# data[].attributes.body
El tema que trabajaré durante el semestre será "La Religión". Decidí elegir este tema porque desde la infancia he estado muy conectada con la espiritualidad, principalmente por la influencia de mis padres. En mi familia somos católicos y desde muy temprana edad asisto a educación religiosa, catequesis, grupos de historia bíblica, entre otras actividades de esta índole. Esta es la razón por la que creo que siempre he sentido mucha curiosidad e intriga por otras religiones, sus historias, y representaciones de cualquier carácter. En este sentido, mi intención con el tema seleccionado es conocer otras expresiones religiosas, aprender y salir un poco de mi contexto personal. Considero que el arte es una buena fuente para lograr este objetivo, y me entusiasma mucho aprender a partir de las obras que estudiaré.

# data[].attributes.body
Título: Clavo de fundación
Autor: N/A
Fecha: 2100 a.C
Lugar: Museos Estatales, Berlín
Material: Cobre
Dimensiones: N/A
Descubierta: N/A

En principio, precisaría que esta escultura aborda el tema de la creación por un ser omnipotente de las civilizaciones humanas. Lo anterior, basado en dos razones. Primeramente, la caracterización del hombre de la escultura. Representa a alguien sabio y noble, por la forma como está vestido (capa y turbante), y lleva lo que parecen ser unas cadenas en su cuerpo, lo que a mi parecer, indica riqueza. Esto me permite deducir que no era un hombre común, sino alguien poderoso. Segundo, vemos que está clavando un clavo pesado, que un ser con esas dimensiones no podría clavar manualmente. Estas dos singularidades permiten evidenciar una única narrativa, un ser, posiblemente un Dios, clavando un clavo con devoción, como si se estuviera creando algo con su acción. Que se haya elegido precisamente un clavo para la escultura es lo que me hace remitirme a un mito fundacional, es un Dios quien pone el primer cimiento o estructura para crear el universo, al hombre, sus civilizaciones, etc.
La temática exhibida, y las razones mencionadas, no solamente se perciben al analizar el fondo de la escultura. También cuando se analizan los aspectos formales podemos evidenciar tanto un tema como un fin. Primeramente,  el cuerpo del hombre parece estar anexado al clavo, no hay espacios entre sus manos o rodillas que lo separen, o que evidencien que este clavo no hace parte de él. Esto lo relaciono con la imagen de un Dios que crea a las civilizaciones a su imagen y semejanza, y los garabatos del clavo también podrían entenderse como planos o proyectos previos de lo que sería la civilización. Por otro lado, al analizar las dimensiones de las dos piezas se observa que: (i) El hombre tiene una posición sumamente vertical en la cual su cabeza sobrepasa la parte más alta del clavo. Y se entiende que lo que está creando es inferior a él, sus ojos ven lo creado "hacia abajo". (ii) La rectitud y verticalidad del cuerpo de este sujeto deja en evidencia como el clavo no tiene una figura tan perfecta, se observa imperfecta y hecha con menos meticulosidad. Esta perspectiva puede indicar que el fin era  destacar a este ser omnipotente, mas que a la civilización misma. El cuidado en la creación de la obra se percibe más en los detalles del que se podría llamar un Dios.
Ante esta observación, concluyo que había una creencia de un Dios que fundaba estas civilizaciones, y la representación del mismo, era lo más importante en este arte, porque era venerado. La civilización, tenía menos valor, porque eran seres humanos, imperfectos y comunes.

Bibliografía:
Imagen tomada de : https://historia.nationalgeographic.com.es/a/gudea-lagash_9391/3

# data[].attributes.attachment_caption
Teriántropos cazando mamíferos (No se encontró el nombre original) 

# data[].attributes.body
Título: Sin título
Autor: N/A
Lugar: Cueva Leang Bulu' Sipong 4, Islas Celebes, Indonesia.  Fecha: 33000 y el 10001 a. C Paleolítico Superior
Dimensiones: N/A
Técnica: Pictografía
Descubierta en 2018

Primeramente, considero que la pintura aborda el tema de la existencia de un poder sobrenatural del hombre. Los componentes que me ayudaron a identificar este tema son dos: la inmensidad del mamífero de la obra en comparación con los hombres, y las figuras retratadas que a simple vista parecen humanos por los elementos que utilizan para cazar, pero al ver la imagen de cerca sus cuerpos están deformados con características que no son naturales. Ante esto, se evidencia una única escena donde los hombres sobrenaturales  están destruyendo al inmenso mamífero.

Ahora bien, es difícil definir los aspectos formales con exactitud, por la antigüedad de la obra. No obstante, teniendo en cuenta la época, se puede inferir que está hecha con pigmentos y tal vez tallada o perfilada con alguna rama, o piedra fina. Esta última información se basa en lo que menciona Gombrich (1997) "Las rudas herramientas de piedra y hueso" (p.40). Otro elemento que vale destacar, es el espacio, está sobre una piedra que parece ser alta (por la fotografía) lo que implicaría que probablemente era fácilmente visible, además de su color rojo que le otorga una mayor presencia. Por último la posición de las figuras permite ver como el hombre crea cierta barrera circular que supera el tamaño del mamífero, lo que para mí representa la superioridad de estos hombres sobrenaturales.

Para finalizar creo que la obra cumple la función de dar esperanza en un periodo tan caótico y peligroso como la edad de piedra. Y, justamente esa esperanza crece a partir de narrativas que en el mundo natural no son imaginables: "Un hombre con habilidad sobrenaturales", que puede desafiar y vencer hasta al enemigo mas salvaje y grande del territorio.

Bibliografía:
Imagen tomada de National Geographic. Acceso https://historia.nationalgeographic.com.es/a/encuentran-indonesia-pintura-rupestre-hace-44000-anos_15024
Gombrich, E. H., Torroella, R. S., & Setó, J. (1997). Historia del arte (No. Sirsi) i9780714898704). New York: Phaidon.

# data[].attributes.body
*Con respecto a esta obra se discute si el protagonista es Poseidón lanzando su tridente o Zeus al lanzando un rayo. La posición con mayor acogida es que es Poseidón, por ende será la tomada en cuenta para el análisis.

Ficha técnica:
Título: DIOS DEL CABO ARTEMISIO
Autor: N/A
Lugar: Museo Arqueológico de Atenas
Dimensiones: 2.10 m de altura
Fecha: 460 a.C
Descubierta: 1928

Para iniciar, considero que el tema principal es el poder sobrenatural individualizado de cada Dios griego. En la Antigua Grecia cada Dios, tenía un poder único, individual y caracterizado que lo diferenciaba de los demás. En este caso, el protagonista es Poseidón, Dios de los océanos.  Este tema se identifica a partir de una única narrativa en la obra; Poseidón preparándose para lanzar lo que sería su tridente. A pesar de que no se evidencia en si el tridente, se deduce a partir de la posición de las manos, que parece estar sosteniendo dicho elemento. Esta narrativa permite demostrar el tema, en tanto Poseidón está accionando el poder sobrenatural individualizado que se le ha otorgado por esta cultura, y él es el único, entre la variedad de Dioses, que puede hacerlo.

Ahora bien, en lo que corresponde a los aspectos formales, son claros en la escultura. Inicialmente, la posición de la escultura refleja una acción, es dinámica en tanto la posición de los brazos y las piernas reflejan el movimiento del protagonista. Tal dinamismo del cuerpo, y su posición natural-estilizada, reflejan precisamente la importancia de la acción que personaliza Poseidón en la obra. Aunque, vale destacar que el dinamismo no es a gran escala, al analizar es más evidente del lado izquierdo de la obra, por la posición del pie, brazo y mano. Ahora vale destacar que, la mencionada posición natural del cuerpo, pero al mismo tiempo idealizada, nos indica que esta obra hace parte del periodo Clasista. Es notorio que el cuerpo está de perfil y no obedece a una rigidez tan absoluta como en el periodo Arcaíco. Empero, el idealismo es evidente en tanto los detalles muestran un ser humano perfecto en términos anatómicos.

Por último, es difícil conocer la función de la obra, sin embargo creería que su finalidad es la veneración de este Dios. Para afirmar esto, me valgo de que la obra está destacando su habilidad sobrenatural que le da el poder por el cual es venerado. Es claro que además representa un hombre ideal para la Antigua Grecia; justo, honorable, con aptitudes para la guerra y atlético. Creería que estas características se dejan en evidencia a partir de la acción de arrojar el tridente y de los aspectos formales descritos de la obra.

Bibliografía:
Imagen recuperada de:
https://mijangosgordillomauricio.blogspot.com/2019/03/dios-del-cabo-artemisio.html

# data[].attributes.body
Título: Domicio Ahenobarbo
Autor: N/A
Lugar: Museo del Louvre
Época: Antigua Roma
Fecha: 1 a.C
Dimensiones: N/A
Descubierta: N/A

Este es un monumento con relieve, que fue fraccionado y repartido entre el Museo de Louvre y el Museo de Munich. En esta ocasión se analizará el fragmento del primer museo mencionado.
La obra expresa el tema de la veneración a los Dioses. Lo anterior, se evidencia a partir de los componentes, que reflejan una extensa narrativa. Primero, hay un altar, que está en medio de las personas, se muestra un soldado con un arma, quien parece estar dispuesto a utilizar el altar como lugar de sacrificio. El hecho de que sea un soldado, refleja la posibilidad que el sacrificio sea en razón de la guerra, lo que era común entre los romanos. Ahora, Estos personajes de la obra, en su mayoría están mirando al lado izquierdo, y se debe a que el fragmento de la obra que falta muestra una segunda escena, de cómo están trayendo a los tres animales para el sacrificio. Bajo este razonamiento, el tema de la veneración en un altar, es evidente que responde a un ritual para "sacrificar por un Dios".

En relación a los aspectos formales, la obra se evidencia su característica de relieve, no es plana sino continua, y los componentes  hacen imaginar la escena plasmada en movimiento. Considero que este efecto lo genera la variedad de figuras con dimensiones y, elementos físicos y accesorios distintos. De lado izquierdo al derecho, se perciben dos hombres de estatura similar pero posiciones diferentes; el soldado cuya altura sobresale entre todos los hombres, pues es el encargado del ritual de sacrificio; dos personas, mujer y hombre, bajos en el fondo; un hombre alto, quien demuestra importancia por estar simétricamente alineado con el soldado; y un niño remitido al fondo. Estas características crean una escena diversa, y fácilmente demuestran los roles que cumplen los personajes en este contexto antiguo.

Por último, considero que el relieve refleja la forma romana de venerar a los Dioses, antes o después de la guerra. En la medida en que, el personaje principal de la escena es un soldado, que cumple la función de sacrificar en un altar a cambio de protección de un poder superior.

# data[].attributes.body
Título: Justiniano y su corte

Autor: N/A

Estilo: Arte Bizantino

Material: Mosaico realizado en teselas.

Lugar: Iglesia de San Vital de Rávena, Italia

Dimensiones: N/A

En principio, resalto como tema el poder jerarquizado de la iglesia a través de la figura de la Corte, que rinde tributo y ofrendas a la iglesia. En esta obra, se percibe un grupo de sacerdotes que representan la autoridad de la iglesia durante el periodo Bizantino. Estas conclusiones son evidentes a partir de la única narrativa que nos presenta el mosaico. Hay dos grupos de hombres, aquellos que representan a la iglesia de manera formal, y aquellos que tienen el deber de protegerla mediante la fuerza, que son los personajes del fondo izquierdo con armas. Esta narrativa, vista en una sola escena, nos traslada a pensar en una distribución jerarquizada del poder de la iglesia, con el respaldo cel Estado que brindaba un poder coercitivo. Ahora bien, vemos a ciertos personajes cargando ofrendas, llevadas a la iglesia, que además ponen de presente la jerarquía. Quienes parecen tener más poder, cargan signos. Por ejemplo, la patena, uno de los más importantes, por ser donde se sitúa el cuerpo de Cristo, la carga Justiniano. A su derecha otros dos que cargan la cruz e incienso, signos preponderantes que dan visibilidad a la iglesia.
Con respecto a los aspectos formales se evidencia una obra estática, no hay dinamismo. Asimismo, hay una presencia importante del color dorado, que como evidenciamos en clase, representa la divinidad de la iglesia y quienes hacen parte de la misma. También, llamo la atención a la posición estratégica en la que se ubica a los personajes, hay una jerarquía: en el medio Justiniano, la máxima autoridad, a su lado derecho (lo que no considero coincidencia), se ubica quien parece el siguiente en mando, podría ser un arzobispo. Así, siguiendo hacia la derecha se ubican otros dos sacerdotes quienes evocan importancia porque cargan signos santos de la iglesia. Por el contrario al lado izquierdo, parecen estar sacerdotes de menor rango, que sin embargo, están adelante de los soldados. Estas distribuciones, resaltan la jerarquía de la corte, y exaltan el tema principal.

Finalmente, a mi parecer la obra cumple el propósito de enviar un mensaje sobre el poder de la iglesia y la santidad; convida a los espectadores a darle ofrendas y el respeto tanto a esta como a todo su cuerpo sacerdotal. Sin embargo, considero que la obra en su época, a pesar de enviar este mensaje,  lo hacía pero mas en modo de obligación. La imagen de los soldados demuestra el respaldo del Estado a la iglesia, e inducen a pensar que si no se respetaba esta solemnidad, sus principios y reglas, siempre atrás estaría un poder coercitivo que los obligaría.

# data[].attributes.body
Título: Iglesia Saint Vincent Cardona
Ubicación: Cardona, España
Material: Piedra
Dimensiones: N/A
Estilo: Románico Catalán
Fecha: Siglo XI

# data[].attributes.body
Catedral Gloucestel
Ubicación: Gloucestel, Inglaterra
Estilo: Arquitectura Gótica, Tudor
Material: Piedra y vidrio
Dimensiones: N/A
Fecha: 1089

# data[].attributes.headline
Análisis de comparación Arquitectura Románica y Gótica

# data[].attributes.subject
Análisis de comparación Arquitectura Románica y Gótica

# data[].attributes.body
Para el análisis comparativo, se estudiarán dos obras de arquitectónicas. La primera, de estilo románico, será la Iglesia Saint Vincent Cardona, y la segunda será la Catedral Gloucester, de estilo gótico. En principio, evidenciamos una diferencia en su fin y propósito. Mientras la primera, representa una visión más formal y monástica de la iglesia, principalmente enfocada en el aspecto y diseño interior para la peregrinación; la segunda arroja una vista más cosmopolita y como representación de la lógica.

Esta perspectiva se evidencia en los elementos de la forma de ambas. La románica es construida en piedra, y contiene ventanas pequeñas y arqueadas, que reflejan nuevamente la importancia del recorrido interno del lugar, más que la apariencia externa. Por el contrario la catedral, es más imperante, contiene arco punteado (ojival) y más que sólo piedra está construida con mucho vidrio. Asimismo contiene líneas verticales esculpidas que generan la impresión de querer "ser vista", ser imponente. Algo peculiar de ambas obras, es precisamente que el arte románico suele tener figuras más arqueadas, o circulares en su estructura externa, mientras en el gótico hay más puntas y ángulos. Estas formas, reflejan el "cumplir un fin distinto"; mientras en el arte románico vemos las bóvedas y arcos para poder visibilizar el arte adentro; la gótica representa esos ángulos asociados con la lógica y la escolástica, hay una perfección angular, que no refleja más que el mismo saber.

# data[].attributes.body
Artista: Pietro Perugino
Ubicación: Capilla Sixtina
Periodo: Alto Renacimiento
Dimensiones: 3.35 m x 5.5 m
Estilo: Fresco

# data[].attributes.body
Lot y sus hijas
Artista: Lucas van Leyden
Fecha: 1517
Técnica: Óleo sobre tabla
Ubicación: Museo del Louvre, París

# data[].attributes.body
Para el análisis comparativo se estudiarán dos obras del renacimiento, pero de distinta ubicación. La primera es del renacimiento italiano, titulada: Entrega de las llaves a San Pedro. La segunda es del renacimiento nórdico, y se titula Lot y sus hijas. Ambas son obras que evocan los temas religiosos, no obstante lo hacen de forma distinta. En la primera vemos la reproducción del arte de la iglesia católica y se evidencian varias narrativas dentro de una misma obra. Hay unas personas que siguen la entrega de la llave, pero hay una fragmentación porque están sucediendo muchas cosas dentro de la obra. Vemos una persona de espalda, otras jugando atrás, también discutiendo, y todo se desarrolla alrededor de la entrega de la llave, pero no es lo único en la imagen. En la segunda obra, evidenciamos la narrativa de Lot y sus hijas, pero es curioso, que se elija esta historia para ser narrada, en la medida en que los actos de estos personajes eran prohibidos. Y, justamente en la iglesia católica se cuestiona que Lot haya sido llamado "justo" en Sodoma, teniendo en cuenta etas actitudes. Este contexto, junto con el desarrollo del arte en los países nórdicos, donde ya el catolicismo no gobernaba el arte, por el surgimiento del protestantismo, me hace pensar en que el retrato podía obedecer a un pedido de alguien, más que a representar como tal la historia bíblica.

Ahora bien, sobre los elemento formales, señalo en la primera obra la oscuridad que se evidencia en algunas caras, las sombras, y también resalto el color dorado, que continúa teniendo el mismo significado divino que exploramos en el periodo Bizantino. Asimismo, se perciben los mantos de los personajes de forma tridimensional, al igual que el fondo, que parece tener un relieve y no se percibe como plano. Sobre la segunda obra, es una pintura más oscura, no hay presencia de colores vivos, excepto por el rojo que a mi parecer representa la sexualidad. Esta técnica que parece ser más "prohíbida o cuestionada", considero obedece a tal vez, una mayor libertad del artista para proyectar o modificar las narrativas, a su disposición o a la de otro, al no tener que rendir cuentas a la iglesia católica. Distinto, a lo que se evidencia en la primera obra.

# data[].attributes.body
Título: La Bacanal de los Andrios.
Autor: Tiziano Vecelllio
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 1,75 x 1,93 mts
Fecha:  1523-1526
Estilo: Cinquecento
Ubicación: Museo del Prado, España

A simple vista, la obra retrata el tema del placer y de satisfacción de lo mundano. Para captar este tema, en principio la obra debe verse como un todo para captar las similitudes en la variedad de narrativas y concretar un tema común. Evidenciamos así el consumo de alcohol, la sexualidad, la amistad, la danza, que en su conjunto no son mas que una descripción de fiesta, y encuentros para disfrutar. Adicionalmente, en este caso es evidente la referencia a la mitología griega, característico de este estilo, por esta razón considero que es una fiesta en honor al Dios del placer en la mitología, también por el nombre de la obra -El Bacanal/ Dios Baco-. Finalmente es fundamental apreciar que el fondo es una muestra de la naturaleza, considero que simboliza estos comportamientos son parte de la naturaleza del hombre y que están conectados aquello que les ha dado vida, los mismos que crearon ese entorno -los dioses-.

Sobre los aspectos de la forma, se evidencia una obra en óleo sobre tabla, característica del Renacentismo. También hay mucho interés por los cuerpos, sin embargo estos se retratan de forma muy natural, tanto sus posiciones como sus gestos y lenguaje corporal, creería que por la misma simbología mencionada. Para finalizar resalto que teniendo en cuenta que en la época estos cuadros normalmente eran ordenados por la aristocracia, más que honorar a un Dios como la intención del cuadro, creo que pueden obedecer a una representaicón de la aristocracia, también amante del alcohol y las fiestas, es decir de "los placeres de la vida".

Quisiera agregar que elegí esta obra porque al ver la mitología consideré que podía analizarse desde la religión. Sin embargo, al leer un poco del contexto y relacionarlo con lo visto en clase es evidente que la finalidad no era enteramente religiosa sino que realmente se obedece a las órdenes de la aristocracia y es una época donde el arte gira alrededor de esta clase social. Igualmente, no creo que la iglesia católica de la época aprobara este tipo de arte.

# data[].attributes.body
Artista: Michelangelo Merisi da Caravaggio

Periodo: Barroco

Ubicación: Galería Nacional de Irlanda

Fecha: 1602

Técnica: Óleo sobre Lienzo

La obra retrata una escena de la historia de Jesús, "el beso de Judas", aquel gesto de traición que vendió a Jesús a aquellos que deseaban su muerte. El tema es profundamente religioso y se percibe la narrativa que relata la escena mencionada.

Para esta obra vale resaltar los elementos formales que emplea Caravaggio. Dado que hay una escena principal, vemos la usual técnica del Barroco de jugar con la luz y las sombras, se ven así iluminadas las caras de los sujetos, se logran percibir vivamente los gestos de los rostros, más aún por la oscuridad que se concentra en la barba de Judas y Jesús. Vale mencionar que los gestos del rostro revelan mucho sobre la simbología que hay detrás de la obra, Jesús tiene una mirada baja y un gesto de pena, esto parece representar la inocencia, bondad y tolerancia de Jesús quien no pone resistencia a su arresto. Otro uso de luz que llama mi atención es la de las armaduras, es como si se quisiera resaltar esa violencia y brutalidad de quienes arrestan al hijo de Dios.  Finalmente, destaco el dinamismo de la obra y el movimiento, Jesús es el único que se presenta como estático, y creo que también es una simbología para presentar a un Jesús que no pone resistencia sino que acepta el destino que su padre ha preparado para sí, y no toma represalias porque nuevamente es la "víctima" del hombre, su pecado, y en este caso la traición de su mismo discípulo.

Ahora bien, teniendo en cuenta el periodo de la obra creo que vemos esa intención detrás de la iglesia de un mensaje claro en el que Jesús se muestra como el bondadoso y como el iluminado a pesar de la brutalidad del mundo. La idea de resaltar la escena de la traición en la época de la contra-reforma creo que deja el mensaje claro de permanecer bajo los ideales de la iglesia católica, sin traicionar con el pensamiento, obra u omisión al hijo de Dios.

# data[].attributes.body
Título: La adoración de los pastores
Autor: Anton Raphael Mengs (1728 – 1779)
Año: 1770
Técninca: Óleo sobre tabla
Dimensiones: 256 x 190 cm
Ubicación: Museo del Prado

# data[].attributes.body
Titulo: Ángel de la muerte
Artista: Horance Vernet
Fecha: 1851
Técnica: Óleo

Análisis:

La obra trata el tema del sentimiento de la muerte y sus implicaciones en los seres del núcleo cercano. Es una pintura que genera una efusión de sentimientos, por la narrativa que proyecta: un hombre suplicándole a Dios que sane a su amada, mientras el ángel de la muerte se la lleva al paraíso. Lo que nos conduce a pensar que si esta mujer va a encontrarse con Dios, es por la bondad del hombre, tema característico de este periodo. Estas últimas afirmaciones se evidencian a partir del aspecto formal y los detalles que componen el cuadro.

Para profundizar en lo anterior, se evidencia el color blanco y una luz en el cuadro que señala al cielo -donde se cree que está el paraíso que nos espera a los cristianos después de la muerte-. Del mismo modo la posición de las manos y por estar de rodillas, nos indica que el hombre se encuentra en oración. Además los elementos de su alrededor, una biblia, una imagen de María, obedece a la idea de un hogar católico. Precisamente este ritual también nos revela el fracaso de la idea del hombre como centro de todo, es decir de la ilustración, proyecta a lo sublime como algo real y parte de las creencias. Sin embargo, a pesar de hacer esta apreciación desde una perspectiva religiosa creo que la intención del artista era emanar una emoción profunda de amor del hombre por la mujer. Empero, es arrastrada por el ciclo natural de la vida. El ángel de la muerte sólo da más impresión de ese romanticismo y de la desesperación del hombre por la ausencia de su amada. Por eso creo que hay un contraste entre el color del ángel -oscuro- que proyecta el fin y la tristeza, y una mujer ideal desapareciendo del mundo.

# data[].attributes.body
Título: Église de Moret
Ubicación: Musée des Beaux-Artes (Francia)
Técnica: Óleo
Dimensiones: 81 x 65 cm
Autor: Alfred Sisley

Análisis

Esta es una obra del arte impresionista que retrata una iglesia y una pequeña casa. La temática de la obra es precisamente representar lo que el artista percibía a diario con sus ojos, su paisaje cotidiano. A pesar de que retrata una iglesia considero que no está muy relacionado con  proyectar algo más allá que una ilustre iglesia al lado de una pequeña casa humilde, que justamente era donde habitaba, para el momento, el artista de la obra -Sisley-.

Lo anterior, se deduce a partir del ángulo que eligió para la obra, si su intención hubiese sido sólo retratar la iglesia, la pintura estaría de frente, pero considero que también quería hacer parte de la obra su casa, donde vivía y pasaba mayor parte de su tiempo.

Adicionalmente, el ángulo también es más favorable para percibir el cielo, y esto tiene una intención de fondo que es precisamente que esta pintura hace parte de una colección de 12 obras que retratan la iglesia desde el mismo ángulo, en distintas estaciones, porque esta iglesia fue pintada doce veces durante la estadía de Sisley en el pueblo. Lo anterior, fue aprovechado por el artista para proyectar el mismo espacio, pero por el cambio de luz, condiciones climáticas y color de la pintura, todas las obras son diferentes. En esta medida, teniendo en cuenta que la herramienta principal de los impresionistas era la luz, la intención de Sisley era capturar estos efectos y las condiciones atmosféricas de este paisaje.

Lo que proyecta Sisley en su obra es una realidad, percibida a partir de lo que veía a diario y lo rodeaba, por esta razón a pesar de que Sisley explora, para este caso lo que parece ser la luz en la temporada de primavera o verano, como se evidencia en la obra, la estructura y detalle de la arquitectura (formas, elementos, ventanas, torres)  permanece intacta y representa exactamente lo que percibe, porque finalmente lo único que cambiaba eran los distintos tonos a partir de las variaciones de la pintura con el efecto de la luz.

Finalmente, aunque quisiera asociar este análisis con una temática más religiosa, es complicado en tanto los artistas de este movimiento no buscaban dramatizar o profundidad en el tema, o indagar en aquello que no sabían, sino retratar lo que era visible a sus ojos en su vida cotidiana.

# data[].attributes.body
Título: La Crucifixión
Autor: Pablo Picasso
Año: 1930
Dimensiones: 50x60 cm
Ubicación: Museo de Picasso. París, Francia
Técnica: Pintura en óleo

Análisis:

La obra revela la narrativa de la muerte de Jesús, su crucifixión. A pesar del ateísmo de Picasso, destinó esta y algunas obras más a los temas religiosos, pero todo dentro del contexto de la vanguardia. Lo interesante de la obra en términos de fondo es que cubre todos los elementos "reglamentados" de la historia de la crucifixión de Jesús. Picasso debió estudiarla para poder posicionar a cada personaje y proyectarla de forma tan exacta como lo hace la biblia. Evidenciamos así a Jesús en el medio, crucificado; adelante suyo y del mismo color se percibe la imagen de lo que parece ser una mujer llorando, su velo revela la identidad de María y a su lado de amarillo María Magdalena; la pequeña figura en la escalera es quien está clavando las manos de Jesús en la cruz; a la izquierda se evidencia la lanza que atraviesa el cuerpo de Jesús; a los pies parecen estar los ladrones que fueron los primeros en ser bajados de las cruces en la historia bíblica; finalmente con juego de dados al azar los soldados deciden quien se queda con la túnica. Sin embargo, teniendo en cuenta el ateísmo de Picasso, y la barbarie de la época como consecuencia de la Guerra Civil española y la gran Guerra, considero que la verdadera intención es proyectar el sufrimiento y el dolor, y más aún la indiferencia del hombre ante esto.

En relación a la forma, los elementos son muy difíciles de identificar, precisamente por el nivel de abstracción que emplea el autor, característico de la vanguardia. Los colores, sobretodo para una pintura religiosa, serían impensables en otros movimientos. La desproporción de los personajes también es una característica importante, los juegos con las escalas muestran otras formas de representación de un arte libre para proyectar una crítica social a la época. Los colores claros como el azul, se pueden asociar con el llanto y sufrimiento de las víctimas de la escena, los colores fuertes como el rojo y naranja son un símbolo de la barbarie. Nada parece casualidad en la pintura.

# data[].attributes.headline
La historia del arte como paralela a la historia de la música 

# data[].attributes.subject
La historia del arte como paralela a la historia de la música 

# data[].attributes.body
El ensayo visual busca posicionar la historia del arte de forma análoga con la historia de la música. A través de las entradas, del semestre, podía percibir que un mismo contexto, la atención del artista se comporta de manera similar en ambas artes. Así, pasaré a desarrollar  algunos momentos claves, donde vale la pena resaltar las semejanzas en las intenciones y manifestaciones artísticas.

Primeramente, al lado derecho se evidencia un mamífero, que en sus manos tiene una flauta tallada en hueso. La intención detrás de posicionar esta pieza musical con la pictografía estudiada fue relacionar los contextos que hay detrás de producir música y arte durante la prehistoria. Ambas manifestaciones estaban dirigidas a comunicar; la flauta como medio de comunicación, simbolizaba una cultura que ayudó a expandir las especies primitivas; el arte también obedecía a formas de comunicación sobretodo cuando se elaboraban animales, pues se trataba de retratar y comunicar aquello que era un peligro para ellos, en este caso el mamut. Adicionalmente, es interesante que como señala Gombrich (1997) la pictografía normalmente se hacía con instrumentos de huesos o piedras, mismo material empleado para crear estos artificios musicales. Seguidamente, se evidencian dos manifestaciones artísticas de las primeras civilizaciones tocando dos tipos de arpas. Estas datan como los primeros instrumentos de cuerda de la historia. En Antiguo Egipto eran utilizadas para las oraciones o alabanzas para los Dioses y faraones, además la música se empleaba en las ceremonias donde se despedía a las personas para la otra vida. Estos conceptos también se replican en el arte, que principalmente tenían un trasfondo funerario, religioso o de guerra, sobre esto último en algunas obras percibidas los arcos de flechas se dibujaban de forma parecida a las arpas, luego de ahondar encontré que estas primeras arpas eran justamente creadas con los arcos de flecha. En el arte romano, vemos a Júpiter, cambié su rayo por una cítara porque precisamente este instrumento de viento aparece como forma de alabar a los Dioses. Además, ese sentido político del arte también se encuentra ligado con crear música para el teatro como motivo de propaganda política, nuevamente las intenciones se interrelacionan. Ahora, en el ensayo vemos a dos figuras del arte paleocristiano y bizantino había una intención de conservar la historia de la iglesia intacta (Gombrich, 1997), y que no se olvidara, buscaba evangelizar. Precisamente, al pensar en los cantos de las iglesias, sobre todo las judeocristianas logró ver esta misma intención, por algo muchos cantos como los de la comunidad Neocatecumenal son fragmentos bíblicos y salmos que buscan nuevamente conservar y difundir la historia cristiana. Al fondo del ensayo vemos una catedral gótica y una iglesia románica, en la primera la música también se muestra como esa arquitectura organizada y compleja, las técnicas musicales formaban un nuevo y más intrincado estilo de música. Mientras la música en las iglesias románicas continuaban siendo cantos internos para la comunidad que asistía, como el arte dentro de estas. Sobre el arte renacentista, primero me enfoqué en el italiano, donde aún hay una influencia religiosa, en esta época, “los músicos buscaban satisfacer los gustos de los públicos que los escuchaban”, por eso lo coloqué como director, lo anterior se relaciona con ese inicio de los artistas de hacerse visible para atraer élites y los seleccionaran para hacer las obras. Cuando vemos el Barroco se replica esa relación entre arte y ciencia en la música “el barroco es un período en el cual se busca una codificación de todos los parámetros musicales como forma de ordenar y racionalizar la música”. Además, al ser una época de “exuberancia emocional” y drama, como se evidencia en la expresión de la cara de la obra de Caravaggio, surge en la música el género de la ópera, muy relacionado con el contexto. Ahora, en el arte y música neoclásica se continúan presentando patrones racionales, sin embargo con el romanticismo esta idea se desvaneció y apareció la emoción e intuición, tanto en el arte como en la música se evidencia al enfocar esa emoción y bondad hacia el hombre, además se rompen las ataduras de forma racional. Respecto al impresionismo, este momento musical toma su nombre del movimiento artístico, precisamente porque hay un cambio en la textura musical, como vemos en el arte, y además por su enfoque en la intimidad. En las vanguardias, hay un rompimiento en ambas, por eso quise juntar la imagen de la obra vanguardista con una de época anterior, para marcar esa gran diferencia (también lo hice con el contemporáneo). El contexto de tanta destrucción, maldad, luego de la Gran Guerra hizo que estas corrientes se desligaran de lo que “debía ser” y dieran un paso hacia la modernidad. Finalmente, en el arte contemporáneo, hay imágenes concretas, en este caso exploré una del Arte Pop, el concepto de arte sigue ampliándose, igual a como ocurre en la música.

Bibliografía:

Gombrich, E. H., Torroella, R. S., & Setó, J. (1997). Historia del arte (No. Sirsi) i9780714898704). New York: Phaidon.