nel 1898 a Manchester, nei pressi di Belle Vue. Qui Charlie frequentò la scuola per tre anni. Grazie ad alcuni conoscenti del padre, entrò a far parte di una vera compagnia, gli Eight Lancashire Lads, formata tutta da enfants prodige, sotto la guida di William Jackson. Gli otto bambini si esibivano in un ballo con gli zoccoli. Nel 1900 l'undicenne Charlie, grazie al fratello Sydney, ottenne un ruolo comico nella parte di un gatto nella pantomima Cinderella (Cenerentola), rappresentata all' Hyppodrome di Londra, nella quale recitava anche il famoso clown Marceline. Nello stesso anno Sydney si imbarcò su una nave come trombettista: Charlie rimase solo a sostenere la madre, la cui salute sia fisica che mentale cominciava a manifestare segni di cedimento. L'anno successivo vide la perdita del padre.

Le faticose vicissitudini quotidiane segnarono Hannah, obbligandola ad un primo ricovero ospedaliero a seguito di una importante forma depressiva a cui non era probabilmente estranea una condizione di denutrizione. Nel 1903 Charles ottenne una piccola parte in Jim, the Romance of a Cockney e la sua prima personale recensione favorevole sulla stampa; di lì a poco ebbe il primo ruolo fisso in teatro: quello dello strillone Billy in Sherlock Holmes (per la regia di Quentin McPherson), portato a lungo in tournée. Intanto il fratello era tornato a Londra e aveva cominciato anche lui a lavorare in teatro. Grazie alla migliorata situazione finanziaria, i due riuscirono a far dimettere Hannah dall'ospedale prendendosene cura, ma per poco tempo: una ricaduta ne determinò un nuovo internamento. La madre trascorrerà i propri ultimi sette anni di vita in California, nella villa donatale dai figli, dove morì nel 1928.

Il varietà con Fred Karno

Fra il 1906 e il 1907 Chaplin lavorò ne Il Circo di Casey, misto di varietà e numeri circensi. L'esperienza gli permise di familiarizzare con il mondo del circo e di entrare nella compagnia di Fred Karno, anche grazie al fratello Sydney che già vi lavorava. La paga era di 3 sterline a settimana e il debutto avvenne nel 1906 con L'incontro di calcio, in cui Charles interpretava la parte di un individuo senza scrupoli che tenta di drogare il portiere avversario prima dell'incontro. Il fratello maggiore ideava le pantomime e Charlie le doveva interpretare: così Chaplin imparò l'arte di esprimersi senza parole.

Ben presto il giovane Chaplin divenne, insieme a Stanley Jefferson (meglio conosciuto come Stan Laurel) uno degli attori più apprezzati della compagnia. Oltre al teatro Chaplin si dedicava al podismo: era iscritto al club podistico di Kennington e si allenava sulle distanze lunghe; nel 1908 prese anche in considerazione l'idea di iscriversi alla maratona delle Olimpiadi di Londra, ma proprio in quel periodo si ammalò. Nel 1909 la compagnia di Karno iniziò le tournée all'estero: dapprima a Parigi e, due anni dopo, negli Stati Uniti. Chaplin era il primo comico in A Night in an English Music Hall, atto unico di pantomima.

L'esperienza americana non fu particolarmente felice, ciononostante la compagnia ritornò oltreoceano anche l'anno successivo e questa volta le cose andarono diversamente: il successo fu grande grazie anche al giovane Charles, entrato da poco ma già elemento di punta della compagnia. Chaplin fu notato dal produttore Mack Sennett, che nel novembre 1913 lo mise sotto contratto per la casa cinematografica Keystone. Era il primo contratto di Chaplin per una casa cinematografica. Il compenso fu di 175 dollari la settimana.

Da primo comico a celebrità: 1914-1919

Nel 1914 Chaplin esordì nell'ancora acerbo mondo del cinema con il cortometraggio Charlot giornalista, prodotto dalla Keystone. In questo film, uscito il 2 febbraio di quell'anno, non indossava ancora i panni del personaggio che lo avrebbe in seguito reso universalmente celebre ed immortale. Saranno i due cortometraggi usciti quasi contemporaneamente: Charlot ingombrante (uscito il 7 febbraio) e Charlot all'hotel (9 febbraio) a far conoscere al pubblico la maschera di Charlot quale anche noi conosciamo: (bombetta, baffetti e bastone da passeggio, pantaloni e scarpe sformati e consunti), benché interpretando il ruolo di un comune ubriaco. Il personaggio universalmente conosciuto come "Il vagabondo" si definirà pienamente soltanto nell'aprile del 1915, quando Chaplin interpretò il cortometraggio Il vagabondo. Iniziò in quel febbraio 1914 la rapida e travolgente ascesa di Chaplin, nell'arco di cinque anni conquistò un posto d'onore nella storia della settima arte. Prima di Chaplin, un altro comico aveva creato il personaggio del "vagabondo": Lew Bloom (1859-1929); a lui si ispirarono decine di altri comici (e Chaplin tra di loro). Ma fra tutti i "vagabondi" proposti in quel periodo, ad emergere fu "Charlot" e sarà per l'eternità.

Per la californiana Keystone, nel solo 1914 Chaplin recitò in trentacinque cortometraggi. Da virtuoso della pantomima, comunicava al pubblico una vasta gamma di emozioni in particolare col volto, dei cui muscoli facciali, padroneggiava appieno il controllo. Il suo personaggio era anticonvenzionale e a tratti sprezzante. Nel dicembre 1915 si trasferì a Chicago, dove lavorò per la Essanay in altre quattordici produzioni. La Essanay se lo aggiudicò offrendogli uno stipendio settimanale di 1.250 dollari.

Con cachet adeguati a una popolarità sempre più grande, Chaplin approdò alla Mutual Film, firmando altri dodici corti: Charlot fu di volta in volta cameriere, milionario, muratore e sfaccendato. Il pubblico lo stimava per la grossa carica di umanità che emanava attraverso le sue storie, disseminate di amore e di insidie. Nel 1916 Charlie Chaplin era già un attore da oltre 600.000 dollari l'anno, una cifra mai vista per un artista fino ad allora quando scritturò la diciannovenne Edna Purviance, facendone la sua primadonna in ben 35 film fra il 1916 e il 1923. Dal momento della firma del suo nuovo contratto, Chaplin disponeva anche di uno studio personale con relativo staff, una sala per le proiezioni, uffici ed alloggi per gli attori.

I due vissero anche un intenso e travagliato legame affettivo, che si mantenne in amicizia anche dopo la fine della passione ( 1918) e della carriera artistica di lei (accelerata dagli eccessi dell'alcol): Chaplin continuerà a corrispondere con Edna fino alla sua morte, oltre a passarle una paga salariale da attrice. Con la Mutual Film realizzò dodici film nel periodo 1916- 1917 (uno dei più felici della sua carriera). Chaplin, non ancora trentenne, recitò e diresse quasi cento corti nell'arco di cinque anni.

Chaplin non progettava mai su carta nessuna delle sue gag, né tanto meno "sceneggiava" l'intreccio delle sue comiche. Riusciva a tenere a mente un intero film per poi spiegarlo agli attori sul set man mano che lo girava. Nel 1918 decise di mettersi in proprio e passò alla First National, con cui fece dieci film, fino al 1923. Fu proprio la First National - grazie anche all'interessamento del fratello Sydney, ormai suo procuratore - a corrispondergli il favoloso ingaggio di un milione di dollari, cachet mai guadagnato prima da un attore.

Nel 1919 Charlie Chaplin insieme ad alcuni colleghi (fra cui Mary Pickford, Douglas Fairbanks e David Wark Griffith) fondò la United Artists Corporation. Da allora in poi curerà da solo ogni fase della sua produzione cinematografica, attorniato da un gruppo di fedelissimi quanto preziosi e competenti collaboratori, tra cui spicca Alfred Reeves, inglese come lui, già manager della compagnia di Karno, che all'UAC assunse il ruolo di direttore di produzione.

A un periodo professionalmente felice non corrispose, però, una vita privata altrettanto serena. Nel 1918 aveva infatti sposato la giovane Mildred Harris, incinta di lui (la gravidanza si rivelò però falsa). Harris rimase incinta poco dopo il matrimonio e diede alla luce un bambino gravemente malformato, Norman Spencer, che sopravvisse solo tre giorni. I due divorziarono nel 1920.

Nel 1921 Chaplin lavorò ad una pellicola che lo consacrò definitivamente come star affermata. Dopo diversi travagli che funestarono le riprese e la fase di post-produzione, nel gennaio del 1921 ebbe luogo la prima proiezione ufficiale de , che Chaplin diresse e interpretò e nel quale fece debuttare il piccolo-grande attore Jackie Coogan.

Nello stesso anno Chaplin si imbarcò sull' e tornò nella madrepatria dopo undici anni di assenza. A Londra fece una visita nei quartieri di Lambeth, Kennington ed Elephant and Castle per rivedere i luoghi che gli furono familiari da bambino.

Dal 1923 al 1952 Chaplin lavorò costantemente per la United Artists, e girò otto film, tra i più importanti della sua carriera. Il primo lavoro fu La donna di Parigi nel 1923, primo film nel quale non figurò come interprete (si ritagliò una piccola comparsa nel ruolo di facchino). Il film, pur ampiamente apprezzato dalla critica, non ebbe l'atteso successo di pubblico, ma i capolavori successivi lo proiettarono nel firmamento della cinematografia.

La febbre dell'oro

La febbre dell'oro del 1925 è considerato da molti una delle sue opere meglio riuscite. La produzione del film successivo, ( 1928), fu però travagliata a causa dei problemi sorti nella vita privata: in quel periodo divorziò dalla seconda moglie, l'attrice Lita Grey che aveva sposato nel 1924. La coppia aveva avuto due figli: Charles Chaplin Jr. ( 1925) e Sydney ( 1926).

L'affermazione del sonoro (a partire dal 1927) colse in contropiede Chaplin, che aveva pensato e costruito Charlot solo per il cinema muto. Chaplin decise di andare avanti proponendo il suo personaggio. Nel 1929, l'assegnazione del suo primo Premio Oscar alla carriera lo consacrò come la prima star a vincere tale premio (e a tutt'oggi il più giovane regista ad averlo vinto).

Luci della città

Quando nel 1929 Charlie Chaplin cominciò a interessarsi al suo nuovo film, il sonoro era diventato ormai pressoché irrinunciabile per qualsiasi regista dell'epoca. Sydney, fratello e manager di Charlot, non esitò a proporgli l'idea di una pellicola sonorizzata, ma Charlie era molto scettico rispetto alla nuova invenzione e tentò in tutti i modi di restare alla pantomima che lo aveva reso celebre. Chaplin girò nel 1931 Luci della città, film muto accompagnato dalla musica. Fu il primo film di Chaplin con sonoro e musiche sincronizzate.

All'inizio del film la voce delle persone è resa con il suono degli strumenti musicali. Questa volta la protagonista femminile sarebbe stata Virginia Cherrill: la graziosa ventiduenne bionda avrebbe impersonato una fioraia cieca. Chaplin raccontò di averla conosciuta ad un incontro di pugilato nel 1928 e di averla scritturata immediatamente per il suo imminente lavoro. Varie vicissitudini coinvolsero Charlie durante la realizzazione di Luci della città. Una tra le più importanti: la fioraia avrebbe dovuto scambiare il piccolo vagabondo per un milionario ma Chaplin non sapeva come ottenere tale risultato. Prima di trovare una soluzione rifece la scena svariate volte, provando i più svariati espedienti.

Tale scena alla fine è divenuta la più ripetuta nella storia del cinema, per un totale di 342 ciak.

Albert Einstein andò alla prima del film negli Stati Uniti in compagnia dello stesso Chaplin: quando gli spettatori li videro, si alzarono in piedi applaudendoli calorosamente. Allora pare che Chaplin abbia mormorato ad Einstein: "Vede, applaudono me perché mi capiscono tutti; applaudono lei perché non la capisce nessuno".

Nello stesso anno l'attore/regista ricevette l'onore dell'attribuzione della Legione d'onore francese. Cinque anni dopo girò un altro capolavoro del cinema muto, Tempi moderni. Ecco come Chaplin descriveva il suo personaggio nel 1931:

"All'inizio Charlot simboleggiava un gagà londinese finito sul lastrico [...] All'inizio lo consideravo soltanto una figura satirica. Nella mia mente, i suoi indescrivibili pantaloni rappresentavano una rivolta contro le convenzioni, i suoi baffi la vanità dell'uomo, il cappello e il bastone erano tentativi di dignità, e i suoi scarponi gli impedimenti che lo intralciavano sempre"

Nel 1932 aveva conosciuto l'attrice Paulette Goddard, che aveva già avuto qualche esperienza marginale nel cinema in parti minori. I due s'innamorarono e Paulette recitò con Charles in Tempi moderni ( 1936), l'ultimo film in cui compare Charlot. Si sposarono nel 1936 e divorziarono nel 1942. Tuttavia, ancora oggi, esistono dubbi se fra i due ci sia stato un effettivo matrimonio: entrambi rifiutavano di concedere dichiarazioni al riguardo e la Goddard, in lizza per ottenere il ruolo di Rossella O'Hara in Via col vento, perse per un soffio contro Vivien Leigh perché non fu in grado di dimostrare ai produttori di essere realmente sposata con Chaplin.

Chaplin raccontava pubblicamente che si erano sposati in Cina e che avevano divorziato in Messico, ma con gli amici e la famiglia sosteneva che non erano sposati. Per realizzare i suoi successivi film Chaplin decise di abbandonare il personaggio che gli aveva donato la popolarità.

"Non potrebbe parlare, non saprei che voce usare. Come riuscirebbe a mettere insieme una frase? Per questo motivo Charlot ha dovuto darsela a gambe"

Il grande dittatore ( 1940) fu il primo film completamente sonoro di Chaplin, girato e distribuito negli Stati Uniti poco prima dell'entrata nella Seconda guerra mondiale. Nel film, Chaplin interpreta due personaggi: Adenoid Hynkel, il dittatore di Tomania, esplicitamente ispirato ad Adolf Hitler, e un barbiere ebreo perseguitato dai nazisti. Dopo la guerra, quando l'internamento e lo sterminio degli Ebrei furono noti, Chaplin dichiarò che non avrebbe realizzato il film se solo avesse potuto immaginare cosa fosse accaduto nei campi di concentramento. Il film ebbe due candidature agli Oscar, come miglior attore protagonista e miglior sceneggiatura, ma non vinse alcuna statuetta. Fu l'ultima apparizione del vagabondo.

Il film era anche una sfida coraggiosa al più potente dittatore dell'epoca, Adolf Hitler, dal quale Chaplin era diviso anagraficamente da soli quattro giorni. L'imitazione caricaturale sottolineava i toni e gli atteggiamenti del Führer, come nel discorso alla folla, completamente improvvisato e girato in un'unica scena. Memorabile, oltre che fortemente rappresentativa, la scena nella quale il dittatore danza con il mappamondo sulla musica del preludio del Lohengrin di Richard Wagner.

La scelta del luogo di presentazione della pellicola al pubblico fu ponderata. Si puntò su New York, meno influenzata dal clima di destra col quale anche gli Stati Uniti dovevano confrontarsi. La realizzazione del film fu accompagnata dallo sfiorire del rapporto sentimentale tra Chaplin e Paulette Goddard, in procinto di chiedere il divorzio. Durante la lavorazione, nel dicembre del 1939, Chaplin fu anche raggiunto dalla comunicazione della morte improvvisa dell'amico Douglas Fairbanks, che soltanto un mese prima gli aveva fatto visita sul set. Ne fu sconvolto e la perdita del "solo vero amico che abbia mai avuto", come ebbe a dire Chaplin, rimarrà una profonda ferita per l'attore. Dopo questo film Chaplin interruppe la sua attività cinematografica per circa sette anni.

Tra il 1942 e il 1943 ebbe una breve relazione con Joan Barry. Nell'ottobre del 1943, la Barry ebbe una figlia, Carol Ann, presunta figlia di Chaplin. Dopo le analisi del sangue, la corte stabilì che la bambina non poteva essere sua figlia. Dopo due difficili processi che approdarono all'accusa di "turpitudine morale" da parte del procuratore, Chaplin fu dichiarato esserne il padre. Il giudice rifiutò di accettare le prove mediche (soprattutto il differente gruppo sanguigno) che avrebbe scagionato l'attore e oggi è universalmente riconosciuto che fu un errore giudiziario. Carol Ann ricevette un assegno di mantenimento mensile dall'attore fino al compimento dei 21 anni.

Nel 1942 conobbe la diciassettenne Oona O'Neill, figlia del celebre drammaturgo Eugene O'Neill, che divenne sua moglie nel 1943, creando scandalo per la grande differenza d'età. La coppia ebbe otto figli, tre nati negli Stati Uniti e cinque in Svizzera: Geraldine (1º agosto 1944), Michael (7 marzo 1946), Josephine (28 marzo 1949), Victoria (19 maggio 1951), Eugene, (23 agosto 1953), Jane (23 maggio 1957), Annette (3 dicembre 1959) e Christopher (8 luglio 1962). Nel 1947 uscì un nuovo film, Monsieur Verdoux ispirato alla famosa storia di Henri Landru, da un'idea suggerita a Chaplin da Orson Welles.

Le sue simpatie politiche non furono da lui mai rivelate esplicitamente. Si ritiene fosse un progressista, ma non socialista o comunista, oltre che (cosa da lui invece rivelata) un pacifista. Di certo, in molti suoi film aveva analizzato la realtà cupa dei lavoratori, dei poveri e degli emarginati (Tempi moderni, del 1936, ne può essere un chiaro esempio), ed aveva messo in piena luce le contraddizioni della società statunitense. Benché vivesse negli Stati Uniti da molti anni e vi pagasse le tasse, Chaplin non aveva mai chiesto la cittadinanza statunitense.

Già all'uscita di Monsieur Verdoux (1947) venne pubblicamente accusato di "filocomunismo" e nel 1949 divenne uno dei bersagli del movimento innescato dal senatore Joseph McCarthy. Chaplin negò sempre, con veemenza. Disse anche che era stanco di rispondere sempre alla stessa domanda, affermando che la propria ideologia non era altro che quella professata dal suo "omino":"Avere un tetto sulla testa, lavorare liberamente e formarsi una famiglia. Questo un Ideale democratico, non già comunista". Nel 1951 iniziò a girare quello che sarebbe stato il suo film d'addio: Luci della ribalta, tratto da un suo romanzo, Footlights, mai pubblicato. Fu il suo ultimo film prodotto a Hollywood, e anche l'unico che interpretò assieme ad un altro mattatore del cinema muto: Buster Keaton. In questo film debuttò la figlia Geraldine Chaplin.

La condanna decisiva nei suoi confronti arrivò nel settembre del 1952 per "gravi motivi di sfregio della moralità pubblica e per le critiche trasparenti dai suoi film al sistema democratico del Paese che pure accogliendolo gli aveva dato celebrità e ricchezza". Chaplin e la sua nuova famiglia si erano imbarcati per l'Europa per la prima mondiale a Londra di Luci della ribalta; successivamente aveva previsto un periodo di vacanza della durata di sei mesi. Mentre si trovavano ancora in navigazione il ministro della giustizia statunitense dispose per pubblico decreto che a Chaplin, in quanto cittadino britannico, non sarebbe stato permesso di rientrare nel paese a meno che non avesse convinto i funzionari dell'immigrazione di essere "idoneo". Avutane notizia, Chaplin decise di stabilirsi in Europa fissando la sua residenza in Svizzera. Nella primavera del 1953 restituì il permesso di rientro, che pure gli era stato rilasciato all'atto della sua partenza dalle stesse autorità americane. Nel luglio dello stesso anno Chaplin presenziò allo spettacolo del grande clown svizzero Grock, di stanza col proprio circo nel contiguo comune di Vevey. I due si omaggiarono e si abbracciarono, riconoscendo la reciproca grandezza nell'arte mimica.

Nel 1957 Chaplin ritornò dietro la macchina da presa per girare di nuovo un film: Un re a New York. Fu il suo penultimo film, tra l'altro anche l'unico in cui recita assieme a suo figlio Michael. L'opera non ebbe successo e la sua vena cinematografica sembrò effettivamente appannata. Dal 1959 e per più di una decina d'anni successivi, Chaplin usava villeggiare, con la famiglia, nella cittadina irlandese di Waterville, paese all'interno del Ring of Kerry, nell'omonima contea. Una statua in onore del celebre attore è stata collocata sul lungomare. Nel 1964, dopo circa un anno di lavoro, scrisse un'autobiografia (nella quale non vi è menzione del film , che probabilmente preferiva non ricordare per le tristi circostanze nelle quali fu girato). Nel 1966 si calò per l'ultima volta nei panni di regista, per girare La contessa di Hong Kong: fu il suo ultimo film, nonché l'unico a colori, nel quale lavorò assieme a due star del cinema mondiale: Marlon Brando e Sophia Loren.

Grazie alla sua genialità di compositore, proprio in quegli anni produsse la versione sonora di alcuni suoi capolavori: nel 1969, nel 1971, e infine nel 1975 La donna di Parigi. Nel 1972, riconciliatosi con l'opinione pubblica statunitense, ritornò negli Stati Uniti per ritirare il suo secondo premio Oscar alla carriera, assegnatogli per "aver fatto delle immagini in movimento una forma d'arte del Ventesimo secolo". In tale occasione fu protagonista della più lunga ovazione nella storia dell' Academy Awards. L'anno successivo vinse il Premio Oscar alla migliore colonna sonora per il film Luci della ribalta. Il 4 marzo 1975, dopo molti anni di esilio volontario dal suo Paese d'origine, Chaplin fu nominato Cavaliere di Sua Maestà dalla regina Elisabetta II d'Inghilterra. L'onorificenza era già stata proposta nel 1956, ma - in piena guerra fredda - non era stata concessa per il veto imposto dal Foreign Office britannico sempre a causa delle presunte "simpatie comuniste" di Chaplin.

Il pomeriggio inoltrato della vigilia di Natale del 1977, Chaplin chiese alla moglie Oona di spalancare le porte della camera affinché dalla hall sottostante potessero salire le note delle " Christmas carol" come da rituale che si ripeteva da oltre vent'anni il 24 dicembre nella loro residenza. Quella stessa notte, intorno alle 4, morì, nel sonno, uno dei più grandi attori di sempre della storia del cinema. Charles Chaplin morì a Corsier-sur-Vevey ( Vaud), in Svizzera, la notte di Natale del 1977. Fu sepolto nel piccolo cimitero della cittadina svizzera. Al suo fianco lo raggiungerà la moglie nel 1991. Gli sopravvissero dieci figli, ma soprattutto vive la sua immortale creatura Charlot e i suoi film. Nei giorni successivi la scomparsa di Chaplin, personalità del mondo dello spettacolo rilasciarono, sulla stampa di tutto il mondo, oltre al cordoglio anche impressioni e ricordi a lui legati:

Tre mesi dopo la sua morte, la notte del 1º di marzo 1978, le sue spoglie furono trafugate a scopo di estorsione da due profughi, un operaio bulgaro e un disoccupato polacco, da tempo residenti in Svizzera dove avevano ricevuto asilo politico. Un milione di franchi svizzeri fu la richiesta di riscatto. La fermezza della moglie Oona e il suo rifiuto a voler trattare con i colpevoli fece fallire il piano criminale. 75 giorni dopo furono catturati, la salma localizzata e recuperata nei pressi del comune di Noville, sul Lago di Ginevra, e interrata nuovamente nel paesino svizzero.

Nell'annunciarne la morte, il Corriere della Sera delineò l'aspetto psicologico di Chaplin e del personaggio di Charlot:

"Aveva nel sorriso il pianto del mondo e nelle lacrime delle cose faceva brillare la gioia della vita. Toccato dalla grazia del genio era il guanto rovesciato della nostra civiltà, il miele e lo schiaffo, lo scherno ed il singhiozzo; era il nostro rimprovero e la nostra speranza di essere uomini. Testimone universale commosse e rallegrò i cuori di tutte le razze e latitudini, ovunque si celebrasse il processo all'iniquità, alla presunzione, al cinismo dei ricchi e dei potenti, ovunque dal dolore potesse scaturire la protesta del debole sopraffatto e il riscatto dell umiliato. Uomini e donne di tutte le età e colore si riconobbero in lui, si contorcevano dalle risa e sentivano salirsi dentro pietà per se stessi. Andavano per gioire e uscivano pieni di malinconia. Così fu, così è, così sarà sempre: il debole vilipeso, lo sconfitto irriso, la dignità dell'uomo calpestata dal soperchiatore e dall'arrogante, e il candore, l'innocenza fraintesi per ingenuità, e sono invece la forza del giusto: è qui la tragedia che si colora di comico, la farsa che si tinge di dramma. Il lungo viaggio di un pessimista europeo, con sangue gitano ed ebreo, carico di antichi dolori, compiuto per convincersi che tuttavia conviene credere nell'uomo; questo il transito di Chaplin, il senso della sua opera di artista universale."

Chaplin era ateo. La figlia Geraldine rilasciò in proposito una lunga intervista a Maria Pia Fusco al settimanale La Domenica di Repubblica, pubblicata il 20 maggio 2007. Nella stessa intervista dichiara che fece comunque studiare i figli in collegi cattolici e lui stesso dichiarò: "Vorrei tanto poter credere, sarebbe bello se qualcuno mi convertisse".

Eredità artistica

Un film biografico su Chaplin, intitolato , è stato girato nel 1992 dal regista Richard Attenborough, interpretato da Robert Downey Jr. (nel ruolo di Chaplin), Dan Aykroyd, Geraldine Chaplin, Anthony Hopkins, Milla Jovovich, Moira Kelly, Kevin Kline, Diane Lane, Penelope Ann Miller, Paul Rhys, Marisa Tomei, Nancy Travis e James Woods.

Il 16 aprile 2016, al termine di 15 anni di progettazione e lavori, è stato inaugurato, a Corsier-sur-Vevey, il Chaplin's World, museo dedicato all'artista, nel medesimo luogo dove tutta la famiglia Chaplin visse e risiedette dal 1953 fino alla morte di Oona O'Neill. Visita alle sale della "Menoir de Ban", villa residenziale contenente gli arredi, fotografie, documenti, oggetti, appartenuti a Chaplin. In un nuovo edificio, gli Studios, adiacente la villa, sono state allestite riproduzioni in 3D dei set con i protagonisti dei suoi film.

Nel 2019, per commemorare il 130º anno dalla nascita dell'artista, gli U2 hanno dedicato l' EP The Europe EP a Chaplin.

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5. È la ^ clog dance, una veloce danza di origine irlandese, affine alla giga, che si balla calzando zoccoli di legno.

6. Jackie Coogan diverrà noto al pubblico televisivo degli anni sessanta nella parte di "Zio Fester" del telefilm ^ La famiglia Addams.

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8. ^ Cioè una persona che tiene a farsi notare per come si veste

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13. (^ PDF) () Conferring the Honour of Knighthood for the New Year 1975 , thegazette.co.uk, 31 gennaio 1974. URL consultato il 2 giugno 2014.

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Sir Charles Spencer "Charlie" Chaplin ( Londra, 16 aprile 1889 - Corsier-sur-Vevey, 25 dicembre 1977) è stato un attore, comico, regista, sceneggiatore, compositore e produttore cinematografico britannico, autore di oltre novanta film e tra i più importanti e influenti cineasti del XX secolo.

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Sul finire del 1919 Joseph Schenck, che aveva sposato Norma Talmadge (e che nel 1916 aveva creato la Comique Films per cui lavorava Arbuckle) propose a Keaton di creare una compagnia autonoma, la Buster Keaton Comedies.

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Alfred Hitchcock è un regista inglese del XX secolo. È soprannominato "il maestro del brivido" per la sua abilità nel suscitare paura e tensione negli spettatori. Tra i suoi maggiori successi "Psycho", "Gli uccelli", "La donna che visse due volte" e "Intrigo internazionale".

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Sir Alfred Joseph Hitchcock ( Londra, 13 agosto 1899 - Los Angeles, 29 aprile 1980) è stato un regista e sceneggiatore britannico naturalizzato statunitense. È considerato una delle personalità più importanti della storia del cinema.

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L'inquadratura - Il Linguaggio Cinematografico

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L'inquadratura - Il Linguaggio Cinematografico

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L'inquadratura - Il Linguaggio Cinematografico

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Antonio Canova nasce a Possagno, un paese in provincia di Treviso, l'1 Novembre 1757. La sua famiglia lavora e scolpisce la pietra da generazioni: il nonno Pasino è un valido artigiano, soprattutto d'altari. È lui che avvia il giovane Antonio all'arte dello scalpellino. Nel 1768 Canova si trasferisce a Venezia, dove frequenta la scuola di nudo dell'Accademia e studia disegno. Antonio Canova si forma sullo sfondo del Neoclassicismo. Se negli anni precedenti l'arte era tesa a riflettere lo stile sfarzoso della corte papale, al tempo di Canova è la borghesia a farsi portatrice di un nuovo concetto estetico. Si predilige il nudo, la perfezione e l'armonia delle forme, il gusto del movimento: torna l'idea del "bello assoluto". Il modello è la civiltà classica greca e romana. Canova, è il massimo esponente del Neoclassicismo. Si dice che ne sia stato il Re.

Sono del 1776 le sue prime sculture monumentali: le statue di "Orfeo ed Euridice" e due anni più tardi lavora a "Dedalo e Icaro", la prima opera in cui utilizza un modello di gesso in grandezza reale, tipica dei suoi lavori successivi. Nel 1779 compie il suo primo viaggio a Roma, dove ottiene le prime commissioni, tra cui "Amore e Psiche", che viene ricordata come la sua opera più celebre. Il gruppo scultoreo rappresenta una allegoria della leggenda di Apuleio in cui i personaggi di Amore e di Psiche, sono eternati nell'istante che precede il bacio. 1802. Nominato da Pio VII Ispettore Generale delle Antichità e Belle Arti dello Stato della Chiesa, Canova si schiera apertamente contro la spoliazione delle opere d'arte nei territori occupati dai francesi in era napoleonica. Per questo motivo, rifiuta di ritrarre Napoleone nonostante le numerose richieste dell'Imperatore. Solo dopo la restituzione di alcune opere trafugate in Italia, darà vita alle statue "Napoleone come Marte pacificatore" e alla "Paolina Borghese Bonaparte". Nella sua vita torna nove volte a Possagno, ed è nel suo paese che in particolare si dedica alla pittura. L'11 Luglio del 1818 pone la prima pietra del "Tempio": opera destinata ad immortalare la memoria della sua arte e donata alla comunità del suo paese natale come chiesa parrocchiale. L'edificio viene ultimato dieci anni dopo la sua morte. Torna per l'ultima volta a Possagno nel 1822, dove gli viene diagnosticata una grave malattia all'intestino. Muore quello stesso anno a Venezia all'età di 65 anni. Il suo cuore è custodito nella Chiesa di Santa Maria Gloriosa dei Frari a Venezia, mentre il corpo torna a Possagno ed è conservato nel Tempio da lui iniziato.

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Antonio Canova nasce a Possagno, un paese in provincia di Treviso, l'1 Novembre 1757. La sua famiglia lavora e scolpisce la pietra da generazioni: il nonno Pasino è un valido artigiano, soprattutto d'altari. È lui che avvia il giovane Antonio all'arte dello scalpellino.

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Celebrato in vita come lo scultore "di cui il mondo non può stare senza" (Pietro Giordani, Panegirico, 1810) e, allo stesso tempo, etichettato dalla critica idealista come seguace di Bernini (Carl Ludwig Fernow, Römische Studien, 1806), Antonio Canova ha interpretato le nuove istanze neoclassiche e rivoluzionato l'attività scultorea, trasformandola da pratica artigiana a intellettuale. Anche dopo la morte, le sue opere hanno continuato ad animare il dibattito inanellando stroncature e successi. Liquidate come algide "statue di sale" (Cesare Brandi, Periplo della scultura moderna, 1949), le opere di Canova sono oggi celebrate come il più alto ideale di bellezza.

Da Venezia a Roma: formazione e debutto

Antonio Canova nasce nel 1756 a Possagno, nella provincia trevigiana. Figlio d'arte - sia il padre che il nonno sono scalpellini - si forma a Venezia, alla scuola di nudo presso l'Accademia e tra i calchi in gesso delle più importanti statue antiche, collezionati da Filippo Farsetti nel suo palazzo sul Canal Grande.

Entrato nella cerchia del senatore Giovanni Falier, realizza il gruppo di Orfeo ed Euridice (1775-1777, Venezia, Museo Correr), destinato al giardino della villa del committente.

Canova immortala la coppia mitica nel momento chiave della loro storia. In cammino verso la liberazione di Euridice, Orfeo contravviene ai precetti divini, si volta, guarda la moglie e la condanna a un ineluttabile destino nell'Ade.

L'artista non risparmia enfasi drammatica, costringe le figure a pose contorte e gesti declamatori da pièce teatrale. La tradizione tardobarocca, a quelle date ancora dominante, segna profondamente lo stile del giovane artista. Bastano tuttavia un paio d'anni di studi e maturazione e Canova trova una forma espressiva personale e autonoma.

È il 1779: per il procuratore Pietro Vettor Pisani realizza un'altra coppia di figure, Dedalo e Icaro (Venezia, Museo Correr), ispirata all' Ars amandi e alle Metamorfosi di Ovidio. Abbandonati i modi enfatici d'esordio, che pure gli avevano garantito una certa fama in ambito locale, Canova opta per una composizione dalla forte tensione psicologica.

L'anziano Dedalo è artefice consapevole dei rischi cui sta sottoponendo il figlio. La fronte corrugata, le labbra piegate, gli occhi concentrati sottolineano la meticolosa perizia con cui fissa le ali di cera al braccio del giovane. Icaro invece è imperturbabile, sereno, ai limiti del beffardo.

La diversa partecipazione dei due protagonisti all'evento si traduce in una differente resa delle superfici e dei dettagli. Il corpo di Dedalo e in particolare il volto, segnato dall'età, è descritto con minuzia e rimanda alle teste di carattere del Piazzetta; l'ideale perfezione del giovane Icaro si esprime invece attraverso un'economia di mezzi mai raggiunta prima: naturalismo della tradizione contro sintesi geometrica.

Nuova è anche la scelta di porre le figure ai margini della composizione e di lasciarvi al centro il vuoto. Così facendo Canova rompe l'attrazione magnetica che costringe le statue barocche in abbracci asfittici: le separa e, nello spazio lasciato libero, non colloca nulla. La presenza del vuoto enfatizza la distanza concettuale dei due protagonisti, resa quantificabile attraverso il filo di ferro, oggetto reale che entra nello spazio dell'artificio rompendo il gioco tra verità e illusione proprio della rappresentazione artistica.

Giulio Carlo Argan ha letto il gruppo come una metafora della scultura che si eleva da attività artigiana a intellettiva: Dedalo rappresenta l'azione materiale, Icaro quella intellettuale. Talvolta il processo di elevazione dalla pratica manuale comporta dei rischi, come dimostra il tragico volo verso la libertà del giovane Icaro (Giulio Carlo Argan, Antonio Canova, 1969).

Altrettanto rischiosa è la scelta compiuta da Canova. Rinfrancato dai consensi ottenuti, lo scultore lascia Venezia per misurarsi con l'ambiente intellettuale di Roma, dove i principi estetici dettati dalla statuaria classica, riletta da Johann Joachim Winckelmann, mal si conciliano con il ritmo compositivo continuamente interrotto e il realismo descrittivo del Dedalo e Icaro. Il gesso che Canova aveva tratto dal gruppo marmoreo per presentare le sue abilità sulla scena della capitale registra infatti un sostanziale insuccesso. Ciononostante il talento del giovane artista non passa inosservato. Grazie al pittore Gavin Hamilton, che lo introduce nella cerchia di artisti e mercanti romani, Canova è traghettato verso un nuovo ideale estetico. Banco di prova: la commissione per l'ambasciatore della Repubblica di Venezia, Girolamo Zulian.

Libero di scegliere il soggetto da rappresentare, Canova realizza una coppia di combattenti, Teseo e il Minotauro (1781-1783, Londra, Victoria and Albert Museum).

L'idea di fissare il momento della lotta viene presto scartata dallo scultore che, alla fisicità della battaglia, preferisce la quiete della contemplazione. Teseo è l'eroe concentrato sulle conseguenze della vittoria appena ottenuta, incarna l'ideale dell'intelligenza che vince sulla forza animale, la supremazia dell'idea sulla vile materia. Benché si tratti di una coppia è Teseo il protagonista, posto al vertice di un ardito scorcio prospettico che dalla testa, priva di vita, del Minotauro conduce a quella dell'eroe. La composizione, perfettamente circoscrivibile in un ovale, si risolve in un ponderato gioco di contrasti.

Teseo siede sul corpo del mostro. Nonostante la posa in riposo, i muscoli sono tesi per mantenere la posizione, il volto è reclinato, lo sguardo è diretto al vinto; nel complesso, non c'è abbandono. Sotto di lui giace disteso il corpo inerme del Minotauro. Canova avrebbe potuto cedere alle lusinghe del naturalismo barocco, descrivendone con minuzia il vello in opposizione alla perfezione del corpo dell'eroe, ma la sobrietà di mezzi e la concisione nel trattamento delle superfici dimostrano come l'artista si sia avviato verso nuovi principi estetici, guidato dal magistero della statuaria classica. In particolare, evidente è il rimando all' Ares Ludovisi (Roma, Palazzo Altemps), al Mercurio seduto (Napoli, Museo Nazionale Archeologico) e al Fauno dormiente (allora presso la raccolta Pacetti), modelli dello schema iconografico dell'eroe seduto.Sono i primi anni Ottanta del Settecento e il giovane scultore veneto è riuscito a conquistare Roma.

Celebrare la morte

Grazie alla mediazione dell'amico e conterraneo incisore Giovanni Volpato, Canova ottiene l'importante commissione per il Monumento funebre di papa Clemente XIV nella chiesa dei Santi Apostoli (1783-1787), il pontefice che nel 1773 aveva abolito l'ordine gesuita.

Il monumento colpisce per la sua potente semplicità: un crescendo di parallelepipedi, scalati su piani differenti - il basamento che ingloba la porta della sacrestia, il sarcofago, il plinto e infine il trono su cui siede con gesto imperioso il pontefice - che imprimono alla composizione uno slancio ascensionale.

Lo schema è quello piramidale utilizzato da Bernini. Canova lo recupera, lo rilegge e lo trasforma privandolo di ogni complessità. Alla ricchezza dell'insieme, propria del monumento barocco, l'artista sostituisce infatti una rigorosa autonomia della tomba rispetto allo spazio circostante e dei singoli elementi che la compongono.

La tomba non si armonizza al resto della chiesa, superando l'unità di architettura e scultura alla base dell'arte barocca. Per enfatizzare questa distanza Canova avrebbe voluto discostare di due palmi il monumento dal muro e impedire alla nicchia di inquadrarlo. Non ci riesce e gioca sul contrasto cromatico: i marmi policromi delle colonne stridono con il bianco della lumachella degli elementi architettonici e del marmo di Carrara delle figure. Nel complesso domina un unico tono, diversamente dai precedenti di Bernini in cui l'uso di bronzi e marmi policromi garantiva al monumento continuità visiva con le decorazioni della chiesa.

Lo stesso principio di autonomia governa le figure che abitano il monumento: Temperanza e Mansuetudine, a sinistra e a destra del sarcofago, non dialogano tra loro né col pontefice, sono poste di fronte o di profilo, costringendo l'osservatore a leggerle una ad una e a interpretarle per ciò che sono, donne ritratte in un composto dolore prima che allegorie delle qualità morali del papa.

Le novità introdotte da Canova gli garantiscono una seconda, importante prova, il monumento funebre di Clemente XIII (1783-1792) per la basilica di San Pietro.

L'opera ripropone tutte le caratteristiche della precedente - l'isolamento dal resto della chiesa, la semplicità di forme e di figure - e vi aggiunge nuove iconografie per celebrare il defunto. Non più il papa benedicente, ma un uomo anziano, pingue e stanco, raccolto in preghiera; le figure allegoriche presenti nel monumento ai Santi Apostoli sono sostituite dalla Religione, vestita come i sacerdoti di Israele e con corona, simbolo della luce della Divina Sapienza, e dal Genio funebre, un angelo laico che veglia sulle ceneri del defunto.

Cambia il modo di celebrare la morte poiché cambia il concetto stesso di morte che, secondo la nuova visione illuminista, segna la fine della vita senza implicare automaticamente una speranza per il futuro. La tomba è il luogo in cui vivi e morti si confrontano in una "corrispondenza d'amorosi sensi", come ricordano i versi di Ugo Foscolo. I vivi ricercano nel ricordo dei defunti un modello cui ispirarsi e i morti la speranza di non essere dimenticati. Il monumento funebre, scenario di questo dialogo silenzioso, non può più ricalcare il modello imposto da Bernini. Marmi bianchi prendono ora il posto dei bronzi rilucenti, la severità della linea sostituisce la piacevolezza delle curve, l'elevazione sublime della ragione scalza lo spettacolo teatrale dei sensi.

Tutto questo trova la più alta interpretazione nel Monumento funebre a Maria Cristina d'Austria (1798-1805, Vienna Augustinerkirche) e nella Stele funeraria di Giovanni Volpato (1807, Roma, chiesa dei Santi Apostoli). Su una stele di matrice classica è immortalato il ritratto di Volpato, un'erma con il busto di profilo cui siede accanto l'Amicizia, una donna, vestita all'antica, che con grande pudore nasconde il proprio dolore con la veste. L'opera segna il tramonto della tradizione barocca, dello spazio teatrale, della lettura allegorica, dei dettagli decorativi in nome di chiarezza, semplicità e rigore ispirati all'antichità.

Dalla materia all'idea

A partire dal monumento funerario di Clemente XIV Canova perfeziona una tecnica esecutiva estremamente elaborata che muove dal virtuosismo del bozzetto in creta verso la bellezza ideale del marmo levigato.

Lo scultore affida l'abbozzo della prima idea a una statua in creta, che egli plasma con vigore, lasciando emergere l'urgenza, propria del primo tempo della creazione. È infatti in questa prima fase che i detrattori di Canova, che lo hanno accusato di freddo accademismo, riconoscono il momento più brillante dell'artista. Non è possibile tuttavia separare le differenti fasi esecutive in quanto ognuna svolge una precisa funzione. A prova di ciò vi è lo scarto notevole che esiste tra il bozzetto e l'opera finita: il modellino di papa Ganganelli (1783, Possagno Gipsoteca) è intriso di pittoricismo nella descrizione minuta del manto del pontefice, superato nel marmo del monumento. Al bozzetto segue un altro modello in creta, la cui grandezza corrisponde a quella della statua finita e la funzione è di delineare nel dettaglio la composizione.

A questo punto l'attività di Canova cessa, per lasciare il posto ai lavoranti. Essi proseguono creando la matrice in gesso dal modello in creta, secondo la tecnica cinquecentesca della "forma persa" che consente di rispettare con precisione millimetrica le proporzioni della statua e ogni minimo dettaglio che Canova ha definito nel modello in creta.

Distrutta la matrice, resta l'anima in stucco su cui sono fissati dei piccoli chiodi metallici, detti points de repère, che guidano gli aiutanti nella sbozzatura del marmo. Lustrato e levigato con pelli e polveri abrasive, il marmo attende solo "l'ultima mano" di Canova che consiste nella stesura di cere colorate, fuliggine o pietra pomice, date a lume di candela, per modulare gli effetti luministici della superficie e donare alla statua differenti sfumature di colore.

Tale procedimento consente di sveltire enormemente il lavoro dell'artista, determinante nella fase iniziale e in quella finale. Tutte le tappe intermedie sono svolte dai lavoranti. Come in una moderna factory, Canova può dunque dedicarsi a più opere contemporaneamente e replicare i medesimi soggetti per diversi committenti, poiché nel suo studio restano i bozzetti e i calchi in gesso.

Pastorale ed eroico: Amore e Psiche e Perseo

Pur allontanandosi dalle facili suggestioni della materia, Canova non le rifugge del tutto, soprattutto nelle opere che appartengono al genere "delicato e gentile", come il celebre gruppo di Amore e Psiche che si abbracciano , realizzato per il colonnello inglese John Campbell e poi giunto nella collezione di Gioacchino Murat (1783-1793, Parigi, Louvre).

La statua mostra uno straordinario virtuosismo nella complessità compositiva, nell'attenzione ai giochi luministici e nella novità di rappresentazione.

Come in un fermo immagine, l'artista blocca il bacio tra Amore e Psiche: i due amanti tendono l'uno verso l'altro, sono vicinissimi, ma non si sfiorano; li separa uno spazio vuoto, delimitato dalle braccia di Psiche che, come un obiettivo, mettono a fuoco il punto nodale del gruppo. I loro corpi si dispongono lungo gli assi ortogonali ma allo stesso tempo si muovono in tutte le direzioni dello spazio. Per cogliere ogni dettaglio, per entrare nel vivo della complessità del gruppo, è necessario girare attorno alla statua. "Invano - critica Carl Ludwig Fernow (in Pavanello, 1992) - lo spettatore si affatica a ricercare un punto di vista da cui scorgere entrambi i volti", poiché Canova ha infranto la regola dell'unicità del punto di vista, adottata nella scultura barocca, in favore di una maggiore complessità. Un eccesso virtuosistico deprecabile per alcuni, un segno di straordinaria novità per altri.

Anche il trattamento delle superfici, attentissimo ai giochi di luce, alle gradazioni tonali del marmo desta sospetto. Il rischio che corre l'artista è di trasformarsi in un "Bernini antico" e anche i più ferventi sostenitori, Quatremère de Quincy in primis, lo mettono in guardia.

Uomo di pratica più che di parola, Canova si difende con l'evidenza delle sue opere. Nel 1797 gli viene commissionato il Perseo (1797-1801, Città del Vaticano, Musei Vaticani). La statua appartiene al genere eroico dove virtù morali e perfezione di forme concorrono per realizzare un'opera esemplare.

L'eroe mitico, immortalato da Canova, è sicuro di sé, guarda la testa mozzata di Medusa. La posa è dinamica: le gambe divaricate, leggermente scalate, corrispondono alla postura delle spalle, secondo la regola classica del chiasmo. Altrettanto equilibrio vi è nelle braccia: uno disteso per sorreggere il capo del mostro, l'altro leggermente scostato dal busto per sostenere la spada, l'arma con cui l'eroe ha compiuto l'impresa. Il fianco sinistro è lambito dalla clamide che completa la figura e al tempo stesso fa da sostegno alla statua. Il corpo del giovane eroe è perfetto, la muscolatura è appena accennata per descrivere una bellezza che non ha bisogno di dettagli esornativi. Modello evidente l' Apollo del Belvedere, la statua antica che per i contemporanei rappresenta il canone assoluto di perfezione fisica.

Anche il giovane scultore danese Berthel Thorvaldsen, interprete e portavoce delle istanze della critica idealista promossa da Fernow, si misura con il modello antico nel Giasone (1802-1828, Copenaghen, Museo Thorvaldsen): un colosso di muscoli, superfici scabre, forme chiuse e pathos solenne, più vicino all'arte austera dell'età di Pericle che alla sensibilità ellenistica del modello.

A differenza del rivale, Canova dà una lettura molto più fedele dell' Apollo. È identica la posa, sono solo invertite le gambe, il volto tratto di profilo suggerisce un'apertura della statua oltre la propria posizione e il dettaglio del mantello ritorna puntuale.

Studiando l'opera nel dettaglio Canova ha osato sfidarla e, a giudizio unanime dei contemporanei, superarla poiché è riuscito a elevarsi da una puntuale trascrizione e procedere all'imitazione. Concetto espresso da Winckelmann, l'imitazione si discosta dalla copia poiché non è una ripetizione passiva, ma una scrupolosa disamina del modello al fine di estrarne la quintessenza.

Nel Perseo, Canova è riuscito nella più grande impresa: fissare nel marmo la perfezione del corpo maschile, una bellezza immutabile nel tempo, passando attraverso la lettura del modello antico. Per questo motivo è parso naturale risarcire con questa statua la grave perdita dell' Apollo del Belvedere, trasferito a Parigi a seguito del patto di Tolentino del 1797. Nel 1802 papa Pio VII acquista l'opera, in origine destinata a Milano come celebrazione dell'esercito francese, e la dispone sul piedistallo del cortile del Belvedere. Agli occhi dei contemporanei, solo questa statua, che rappresenta l'alternativa e, in certo modo, la continuazione dell'esempio ellenistico, può sostenere il confronto.

Al di là di qualsiasi critica, l'arte di Canova ha raggiunto il più alto riconoscimento. Il Perseo è il manifesto del canone di perfezione del tempo e Antonio Canova il suo portavoce più autorevole.

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Celebrato in vita come lo scultore "di cui il mondo non può stare senza" (Pietro Giordani, Panegirico, 1810) e, allo stesso tempo, etichettato dalla critica idealista come seguace di Bernini (Carl Ludwig Fernow, Römische Studien, 1806), Antonio Canova ha interpretato le nuove istanze neoclassiche e rivoluzionato l'attività scultorea, trasformandola da pratica artigiana a intellettuale.

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"Le Grazie" sono un gruppo scultoreo di tre figure in marmo realizzato a Roma da Antonio Canova tra il 1813 e il 1816. Le tre figure femminili rappresentano le figlie di Zeus, dee della bellezza: Aglaia, Eufrosine e Talia. Si trovano all'Hermitage di San Pietroburgo.

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Documentario Italiano - Antonio Canova - Lo Scultore del bello

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Documentario Italiano - Antonio Canova - Lo Scultore del bello

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Documentario Italiano  - Antonio Canova - Lo Scultore del bello

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Il Romanticismo è un movimento culturale che si diffonde in Europa nella prima metà dell'800 e che interessa pittura, letteratura e musica. All'idea classica di bello come armonia ed equilibrio, il romanticismo sostituisce il fascino per il sublime, ossia ciò che suscita emozioni grandiose, estasi, rapimento per le forze oscure della natura e perfino orrore. Il Romanticismo nasce in Germania con la rivista letteraria "Athenäum", fondata a Berlino nel 1798 dai fratelli August e Friedrich Schlegel. I Romantici rifiutano l'idea che la Ragione sia l'unica guida delle azioni umane. Dànno rilievo invece al sentimento, al desiderio di libertà e alla tensione verso l'ignoto che risiedono nello spirito dell'uomo.

Incarnazione dell'uomo romantico è l'artista, perché è attraversato da grandi passioni e perché grazie al suo ispirato genio creativo entra in contatto con l'infinito. È un individuo che persegue la propria libertà sia nell'arte che nella vita, e si ribella alle rigide norme della tradizione artistica e del conformismo borghese. Lo spirito romantico non distingue tra arte e vita. Emblematico è il caso del poeta inglese George Byron: innamorato della cultura greca, nel 1824 muore combattendo per l'indipendenza della Grecia dall'Impero ottomano. Protagonisti della pittura romantica sono gli inglesi John Constable e William Turner che dipingono paesaggi carichi di vibrante intensità emotiva.

Fra gli scrittori, il più noto è certamente il tedesco Johann Wolfgang von Goethe. Nel suo I Dolori del giovane Werther il protagonista, incarnazione della sensibilità romantica, soccombe alla passione amorosa che lo tormenta. In musica è il tedesco Robert Schumann il maggior esponente del Romanticismo, ma già Ludwig von Beethoven aveva espresso il forte sentimento dei romantici, soprattutto nelle sinfonie. Il Romanticismo manifesta caratteristiche diverse nei vari paesi europei: per esempio in Italia, divisa e dominata da potenze straniere, assume caratteri patriottici, come nell'opera Nabucco del musicista Giuseppe Verdi.

Più in generale però il romanticismo esprime la delusione storica per gli esiti della Rivoluzione francese, che ha diffuso idee di uguaglianza ma, allo stesso tempo, ha portato guerre in tutta Europa. In ambito artistico il suo più importante lascito è l'idea del predominio della creatività individuale sulle regole della tradizione. Tra i capolavori romantici della pittura trovano posto: Il bacio di Hayez, La libertà che guida il popolo di Delacroix e Pioggia, vapore e velocità di Turner. Mentre tra le opere letterarie si distinguono gli Inni alla notte di Novalis e La Certosa di Parma di Stendhal.

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Il Romanticismo è un movimento culturale che si diffonde in Europa nella prima metà dell'800 e che interessa pittura, letteratura e musica. Promuove il fascino per il sublime, ossia ciò che suscita emozioni grandiose, estasi, rapimento per le forze oscure della natura e perfino orrore.