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EDAD CONTEMPORANEA INICIO EN EL AÑO 1789 

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EDAD CONTEMPORANEA INICIO EN EL AÑO 1789 

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Se llama Edad Contemporánea a la etapa de la periodización tradicional de la historia que se extiende desde fines del siglo XVIII hasta la actualidad.

La doble revolución europea (Revolución Industrial y Revolución francesa) fue el proceso que marcó el pasaje de la Edad Moderna a la Edad Contemporánea, aunque se considera que el hecho que representa el inicio del período es la toma de la prisión real de la Bastilla, en 1789.

Algunos autores sostienen que la Edad Contemporánea ya habría finalizado y que estaríamos viviendo una nueva etapa, sin embargo aún se carece de perspectiva histórica para poder identificar el hecho que habría iniciado esta nueva era y cuáles serían sus características distintivas.

Etapas de la Edad Contemporánea

Para facilitar su estudio, se puede dividir a la Edad Contemporánea en las siguientes etapas:

Revolución y restauración (1789–1848): se inició con la Revolución francesa y se extendió hasta las revoluciones europeas de 1848. Esta etapa se caracterizó por la tensión entre las fuerzas que buscaban acabar con la monarquía absoluta y las que trataban de preservarla.

Capitalismo, naciones e imperialismo (1848-1918): etapa durante la cual tuvieron lugar la Segunda Revolución Industrial y la competencia entre las potencias imperialistas, que culminó con la Primera Guerra Mundial.

Período de entreguerras (1919-1938): se extiende desde la firma del Tratado de Versalles hasta la anexión de Austria y Checoslovaquia por Alemania. Se caracterizó por el auge de los regímenes totalitarios (nazismo, fascismo, estalinismo) que cuestionaron la democracia liberal.

Segunda Guerra Mundial y Guerra Fría (1939-1989): durante la cual los Estados Unidos y la Unión Soviética vencieron a las potencias del Eje y luego fueron la cabeza de 2 bloques política e ideológicamente enfrentados, el capitalista y el socialista.

El mundo globalizado (1989-actualidad): comenzó luego de la caída del muro de Berlín y la disolución de la Unión Soviética. Sus principales rasgos son la constitución de bloques regionales en el contexto de una economía globalizada, la revolución de las telecomunicaciones y los conflictos entre el Occidente liberal y capitalista, China y el mundo islámico.

Ejemplos de obras destacadas

Marilyn Monroe de oro de Andy Warhol

Blue Poles de Jackson Pollock

La persistencia de la memoria de Salvador Dalí

El hijo del hombre de René Magritte

La fuente de Marcel Duchamp

Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso

El beso de Gustav Klint

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Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de tan brutal acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que las nuevas tendencias del arte pasen de Europa a América, de Francia a USA, de París a Nueva York que se convierte en la nueva capital del arte, el epicentro de las nuevas vanguardias. Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente debido a los medios de comunicación, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez fueron acogidas de un modo más natural, menos traumático. La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al mundo del arte, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Ahora las vanguardias no procedían de artistas incomprendidos que quieren llamar la atención del público, sino que se convierten en propuestas nuevas y atractivas. Adquieren un tinte más atrayente, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general.

Tanto en la literatura como en las artes, las vanguardias se caracterizaron por la disconformidad con la realidad y el estado del arte, el rupturismo, la experimentación, la originalidad, la libertad de expresión y la provocación. Veamos en qué consiste cada característica.

Disconformidad con la realidad

Los artistas y escritores de vanguardia cuestionaron abiertamente la realidad, y se mostraron opuestos a los valores de la burguesía. Esto lo expresaron a través de dos caminos distintos:

La evasión de la realidad.

El deseo de cambiar el mundo a través del arte.

Rupturismo

Las vanguardias procuraron romper con la autoridad academia, que juzgaba qué era arte y qué no con base en reglas rígidas. Cuestionaban incluso los circuitos de galerías y museos, y los círculos literarios dominantes. El rupturismo se expresó en varios aspectos. Algunos de los más importantes fueron:

rechazo de la imitación de la naturaleza;

rechazo del concepto de belleza clásico.

Libertad de expresión

Los artistas y escritores de vanguardias aspiraban a la absoluta libertad de expresión. El arte y la literatura se concebían como una tribuna desde la cual se podía ejercitar la libertad de pensamiento y la libertad creativa.

Espíritu de grupo

En general, las vanguardias se caracterizaron por reunir a un conjunto de artistas y/o escritores decididos a luchar juntos por la promoción de una idea. En consecuencia, las vanguardias frecuentemente tuvieron manifiestos literarios.

Experimentación

Tanto en las artes como en la literatura, los elementos compositivos (materiales, palabras, sonidos) fueron sometidos a un intenso proceso de indagación creativa. Ello permitió también la colaboración entre diferentes disciplinas artísticas.

Originalidad

Buscar la originalidad se convirtió en una obsesión artística de las vanguardias históricas, de manera que un movimiento tras otro pretendía romper con el anterior. En contraparte, esto impedía asentar tradiciones, de modo que las vanguardias tuvieron corta duración.

Provocación, humor y sarcasmo

Como las vanguardias se oponían a la sociedad burguesa, eran provocadoras, desafiantes y, en algunos casos, sarcásticas. Poco a poco surgieron corrientes altamente críticas con el estado de la sociedad.

Movimientos de vanguardia y principales representantes

El vanguardismo se expresó en una gran diversidad de movimientos artísticos y literarios. A continuación, veamos en qué consistió cada movimiento y cuáles fueron sus máximos representantes y obras

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El fauvismo, fue un movimiento Pictórico Frances de escasa duración. Se desarrolla entre 1904 y 1908 aproximadamente, el salón de otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo.
Fue una reacción contra el Impresionismo. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos. Buscan realzar el valor del color en sí mismo, rechazando la paleta de tonos naturalistas empleando en cambio colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
El fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sus sentimientos, los exponentes mas destacados dentro del Fauvismo fueron Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, Andre Derain y Albert Marquet.

Matisse: Jarrón de girasoles (1989), Mujer leyendo (1894), Paisajes de Collioure (1905), La música (1910), La gitana (1905) o La raya verde (1905).

Derain: El secado de las velas (1905), Puente de Charing Cross (1906), Barcos en la playa en Colibre (1905), El pool de Londres (1906) y El faro en Collioure (1905).

Vlaminck: El circo (1906), El remolcador en el Sena, Chatou (1906), Jarrón azul con flores (1906), Paisaje Valmondois () o Los árboles rojos (1906).

El fauvismo en otras artes

Algunos artistas plásticos (no pintores) se adscribieron al fauvismo, como fueron André Metthey, Ambroise Vollard, Rouault y algunos otros; de ellos surgió la idea de que Derain, Matisse y Vlaminck incursionaran en la cerámica, el pirograbado, el dibujo o la acuarela, y de allí surgieron obras de interesante mixtura artística.

También Matisse escribió el “Libro jazz”, donde escribió y dibujó, y acompañó con grabados y litografías obras del poeta Mallarmé o ediciones de Los amores de Ronsard.

Fin del fauvismo

El fauvismo tuvo una vida breve, como la mayoría de los movimientos de vanguardia, y en su mayoría los cuadros fauvistas franceses rondan los años de la primera década del 1900.

Una vez que el llamado “triángulo esencial” de Matisse, Derain y Vlaminck se separó, el movimiento original no tardó en desvanecerse.

Francia (en francés, France, pronunciado /fʁɑ̃s/ ( escuchar)), oficialmente la República Francesa (en francés, République française pronunciado /ʁepyblik fʁɑ̃sɛːz/ ( escuchar)), es un país transcontinental, miembro de la Unión Europea, cuya forma de gobierno es la república semipresidencialista. Territorialmente comprende la Francia metropolitana y la Francia de ultramar, siendo a su vez el país más grande de la Unión Europea.[7]​ Su territorio, que incluye regiones de ultramar o Territorios dependientes, se extiende sobre una superficie total de 675 417 km².[1]​ En 2017 el país contaba con 67,1 millones de habitantes (65 millones en los departamentos metropolitanos y 2,1 millones en los departamentos de ultramar).

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El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.
Sus características son, las formas naturales se convierten en trazos y geometrías, cobra importancia en el mundo de los sueños, loso importa representar el sentimiento y no la realidad y el pesimismo y el caos son las temáticas principal de las obras,
La dramaturgia fue uno de los principales géneros que trabajaron los escritores expresionistas. Su interés no estaba puesto en retratar los sucesos del mundo exterior, sino en el interior, es decir, en las emociones y pensamientos de los individuos. Por esta razón sus obras estaban interesadas en retratar los estados mentales de forma subjetiva.

1. Edvard Munch (Noruega, 1863-1944). Pintor. Obras más representativas: El grito, Pubertad, Muerte en la alcoba.

2. James Ensor (Bélgica, 1860-1949). Pintor. Obras más representativas: La intriga; Esqueletos disputándose un arenque; La muerte y las máscaras.

3. Emil Nolde (Alemania, 1867-1956). Pintor. Obras más representativas: La última cena; Mask Still Life III.

4. Käthe Kollwitz (Alemania, 1867-1945). Pintor. Obras más representativas: Mujer con niño muerto; La viuda, Los sobrevivientes.

Algunas de las obras más representativas del Expresionismo en las distintas artes son:

Pintura.

Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner.

Caballo Azul (1912) de Franz Marc

El grito (1893) de Edvard Munch

Senecio (1922) de Paul Klee

El jinete azul (1903) de Vasili Kandinski

Literatura.

La muerte de Danton (1835) de Georg Büchner

El despertar de la primavera (1891) de Frank Wedekind

Camino de Damasco (1898) de August Strindberg

La montaña mágica (1924) de Thomas Mann

La metamorfosis (1915) de Frank Kafka

Música.

Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg

La luz de los ojos (1935) de Anton von Webern

Wozzek (1925) de Alban Berg

Cine.

El golem (1914) de Paul Wegener y Henrik Gaalen

El gabinete del Doctor Caligari (1919) de Robert Wiene

Nosferatu, el vampiro (1922) de Friedrich Murnau

M, el vampiro de Düsseldorf (1931) de Fritz Lang

EDVAD MUNCH.

Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega. Hijo del médico militar Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana mayor murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era un hombre de economía modesta dominado por obsesiones de tipo religioso que falleció en 1889.
En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería, pero unos años más tarde la deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. El pintor naturalista noruego Christian Krohg fue un maestro esencial para Munch, y en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Cristianía (Oslo), donde estableció relaciones con el círculo de literatos y artistas de la capital.
En 1885 hizo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. Visita allí los Salones y el Louvre, que le impresionó notablemente.

En 1885 hizo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. Visita allí los Salones y el Louvre, que le impresionó notablemente.

Por la mañana. 1884. Óleo sobre lienzo. 96,5 x 103,5 cm. Colección Rasmus Meyer, Bergen.

La niña enferma. 1885-86. Óleo sobre lienzo. 119,4 x 118,7 cm. Galería Nacional de Oslo. Esta obra, que traduce experiencias de infancia del pintor, dio origen a otras tres telas fechadas en 1906, 1907 y 1926, y a numerosos grabados y litografías. El pintor declara sobre esta obra:

Con La niña enferma se abrieron caminos nuevos para mí, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro.

Pintura. Arnold Bröcklin (suizo, 1827-1901), Heinrich Nauen (alemán, 1880-1940), Ernst Ludwig Kirchner (alemán, 1880-1938), Paul Klee (suizo, 1879-1940), Vasili Kandinski (ruso, 1866-1944), Franz Marc (alemán, 1880-1916), Egon Schiele (austríaco, 1890-1918), Amedeo Modigliani (italiano, 1884-1920), Marc Chagall (bielorruso, 1887-1985), Edward Hopper (estadounidense, 1882-1967), Diego Rivera (mexicano, 1886-1957) o Frida Kahlo (mexicana, 1907-1954).

Música. Arnold Schönberg (austríaco, 1874-1951), Anton Webern (austríaco, 1883-1945), Alban Berg (austríaco, 1885-1935), Paul Hildemith (alemán, 1895-1963), Viktor Ullman (polaco, 1898-1944).

Literatura. Georg Büchner (alemán, 1813-1837), August Strindberg (sueco, 1849-1912), Thomas Mann (alemán, 1875-1955), Gottfried Benn (alemán, 1886-1956), Franz Kafka (checo, 1883-1924), Georg Trakl (austríaco, 1887-1914), Bertoldt Brecht (alemán, 1898-1956), Ramón María del Valle-Inclán (español, 1866-1936).

Cine. Robert Wiene (alemán, 1873-1938), Friedrich Murnau (alemán, 1888-1931), Fritz Lang (austríaco, 1890-1976), Paul Wegener (alemán, 1874-1948), Robert Siodmak (alemán, 1900-1973).

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Fue un movimiento artístico,  especialmente Pictórico, de vanguardia que surgió  a partir de las investigaciones que Pablo Picasso, Georges Braque y Fernand Leger iniciaron alrededor de 1907. Estos artistas que sostenían la pintura había privilegiado la presentación de fenómenos.
Las características principales del cubismo fueron los siguientes:
Fue un movimiento revolucionario ya que el elimino de la pintura la representación clásicas. Se considero al cubismo como el antecedente de las corrientes abstraccionistas.
Las influencias mas importantes de los artistas cubistas fueron las pinturas del posimpresionistas: Paul Cezanne, La escultura Ibera, La pintura de Henri Rousseau y el arte africano
Las etapas del cubismo son: Cubismo Primitivo o Periodo Cezanessco (1907-1909), Cubismo Analítico o Cubismo Hemético (1910-1912), Cubismo sintético (1913-1914). Pintores importantes del cubismo Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), George Broque (1882-1927), Juan gris (1887-1927), Fernand Leger (1881-1955) y Rubert Delaunar (1885-1941).

1. Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso primera obra del cubismo. ...

2. Autorretrato (1907) por Pablo Picasso. Una de las obras del cubismo más conocidas (bien sea porque representa a su mayor exponente) es un pequeño óleo de menos de medio ...

3. Jarro, botella y limón (1909) de Georges Braque. El cubismo demuestra un gusto por las naturalezas muertas, bodegones o representaciones de interiores siguiendo el estilo de Cézanne.

4. Aria de Bach (1912-1913) de Georges Braque, una de las obras del cubismo más geométricas. Y con geométrica me refiero a los objetos representados. ...

5. En la misma línea es El estanque de Horta (1909) de Pablo Picasso. Donde los edificios se han reducido a meras figuras geométricas aunque conservan un halo de tridimensionalidad.

Pablo Ruiz Picasso fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo. Wikipedia
Nacimiento: 25 de octubre de 1881, Málaga, España
Fallecimiento: 8 de abril de 1973, Mougins, Francia
Serie: Las Meninas, Músicos con máscaras, Mujeres de Argel, Sueño y mentira de Franco
Hijos: Paloma Picasso, Maya Widmaier-Picasso, Paulo Ruiz Picasso, Claude Picasso
Cónyuge: Jacqueline Roque (m. 1961–1973), Olga Jojlova (m. 1918–1955)
Películas: El misterio de Picasso, Steve Jobs, Retrato.

Principales características del cubismo:El cubismo representa a la realidad por medio de figuras geométricas produciendo un efecto visual disruptivo y fragmentado. ... El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las cosas y su profundidad.

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El Futurismo es un movimiento artístico vanguardista que surge en Italia en el Siglo XX expandiéndose en toda Europa.
El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales que la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1909 a través del Manifiesto futurista, que publica el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.

Este movimiento rompía con lo tradicional al buscar reflejar el dinamismo, el peligro, el movimiento, la tecnología, la luz, la lucha y otros fenómenos que anteriores corrientes artísticas no habían dado importancia.
Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el teórico del movimiento. Intenta representar los estados anímicos y el movimiento. Entre sus obras destacan: Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer, La ciudad que crece, a: los que se van

Características generales del futurismo:

·         Es un movimiento antehistórico, anti naturalista y no antropocentrista

·         El futurismo emplea diferentes técnicas: Colores resplandecientes, el divisionismo, la abstracción y desmaterialización de objetos; la multiplicación de líneas y detalles de un mismo elemento, el simultaneamos y la realización de las líneas de fuerza.

·         Exaltación de la modernidad y originalidad, invitando a los artistas a liberarse del pasado.

·         Temática del mundo moderno, las ciudades y los automóviles y dinamismo.

·         Utilización de formas y colores para generar ritmos.

·         Los futuristas creían en el dinamismo universal como principio artístico y base del desarrollo del ser humano.

Los géneros más predominantes (las bellas artes representativas de ese periodo)

El futurismo fue un movimiento de vanguardia italiano que se dio a conocer el 20 de febrero de 1909, cuando el diario Le Fígaro publicó en París el Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Pretendía expresar los valores y experiencias de la era de la máquina —velocidad, energía y fuerza—, revolucionando las técnicas y el lenguaje de la literatura y las artes. Por ello, asumió como nombre el término futurismo, que significa 'movimiento orientado hacia el futuro'.

Nace como un movimiento literario, pero un año después de la publicación del manifiesto, el futurismo se cuela entre los artistas italianos, que, imitando a su fundador, se expresan en la publicación de varios manifiestos. A saber: Manifiesto de los pintores futuristas (1910); Manifiesto de la escultura futurista (1912); Manifiesto El arte entre los ruidos, dedicado a la música (1912), y Manifiesto de la arquitectura futurista (1914).

Futurismo  datos de su o la obra mas famosa

La risa por Humberto Boccioni una de las obras del Futurismo más señeras. ...

- Muchacha bajando la escalera de Giacomo Valla, la obra del Futurismo más representativa

Umberto Boccioni
Nacimiento | 19 de octubre de 1882
Regio de Calabria (Italia)
Fallecimiento | 17 de agosto de 1916 o 16 de agosto de 1916
Verona (Italia)
Causa de muerte | Caída de caballo
Sepultura | cementerio monumental de Verona

cupación | Pintor, escultor, artista, dibujante, fotógrafo, crítico de arte, dibujante arquitectónico, artista gráfico y grabador
Movimiento | Futurismo
Géneros | Arte figurativo, retrato, vedutismo y pintura del paisaje
Obras notables | La ciudad se levanta Formas únicas de continuidad en el espacio
Conflictos | Primera Guerra Mundial

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La abstracción lírica fue un movimiento artístico nacido después de la Segunda Guerra Mundial en París. Esta tendencia cultural prevaleció desde el año de 1945 hasta 1995. A menudo se caracterizaba por movimientos de pincel gestuales realizados en un fondo expansivo.
Este estilo se oponía a los estilos previos de arte moderno (incluyendo el cubismo, surrealismo y abstracción geométrica) y aceptaba la expresión de emoción en búsqueda del ‘yo interno’.

Encabezado por artistas como Gérard Schneider, Georges Mathieu, Hans Hartung y Pierre Soulages, el movimiento de la abstracción lírica es comúnmente recordado por ser el primero en aplicar los fundamentos de Vassily Kandinsky. Kandinsky fue un pintor y experto en teoría del arte considerado como el padre de la abstracción.

La abstracción Lírica no era una escuela específica o movimiento, más bien fue una tendencia dentro del llamado Art Informel.

Características de la abstracción lírica

Contiene un contenido emocional.

Tiene algo importante para comunicar.

Tiene una base de orientación espiritual.

Representa elementos estéticos de diseño, color y composición.

Se preocupa con la exploración de ideas y estados de la mente, no con ‘dogmas del arte’ vacíos o superfluos.

Los principales exponentes de este movimiento incluyen: Hans Hartung (1904-1989), Wols (Alfred Otto Wolfgang Sculze) (1913-1951), Jean-Michel Atlan (1913-1960), Pierre Soulages (1919), Georges Mathieu, Nicolas de Stael (1914-1955), y Jean-Paul Riopelle (1923-2002).

Adicionalmente, el pintor caligráfico Mark Tobey (1890-1976) y el artista estadounidense Sam Francis (1923-94) realizaron contribuciones importantes al movimiento.

Otros exponentes de la abstracción lírica incluyen a Patrick Heron (1920-99), Gustave Singier (1909-84), Jean Le Moal (1909-2007) y Pierre Tal Coat (1905-85).

Los géneros mas predominantes son:

Rayonismo (1909): representado por Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova. ...

Abstracción lírica (1910): representado por Vasili Kandinski. ...

Constructivismo (1914): representado por El Lisitsky. ...

Suprematismo (1915): representado por Malevich. ...

Neoplasticismo (1917): representado por Piet Mondrian.

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El dadaísmo es un movimiento artístico y literario de vanguardia que tuvo lugar en la primera mitad del siglo XX. Se toma como punto de partida el año de publicación del manifiesto inaugural escrito en 1916 por Hugo Ball. Sin embargo, antes de este año ya habían tenido lugar algunas manifestaciones artísticas que pueden ser calificadas de dadaístas, tales como los ready made de Marcel Duchamp.
Hugo Ball, escritor y poeta alemán, es considerado como el fundador del dadaísmo, incluso, fue el primero en escribir textos sobre este movimiento. Más tarde se sumó Tristan Tzara, poeta rumano y uno de los principales exponentes de esta tendencia.
Ø  Es considerado un movimiento antiartístico y antipoético.

Ø  Rompe con los parámetros tradicionales de las artes y la literatura.

Ø  Se aplica por primera vez técnicas no convencionales en el arte como el fotomontaje y el collage.

Ø  Sus expresiones artísticas se basaban en la espontaneidad e irreverencia.

Ø  El contenido de las obras es irónico y agresivo.

Ø  Aborreció los valores de la burguesía, por eso buscaba escandalizarla.

Ø  Mostró oposición al entorno y a la estructura social.

Ø  Movimiento artístico que partía de lo absurdo.

Ø  Exponía el rechazo a las manifestaciones políticas y nacionalistas.

Ø  Dio origen, posteriormente, al movimiento artístico del Surrealismo.
Los géneros más predominantes.
Pintura: Man Ray (1890-1976) Y Marcel Duchamp (1887-1968).
Literatura: Tristan Tzara (1896-1963) y Hugo Ball (1886 – 1927)

MARCEL DUCHAMP

Marcel Duchamp nació en Blainville-Vrevon, Francia, el 28 de julio de 1887. Era el menor de seis hermanos y uno de los cuatro que siguieron la carrera artística. A la edad de 17 años, se trasladó a París cuando ingresó en la Academia Juliana.En 1915, Marcel Duchamp se mudó a Nueva York con su amigo Francis Picabia. En 1916 entró en contacto con el «dadaísmo» y se convirtió en el centro del movimiento, que abarcaba la literatura, las artes visuales y las representaciones deliberadamente provocativas, que quería conmocionar a la gente para que dejara su estado de complacencia y creara una forma de arte libre de los valores e ideas que la habían precedido.

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El neoplasticismo nació luego de una gran reflexión acerca de los movimientos artísticos desarrollados hasta el momento.

Mondrian, junto con otros artistas que se sumaron a esta corriente, no estaba complacido con lo representado en el realismo, en el simbolismo o incluso en el cubismo, aunque este sirviera fuertemente como inspiración.

En el momento del surgimiento de esta corriente artística, Europa atravesaba la Primera Guerra Mundial. Piet Mondrian estaba visitando a su padre en Holanda, pero se vio obligado a quedarse en su país por la guerra y fue ahí donde terminó de desarrollar las bases de este movimiento artístico.
Mondrian venía trabajando en el neoplasticismo desde 1913, y fue en 1917 cuando terminó de darle forma al proyecto. En octubre de ese mismo año Theo van Doesburg publicó la primera edición de una revista llamada De Stijl, y en dicha publicación incluyó los trabajos de Mondrian y de muchos más artistas.

Neoplasticismo características de cada época artística

Sus principales características son: Búsqueda de renovación estética. Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal. Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente).
– Renovación estética que busca representar la belleza y el mundo de manera universal.

– Planteamiento racionalista que elimina la presencia de accesorios en las obras. Se limita a plasmar únicamente lo elemental, sin adornos ni elementos extras.
– Único uso de formas geométricas, planos y líneas. Generalmente, las formas geométricas que prevalecen en las obras son cuadrados y rectángulos.

– Ausencia de curvas y disposición de las formas y líneas de manera perpendicular, de manera que solo se formen ángulos rectos en la obra.

Neoplasticismo géneros mas predominantes (las bellas artes representativas de ese periodo)

El Neoplasticismo1​ es un movimiento artístico iniciado en Países Bajos en 1917 por Piet Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).

Neoplasticismo datos de su o la obras más famosa

El neoplasticismo es una corriente artística que fue desarrollada en 1917 en Holanda por Piet Mondrian en colaboración con Theo van Doesburg. El surgimiento de este movimiento a comienzos del siglo XX lo coloca dentro de las corrientes de arte moderno.

Mondrian buscó que su concepción fuese universal. Esta corriente también está considerada dentro del arte abstracto, pues ofrece una concepción mucho más analítica de las obras y trata de no imitar elementos de la vida real —como el realismo—, sino representar las formas y colores de la realidad.

Piet Mondrian

Pieter Cornelis Mondriaan nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872. Adquirió su gusto por la pintura gracias a su padre, quien también fue pintor. Tan solo con 10 años ingresó a la Academia Estatal de Ámsterdam, donde se formó hasta 1908.

Al comienzo su tendencia era representar paisajes naturales como bosques, con ausencia de colores vivos. Luego de su llegada en 1911 a París, lugar donde se relacionó con artistas como Picasso y Georges Braque, sus pinturas se vieron fuertemente influenciadas por el cubismo.
En Nueva York realizó sus últimas pinturas e incluso dejó algunas sin terminar, pues Mondrian murió en esta ciudad el 1 de febrero de 1944.

Obras representativas

– Red Blue Chair (1917), obra de Gerrit Rietveld, una de las primeras representaciones del neoplasticismo en tres dimensiones.

– Russian Dance (1918), pintura de Theo van Doesburg.

– Composition VIII, también conocida como The Cow (1918), pintura de Theo van Doesburg.
– Tableau I (1921), pintura de Piet
Mondrian.
Composition II in Red, Blue and Yellow (1930), pintura de Piet Mondrian.

– New York City I (1942), obra de Piet Mondrian.

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En 1904 nace el Surrealismo,al que muchos consideran la ultima de las grandes vanguardias. El surrealismo pretendía superar esta imitación del inconscientemente, permitiendo que el subconsciente se expresase a traves del Arte.
El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo.
Existen varios tipos de surrealismo: Surrealismo abstracto.
Surrealismo literario.
Surrealismo moderno.
Surrealismo mágico.
El surrealismo artístico
Las caracteristicas del Surrealismo son:

Animan lo inanimado.

Evoca el caos.

Se inspira en el pensamiento oculto y prohibido.

El sexo se trata de forma impúdica.Se prefieren los títulos largos.

Se liberan los impulsos reprimidos del subconsciente.

El artista se libera de la esclavitud de las normas morales.

Los temas suelen reflejar realidades oníricas.

Se emplea la escritura automática, pues rompe con la censura del inconsciente.

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El Ultraísmo fue un movimiento literario vanguardista, originado en la España de 1918 como oposición al modernismo tradicional que imperaba en las letras españolas desde finales del siglo XIX.

Aunque incorporó algunos artistas plásticos en sus filas, fue un movimiento eminentemente literario y poético, muy influenciado por el futurismo italiano y centrado en valorar la metáfora como esencia de la escritura literaria.

Como muchos otros movimientos vanguardistas, publicó varias revistas poéticas y agrupó a sus integrantes en torno al Café Colonial de Madrid, donde operaba una tertulia itinerante dirigida por el escritor sevillano Rafael Cansinos Assens.

El núcleo del movimiento estaba integrado por diversos nombres locales, entre los que figuró el argentino universal, Jorge Luis Borges, durante su estancia en España.

Principales representantes del ultraísmo

El ultraísmo contó con un núcleo compuesto por Gerardo Diego, Pedro Garfias, Pedro Iglesias Caballero, Juan Larrea, Ernesto López-Parra, Lucía Sánchez Saornil, Guillermo de Torre e Isaac del Vando-Villar.

Otros integrantes fueron Jacobo Sureda, quien no estuvo exclusivamente comprometido con este movimiento, y a través de él su amigo Jorge Luis Borges, quien se sumó formalmente en 1921 y lo difundió en Argentina.

Objetivos ultraistas
El mismo Jorge Luis Borges, en un texto publicado en Buenos Aires en 1921, sintetiza los objetivos del ultraísmo en:

Un uso de la metáfora como cuerpo mismo del poema.

Borradura de las frases medianeras, nexos y adjetivos considerados inútiles.

Abolir los “trabajos ornamentales” que se identificaban con el modernismo.

Imágenes poéticas chocantes, rupturistas, que aludieran a la novedad técnica y tecnológica.

Uso de símbolos matemáticos y otras rupturas tipográficas.

Uso de neologismos, vocablos técnicos y palabras esdrújulas.

Eliminación de la rima y de la métrica, y tendencia a esquivar las motivaciones personales y sentimentales.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/ultraismo/#ixzz77Loylo2i

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Entre 1904 y 1914 realiza esculturas introduciendo nuevos materiales (chapa, alambre, cordeles), que cobra vida propia con su manipulación. El arte escultórico experimenta la revolución más radical de su historia en el siglo XX, en paralelo y a remolque de los cambios experimentados por la pintura. Casi toda la escultura desde la Antigüedad expresaba la figura humana y, en menor grado, la animal con fines estéticos o expresivos. Él arte escultórico experimenta la revolución más radical de su historia en el siglo XX, en paralelo y a remolque de los cambios experimentados por la pintura. Casi toda la escultura desde la Antigüedad expresaba la figura humana y, en menor grado, la animal con fines estéticos o expresivos.
Sus caracteristicas son:
Las esculturas contemporáneas no fueron creadas únicamente por artistas denominados escultores, sino que también fueron pintores, como el caso de Matisse, Degas y un claro ejemplo, Pablo Picasso.
Técnicas. Las técnicas más utilizadas durante esta época son el modelado, la talla y la fundición. También se utilizan otras como el collage, la soldadura y la mezcla de materiales.
Obras mas importantes
Brancusi (1876- 1957)

Nacio el 19 de febrero de origen rumano, parisino de adopción y nacionalizado francés al final de su vida, destaca como uno de los artistas más singulares de su generación.

cuando se traslada a París en 1907, se hace íntimo amigo de personalidades de la talla de Erik Satie, Marcel Duchamp, Tristan Tzara o del fotógrafo Edward Steichen

FERNANDO BOTANERO
Fernando Botero Angulo ODB es un pintor, escultor y dibujante colombiano, domiciliado en Pietrasanta, París, Mónaco y Nueva York.​ Wikipedia
Nacimiento: 19 de abril de 1932 (edad 89 años), Medellín, Colombia
Cónyuge: Sophia Vari (m. 1978), Cecilia Zambrano (m. 1964–1975), Gloria Zea (m. 1955–1960)
Hijos: Fernando Botero Zea, Pedro Botero Zambrano, Lina Botero, Juan Carlos Botero
Educación: Liceo Antioqueño - Sede Principal (1950), Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Más
Películas: Botero

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La pintura en el arte contemporáneo se enmarca a la referencia de la edad contemporánea en la historia universal del mundo, es decir, es un periodo que comienza a partir del año 1789, coincidiendo con el origen de la Revolución Francesa y la independencia de Estados Unidos, junto a todos los avances y tendencias que se han desarrollado en el mundo hasta la actualidad.
Se caracteriza por:
Se basa en el expresionismo abstracto
Tiene una herencia de vanguardias artísticas y busca diferentes formas de expresión
Tiene bases provenientes del arte abstracto
Sus obras son originales, artísticas y dejan plasmada la huella del autor que las realiza.
La pintura mas conicida es La Última Cena" de Giotto di Bondone. Una pintura que representa una escena de Jesús rodeado por sus apóstoles, ésta obra muestra una de las escenas religiosas más representadas en la historia del arte. La Pintura de la Última Cena de Giotto di Bondone. Conclusión

LA GIOCONDA

Leonardo Da Vinci, 1503 a 1519
La Mona Lisa recibe cada año a más de 6 millones de visitantes, pero sólo permanecen mirándola una media de 15 segundos.Existen muchas teorías sobre la identidad de la modelo y el significado de su enigmática sonrisa.

EL GRITO

Ervard Munch, en 1983
El Grito es uno de los íconos culturales del siglo XX, se la considera la más famosas del expresionismo.

Es en realidad el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944), pero la más conocida es la que se halla en la Galería Nacional de Noruega. Esta versión ha sido víctima de un robo de proporciones mediáticas.

GUERNICA

Pablo Picasso, en 1937
Guernica, cuadro pintado por Pablo Picasso en 1937, inspirado en el bombardeo del pueblo vasco de Guernica y Luno (Vizcaya) por la aviación alemana al servicio de Francisco Franco.

LA NOCHE ESTRELLADA

Vicent Van Goht, 1889
Vincent van Gogh pintó su famosa obra “La noche estrellada” un año antes de su muerte, en junio de 1889. No sólo es una de las mayores obras del artista, también es una de las más importantes obras de arte en la historia de la pintura occidental.

Max Beckmann.Nacionalidad:Países Bajos.Nacimiento:1884, Leipzig, Alemania.Muerte:1950, Nueva york, EE. UU.

MAX BECKMANN
Max Beckmann fue un artista alemán que vivió la derrota de la Primera Guerra Mundial, donde sirvió como enfermero. Disfrutó de reconocimiento artístico en su propio país, en el breve tiempo de abundancia hacia finales de los años 20 y luego huyó del país al cual nunca retornaría, amenazado por régimen Nazi, formó parte de la gran lista que los de Hitler denominaron "artistas degenerados", donde se encontraron todos los movimientos de arte moderno, entre ellos expresionistas abstraccionistas. Inició una nueva vida en Ámsterdam y luego en Estados Unidos.

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El arte abstracto emplea formas y perspectivas que no son una copia de la realidad, si se rigen por las reglas de lo aparentemente lógico, sino se proponen obras mucho mas libres e innovadoras cuya interpretación queda a cargo del espectacular este estilo surgió a inicios del siglo xx y  perduro hasta nuestros días, teniendo grandes expositores como los pintores: Vasili Kandinski, Robert Deanuav, Kazmir Malevich, Piet Mondrian, Mark Rothko, Jackson, Pollock,Jesus Soto,Carlos Cruz-Diez, Herhard Richter Ojoon Miro, ademas escultores como: Marce Dumchamp, Alexander Calder y Jean Arp. Las carcteristicas el arte abstracto son: una gran conciencia de formas y colores, Las pinturas abstractas proponen un lenguaje propio y por ultimo el arte abstracto rompio con la necesidad de de presentar objetos concretos. los diferentes tipos de arte abstracto son: Curvilineo, Cromatico-visual, Geometrico, Intuicional, Gestual y Minimalista.

VICENT WI
Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.​Pintó unos 800 cuadros y realizó más de 1600 dibujos, Los cuadros de Van Gogh se consideran postimpresionistas, su estilo fue tomado como ejemplo en el desarrollo posterior del abstracto, fauvista y expresionista
Nacimiento: 30 de marzo de 1853, Zundert, Países Bajos
Fallecimiento: 29 de julio de 1890, Auvers-sur-Oise, Francia
Movimiento: Posimpresionismo y expresionismo
Serie: Los girasoles, Autorretratos de Vincent van Gogh,
Hermanos: Theo van Gogh, Elisabeth du Quesne-van Gogh,
Padres: Anna Cornelia Carbentus, Theodorus van Gogh

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El arte pobre (del italiano: arte povera) es un movimiento artístico surgido en Italia en la segunda mitad de la década de 1960, al cual se adhirieron autores del ámbito predominantemente turinés. Fue llamado así por Germano Celant, debido a que se utilizan para su creación materiales humildes y pobres, generalmente no industriales (plantas, sacos de lona, grasas, cuerdas, tierra, troncos). Estos materiales se valoran principalmente en sus cambios, ya que a medida que se van deteriorando, transforman la obra.

Y es que, en una época marcada por la efervescencia social alrededor del mundo —recordemos los movimientos sociales de 1968— y las vanguardias que le dieron un vuelco al arte moderno, tales como el cubismo o el surrealismo, los exponentes del arte povera irrumpieron en el ámbito cultural con una fuerza renovadora y crítica, ampliando y enriqueciendo lo que entendemos hoy en día por obra de arte.
El término arte povera (del italiano arte pobre) es una tendencia dada a conocer a finales de la década de 1960, cuyos creadores utilizan materiales considerados pobres, de muy fácil obtención, como madera, hojas o rocas, vajilla, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho y, por lo tanto, carecían de valor.

Arte povera género más predominante (las bellas artes  representativas de ese periodo) y  Arte povera datos bibliográficos de un representante por cada género (por cada bella arte sobresaliente)

Denominación creada por el crítico de arte italiano Germano Celant bajo la cual se integran actividades artísticas muy variadas pero que en general todas tienen en común la utilización de materiales pobres como paja, arena, piedras, ramas, hojarascas, fragmentos u objetos de metal, piezas de loza o vidrio, aunque los artistas del movimiento usaron también oro, seda, mármol o cristal de Murano.

Surge en 1967 en Italia, año en el que se organizaron dos importantes exposiciones, y alcanzó una gran repercusión internacional en 1972 por el protagonismo que tiene en la quinta edición de la Documenta de Kassel. Los artistas más representativos del movimiento son: Kounellis, Anselmo, Zorio, Pistoletto, Merz, Boetti, Penone y Fabro.

El arte povera basa su estética en las relaciones entre el objeto y su configuración, valorando especialmente dos aspectos: por un lado, los procedimientos entendidos como proceso de fabricación y manipulación del material, y por otro, los materiales. Estos dos elementos van estrechamente relacionados de forma que hay obras que parten de determinada acción sobre el material (como pueden ser apilar, desgarrar, torsionar); por el contrario, el artista parte de un material como por ejemplo fieltro, caucho, tierra, fuego… al que le somete a una determinada acción. Este arte que valora los materiales industriales en estado bruto y la materia natural, surge en Europa como una reacción en contra del predominio del acero inoxidable, el plexiglás y la estricta geometría del minimal art. El que aparezca en Italia no es casual pues en este país encontramos artistas de épocas anteriores que reivindican un arte anti mercantilista como fueron Manzoni, Burri o Fontana.

Arte povera datos de su o la obra más famosa

En 1972 participó en la exposición de arte Documenta5 y en 1990 ganó el León de Oro de Pintura en la Bienal de Venecia.​

En La viuda azul, Pascali creó una araña de pelo sintético sobre estructura de madera, que en otros montajes se colgó del techo o subió a las paredes.

Mario Merz (1925) destaca entre los artistas italianos que han practicado este arte. Sus obras parten de una ley estructural muy elemental, la del matemático medieval Fibonacci, para quien el desarrollo derivaba no de la simple sucesión de números, sino de la progresión en la cual cada número resulta de la suma de los dos precedentes. Esta progresión matemática es la que publica Merz en cualquiera de sus trabajos, ya sean objetos, espacios, vegetales, etc. Como por ejemplo, la disposición de paquetes de periódicos en el suelo, con los números de Fibonacci realizados en neón o grupo de frutas y verduras esparcidos por el suelo, que se van deteriorando como sucede con otros fenómenos naturales, o la realización de un iglú recubierto por una estructura de neón, donde aparece la serie de números Fibonacci, etc.

Destacan asimismo: Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Richard Serra; y entre los alemanes Joseph Beuys (1921-1985). El material preferido de este último era la grasa, con la cual realizaba enigmáticos objetos o recubría otros, en los que destacaba principalmente, el valor expresivo del propio material. En los años sesenta (1960), junto con otro artista alemán, Wolf Vostell, y los vieneses del grupo Fluxus, Beuys llevó a cabo infinidad de Happenings en los que se hacía patente su marcado inconformismo.

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El hiperrealismo o fotorrealismo es un movimiento artístico figurativo que reproduce la realidad con una nitidez y definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o escultóricas que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía.

El arte hiperrealista se originó hacia finales de 1960 en respuesta a los planteamientos abstractos, conceptuales y no objetuales del arte contemporáneo. Al principio, la crítica no fue favorable, pero encontró su centro en la exposición V documenta de Kassel, Alemania, de 1972. Hoy, se ha tornado un movimiento influyente y se mantiene activo. Para entenderlo mejor, conozcamos las características, los autores y los trabajos más representativos del hiperrealismo.

Características del hiperrealismo

Aunque el hiperrealismo expresa la influencia del arte conceptual y, muchas veces, es catalogado como arte pop debido a su aparente trivialidad temática, es un movimiento con características propias bien definidas. Estas características los distinguen del conceptualismo y, especialmente, del arte pop. Veamos.

Noción de hiperrealidad como fundamento
El hiperrealismo se basa en la noción filosófica de la hiperrealidad, desarrollada en el siglo XX. Comprende que el cerebro humano es incapaz de distinguir entre realidad y ficción. Aplicado al arte, el concepto de hiperrealidad nos acerca al simulacro, cuyo realismo resulta más convincente que el mundo objetivo.

Richard Estes. Pintor estadounidense (1932). Se caracterizó por la precisión de las apariencias en sus obras. Sin embargo, no busca imitar el acabado fotográfico, sino que parte de la fotografía para indagar en la refracción de la luz. Asimismo, hace uso de la geometría en sus composiciones. Obras más conocidas: Cabinas telefónicas (1967); People's Flowers (1971) y Double Self-Portrait (1976).

Malcolm Morley. Pintor inglés (1931-2018). Su obra registra etapas y estilos muy distintos y, muchas veces, con un desarrollo paralelo. Sin embargo, ha sido un exponente muy reconocido de la corriente del hiperrealismo. Algunas de las obras hiperrealistas más conocidas del autor son: Escena de playa (1968); Caballos (1969) y Tackle (2004).

Escultura Hiperrealista

La escultura hiperrealista es aún más literal que la pintura en su representación de la realidad. Por eso, suele ejecutarse en tamaño natural a partir de moldes. Sin embargo, puede incrementar sus efectos al usar dimensiones colosales.

Duane Hanson. Escultor estadounidense (1925-1996). Se dio a conocer gracias a las esculturas en tamaño natural que ejecutó, cargadas de una verdadera apariencia de vida gracias al fino cuidado de todos los detalles. Sus figuras suelen expresar rasgos de carácter. Entre sus obras más conocidas destacan: Supermarket Lady (1969) y Mujer comiendo (1971).

John Davies. Escultor británico (1946). Busca indagar en la consistencia psicológica de los personajes que representa en su escultura. Para ello, utiliza diferentes tipos de “artefactos” que pueden parecer extraños a la escena, pero guardan una congruencia con el tema. Entre sus obras más conocidas están Cabeza de William Jeffrey (1972) y Young Man (1969-1971).

Ron Müeck. Escultor australiano (1958). Este artista se caracteriza por realizar esculturas colosales que representan partes del cuerpo humano. Entre algunas de sus obras más conocidas podemos mencionar Boy (1999), Máscara II (2002) y New Born.

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Pop Art. Primera vanguardia neo representativa de origen británico y norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel, incluso la fotografía instantánea. La mayoría de artistas encuadrados en esta tendencia comienzan sus carreras con el arte comercial: Andy Warhol era un ilustrador de éxito y diseñador gráfico, Ed Ruscha también fue diseñador gráfico, y James Rosenquist comenzó como pintor de carteles publicitarios.
Su experiencia en el mundo del arte comercial les ayudó en el vocabulario visual de la cultura de masas así como en las técnicas para combinar la sublimidad del gran arte y la cultura popular.

Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy pocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto,   en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Linchestein, Andy Warhol, Jasper Johns, James Rosenquist, Ed Ruscha y el británico David Hockney.