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La Commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire. Elle est apparue au XVI e siècle en Italie.

L'expression "commedia dell'arte" veut dire théâtre professionnel car, pour la première fois dans l'histoire du théâtre, les Comédiens de l'Art gagnent leur vie en jouant la comédie. Ils peuvent tout jouer : tragédies, pastorales, drames, farces... Mais c'est grâce à la farce qu'ils se font remarquer partout en Europe où ils rencontrent un vif succès. Ces troupes professionnelles attirent d'ailleurs le public en faisant monter les femmes sur scène pour la première fois.

La Commedia dell'arte influencera durablement le théâtre comique ( Molière, Goldoni, Marivaux...). Mais on en trouve aussi l'empreinte dans le cinéma burlesque ( Chaplin, De Funès).

Une comédie sans texte écrit

La particularité de la Commedia dell'arte tient à ce qu'il n'y a pas de texte écrit. Les comédiens improvisent à partir d'un canevas : c'est la trame de l'histoire, une sorte de scénario donnant le sujet de la pièce et les grandes lignes de l'intrigue. À partir de là, les comédiens inventent les gestes et les dialogues. Pour s'aider, ils connaissent un répertoire impressionnant de répliques qu'ils donnent en fonction de la réaction du public. Ainsi, sur le même canevas, il y a donc des différences d'une représentation à l'autre.

De plus, les pièces reposent aussi sur la capacité des comédiens à ajouter de nombreux lazzi au spectacle. Ce sont des gags autonomes (paroles, gestes, jeux de mots, grimaces, acrobaties...) que les comédiens connaissent par cœur et qu'ils peuvent jouer à tout moment. Ils sont destinés à faire rebondir l'action et à déclencher le rire.

Des personnages fixes

La Commedia dell'arte s'appuie sur une série de personnages fixes et stéréotypés, devenus très célèbres comme Arlequin, Colombine, Pierrot...

La plupart de ces personnages sont caractérisés par un costume, une gestuelle et surtout un masque. Il est donc impossible à l'acteur qui porte le masque de se servir des expressions de son visage pour jouer : le jeu est donc reporté sur le corps, ce qui fait que les acteurs bougent beaucoup, gesticulent, sautent, exécutent des acrobaties et exagèrent leurs mouvements.

Comme c'est un genre de théâtre populaire, la commedia dell'arte prend le parti des gens du peuple, principalement les valets et les domestiques, et se moque des bourgeois et des riches.

Il existe principalement quatre catégories de personnages : les maîtres, les valets, les amoureux, les soldats.

Les maîtres

Pantalone, a la barbe en pointe et est habillé en rouge et noir. Il porte un caleçon long rigidifié par des sous-pieds (l'ancêtre du pantalon). C'est un vieillard de comédie. C'est souvent un commerçant retraité, avare, trompé par sa femme et ses enfants. Mais il a des vues amoureuses sur les femmes jeunes. Il vient de Venise.

Le fraise docteur porte un nez noir et autour du cou une aux allures molles. C'est un personnage qui étale sa " culture " mais qui en fait n'en a aucune de solide. Il peut exercer divers métiers comme médecin, juriste ou philosophe. Il vient de Bologne.

Bartolo et Gerontio sont aussi des vieillards de la commedia dell'arte.

Pour en savoir plus, lis l'article : Arlequin.

Arlequin, le valet. Il est gourmand, paillard, un peu sot mais avec un bon fond, sans métier fixe. Il n'est pas le seul valet malin de la commedia dell'arte : chaque grande ville d'Italie possède son " Arlequin " local comme Trivelin ou Truffaldin. Arlequin est un personnage malin, joueur, un peu paresseux. Il porte un costume multicolore, généralement formé de losanges ou de triangles rouges, noirs, et parfois aussi bleus ou jaunes. Il vient de Bergame.

Brighella, l'autre valet, avec un masque de couleur olivâtre et un nez crochu. Son costume est blanc avec des bandes vertes. C'est un débrouillard fourbe et malin qui aime se moquer des vieillards amoureux ou voler les avares. Lui aussi vient de Bergame. Il a des copies comme Scapino, ou Beltrame.

courtisane Colombine ou Zerbinette ou Fiorina. C'est la soubrette confidente de sa maîtresse mais elle peut être aussi une entremetteuse dans les affaires de cœur voire une . Elle est douée pour mener des intrigues amoureuses.

Polichinelle (Pulcinella) est originaire de Naples ; laid, il a un gros ventre et une bosse dans le dos. C'est un vieux garçon, grincheux, fainéant, rusé, gourmand, menteur et grossier. Il fait également partie du théâtre de marionnettes.

Pierrot (Pedrolino). Valet au costume blanc, il est jeune, beau garçon, et honnête. Il plait aux servantes dont il peut tomber amoureux. Lui aussi, poussé par Polichinelle ou Brighella ou une soubrette, joue de mauvais tours aux vieillards.

Les amoureux (non masqués)

Isabelle ou Rosalinde ou Béatrice. Elle est vêtue à la dernière mode. Ce n'est ni une jeune fille, ni une courtisane, ni une femme mariée. Elle peut être tendre, mais parfois aussi perfide. Ses amours successifs sont sincères au moment où elle les ressent.

Flavio ou Cynthio ou Léandre ou Lelio. C'est un personnage élégant, aux allures maniérées. Il est cultivé. Il peut paraître ridicule.

Les soldats

Il porte l'habit militaire espagnol. Matamore ou le Capitan. C'est un soldat fanfaron, mais peureux. Par son aspect physique et les attitudes qu'il se donne, il se croit irrésistible auprès des femmes ; mais elles se moquent de lui.

À l'origine, ce théâtre se jouait dans les rues. Les auteurs plus modernes, comme Carlo Goldoni, au , ont malgré eux mis fin à cette pratique, en écrivant des pièces jouées dans des théâtres.

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La Commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire. Elle est apparue au XVI e siècle en Italie. L'expression "commedia dell'arte" veut dire théâtre professionnel car, pour la première fois dans l'histoire du théâtre, les Comédiens de l'Art gagnent leur vie en jouant la comédie.

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Les Personnages Types de la Commedia dell'Arte

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Les Personnages Types de la Commedia dell'Arte

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Les Personnages Types de la Commedia dell'Arte

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ARTICLE : L’histoire du théâtre du 17ème siècle

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ARTICLE : L’histoire du théâtre du 17ème siècle

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Au 14ème siècle, deux courants de théâtre s'affrontent : le baroque et le classique. Jean-Louis Sbeghen, régisseur de théâtre et passionné par l'art théâtral, nous en dit plus.

Le théâtre baroque

Le courant baroque peut se résumer en trois mots : irrégularité, excès et désordre. Les auteurs de théâtre baroque mélangent les genres et les registres (une pièce peut être tragique et comique à la fois). De plus, ils n'hésitent pas à montrer des actions violentes qui peuvent choquer le spectateur. Enfin, ils ne font pas attention à la vraisemblance de leurs œuvres.

Ce mouvement reflète l'instabilité du monde du 17ème siècle.

Un auteur baroque à retenir ? Corneille.

Le théâtre classique

Le classicisme apparaît au milieu du 17ème siècle. Il représente le contraire du mouvement baroque. Il peut donc se résumer comme étant un genre régulier, mesuré et ordonné. C'est un courant qui entre dans des normes et qui doit répondre à des règles très précises. Par exemple, contrairement au baroque, le mélange des registres n'est pas autorisé. Une pièce est soit tragique, soit comique, mais pas les deux. Ensuite, il prône la bienséance (aucune action brutale ou choquante ne doit être montrée sur scène) et la vraisemblance.

Enfin, c'est ce mouvement théâtral qui invente la règle des trois unités qui est très contraignante : unité de temps, unité de lieu et unité d'action.

Ce mouvement reflète la stabilité du monde et de la monarchie absolue de Louis XIV au milieu du 17ème siècle.

Deux auteurs classiques à retenir ? Racine et Molière.

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L'histoire du théâtre du 17ème siècle | Théâtre

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Au 14ème siècle, deux courants de théâtre s'affrontent : le baroque et le classique. Jean-Louis Sbeghen, régisseur de théâtre et passionné par l'art théâtral, nous en dit plus. Le courant baroque peut se résumer en trois mots : irrégularité, excès et désordre.

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ARTICLE : La Comédie-Italienne au 17e siècle  

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ARTICLE : La Comédie-Italienne au 17e siècle  

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La Comédie-Italienne au 17e siècle | BnF Essentiels

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L'histoire de la " Comédie-Italienne " est celle d'une relation forte entre l'Italie et la France remontant au 16e siècle, avec la circulation de troupes transalpines.

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ARTICLE : du texte... à sa mise en scène

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ARTICLE : du texte... à sa mise en scène

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Biographie courte - Jean Baptiste Poquelin, dit Molière, est un auteur et comédien français du XVIIe siècle dont le nom à lui seul évoque les plus grandes heures du théâtre français. D'abord influencé par les comédies italiennes, Molière affirme un style original dans une succession de comédies qui ironisent sur les moeurs de son époque. Si, par ses dons d'auteur et d'acteur, il a donné vie à des " types " comiques savoureux, Molière reste surtout célèbre pour sa réflexion sur les travers de la société et les faiblesses de l'homme. Créateur, acteur et chef de troupe, le dramaturge le plus joué de France a su renouveler le théâtre moraliste et comique, inventant des personnages typiques qu'il prend un malin plaisir à ridiculiser.

Jean Baptiste Poquelin, une passion précoce pour le théâtre

Né en 1622, Jean Baptiste Poquelin n'est certes pas un enfant de la balle. Son père Jean est en effet un riche marchand qui a accédé à la fonction prestigieuse de Tapissier du Roi. Ainsi le jeune homme reçoit une éducation des plus soignées au sein du réputé Collège de Clermont (l'actuel Louis le Grand) tenu par des Jésuites. Bien qu'étant un élève assidu et doué, il n'en est pas moins passionné par le théâtre que lui a fait découvrir son grand-père.

Le futur Molière est ainsi particulièrement impressionné les farces comiques et les genres Italiens. La coutume aurait voulu qu'il exerce la charge de son père, qu'il reprit d'ailleurs fin 1637. Cependant c'était sans compter sur la passion du jeune homme pour le théâtre. Ainsi en 1643 après avoir poursuivi ses études tant universitaires que théâtrales, Jean-Baptiste rompt avec son père et participe à la fondation de l'Illustre Théâtre.

Les débuts artistiques difficiles de Molière

Les débuts artistiques de Jean-Baptiste Poquelin seront difficiles. Prenant le nom de scène : Molière, il se produit en province puis à Paris, mais ses ennuis financiers lui valent d'être emprisonné en 1645. Libéré il va par la suite mener une vie d'errances, soumise au bon vouloir des Grands, comme le prince de Conti. Associé aux Béjart, une fratrie de comédiens, il sillonne le royaume pendant plus de dix ans. Entre 1653 et 1655, la troupe créé à Lyon sa première comédie, l'Etourdi ou les contretemps, d'inspiration italienne.

La notoriété acquise en province lui permet de faire son retour à Paris avec le soutien de Monsieur, frère du roi. Abandonnant progressivement ses prétentions de tragédien, Molière finit par s'illustrer dans le registre comique. Après la représentation au louvre devant le roi et la reine du Docteur amoureux (1658), Molière jouera le Dépit amoureux (1659) dans la salle de théâtre du Petit-Bourbon.

Le tournant comique et le succès de Molière

En 1658 c'est son talent comique qui lui vaut l'attention du roi Louis XIV que les tragédies de Corneille fatigue. Bien vite la troupe de Molière, devenue la troupe du roi, connaît un succès sans précédent. C'est l'époque des plus grandes réussites pour le dramaturge et comédien, qui aura même l'insigne honneur de faire jouer Louis XIV en personne dans l'une de ses pièces.

Délaissant le style italien, Molière s'affirme dans une succession de comédies qui ironisent sur les moeurs de son époque : Les Précieuses ridicules (1659), Sganarelle (1660), L'Ecole des femmes (1662), qui provoque un scandale dans les milieux bien pensants. Ce ne sera pas le dernier. Il s'essaie ensuite dans le genre des comédies ballets (George Dandin ou le Mari confondu 1668), puis provoque ses détracteurs avec Tartuffe, mis en scène en 1664 et qui sera joué devant le roi, avant d'être interdit jusqu'en 1669.

Molière ne se décourage pas pour autant et continue à produire des oeuvres satiriques comme le Misanthrope et le Médecin malgré lui (1666), l'Avare (1668), puis le Bourgeois gentilhomme (1670) et les Fourberies de Scapin (1670). Il triomphe avec les Femmes savantes (1672).

Un malade pas si imaginaire...

En 1662, Molière épouse Armande Béjart, une jolie comédienne de vingt-ans sa cadette. Il se découvre fin 1665 une maladie pulmonaire, probablement la tuberculose. Un an plus tard, séparé de sa femme, le célèbre dramaturge commence à subir de plus en plus fréquemment les affres de la censure. Ses dernières années seront certes marquées par quelques succès, mais surtout par la dégradation de son état de santé et par la perte de la faveur du Roi.

Le 17 février 1673 quelques heures après avoir entamé la quatrième représentation du Malade Imaginaire, Molière est emporté chez lui par une ultime congestion pulmonaire. Celui qui aura légué au théâtre français certaines de ses plus belles œuvres sera inhumé de nuit, dans la quasi clandestinité, en raison de sa profession de comédien, immorale pour l'Eglise. Sa troupe rejoindra la Comédie Française fondée par l'ordonnance royale de 1680 et couramment nommée la Maison de Molière...

Bibliographie
- Molière, biographie de Georges Forestier. Gallimard, 2018.- En lisant Molière: L'homme et son temps - l'écrivain et son œuvre, d' Emile Faguet. Le Mono, 2019.- Molière de Roger Duchêne, biographie. Fayard, 2006.

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Molière (Jean Baptiste Poquelin) - Biographie courte

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Biographie courte - Jean Baptiste Poquelin, dit Molière, est un auteur et comédien français du XVIIe siècle dont le nom à lui seul évoque les plus grandes heures du théâtre français.

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Lors de tes études, tu croises forcément la route du grand Molière que ce soit au collège, au lycée et même dans le supérieur. De plus, c'est une personne importante dans l'histoire culturelle de la France. D'ailleurs on emploie souvent l'expression " la langue de Molière " pour désigner le français... Afin d'en apprendre un peu plus sur lui et la vie qu'il a eue, on te propose une biographie de Molière by Les Sherpas ! 😉

La biographie de Molière par les Sherpas

Qui était-il ? 🤔

Jean-Baptiste Poquelin, alias Molière, est né e n 1622 à Paris. C'est un comédien et dramaturge très connu dans le monde du théâtre. En gros, c'est LA référence à avoir. 💯 Son style d'écriture appartient au mouvement du classicisme. Il écrivait des comédies, des comédies-ballets ou encore de la farce. A travers ses pièces, il critique des thèmes de la société dans laquelle il vit avec beaucoup d'humour. 😅

Sa jeunesse

Molière a passé sa jeunesse à Paris car son père, Jean Poquelin, était marchand tapissier et avait son propre fonds de commerce installé dans la ville. 🏙

D'après certaines recherches menées par des historiens, Molière aurait fait des études. 🎓 Cependant, rien n'a pu être prouvé. Des témoignages auraient laissé entendre que Molière a commencé ses études au collège jésuite de Clermont, actuellement plus connu sous le nom du Lycée Louis-le-Grand. Puis, il aurait ensuite fait une Licence en droit à Orléans mais le nom de Jean-Baptiste Poquelin n'apparaît sur aucun registre de l'université d'Orléans, ni sur le registre des personnes ayant obtenu le barreau.

Ses débuts au théâtre

Les débuts du célèbre dramaturge ont été difficiles. En 1646, Molière a 21 ans et il décide de fonder la troupe de l'Illustre théâtre avec une dizaine d'autres personnes. 🎭 Malgré le fait qu'il collabore avec des personnes connues dans le théâtre comme Madeleine Béjart (comédienne du XVIIe siècle célèbre pour sa personnalité de femme indépendante), la troupe ne réussit pas à s'imposer dans les théâtres parisiens et fait faillite. 🤥 Molière est alors emprisonné très peu de temps après à cause de ses dettes.

💡 Anecdote : Molière a épousé la comédienne Armande Béjart, qui est la fille de Madeleine Béjart.

Suite à cet échec, il décide de quitter Paris pour partir en Province. 🚂 Il rejoint alors une troupe prestigieuse de campagne avec laquelle il joue pendant 12 ans (de 1646 à 1658). C'est à ce moment qu'il commence à écrire ses premières pièces. 📚

Ses moments de gloire

Lors de son retour à Paris, Molière est convié par Philippe d'Orléans, le frère unique du roi Louis XIV. 👑 Celui-ci lui demande de jouer des pièces de théâtre au Louvre. Le 24 octobre 1658, Molière se produit devant Louis XIV pour la première fois en jouant la tragédie Nicomède de Corneille. 👏 Suite à cette réussite, Molière et sa troupe se reproduisent pendant deux ans au théâtre du Petit-Bourbon.

En 1659, Molière joue pour la première fois Les précieuses ridicules, une de ses pièces. Et là, c'est un franc succès. Des gens viennent des 4 coins de la France pour venir voir la pièce. C'est le début de la carrière de Molière en tant que dramaturge.

Molière a ensuite enchaîné les succès. Néanmoins, s es pièces ont parfois fait polémique, comme Le Tartuffe 😬. Le Tartuffe est une comédie dans laquelle Molière aborde les thèmes de l'hypocrisie morale et religieuse et du mariage forcé, des sujets très présents à l'époque. Celle-ci va être interdite sous prétexte "qu'elle portait atteinte à la religion". Pourtant, au cours du temps, Tartuffe est devenue une des pièces les plus connues de Molière et les plus étudiées à l'école. 🙂

En 1661, Molière crée un nouveau genre : la comédie-ballet. 🎶 Il est aidé de son ami compositeur et violoniste Jean-Baptiste Lully. Ils montrent au grand public pour la première fois ce nouveau genre en août 1661 pour la pièce Les Fâcheux.

👉 En 1665, malgré le scandale du Tartuffe, la troupe de Molière devient la "Troupe du roy".

Comment est-il mort ?

Molière meurt le 17 février 1673 à 51 ans. Ce jour-là, il se produit avec sa troupe et joue pour la 4ème fois sa dernière œuvre, Le Malade Imaginaire, dans laquelle il interprète le rôle D'Argan. Lors du dernier Acte, Molière fait un malaise. Il est alors sorti de scène et ramené chez lui. Il est pris de quintes de toux très violentes. Quelques heures plus tard, il décède auprès de sa femme, Armande Béjart.

Les obsèques de l'artiste non pas été simples car les prêtres de la paroisse Saint-Eustache (paroisse à laquelle il appartenait) l'ont excommunié (exclu de la communauté chrétienne) à cause de sa profession. En effet, à cette époque les comédiens ne pouvaient pas recevoir de sépulture religieuse.

⛪ Le 21 février 1673, Molière est enterré au cimetière de la chapelle Saint-Joseph grâce à l'Archevêque de Paris. Il faut attendre le 2 mai 1817, après plusieurs déplacements du cercueil, pour que Molière reçoive une place définitive au cimetière du Père-Lachaise à Paris.

Pourquoi a-t-il changé de nom ?

On ne sait pas exactement pourquoi Jean-Baptiste Poquelin s'est surnommé Molière. Certains pensent que c'est en lien avec un écrivain nommé Molière, assassiné quelques années plutôt. D'autres pensent que c'est par rapport à un danseur de l'époque nommé lui aussi Molière. Mais il n'a jamais dévoilé ce secret que ce soit à sa famille ou à ses amis. 🙂

Les hommages fait à l'artiste

Molière est devenu une des figures emblématiques du théâtre français. C'est pourquoi au cours des siècles, plusieurs hommages lui ont été rendus :

👉 Création de la Comédie Française. En 1680, Louis XIV fonde la Comédie Française en fusionnant la troupe de Molière et celle de l'Hôtel de Bourgogne.

👉 La Comédie Française possède le fauteuil utilisé par Molière lors de sa dernière représentation. Il est exposé à la salle Richelieu de la Comédie Française. Afin de commémorer la mémoire de Molière, les comédiens ont pour tradition de descendre le fauteuil et de se réunir sur scène autour le jour de sa naissance.

👉 Le mois Molière à Versailles. La ville organise chaque année des représentations tout au long du mois de juin pour rendre hommage à l'artiste. De plus, en 2022, nous célébrons son 400e anniversaire, pour l'occasion de nouvelles pièces seront proposées.

Les adaptations connues

👉 Adaptation de L'Ecole des femmes par Louis Jouvet. En 1936, le comédien Louis Jouvet met en scène la fameuse pièce de Molière L'Ecole des femmes avec l'aide de Christian Bérard, un célèbre scénographe.

👉 L'Avare (1980), le film de Louis de Funès et Jean Girault. Ce film est inspiré de l'œuvre de Molière. Pendant 20 ans, Louis de Funès (acteur français très connu) avait pour rêve de réaliser un film en s'inspirant de l'œuvre de Molière. Et il l'a fait !

Les dates clé de sa vie

On t'a fait un tableau récapitulatif des dates les plus importantes de la vie de Molière. N'hésite pas à prendre une capture d'écran ! Ce sont des dates importantes surtout si tu tombes sur Molière au bac ! 😅

1622

Naissance de Jean-Baptiste Poquelin, alias Molière

1639

Fin de ses études au collège jésuite de Clermont

1643

Création de sa troupe "l'Illustre Théâtre"

1645

La troupe fait faillite, Molière est quelque temps emprisonné pour dettes

1646-1658

Il part en province et rejoint une troupe prestigieuse de campagne

Octobre 1658

Il joue pour la première fois devant le roi Louis XIV

Novembre 1659

Molière joue pour la première fois une de ses pièces : Les précieuses ridicules

1664

La pièce Le Tartuffe fait scandale

1673

Molière décède quelques heures après une représentation du Malade imaginaire

1680

Le roi Louis XIV fonde la Comédie Française en fusionnant la troupe de Molière et celle de l'Hôtel de Bourgogne

Les œuvres de Molière

Molière a écrit plus d'une trentaine de pièces durant sa vie. Mais voici les 9 pièces les plus connues de lui 💪 :

Les Précieuses ridicules (1659) est une des premières comédies en un acte et en prose de Molière. La pièce aborde la nouvelle mode à la cour : vouloir employer un langage soutenu. Molière va montrer que cette situation va jusqu'à dire des paroles absurdes.

L'École des femmes (1662) est une comédie en 5 actes et en alexandrins qui traite le sujet de la place de la femme au XVIIe siècle. Cette pièce de théâtre a fait énormément polémique car certains trouvaient que parler de l'éducation morale et religieuse des femmes de façon aussi humoristique n'était pas décent. Le 1er juin 1663, Molière écrit La Critique de l'École des femmes pour répondre aux nombreuses attaques dont il fait l'objet. ⚡️

Le Misanthrope (1666) est une pièce de théâtre en 5 actes en vers. L'hypocrisie et l'amour sont les thèmes principaux de l'œuvre. 📖

L'Avare (1668) est une comédie en 5 actes et en prose. Les thèmes abordés sont l'avarice, l'argent, l'amour et le mariage. 💰

Le Tartuffe (1669) est une comédie en 5 actes et en alexandrins. Elle aborde les thèmes de l'hypocrisie morale et religieuse et le mariage forcé. Suite aux accusations "d'atteinte à la religion", le roi Louis XIV interdit la pièce et Molière doit la réécrire. ✍️

Les Fourberies de Scapin (1670) est une comédie en 3 actes et en prose qui traite le thème du mariage une fois de plus, mais cette fois-ci avec beaucoup d'humour. 😉

Le Bourgeois gentilhomme (1670) est une comédie-ballet en 5 actes et en prose. L'auteur se moque de la bourgeoisie et des gens qui essayent d'en faire partie. Cette pièce de théâtre est différente des autres car Molière à intégrer au théâtre la musique avec l'aide de Jean-Baptiste Lully. 🎼

Les Femmes savantes (1672) est une comédie de caractère (comédie qui dénonce les travers de la société) en 5 actes et en vers. Cette pièce traite un sujet encore d'actualité : l'imposture de la connaissance.

Le Malade imaginaire (1673) est la dernière œuvre de Molière. C'est une comédie-ballet en 3 actes et en prose.

À lire aussi

Molière s'inspire de son environnement pour écrire ses pièces. Presque toutes ses œuvres sont des critiques morales et sociales de la société. Comme tu as pu le voir précédemment certains thèmes sont récurrents comme le mariage, la place de la femme dans la société ou encore l'importance dans la religion à cette époque.

Voila une vidéo pour t'aider à faire une fiche de lecture, au cas où tu souhaiterais te pencher sur les œuvres de notre bon vieux pote Molière 🤓

Les citations de Molière

🗣 Molière a dit un jour :

" Il faut manger pour vivre et non pas vivre pour manger."
L'Avare

"L'hypocrisie est un vice à la mode et tous les vices à la mode passent pour vertus."
Dom Juan ou le festin de pierre

" La faiblesse humaine est d'avoir des curiosités d'apprendre ce qu'on ne voudrait pas savoir. "
Amphitryon

" Les langues ont toujours du venin à répandre "
Le Tartuffe

" Buvons, chers amis, buvons : Le temps qui fuit nous y convie ; Profitons de la vie autant que nous pouvons. "
Le Bourgeois gentilhomme

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Lors de tes études, tu croises forcément la route du grand Molière que ce soit au collège, au lycée et même dans le supérieur. De plus, c'est une personne importante dans l'histoire culturelle de la France. D'ailleurs on emploie souvent l'expression " la langue de Molière " pour désigner le français...

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Le théâtre est l'un des quatre grands thèmes du programme de français au lycée et notamment au bac. Il faut donc que tu saches c omment lire un texte théâtral et le décoder. Pour bien te préparer si tu tombes dessus en épreuve, voici une fiche technique spécial théâtre pour le bac de français ! 😎

Définition du théâtre ✨

👉 Le mot " théâtre " vient du grec " theatron " qui veut dire " le lieu où l'on regarde ", et qui désignait l'hémicycle (construction en forme de demi-cercle) accueillant les spectateurs.

Aujourd'hui, le théâtre se définit surtout par l'art de représenter sur scène une pièce de théâtre (comédie, tragédie, drame...) à partir d'un texte théâtral, composé d'échanges entre les personnages. Tu l'as compris, sa particularité par rapport aux deux autres grands genres littéraires (roman et poésie), c'est que le texte théâtral a pour but, dans l'immense majorité des cas, d'être joué un jour sur scène. Ça suppose donc des caractéristiques et des règles d'écriture bien particulières, qu'on va t'expliquer dans cet article pour que tu saches comment reconnaître un texte théâtral.

Le théâtre en littérature 📚

Pour savoir comment lire un texte théâtral, tu devrais tout d'abord connaître les grandes catégories de pièces de théâtre, autrement dit les genres qui structurent le théâtre. Il en existe plusieurs (dont beaucoup qui se ressemblent), mais les trois principaux et plus clairement distincts sont la comédie, la tragédie et le drame.

La comédie 🥳

La comédie est née dès l'Antiquité avec des auteurs comme Aristophane, dont l'humour était assez grossier et bouffon.

👉 Le but est de faire rire le spectateur et de désacraliser les situations de la vie en tournant des personnages ou des actions en ridicule ; en gros, faire descendre l'homme de son piédestal. Il y a souvent une intrigue amoureuse dans les comédies, et la fin est toujours heureuse pour tout le monde.

La tragédie

Comme la comédie, la tragédie remonte à l'Antiquité grecque (décidément, ils ont inventé pas mal de trucs). Les plus grands auteurs de cette époque étaient Eschyle, Sophocle et Euripide, un trio d'enfer.

👉 La tragédie met en scène des personnages de haut rang (des rois, des princes, des héros mythologiques...) qui subissent la fatalité de leur destin. Contrairement à la comédie qui était considérée comme un genre " bas ", la tragédie a le beau rôle et on l'a souvent qualifiée de " genre noble ". Tout ça parce que les personnages sont de plus haut rang que dans la comédie, et que la fin tragique émeut et " purifie " le spectateur (on appelle ça la catharsis) ! En effet, tu ne trouveras pas de dénouement heureux dans la tragédie... Soit les amants finissent séparés, soit le héros meurt, soit tout le monde meurt ou perd la raison 😱

Le drame 🕰

Le drame est un genre plus récent. Il a été théorisé par Denis Diderot au XVIIIe siècle, mais il semblerait que certaines pièces avant lui répondent aussi aux codes du drame.

👉 Pour reprendre les mots de Diderot, le drame est un genre " moyen ", c'est-à-dire à mi-chemin entre la comédie et la tragédie. Résultat : on a des personnages parfois nobles, parfois non ; on retrouve des éléments comiques et d'autres tragiques ; la fin n'est pas forcément heureuse, mais pas forcément triste. Le tout doit rester réaliste. Bref, le drame, c'est le genre parfait pour les indécis !

Comment reconnaître un texte théâtral ? 📖

1 - Les contraintes typographiques 📝

Contrairement aux textes poétique et romanesque, le texte théâtral ne peut raconter une histoire qu'avec des paroles de personnages, et il est contraint par certaines règles formelles. Il n'y a donc pas de narrateur, de descriptions interminables de paysages ou de réflexions intérieures (enfin, c'est possible, mais le personnage parlera alors à voix haute !). Logique, puisque le but du texte est d'être joué sur scène par des comédiens devant un public.

👉 Ainsi, pour savoir comment reconnaître un texte théâtral, il suffit de t'intéresser à son aspect visuel, et tu te rendras compte tout de suite de ces contraintes typographiques.

📌 Les paroles prononcées par chaque personnage forment la majorité du texte (en général). Ce sont les répliques, qui peuvent aussi prendre différents noms selon leur longueur :

la tirade est une réplique très longue

la stichomythie (oui, nous aussi on a dû s'y reprendre à 4 fois pour bien l'écrire) désigne un échange de répliques très courtes entre les personnages

l'aparté est une réplique d'un personnage adressée ouvertement au public

le monologue est une réplique très longue mais contrairement à la tirade, le personnage qui la dit est seul sur scène, et il exprime surtout ses pensées

📌 Les noms des personnages sont placés devant leur réplique à chaque fois qu'ils parlent, très souvent en majuscules. Comme il n'y a pas de narrateur pour raconter qui prend la parole, c'est une règle typographique qui permet de le comprendre directement.

📌 Les indications scéniques qu'on appelle didascalies sont écrites en italique entre deux répliques ou en leur cœur même. Elles donnent des précisions sur les gestes, l'intonation ou encore le déplacement des personnages, ce qui les rend indispensables pour un metteur en scène. Elles peuvent aussi préciser le contexte, les éléments de décor, etc. Elles ne sont pas prononcées par les acteurs sur scène.

👉 Comment lire un texte théâtral à voix haute si tu passes à l'oral ? Contente-toi de lire les répliques et les didascalies, sans les noms des personnages.

2 - Les étapes de l'action

Pour rédiger un texte théâtral, la plupart des auteurs respectent les trois étapes principales de l'action dramatique, que tu dois connaître :

📌 L'exposition : c'est le moment où le public découvre les personnages, leurs relations, leur caractère, ce qu'ils font au quotidien... Le dramaturge doit donner toutes ces informations de manière subtile, puisqu'il doit le faire à travers les paroles des protagonistes.

📌 Le nœud : c'est la partie principale de la pièce, qui comprend l'élément déclencheur de l'histoire, les péripéties et le point culminant de l'action.

📌 Le dénouement : c'est la résolution de l'intrigue, avec une fin heureuse ou non.

3 - La notion de double énonciation 🤔

Lorsqu'on veut rédiger un texte théâtral, en plus de toutes les autres caractéristiques qu'on vient de te présenter, il faut aussi savoir ce qu'est la double énonciation.

👉 Cela veut tout simplement dire qu'une pièce de théâtre ne permet pas qu'une seule (comme dans la poésie et le roman) mais deux énonciations. Il y a bien sûr celle des personnages qui se parlent entre eux, mais aussi celle de l' auteur qui donne des indications avec les didascalies.

👉 Il y a deux énonciateurs, mais aussi trois récepteurs (ou destinataires) :

les personnages, qui sont les récepteurs des répliques des uns aux autres

les acteurs et le metteur en scène, qui sont les destinataires du texte de l'auteur

le public, qui est le récepteur de ce qu'il voit sur scène, à la fois des personnages, des acteurs et de la mise en scène

Les sujets du Bac de français sur le théâtre 🎓

L'épreuve phare du Bac de français, à l'écrit comme à l'oral, est le commentaire de texte. Pour t'aider à l'aborder sans souci, on te propose des exemples d'extraits de textes théâtraux qui peuvent tomber en épreuve, avec des pistes de plan de commentaire et d'éléments d'analyse ! 😉

On te recommande de chercher sur Internet ou dans tes bouquins les extraits pour les avoir sous les yeux et mieux comprendre les corrigés !

Sujet 1 : Jean Racine, Bérénice, acte V, scène 5 (vers 1303-1347)
💡 Proposition de plan :

1. Le conflit entre amour et pouvoir

2. Le refus du dialogue

3. Un départ impossible

👉 Éléments d'analyse :

Le paratexte qui donne des informations sur la situation tragique entre Titus et Bérénice

Les personnages qui s'interrompent et les répliques négatives (pense à citer le texte !)

Les rimes et les répétitions qui renforcent l'aspect tragique

Le champ lexical du départ et de la séparation

Sujet 2 : Beaumarchais, Le Mariage de Figaro, Acte III, scène 16
💡 Proposition de plan :

1. Un texte comique

2. Un texte polémique

3. Un texte audacieux et engagé

👉 Éléments d'analyse :

Le registre comique : gaieté, ridicule, humour...

Les personnages de comédie, grotesques

L'utilisation d'images fortes qui marquent l'esprit

Le champ lexical du malheur

La censure qu'a connu la pièce (élément de contexte)

À lire aussi

Œuvres et citations sur le théâtre 📝

Pour aller plus loin, voici une sélection des meilleurs extraits de fameuses pièces de théâtre !

👉 Le dilemme de Rodrigue dans Le Cid de Pierre Corneille :
" Il faut venger un père, et perdre une maîtresse,
L'un échauffe mon cœur, l'autre retient mon bras,
Réduit au triste choix ou de trahir ma flamme,
Ou de vivre en infâme,
Des deux côtés mon mal est infini. " 👉 Le désespoir de Titus dans Bérénice de Jean Racine : " Ah, Rome ! Ah, Bérénice ! Ah, prince malheureux !
Pourquoi suis-je empereur ? Pourquoi suis-je amoureux ? " 👉 La déclaration d'amour de Ruy Blas à la reine dans Ruy Blas de Victor Hugo : " Madame, sous vos pieds, dans l'ombre, un homme est là
Qui vous aime, perdu dans la nuit qui le voile ;
Qui souffre, ver de terre amoureux d'une étoile ;
Qui pour vous donnera son âme, s'il le faut ;
Et qui se meurt en bas quand vous brillez en haut. "
👉 La dernière réplique de Huis Clos de Jean-Paul Sartre :
" L'enfer, c'est les autres. "
👉 Le dialogue (un parmi tant d'autres) complètement WTF de En attendant Godot de Samuel Beckett :
" ESTRAGON : Allons-nous-en.
VLADIMIR : On ne peut pas.
ESTRAGON : Pourquoi ?
VLADIMIR : On attend Godot.
ESTRAGON : C'est vrai. "
👉 Un petit tour en Angleterre avec Hamlet de William Shakespeare (non, on ne parle pas du chat de Will 😉) :
" Je ferai jouer par ces comédiens
quelque chose qui ressemble au meurtre de mon père,
Devant mon oncle. J'observerai ses regards,
Je le toucherai au vif : pour peu qu'il tressaille
J'aurai ma preuve. (...)
Cette pièce est le piège où tel un rat
J'attraperai la conscience du roi. "
On espère que cette fiche de cours t'aura permis de mieux comprendre les concepts à connaître pour rédiger un texte théâtral ou le commenter ! Et maintenant, à toi de jouer 😎

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💭 Le texte théâtral : c'est quoi ? | Les Sherpas

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Le théâtre est l'un des quatre grands thèmes du programme de français au lycée et notamment au bac. Il faut donc que tu saches c omment lire un texte théâtral et le décoder. Pour bien te préparer si tu tombes dessus en épreuve, voici une fiche technique spécial théâtre pour le bac de français !

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Le théâtre connaît d''importantes évolutions à partir du XVème siècle, tant au niveau de la mise en scène qu''avec l''apparition de l''opéra. Il connaît des heures glorieuses en France, en Angleterre ou en Espagne à la fin du XVIème siècle. Mais bien sûr, c''est en Italie, et un siècle plus tôt, que ce renouveau du théâtre prend naissance.

En effet, en Italie, durant le XIVème siècle, les humanistes influencent la production artistique qui s''inspire des œuvres antiques. Le théâtre antique renaissant permet de redécouvrir les textes de Vitrure (1er siècle avant Jésus-Christ), de Plaute (254-184 avant Jésus-Christ) ou d''Aristote. Aristote

Le théâtre de la Renaissance différencie la tragédie de la comédie.
Les familles dirigeantes italiennes comme celles de Ferrare, Mantoue ou Milan apprécient cette redécouverte des textes antiques et apportent leur soutien financiers dans les productions théâtrales. Cela leur permet aussi de se mettre en valeur.

Les comédiens utilisent des scènes mobiles qui peuvent être déplacées selon le type de la représentation, en extérieur, dans des jardins ou dans des salles couvertes.
La création des décors bénéficie des nouvelles théories de la perspective afin de mieux rendre l''illusion d''une profondeur.
Chaque type de représentation a son décor. Le drame se joue dans un décor de palais, la comédie dans un décor de rue et le satirique dans un décor champêtre.

Les grands décorateurs de cette époque sont Baldassare Peruzzi (1481-1536) et Sebastiano Serlio (1475-1554). Pour ce dernier, outre le décor, l''effort doit être mis également sur l''éclairage. Celui-ci peut être constitué de différentes sources, torches, chandelles ou lampes. De même l''éclairage utilise des réflecteurs comme des bouteilles colorées par le liquide contenu. Sebastiano Serlio (1475-1554)

Vicence, Andréa de Pietro (1508-1580), connu sous le nom de Palladio, est à l''origine de la construction du premier théâtre fixe. Il sera cependant achevé par Vincenzo Scamozzi (1552-1616) en 1584. Son agencement rappelle les théâtres romains.
Vincenzo Scamozzi

Bernardo Buontalenti (1536-1608) qui travaille pour les Médicis à Florence, innove par la création de décors mobiles utilisés pour les intermèdes.
Le théâtre Farnese construit par Giovanni Battista Aleotti (1546-1636) à Parme est le premier à concevoir un espace scénique comme aujourd''hui, à savoir une scène fermée en haut par un cadre de scène avec sur les côtés des coulisses et une arrière-scène. Cette disposition est reprise en Europe.

En 1598 à Florence, est joué "Daphné" de Rinuccini (1564-1627) et Peri (1561-1633), premier opéra de l''histoire. L''opéra a tout de suite un énorme succès et dans la première moitié du XVIIème siècle, toutes les salles se battent pour accueillir ces représentations fortes rémunératrices.
Claudio Monteverdi (1567-1643) est un auteur prolifique d''opéras dont notamment "Orphée" écrit en 1607. Claudio Monteverdi

Un autre art de la représentation est la Commedia dell''arte. C''est une farce populaire qui trouve son succès dans le jeu des acteurs qui improvisent souvent les répliques plutôt que dans le texte des pièces. Les acteurs jouent toujours le même rôle et garde toujours le même costume.

Généralement un acteur de la Commedia dell''arte porte un masque blanc, excepté les rôles d''amoureux et de servantes). On y retrouve Arlequin et son célèbre costume décoré de losanges de différentes couleurs. Le Capitan est un personnage vantard et peureux à la fois, une moquerie des officiers espagnols.

Les troupes de la Commedia dell''arte sillonnent l''Italie, sur les places des villages ou chez des princes. Ils se rendent également dans d''autres pays d''Europe. Un des personnages le plus connu, avec un masque au nez crochu et avec une bosse, devient Polichinelle en France.

Hors des frontières italiennes, le théâtre connaît aussi des innovations.

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Le théâtre connaît d''importantes évolutions à partir du XVème siècle, tant au niveau de la mise en scène qu''avec l''apparition de l''opéra. Il connaît des heures glorieuses en France, en Angleterre ou en Espagne à la fin du XVIème siècle.

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12 pièces de Molière … Comme si vous les aviez lues !

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12 pièces de Molière … Comme si vous les aviez lues !

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Avouez-le : vous n'avez pas lu du Molière depuis le collège et vous ne ressentez pas le besoin urgent de vous y replonger ...
On comprend !
Pourtant, le théâtre de cet illustre auteur du XVIIème siècle est une référence souvent citée.
Il faut donc faire mine de tout connaître !

Petit récap' de ses pièces les plus célèbres pour briller en société ... et se rendre compte que c'est vraiment bien !

Molière attaque !

Comme le titre l'indique, la pièce parle des "précieuses", des dames nobles et snobs qui tuaient le temps dans des salons soi-disant littéraires.
Molière, qui demandait une diction naturelle à ses comédiens, se moque notamment de leur langage ampoulé.

La satire eut beaucoup de succès mais multiplia les ennemis de son auteur ...

De quoi ça parle ?

Gorgibus est un bourgeois de province qui voudraient marier sa fille et sa nièce, Magdelon et Cathos.
Mais celles-ci rêvent de prétendants romanesques et refusent La Grange et du Croisy, les jeunes hommes choisis.
Vexés, ils décident de se venger et font passer leurs valets, Mascarille et Jodelet, pour des nobles.
Le piège fonctionne : les jeunes filles tombent sous le charme de ces faux marquis et vicomte.

Comment ça finit ?

La Grange et Du Croisy révèlent la supercherie.
Magdelon et Cathos, outrées, s'en plaignent à Gorgibus, qui les rend responsables et les jette à la porte.

Citations à replacer !
"Les gens de qualité savent tout sans avoir rien appris." - Mascarille
" Vite, voiturez-nous ici les commodités de la conversation. " - Magdelon
Molière attaque !

C'est dans le titre : les hommes qui, au XVIIème, avaient bien besoin d'être éduqués !
D'ailleurs, la pièce se finit ainsi :
"Vous, si vous connaissez des maris loups-garous,
Envoyez-les au moins à l'école chez nous."

De quoi ça parle ?

Deux frères, au caractère différent, sont à la fois les tuteurs et fiancés de deux soeurs orphelines. Chacun défend ses préceptes d'éducation.
L'aîné, Ariste, est compréhensif avec Léonor qu'il laisse libre de ses choix.
De son côté, Sganarelle éduque Isabelle avec dureté, allant jusqu'à l'enfermer.

La jeune fille brimée veut échapper à cet emprise et son futur mariage, d'autant qu'elle aime Valère.

Comment ça finit ?

Isabelle se fait passer pour sa soeur et réussit à épouser Valère devant un Sganarelle leurré.
Ariste est récompensé de sa tolérance en épousant la fidèle Léonor.

Citations à replacer !

" Et l'école du monde, en l'air dont il faut vivre
Instruit mieux, à mon gré, que ne fait aucun livre."
- Ariste
" ... les verrous et les grilles
Ne font pas la vertu des femmes ni des filles. "
- Ariste
Le saviez-vous ?

Cette pièce, inspirée des Adelphes de Térence, plut tant à Nicolas Fouquet, qu'il en commanda une autre à Molière pour sa fête à Vaux-le-Vicomte ...
La fameuse célébration qui énerva Louis XIV et accéléra la chute de son surintendant des finances.

Molière attaque !

À nouveau le mariage, un de ses thèmes de prédilection.
Même si le titre le laisse entendre, la pièce n'est pas la suite de L'école des maris.

De quoi ça parle ?

Arnolphe de La Souche voudrait se marier, mais la peur d'être cocu l'en empêche !
Il n'a confiance qu'en sa pupille Agnès, parce qu'elle a été élevée dans un couvent.
L'oie blanche est déjà courtisée par un jeune homme Horace, qu'elle aime en retour.
Arnolphe l'apprend et veut précipiter son mariage avec Agnès.

Comment ça finit ?

Après plusieurs quiproquos malheureux pour le jeune couple, le père d'Horace arrange le mariage de son fils avec la fille d'un ami ... qui se trouve être Agnès !

Citations à replacer !
" Si n'être point cocu vous semble un si grand bien
Ne vous point marier en est le vrai moyen. " " Qui rit d'autrui
Doit craindre qu'en revanche on rie aussi de lui. "
Le saviez-vous ?

La pièce s'inspire d 'une nouvelle espagnole "El prevenido engañado" (1637) de María de Zayas y Sotomayor, adaptée en 1655 par Scarron sous le titre La précaution inutile.

Le titre L'École des femmes est un clin d'œil au premier roman érotique français, paru (et interdit) en 1655 : L'école des filles.
Molière n'a d'ailleurs pas hésité à multiplier les allusions sexuelles dans sa pièce ...

AGNÈS
[...] ; il me prenait et les mains et les bras,
Et de me les baiser il n'était jamais las.
ARNOLPHE
Ne vous a-t-il point pris, Agnès, quelque autre chose...

Molière attaque !

L'Église apprécia moyennement (euphémisme) les pièces de Molière ... qui se vengea avec cette critique des hypocrites et des faux dévots.

De quoi ça parle ?

Dom Juan Tenorio est, comme son nom l'indiquera plus tard, un don juan !
Il a séduit puis abandonné Elvire, et compte bien en séduire d'autres.

Poursuivi par les frères de la jeune fille, il réussit à différer leur vengeance en sauvant la vie de l'un d'entre eux et en feignant la repentance ...

Comment ça finit ?

Dom Juan passe souvent devant la statue érigée à la mémoire d'un commandeur qu'il avait tué en duel.
Après s'être vanté plusieurs fois de son manque de remords, Dom Juan est emporté en enfer par la statue du Commandeur.

Citations à replacer !

" L'hypocrisie est un vice à la mode et tous les vices à la mode passent pour vertus. "

" C'est une lâcheté que se faire expliquer trop sa honte. "

Le saviez-vous ?

Avant de devenir un mythe, notamment repris par Mozart, Don Juan est une création d'un moine espagnol, Tirso de Molina, le personnage de sa pièce El Burlador de Sevilla y convidado de piedra.

Le séducteur de Molière s'écrit toujours avec un M (Do m Juan).

Molière attaque !

La pièce remet en cause les privilèges et les droits de naissance ... ce qui n'a pas beaucoup plu à la noblesse !

De quoi ça parle ?

Alceste déteste l'humanité, sauf Célimène qu'il aime malgré sa médisance et ses nombreux flirts.
Après une dispute avec Oronte, un de ses prétendants, Alceste est traîné en justice et perd son procès, ce qui accroît sa misanthropie ...
Tout comme les preuves qui montrent l'infidélité de sa dulcinée.

Comment ça finit ?

Alceste confronte Célimène, lui demande de le choisir parmi tous ses prétendants et de l'accompagner dans une vie sans mondanités.
Elle refuse.
Alceste quitte alors la capitale, seul.

Citations à replacer !
" Qui n'a pas le don de cacher ce qu'il pense " Parfois il est bon de cacher ce qu'on a dans le cœur. "
doit faire en ce pays fort peu de résidence. "
Le saviez-vous ?

Dans sa version manuscrite, la pièce contient un sous-titre : " ou l'Atrabilaire amoureux ".
Atrabi-quoi ?! Ce mot oublié veut dire " porté à la mauvaise humeur ".

Molière attaque !

Avec des allures de farce, la pièce dénonce les charlatans de la médecine, mais aussi de la religion.

De quoi ça parle ?

Pour se venger de son mari Sganarelle, Martine le fait passer pour un éminent médecin.
Quand Géronte le consulte pour sa fille Lucinde devenue muette, Sganarelle est obligé de jouer le jeu.
En fait, la jeune fille est en parfaite santé, mais se tait pour protester contre un mariage arrangé avec Horace, puisqu'elle aime Léandre.

Comment ça finit ?
" Je vous apprends que votre fille est muette ...
cela vient de ce qu'elle a perdu la parole. "
Après de multiples occasions de montrer le charlatanisme et le manque de moralité de Sganarelle, la supercherie est découverte.
Léandre apprend qu'il a hérité une grosse fortune, ce qui lui permet d'épouser Lucinde (qui reparle).
Sganarelle échappe de peu à la potence et rentre chez lui avec Martine.

Citations à replacer !

" Il ne faut pas qu'elle meure, sans l'ordonnance d'un médecin. "

Le saviez-vous ?

Le Médecin malgré lui est également un opéra-comique, composé par Charles Gounod en 1858 et arrangé par Erik Satie.

Molière attaque !

Et pas qu'un peu !
Cette fois, c'est carrément le Roi Soleil qui en prend pour son grade.
La pièce se moque ouvertement des amours de Louis XIV. Notamment de sa relation avec Madame de Montespan, enceinte de leur premier enfant et dont le mari n'acceptait pas du tout l'adultère.

De quoi ça parle ?

Jupiter, le dieu volage, est amoureux ... Encore !
Cette fois, il a séduit Alcmène, en se faisant passer pour son mari Amphitryon.
La reine trompée est très en colère ... Quant au cocu, il ne comprend rien !
Les quiproquos s'enchaînent, d'autant qu'en parallèle, Mercure, le fils du roi des dieux, s'est incarné en Sosie, le serviteur d'Amphitryon.

Comment ça finit ?
" Et l'absence de ce qu'on aime,
Quelque peu qu'elle dure, a toujours trop duré. " " Mais enfin coupons aux discours,
Et que chacun chez soi doucement se retire.
Sur telles affaires, toujours
Le meilleur est de ne rien dire. "
Finalement, Jupiter apparaît dans toute sa splendeur divine et convainc le cocu de la fidélité de sa femme, pourtant enceinte d' Hercule.
Il demande même à Amphitryon de considérer l'aventure comme un honneur.

Citations à replacer !

Le saviez-vous ?

Le succès de la pièce a permis la création de deux noms communs :

Le personnage Sosie est donné le mot " sosie " qui désigne une personne ressemblant à une autre.

Le célèbre vers " le véritable Amphitryon est l'Amphitryon où l'on dîne " a définitivement associé le nom propre à un hôte.

Molière attaque !

En plus de l'avarice, la pièce résolument moderne critique la tyrannie domestique et le sexisme.

De quoi ça parle ?

Harpagon est un riche bourgeois qui compte bien le rester.
Sa plus grande crainte : qu'on lui vole une cassette (comprenez un petit coffre) remplie d'or et cachée dans son jardin.
Ses projets : épouser Mariane, dont est pourtant amoureux son fils Cléante, et marier sa fille Élise au vieillard Anselme, bien qu'elle aime Valère.

Ses enfants malheureux mettent tout en oeuvre pour défaire ses plans, notamment faire dérober la fameuse cassette.

Comment ça finit ?
" Il faut manger pour vivre et non pas vivre pour manger. " " Hélas ! mon pauvre argent, mon pauvre argent, mon cher ami !
On m'a privé de toi ; et puisque tu m'es enlevé, j'ai perdu mon support, ma consolation, ma joie ; tout est fini pour moi, et je n'ai plus que faire au monde ! Sans toi, il m'est impossible de vivre. "
Le vieillard Anselme entre en scène et comprend que Mariane et Valère sont ses enfants qu'il croyait morts.
Harpagon accepte leur mariage avec ses enfants puisqu'Anselme paye les noces.
Il peut rester seul avec sa cassette retrouvée.

Citations à replacer !

Le saviez-vous ?

La pièce, inspirée deLa Marmite de Plaute, contient le sous-titre " ou l'École du Mensonge ".

Molière attaque !

La première version de la pièce avait été interdite après une seule représentation en 1664.
L'Église alors en crise redoutait cette satire de la dévotion.

De quoi ça parle ?

Le courtisan Orgon est manipulé par un faux dévot appelé Tartuffe.
Sa fille Mariane, son fils Damis et sa seconde femme Elmire tentent de lui ouvrir les yeux ... Peine perdue.
Orgon veut le marier à Mariane, et même déshériter Damis en sa faveur.
Mais Tartuffe veut davantage : l'hypocrite tente de séduire Elmire.
Pour avoir le champs libre, il veut incriminer Orgon auprès du Roi avec des documents compromettants.

Comment ça finit ?
" Couvrez ce sein que je ne saurais voir :
Par de pareils objets les âmes sont blessées,
Et cela fait venir de coupables pensées. "
Le Roi pardonne à son fidèle Orgon mais punit Tartuffe.
Mariane peut alors épouser son amoureux Valère et tout est bien qui finit bien !

Citations à replacer !

" Je l'ai vu, dis-je, de mes propres yeux vu,
Ce qu'on appelle vu : faut-il vous le rebattre
Aux oreilles cent fois, et crier comme quatre ? "

Le saviez-vous ?

Du temps de Molière, on appelait " tartuffe " un trompeur rusé.
L'origine du nom commun viendrait de " tartufoli ", " truffes " en italien.
Le succès de la pièce changea le sens du mot et un tartufe (avec un seul f) est désormais un hypocrite.

Molière attaque !

Les bourgeois qui aspiraient à la noblesse.
On le comprend : la satire plut à Louis XIV, mais beaucoup moins à ses courtisans !

De quoi ça parle ?

Monsieur Jourdain est "un nouveau riche" qui voudrait atteindre les hautes sphères de la noblesse. Pour ce faire, et malgré les moqueries de son entourage, il multiplie les apprentissages de gentilhomme : arts, philosophie, mode, armes ...
Quand sa fille Lucile lui parle d'épouser Cléonte, Monsieur Jourdain refuse.

Comment ça finit ?

Cléonte monte une supercherie et se fait passer pour le fils d'un Grand Turc. Les flatteries auprès de Jourdain fonctionnent.
Le mariage a lieu.
" Par ma foi ! il y a plus de quarante ans que je dis de la prose sans que j'en susse rien, et je vous suis le plus obligé du monde de m'avoir appris cela. "
Citations à replacer !

" Tout ce qui est prose n'est point vers ;
et tout ce qui n'est point vers est prose. "

Si la pièce se moque des Turcs, c'est pour faire plaisir au Roi.
En effet, Louis XIV considérait s'être fait humilié par un ambassadeur du sultan Mehmed IV, peu impressionné par le faste royal lors d'une visite officielle.

Molière attaque !

Cette fois-ci, pas grand chose ! Que voulez-vous, même les plus grands font des œuvres alimentaires !

De quoi ça parle ?

Quand leurs pères, Argante et Géronte, ne sont pas là, Octave et Léandre aiment !
Le premier a épousé Hyacinte et le second fréquente Zerbinette.

Au retour des deux vieillards, ils supplient le valet Scapin de les aider ... et ce n'est pas gagné !

Comment ça finit ?

Après plusieurs fourberies (c'est le titre), on découvre que Hyacinte est la fille cachée de Géronte et Zerbinette celle d'Argante (Vous suivez ?)
Du coup, les mariages sont autorisés par les deux vieux amis et Scapin est pardonné.

Citations à replacer !

" Mais que diable allait-il faire dans cette galère ? "

La citation la plus connue ... qui est un plagiat !
La réplique est en fait de Cyrano de Bergerac dans Le Pédant Joué (1654). Le vol est " dénoncé " (plusieurs siècles plus tard) dans la pièce d' Edmond Rostand !

Le saviez-vous ?

La pièce ne connut un franc succès qu'une fois reprise après la mort de Molière.
L'histoire s'inspire de Phormion de Térence mais les personnages caricaturaux rappellent davantage la commedia dell'arte.

Molière attaque !

Derrière une farce sur un hypocondriaque, c'est notre peur de mourir qui est moquée dans la dernière pièce de Molière.

De quoi ça parle ?

Argan souffre de mille maux.
Les pires médecins se multiplient à son chevet et lui prescrivent toutes sortes de remèdes inefficaces. Heureusement, Argan peut compter sur les soins de sa jeune épouse Béline ... qui n'attend qu'une chose : qu'il meure !

En fait, le malade n'a rien, si ce n'est un aveuglement concernant sa famille.
Sa servante Toinette lui conseille alors de simuler son propre décès ...

Comment ça finit ?

Argan fait donc le mort et découvre rapidement que sa perte réjouit sa fausse veuve.
Par contre, sa fille Angélique est sincèrement attristée.
Argan "ressucite" soudain.
Il récompense sa fille en lui permettant d'épouser l'homme de son choix à condition qu'il devienne médecin ... ce qu'Argan compte être bientôt !

Citations à replacer !

" Presque tous les hommes meurent de leurs remèdes et non pas de leurs maladies. "
Lire l'oeuvre complète de Molière
Le saviez-vous ?

Molière jouait Argan au moment de sa mort le 17 février 1673.
Comme il n'avait pas signé de renonciation à sa profession de comédien, l'Église refusa d'abord une sépulture religieuse.
On lui accorda finalement mais sans pompe, sans messe et hors des heures du jour.

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12 pièces de Molière ... Comme si vous les aviez lues !

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Avouez-le : vous n'avez pas lu du Molière depuis le collège et vous ne ressentez pas le besoin urgent de vous y replonger ...On comprend !Pourtant, le théâtre de cet illustre auteur du XVIIème siècle est une référence souvent citée.Il faut donc faire mine de tout connaître !

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Théâtre

Œuvres diverses

Quelques citations de Molière
" Plus on aime quelqu'un, moins il faut qu'on le flatte : à rien pardonner le pur amour éclate. "
Alceste dans Le Misanthrope, acte II scène IV
" Ceux de qui la conduite offre le plus à rire / Sont toujours sur autrui les premiers à médire. "
Dorine dans Le Tartuffe, acte I scène I

" On ne meurt qu'une fois, et c'est pour si longtemps ! "
Mascarille dans Le Dépit amoureux, acte V scène III
" L'hypocrisie est un vice à la mode et tous les vices à la mode passent pour vertus. "
Dom Juan dans Dom Juan, acte V scène II
" Tout le plaisir de l'amour est dans le changement. "
Dom Juan dans Dom Juan, acte I scène II
" Il n'y a point de pires sourds que ceux qui ne veulent pas entendre. "
Lisette dans L'Amour médecin, acte I scène IV

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" Plus on aime quelqu'un, moins il faut qu'on le flatte : à rien pardonner le pur amour éclate. " Alceste dans Le Misanthrope, acte II scène IV " Ceux de qui la conduite offre le plus à rire / Sont toujours sur autrui les premiers à médire.

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Mauvais titre - Vikidia, l’encyclopédie des 8-13 ans

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VIDÉO : Qui a créé la comédie française ?

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VIDÉO : Qui a créé la comédie française ?

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Seul théâtre national en France à disposer d'une troupe permanente de comédiens, la Comédie-Française est installée au Palais-Royal, en plein cœur de Paris. Depuis plus de trois siècles, elle met en avant les plus grands auteurs du théâtre français. Jamy nous raconte les origines de celle que l'on appelle aussi le Français.

Deux compagnies que tout oppose

A Paris, en 1680, deux troupes de théâtre se disputent les honneurs du public :

La troupe de Molière : la troupe de l'hôtel Guénégaud. Molière est mort depuis sept ans, mais ses anciens compagnons de route continuent de faire vivre ses plus grandes comédies : Le Bourgeois gentilhomme, L'Avare, Le Tartuffe ou Les Femmes savantes. La bande de Molière propose un théâtre joyeux, où l'on rit et se moque : un théâtre populaire.

La troupe de l'hôtel de Bourgogne, spécialisée dans la tragédie. Leurs pièces fétiches : Phèdre, Andromaque ou Britannicus de Jean Racine. La troupe offre un théâtre plus sombre, plus austère.

Le 18 août 1680, Louis XIV ordonne la fusion des deux troupes. Le Roi veut créer un théâtre unique qui doit mettre à l'honneur le meilleur du théâtre français. Il a lui-même trouvé le nom de la troupe, ce sera la Comédie Française. Il ne l'a pas choisi au hasard, cette nouvelle institution aura pour mission de concurrencer la comédie italienne, un théâtre d'improvisation très populaire à l'époque. Sa devise est la suivante : Simul et Singulis, " être ensemble et être soi-même ".

A l'hôtel Guénégaud, on frappe six coups !

La nouvelle troupe donne sa première représentation le 25 août 1680, à l'hôtel Guénégaud.

Ce jour-là six coups sont frappés, avec un bâton que l'on appelle le brigadier, et non trois comme le veut la coutume. Trois pour la troupe de Molière, et trois pour celle de l'Hôtel de Bourgogne. Cette tradition perdure encore aujourd'hui.

Les auteurs, qui sont à l'affiche, sont choisis par le Roi en personne : Jean Racine, Pierre Corneille, Pierre Scarron, Jean Rotrou et Molière. Une liste qui s'allonge au fil du temps : aujourd'hui le répertoire du Français compte près de 3 500 œuvres, et toutes ne sont pas françaises...

Crédit images : © AFP / AKG-IMAGES / P. LORETTE COL COMEDIE FRANCAISE / PHOTO 12 / GETTY IMAGES / SHUTTERSTOCK / DR

► Découvre l'univers de la Comédie-Française avec les vidéos : La maison de Molière, Suivez-le-guide et Comment y entre-t-on ?

Producteur : Elephant Adventures

Année de copyright : 2022

Année de production : 2022

Publié le 27/06/22

Modifié le 30/06/22

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Seul théâtre national en France à disposer d'une troupe permanente de comédiens, la Comédie-Française est instal...

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Au VIe siècle avant J-C. la comédie est née en Grèce, dédiée a Dionysos(dieu de l'ivresse et de la démesure) il s'agit de plaisanteries et de chants coquins, l'origine de la comédie est à la fois religieuse et populaire.

Le roi Louis XIV fonde par ordonnance la Comédie-Française, le 21 octobre 1680 pour assembler les deux seules troupes parisiennes de l'époque, la troupe de l'hôtel Guénégaud c'est la troupe de molière, et celle de l'hôtel de Bourgogne.fr

Une comédie est une pièce de théâtre dont le but est de divertir, en employant différents procédés comiques et dont la fin (le dénouement) est heureuse. Par extension, une comédie est aussi un film présentant les mêmes caractères.

Par " comédie ", on désigne également le genre comique, qui est à distinguer de la parodie.

Une comédie est le contraire d'une tragédie.

Afin de faire rire les spectateurs l'auteur d'une comédie emploie différents procédés:

La comédie est née dans l'Antiquité grecque, vers le VIe siècle avant J.-C. Le nom "comédie" vient d'ailleurs du grec kômôidía qui est formé de kỗmos (" fête en l'honneur de Dionysos "), et ôidế (" chant "). En effet, elle descend des célébrations en l'honneur du dieu du vin et de l'ivresse, qui se sont transformées en spectacle de plein air.

Au début, ces spectacles rituels avaient lieu dans la rue, puis ils se sont déplacés dans des théâtres (du grec théatron qui vient de théaomai : regarder, contempler), contructions en hémicycle, souvent à flanc de côteau. Des auteurs apparaissent avec les premiers concours de comédie, en -486, dont les plus connus restent :

Ils font rire en critiquant la société athénienne dans laquelle ils vivent. Leurs pièces sont représentées par des acteurs qui sont toujours des hommes, et qui portent des masques représentant des types de personnages (par exemple l'esclave, le glouton, l'idiot ...).

Les Romains, qui adorent les spectacles, adoptent le théâtre grec : ils s'inspirent de leurs tragédies et de leurs comédies. Les acteurs romains, qui sont le plus souvent des esclaves ou des affranchis, sont à la fois exclus de la société et très populaires ! Et ce sont des professionnels, qui jouent en général sans masque. Les auteurs comiques romains dont les pièces sont arrivées jusqu'à nous sont Plaute (-251 à -184) - qui a beaucoup inspiré Molière - et Térence (-185 à -159).

Jusqu'au Ier siècle avant Jésus-Christ, les représentations ont lieu dans des théâtres en bois, démontables, dont certains sont monumentaux (jusqu'à 80 000 places !). Il faut attendre -55 pour que soit construit à Rome le premier théâtre romain en pierre.

A la chute de l' Empire romain, le théâtre disparaît pendant six siècles. Quand il reparaît, c'est dans puis devant les églises, avec des pièces religieuses. Ce n'est qu'à la fin du Moyen Âge que le genre comique revit, d'abord entre les pièces religieuses, puis indépendamment, sur les places des villes. Les acteurs amateurs jouent sur des tréteaux. Les farces (qui "farcissent" les intervalles entre les pièces religieuses) et les soties sont des pièces courtes, qui s'adressent à un public populaire.

En Italie apparaît la commedia dell'arte : les comédiens portent de nouveau des masques, et jouent des personnages stéréotypés, comme Pantalon, Polichinelle, Colombine, Arlequin ... Chaque personnage est reconnaissable à son costume et à son masque, et représente une catégorie sociale comme la jeune fille, le vieil homme, le valet rusé par exemple. Les acteurs improvisent à partir d'un canevas (un scénario) de courtes pièces où le comique de gestes tient une grande place.

Le XVIIe siècle est l'âge d'or du théâtre en France. Le maître de la comédie est alors Molière, qui s'inspire à la fois de Plaute et de la commedia dell'arte et écrit des farces, des comédies, des comédies-ballets. Il reçoit l'appui du roi Louis XIV qui lui commande des pièces et des spectacles musicaux. Celui-ci lui attribue aussi un théâtre, le Théâtre du Palais-Royal, qui deviendra la Comédie-Française quelques années après sa mort.

XVIIIe siècle

Marivaux écrit pour les comédiens italiens, et utilise les personnages de la commedia dell'arte dans des comédies qui montrent souvent des amours naissantes.

A la fin du siècle Beaumarchais écrit des comédies qui annoncent la Révolution française en critiquant les privilèges de la noblesse.

XIXe siècle

A la fin du XIXe siècle, sur les boulevards parisiens où sont groupés les théâtres populaires, naît le vaudeville. Ce genre met en scène des bourgeois dans des situations cocasses. Il y est le plus souvent question de maris trompés. Les auteurs de vaudeville les plus célèbres, et encore beaucoup joués de nos jours, sont Labiche, Feydeau et Courteline.

Au cours du XXe siècle et particulièrement après la seconde guerre mondiale, le théâtre comique change. Le rire repose davantage sur des situations et des dialogues absurdes comme chez Ionesco ou Beckett, et traite de manière grinçante l'absurdité de la condition humaine. Parallèlement, des humoristes seuls en scène font rire un plus large public par des sketchs traitant de situations quotidiennes ou de sujets sociaux ou politiques : c'est le cas de Coluche, Raymond Devos, Guy Bedos par exemple.

Le début du XXIe siècle voit triompher le " stand-up", genre venu des Etats-Unis, où un humoriste seul en scène, sans décor ni accessoire, s'adresse directement au public de manière informelle, en racontant des histoires drôles qui s'enchaînent très vite. Jamel Debbouze, un des premiers à se réclamer de ce genre, ouvre le Jamel Comedy Club où débutent de nombreux artistes de stand-up.

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Au VIe siècle avant J-C. la comédie est née en Grèce, dédiée a Dionysos(dieu de l'ivresse et de la démesure) il s'agit de plaisanteries et de chants coquins, l'origine de la comédie est à la fois religieuse et populaire.

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Le théâtre de Molière

Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière, est né à Paris, baptisé le 15 janvier 1622 en l'église Saint-Eustache, et mort le 17 février 1673 à l'âge de 51 ans.

Issu d'une famille de marchands parisien, Jean-Baptiste Poquelin se consacre au théâtre à 21 ans après la rencontre de Madeleine, Joseph et Geneviève Béjart avec qui il fonde " l'Illustre Théâtre " ; il prend alors le pseudonyme de " Molière ". Après la faillite de la troupe, il quitte Paris avec les Béjart et parcourt les provinces de l'ouest puis du sud de la France de 1646 à 1658 en écrivant ses premières petites comédies ( La Jalousie du Barbouillé, Le Médecin volant), puis ses premières comédies en cinq actes et en vers ( L'Étourdi, et Le Dépit amoureux).

De retour à Paris en 1658, il obtient la protection de Philippe d'Orléans, frère de Louis XIV : sa troupe prend le nom de " Troupe de Monsieur " et représente ses deux premières comédies, des comédies de Scarron et de Thomas Corneille et des tragédies de Pierre Corneille ou de Rotrou.

Molière écrit et joue Les Précieuses ridicules, pièce qui remporte un grand succès en novembre 1659. Soutenu par le roi Louis XIV, Molière joue et dirige sa troupe - devenue " Troupe du Roy " en juin 1665 - tout en écrivant des comédies de genres variés : certaines proches de la farce comme Le Médecin malgré lui (1666) ou Les Fourberies de Scapin (1671), d'autres plus psychologiques comme L'École des femmes (1662) ou L'Avare (1668), ainsi que des comédies-ballets comme Le Bourgeois gentilhomme en 1670 (avec Lully) ou Le Malade imaginaire (avec Marc-Antoine Charpentier) en 1673, et des pièces plus élaborées approfondissant caractère et étude sociale, en vers comme Le Misanthrope (1665), Tartuffe (1664-1669), Les Femmes savantes (1672), ou en prose comme Dom Juan (1665).

Peintre des mœurs de son temps, surtout de la bourgeoisie dont il dénonce les travers (prétention nobiliaire, place des femmes, mariage d'intérêt...), Molière a créé en même temps des personnages individualisés emblématiques et approfondis dont la liste est longue : Monsieur Jourdain, Harpagon, Alceste et Célimène, Tartuffe et Orgon, Argan le malade imaginaire... .

(biographie détaillée sur wikipedia).

Télécharger les pièces de Molière gratuitement :

Amants magnifiques (Les) : comédie créée le 4 février 1670, texte intégral sur toutmoliere.net
Amour médecin (L') : comédie créée en 1655, texte intégral sur toutmoliere.net
Amphytrion : comédie créée le 13 janvier 1668, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Avare (L') : comédie créée le 9 septembre 1668, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Bourgeois gentilhomme (Le) : comédie créée le 14 octobre 1670, texte intégral sur toutmoliere.net
Comtesse d'Escarbagnas (La) : comédie créée le 2 décembre 1671, texte intégral sur toutmoliere.net
Critique de l'École des femmes (La) : comédie créée le 1er juin 1663, texte intégral sur toutmoliere.net
Dépit amoureux (Le) : comédie créée le 16 décembre 1656, texte intégral sur toutmoliere.net
Dom Garcie de Navarre ou le Prince jaloux : comédie héroïque créée le 4 février 1661, texte intégral sur toutmoliere.net
Dom Juan : comédie créée le 15 février 1665, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
École des femmes (L') : comédie créée le 26 décembre 1662, texte intégral sur Libre Théâtre
École des maris (L') : comédie créée le 24 juin 1661, texte intégral sur toutmoliere.net
Étourdi ou les Contretemps (L') : comédie créée en 1654, texte intégral sur toutmoliere.net
Fâcheux (Les) : comédie-ballet créée le 17 août 1661, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Femmes savantes (Les) : comédie créée le 11 mars 1672, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Fourberies de Scapin (Les) : comédie créée le 24 mai 1671, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
George Dandin : comédie-ballet créée le 18 juillet 1668, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Impromptu de Versailles (L') : comédie créée le octobre 1663, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Jalousie du barbouillé (La) : farce, texte intégral sur toutmoliere.net
Malade imaginaire (Le) : comédie avec musique et danses créée le 10 février 1673, texte intégral sur toutmoliere.net
Mariage forcé (Le) : comédie-ballet créée le 29 février 1664, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Médecin malgré lui (Le) : comédie créée le 6 août 1666, texte intégral sur toutmoliere.net
Médecin volant (Le) : farce, texte intégral sur toutmoliere.net
Mélicerte : comédie pastorale héroïque créée le 2 décembre 1666, texte intégral sur toutmoliere.net
Misanthrope (Le) : comédie créée le 4 juin 1666, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Monsieur de Pourceaugnac : comédie-ballet créée le 6 octobre 1669, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Pastorale comique : pastorale comique créée le 5 janvier 1667, texte intégral sur toutmoliere.net
Précieuses ridicules (Les) : comédie créée le 18 novembre 1659, texte intégral sur toutmoliere.net
Princesse d'Élide (La) : comédie galante créée le 8 mai 1664, texte intégral sur toutmoliere.net
Psyché : tragédie-ballet créée en 17 janvier 1671, texte intégral sur toutmoliere.net
Sicilien ou l'Amour peintre (Le) : comédie créée le 14 février 1667, texte intégral sur toutmoliere.net
Tartuffe : comédie créée le 12 mai 1664, chronique et texte intégral sur Libre Théâtre
Sganarelle ou le Cocu imaginaire : comédie créée le 28 mai 1660, texte intégral sur toutmoliere.net

Pour en savoir plus :

Le site de référence sur l'œuvre de Molière créé par la ville de Pézenas : http://www.toutmoliere.net

Parcours thématique sur le site de l'INA

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Le théâtre de Molière Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière, est né à Paris, baptisé le 15 janvier 1622 en l'église Saint-Eustache, et mort le 17 février 1673 à l'âge de 51 ans. Issu d'une famille de marchands parisien, Jean-Baptiste Poquelin se consacre au théâtre à 21 ans après la rencontre de Madeleine, Joseph et Geneviève Béjart [...]

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Le théâtre puise ses lointaines origines dans les cérémonies religieuses de l'Antiquité, voire de la Préhistoire.

Aux Temps modernes, c'est un spectacle profane à part entière et immensément populaire. La preuve en est qu'il imprègne encore aujourd'hui notre vocabulaire quotidien. Il est vrai qu'il n'a pas encore de concurrents tels que le cinéma ou la télévision...

Acte III : le théâtre du Roi-Soleil (France, XVIIe siècle)

Le théâtre français du XVIIe siècle bénéficie de la bienveillance du pouvoir, de Louis XIII et Richelieu à Louis XIV. Passionné par la danse et amoureux des spectacles, le Roi-Soleil ne cessa de favoriser les auteurs, pour sa plus grande gloire. C'est lui également qui créa, en 1680, la Comédie-Française en fusionnant les troupes existantes.

Pierre Corneille, ancien avocat, passe en quelques années de la comédie baroque ( L'Illusion comique, 1635) à la tragi-comédie ( Le Cid, 1637) et à la tragédie pure ( Cinna, 1639...). Molière donne ses lettres d'or à la comédie ( Don Juan, 1665, L'Avare, 1668, Les Fourberies de Scapin, 1671...) et crée avec Jean-Baptiste Lully, un nouveau genre, la comédie-ballet dans laquelle des intermèdes musicaux et dansés sont intégrés à l'intrigue ( Le Bourgeois gentilhomme, 1670).

Enfin, Jean Racine, jeune ambitieux, finit par abandonner l'écriture ( Andromaque, 1667, Phèdre, 1677...) pour se consacrer à la fonction plus prestigieuse d'historiographe du roi.

L'époque n'était plus aux fantaisies baroques mais au sérieux. On institua des règles qui s'appuient sur les principes de rigueur et d'harmonie propres au classicisme :
"Qu'en un jour, qu'en un lieu, un seul fait accompli
Tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli".

Il s'agit de respecter les trois unités : de lieu (un seul décor), de temps (24 heures) et d'action (une seule intrigue) pour satisfaire aux deux règles de base : la vraisemblance (une histoire crédible) et la bienséance (rien de choquant). Le théâtre se place donc sous le signe de la raison avec des objectifs précis : plaire et instruire.

La dimension morale est donc primordiale : par le rire ou la peur, on veut provoquer chez le spectateur la catharsis, c'est-à-dire le rejet de ses mauvais penchants. Il faut donc, selon Molière, "corriger les vices des hommes en les divertissant". Tout un art !

Être comédien à l'époque de Molière n'est pas de tout repos : méprisé par la population qui cherche avant tout à s'amuser, y compris en se moquant des acteurs, le métier était vu d'un mauvais oeil par l'Église, pleine de soupçons envers cette population itinérante, accusée de moeurs dissolues.

Sur les conseils de certains évêques, les curés en viennent à refuser à ces familles la communion, le mariage, le baptême et surtout l'inhumation "en terre sainte". C'est ainsi que Molière, malgré sa piété, ne dut qu'à l'intervention de Louis XIV de pouvoir reposer dans la cimetière de la paroisse Saint-Joseph.

Pourtant, à l'époque du grand auteur, le métier est devenu moins difficile. Les troupes se sont organisées et souvent établies dans des bâtiments enfin en dur. Les recettes sont divisées selon le nombre de comédiens et leur fonction dans la pièce. Molière, en cumulant les casquettes, touchait près de 20 000 livres par an, soit les revenus d'un bourgeois aisé.

Dans un théâtre du XVIIe siècle

Entrons, à la suite du public, dans un théâtre parisien au XVIIe siècle, dans l'après-midi.

Selon la somme que vous souhaitez débourser, vous pouvez rester debout au parterre, au milieu des cris et des bousculades, ou chercher plus de tranquillité dans les loges et galeries. Mais n'espérez pas vous asseoir : les premières chaises ne seront installées qu'en 1782, à l'Odéon. Seuls quelques riches privilégiés peuvent profiter des fauteuils installés à même la scène, pour (mal) voir mais être vu ! Le théâtre est en effet, plus qu'un lieu de culture, une occasion de rencontres et de parade. Les spectateurs, de tous les milieux, ne restent à aucun moment silencieux mais préfèrent partager leurs commentaires sur les décors et costumes.

Il faut dire que tout est fait pour le plaisir des yeux : le décor, unique pour répondre à la règles de l'unité de lieu, est soigné, et souvent agrémenté d'effets de machineries impressionnants ; généralement propriété personnelle des comédiens, les costumes peuvent être somptueux, en soie et taffetas, sans souci des possibles anachronismes : qu'importe que le romain Cinna apparaisse en pourpoint Renaissance?

Tout cela est éclairé tant bien que mal avec des bougies disposées sur des lustres ou sur la rampe, le long de la scène. Cet éclairage présentait deux problèmes : tout d'abord, il fallait moucher les bougies toutes les 20 minutes, ce qui obligeait les auteurs à diviser leurs pièces en actes pour instaurer une pause. Ensuite, les costumes risquaient de s'enflammer, ce qui provoqua la mort de plusieurs danseuses au XIXe s. C'est pourquoi, dit-on, les tutus furent raccourcis.

Rien de naturel également dans le jeu des acteurs, qui aimaient pratiquer une diction pleine de lyrisme et grandiloquence. Molière se moqua de cette déclamation, préférant que ses comédiens s'approchent de la vérité de leur personnage : "Tâchez [...] de vous figurer que vous êtes ce que vous représentez". Un nouvel exemple de sa modernité...

Acte IV : Quand les planches font leur révolution (France, XVIIIe-XIXe siècles)

Le théâtre et le pouvoir n'ont pas toujours fait bon ménage. En 1725, c'est le discret Marivaux qui remet en cause la hiérarchie sociale dans L'Île des esclaves. Il ouvre ainsi la voie à l'audace de Beaumarchais qui échappe de justesse à la censure pour Le Barbier de Séville (1775) puis Le Mariage de Figaro (1784).

Le théâtre aime toujours faire pleurer avec Denis Diderot ( Le Père de famille, 1761) puis, au XIXe siècle, le triomphe des mélodrames dans les salles parisiennes du fameux "boulevard du Crime".

Mais le 25 février 1830, la Comédie-Française se transforme en champ de bataille pour la première d': d'un côté, la bande des "chevelus" venus soutenir bruyamment la pièce d'Hugo ; de l'autre, le clan des "chauves" prêts à défendre les principes de l'écriture classique. C'est Hugo qui gagne "la bataille d'Hernani", avec ses amis romantiques Alexandre Dumas ( Henri III et sa cour, 1828) et Alfred de Musset ( Lorenzaccio, 1834).

Un mot d'ordre : la liberté. On mélange les genres, on piétine les règles, on disloque les vers... Mais ces pièces, difficiles à monter, laissent rapidement place à des œuvres plus légères : le trio Eugène Labiche ( Un Chapeau de paille d'Italie, 1851), Georges Feydeau ( La Dame de chez Maxim, 1899) et Georges Courteline ( Messieurs les ronds-de-cuir, 1893) font le bonheur des spectateurs avec leurs vaudevilles.

Acte V : Tout cela est bien absurde... (France, XXe siècle)

"Merdre !" C'est sur ce mot du père Ubu ( Alfred Jarry, Ubu roi, 1896) que se referme le XIXe siècle, peu avant le triomphe de Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand (1897).

Les metteurs en scène prennent alors le pouvoir, comme André Antoine qui s'attache à reproduire la réalité sur les planches tandis que Jacques Copeau ne veut qu'une scène dépouillée.

Son ami Louis Jouvet triomphe dans la mise en scène de Knock de Jules Romains, en 1923, avant de participer à un retour aux sources antiques avec Jean Giraudoux ( La Guerre de Troie n'aura pas lieu, 1935) et Jean Cocteau ( La Machine infernale, 1934).

D'autres théoriciens, comme Antonin Artaud, souhaitent privilégier le jeu par rapport au texte : c'est le "Théâtre de la cruauté" qui fait la part belle au spectacle pour attiser la sensibilité des spectateurs.

La guerre coupe cet élan mais pas le goût du public pour le spectacle : des pièces engagées voient le jour, dont l' Antigone de Jean Anouilh (1944) et Huis-clos de Jean-Paul Sartre (1944).

Après le traumatisme de 1939-1945, un duo d'auteurs entreprend de montrer l'aspect dérisoire de l'existence en mêlant désespoir et rire : Eugène Ionesco ( La Cantatrice chauve, 1950) et Samuel Beckett ( En attendant Godot, 1952) mettent en miettes le dialogue pour mieux montrer l'incohérence du monde.

Leur "Théâtre de l'absurde" triomphe au moment où festival d'Avignon, créé en 1947, par Jean Vilar, prend son envol. Aujourd'hui certains de nos auteurs, comme Bernard-Marie Koltès ( Dans la solitude des champs de coton, 1985), Éric-Emmanuel Schmitt ( Le Visiteur, 1993) ou Yasmina Reza ( Art, 1994), acquièrent même une reconnaissance internationale qui montre la vigueur d'un art en permanente reconstruction.

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Le théâtre puise ses lointaines origines dans les cérémonies religieuses de l'Antiquité, voire de la Préhistoire. Aux Temps modernes, c'est un spectacle profane à part entière et immensément populaire. La preuve en est qu'il imprègne encore aujourd'hui notre vocabulaire quotidien. Il est vrai qu'il n'a pas encore de concurrents tels que le cinéma ou la télévision...

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Acte : Division externe de la pièce en parties d'importance sensiblement égale, en fonction du déroulement de l'action. Traditionnellement, une pièce se divise en trois ou cinq actes, eux-mêmes découpés en scènes.

1. Selon Aristote, détermination majeure et première de la création dramatique. Le choix des actions conditionne toute l'œuvre, en particulier les caractères des personnages.

2. L'action théâtrale est fondamentalement constituée d'une suite d'actes de discours : parler, c'est agir (menacer, supplier, louer, condamner, pardonner, etc.).

3. Dernière partie de l'art oratoire, l'action (du latin actio) désigne la gestuelle, la déclamation qui donnent force au discours. Extrêmement codifiée et non réaliste, la déclamation est pratiquée aussi par les avocats, les prédicateurs, tandis que l'on retrouve dans la peinture l'alphabet des gestes utilisés par les comédiens. Voir E. Green, Littératures classiques n° 12, 1990 et La Parole baroque, 2001.

Mise en scène : Ensemble des moyens d'interprétation scénique (scénographie, musique, jeu...) ; activité qui consiste à agencer ces moyens. Articulation entre le travail d'un maître d'oeuvre et celui de chacun des artistes qui concourent à l'oeuvre ; transposition d'une écriture dramatique en écriture scénique.

Mode ou style direct : Discours rapporté dans sa forme originale, sans terme de liaison, après un verbe de parole.

Monologue : Scène parlée, discours adressé à soi-même, ou à un auditoire dont on n'attend pas de réponse. Dans l'analyse du discours théâtral, il est considéré comme une variété du dialogue.

Nœud : L'essentiel de la pièce, où le personnage est en proie au péril. Une péripétie à la fois surprenante et nécessaire modifie brutalement le cours de l'action et amène le dénouement.

Quiproquo : Procédé dramatique essentiel, ressort du comique comme du pathétique, permet divers coups de théâtre et fonde les reconnaissances (agnitions) typiques du dénouement.

Tragi-comédie : " Genre dramatique sérieux " moderne et irrégulier (environ 1580-1640), qui met en scène des personnages de haut rang confrontés à un péril auquel ils échappent toujours. Ce péril est presque toujours de nature amoureuse et privée et souvent inspiré par les romans " modernes " (Orlando Furioso). Déguisements, enlèvements, poursuites, tempêtes et batailles marquent une action pleine de rebondissements dans un espace multiple. Le genre domine absolument la scène française entre 1628 et 1634.
, " tragi-comédie ", est rebaptisé " tragédie " en 1648, après que la victoire des " réguliers " a empêché la tragi-comédie de s'élever au sommet de la hiérarchie des genres dramatiques.

Scène : Unité la plus courte de la pièce. En général, on change de scène lorsqu'un ou plusieurs personnages entrent ou sortent.

Tirade : Longue suite de phrases, de vers, récitée sans interruption par un personnage de théâtre.

Unité de temps : En 1630, Jean Chapelain justifie cette première règle (Lettre sur la règle des vingt-quatre heures). Il s'agit, pour assurer la vraisemblance, de réduire l'écart entre la durée supposée de l'action et celle de la représentation (entractes compris). Cette règle oblige aussi à concentrer l'action représentée au moment de la crise. Des récits rétrospectifs peuvent alors éclairer le spectateur sur les événements qui ont précédé le début de la pièce, ou qui ont pris place pendant les entractes. L'unité de temps impose enfin la liaison des scènes, afin que l'espace scénique ne soit jamais laissé vide.

Unité de lieu : Sa définition suit les mêmes principes que celle de l'unité de temps, à laquelle elle est liée : elle vise à réduire l'écart entre la multiplicité de lieux d'action parfois très éloignés les uns des autres et l'unicité du lieu de représentation qui est la scène. Plus lente à s'imposer (en raison aussi des scènes en " compartiments "), elle paraît à beaucoup moins nécessaire que l'unité de temps (c'est par elle, significativement, que Victor Hugo attaquera l'édifice classique dans la Préface de Cromwell, 1827). Le risque non négligeable de voir cette unité de lieu fabriquer de l'invraisemblance conduit à faire de la scène un lieu de plus en plus composite, neutre ou indéterminé : ville, antichambre, " palais à volonté ".

Unité d'action : Plus complexe, elle s'impose plus difficilement en raison du succès de la tragi-comédie, fondée sur les personnages multiples et les rebondissements nombreux. Corneille définit l'unité d'action dans la tragédie par l'unité de péril (qui jette le héros dans l'action), dans son Discours des trois unités.

Allitération : Répétition, dans une suite de mots (par exemple dans un vers), d'une ou de plusieurs consonnes initiales ou intérieures.

Antagoniste : Personnage en opposition ou en conflit.

Aparté : Réplique prononcée par un personnage à l'insu d'un autre, pour lui-même ou à l'intention du public.

Bienséance interne : Cohérence de l'œuvre dramatique, des caractères notamment. C'est au nom de la bienséance interne que Jean Chapelain (1595-1674, un des fondateurs de l'Académie française) critique l'attitude de Chimène.

Comédie : Action scénique qui provoque le rire par la situation des personnages ou par la description des mœurs et des caractères, et dont le dénouement est heureux.

Dénouement : Renversement de l'action qui l'achève en précipitant le péril (catastrophe dans la tragédie à fin malheureuse), en l'écartant (tragédie à fin heureuse). Pour Corneille, le dénouement tragique ou comique doit être concentré le plus possible dans la scène ultime afin de maintenir jusqu'au bout l'attention du spectateur : il doit avoir été préparé dès l'exposition et tout au long de l'action.

Didascalie : Indication scénique (souvent mise en italiques) qui est donnée par l'auteur, et qui peut concerner les entrées ou sorties des personnages, le ton d'une réplique, les gestes à accomplir, etc... Le texte théâtral se compose de deux éléments : les didascalies et les dialogues.

Héros

1. Qui s'est illustré par de hauts faits d'armes.

2. " Principal acteur ", c'est-à-dire personnage principal autour duquel l'action est construite.

3. Héros tragique : " médiocre " au sens étymologique, c'est-à-dire ni parfaitement vertueux, ni absolument méchant, mais tombé dans le malheur par faute, erreur ou faiblesse.

4. Le héros classique peut être cependant absolument vertueux, parce qu'il est ainsi plus susceptible de toucher le spectateur. La " générosité " est sa marque éthique codifiée (comme qualité native et morale à la fois). Chez Corneille, le héros se trouve souvent à la fois innocent et coupable : Rodrigue, Suréna par exemple.

M-Z

► En savoir plus sur le théâtre classique au XVII e siècle

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A-L Acte : Division externe de la pièce en parties d'importance sensiblement égale, en fonction du déroulement de l'ac...

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Comment crée-t-on une pièce de théâtre ?

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C’est la fête du théâtre à Avignon ! Jusqu’au 24 juillet, de très nombreux artistes jouent dans toute la ville. Il y a aussi de la danse ou du cirque. Je t’emmène dans les coulisses de cet événement connu dans le monde entier.

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Français expressions - Le vocabulaire du théâtre [1re partie]

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Petit-fils et fils de maîtres tapissiers du roi, Jean-Baptiste Poquelin naît à Paris le 15 janvier 1622. Après avoir…

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Le théâtre au XVIIe siècle

La Tragédie

Reprenant les théories de la Poétique d'Aristote, très commentée pendant la Renaissance, et à la formulation de la règle des trois unités, la tragédie classique respecte la règle des trois unités. Cette règle a pour but de ne pas éparpiller l'attention du spectateur pour qu'il se concentre sur l'intrigue pour mieux le toucher et l'édifier :

Unité d'action : la pièce ne met en scène qu'une seule action principale. Il peut y avoir des intrigues secondaires mais ces dernières doivent trouver leur résolution au plus tard en même temps que l'action principale.

Unité de temps : toute l'action représentée est censée avoir lieu dans un seul jour.

Unité de lieu : toute l'action représentée se déroule dans un seul endroit.

La tragédie classique française est inspirée des tragédies antiques grecques. Elle met en scène que de très hauts personnages, appartenant à l' histoire ou aux mythes de l'Antiquité.

Les faits doivent paraître vraisemblables aux spectateurs : il faut qu'ils aient l'illusion d'assister au déroulement d'une histoire réelle. La tragédie doit aussi respecter la vraisemblance et la bienséance.

La tragédie doit également respecter la bienséance. Le comportement des personnages doit être conforme à leur âge et à leur condition sociale. Rien ne doit choquer la sensibilité ou les principes moraux du spectateur : violence et intimité physique sont exclues de la scène.

Le dénouement est souvent tragique. La tragédie classique prétend remplir une fonction morale, conforme ainsi au principe de catharsis définie par Aristote. En s'identifiant à des personnages dont les passions coupables sont punies par le destin, le spectateur de la tragédie se voit délivré, " purgé " des sentiments inavouables qu'il peut éprouver secrètement.

Les principaux auteurs de tragédies au XVIIe siècle :

Jean Racine (1639-1699) - Chroniques de

Pierre Corneille (1606-1684): liste des œuvres sur Libre Théâtre

Jean de Rotrou (1609-1650) - sur Libre Théâtre, Agésilan de Cochos sur Théâtre Classique, L'Innocente Fidélité sur Gallica, Le Véritable Saint Genest sur Wikisource, Venceslas sur Wikisource

Georges de Scudéry (1601-1667) : Eudoxe sur wikisource, L'Amour tyrannique sur Théâtre classique, Le Prince déguisé sur wikisource, Le Vassal généreux sur wikisource

Thomas Corneille (1625-1709) : La Mort d'Achille sur Wikisource, Le Comte d'Essex sur Wikisource, Le Festin de pierre sur Wikisource, Médée sur Wikisource, Persée et Démétrius sur Wikisource, Stilicon sur Wikisource, Ariane sur Wikisource, Timocrate sur Théâtre Classique

François Hédelin Aubignac (abbé d', 1604-1676) : La Pucelle d'Orléans sur Gallica

Balthasar Baro (1600?-1650) : Célinde sur Gallica

Catherine Bernard (1662-1712) - Chronique de Brutus sur Libre Théâtre,

François Le Métel de Boisrobert (1592-1662) : La Vraie Didon ou la Didon chaste sur Gallica

Claude Boyer (1618-1698) : Oropaste ou le Faux Tonaxare sur Théâtre Classique

Jean Galbert de Campistron (1656-1713) : Arminius sur Théâtre classique

Nicolas Chrétien des Croix (15..-16..) : Les Portugais infortunés sur Gallica

Prosper Jolyot de Crébillon (1674-1762) : La Nuit et le moment sur wikisource, Atrée et Thyeste sur wikisource, Catilina sur Théâtre Classique, Rhadamisthe et Zénobie sur Théâtre classique

Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655) : La Mort d'Agrippine sur wikisource, Le Pédant joué sur Gallica

Antoinette Des Houlières (1638-1694) : Genseric sur Gallica, La mort de Cochon sur Gallica

Pierre Du Ryer (1605-1658) : Alcimédon sur wikisource, Saül sur Théâtre classique

François de Fénelon (1651-1715) : Dialogues des Morts sur Gallica

Alexandre Hardy (1570?-1632?) : Elmire ou l'Heureuse Bigamie sur Gallica, Scedase ou l'hospitalité violée sur Gallica

Gautier de Coste La Calprenède (sieur de, 1609?-1663) : Le Comte d'Essex sur Théâtre Classique

Pierre Mainfray (1580-1630) : La Rhodienne ou la Cruauté de Soliman sur Gallica

Nicolas Soret (15..-16..) : La Céciliade ou Martyre sanglant de saincte Cécile, patrone des musiciens sur Gallica

Tristan L'Hermite (1601-1655) : la Mariane sur Théâtre Classique, La Mort de Sénèque sur Théâtre Classique

Théophile de Viau (1590-1626) : Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé sur Théâtre Classique

La Comédie

La comédie cherche à divertir le spectateur, à le faire rire. Contrairement à la tragédie, dans la comédie, les personnages sont de condition moyenne ou modeste et le dénouement est heureux.

Molière (1622-1673) est le plus illustre représentant du genre. Après s'être inspiré de la farce et de la Commedia dell'arte dans ses premières pièces, Molière développe différents genres de comédie : comédies de mœurs, comédie de caractère, comédie-ballet qui inclut des ballets. Jean-François Regnard (1655-1709), l'autre grand auteur de comédies écrit tout d'abord des farces pour le Théâtre-Italien, puis des comédies d'intrigues, jouées au Théâtre-Français. Dancourt (1661-1725) est également un auteur prolifique de comédies, dans des genres différents : intermèdes, parodies d'opéras, divertissements de cour, fantaisies mythologiques, des comédies en cinq actes et surtout de courtes pièces en prose, les " dancourades ", écrites en langage parlé.
Les autres auteurs de comédies du XVIIème siècle :
Baron (1653-1729) : L'Homme à bonne fortune sur Gallica

Isaac de Benserade (1613-1691) : Iphis et Iante sur Gallica

Charles de Beys (1610-1659) : Les Illustres Fous sur Gallica

Edme Boursault (1638-1701) - Chronique Le Mercure galant ou la Comédie sans titre

Brosse ( 15..?-1651) : Les Songes des hommes éveillés sur Gallica

David-Augustin de Brueys (1640-1723) : L'Avocat Patelin sur Théâtre Classique, Le Grondeur sur Gallica

Pierre Corneille (1606-1684) - Chronique sur L'illusion comique, liste des œuvres sur Libre Théâtre

Thomas Corneille (1625-1709) : L'Amour à la mode sur Wikisource, L'Inconnu sur Wikisource, Le Galant doublé sur Wikisource, Les Illustres Ennemis sur Wikisource,

Jean Desmarets de Saint-Sorlin (1595-1676) : Chronique sur Les Visionnaires sur Libre Théâtre

Jean Donneau de Vizé (1638-1710) : La Devineresse ou les Faux Enchantements sur Gallica

Pierre Du Ryer (1605-1658) : Alcimédon sur wikisource, Les Vendanges de Suresnes sur Théâtre classique

Guyon Guérin de Bouscal (16..-1657) : Don Quichotte de La Manche sur Gallica

Jean de La Fontaine (1621-1695) : Astrée sur wikisource, l'Eunuque sur wikisource

Lambert ( 16..-16..) : La Magie sans magie, sur Gallica

Noël Lebreton Hauteroche (sieur de, 1617-1707) - Chronique Le Souper mal apprêté

Jean Mairet (1604-1686) : La Salvanire ou la Morte vive sur Gallica, Les Galanteries du Duc d'Ossone, vice-roi de Naples sur Gallica

Montfleury (1639-1685) : La Femme juge et partie sur Gallica

Charles Perrault (1628-1703): L'Oublieux sur Gallica

Paul Scarron (1610-1660) : Jodelet ou le Maître valet sur Théâtre Classique, La Fausse Apparence sur wikisource

Les lieux de représentation à Paris au XVIIème siècle

Le Théâtre de la foire se développe au début du XVIIème siècle à Paris à l'occasion des foires annuelles de Saint-Germain et de Saint-Laurent et, plus tard, de Saint-Ovide. Tabarin est le plus célèbre des comédiens du théâtre de la foire du début du XVIIème. Habillé d'un manteau s'attachant à la hauteur des manches (un " tabar ") et d'un pantalon de toile blanche, toujours coiffé d'un grand feutre, il improvisait des monologues, interpellait les passants, dialoguait avec la foule ou encore avec un comparse (Mondor, son maître qui était en réalité son frère). Ses harangues lui donnaient également l'occasion de vendre des baumes et remèdes. Les tabarinades étaient souvent de style pamphlétaire et incisif.

En province, les comédiens allaient de ville en ville jouer sur des scènes improvisées ou dans certains Jeux de Paume. Les deux plus célèbres troupes ambulantes furent celle de Floridor (rentrée en 1638 au Théâtre du Marais) et celle de Molière.

Au milieu du XVIIème siècle, quatre troupes de théâtre rivales coexistent à Paris, associées à 3 salles de spectacle : celle du Marais, celle de l'Hôtel de Bourgogne et celle du Palais-Royal, dirigée par Molière .
Hôtel de Bourgogne
En 1548, la société des Confrères de la Passion construit dans l'Hôtel de Bourgogne une salle de spectacle pour présenter des mystères. Après un arrêt du Parlement leur défendant de jouer des pièces religieuses, les Confrères obtiennent le monopole des représentations théâtrales profanes sur Paris, et louent leur théâtre aux troupes itinérantes. L'Hôtel de Bourgogne est alors la seule salle de théâtre permanente. En 1598, les " Comédiens ordinaires du Roy " créés par Valleran Le Conte occupent la salle, qu'ils partagent à partir de 1600 avec les Gelosi, première troupe italienne en résidence.
Hôtel du Marais
Pour concurrencer l'Hôtel de Bourgogne, l'acteur Montdory décide de monter son propre théâtre à Paris et s'installe en 1634 dans le quartier très à la mode du Marais, rue Vieille-du-Temple. Dans les années 1660, elle se spécialise dans les pièces à machines, mais reste moins fréquentée que l'Hôtel de Bourgogne et le Palais-Royal de Molière. De nombreux acteurs l'Hôtel de Bourgogne et du Palais Royal viennent du théâtre du Marais.
Théâtre du Palais-Royal
Afin de casser le monopole de l'Hôtel de Bourgogne, le cardinal de Richelieu fait élever en 1637 un théâtre sur l'aile est du bâtiment du Palais-Royal (à l'emplacement de l'actuelle Comédie-Française). L'inauguration a lieu en 1641. Le Théâtre-Italien et la troupe de Molière se partagent la scène entre 1662 et 1673. À la mort de Molière, Lully récupère les lieux pour y fonder l'Académie royale de musique.
Hôtel de Guénégaud
Après la mort de Molière en 1673, les comédiens du Marais rejoignent sur ordre royal la troupe des comédiens de Molière, et cette nouvelle troupe s'installe à l'Hôtel Guénégaud, rue Mazarine. Le 18 août 1680, Louis XIV signe à Charleville l'acte fondateur de la Comédie Française qui réunit au théâtre Guénégaud, les comédiens de l'Hôtel de Bourgogne à ceux qui s'y produisaient déjà.

Le 21 octobre 1680, une lettre de cachet, signée à Versailles, consacre la fondation d'une troupe unique, composée de vingt-sept comédiens et comédiennes choisis par le roi pour leur excellence, dans le but de " rendre les représentations des comédies plus parfaites ". La troupe unique jouit du monopole des représentations en français à Paris et dans les faubourgs.
Chassés de l'Hôtel Guénégaud quelques années plus tard par les Clercs du Collège des Nations - actuelle Académie Française - les Comédiens Français investissent, dès 1689, leur nouvelle salle, située rue des Fossés Saint-Germain, aujourd'hui, rue de l'Ancienne Comédie, à la hauteur du N° 14, face au Café Procope qui rassemblait alors les célébrités littéraires.

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Le théâtre au XVIIe siècle - Libre Théâtre

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Reprenant les théories de la Poétique d'Aristote, très commentée pendant la Renaissance, et à la formulation de la règle des trois unités, la tragédie classique respecte la règle des trois unités. Cette règle a pour but de ne pas éparpiller l'attention du spectateur pour qu'il se concentre sur l'intrigue pour mieux le toucher et l'édifier : Unité d'action : la pièce ne met en scène qu'une seule action principale.