# data[].attributes.body
L'expressionnisme allemand était un mouvement artistique qui a émergé au début du XXe siècle. Il se caractérisait par une recherche intense de l'expression des émotions et des états d'âme.

En peinture, les artistes expressionnistes allemands utilisaient des couleurs vives et audacieuses pour représenter des formes déformées et exagérées. Ils cherchaient à exprimer les tourments intérieurs et les angoisses de l'homme moderne confronté à une société en pleine transformation.

Dans le domaine du cinéma, l'expressionnisme allemand a donné naissance à des films marquants tels que "Le Cabinet du docteur Caligari" et "Nosferatu". Ces films se distinguaient par leurs décors sombres et inquiétants, ainsi que par leurs jeux de lumière contrastés, créant ainsi une atmosphère angoissante et fantastique.

Le théâtre expressionniste allemand se caractérisait par des performances intenses et dramatiques. Les pièces mettaient souvent en scène des personnages torturés et des situations extrêmes pour refléter les tensions et les contradictions de la société moderne.

Dans la littérature, les écrivains expressionnistes allemands se sont tournés vers des sujets sombres et introspectifs. Leurs œuvres étaient souvent marquées par des descriptions détaillées des émotions humaines et des expériences psychologiques intenses.

# data[].attributes.body
L'expressionnisme allemand à aussi marqué le monde de l'architecture, apparaissant entre 1905 et 1933 en Allemagne où cet art fut interdit par le régime nazi , considéré comme un "art dégénéré par Hitler" comme la plupart des art se voulant moderniste mais on pense qu'il a beaucoup influencé le style internationale né aux USA vers les années 1920, ou même le moderne et l'art déco. L'expressionnisme dans l'architecture se voulait novateur en termes de forme, des matériaux et la volonté d'exploiter les possibilités techniques de ceux-ci. Malheureusement en raison de leurs coté novateur peu de bâtiment vire le jour du fait de leur prix très élevé dans une époque marquée par la guerre surtout en Allemagne après la Première Guerre Mondiale qui vécut une période d'hyper-inflation. Caractéristique L'expressionnisme architectural allemand se vouait assez individualiste n'ayant pas de codes à proprement parlé bien que l'on retrouve tout de même des caractéristiques communes, en effet les oeuvres expressionniste recherchait le moderne, le neuf et original que ce soit par des distorsion dans les formes habituellement observée a l'époque ou des formes originale, que dans la technique ou les matériaux comme dans son dérivé l'expressionnisme en brique qui utilise des briques dites vitrifiée plus résistante et imperméable que les autres de l'époque comme la Chilehaus de Hambourg par Fritz Höger dont la forme rappelle un navire. On y retrouve beaucoup d'influence gothique et roman, ainsi que des thématique romantique telle que des inspirations de la nature ou des voyages comme certains batiment s'inspirant de navire comme le Het Schip par Michel de Klerk, aussi en terme de forme originale on retrouve le Goetheanum par Rudolf Steiner avec beaucoup de forme arrondie et même un dôme.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Das Anzeiger-Hochhaus in Hannover wurde 1927-1928 im Stil des Backsteinexpressionismus nach einem Entwurf von Fritz Höger als Verlagsgebäude des Hannoverschen Anzeigers gebaut und war eines der ersten Hochhäuser im Deutschen Reich (siehe auch: Historische Hochhäuser in Deutschland). Das 51 Meter hohe Gebäude mit zehn Geschossen befindet sich im Stadtteil Mitte nahe dem Steintor-Platz und besitzt mit seiner charakteristischen Dach kuppel einen hohen Wiedererkennungswert in der niedersächsischen Landeshauptstadt.

Es gehört zu den wenigen Gebäuden im Stadtzentrum, das die 88 Luftangriffe auf die Stadt während des Zweiten Weltkriegs, auch wegen seiner Grundkonstruktion als Stahlskelettbau, mit vergleichsweise geringen Schäden überstanden hat. Bei einem der letzten Luftangriffe brannte im März 1945 das in der 12 m hohen Kuppel befindliche Planetarium aus. An seiner Stelle richtete sich in der Nachkriegszeit ein Kino ein, das als „ Hochhaus-Lichtspiele " bis heute existiert.

Im Anzeiger-Hochhaus wurden das Nachrichtenmagazin Der Spiegel (1947) und die Wochenzeitschrift (1948) gegründet.

Als typischer Vertreter des Backsteinexpressionismus in Hannover ist das Anzeiger-Hochhaus mit einer dunkelroten und teilweise goldglasierten Klinkerfassade versehen. Das Kuppeldach aus grün patiniertem Kupferblech ist im deutschen Hochhausbau einzigartig. Die Fassade ist mit dekorativen Elementen an gotisierenden und expressionistischen Detailformen versehen. Die Betonung der Vertikalgliederung durch die keilförmig vorragenden Wandvorlagen wird nachts durch senkrechte Leuchtröhrenbänder verstärkt, die schon zur Vorkriegsausstattung gehörten. Weitere Gebäude dieser Art und Epoche in Hannover sind:

Das Anzeiger-Hochhaus wurde für den Verlag Hannoverscher Anzeiger A. Madsack & Co. gebaut, der heute als Verlagsgesellschaft Madsack die Hannoversche Allgemeine Zeitung (HAZ) und die Neue Presse (NP) herausgibt. In dem als Pressehaus genutzten Gebäude wurde nach dem Zweiten Weltkrieg die von Rudolf Augstein herausgegebene Zeitschrift Der Spiegel gegründet. Die erste Ausgabe erschien in Hannover am 4. Januar 1947, einem Samstag. Bis zum Umzug nach Hamburg im Jahr 1952 hatte die Spiegel-Redaktion ihren Sitz in Hannover. Ebenfalls im Anzeiger-Hochhaus erschien am 1. August 1948 die erste Ausgabe der Zeitschrift von Henri Nannen. 1962 waren im Hochhaus über 800 Mitarbeiter beschäftigt. Bis 1966 befand sich im 7. Obergeschoss eine Café-Dachterrasse. 1974 verließ die HAZ das Anzeiger-Hochhaus und bezog ein neues Druck- und Verlagszentrum außerhalb des Stadtzentrums, welches heute zum Stadtteil Bemerode gehört. In der früheren Halle für die Rotationspressen hinter dem Hochhaus wurde bis zum 3. Januar 1988 die Diskothek Rotation betrieben.

Seit 1974 hat in dem Gebäude die HIS Hochschul-Informations-System eG ihren Sitz, sowie die TVN Group - ein Film- und Fernsehunternehmen der Madsack Mediengruppe. Die Hannoversche Allgemeine Zeitung war hier eine Zeitlang mit ihrer City-Redaktion vertreten. Außerdem wurde das inzwischen wieder eingestellte Wochenmagazin „sonntag" für iPads und andere Tablet-Computer der Mediengruppe Madsack im Anzeiger-Hochhaus produziert.

Das Gebäude ist Teil des Medienzentrums Hannover. Unternehmen wie die RTL und Sat.1 Regionalredaktionen sowie ffn und Antenne Niedersachsen haben hier Abteilungen untergebracht. Die Neue Presse hat ihren Sitz im angrenzenden Neubau von Alessandro Mendini.

Unter der grünen, weithin sichtbaren Kuppel befinden sich die „Hochhaus-Lichtspiele", das höchstgelegene Kino in Deutschland. Nordöstlich schließt sich der Gebäudekomplex des 1905 fertiggestellten Goseriedebades an, der heute von der Kestnergesellschaft und von radio ffn genutzt wird. Im Erdgeschoss des Anzeiger-Hochhauses, in der sogenannten Schalterhalle, richtete die Mediengruppe Madsack Schulungsräume und einen Showroom ein, der unter anderem zur Präsentation neuer Produkte für Tabletcomputer genutzt wurde. Diese Räume weisen eine sehenswerte Deckenkonstruktion mit Licht- und Dekorelementen auf, die nach dem Architekten Fritz Höger als das „Högersche Auge" bezeichnet wird. Übergangsweise ist dort der Kinosaal der Hochhaus-Lichtspiele untergebracht, weil die Kuppel aufwendig saniert und umgebaut wird.

Matthias Schmidt: Der Dom der Sterne. Fritz Höger und das Anzeiger-Hochhaus in Hannover. Architektur der Zwanziger Jahre zwischen Kosmologie und niederdeutschem Expressionismus. (= Schriften des Kunstgeschichtlichen Seminars der Georg-August-Universität Göttingen, Band 3.) Münster 1996.

Peter Struck: Das Anzeiger-Hochhaus in Hannover. Seine architektonische Gestalt und seine kulturelle Bedeutung. In: Hannoversche Geschichtsblätter, Neue Folge 50 (1996), S. 127-176

Peter Ruthenberg (Hrsg.), Wolfgang Wagner (Red).: Anzeiger. Wie Fritz Högers Anzeiger-Hochhaus zum Mittelpunkt des neuen Kunst- und Medienzentrums an Hannovers Goseriede wurde, in Zusammenarbeit mit Peter Struck hrsg. im Auftrag der Verlagsgesellschaft Madsack, Hannover: Madsack, 1997, ISBN 3-7860-0520-6

Gerd Weiß, Marianne Zehnpfennig: Die nördliche Vorstadt-Bebauung. In: Denkmaltopographie Bundesrepublik Deutschland / Baudenkmale in Niedersachsen / Stadt Hannover, Teil 1, (Bd.) 10.1, hrsg. von Hans-Herbert Möller, Niedersächsisches Landesverwaltungsamt - Institut für Denkmalpflege, Braunschweig/Wiesbaden: Friedr. Vieweg & Sohn Verlagsgesellschaft mbh, 1983, ISBN 3-528-06203-7, S. 80ff.; sowie Mitte, im Addendum Verzeichnis der Baudenkmale gem. § 4 (NDSchG) (ausgenommen Baudenkmale der archäologischen Denkmalpflege), Stand 1. Juli 1985, Stadt Hannover, Niedersächsisches Landesverwaltungsamt - Institut für Denkmalpflege, S. 6f.

Helmut Knocke, Hugo Thielen: Goseriede 9. In: Hannover Kunst- und Kultur-Lexikon, S. 124f.

Helmut Knocke: Anzeiger-Hochhaus. In: Klaus Mlynek, Waldemar R. Röhrbein (Hrsg.) u. a.: Stadtlexikon Hannover. Von den Anfängen bis in die Gegenwart. Schlütersche, Hannover 2009, ISBN 978-3-89993-662-9, S. 30.

Hans-Achim Körber: Das Anzeiger-Hochhaus in Hannover. Die Grundsanierung der Kuppel 2017-2019 in: Berichte zur Denkmalpflege in Niedersachsen, 4/2020, S. 19-25.

1. ↑ Klaus Mlynek, Waldemar R. Röhrbein (Hrsg.): Stadtlexikon Hannover, S. 30, Anzeiger-Hochhaus

2. ↑ Geschichte der Spiegel-Gruppe (Memento des Originals vom 25. Januar 2020 im Internet Archive) Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis. spiegelgruppe.de

# data[].attributes.attachment_link.description
Das Anzeiger-Hochhaus in Hannover wurde 1927-1928 im Stil des Backsteinexpressionismus nach einem Entwurf von Fritz Höger als Verlagsgebäude des Hannoverschen Anzeigers gebaut und war eines der ersten Hochhäuser im Deutschen Reich (siehe auch: Historische Hochhäuser in Deutschland).

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
L'architecture expressionniste est un mouvement architectural en Europe durant les premières décennies du XXe siècle, parallèlement aux arts visuels et aux arts du spectacle expressionnistes qui se sont particulièrement développés et dominés en Allemagne. L'expressionnisme de brique est une variante spéciale de ce mouvement dans l'ouest et le nord de l'Allemagne et aux Pays-Bas (école d'Amsterdam). L'architecture expressionniste est l'un des trois styles dominants de l'architecture moderne (style international, architecture expressionniste et constructiviste).

Dans les années 1920
Le terme "architecture expressionniste" décrivait initialement l'activité des avant-gardes allemandes, hollandaises, autrichiennes, tchèques et danoises de 1910 à 1930. Les redéfinitions ultérieures ont prolongé le terme jusqu'en 1905 et l'ont élargi pour englober le reste de l'Europe. Aujourd'hui le sens s'est encore élargi pour se référer à l'architecture de n'importe quelle date ou emplacement qui présente certaines des qualités du mouvement original tel que; la distorsion, la fragmentation ou la communication d'émotions violentes ou surmenées.

Le style se caractérisait par l'adoption tôt-moderniste de matériaux nouveaux, l'innovation formelle, et la masse très inhabituelle, parfois inspirée par des formes biomorphiques naturelles, parfois par les nouvelles possibilités techniques offertes par la production de masse de brique, acier et surtout verre. Beaucoup d'architectes expressionnistes ont combattu pendant la Première Guerre mondiale et leurs expériences, combinées à la tourmente politique et au bouleversement social qui ont suivi la révolution allemande de 1919, ont abouti à une vision utopique et à un programme socialiste romantique. Les conditions économiques limitèrent considérablement le nombre de commandes construites entre 1914 et le milieu des années 1920, ce qui permit de conserver des œuvres expressionnistes parmi les plus importantes, comme l'architecture alpine de Bruno Taut et Formspiels de Hermann Finsterlin. Les bâtiments d'exposition éphémères étaient nombreux et hautement significatifs durant cette période. La scénographie pour le théâtre et les films a fourni un autre débouché à l'imagination expressionniste, et a fourni des revenus supplémentaires aux concepteurs qui tentaient de défier les conventions dans une économie difficile.

Les événements importants dans l'architecture expressionniste incluent; l'exposition Werkbund (1914) à Cologne, l'achèvement et la direction théâtrale du Grosses Schauspielhaus de Berlin en 1919, les lettres de la chaîne de verre et les activités de l'école d'Amsterdam. L'Einstein Tower d'Erich Mendelsohn, à Potsdam, est le principal monument permanent de l'expressionnisme. En 1925, la plupart des principaux architectes de l'expressionnisme tels que; Bruno Taut, Erich Mendelsohn, Walter Gropius, Mies van der Rohe et Hans Poelzig, ainsi que d'autres expressionnistes dans les arts visuels, se sont tournés vers le mouvement Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité), une approche plus pratique et pratique qui a rejeté l'agitation émotionnelle de l'expressionnisme. Quelques-uns, notamment Hans Scharoun, ont continué à travailler dans un langage expressionniste.

En 1933, après la prise du pouvoir par les nazis en Allemagne, l'art expressionniste fut déclaré hors-la-loi comme dégénéré. Jusqu'aux années 1970, les érudits ont souvent minimisé l'influence des expressionnistes sur le style international tardif, mais cela a été réévalué ces dernières années.

Caractéristiques
L'architecture expressionniste était individualiste et, à bien des égards, évitait le dogme esthétique, mais il est encore utile de développer certains critères qui la définissent. Bien que contenant une grande variété et différenciation, de nombreux points peuvent être trouvés comme récurrents dans les œuvres de l'architecture expressionniste, et sont évidents dans une certaine mesure dans chacune de ses œuvres.

Distorsion de forme pour un effet émotionnel.
Subordination du réalisme à l'expression symbolique ou stylistique de l'expérience intérieure.
Un effort sous-jacent pour atteindre le nouveau, original et visionnaire.
Profusion d'œuvres sur papier et de modèles, avec découverte et représentation de concepts plus importants que des produits finis pragmatiques.
Souvent des solutions hybrides, irréductibles à un seul concept.
Thèmes de phénomènes romantiques naturels, tels que les grottes, les montagnes, la foudre, le cristal et les formations rocheuses. En tant que tel, il est plus minéral et élémentaire que fleuri et organique qui caractérisait son art nouveau contemporain proche.
Utilise le potentiel créatif de l'artisanat artisanal.
Tendance plus vers le gothique que le classique. L'architecture expressionniste tend également plus vers le roman et le rococo que le classique.
Bien qu'il s'agisse d'un mouvement en Europe, l'expressionnisme est aussi oriental qu'occidental. Il tire autant de l'art et de l'architecture mauresques, islamiques, égyptiens et indiens que du romain ou du grec.
Conception de l'architecture en tant qu'œuvre d'art.

Le contexte
Les changements politiques, économiques et artistiques ont fourni un contexte pour les premières manifestations de l'architecture expressionniste; particulièrement en Allemagne, où les qualités utopiques de l'expressionnisme ont trouvé de fortes résonances avec une communauté artistique gauchiste désireuse de fournir des réponses à une société en ébullition pendant et après les événements de la Première Guerre mondiale. La perte de la guerre, la destitution du Kaiser Wilhelm II , les dépravations et la montée de la social-démocratie et l'optimisme de la république de Weimar ont créé une réticence parmi les architectes à poursuivre des projets initiés avant la guerre et ont fourni l'impulsion pour rechercher de nouvelles solutions. Un corps influent de la communauté artistique, y compris des architectes, a cherché une révolution similaire à celle qui s'était produite en Russie. Le remodelage coûteux et grandiose du Grosses Schauspielhaus rappelait plus le passé impérial que le budget de guerre et la dépression d'après-guerre.

Les mouvements artistiques qui ont précédé l'architecture expressionniste et se sont poursuivis avec un certain chevauchement étaient le mouvement des arts et métiers et de l'art nouveau ou en Allemagne, jugendstil. L'unité des designers avec les artisans était une préoccupation majeure du mouvement Arts and Crafts qui s'est étendu à l'architecture expressionniste. Le sujet fréquent du naturalisme dans l'art nouveau, qui était également répandu dans le romantisme, a continué aussi, mais a pris un tour pour le plus terre à terre que floral. Le naturaliste Ernst Haeckel était connu de Finsterlin et partageait sa source d'inspiration dans les formes naturelles.

Les mouvements architecturaux futuristes et constructivistes, et le mouvement anti-art dada se déroulaient en même temps que l'expressionnisme et contenaient souvent des caractéristiques similaires. Le magazine de Bruno Taut, Frülicht, comprenait des projets constructivistes, dont le Monument Vladimir Tatlins à la Troisième Internationale. Cependant, le futurisme et le constructivisme mettaient l'accent sur la méfiance et les tendances urbanistiques qui ne devaient pas s'installer en Allemagne avant la Neue Sachlichkeit. Mendelsohn est une exception dont le travail se rapproche du futurisme et du constructivisme. Une qualité d'énergie dynamique et d'exubérance existe dans les croquis d'Erich Mendelsohn et du futuriste Antonio Sant'Elia. L'artiste Merzbau de Dada, Kurt Schwitters, avec sa forme angulaire et abstraite, avait de nombreuses caractéristiques expressionnistes.

L'influence des individualistes tels que Frank Lloyd Wright et Antoni Gaudí a également fourni le contexte environnant pour l'architecture expressionniste. Portfolios de Wright ont été inclus dans les conférences d'Erich Mendelsohn et étaient bien connus à ceux de son entourage. Gaudí a également été influencé et influencé ce qui se passait à Berlin. À Barcelone, il n'y a pas eu de brusque rupture entre l'architecture de l'art nouveau et celle du début du XXe siècle, où Jugendstil s'est opposé après 1900, et son œuvre contient plus d'art nouveau que celle de Bruno Taut. Le cercle de der Ring, connaissait Gaudí, comme il a été publié en Allemagne, et Finsterlin était en correspondance. Charles Rennie Mackintosh devrait également être mentionné dans le contexte plus large de l'architecture expressionniste. Difficile à classer en tant qu'artisanat ou art nouveau, les bâtiments tels que la Hill House et ses chaises Ingram ont une teinte expressionniste. Son travail était connu sur le continent, comme il a été exposé à l'exposition de la Sécession de Vienne en 1900.

Idées sous-jacentes
De nombreux écrivains ont contribué à l'idéologie de l'architecture expressionniste. Les sources de philosophie importantes pour les architectes expressionnistes étaient des œuvres de Friedrich Nietzsche, Søren Kierkegaard et Henri Bergson. Les croquis de Bruno Taut sont fréquemment notés avec des citations de Nietzsche, en particulier Ainsi parlait Zarathoustra, dont le protagoniste incarnait des libertés chères aux expressionnistes; la liberté de rejeter le monde bourgeois, la liberté de l'histoire et la force de l'esprit dans l'isolement individualiste. La retraite de montagne de Zarathustra a été une source d'inspiration pour l'architecture alpine de Taut. Henri Van de Velde a dessiné une illustration de page de titre pour l'Ecce Homo de Nietzsche. L'auteur Franz Kafka dans son ouvrage The Metamorphosis, avec ses changements de forme, correspondait à l'instabilité matérielle de l'architecture expressionniste. Des naturalistes tels que Charles Darwin et Ernst Haeckel contribuèrent à une idéologie pour la forme biomorphique des architectes comme Herman Finsterlin. Le poète Paul Scheerbart a travaillé directement avec Bruno Taut et son entourage et a apporté des idées basées sur sa poésie de l'architecture du verre.

La psychologie émergente de Sigmund Freud et Carl Jung était importante pour l'expressionnisme. L'exploration des effets psychologiques de la forme et de l'espace a été entreprise par les architectes dans leurs bâtiments, projets et films. Bruno Taut a souligné les possibilités psychologiques du design scénographique: "Les objets servent psychologiquement à refléter les émotions et les gestes des acteurs". L'exploration des rêves et de l'inconscient a fourni du matériel pour les investigations formelles de Hermann Finsterlin.

Au cours des XVIIIe et XIXe siècles, les philosophies de l'esthétique se sont développées, notamment à travers les travaux de Kant et Schopenhauer et les notions de sublime. L'expérience du sublime était supposée impliquer un oubli de soi où la peur personnelle est remplacée par un sentiment de bien-être et de sécurité face à un objet manifestant une puissance supérieure. À la fin du XIXe siècle naquit la Kunstwissenschaft allemande, ou "science de l'art", qui était un mouvement pour discerner les lois de l'appréciation esthétique et parvenir à une approche scientifique de l'expérience esthétique. Au début du XXe siècle, Max Dessoir, philosophe néo-kantien et théoricien de l'esthétique, fonde le Zeitschift für Ästhetik und allgemeine Kunstwissenschaft, qu'il édite depuis de nombreuses années, et publie l'ouvrage Ästhetik und allgemeine Kunstwissenschaft dans lequel il formule cinq formes esthétiques primaires : le beau, le sublime, le tragique, le laid et le comique. Iain Boyd Whyte écrit que " les visionnaires expressionnistes ne gardaient pas de copies de Kant sous leurs planches à dessin mais il y avait, dans les premières décennies de ce siècle [20], un climat d'idées favorable aux préoccupations esthétiques et à la production artistique. du romantisme.

Les théories artistiques de Wassily Kandinsky, telles que Concernant le spirituel dans l'art, et Point et la ligne à l'avion étaient les centres de la pensée expressionniste.

Matériaux
Une préoccupation récurrente des architectes expressionnistes était l'utilisation des matériaux et comment ils pourraient être exprimés poétiquement. Souvent, l'intention était d'unifier les matériaux dans un bâtiment afin de le rendre monolithique. La collaboration de Bruno Taut et du poète utopiste Paul Scheerbart a tenté d'aborder les problèmes de la société allemande par une doctrine de l'architecture du verre. Un tel utopisme peut être vu dans le contexte d'une Allemagne révolutionnaire où la lutte entre le nationalisme et le socialisme devait encore se résoudre. Taut et Scheerbart imaginaient une société qui s'était libérée en rompant avec les formes et les traditions du passé, poussée par une architecture qui inondait chaque bâtiment d'une lumière multicolore et représentait un avenir plus prometteur. Ils ont publié des textes sur ce sujet et construit le Pavillon de verre à l'exposition Werkbund 1914. Autour de la base du dôme étaient gravés des mots aphoriques sur le matériau, écrits par Scheerbart.

"Le verre coloré détruit la haine", "Sans verre, la vie en palais est un fardeau", "Le verre nous amène une nouvelle ère, la construction en brique ne fait que nuire" - Paul Scheerbart, inscriptions au Werkbund Glass Pavilion 1914.
Erich Mendelsohn, à la tour Einstein, est un autre exemple d'utilisation expressionniste des matériaux monolithiques. Ne pas manquer un jeu de mots sur l'homonyme des tours, Einstein, et une tentative de rendre le bâtiment d'une pierre, Ein stein. Bien que non coulé dans une coulée de béton (en raison de difficultés techniques, la brique et le stuc ont été partiellement utilisés), l'effet du bâtiment est une expression de la fluidité du béton avant qu'il soit coulé. "L'architecture de l'acier et du béton" était le titre d'une exposition de 1919 des croquis de Mendelsohn à la galerie de Paul Cassirer à Berlin.

La brique a été utilisée de la même manière pour exprimer la nature inhérente du matériau. Josef Franke a produit quelques églises expressionnistes caractéristiques dans la Ruhrgebiet dans les années 1920. Bruno Taut a utilisé la brique comme un moyen de montrer la masse et la répétition dans son lotissement berlinois " Legien-Stadt ". De la même manière que leurs prédécesseurs du mouvement Arts and Crafts, aux architectes expressionnistes, au populisme, au naturalisme, et selon Pehnt "Des arguments moraux et parfois même irrationnels ont été invoqués en faveur de la construction en brique". Avec sa couleur et pointilliste comme incrément visuel, la brique est devenue à l'expressionnisme ce que le stuc est devenu plus tard au style international.

Théâtres, films, peintures et magazines
L'Europe a connu un boom de la production théâtrale au début du XXe siècle. En 1896 il y avait 302 théâtres permanents en Europe, en 1926 il y en avait 2 499. Le cinéma connaît une augmentation comparable de son utilisation et de sa popularité, ce qui entraîne une augmentation du nombre de maisons de dessin. Il a également été en mesure de fournir une réalité temporaire pour des idées architecturales innovantes.

De nombreux architectes ont conçu des théâtres pour des spectacles sur scène et des décors de films expressionnistes. Ce sont des moments déterminants pour le mouvement, et avec son intérêt pour les théâtres et les films, les arts du spectacle occupent une place importante dans l'architecture expressionniste. Comme le cinéma et le théâtre, l'architecture expressionniste a créé un environnement inhabituel et exotique pour entourer le visiteur.

Les exemples construits de théâtres expressionnistes incluent la construction par Henry van de Velde du théâtre modèle pour l'Exposition Werkbund de 1914, et le grand remodelage de Hans Grelzig du Grosses Schauspielhaus. L'énorme capacité du Grosses Schauspielhaus a permis de réduire les prix des billets et de créer un "théâtre populaire". Non seulement les architectes expressionnistes construisaient des scènes, mais Bruno Taut a écrit une pièce destinée au théâtre, Weltbaumeister.

Les architectes expressionnistes étaient à la fois impliqués dans le cinéma et inspirés par celui-ci. Hans Poelzig s'est efforcé de faire des films basés sur des légendes ou des contes de fées. Poelzig a conçu des décors scénographiques pour le film Der Golem de 1920 de Paul Wegener. Space in Der Golem était un village tridimensionnel, un rendu réaliste du ghetto juif de Prague. Cela contraste avec le cadre du Cabinet du Docteur Caligari, qui a été peint sur des toiles de fond de toile. Peut-être que ce dernier a pu obtenir plus de liberté stylistique, mais Poelzig dans Der Golem a été capable de créer un village entier qui " parlait avec un accent juif ".

Herman Finsterlin a approché Fritz Lang avec une idée de film. Le film Metropolis de Fritz Lang fait la démonstration d'une société "futuriste" visuellement progressiste qui traite des questions pertinentes de l'Allemagne des années 1920 en relation avec le travail et la société. Bruno Taut a conçu un théâtre non bâti pour les amateurs de cinéma couchés. Bruno Taut a également proposé un film comme anthologie pour la chaîne du verre, intitulé Die Galoschen des Glücks (Les Galoches de la Fortune) avec un nom emprunté à Hans Christian Andersen. Sur le film, note Taut, " un expressionnisme de la plus subtile amènera l'harmonie entre l'environnement, les accessoires et l'action ". Il a présenté des fantasias architecturaux adaptés à chaque membre de la chaîne. En fin de compte non-produit, il révèle l'aspiration que le nouveau médium, le film, invoquait.

Abstraction
La tendance à l'abstraction dans l'art correspond à l'abstraction en architecture. La publication de Concerning the Spiritual in Art en 1912 par Wassily Kandinsky, son premier plaidoyer de l'abstraction tout en étant encore impliqué dans Der Blaue Reiter phaze, marque un début d'abstraction dans l'expressionnisme et l'abstraction dans l'architecture expressionniste. La conception de la tour d'Einstein par Erich Mendelson n'était pas loin derrière Kandinsky, en avançant l'abstraction dans l'architecture. Par la publication de Point et Ligne à Plan de Kandinsky en 1926, une forme d'abstraction rigoureuse et plus géométrique a émergé, et le travail de Kandinsky a pris des lignes plus claires et rédigées. Les tendances de l'architecture ne sont pas différentes, car le Bauhaus a attiré l'attention et l'architecture expressionniste a cédé la place aux abstractions géométriques de l'architecture moderne.

Expressionnisme de brique
Le terme expressionnisme de briques (en allemand: Backsteinexpressionismus) décrit une variante spécifique de l'expressionnisme qui utilise des briques, des tuiles ou des briques de clinker comme principal matériau de construction visible. Les bâtiments dans le style ont été érigés principalement dans les années 1920. Les centres régionaux du style étaient les plus grandes villes du nord de l'Allemagne et de la région de la Ruhr, mais l'école d'Amsterdam appartient à la même catégorie.

La Scheepvaarthuis (Maritime House) coopérative-commerciale d'Amsterdam de 1912 est considérée comme le point de départ et le prototype du travail scolaire d'Amsterdam: construction en brique avec maçonnerie compliquée, volumétrie traditionnelle et intégration d'un système élaboré d'éléments de construction (maçonnerie décorative, verre d'art, travail de fer, et sculpture figurative extérieure) qui incarne et exprime l'identité du bâtiment. L'école a prospéré jusque vers 1925.

La grande renommée internationale de l'expressionnisme allemand n'est pas liée aux architectes expressionnistes brique allemands, mais aux peintres expressionnistes allemands des deux groupes " Die Brücke " à Dresde depuis 1905 (Kirchner, Schmidt-Rottluff, Heckel, Nolde, ...) et " Der Blaue Reiter " à Munich depuis 1912 (Kandinsky, Marc, Macke, Münter, Jawlensky, ...).

Héritage
L'héritage de l'architecture expressionniste s'est étendu aux mouvements ultérieurs au XXe siècle. Il a eu une influence sur son successeur immédiat, l'architecture moderne, ainsi que l'Art Déco. Le nouveau mouvement artistique de l'objectivité (Neue Sachlichkeit) est en opposition directe avec l'expressionnisme. L'architecture expressionniste est aujourd'hui une influence évidente dans le déconstructivisme, l'œuvre de Santiago Calatrava, et le mouvement organique de la blobitecture.

Un autre mouvement qui est né de l'expressionnisme pour devenir une école à part entière est l'architecture métaphorique qui comprend des éléments de biomorphisme et d'architecture zoomorphique. Le style est très influencé par la forme et la géométrie du monde naturel et se caractérise par l'utilisation de l'analogie et de la métaphore comme principale inspiration et directive pour le design. Peut-être la voix la plus importante de l'école d'architecture métaphorique à l'heure actuelle est Dr. Basil Al Bayati dont les dessins ont été inspirés par les arbres et les plantes, les escargots, les baleines, les insectes, les derviches et même les mythes et la littérature. Il est également le fondateur de l'École internationale d'architecture métaphorique à Málaga, en Espagne.

Beaucoup de fondateurs et d'acteurs importants de l'architecture expressionniste étaient également importants dans l'architecture moderne. Les exemples sont Bruno Taut, Hans Scharoun, Walter Gropius, et Mies Van der Rohe. En 1927, Gropius, Taut, Scharoun et Mies construisaient tous dans le style international et participaient au domaine de Weissenhof. Gropius et Mies sont mieux connus pour leur travail moderniste, mais le monument de Gropius aux morts de mars et les projets de construction de bureaux de Mies Friedrichstrasse sont des œuvres fondamentales de l'architecture expressionniste. Le Corbusier a commencé sa carrière dans l'architecture moderne mais a pris une tournure plus expressionniste plus tard dans la vie.

Art Déco
D'abord identifié à l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes en 1925, l'art déco partage certaines caractéristiques de l'expressionnisme et a probablement été influencé directement par le mouvement expressionniste - en particulier les activités du Bauhaus de Weimar - et plus généralement la politique qui a influencé les deux mouvements à l'époque, tels que le socialisme et la mécanisation. En commun avec l'art nouveau et l'expressionnisme, ils s'intéressent aux effets décoratifs qui rompent avec le passé et reflètent une nouvelle modernité. L'utilisation audacieuse des formes en zigzag et en escalier, et des courbes et des motifs en chevron. Les nouveaux matériaux sont employés de nouvelles manières telles que le verre, l'aluminium et l'acier inoxydable. Des exemples ultérieurs d'Art Déco, en particulier à New York, peuvent être considérés comme un équivalent transatlantique de l'expressionnisme européen.

L'expressionnisme depuis les années 1950
L'influent critique d'architecture et historien Sigfried Giedion dans son livre Space, Time and Architecture (1941) a rejeté l'architecture expressionniste comme un spectacle secondaire dans le développement du fonctionnalisme. Au milieu du XXe siècle, dans les années 50 et 60, de nombreux architectes ont commencé à concevoir d'une manière qui rappelle l'architecture expressionniste. En cette période d'après-guerre, une variante du brutalisme expressionniste avait une approche honnête des matériaux, qui, dans son utilisation sans fioritures du béton, était similaire à l'utilisation de la brique par l'école d'Amsterdam. Les dessins de Le Corbusier ont pris un tour pour l'expressionniste dans sa phase brutaliste, mais plus encore dans son Notre Dame du Haut. Au Mexique, en 1953, l'émigré allemand Mathias Goeritz publie le manifeste "Arquitectura Emocional" (Architecture émotionnelle) où il déclare que "la principale fonction de l'architecture est l'émotion". L'architecte mexicain moderne Luis Barragán a adopté le terme qui a influencé son travail. Tous deux ont collaboré au projet Torres de Satélite (1957-58), guidés par les principes de Goeritz d'Arquitectura Emocional. Eero Saarinen est un autre architecte moderne du milieu du siècle qui évoque l'expressionnisme. Une esthétique similaire peut être trouvée dans des bâtiments plus récents tels que le terminal TWA 1962 d'Eero Saarinen à l'aéroport international JFK. Son terminal TWA à l'aéroport international JFK a une forme organique, aussi proche des Formspiels de Herman Finsterlin que de tout autre, sauf le Sydney Opera House de Jørn Utzon. Ce n'est que dans les années 1970 que l'expressionnisme en architecture a été réévalué sous un jour plus positif. Plus récemment encore, l'esthétique et la tactilité de l'architecture expressionniste ont trouvé écho dans les œuvres d'Enric Miralles, notamment le bâtiment du Parlement écossais, les architectes déconstructivistes comme Zaha Hadid et Daniel Libeskind, ainsi que l'architecte autochtone canadien Douglas Cardinal.

# data[].attributes.attachment_link.description
L'architecture expressionniste est un mouvement architectural en Europe durant les premières décennies du XXe siècle, parallèlement aux arts visuels et aux arts du spectacle expressionnistes qui se sont particulièrement développés et dominés en Allemagne. L'expressionnisme de brique est une variante spéciale de ce mouvement dans l'ouest et le nord de l'Allemagne et aux Pays-Bas (école d'Amsterdam).

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Lorsque vous parlez ou pensez au quartier Kontorhaus de Hambourg, le Chilehaus sur la Burchardplatz vient inévitablement à l'esprit, car il est le plus représentatif de ce quartier que tout autre bâtiment. On pourrait même penser que le bloc de complexes de bureaux construit en 1922-1924 par Fritz Höger sur commande d'Henry Brarens Sloman est plus connu et plus célèbre que le quartier dans lequel il se trouve.

Avec sa pointe marquante, mais pas seulement, qui rappelle aussi la proue d'un navire grâce au condor des Andes conçu comme figure de proue au rez-de-chaussée, la Chilehaus est incontestablement l'emblème du quartier Kontorhaus. Cette position prédestinée est démontrée et renforcée de manière impressionnante par un environnement entièrement adapté.

# data[].attributes.attachment_link.title
Welterbe Info Point Hamburg - Alle Infos zum Welterbe

# data[].attributes.attachment_link.description
Lorsque vous parlez ou pensez au quartier Kontorhaus de Hambourg, le Chilehaus sur la Burchardplatz vient inévitablement à l'esprit, car il est le plus représentatif de ce quartier que tout autre bâtiment. On pourrait même penser que le bloc de complexes de bureaux construit en 1922-1924 par Fritz Höger sur commande d'Henry Brarens Sloman est plus connu et plus célèbre que le quartier dans lequel il se trouve.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre.

La Chilehaus (la maison du Chili en allemand) est un bâtiment de bureaux de dix étages à Hambourg en Allemagne. C'est un des premiers exemples d' architecture expressionniste en brique des années 1920. Elle est classée en juillet 2015 au patrimoine mondial de l'UNESCO, ainsi que le quartier du Kontorhaus où elle se trouve et celui de la Speicherstadt.

Le 21 octobre 1922, le magnat armateur Henry Brarens Sloman, qui a fait fortune avec le salpêtre du Chili, achète un terrain de 5.000 m² et 4,8 millions de briques pour lancer la construction de la Chilehaus.

Le bâtiment est dessiné par l'architecte Fritz Höger et construit entre 1922 et 1924. Les éléments sculpturaux dans les cages d'escalier et sur les façades furent exécutés par le sculpteur Richard Kuöhl. Le coût de la construction est difficile à déterminer car le bâtiment a été construit durant une période d' hyperinflation qui frappa l'Allemagne au début des années 1920, mais les estimations donnent un chiffre supérieur à 10 millions de reichsmark.

Depuis le 27 septembre 1983, le Chilehaus est classé monument protégé.

En 1993, le bâtiment est racheté par la société Union Investment Real Estate GmbH.

En juillet 2015, le Chilehaus et tout le quartier de la Speicherstadt sont classés au Patrimoine mondial de l'UNESCO,.

Le bâtiment repose sur une base de 5.950 m², et ses sols couvrent une surface totale de 36.000 m². Sa façade est parsemée de 2.800 fenêtres. L'immeuble enjambe la rue Fischertwiete. Il est connu pour sa couronne qui rappelle la proue d'un navire, et ses façades qui se rencontrent en un angle très aigu au croisement des rues de Pumpen et Niedernstraße. Il s'agit d'ailleurs de l'angle le plus aigu que l'on retrouve sur un bâtiment dans toute l'Europe. C'est sur son flanc que le bâtiment est le plus spectaculaire car les éléments verticaux sont accentués, les étages supérieurs sont en retrait, et les façades sont incurvées sur la rue Pumpen. Ainsi, malgré sa taille énorme, le bâtiment a une touche de légèreté.

Le bâtiment est construit dans le quartier de la Speicherstadt qui est à l'origine un groupe d'îles sur l'Elbe. Pour gagner en stabilité dans ces sols mouillés, il fut nécessaire de construire des piliers en béton armé de 16 mètres de profondeur. La proximité de l' Elbe a aussi nécessité des caves spécialement étanches, et les pièces dévolues au chauffage furent conçues dans un caisson pouvant flotter à l'intérieur du bâtiment, les installations seront sauves en cas d'inondation.

Le bâtiment est la propriété de la société Union Investment Real Estate GmbH depuis 1993.

Références

Articles connexes

Liens externes

# data[].attributes.attachment_link.description
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. La Chilehaus (la maison du Chili en allemand) est un bâtiment de bureaux de dix étages à Hambourg en Allemagne. C'est un des premiers exemples d' architecture expressionniste en brique des années 1920.

# data[].attributes.body
pourquoi mettre deux photos d'œuvres du même artiste quel intérêt

attention également a tes textes tout frappe même invisible ce voie bon travail

# data[].attributes.body
vue que le titre est claire tu ne dois pas systématiquement le mettre dans tes textes

exemple: mouvement culturel trouvant son apposer ( ou naissant ) en Allemagne, au début du XXe siècle et qui durera  jusqu'à la fin des années 1920. Le mouvement était une réponse aux changements sociaux et culturels apportés par la modernité et cherchait à exprimer le monde intérieur de l'individu par une expression intense et subjective.

ceci tu peut le mettre dans les caractéristiques :

Il se caractérise par l'utilisation de formes audacieuses, non naturalistes, souvent abstraites, et de couleurs vives pour transmettre des émotions et des idées, notamment dans l'art, l'architecture et le cinéma.

# data[].attributes.headline
Emil Nolde : Danse autour du veau d'or 1919

# data[].attributes.subject
Emil Nolde : Danse autour du veau d'or 1919

# data[].attributes.body
"Pentecôte" est une œuvre peinte par Emile Nolde en 1911. Cette peinture expressionniste montre une scène religieuse qui célèbre l'arrivée du Saint-Esprit sur les apôtres selon la tradition chrétienne.

Dans cette œuvre, Nolde exprime la ferveur religieuse et la puissance spirituelle de l'événement décrit. Les formes sont expressives et les couleurs vives et saturées reflètent l'intensité des émotions des personnages représentés. Les personnages sont peints de manière primitive et expressionniste, donnant à l'ensemble une allure sauvage et mystique.

Nolde a souvent utilisé des thèmes religieux dans son travail pour explorer les questions de foi et de spiritualité. "Pentecost" est un exemple de cela, car il montre la force de la spiritualité et la ferveur religieuse.

En général, l'œuvre de Nolde exprime une émotion intense et une profonde connection spirituelle, ce qui en fait une contribution importante à l'art expressionniste de la première moitié du 20e siècle.

# data[].attributes.headline
Emile Nolde : Photohraphie + Fait majeur

# data[].attributes.subject
Emile Nolde : Photohraphie + Fait majeur

# data[].attributes.body
Emile Nolde était considéré comme un artiste controversé au sein du régime nazi en Allemagne durant les années 1930. Bien que Nolde fût un membre fondateur du Parti national-socialiste des travailleurs allemands (NSDAP), il a rapidement été considéré comme un artiste dégénéré en raison de son style expressionniste, considéré comme subversif par les nazis.

En 1937, l'exposition de Nolde "Entartete Kunst" (art dégénéré) a été organisée par les nazis pour montrer au public ce qu'ils considéraient comme des formes d'art indésirables et dangereuses pour la société. Les œuvres de Nolde ont été incluses dans cette exposition et ont été publiquement ridiculisées et dénoncées.

En conséquence, Nolde a été interdit de peindre et de présenter ses œuvres publiquement. Il a continué à peindre en secret dans son jardin et a gardé ses peintures cachées jusqu'à la fin de la guerre. Après la guerre, ses œuvres ont été restaurées et ont retrouvé leur place dans les musées du monde entier.

En résumé, la carrière de Nolde a été sérieusement perturbée par le régime nazi en raison de son style considéré comme subversif et dégénéré. Cependant, il a continué à peindre en secret et a laissé derrière lui un important héritage de l'art moderne.

# data[].attributes.body
Emile Nolde était un peintre allemand, né en 1867 à Nolde, Allemagne et mort en 1956. Il est considéré comme l'un des plus grands artistes de l'Expressionnisme allemand.

Nolde a commencé sa carrière en travaillant comme graveur et illustrateur, mais il a rapidement été attiré par la peinture. Il a rejoint le mouvement expressionniste au début du XXe siècle et a rapidement acquis une renommée internationale pour son style coloré et expressif. Ses peintures sont souvent caractérisées par des couleurs vives et des formes simplifiées qui reflètent ses émotions et ses sentiments.

En 1937, Nolde a été classé par le régime nazi allemand comme "degenerate artist" (artiste dégénéré) et ses œuvres ont été retirées des musées allemands. Cependant, il a continué à peindre en secret jusqu'à la fin de sa vie et a laissé derrière lui un héritage important de l'expressionnisme allemand.

Aujourd'hui, les œuvres de Nolde sont exposées dans des musées du monde entier et sont considérées comme des chefs-d'œuvre de l'art moderne.

# data[].attributes.body
Voici quelques-uns des artistes les plus marquants de cette période :

Emil Nolde : peintre, graveur et aquarelliste allemand considéré comme l'un des fondateurs de l'expressionnisme allemand. Ses œuvres, souvent colorées et expressionnistes, montrent un intérêt pour les thèmes religieux et mythologiques.

Max Beckmann : peintre, dessinateur et graveur allemand considéré comme l'un des plus grands représentants de l'expressionnisme. Ses œuvres sont caractérisées par un style sombre et intensément expressif qui reflète sa perspective sur la société et la politique de l'époque.

Ernst Ludwig Kirchner : peintre, graveur et sculpteur allemand qui a fondé le mouvement de l'expressionnisme abstrait. Ses œuvres sont caractérisées par des lignes vives, des couleurs vibrantes et des formes géométriques simples.

Wassily Kandinsky : peintre russe naturalisé allemand considéré comme l'un des fondateurs de l'art abstrait. Ses œuvres, souvent abstraites, sont inspirées par ses idées sur la couleur et les formes, ainsi que par ses croyances spirituelles.

Paul Klee : peintre et graveur suisse naturalisé allemand considéré comme l'un des plus grands artistes abstraits du XXe siècle. Ses œuvres, souvent colorées et expressives, montrent un intérêt pour la symbolique et l'imagination.

Ces artistes et bien d'autres ont joué un rôle important dans la définition de l'expressionnisme allemand et ont laissé une trace indélébile sur l'histoire de l'art.

# data[].attributes.body
Egon Schiele était un peintre et un dessinateur autrichien qui est né le 12 juin 1890 à Vienne, en Autriche. Il a grandi dans une famille aisée, et a été élevé dans un environnement très stimulant. Son père était expert-comptable et sa mère était du personnel de maison. Dès son plus jeune âge, Egon s'est intéressé à la peinture et a commencé à étudier le dessin et la peinture à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne à l'âge de 16 ans. Il a étudié sous le tutelage de l'enseignant Gustav Klimt, et s'est rapidement distingué par son style très personnel. En 1906, il a rejoint le groupe de jeunes artistes Die Brücke, mouvement qui a ouvert la voie à l'expressionnisme allemand. Ses œuvres sont très personnelles et marquées par le thème de l'isolement et de la solitude, ce qui lui a valu d'être considéré comme un artiste avant-gardiste. Ses oeuvres ont été à l'origine de nombreuses autres œuvres, ce qui lui a valu d'être considéré comme un des principaux représentants de l'expressionnisme allemand. Malheureusement, Egon Schiele est mort à l'âge de 28 ans en 1918, laissant derrière lui des œuvres qui nous influencent toujours aujourd'hui.

Reference :

Egon Schiele – La biographie

(https://www.landoart.fr/artistes/egon-schiele

# data[].attributes.headline
Expressionnisme Allemand : Caractéristiques 

# data[].attributes.subject
Expressionnisme Allemand : Caractéristiques 

# data[].attributes.body
L'expressionnisme allemand est également appelé New Objectivity, comme expliqué dans les autres Padlet c'est un mouvement artistique qui s'est développé en Allemagne à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Il a été influencé par le symbolisme, le romantisme et l'expressionnisme français. Les artistes expressionnistes allemands se sont concentrés sur l'expression des émotions et des sentiments intérieurs, la déformation des formes et la couleur vive pour exprimer des états mentaux et spirituels précis. Les sujets des œuvres expressionnistes allemandes sont souvent sombres et intenses, montrant des scènes dramatique ou des choses morbides. Les principales caractéristiques de cette tendance artistique sont la distorsion et l'exagération des formes, des couleurs et des lignes, créant une atmosphère intense et expressive. Les artistes expressionnistes allemands ont aussi utilisé la technique de l'emphase, qui consiste à exagérer les caractéristiques d'un objet ou d'un sujet pour donner une impression de profondeur et de dimension. L'expressionnisme allemand a été influencé par des artistes tels que Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel et Egon Schiele.

# data[].attributes.body
travail de Egon shiele intéressant a lire

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Porté par un talent inné pour le dessin depuis son plus jeune âge, Egon Schiele est un incontournable de la peinture viennoise. Surtout connu pour ses autoportraits teintés de mélancolie et de souffrance, il laisse derrière lui une exceptionnelle collection d'œuvres et une exploration passionnante de la figure humaine dans ce qu'elle a de plus expressif. Retour sur l' "Autoportrait au gilet, debout " (1911) d'Egon Schiele.
EXCLU : Découvrez des lithographies originales d'Egon Schiele désormais en vente sur KAZoART.

Quelques mots sur Egon Schiele

Portrait d'Egon Schiele / unattributed [Public domain]

Le dessin a toujours fait partie de la vie d'Egon Schiele. Dès l'enfance, il s'éveille en dessinant, encouragé par son père, un chef de gare atteint d'une maladie mentale. La perte prématurée de ce dernier en 1905 le plonge dans une détresse intérieure qui ressortira progressivement dans ses travaux.

À tout juste 16 ans, il entre à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne, un exploit ! Mais l'apprentissage y est trop formel à son goût. Aux côtés de Gustav Klimt, il tend vers une nouvelle forme d'expression en rupture avec le cadre traditionnel de l'Académie. C'est alors que naît le Neukunstgruppe (Groupe pour le Nouvel Art) en vue de renouveler le mode d'expression artistique.

Egon Schiele développe son propre style à travers une écriture tranchée. Il laissederrière lui près de 300 peintures et 3 000 œuvres sur papier. Explorer la figure humaine, la révéler dans ses retranchements, son intimité, dévoiler ses faiblesses et la détresse des corps : un moyen pour Schiele de donner vie à ses combats intérieurs.

Focus sur l'œuvre

Egon Schiele. Autoportrait au gilet, debout, 1911. Gouache, aquarelle et crayon gras sur papier, monté sur carton.

Aussi brève mais intense qu'a été la carrière de Schiele - puisqu'il est mort à seulement 28 ans de la grippe espagnole - il s'est toujours beaucoup attaché à la retranscription des émotions de ses sujets. Progressivement, il a donné de l'importance à sa propre figure dans des autoportraits criants de détresse et révélant des positions excentriques et angoissées.

L'Autoportrait au gilet, debout (1911) est l'une des rares fois où Schiele apparaît en totale contradiction avec ses postures habituelles. Loin de gestuelles extrêmes créant une distance et un malaise chez le spectateur, il se présente ici sous son meilleur jour.

4 détails à la loupe

1# Le dandy séducteur

Dans ses autoportraits, Egon Schiele nous a habitués à le voir nu, torturé et dans des postures pour le moins ambiguës, Cette fois, c'est un nouveau look qu'il arbore : celui du dandy chic et séducteur. Étonnamment bien apprêté, il se représente ici de face et dans une posture bien plus classique.

Outre l'habit pimpant, c'est bel et bien l'attitude de l'artiste autrichien qui retient notre attention : les sourcils relevés, le regard à peine plissé et la bouche en avant et resserrée. Vous l'avez bien compris, Egon Schiele nous toise ouvertement ! Un air dédaigneux, il défie quiconque ose le regarder d'un peu trop près.

Impossible d'échapper à ce halo de lumière qui cerne sa tête. En plus d'avoir une attitude renchérie, Egon Schiele s'impose comme un élu de haut rang. Les cheveux ébouriffés, il apparaît tel un génie plein de confiance, sorte de figure du Christ qui prétendrait que l'Art amène la paix, aussi salvateur que le serait Dieu.

2# Un costume travaillé

Cela semble être un grand jour pour Egon Schiele. Cette auto-représentation paraît faire un pied de nez à sa véritable condition. Pour rappel, nous sommes en 1911 et à cette période, le peintre vit avec sa compagne Wally et ne roule pas sur l'or. Pire, ils vivent dans la pauvreté. On devine alors qu'il a lui-même confectionné son costume et sa chemise en découpant du papier et en jouant à l'apprenti couturier.

3# Des mains évocatrices

Les mains d'Egon Schiele, quel sacré mystère ! Le peintre autrichien se représente à de nombreuses reprises avec les doigts écartés. C'est dans cet autoportrait que le fameux geste en V apparaît. Serait-ce un symbole ? un geste de protestation ? Le parallèle entre la posture de ses doigts et l'art de Schiele est tout trouvé. On y voit aussi un écho à la mosaïque byzantine de l'église Chora à Constantinople.

Les mains teintées de vert sont aussi un écho à ce qui ressort régulièrement dans ses œuvres : la mort et la finitude. Comme si, même dans le plus parfait costume, même dans une position de demi-Dieu, la souffrance ne cesse de planer au-dessus de Schiele comme une épée de Damoclès.

La position des doigts est toujours suggestive chez l'artiste. On y distingue toute la mécanique de la main à travers des phalanges raides et quasi décharnées. Une représentation pas très naturelle mais qui deviennent l'outil de sa communication. Les doigts de Schiele sont une métaphore de la condition humaine, à l'image d'un cri de détresse en langue des signes.

4# Une célébration de la vie

Finissons cette lecture de l'œuvre de Schiele par un coup d'œil sur le parterre de fleurs tout en bas de la composition. L'Œuvre de Schiele pourtant connue comme jouant avec les vides, qu'elle soit colorée ou non, se heurte ici à une volonté d'exubérance totale. Dans le regard, dans la posture, dans la constitution même : ses figures humaines côtoient généralement le dénuement.

Ici, c'est l' abondance, la vitalité, la vie. Il n'y a pas un centimètre de l'œuvre qui soit inoccupé ou dépourvu de couleur. Serait-ce l'art qui lui donne des ailes ? Ce dandy poète rêve sûrement à une autre vie, peut-être pour donner espoir à d'autres... mais surtout à lui-même.

Découvrez des lithographies originales d'Egon Schiele désormais en vente sur KAZoART !

# data[].attributes.attachment_link.title
L'Œuvre à la loupe * Autoportrait au gilet d'Egon Schiele - Le blog d'art contemporain de KAZoART

# data[].attributes.attachment_link.description
Porté par un talent inné pour le dessin depuis son plus jeune âge, Egon Schiele est un incontournable de la peinture viennoise. Surtout connu pour ses autoportraits teintés de mélancolie et de souffrance, il laisse derrière lui une exceptionnelle collection d'œuvres et une exploration passionnante de la figure humaine dans ce qu'elle a de plus expressif.

# data[].attributes.headline
Histoire de l'expressionnisme Allemand : 

# data[].attributes.subject
Histoire de l'expressionnisme Allemand : 

# data[].attributes.body
Le mouvement expressionniste allemand est apparu en Allemagne au début du 20ème siècle, et s'est développé dans les années 1920. Il s'est distingué par un style très personnel, et s'est opposé à l'art officiel protégé par Guillaume II, l'empereur allemand. Le mouvement expressionniste a été représenté par deux groupes d'artistes, Die Brücke et Der Blaue Reiter. Ces groupes d'artistes partageaient une vision pessimiste du monde, et cherchaient à l'exprimer dans leurs oeuvres plutôt que de le montrer réellement. La couleur principale de ces artistes était le rouge et le bleu, et leurs oeuvres étaient essentiellement des paysages, mais mettaient également en scène la vie urbaine. L'intérêt de l'expressionnisme allemand réside dans le mouvement, et dans la façon dont les courbes retravaillent les formes pour donner un aspect inquiétant et loufoque.

**References:**

[1]  [L'expressionnisme allemand](https://apprendre-le-cinema.fr/l-expressionnisme-allemand/)

[2]  [L'expressionnisme allemand | RMN](https://www.grandpalais.fr/fr/article/lexpressionnisme-allemand)

[3]  [L'expressionnisme Allemand](https://delautrecotedelimage.wordpress.com/2016/06/16/lexpressionnisme-allemand/)

# data[].attributes.headline
Egon Schiele : Influence & Expressionnisme Allemand

# data[].attributes.subject
Egon Schiele : Influence & Expressionnisme Allemand

# data[].attributes.body
Egon Schiele est un artiste viennois actif entre 1906 et 1918. Il a été l'un des plus grands représentants du mouvement expressionniste allemand, et a été en grande partie à l'origine du renouveau de ce style. Ses œuvres ont été marquées par un realisme intense et une grande précision dans la représentation des formes. Ses oeuvres sont riches en détails et en couleurs, avec une emphase particulière sur les couleurs rouge et bleu. De plus, ses peintures et ses dessins sont extrêmement expressifs, avec des formes qui se tordent et se courbent d'une façon radicale, ce qui donne aux œuvres un sentiment d'angoisse et de tension. Ses peintures et ses dessins sont devenus de plus en plus personnels et les thèmes qu'il abordait étaient le corps humain, la vie sexuelle et la mort. Dans ses œuvres, Egon Schiele a donné un aperçu terrifiant et perturbant de l'âme humaine.

References :

(1) [Egon Schiele : L'expressionnisme allemand](https://www.artble.com/fr/articles/egon_schiele_lexpressionnisme_allemand)

(2)  [Egon Schiele](https://www.nga.gov/features/slideshows/egon-schiele.html)

(3) [Egon Schiele: Un Maître de l'Expressionnisme allemand](https

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
German expressionist cinema was a part of several related creative movements in Germany in the early 20th century that reached a peak in Berlin during the 1920s. These developments were part of a larger Expressionist movement in north and central European culture in fields such as architecture, dance, painting, sculpture and cinema.

German Expressionism was an artistic movement in the early 20th century that emphasized the artist's inner emotions rather than attempting to replicate reality. German Expressionist films rejected cinematic realism and used visual distortions and hyper-expressive performances to reflect inner conflicts.

The German Expressionist movement was initially confined to Germany due to the country's isolation during World War I. In 1916, the government banned foreign films, creating a sharp increase in the demand for domestic film production, from 24 films in 1914 to 130 films in 1918. With inflation also on the rise, Germans were attending films more freely because they knew that their money's value was constantly diminishing.

International audiences and appreciation for German cinema began to grow as anti-German sentiment decreased following the end of World War I. By the time its 1916 ban on imports on foreign film was lifted, Germany had become a part of the international film industry.

European societies of the 1920s embraced an ethic of change and a willingness to look to the future by experimenting with bold new ideas and artistic styles. The first Expressionist films, which lacked a generous budget, used set designs with wildly non-realistic, geometrically absurd angles, along with designs painted on walls and floors to represent lights, shadows, and objects. The plots and stories of the Expressionist films often dealt with madness, insanity, betrayal and other " intellectual" topics triggered by the experiences of World War I (as opposed to standard action-adventure and romantic films). Later films often categorized as part of the brief history of German Expressionism include Metropolis (1927) and (1931), both directed by Fritz Lang. This trend was a reaction against realism. Its practitioners used extreme distortions in expression to show an inner emotional reality rather than what was on the surface.

The extreme anti-realism of Expressionism was short-lived, fading away after only a few years. The themes of Expressionism were integrated into later films of the 1920s and 1930s, resulting in an artistic control over the placement of scenery, light, etc., to enhance the mood of a film. This dark, moody school of filmmaking was brought to the United States when the Nazis gained power and many German film makers emigrated to Hollywood. Several German directors and cameramen flourished in Hollywood, producing a repertoire of films that had a profound effect.

Two genres that were especially influenced by Expressionism are horror film and film noir. Carl Laemmle and Universal Studios had produced horror films of the silent era, such as Lon Chaney's The Phantom of the Opera. German film makers such as Karl Freund (the cinematographer for in 1931) set the style and mood of the Universal monster movies of the 1930s with their dark and artistically designed sets, providing a model for later generations of horror films. Directors such as Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Carol Reed and Michael Curtiz introduced the Expressionist style to crime dramas of the 1930s and 1940s, expanding Expressionism's influence on modern film making.

German silent cinema was arguably far ahead of Hollywood during the same period. Cinema outside Germany benefited both from the emigration of German film makers and from German expressionist developments in style and technique that were apparent on the screen. The new look and techniques impressed other contemporary film makers, artists and cinematographers, and they began to incorporate the new style into their work.

In 1924, Alfred Hitchcock was sent by Gainsborough Pictures to work as an assistant director and art director at the UFA owned Babelsberg Studios in Potsdam near Berlin on the film The Blackguard. The immediate effect of the working environment in Germany can be seen in his expressionistic set designs for that film. Hitchcock later said he "acquired a strong German influence by working at the UFA studios".

German Expressionism would continue to influence Hitchcock throughout his career. In his third film, , Hitchcock introduced expressionist set designs, lighting techniques, and trick camera work to the British public against the wishes of his studio. His visual experimentation included the use of an image of a man walking across a glass floor shot from below, a concept representing someone pacing upstairs.

Werner Herzog's 1979 film Nosferatu: Phantom der Nacht was a tribute to F. W. Murnau's 1922 film. The film uses expressionist techniques of highly symbolic acting and symbolic events to tell its story. The 1998 film used stark contrast, rigid movements, and fantastic elements.

Stylistic elements taken from German Expressionism are common today in films that need not reference contemporary realism, such as science fiction films (for example, Ridley Scott's 1982 film Blade Runner, which was itself influenced by Metropolis). Woody Allen's 1991 film Shadows and Fog is an homage to German and Austrian Expressionist filmmakers Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst and F. W. Murnau. The extreme angles of set decor and associated lighting were parodied by Ken Hughes in his Berlin spy school segment for the 1967 spoof version of Casino Royale.

Many critics see a direct tie between cinema and architecture of the time, stating that the sets and scene artwork of Expressionist films often reveal buildings of sharp angles, great heights, and crowded environments, such as the frequently shown Tower of Babel in Fritz Lang's Metropolis.

Strong elements of monumentalism and Modernism appear throughout the canon of German Expressionism. An excellent example of this is Metropolis, as evidenced by the enormous power plant and glimpses of the massive yet pristine "upper" city.

German Expressionist painters rejected the naturalistic depiction of objective reality, often portraying distorted figures, buildings, and landscapes in a disorienting manner that disregarded the conventions of perspective and proportion. This approach, combined with jagged, stylized shapes and harsh, unnatural colors, were used to convey subjective emotions.

A number of artists and craftsmen working in the Berlin theater brought the Expressionist visual style to the design of stage sets. This, in turn, had an eventual influence on films dealing with fantasy and horror.

The prime example is Robert Wiene's dream-like film The Cabinet of Dr. Caligari (1920) which is universally recognized as an early classic of Expressionist cinema. Hermann Warm, the film's art director, worked with painters and stage designers Walter Reimann and Walter Röhrig to create fantastic, nightmarish sets with twisted structures and landscapes with sharp-pointed forms and oblique, curving lines. Some of these designs were constructions, others were painted directly onto canvases.

German Expressionist films produced in the Weimar Republic immediately following the First World War not only encapsulate the sociopolitical contexts in which they were created, but also rework the intrinsically modern problems of self-reflexivity, spectacle and identity.

According to Siegfried Kracauer and Lotte Eisner, German Expressionist cinema operates as a kind of collective consciousness and a symptomatic manifestation of what they polemically claim to be inherent cultural tendencies of the German nation. Expressionism has also been described as focusing on the "power of spectacles" and offering audiences "a kind of metonymic image of their own situation".

American newspaper ad for the German film The Cabinet of Dr. Caligari (1920) from the Goldwyn Pictures press book

This film movement paralleled Expressionist painting and theater in rejecting realism. The creators in the Weimar Period sought to convey inner, subjective experience through external, objective means. Their films were characterized by highly stylized sets and acting; they used a new visual style which embodied high contrast and simple editing. The films were shot in studios where they could employ deliberately exaggerated and dramatic lighting and camera angles to emphasize some particular affect - fear, horror, pain. Aspects of Expressionist techniques were later adapted by such directors as Alfred Hitchcock and Orson Welles and were incorporated into many American gangster and horror films. Some of the major filmmakers of this time were F. W. Murnau, Erich Pommer, and Fritz Lang. The movement ended after the currency stabilized, making it cheaper to buy movies abroad. The UFA financially collapsed and German studios began to deal with Italian studios which led to their influence in style of horror and films noirs. The American influence on the film industry would also lead some film makers to continue their career in the US. The UFA's last film was Der blaue Engel (1930), considered a masterpiece of German Expressionism.

The two most comprehensive studies of German Expressionist film are Lotte Eisner's The Haunted Screen and Siegfried Kracauer's From Caligari to Hitler. Kracauer examines German cinema from the Silent/Golden Era to support the (controversial) conclusion that German films made prior to Hitler's takeover and the rise of the Third Reich all hint at the inevitability of Nazi Germany. For Eisner, similarly, German Expressionist cinema is a visual manifestation of Romantic ideals turned to dark and proto-totalitarian ends. More recent German Expressionist scholars examine historical elements influencing German Expressionism, such as the Weimar economy, UFA, Erich Pommer, Nordisk, and Hollywood.

For additional examples of films made in the German Expressionist style, see:

For more on German Expressionism's most singularly important producer and director, see Leopold Jessner (1878-1945). For more on the period's most important production company and distributor, see Universum Film AG, popularly known as UFA.

# data[].attributes.attachment_link.description
German expressionist cinema was a part of several related creative movements in Germany in the early 20th century that reached a peak in Berlin during the 1920s. These developments were part of a larger Expressionist movement in north and central European culture in fields such as architecture, dance, painting, sculpture and cinema.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Deutscher Expressionismus

Der Expressionismus ist hauptsächlich eine deutsche Erscheinung und wird meistens mit den beiden wichtigsten Künstlergruppen dieser Bewegung - "Die Brücke" und "Der Blaue Reiter" - in Verbindung gebracht. Allerdings gab es auch weitere Zentren des Expressionismus in Deutschland, so etwa am Rhein, in Norddeutschland und in Westfalen. Sie sind zwar weniger bekannt und folgenreich, prägten aber auch die Entwicklung des deutschen Expressionismus.
Diese Vielfalt lässt bereits erahnen, wie unterschiedlich die Expressionisten waren. Auch ein Vergleich zwischen der "Brücke" und dem "Blauen Reiter" bestätigt die stilistische Verschiedenheit und verdeutlicht manchmal sogar konträre Kunstauffassungen. So bezieht sich der Begriff "Expressionismus" weniger auf bestimmte Stilmerkmale als auf ein gemeinsames Weltbild, das nicht nur mit künstlerischen, sondern auch mit politischen und gesellschaftlichen Veränderungen im Zusammenhang stand. Dementsprechend sahen sich die deutschen Expressionisten als Erneuerer der Kunst und der Gesellschaft; sie hielten an dem geistigen Gehalt ihrer Werke und darüber hinaus an ihrer eigenen spirituellen Berufung fest. Der Künstler sollte demnach der Menschheit zu einer besseren Zukunft verhelfen.
Die expressionistische Kunsttheorie richtete sich gegen den Materialismus und gegen die bloße Nachahmung der Natur. In diesem Zusammenhang genossen okkulte Theorien und Einheitsvorstellungen eine besondere Aktualität und beeinflussten die Gedankenwelt zahlreicher deutscher Expressionisten.
Viele Vertreter des deutschen Expressionismus verstanden den Krieg als notwendige "Reinigung" und sahen darin einen Fortschritt für die Menschheit. Diese Kriegsbegeisterung endete in vielen Fällen mit dem eigenen Einsatz im echten Krieg. Diese Erfahrung führte oft zur Hinterfragung der vorigen Haltung und manchmal des gesamten expressionistischen Weltbildes.
Wichtige deutsche Expressionisten sind unter anderen Erich Heckel, Ernst-Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Hermann Max Pechstein, Emil Nolde, Otto Mueller, Franz Marc, Gabriele Münter, Paul Klee und August Macke.

# data[].attributes.attachment_link.title
Deutscher Expressionismus - Lexikon und Angebote - Kauf und Verkauf

# data[].attributes.attachment_link.description
Deutscher Expressionismus Der Expressionismus ist hauptsächlich eine deutsche Erscheinung und wird meistens mit den beiden wichtigsten Künstlergruppen dieser Bewegung - "Die Brücke" und "Der Blaue Reiter" - in Verbindung gebracht. Allerdings gab es auch weitere Zentren des Expressionismus in Deutschland, so etwa am Rhein, in Norddeutschland und in Westfalen.

# data[].attributes.attachment_link.title
L'expressionnisme Allemand Documentaire Arte Fr

# data[].attributes.body
L'expressionnisme allemand était un mouvement culturel en Allemagne, qui a débuté au début du XXe siècle et a duré jusqu'à la fin des années 1920. Il se caractérise par l'utilisation de formes audacieuses, non naturalistes, souvent abstraites, et de couleurs vives pour transmettre des émotions et des idées, notamment dans l'art, l'architecture et le cinéma. Le mouvement était une réponse aux changements sociaux et culturels apportés par la modernité et cherchait à exprimer le monde intérieur de l'individu par une expression intense et subjective.