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Le plus vieux dessin du monde découvert en Afrique du Sud

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De prime abord, l’objet ne paie pas de mine : un fragment de roche portant sur un côté neuf traits de couleur formant un croisillon. Découvert sur le site

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" Le Panier de fraises des bois " (1761), de Jean Siméon Chardin, exposé à la maison de ventes Turquin, à Paris, le 20 janvier 2022. STÉPHANE DE SAKUTIN / AFP

Le Louvre le voulait. Il devrait bientôt pouvoir l'acheter. Le Panier de fraises des bois, de Jean Siméon Chardin (1699-1779), pourrait rejoindre les cimaises du musée parisien qui, mardi 7 novembre, a lancé une souscription publique sous le libellé " Tous mécènes ! " pour en boucler le financement.

Le Louvre possède déjà le plus important ensemble du monde de natures mortes de Chardin, soit quarante et une œuvres. Mais il lui manque cette icône de sa période tardive, peinte en 1761, quand l'artiste est au sommet de sa carrière, la seule où apparaît ce motif de fraises d'un rouge vif. " C'est le tableau parfait d'une exécution exceptionnelle ", s'enthousiasme Laurence des Cars, présidente du Louvre, rappelant la fascination que ce tableau a exercée sur les artistes du XIX e siècle. " Manet a vu ce tableau. On voit alors apparaître chez lui puis chez Renoir ce motif de fraises ", détaille-t-elle, intarissable.

L'œuvre avait aussi tapé dans l'œil des frères Goncourt, qui écrivirent en 1863 : " Et c'est là le miracle des choses que peint Chardin : modelées dans la masse et l'entour de leurs contours, dessinées avec leur lumière, faites pour ainsi dire de l'âme de leur couleur, elles semblent se détacher de la toile et s'animer, par je ne sais quelle merveilleuse opération d'optique entre la toile et le spectateur, dans l'espace. "

Label " trésor national "

Depuis le XIX e siècle, cette nature morte se trouve chez les descendants d'Eudoxe Marcille (1814-1890), un grand collectionneur féru de peinture française. Depuis des décennies déjà, le Louvre ambitionne de l'acheter. Lorsque la nature morte apparaît en mars 2022 chez Artcurial, le musée parisien est pris de court. Le Panier de fraises des bois s'adjuge pour 24,3 millions d'euros pour le compte du Kimbell Art Museum, situé à Fort Worth, au Texas. Impossible pour le Louvre de le préempter : son budget d'acquisition plafonne à 13 millions d'euros par an. Le ministère de la culture suspend alors la vente et bloque son exportation en lui attribuant le label " trésor national ". L'Etat dispose alors de trente mois pour réunir la somme.

Laurence des Cars se tourne vers le groupe LVMH, dont le nom s'impose dès que les œuvres se calculent en dizaines de millions. Quand elle présidait le Musée d'Orsay, elle l'avait déjà sollicité pour l'achat d'un autre " trésor national ", la Partie de bateau (vers 1877-1878), de Gustave Caillebotte (1848-1894), d'une coquette valeur de 43 millions d'euros.

Dans le cas du Chardin, Laurence des Cars n'a demandé au groupe de Bernard Arnault que les deux tiers de la somme nécessaire, soit 15 millions d'euros. Le Louvre a-t-il souhaité déminer les critiques visant la loi sur les " trésors nationaux ", qui permet à une entreprise de bénéficier d'une réduction d'impôt sur les sociétés égale à 90 % de ses versements et d'une forte médiatisation au regard de la somme réellement déboursée ?
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Le Louvre lance une souscription publique pour " Le Panier de fraises des bois ", de Chardin

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Le musée a réuni les deux tiers de la somme nécessaire pour acquérir le tableau, grâce notamment au groupe LVMH. Il mise désormais sur un élan de générosité collectif avec l'opération " Tous mécènes ! ".

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Souvent le début de la visite est brouillon. Fatiguée d'avoir attendu, on s'emploie à lire des explications, on s'agace de ne pas pouvoir accéder aux œuvres, aux cartels. A peine arrivée devant une toile, on sent déjà la pression de celles et ceux qui cherchent à la voir par-dessus votre épaule, votre tête, à vous pousser plus loin. On suit une bribe de visite commentée, on capte ici ou là quelques propos. On joue à reconnaître les toiles connues parmi les autres. On se dit qu'on aura "vu" cette exposition.

Vous respirez mieux

Et soudain, devant ce tableau-là, quelque chose opère. Il vous capte, vous accroche, même fugitivement. Vous respirez mieux, une excitation surgit. "Dans la peinture, il s'établit comme un pont mystérieux entre l'âme des personnages et celle du spectateur", écrit le peintre Eugène Delacroix*. Et il va plus loin: "Je me suis dit cent fois que la peinture, c'est-à-dire la peinture matérielle, n'était que le prétexte, que le pont entre l'esprit du peintre et celui du spectateur."

Ça y est. Cela a eu lieu. Soudain, dans la foule, sur le mur, une fenêtre s'ouvre et l'air s'engouffre. Vous venez de rencontrer l'artiste. Vous venez d'accepter d'entrer dans sa vision, de vous y installer, de vous y reposer même, de respirer un moment avec lui. Bien sûr, cela ne vous console pas de la dureté du monde, de sa violence, de sa cruauté. Mais pour un temps, une autre vision vous accompagne, déplace votre perception, vous rappelle que la beauté existe au même titre que la finitude des choses. Delacroix dit encore: "Les artistes sont les plus heureux des hommes: (...) ils sont ceux qui par-dessus tous les autres parviennent à combler jusqu'à un certain point le vide affreux de l'âme de l'homme et qui est selon moi au bonheur comme les ténèbres sont au soleil."

*"Ainsi parlait Eugène Delacroix", écrits choisis par Marie Alloy et Jean-Pierre Vidal, Ed. Arfuyen.

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A quoi sert une exposition de peintures? - Le Temps

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Courir les présentations dans la foule et la frénésie, d'artistes souvent disparus: pourquoi? Essai de défense d'un parcours initiatique en quête d'un lien mystérieux

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Le polymathe Léonard de Vinci n'était pas seulement un peintre, sculpteur, inventeur, architecte ou anatomiste de génie. " Il était aussi chimiste expérimentateur", souligne un communiqué du CNRS. Le plus célèbre de ses tableaux, chef-d'œuvre archétypal de la Renaissance italienne exposé au Musée du Louvre, a pu être analysé en effet avec des techniques de pointe au synchrotron de Grenoble (ESRF).

Elles montrent que la sous-couche de peinture contient notamment de la plumbonacrite, composé cristallin rare et instable constitué de plomb, de carbone, d'oxygène et d'hydrogène, qui n'était pas attendu dans cette couche de préparation. Or la présence de cette phase suggère que Léonard de Vinci a utilisé un mélange singulier d'huile au plomb, " très différent en composition de ceux habituellement observés dans les peintures à l'huile de cette époque", précise le communiqué.
Le portrait de Monna Lisa, dite La Joconde, est le plus célèbre du monde. Crédits : Musée du Louvre
" Dans les tableaux de Léonard de Vinci, aucune couche préparatoire n'est identique"

On ne retrouve pas de plombonacrite dans d'autres peintures du maître comme La Belle Ferronnière, où la sous-couche contient un pigment orange dénommé minium, forme minérale d'oxyde de plomb (tétroxyde de plomb). Ou encore dans Saint-Anne, la Vierge et l'Enfant Jésus, où la couche préparatoire est composée en particulier de sulfate de calcium.

Avant de peindre Sainte Anne, la Vierge et l'Enfant Jésus jouant avec un agneau, Léonard de Vinci a appliqué une couche préparatoire composée en particulier de sulfate de calcium. Crédits : Le Louvre

" Dans les tableaux de Léonard de Vinci, aucune couche préparatoire n'est identique. Il a expérimenté ainsi de nombreuses techniques différentes", relève Victor Gonzalez, chimiste au CNRS et au Laboratoire de photophysique et photochimie supramoléculaires et macromoléculaires de l'université Paris-Saclay, premier auteur de l'étude publiée le 11 octobre 2023 dans la revue scientifique .

Une première étape

Les couches préparatoires sont celles qui sont étalées directement sur les supports servant aux peintures - un panneau en bois de peuplier pour ce qui concerne La Joconde. Elles permettent d'obtenir des surfaces blanches, lisses et homogènes sur lesquelles sont appliquées ensuite les couleurs. Si ces sous-couches ne sont pas visibles, elles constituent toutefois une première étape importante.

Lire aussi Un Van Gogh disparu recréé par des rayons X et l'intelligence artificielle

" Elles participent aussi au rendu optique d'un tableau, et pourraient aussi jouer un rôle dans les propriétés de séchage des couches de peintures surjacentes", précise Victor Gonzalez. L'ingrédient phare, pour réaliser ces couches, a été longtemps le blanc de plomb (un mélange de carbonates de plomb) : depuis l'Antiquité jusqu'au début du 20 e siècle, moment où il a été proscrit en raison de sa toxicité.

Des manuscrits ambigus

Avec ses collègues du Centre de recherche et de restauration des Musées de France (C2RMF), de l'Institut de recherche de chimie Paris et de l'ESRF, Victor Gonzalez voulait savoir si Léonard de Vinci avait eu recours, lui aussi, à ce pigment blanc pour réaliser La Joconde. Et, le cas échant, de quel type de blanc de plomb il pourrait s'agir. Car les manuscrits de l'artiste ne présentaient que des informations ambigües. Seules des analyses très poussées, avec les faisceaux de rayons X produits par un synchrotron, pourraient permettre de trancher.

Lire aussi Quand les chercheurs scrutent la peinture de Johannes Vermeer

Un minuscule échantillon invisible à l'œil nu

L'équipe a pu exploiter un échantillon des couches préparatoires de La Joconde. Prélevé en 2007 par le Centre de recherche et de restauration des Musées de France (C2RMF), il ne mesure qu'une centaine de micromètres (millionième de mètre) - imperceptible par conséquent à l'œil nu. Ce minuscule fragment n'a pas été récupéré au milieu du tableau mais sous le cadre et au niveau de la "barbe", agglomérat de matière picturale qui se constitue sur les bords d'un panneau en bois. Des analyses en microscopie optique et électronique avaient été effectuées dans un premier temps par le C2RMF à Paris. Et pour celles réalisées plus récemment avec le synchrotron de Grenoble, une fraction encore plus petite, de quelques dizaines de micromètres seulement, a permis d'identifier ses plus infimes constituants.

Conditions chimiques très particulières

Résultats : Léonard de Vinci a bien utilisé du blanc de plomb, où des traces de plumbonacrite (13% en masse) ont donc été aussi retrouvées. " Ce minéral ne faisait pas partie des ingrédients de base, précise Victor Gonzalez. Il s'agit d'un sous-produit qui n'était pas présent au moment où La Joconde a été peinte et qui est apparu suite à des transformations chimiques."

La plumbonacrite ne se forme toutefois que dans des conditions chimiques très particulières : un milieu où le pH (potentiel hydrogène) est très élevé, basique. Grâce à cette information, les chercheurs ont pu reconstituer ainsi une recette possible de la couche de préparation : une huile alcaline cuite avec de la litharge de couleur rouge orangé (autrement dit du monoxyde de plomb).
V. Conzalez et al., JACS
Une aide pour la conservation et la restauration

Cette huile devait être beaucoup plus pâteuse qu'une huile non traitée. Elle devait présenter une viscosité semblable au miel. Et permettre, une fois mélangée à un pigment, d'étaler une couche épaisse et bien uniforme sur le panneau de bois. Elle devait posséder, enfin, de très bonnes propriétés siccatives (liées au séchage). " Quand Léonard de Vinci s'est lancé dans La Joconde, il commença donc par appliquer cette sous-couche de peinture blanche. On peut imaginer qu'il voulait se mettre rapidement à l'ouvrage grâce à cette huile au plomb qui séchait vite", avance Victor Gonzalez. Les résultats que son équipe a obtenus permettront" de mieux comprendre les techniques et matériaux utilisées par Léonard de Vinci", se réjouit le chercheur.

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La Joconde de Léonard de Vinci : un composé insoupçonné dévoilé grâce aux rayons X

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Grâce au synchrotron de Grenoble, des chercheurs ont pu analyser un fragment de la couche préparatoire de peinture ayant servi à réaliser La Joconde, dévoilant de nouvelles pratiques d'atelier de Léonard de Vinci.

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Le musée d'Orsay et le Van Gogh Museum collaborent pour une exposition évènement sur les derniers mois de Vincent van Gogh (1853-1890) à Auvers-sur-Oise avant sa mort tragique à l'âge de 37 ans

" Ceux qui associent Van Gogh à son jaune éclatant, aux tournesols, seront surpris par cette exposition, organisée par le musée Van Gogh d'Amsterdam et le musée d'Orsay, qui lève le voile sur une dimension très exploratrice et intime de l'œuvre du peintre. ". Connaissance des Arts vous propose un entretien avec Emmanuel Coquery, conservateur général du patrimoine et commissaire de l'exposition évènement de la rentrée " Van Gogh à Auvers-sur-Oise. Les derniers mois ", présentée au musée d'Orsay à Paris du 3 octobre au 4 février.

Van Gogh a passé moins de 100 jours à Auvers-sur-Oise (du 20 mai au 29 juillet 1890). Pourquoi consacrer une exposition à cette période aussi brève ?

Emmanuel Coquery : C'est la première fois qu'une exposition est consacrée en propre à la période d'Auvers-sur-Oise. Or, elle est d'une grande intensité et sa dimension de recherche est éclatante. La trajectoire artistique de Van Gogh y connaît une véritable inflexion. En effet, après une grande crise au cours de l'été 1889, il se lance à nouveau corps et âme dans la peinture, espérant recouvrer la santé. " Je ne lâche pourtant pas prise, et sur une nouvelle toile, je cherche de nouveau ", écrit-il à son frère en septembre de la même année, alors qu'il réside encore à Saint-Rémy.

À Auvers-sur-Oise, il peint 74 tableaux en 70 jours, plus d'un par jour ! Cette recherche, Van Gogh l'entreprend en explorant les motifs de son nouvel environnement. Elle le conduit à modifier sa palette, le mène vers de nouvelles harmonies, les bleus avec des verts plutôt que des jaunes, un vert tendre absent du Sud. Il utilise aussi des formats rares ou inédits pour lui, carrés et surtout doubles carrés. Le tableau n'est plus une fenêtre sur le monde, il devient un objet en soi, la tentative de saisir un sentiment existentiel dont l'écho perceptible serait la couleur. Et plus intensément que jamais, peinture et dessin fusionnent dans l'effervescence de sa touche, faite de formes de fer à cheval, de hachures, de bâtonnets...

Comment Van Gogh arrive-t-il à Auvers-sur-Oise, quel est son quotidien ?

Frère attentionné, Théo cherchait pour Vincent un lieu où résider et, surtout, un médecin pour prendre soin de lui. Recommandé par Camille Pissarro, le Dr Paul Gachet s'était spécialisé dans la mélancolie - en psychiatrie, dirait-on aujourd'hui. De plus, il habitait près de Paris, ce qui permettait aux deux frères de se voir facilement. De son côté, Vincent nourrissait depuis longtemps le désir de revenir dans le Nord. Il était nostalgique des lieux de son enfance. Il était aussi persuadé que quitter le Sud et l'asile de Saint-Rémy qui, pensait-il, le rendaient fou, lui permettrait de se rétablir.

À Auvers-sur-Oise, il loue une chambre bon marché à l'auberge Ravoux, au cœur du village. Sa vie est ascétique : levé à 5 heures, couché à 21 heures, avec des journées entièrement consacrées à la peinture. Contrairement au Sud, où il avait tenté de fonder une communauté de peintres, Van Gogh fuit les autres artistes qui fréquentent ce lieu très prisé. En dehors de l'auberge Ravoux, il côtoie surtout le Dr Gachet avec qui il a eu un coup de foudre amical réciproque. Il trouve avec lui " comme un nouveau frère ", va-t-il jusqu'à écrire...

Comment guidez-vous le visiteur dans l'exploration de ce bref moment créatif ?

Le parcours de l'exposition, qui compte une cinquantaine de toiles, suit une logique chrono-thématique : il accompagne le regard de l'artiste. En effet, Van Gogh reste un peintre de la réalité qui peint sur le motif, se nourrit de ce qu'il voit pour exprimer son intériorité... Le spectateur est accueilli par son autoportrait, maillon qui relie le peintre à Saint-Rémy et qu'il avait tenu à emporter avec lui. Puis l'exposition est scandée par les différents motifs, les thèmes que le peintre a explorés. À commencer par les rues, les maisons du village, le premier sujet qu'il a découvert en se promenant.

Suivent les portraits - un thème extrêmement important à ses yeux -, les bouquets, avec lesquels il espérait - en vain - se faire un peu d'argent... On quitte ensuite le village pour monter sur le plateau, avec ses vues sur les champs. Une section consacrée aux dessins constitue un intermède qui permet d'entrer dans la " fabrique " de son œuvre. Et, enfin, plusieurs modules annexes se greffent sur le parcours de l'exposition, consacrés par exemple au Dr Gachet ou au village d'Auvers-sur-Oise tel qu'il était à l'époque. Un dispositif de réalité virtuelle va faire voyager le spectateur au ras d'une palette du peintre, comme s'il mesurait un millimètre, vision vertigineuse de la matérialité de la peinture d'Auvers.

Quelle est pour vous l'œuvre exposée la plus emblématique ?

Racines. Cette œuvre, enchevêtrement de formes en gros plan dépourvu de ciel, est extrêmement étonnante en raison de son caractère presque abstrait et pourtant très descriptif. Elle fait partie de ces toiles au format allongé que Van Gogh n'a peintes qu'à Auvers-sur-Oise. Et son poids symbolique est unique : il l'a réalisée le jour de sa mort.

Comment les recherches récentes menées par le musée Van Gogh d'Amsterdam sur la période d'Auvers-sur-Oise ont-elles nourri la conception de l'exposition ?

Jusqu'à présent, il existait peu de publications spécifiques sur cette période. Les recherches du musée Van Gogh, qui fait référence, ont par exemple permis d'établir une chronologie très précise des toiles ou de localiser des tableaux. Wouter van der Veen, directeur scientifique de l'Institut Van Gogh, a par ailleurs retrouvé les arbres dont Van Gogh a représenté les racines. Cette découverte restitue une dimension réaliste au tableau. Autre exemple qui pourrait sembler anecdotique mais ne l'est absolument pas : le tableau L'Église d'Auvers-sur-Oise ; nous avons remplacé son cadre, jusque-là sombre et mouluré, par une baguette plate blanc cassé, sur le modèle d'un cadre que Van Gogh avait choisi pour l'une de ses œuvres, retrouvé par Wouter van der Veen dans la maison du Dr Gachet. L'encadrement était pour lui d'une extrême importance. De fait, ce nouveau cadre confère à L'Église d'Auvers-sur-Oise une modernité frappante.

Pour conclure : Van Gogh, artiste maudit, mythe ou réalité ?

Van Gogh, artiste maudit, mort dans l'oubli... Dans sa conclusion, l'exposition interroge et casse à la fois ce mythe très puissant. Elle interroge avec les cinéastes qui se sont largement emparés de la période d'Auvers-sur-Oise, à commencer par Vincente Minnelli en 1956 et jusqu'à La Passion Van Gogh de 2017, en passant par Maurice Pialat en 1991. Nous montrons des extraits de ces fictions qui ont contribué à bâtir ce qui est un mythe. Car la réalité est autre : les lettres de condoléances à Théo exposées illustrent combien les grands peintres de l'avant-garde, Claude Monet, Émile Bernard, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec... ont déploré la mort de Van Gogh. Celui-ci avait gagné l'estime de ses pairs ainsi que de certains critiques d'art. Il avait été exposé. En réalité, Van Gogh est mort au moment où sa carrière décollait. Lui disait : " J'ai en horreur le succès. " C'est sans doute l'une des multiples raisons qui ont motivé son suicide : la peur de rentrer dans le tourbillon du succès.

" Van Gogh à Auvers-sur-Oise. Les derniers mois "
musée d'Orsay, 75 007 Paris
du 3 octobre au 4 février

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Van Gogh au musée d'Orsay : " L'exposition casse un mythe très puissant ". Entretien avec le commissaire | Connaissance des Arts

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" Ceux qui associent Van Gogh à son jaune éclatant, aux tournesols, seront surpris par cette exposition, organisée par le musée Van Gogh d'Amsterdam et le

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Le dictionnaire nous délivre la définition suivante : « Arts (techniques) qui ont pour objet la représentation du beau et, spécialement, du beau…

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Nous travaillerons l’an prochain sur l’attribution d’une œuvre d’art à un artiste

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Twist - L'IA peut-elle créer de l'art? - Regarder l'émission complète | ARTE

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Vidéos, photos, romans... Les programmes d'IA parviennent aujourd'hui à générer des contenus d'une qualité bluffante. Quel est leur potentiel et quelle menace font-ils peser sur le monde de la culture ?

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Il était une fois le musée du Louvre - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Frédéric Wilner retrace l’histoire tumultueuse du musée parisien et de ses fabuleuses collections, reflet du destin de la France et de l’Europe, au travers de gros plans sur des oeuvres iconiques.

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https://www.connaissancedesarts.com/arts-expositions/kahlo-turner-van-gogh-10-biopics-dartistes-a-redecouvrir-11134823/?fbclid=IwAR0urzKwt1rSYj0FLPBydvL5JkoEO8KHL-H0gx-BFMQZHJrEwE_Hrazd0e0_aem_th_AUTW39aEA70-MZTs5fAkdaLfrRS4h6wmIuE_hukMizBSY270IyLK4n_XW5tQNj-wd0w

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Baudelaire dans « L’Atelier du Peintre » de Courbet

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Manuscrit d’Annie Ernaux «  Nos Années »

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INDISPENSABLE !

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C'est la question que le Louvre-Lens pose dans cette exposition, en l'abordant sous l'angle artistique. Depuis la Renaissance jusqu'à nos jours, par la peinture, les artistes rejouent à leur manière les mythes de la Création, en représentant ciel, terre, mer, lumière et ténèbres. Les instantanés chatoyants des impressionnistes, les brumes fugitives des peintures de montagne et d'eau chinoises (shanshui), les mille et une vues des estampes japonaises, toutes ces œuvres murmurent des messages faits de clarté et d'ombres. Ce langage codé trouve son origine dans ce que le 17e siècle a nommé les " ornements de la nature " : arbres, végétaux, rochers et ruisseaux.

Afin de le décrypter, l'exposition plonge aux sources des représentations artistiques et suit l'artiste dans les étapes de son travail, depuis l'esquisse préparatoire jusqu'à l'œuvre achevée . Elle explore ainsi différents types de paysages et de points de vue sur la nature, du petit dessin jusqu'au gigantesque panorama, de la plaine paisible jusqu'aux volcans menaçants, de l'instant éphémère jusqu'à la vision d'éternité, de la figuration jusqu'à l'abstraction.

Les énigmes sont nombreuses : de quels lieux s'agit-il ? Quels outils utilisent les artistes ? Quel est leur rapport aux sciences de leur temps ? Que ressentent-ils face aux sites naturels ?

Outre les œuvres en elles-mêmes - célèbres ou plus inattendues -, l'exposition présente des objets permettant de répondre à ces questions, par exemple des manuels pédagogiques écrits par les artistes ou des ustensiles employés en atelier ou en plein air. Tous permettent de suivre les amateurs dans leurs intérieurs où le paysage se fait décor, mais aussi les artistes durant leurs expéditions, dans leurs jardins ou plus loin.

Dans notre monde, aujourd'hui totalement métamorphosé par l'activité humaine, les thèmes du paysage et de la nature sont d'une actualité brûlante ; les œuvres les questionnent à leur manière et démontrent, s'il le fallait, à quel point sont liés art et paysage.
Commissariat
Vincent Pomarède, conservateur général du patrimoine au musée du Louvre
Marie Gord, attachée territoriale de conservation au Louvre-Lens
Marie Lavandier, directrice du Louvre-Lens

Scénographie confiée à l'artiste Laurent Pernot et à l'architecte-scénographe du Louvre-Lens, Mathis Boucher
Exposition réalisée avec le soutien du Mécénat des Mutuelles AXA.

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Exposition Paysage. Fenêtre sur la nature au Louvre-Lens

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En 2023, plongez dans la peinture de paysage avec des œuvres de Monet, Hokusai ou O'Keeffe dans une exposition à la scénographie d'exception

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https://www.netflix.com/watch/81133392?trackId=254761469

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https://www.arte.tv/fr/videos/RC-022476/c-est-de-l-art/

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https://www.gqmagazine.fr/pop-culture/article/comment-faire-la-difference-entre-de-l-art-cree-par-l-intelligence-articifielle-et-par-des-artistes

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Une IA gagne un concours de photos avec une photo nulle

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Toutes les semaines, le compte Instagram de Digidirect, un important magasin australien spécialisé dans la photographie, organise un concours de photos. Le 1er février 2023, le cliché gagnant pour le thème " Summer " était partagé sur le compte, avec un simple message de la part de Digidirect félicitant Jane Eykes, la photographe. Pourtant, la photo, qui montre de haut une énorme vague accompagnée d'une lumière orange de soleil couchant, n'en est pas tout à fait une : elle a été créée par une intelligence artificielle.

Le post Instagram annonçant le gagnant du concours // Source : Capture d'écran Numerama / Instagram

La nouvelle, repérée le 7 février par un média australien spécialisé dans la photographie, est passée globalement inaperçue jusqu'à présent. Pourtant, elle a créé un vrai débat sur Instagram, qui fait également écho à un mouvement bien plus large contre l'utilisation des intelligences artificielles de génération d'images.

Une photo créée par intelligence artificielle

L'image a été créée par Absolutely AI, une entreprise australienne spécialisée dans la création d'images, qui a avoué la supercherie dans un commentaire sous l'annonce de sa victoire. " Nous avouons tout. Il s'agit d'une image générée par une intelligence artificielle, que nous avons inscrite au concours pour faire un test. Nous arrivons à un tournant dans l'intelligence artificielle, et qu'une image créée par une machine puisse gagner une compétition de photo est le test ultime ", estime l'entreprise. " Nous n'avons pas fait cela pour embarrasser ou humilier la communauté, mais pour prouver que nous vivons bien dans un monde nouveau ".

Un message accueilli froidement par les internautes, qui ont largement critiqué l'opération, la qualifiant de " manipulation " et de " mensonge ". Pour l'instant, Digidirect n'a pas encore commenté la situation. On ne sait donc pas si un autre gagnant sera annoncé, mais Absolutely AI a annoncé qu'elle avait remboursé la somme gagnée (un bon d'achat d'une valeur de 100 dollars australiens).

Absolutely AI, qui ne précise pas si elle a utilisé Midjourney ou Dall-E pour générer la photo, a également partagé un communiqué de presse sur son propre compte Instagram. " Nous avons fait tout cela pour passer le test ultime. Une image créée par IA peut-elle non seulement ne pas être repérée (aucune personne qui a vu la photo n'a remarqué quoi que ce soit d'anormal), mais en plus gagner un concours de photo pour expert ? La réponse est un oui retentissant. Ce n'est pas une exagération de dire que nous avons atteint le point où les machines sont désormais des artistes supérieurs aux hommes ".

Les AI ne sont pas encore au niveau des artistes

Contrairement à ce que laisse entendre Absolutely AI, il y a beaucoup à redire sur cette photo. Si elle est à première vue impressionnante, notamment grâce à ses couleurs et au reflet du soleil couchant en haut de la photo, on peut également voir de nombreuses aberrations. La forme linéaire de la vague au premier plan n'est absolument pas réaliste, tout comme le fait qu'elle se sépare en deux au niveau de la plage. La planche et le surfeur représentés au milieu sont très impersonnels, et la direction des vagues en arrière-plan n'est pas possible.

La photo gagnante du concours a été réalisée par une intelligence artificielle // Source : Absolutely AI / Capture d'écran Numerama

La principale qualité du cliché est sans aucun doute la lumière orangée du coucher de soleil que l'on peut voir sur la vague. " Ce n'est plus un concours de photo, c'est un concours de Lightroom [un logiciel de retouche de photos très populaire édité par Adobe, ndlr] ", se plaignait ainsi un internaute sous l'annonce de la photo gagnante.

Ce n'est pas la première fois qu'une image générée par intelligence artificielle gagne un concours. En septembre 2022, une œuvre réalisée sur Midjourney avait créé la controverse après avoir remporté le Colorado State Fair - une œuvre elle-même critiqué pour ses aberrations. Depuis, de nombreux artistes ont pris la parole contre l'utilisation de ces IA, qu'ils accusent de tuer leur métier. D'autres ont porté plainte contre Stabiliy AI et Midjourney pour violation du droit d'auteur, car les IA se seraient entraînées sur leurs œuvres, sans qu'ils aient donné leur consentement. De son côté, le Livre de Poche bannit dorénavant les IA pour les images de couverture de ses livres.

Peu importe que l'on trouve des qualités ou non à la photo d'Absolutely AI, sa victoire est sûre d'alimenter encore le débat.

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Une IA gagne un concours de photos avec une photo nulle

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Un concours de photo organisé par des professionnels a été gagné par une intelligence artificielle. La victoire rouvre le débat houleux de l'impact des IA génératrices d'images dans le monde de l'art, quelques mois après un évènement similaire. Toutes les semaines, le compte Instagram de Digidirect, un important

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Un cabinet de curiosités du XXIe siècle ?