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HeHe (Helen Evans e Heiko Hansen), Parigi, 2011.

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"Nuit Blanche" è un'installazione che trasforma temporaneamente una parte della città in un paesaggio onirico con luci e suoni che evocano emozioni di meraviglia e introspezione. Utilizzando proiezioni luminose e interventi sonori, HeHe crea un'atmosfera magica che invita i visitatori a esplorare e riflettere.

L'opera esplora il rapporto tra l'ambiente urbano e le emozioni individuali, trasformando il familiare in straordinario. HeHe riesce a evocare un senso di stupore e connessione attraverso l'uso sapiente della luce e del suono, creando un'esperienza immersiva e toccante.

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"Legarsi alla montagna" è un'installazione che coinvolge l'intero villaggio di Ulassai, dove Maria Lai ha legato insieme le case e le montagne circostanti con un nastro di stoffa blu. L'opera è un atto di connessione e solidarietà, unendo simbolicamente la comunità attraverso un gesto di legame fisico.

Lai esplora temi di appartenenza, tradizione e comunità, creando un'opera che è tanto un'installazione artistica quanto un rito collettivo. Il nastro blu diventa un filo conduttore che collega storie, persone e paesaggio, evocando un senso di unione e protezione.

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"Field of Light" è un'installazione luminosa su larga scala situata ai piedi di Uluru. Composta da più di 50.000 sfere di vetro illuminate da fibre ottiche, l'opera si estende per un campo vastissimo che si accende al tramonto e brilla tutta la notte. Munro ha creato un paesaggio di luci che cambia colore e si muove delicatamente con il vento, trasformando il deserto in un mare scintillante di luci.

L'installazione evoca un senso di meraviglia e tranquillità, connettendo i visitatori alla maestosità del paesaggio naturale e alla bellezza eterea della luce. "Field of Light" invita alla meditazione e alla riflessione, suscitando emozioni di pace e incanto.

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Kader Attia, dOCUMENTA (13), Kassel, 2012.

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"There Is No Reason" è un'installazione che esplora il tema del trauma e della guarigione. Attia ha creato una serie di busti e volti mutilati di soldati della Prima Guerra Mondiale accanto a immagini di oggetti e strumenti di riparazione tradizionali.

L'opera confronta le tecniche di riparazione occidentali con quelle tradizionali africane, suggerendo che le cicatrici della storia non possono essere cancellate, ma solo trasformate. Attia invita alla riflessione sul dolore e la resilienza, evocando un profondo senso di empatia e contemplazione sul processo di guarigione culturale e individuale.

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Judy Chicago, Brooklyn Museum, New York, 1979.

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"The Dinner Party" è un'installazione simbolica che celebra le donne della storia. Composta da un tavolo triangolare con 39 posti, ognuno dedicato a una figura femminile storica o mitologica, l'opera è decorata con piatti e ricami personalizzati che rappresentano le conquiste e le lotte delle donne.

L'opera di Judy Chicago è un potente atto di commemorazione e valorizzazione del contributo delle donne alla civiltà. L'installazione evoca sentimenti di rispetto, orgoglio e riconoscimento, sottolineando l'importanza della memoria storica e dell'uguaglianza di genere.

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Anish Kapoor, Millennium Park, Chicago, 2006.

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Conosciuta anche come "The Bean", "Cloud Gate" è una scultura interattiva in acciaio inossidabile che riflette lo skyline di Chicago e i visitatori stessi. La superficie lucida e curva della scultura distorce le immagini, creando effetti visivi unici che cambiano con l'angolazione e la posizione dello spettatore.

Kapoor invita il pubblico a esplorare l'installazione da diverse prospettive, trasformando il parco in uno spazio di gioco visivo e interazione sociale. "Cloud Gate" è diventata un'icona di Chicago, simbolo dell'interazione tra arte, architettura e comunità.

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Olafur Eliasson, Esposta in diverse locations, a partire dal 1993.

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"Beauty" è un'installazione che utilizza un sottile getto d'acqua e una sorgente di luce per creare un arcobaleno all'interno di uno spazio espositivo. L'effetto viene ottenuto attraverso la rifrazione e la riflessione della luce nelle goccioline d'acqua sospese, generando un fenomeno visibile da diverse angolazioni a seconda della posizione dello spettatore.

Quest'opera di Eliasson trasforma un fenomeno naturale quotidiano in un'esperienza artistica intima e contemplativa. L'arcobaleno, simbolo di speranza e bellezza, è reso accessibile in un contesto inusuale, invitando i visitatori a riflettere sulla relazione tra arte, natura e percezione.

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Doug Aitken, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C., 2012.

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"Sound Garden" è un'installazione immersiva di Doug Aitken che combina elementi naturali con suoni ambientali e architettura. L'opera è situata all'aperto e integra piante, acqua e sculture sonore. I visitatori possono esplorare il giardino, dove sensori di movimento attivano suoni e musiche in risposta alla loro presenza. continuamente, basandosi sui movimenti delle persone. L'installazione invita a un'esperienza multisensoriale, dove il naturale e l'artificiale si fondono in un dialogo continuo.

Doug Aitken riesce a trasformare un giardino tradizionale in un'esperienza dinamica e interattiva, dove i visitatori diventano parte integrante dell'opera stessa. Il modo in cui i suoni rispondono ai movimenti umani crea un senso di connessione e partecipazione.

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Random International, Barbican Centre, Londra, 2012

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"Rain Room" è un'installazione interattiva che permette ai visitatori di camminare attraverso una stanza in cui piove continuamente, senza mai bagnarsi. Sensori di movimento rilevano la presenza dei visitatori, creando uno spazio asciutto attorno a loro mentre si muovono.

L'opera esplora la relazione tra uomo e tecnologia, creando un'esperienza magica e surreale che sfida la percezione della realtà. La sensazione di camminare sotto la pioggia senza bagnarsi rende l'installazione affascinante e profondamente coinvolgente.

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Yayoi Kusama, David Zwirner Gallery, New York, 2013.

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INFINITY MIRRORED ROOM – THE SOULS OF MILLIONS OF LIGHT YEARS AWAY

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INFINITY MIRRORED ROOM – THE SOULS OF MILLIONS OF LIGHT YEARS AWAY

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Un'installazione immersiva che utilizza specchi e luci a LED per creare un effetto infinito di luci scintillanti. I visitatori entrano in una stanza rivestita di specchi, dove migliaia di luci a LED sospese creano un'illusione di spazio infinito.

L'opera esplora temi di infinito, bellezza e l'esperienza del sublime. Kusama riesce a trasportare gli spettatori in un universo alternativo, dove la percezione dello spazio e del tempo viene trasformata, offrendo un'esperienza visiva e emotiva intensa e travolgente.

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Ryoji Ikeda, Park Avenue Armory, New York, 2011.

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"Transfinite" è un'installazione audiovisiva su larga scala che utilizza dati digitali proiettati su schermi giganti e suoni sincronizzati per creare un ambiente immersivo. I visitatori sono circondati da onde di dati visivi e sonori che si trasformano continuamente, esplorando la relazione tra dati, percezione e realtà.

L'opera di Ikeda offre un'esperienza sensoriale unica che sfida i confini tra arte, scienza e tecnologia. La combinazione di visualizzazioni digitali e suoni crea un'esperienza coinvolgente che stimola la mente e i sensi, trasformando lo spazio espositivo in un mare di informazioni sensoriali.

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Ai Weiwei, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C., 2013.

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"Straight" è un'installazione composta da 150 tonnellate di barre d'acciaio recuperate dalle macerie delle scuole crollate durante il terremoto del Sichuan del 2008. Le barre, inizialmente contorte e deformate dal disastro, sono state raddrizzate e disposte in un ampio pavimento ondulato.

L'opera rappresenta un memoriale per le vittime del terremoto e un'accusa contro la corruzione e l'incompetenza che hanno portato al crollo delle strutture scolastiche. Ai Weiwei trasforma i materiali di costruzione in un simbolo di resilienza e protesta, rendendo omaggio ai bambini e alle famiglie colpite dalla tragedia.

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Ai Weiwei, Haus der Kunst, Monaco di Baviera, 2009.

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"Remembering" è un'installazione composta da 9.000 zaini scolastici, disposti sulla facciata del museo per formare la frase "She lived happily for seven years in this world" in cinese. L'opera è un memoriale per le migliaia di bambini morti nel terremoto del Sichuan del 2008 a causa delle costruzioni scolastiche scadenti

Ai Weiwei denuncia l'incompetenza e la corruzione governativa, utilizzando gli zaini come simboli di vita innocente persa. L'installazione è una potente dichiarazione di responsabilità sociale e politica, ricordando la necessità di giustizia e trasparenza.

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Marina Abramovic, Biennale di Venezia, 1997.

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"Balkan Baroque" è una performance in cui Abramovic ha trascorso quattro giorni a pulire ossa di bovino, seduta su un mucchio di ossa insanguinate. L'opera è una risposta alla guerra nei Balcani e rappresenta il dolore e il lutto per la violenza e la distruzione.

Attraverso un gesto ripetitivo e faticoso, Abramovic esprime l'impossibilità di pulire completamente il sangue e il trauma della guerra. L'installazione è un potente atto di memoria e riflessione sulla brutalità umana e le sue conseguenze durature.

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Marina Abramovic, Museum of Modern Art (MoMA), New York, 2010.

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"The Artist is Present" è una performance in cui Marina Abramovic ha trascorso oltre 700 ore seduta su una sedia di fronte ai visitatori del museo, invitandoli a sedersi di fronte a lei e stabilire un contatto visivo. L'installazione esplora temi di presenza, vulnerabilità e connessione umana.

Abramovic sfida i confini tra artista e pubblico, creando uno spazio di introspezione e empatia. La performance diventa un dialogo silenzioso, un incontro profondo che enfatizza l'importanza dell'interazione umana e della comunicazione non verbale.

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Olafur Eliasson, ARoS Aarhus Kunstmuseum, Danimarca, 2011.

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"Your Rainbow Panorama" è un corridoio circolare in vetro colorato situato sul tetto del museo ARoS. L'installazione permette ai visitatori di camminare attraverso un anello di vetro che offre una vista panoramica della città, con il paesaggio esterno visto attraverso diverse tonalità di colore. Questa esperienza immersiva cambia la percezione dello spazio e del colore, rendendo la vista quotidiana della città un'esperienza dinamica e vibrante.

L'installazione invita i visitatori a riflettere sulla natura della visione e sulla percezione dei colori nel mondo circostante. Eliasson riesce a trasformare l'ordinario in straordinario, creando un'esperienza che è allo stesso tempo contemplativa e gioiosa.

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Olafur Eliasson, Diverse location, 1998.

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"Green River" è un progetto in cui Eliasson ha colorato temporaneamente sezioni di fiumi in diverse città del mondo con un colorante non tossico verde fluorescente. L'opera è progettata per far riflettere sulle trasformazioni e l'intervento umano sull'ambiente naturale.

Questa installazione sottolinea l'impatto visivo e concettuale dell'intervento artistico nel paesaggio naturale. L'uso del colore vivace trasforma il familiare in qualcosa di straordinario, invitando alla riflessione sulla relazione tra natura e urbanizzazione.

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Olafur Eliasson, Place du Panthéon, Parigi, 2015.

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"Glacial Meltdown" consiste in blocchi di ghiaccio prelevati dalla Groenlandia e lasciati sciogliere in piazza. L'installazione mira a sensibilizzare l'opinione pubblica sui cambiamenti climatici, mostrando tangibilmente il processo di scioglimento dei ghiacci polari.

Un potente promemoria dell'urgenza del cambiamento climatico, che trasforma il naturale in un messaggio politico attraverso la materialità del ghiaccio in scioglimento. L'opera induce una riflessione sull'impatto umano sull'ambiente e sull'importanza di agire tempestivamente.

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Autore: Christopher Bauder (in collaborazione con Kangding Ray)

Luogo di esposizione: Kraftwerk, Berlino, Germania

Data di esposizione: 2018

"SKALAR" è una monumentale installazione artistica e una performance audiovisiva creata dall'artista tedesco Christopher Bauder, in collaborazione con il musicista e compositore Kangding Ray. L'opera esplora la natura fondamentale della percezione umana. Utilizzando un complesso sistema di luci mobili e specchi sincronizzati con una colonna sonora avvolgente, "SKALAR" trasforma lo spazio architettonico dell'ex centrale elettrica Kraftwerk di Berlino in un ambiente immersivo e multisensoriale.

L'installazione è composta da 65 specchi motorizzati e 90 luci a LED cinetiche che si muovono in perfetta sincronia con la musica, creando un caleidoscopio di luci, ombre e riflessi che avvolgono il pubblico. La performance live aggiunge una dimensione temporale all'opera, rendendola un'esperienza unica per ogni spettatore.

"SKALAR" è un'esperienza sensoriale straordinaria che combina arte visiva e musica in modo sinergico. L'uso delle luci e dei movimenti coordinati crea un effetto ipnotico, trasportando gli spettatori in un viaggio emozionale e contemplativo. La capacità dell'opera di trasformare uno spazio industriale grezzo in un ambiente di pura magia visiva è un tributo alla maestria tecnica di Bauder e alla visione artistica di Kangding Ray. "SKALAR" rappresenta un esempio eccezionale di come la tecnologia possa essere utilizzata per amplificare l'impatto emotivo dell'arte, rendendo l'installazione non solo una mostra visiva, ma un'esperienza coinvolgente e memorabile.

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Rafael Lozano-Hemmer, Barbican Centre, Londra, 2015.

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"Body Moves" è un'installazione interattiva che utilizza sensori di movimento e proiezioni per rispondere ai movimenti dei visitatori. I partecipanti vedono le proprie ombre e silhouette proiettate su grandi schermi, dove interagiscono con elementi visivi e sonori che reagiscono ai loro movimenti.

L'opera esplora la relazione tra corpo, spazio e tecnologia, offrendo un'esperienza immersiva che stimola il gioco e la creatività. Lozano-Hemmer utilizza la tecnologia per amplificare la presenza fisica dei visitatori, creando un dialogo tra l'umano e il digitale che è tanto divertente quanto riflessivo.

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DARK MATTER consiste in una serie di sette installazioni multimediali collocate in un ambiente buio all'interno di una fabbrica riconvertita.

Queste installazioni fondono elementi come la luce, il movimento e il suono per creare composizioni visive e sonore suggestive.

Le grandi opere digitali creano un'esperienza emozionante e coinvolgente attraverso giochi di luci, movimenti e suoni; sfumando i confini tra il mondo reale e quello digitale.

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Christopher Bauder è un interaction designer e media artist tedesco che vive e lavora a Berlino.

Spazio, suono, luce e interazione sono gli elementi chiave del suo lavoro.

Nel 2004 ha fondato lo studio multidisciplinare di arte e di design WHITEvoid per realizzare i suoi pezzi su larga scala.

Lo studio è composto da specialisti in interaction design, media design, product e interior design e ingegneria elettronica.

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LIQUID SKY è composta da oltre 800 singoli punti di luce che insieme formano una superficie unitaria e continua.

Gli specchi presenti all'interno della stanza creano un orizzonte luminoso apparentemente infinito che brilla come un cielo stellato.

La superficie tridimensionale e l'animazione delle luci sono il risultato di complesse simulazioni che emulano i movimenti della natura.

Le continue variazioni algoritmiche creano l'effetto di un cielo di luce liquida.

Le prime tre installazioni della serie (LIQUID SKY, INVERSE, CIRCULAR) sono accompagnate come trittico da una colonna sonora a 8 canali composta dal sound designer Boris Acket. I suoni si spostano di stanza in stanza e collegano le tre installazioni come esseri attratti fra loro.

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INVERSE

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CIRCULAR

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BONFIRE

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POLYGON PLAYGROUND

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GRID

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TONE LADDER

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Una delle sue opere più celebri è LICHTGRENZE (Confine di luci) in cui, in occasione del 25° anniversario dalla caduta del muro, ha ricostruito il tracciato dell'ex muro di Berlino con dei grandi palloncini luminosi.

Altri lavori degni di nota:

SKALAR

DEEP WEB

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Fabian Knecht è un artista tedesco nato a Magdeburgo nel 1980. I suoi lavori esplorano un mondo sempre più determinato da regole e strutture preesistenti, disturbando i modelli comportamentali e percettivi, attaccando concetti artistici e strutture di potere, e interrogando le relazioni sociali e le norme attraverso contro-immagini potenti. Knecht è interessato a un'esperienza diretta e non mediata dell'arte, tagliando attraverso la quotidianità e rifiutando la romanticizzazione del mondo. Le sue opere spaziano dall'azione alla performance, dall'installazione alla fotografia.

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Dal 2015, Knecht ha lavorato alla sua serie Isolation, creando spazi espositivi effimeri nel mondo esterno anziché in un museo. Questi spazi, costruiti attorno a scene nell'ambiente, destabilizzano le percezioni del "naturale" e dell'"artificiale" e offrono nuove prospettive sull'arte readymade e sulla teoria museale contemporanea.

Dal 2005, le opere di Knecht sono state influenzate dai suoi viaggi in Ucraina, dove si è impegnato come volontario dopo l'invasione russa del 2022. Queste esperienze hanno lasciato tracce nella sua pratica artistica, sintetizzate nella serie Der Weg des Größten Widerstandes (Il cammino della massima resistenza), considerate da Knecht come sculture umanitarie che contribuiscono a finanziare progetti umanitari.

La sua formazione include studi presso l'Università delle Arti di Berlino, l'Istituto per gli Esperimenti nello Spazio e il California Institute of the Arts. Le sue opere sono state esposte in istituzioni nazionali e internazionali, tra cui la Biennale Internazionale per i Giovani Artisti di Mosca, la Neue Nationalgalerie di Berlino e il Museo Nazionale di Poznan.

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Non è una galleria, non sono riproduzioni di piante. È Isolation di Fabian Knecht, installazione immersiva in forma di white cube situata nei pressi della cittadina tedesca di Buckow, a est di Berlino. Più specificamente nel bel mezzo di una foresta, nel parco naturale di Märkische Schweiz, dove Knecht ha deciso di attuare un’opera paradossale in cui espositore ed esposto s’includono vicendevolmente.

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Isolation di Knecht è insomma un percorso in cui artificio e natura s’incontrano in maniera inedita, aiutando lo spettatore a focalizzarsi sulla complessissima semplicità della natura in un momento storico in cui un po’ di attenzione all’ambiente non guasta di sicuro.

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Anzichè portare la natura in una galleria, l’artista ha infatti scelto di portare una galleria nella natura, costruendola in base alle “opere” esposte e al percorso da lui pensato: una galleria sviluppata a partire dal suo contenuto. E le opere esposte sono veri e propri frammenti di paesaggio, selezionati dall’artista e nitidamente isolati dai 180 metri quadri di ambienti in stile white cube da lui costruiti.

Una galleria che diviene dunque parte dell’opera, il cui fine ultimo è una rieducazione allo sguardo, alla contemplazione, allo stupore di ciò che da sempre ci circonda. Isolation intende risvegliare l’arcaica meraviglia dell’ammirare la natura, così com’è e come è sempre stata, con un semplice gesto: l’isolamento.

Nello scegliere e isolare piccole porzioni di paesaggio, Knecht le “accende” e stimola lo spettatore ad osservarle come si guarda un fiore colto da un prato fiorito. L’effetto decontestualizzante delle pareti bianche, infatti, canalizza l’attenzione e trasforma il campione di paesaggio in un microcosmo con le sue peculiarità interne, analogie, rimandi, differenze. Una moltitudine di dettagli e relazioni che molto spesso non si è abituati a cogliere durante una normale passeggiata.

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Alfredo Jaar è un artista, architetto e filmmaker che vive e lavora a New York. Il suo lavoro è stato ampiamente esposto in tutto il mondo. Ha partecipato alle Biennali di Venezia (1986, 2007, 2009, 2013), Sao Paulo (1987, 1989, 2010, 2021) e alla Documenta di Kassel (1987, 2002).

Importanti mostre personali includono il The New Museum of Contemporary Art, New York (1992); Whitechapel, Londra (1992); Moderna Museet, Stoccolma (1994); The Museum of Contemporary Art, Chicago (1995); e The Museum of Contemporary Art, Roma (2005). Recenti importanti rassegne del suo lavoro hanno avuto luogo al Musée des Beaux Arts, Losanna (2007); Hangar Bicocca, Milano (2008); Alte Nationalgalerie, Berlinische Galerie e Neue Gesellschaft fur bildende Kunst e.V., Berlino (2012); Rencontres d'Arles (2013); KIASMA, Helsinki (2014); Yorkshire Sculpture Park, Regno Unito (2017); Zeitz MOCAA, Città del Capo, Sudafrica (2020); SESC Pompeia, San Paolo (2021) e Museum of Contemporary Art, Hiroshima (2023).

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Autore: Alfredo Jaar

Luogo di esposizione: Art Institute of Chicago, Chicago, USA

Data di esposizione: 1995

Allo stesso tempo un commovente elogio e un istigatore, The Sound of Silence rappresenta una potente testimonianza della lunga analisi di Jaar sulle ingiustizie politiche e sui limiti della loro rappresentazione attraverso le immagini. L'inaugurazione sarà aperta al pubblico sabato 28 febbraio, dalle 18 alle 20, alla presenza dell'artista.

Quest'opera è in grado di evocare emozioni intense e di stimolare una riflessione critica sull'impatto delle immagini nel sensibilizzare il pubblico verso le tragedie umane. La combinazione di narrazione visiva e spazio oscuro crea un'atmosfera coinvolgente che lascia il segno.

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Autore: Alfredo Jaar

Luogo di esposizione: Times Square, New York, USA

Data di esposizione: 1987

"A Logo for America" è una performance che utilizza un tabellone elettronico a Times Square per sfidare il concetto di identità nazionale e il termine "America". L'opera critica la tendenza a usare "America" per riferirsi solo agli Stati Uniti, escludendo il resto del continente americano.

L'opera è potente nella sua semplicità e nel suo messaggio diretto. La scelta di un luogo iconico come Times Square amplifica l'impatto del messaggio, obbligando i passanti a confrontarsi con le implicazioni di un linguaggio spesso utilizzato in modo esclusivo e improprio.

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Autore: Alfredo Jaar

Luogo di esposizione: Diverse location internazionali

Data di esposizione: 1994-2000

Il "Rwanda Project" è una serie di installazioni e opere multimediali che riflettono sul genocidio in Rwanda del 1994. Jaar utilizza fotografie, video e testi per documentare la tragedia e criticare la mancanza di risposta internazionale.

Questo progetto è un esempio straordinario di come l'arte possa essere utilizzata come strumento di testimonianza e denuncia. Le opere di Jaar non solo commemorano le vittime, ma invitano lo spettatore a una riflessione sul ruolo della comunità internazionale e sulla responsabilità individuale di fronte a tali atrocità.

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Autore: Rafael Lozano-Hemmer

Luogo di esposizione: Mexican Pavilion, Venice Biennale, Venezia, Italia

Data di esposizione: 2007

"Pulse Room" è un'installazione interattiva composta da centinaia di lampadine incandescenti sospese che si accendono al ritmo del battito cardiaco dei visitatori. I partecipanti toccano un sensore che trasforma il loro battito in un segnale luminoso, creando un paesaggio di luci pulsanti che riflette il battito collettivo dei presenti.

Quest'opera è affascinante per come riesce a rendere visibile un aspetto intimo e personale come il battito cardiaco, trasformandolo in un'esperienza condivisa e visivamente coinvolgente. L'interazione diretta con il pubblico aggiunge un elemento di unicità e connessione umana.

#interactive #emozionale #immersivo

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Autore: Camille Utterback e Romy Achituv

Luogo di esposizione: Ars Electronica, Linz, Austria

Data di esposizione: 1999

"Text Rain" è un'installazione interattiva che utilizza la videoproiezione e la realtà aumentata per far cadere lettere e parole su uno schermo. I visitatori possono interagire con queste lettere usando il proprio corpo, muovendosi per farle rimbalzare, raccoglierle e formare frasi leggibili.

Quest'opera combina tecnologia e poesia, trasformando il corpo umano in uno strumento di lettura e creazione. È intrigante vedere come un semplice movimento può influenzare e interagire con il testo, rendendo la letteratura una parte tangibile e giocosa dello spazio.

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Autore: Random International

Luogo di esposizione: Barbican Centre, Londra, Regno Unito

Data di esposizione: 2012

"Rain Room" è un'installazione interattiva che permette ai visitatori di camminare attraverso una stanza in cui piove costantemente, senza mai bagnarsi. Sensori di movimento rilevano la presenza delle persone e interrompono il flusso d'acqua intorno a loro, creando un'esperienza surreale e magica.

L'opera crea un'esperienza quasi mistica, permettendo ai visitatori di vivere la pioggia in modo completamente nuovo. La sensazione di controllo sulla natura e l'illusione di rimanere asciutti in mezzo a un temporale sono sorprendenti e memorabili.

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Autore: Refik Anadol

Luogo di esposizione: Kraftwerk, Berlino

Data di esposizione: 2019

"Latent Being" è un'installazione site-specific di Refik Anadol, artista noto per il suo lavoro con l'intelligenza artificiale e i dati. L'opera utilizza algoritmi di machine learning per trasformare enormi quantità di dati in visualizzazioni luminose proiettate all'interno del Kraftwerk. L'installazione esplora la relazione tra l'architettura e i dati, creando un ambiente immersivo e interattivo.

"Latent Being" dimostra come l'intelligenza artificiale possa essere utilizzata come mezzo artistico per creare esperienze visive straordinarie. La capacità di Anadol di trasformare i dati in arte visiva offre una nuova prospettiva sulla relazione tra tecnologia e creatività, rendendo l'opera un'esperienza coinvolgente e intellettualmente stimolante.

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Autore: Chris Milk

Luogo di esposizione: Barbican Centre, Londra, Regno Unito

Data di esposizione: 2013

"The Treachery of Sanctuary" è un'installazione interattiva composta da tre pannelli alti e bianchi che proiettano le silhouette dei visitatori mentre si muovono. Ogni pannello rappresenta una diversa fase della trasformazione: nascita, morte e rinascita, utilizzando il tema degli uccelli come metafora visiva.

Questa installazione tecnologicamente avanzata coinvolge lo spettatore in un viaggio simbolico, amplificando i movimenti umani per esprimere temi universali come la creazione e la perdita. La combinazione di tecnologia e interazione visiva rende l'esperienza sorprendente.

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Immagina un luogo in cui le buone notizie ricevono l’attenzione che meritano.

“Where Good News Go Viral” è un’installazione interattiva che vuole dare vita a storie emozionanti e leggere.

Nell'era dell'informazione incontrollata, dove le cattive notizie dominano il panorama mediatico, quest’installazione vuole sorprendere e contagiare un sorriso.

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"Where Good News Go Viral" vuole offrire non solo un contrappunto al sovraccarico di informazioni negative, ma ci vuole trasportare in una dimensione utopica dove le buone notizie risuonano con forza.
Un'esperienza interattiva che ci ricorda che la positività esiste, anche se spesso rimane nascosta e al tempo stesso vuole farci riflettere sulla manipolazione dell’informazione e sul concetto di eco mediatico.

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“Where Good News Go Viral” si mostra come un panorama utopico popolato da tutte le informazioni positive disperse, che non ci hanno mai raggiunto, poiché non vengono condivise abbastanza.
Giungono in questo posto sospeso creando delle nuvole.

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Le notizie negative dominano il panorama mediatico, creando una falsa percezione del mondo. Statisticamente, le bad news hanno un'eco maggiore rispetto a quelle positive.

È da questi dati che nasce questo progetto che mira a contrastare ciò, mettendo in mostra storie positive in modo coinvolgente.

Non si tratta di ignorare il negativo, ma di offrire una prospettiva equilibrata, offrendo una visione di un mondo squilibrato nel senso opposto.

L'utilizzo di storie e immagini leggere sottolinea ulteriormente il messaggio positivo senza voler incitare la positività forzata.

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‘1998’ è una serie di opere, che riflettono la resistenza di una generazione contro la pressione alla produttività e la frenesia del mondo moderno. Il 1998 è un anno rappresentativo per l‘ultima generazione che ha vissuto la transizione fra il mondo analogico e quello digitale. Prima dell’avvento dei social e del sovraccarico di informazioni. L’espressione avviene tramite una ricerca di texture e pattern, generati tramite il movimento di oggetti tridimensionali, tipografia, giochi di luce e materiali, che muovendosi a ritmo di musica non rimangono mai uguali. In un mondo che condanna l’improduttività e l’inefficienza, ‘1998’ è uno statement fine a se stesso, che non ha scopo se non quello di esprimersi e offrire un momento di intimità oltre al rumore della modernità.

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Le opere di '1998' esplorano la complessità dell'esperienza umana nell'era digitale, in particolare l'anno '1998', simbolo di una generazione a cavallo tra il mondo analogico e digitale. Queste opere la riflettono con un contrasto: oggetti tridimensionali sembrano essere disegnati con gesso su uno sfondo nero, venendo riportate alle due dimensioni. La tipografia caotica, presente in molte opere, crea pattern e texture senza la necessità di essere leggibile. Questo caos tipografico rappresenta il sovraccarico di informazioni a cui si è esposti quotidianamente. L'uso esclusivo del bianco e nero mira a portarci in una dimensione surreale e intima, semplificando la complessità delle forme e delle texture. '1998' offre uno spazio creativo puro in un'epoca dominata dalla produttività e dalla funzionalità.

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"Gaia", Luke Jerram, 2018, Oxford Festival of the Arts.

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PERSONAL /

Un mio contributo personale.

Collocando ogni opera/installazione nel suo ambito d'appartenenza, voglio raccontare le varie sfaccettature della realtà che mi circonda.

NATURALE

Il mondo fisico.

SOCIOPOLITICO

Il mondo delle idee.

IMMERSIVO / AUDIOVISIVO

Il mondo dell'astrazione.

INTERACTIVE

Il mondo dell'azione.

SENTIMENTO

Il mondo delle emozioni.