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Qu'est ce qu'un autoportrait ?
C'est un portrait réalisé par l'artiste dans lequel il se représente.

Pourquoi réaliser un autoportrait ?
Un artiste peut concevoir un autoportrait pour plusieurs raisons : pour témoigner, raconter son histoire / pour saisir le temps qui passe  / pour s'exprimer, montrer ses états d'âmes / pour immortaliser ses traits...

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(1471 - 1528) est un artiste de la Renaissance.

Présentation de l’œuvre :
Autoportrait à la fourrure (1500) Bois de tilleul (Tilia sp.), 67,1 x 48,9 cm, Alte Pinakothek, Munich (Allemagne).

L'artiste se présente face au spectateur et fixe celui-ci du regard. L'arrière plan est très sombre. On peut distinguer des inscriptions à l'arrière plan : «Moi, Albrecht Dürer de Nuremberg, me représentais moi-même ainsi avec des couleurs durables à l’âge de vingt-huit ans.»"

Ce qui nous interpelle est la manière dont l'artiste se met en scène. En effet, Il ressemble étrangement au Christ.

A.Dürer est connu pour avoir exécuté plusieurs autoportraits de style hyperréaliste.

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( 1606-1669 ) est un artiste de la période Baroque.

Présentation de l’œuvre :
Autoportrait 1640

Dans ce portrait, l'artiste se présente de 3/4 ( ni de face, ni de profil mais légèrement tourné sur le côté ). Il nous regarde, vêtu de manière somptueuse ( béret, pourpoint de velours orné de passementeries...). Les teintes sont relativement sombres, d'une palette de bruns, noirs  et d'ocres. La lumière est concentrée sur le visage.
L'arrière plan est sobre. L'ensemble du tableau est harmonieux et le contraste très présent. C'est ce qu'on appelle le " clair-obscur". Ce procédé de peinture inventé à la Renaissance par les peintres italiens va influencé de nombreux peintres par la suite.

Rembrandt a réalisé de nombreux autoportraits tout au long de sa vie, montrant ainsi les empreintes du temps sur sa physionomie.

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(1819 -1877 )  est un artiste de la période Réaliste.

Présentation de l’œuvre :
Le désespéré, 1843, huile sur toile, 45 x 54 cm,

Gustave Courbet nous fait face. Nous voyons son visage au centre de la toile. Ses yeux sont exorbités, ses mains sont posés sur son crâne comme s'il tentait de s'arracher les cheveux.
L'arrière plan est sobre, le cadrage est resserré sur l'artiste.
Le contraste est très prononcé, mettant en avant l'expression de l'artiste.
La chemise blanche, encadrant le visage accentue encore davantage son émotion.

La représentation est très réaliste.

Gustave Courbet cherche à surprendre le spectateur, plongeant celui-ci dans son désespoir. Comme d'autres artistes issus du réalisme, Gustave Courbet montre la réalité de son temps, évoquant des thématiques sociales et politiques.

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( - ) est un artiste impressionniste.

Présentation de l’œuvre :
Cet artiste néerlandais a réalisé de nombreux autoportraits, ponctuant différents moments de sa vie.
Dans celui-ci, l'artiste se représente de 3/4, le regard tourné vers le spectateur. Le cadrage est sérré sur son buste. Il est vêtu d'un veste et d'un gilet bleu, d'une chemise blanche.
Le bleu est une couleur omniprésente dans cette oeuvre, au premier plan et à l'arrière plan, donnant ainsi l'impression que l'artiste se fond dans le décor. Des motifs de spirales sont visibles à l'arrière plan.
Vincent Van Gogh paraît inquiet.
Un fort contraste de couleurs complémentaires ( bleu-orange) met en valeur son visage.

L'artiste nous fait part de son tourment. Vincent Van Gogh souffrait de troubles mentaux. Longtemps suivi par le docteur
Gachet, il finit par se suicider en 1890. Peintre non reconnu de son vivant, Vincent Van Gogh est désormais un des peintres les plus disputé dans les enchères d’œuvres d'arts.

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( ) est un artiste cubiste.

Présentation de l’œuvre :
Picasso se représente de face. C'est un gros plan sur son visage. Ses traits sont accentués, son visage stylisé. En effet, les coups de pinceaux sont très visibles, créant des empâtements à certains endroits ( peinture avec plus de matière ). Le trait est vif, dynamique.
Les contrastes sont relevés : le noir/ blanc, la lumière / l'obscurité.
L'arrière plan est peu visible, d'une palette de couleurs brunes et ocres.

On constate l'influence du cubisme dans cet autoportrait. Les traits sont hachés, presque géométriques. Les artistes de ce mouvement, dont Picasso, affectionnaient également beaucoup les arts premiers. Ils appréciaient par exemples les masques africains. Ici l'artiste ne cherche pas à se magnifier mais à représenter son émotion.

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( - ) est une artiste de l'art moderne parfois considérée ( à tort ) comme étant suréaliste. En effet, cette artiste n'a pas revendiqué d'appartenance à ce mouvement artistique.
Frida Kahlo a produit plusieurs autoportraits, chaque portrait représentant un moment de sa vie.

Présentation de l'oeuvre :
Autoportrait à la colonne brisée,1944,  huile sur panneau de bois, 40x30,5 cm, Musee Dolores Olmedo, Mexico

L'artiste se représente face au spectateur, le cadrage se termine à mi-cuisse.
A l'arrière plan se trouve un paysage désertique. Frida Kahlo est au centre de la toile. Son buste est nu, entrouvert. Son bassin est recouvert d'un drap blanc. Nous voyons une colonne dorique à la place de sa colonne vertébrale, fissurée à plusieurs endroits.
Elle porte un corset pour soutenir son dos. Elle regarde fixement le spectateur. Des larmes coulent de ses yeux et pourtant son regard n'est pas troublé par l'immense souffrance. Une multitude de clous la transperce à différents endroits.
( citation clous )

Frida Kahlo etait étudiante lorsqu'elle eu un terrible accident de bus en 1925. Une barre de fer la transperce. Par la suite, elle porta différents corset, subit un certain nombres d'opérations chirurgicales et elle ne pu jamais avoir d'enfants.
L'artiste nous montre sa terrible souffrance avec une incroyable dignité. Il se dégage de ce tableau à la fois une part de force et de fragilité. Cet autoportrait est aussi symbolique car Frida Kahlo témoigne aussi de sa tristesse morale, endurant les nombreuses infidélités de son mari Diego Riveira.
Frida exprime par ce tableau ses sentiments, le tableau faisant office de catharsis.

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( - ) est une artiste française originaire de Nantes.

Présentation de l’œuvre :
Autoportrait, 1930

Au premier plan se situe Claude Cahun, cadrée en plan américain ( à mi-cuisses ). A gauche, nous distinguons un masque qui rappelle les masques de la comedia dell'arte. Le masque renvoie à une expression plutôt neutre comme celle de Claude Cahun qui semble nous toiser du regard.
A l'arrière plan est etendu un drap noir qui met en valeur l'artiste, vêtu d'habits clairs. L'artiste est coquette, portant un turban et un collier de perles Pourtant il se dégage d'elle une certaine androgynie.

Cette image est le fruit d'une reflexion, c'est une mise en scène.
L'artiste nous invite à déchiffrer un message. En effet, elle fait référence à sa propre identité. Claude Cahun était une artiste homosexuelle. Son identité sexuelle était mal perçue à cette époque. Son image est symbolique : pour réussir à vivre, doit-elle jouer un double jeu ?...

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Banksy est un artiste de street-art originaire du Royaume--Uni, né en 1976.
Le street-art, signifie littéralement "arts de la rue" désigne les pratiques artistiques prenant place dans l'espace urbain. Il peut s'agir d'oeuvres en 2d ( graffitis, pochoirs, peinture ), ou en 3d (installations, knit-art...).

Banksy est un pseudonyme, l'artiste ne souhaitant pas divulguer son identité. Il est désormais célèbre à travers le monde et vend même des œuvres aux enchères.

Présentation de l'oeuvre :

Il s'agit d'un pochoir représentant la silhouette d'un homme. Le visuel est en noir et blanc. A la place de son visage on peut observer une tête de singe. La tête est recouverte d'éclaboussures de peinture. Le personnage tient dans chaque main des bombes de peinture. Il semble prêt à dégainer comme si ces bombes de peintures étaient de véritables revolvers.

L'artiste cache ainsi son identité et revendique son art : sa peinture serait un moyen de s'exprimer, voir même de se défendre. Banksy montre par cet autoportrait qu'il est un artiste engagé. D'autre part, on peut y voir une référence aux singes de la Sagesse, symbole d'origine asiatique. Un singe se cache les yeux, l'autre se cache la bouche, le dernier se cache les oreilles. Ici, ce n'est pas un singe ignorant que Banksy nous donne à voir mais un singe actif, militant.

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Arman ( 1928- 2005 ) est un artiste issu du mouvement du nouveau réalisme. Ce mouvement, dont le chef de file est le peintre Yves Klein, souhaite un retour au réel dans l'art, s'opposant ainsi aux peintres expressionnistes abstraits ( Pollock...). Dans la lignée de Marcel Duchamp avec ses ready-made, Arman utilise les objets dans ces œuvres, se les approprient pour leur attribuer un sens nouveau.

Présentation de l'oeuvre
Cette oeuvre ressemble à une vitrine. C'est un collage d'objets. Les objets s'entassent, se superposent pour donner à voir l'identité de l'artiste.
On observe des pinceaux bien rangés encore emplis de peinture, un violon éclaté ( faisant référence à une série de tableaux de l'artiste ), plusieurs livres, témoignant de son engouement pour la littérature ( ubu roi...), des médicaments, des lunettes de ski, des magazines...autant d'éléments qui nous permettent d'imaginer qui est Arman.

Cette œuvre est typique du nouveau-réalisme. Ici l'objet devient le matériau même de l’œuvre qui est comme une énigme à déchiffrer.

Autoportrait

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Cindy Sherman est une artiste américaine, née en 1954.
A travers ses photos, elle se met en scène et explore différents univers.

Présentation de l'oeuvre :

Cette photographie est prise en plongée. On y voit une femme assise à même le sol, son visage tournée vers le haut. Son regard semble absorbé par une présence extérieure, elle a l'air apeurée. Les teintes sont froides. Un contraste lumineux est très présent. Cette femme est plongée dans la lumière alors qu'autour d'elle s'étendent les ténèbres.

Cette photographie fait partie d'une série intitulée "" Film stills". L'artiste s'inspirent de scènes de films pour réaliser ses mises en scènes. Cette scène nous paraît inquiétante, digne d'un film d'horreur.
Les autoportraits de Cindy Sherman sont troublants. Elle est une multitude de personnages et pourtant toujours reconnaissable, interrogeant ainsi les limites de l'autoportrait.

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Ai Weiwei est un artiste d'origine chinoise. C'est un artiste conceptuel, un art où l'idée est prédominante sur la conception de l'oeuvre. Il est connu pour ses multiples selfies.

Présentation de l'oeuvre :

L'artiste se situe au centre de la photographie. Au second plan se trouvent deux personnages dont un policier à gauche. Les personnages se reflètent dans un miroir placé à l'arrière-plan. La scène se déroule dans un espace sombre. La lumière éblouit l'artiste qui a déclenché le flash pour réaliser ce selfie.
Cette photographie a été prise alors que l'artiste était arrêté par la police chinoise.
Certains critiques d'art y voient une référence aux tableaux religieux de la Renaissance, la lumière inondant le Christ au centre de la composition.

Connu pour être un artiste engagé et critique envers son pays, Ai Weiwei béneficie d'une renommée internationale.