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Hola, mi nombre es Miriam Schapiro, aunque algunos me llaman Mimi Appleseed debido a mi viejo amigo Johnny Appleseed, quien por sueño el vivir en unas tierras en las que los manzanos floreciesen por todas partes.

Soy una de las pioneras en el arte feminista estadounidense, he abierto caminos cerrados y desconocidos para la mujer artista y he participado en numerosos programas para reivindicar nuestros derechos en este campo. ¿No me conoces? Bueno, pues esta es mi historia.

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Como hemos venido viendo, todos sabéis que fui una pintora figurativa que experimenté numerosos movimientos y cambios artísticos, pues no solo abordé el expresionismo, sino que también el informalismo y el arte feminista.

Podría decir que mi estilo se fue definiendo poco a poco a lo largo de los años, hasta conformar un arte, desde mi apreciación, muy personal, en el que trabajé con collages y con elementos cotidianos y artesanales, algo que nunca se había visto de esta manera. En mi obra represento mi identidad como una artista, que trabaja en la abstracción contemporánea con el desafío de representar la conciencia de las mujeres, es por ello, por lo que a menudo, veréis que uso iconos o patrones asociados a las estas.

En un primer momento, en mi estancia en Nueva York en 1946, realizaba cuadros que se encontraban dentro del expresionismo abstracto, pero, ¿os podéis creer que mi condición de mujer, hizo que no pudiera progresar en este movimiento y que no fuera reconocida como artista a pesar de la calidad y el éxito de mis creaciones?

Por ello, no pensaba quedarme de brazos cruzados, y, este hecho, sumado a la ideología que sustentaba, hizo que en 1970, comenzara a optar por un arte orientado al ensalzamiento de la mujer y sus cualidades. Sería aquí donde decidiría, junto a la gran artista y compañera, Judy Chicago, crear un Programa de Arte Feminista, que fue, ni más ni menos, el primer departamento de conocimientos feministas en el espacio universitario.

Es así interesante, que reparéis en uno de los proyectos que surgieron en este Programa, conocido como la Womanhouse (1972), que fue, y lo digo con orgullo, la primera exposición colectiva de arte feminista. El proyecto consistió en la intervención de una casa abandonada, y la reconstrucción de cada una de sus habitaciones de una manera bastante crítica, pues pretendíamos transmitía la idea del espacio doméstico como lugar de dominación del cuerpo de la mujer y la proclamación del matrimonio y la sexualidad como sistemas de encierro y disciplina.

Así, a lo largo de toda la estructura instalamos elementos relacionados con lo que se le asignaba a la mujer en la sociedad. Y a través, precisamente, de una sucesión y repetición de los mismos, expusimos el carácter restrictivo de lo femenino.

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PENSEMOS JUNTOS...
Contemplad esta imagen superior y tratad de analizarla en relación con lo que os he contado anteriormente... ¿No son curiosos los elementos que se aprecian en las paredes? ¿Qué os sugiere todo ello en conjunto?
PISTA: relacionad estos elementos, con el espacio donde se encuentran... ¡a pensar!

Después de reflexionar, espero que hayáis entendido en gran medida lo que pretendía transmitir, y evidentemente sí, se  trata de una cocina, en la que se pretendimos manifestar que cocinar y alimentar, son tareas que han sido impuestas por la sociedad, y no por la biología. De ahí que se integrásemos senos y huevos en las paredes.

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Nací en Toronto, Canadá, el 15 de noviembre de 1923, como hija única de unos padres ruso-judíos: Fannie Cohen y Theodore Schapiro. Ya desde hacía tiempo atrás mi familia era formada por personas fuertemente trabajadoras, como mi abuela materna, que inventó el primer ojo de muñeca móvil de Estados Unidos; o mi abuelo paterno, que no solo era un importante rabino sino que cosía la ropa para las expediciones al ártico.

Mi faceta más creativa me viene sin duda de mi padre, que además de ser un gran artista era un intelectual que se acabó por ganar la vida como diseñador industrial. Pero esto no quiere decir que mi madre fuese menos relevante en mi carrera artística, ya que estoy segura de que sin su amor y apoyo incondicional no podría haberlo logrado.

Mi sueño siempre fue convertirme en una artista como mi padre, y eso se reflejaba en mi personalidad desde muy temprana edad, ¡basta ver que mis primeros bocetos son de cuanto tenía 6 años

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Por otro lado, en el contexto contemporáneo, no se si sabréis que el patchwork, había sido una técnica resultante de la combinación de piezas de tejido cosidas entre sí, que fue retomada por las mujeres como símbolo de su empoderamiento en el ámbito artístico y para romper la visión del hombre como centro de la historia del arte.

Yo fui, precisamente, una de las artistas que más desarrollé esta técnica, pues, como he dicho en numerosas ocasiones, quería validar las actividades tradicionales de las mujeres, conectarme con las mujeres artistas desconocidas que hacían colchas, que habían hecho el ‘trabajo de mujer’ invisible de la civilización... Quería reconocerlas, y sobre todo, honrarlas.

Y que mejor momento, que hablaros aquí de mi obra conocida con el hombre de The Dollhouse que realicé en el año 1972.

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Análisis de The                Dollhouse, 1972  

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Análisis de The                Dollhouse, 1972  

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Como veis, nos encontramos ante una “Casa de muñecas”, en la que utilicé la madera como elemento principal, a la que le fui incorporando otros materiales como la piel, las plumas, las telas, o el plástico (entre otros) a través de una técnica mixta.

En ella, quería representar mis ideales, así que, tras que hayáis observado bien la imagen, comenzaremos a explicarla para que seáis capaces de entender en profundidad, mi objetivo con esta obra...¿igual es mejor que os haga participar, no? ¡Vamos a ello!

PENSEMOS JUNTOS...
En primer lugar vamos a fijarnos en la planta baja, vemos una cocina y un salón, ¿verdad?, ¿qué creéis que trato de representar con estas dos estancias?
Os dejo tiempo para pensar lanzándoos otra pregunta. Veis que hay dos dormitorios, en el que en uno de ellos, existe un elemento curioso...¿no hay un espejo, en el que se ve a una mujer reflejada?
Pero eso no es todo, ¿que creéis que traté de hacer ver, con esa habitación exótica, con colores tan fuertes?, o el hecho, ¿de representar una habitación de bebé, en la tercera planta?

Se que puede ser difícil de comprender, pero os diré mis intenciones, y creo que así, entenderéis el significado de mi obra.

En primer lugar, representando las estancias de la primera planta, traté de demostrar el papel de la mujer como “buena ama de casa”.

Por otro lado, en el dormitorio de la segunda planta, esa mujer del espejo, demuestra esa preocupación de la mujer por alcanzar los ideales de belleza y ser aceptada por el marido.

A su lado, la habitación de apariencia exótica, con motivos orientales y colores puros y fuertes, representa la sumisión sexual de la mujer al hombre. Y. en la planta superior, la habitación del niño o del bebé, transmite ese deber como madre de la mujer.

Pero atentos, todo ello, se envuelve en un ambiente con ciertos elementos que a simple vista parecen insignificantes, pero que, si reparamos en la idea de lo que pretendo transmitir, son tremendamente conmovedores:

En la habitación del bebé observamos una araña y un oso gigante a través de la ventana, además de un monstruo en la cuna.

En el salón vemos una serpiente de cascabel

Unos diez hombres que parecen observarnos, se aprecian en la ventana de la cocina.

¿Cuál es el objetivo de los mismos? ¿Por qué creéis que los incluí?

Si reflexionamos, podríamos decir que todo ello define los peligros ocultos de la realidad femenina y los terrores que existen dentro de sus paredes.

Además, y no menos importante, es tan solo en la última habitación que queda por mencionar, que se corresponde con el estudio de la mujer, donde esta puede sentirse realizada a través del arte. En este caso, el maniquí que se observa es de hombre, pues hago ver que se le ha otorgado el papel de modelo, mientras que yo, asumo el rol de artista.

¿Qué os parece en sí mi idea? Vemos que no solo fundí la ironía con mi habilidad artística, sino que cuestioné las limitaciones femeninas, convirtiendo la vida doméstica en un símbolo del horror.

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Por otro lado, y he de decir que me enorgullece poder decirlo, fui considerada la figura más destacada en el movimiento conocido como Pattern and Decoration, que consistía en utilizar materiales y elementos asociados a la mujer, como podía ser las telas, o los edredones, para crear una obra con ellos, y demostrar que podían tener un alto nivel artístico.

De este modo, destaqué en este movimiento por mis “femmages”, una de las variantes de mi trabajo con el patchwork, donde trataría de mezclar esta técnica con collages cubistas, creando una combinación entre lo público y lo privado.

Creía que para que un elemento pasara a ser considerado como femmage, tenía que cumplir una serie de requisitos, entre los que se encontraban, que fuera trabajo de una mujer, que el tema estuviera en un contexto de vida femenina, o que hubiera imágenes encubiertas, entre otras cosas.

Aquí puedo destacaros mi obra A cabinet for all seasons, donde trataba de representar los cambios y repeticiones que se dan en la vida de la mujer y en su cuerpo.

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OBRAS EN LAS QUE EMPODERA A ARTISTAS PASADAS

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OBRAS EN LAS QUE EMPODERA A ARTISTAS PASADAS

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Pero no solo rendí homenaje a lo que podríamos denominar como “una tradición artesanal femenina”, sino que traté de empoderar y realzar las artistas importantes del pasado. En este sentido y para que lo entendáis, podemos analizar mi obra de Agony in the Garden de 1991.

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Esta obra pictórica realizada que realicé en acrílico sobre lienzo con purpurina, identifica uno de mis iconos femeninos favoritos, sí, Frida Kahlo. Utilizo por ello, su excelente autorretrato de la obra conocida como La Columna Rota, y en este caso, sitúo su figura entre flores, hojas y formas ornamentales, tratando de hacer referencia a la fecundidad.

Pero, ¿no es aparentemente una controversia? pues mientras que en la pintura original, Kahlo, hace referencia a la herida que la dejó estéril, en este caso, esta misma figura la he insertado en un marco abstracto, pretendiendo representar la fecundidad. Podríais pensar entonces, que he tratado de transformar este problema o trauma, en un asunto más optimista.

Por otro lado, en este caso veis que no he utilizado los materiales que a lo largo de mi obra como artista intenté resaltar continuamente, sino que aludí a ellos, pintándolos. Esto se debe a que pretendí hacer una alusión a los cánones del arte que se encontraban con anterioridad al cubismo y a los collages, y que definían cuales debían de ser los materiales “correctos y adecuados”, para las obras.

Para tratar la importancia del título y de su relación con la obra, es necesario que sepáis, que “La agonía en el jardín” es un pasaje de la Biblia que se inserta en el Nuevo Testamento. ¿Por qué tomé este título para mi obra? Para hacer referencia a los temas “políticamente correctos” del arte clásico. Como sabemos, para que una obra fuese aceptada como arte en el pasado, tenía que encontrarse dentro del ámbito religioso y representar temas bíblicos. Por ello decidí tomar este tema y modificarlo trasmitiéndoos mi mensaje.

Es una obra por otro lado, que debería de produciros un fuerte contraste de emociones, al representarse la mujer llorando en el centro del cuadro, pero rodeada de motivos coloridos y “alegres”.
Este hecho, de nuevo tiene una explicación, pues trato de ensalzar la figura de la mujer artista que a lo largo de la historia no ha tenido importancia, ni se le ha dado el mérito merecido, exponiéndola en el centro para representarla en el lugar donde debería de ser colocada.

Por todo lo mencionado, quiero que consideréis este cuadro como una obra de gran interés, pues no solo pretendí recoger el sufrimiento de todas las artistas, sino que traté también de darles voz y ubicarlas en el lugar donde merecían estar.

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¿POR QUÉ HAN DE RESULTARNOS INTERESANTES, POR LO TANTO, SUS OBRAS?

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¿POR QUÉ HAN DE RESULTARNOS INTERESANTES, POR LO TANTO, SUS OBRAS?

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Por todo lo acontecido, creo que deberías de otorgarle gran importancia a mis obras, así como que las valoraseis, porque de esta manera, ponemos en valor a las mujeres que han sido borradas de la historia. Mis obras como hemos visto, no solo supusieron inicios de tendencias en cuanto a materiales, o técnicas, sino que además, tuvieron un gran valor artístico, y sobre todo, un mensaje muy poderoso. De esta manera, traté de potenciarme como mujer, y buscarme un hueco en la gran historia del arte que había sido protagonizada esencialmente por hombres, a través de de todo esto que critica la realidad viviente de la mujer en la sociedad.

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Corría el año 1930, cuando me tuve que mudar a Nueva York debido a la gran depresión económica. Con tan solo 7 años mis padres me animaron a empezar una carrera como artista, aunque desde muy pequeña ya me encantaba este mundo. Pues empece a estudiar y a formarme en el Museo de arte moderno o MOMA  como muchos lo conocéis. Aquí empezó todo.

Tras años de formación me acuerdo que cuando presente uno de mis cuadros haya por 1958 , sufrí una gran discriminación de genero. Este era un mundo de hombres dominado por hombres. Mi obra “Fanfare” era un gran ejemplo de pintura expresionista abstracta la cual no tenia nada que envidiar a las obras de mis colegas Mondrian,Kandinsky, Rafael Zabaleta , Gen Paul  ...

Ya se que muchas de vosotras y muchos de vosotros estaréis diciendo que a ellos los conocéis y a mi Miriam Schapiro no.Es por eso que mi vida se baso en la lucha y en la reivindicación por la mujer.

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Unos años mas tarde cuando me mude a California en 1960, me di cuenta de que yo por ser mujer estaba siendo aún mas discriminada, no reconocían mi obra como si podían hacer con la obra de aquel gran artista Gótico Jan Van Eyck.En un intento de cambiar el mundo y la sociedad me adentre en el activismo feminista, el sucesor de aquellas grades mujeres sufragistas que cambiaron el mundo entero. Si ellas lo consiguieron, ¿Por que yo no puedo hacer que el mundo visibilice las obras de todas las mujeres?. Pues si chicas y chicos , me adentre en una aventura donde busque temas, estéticas que representaran a la perfección la identidad de la mujer y sus roles en esta nuestra sociedad. ¿Me vais entendiendo? Bueno de todas formas vamos a hacer algo:

Te voy a proponer que con tus dedos de las manos nombres a 10 hombres artistas...................................................¿Ya esta? ¿Me podrías nombrar a otros 10?....................................Me parece que esto se te da muy bien. Ahora repite esto mismo con mujeres artistas que conozcas, y saca tus propias conclusiones.

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Bueno pues así me encontraba yo sin reconocimiento y siendo discriminada. Así que de nuevo me lance a la aventura. Tenia un amigo David Navilof era un gran físico, y me ayudo muchísimo. El me enseño a utilizar programas de sotware  para realizar arte visual. Así que cree una pieza de la que estoy muy orgullosa  “OX” es una letra O que superpone la letra X. Con esta obra intente recrear los órganos genitales femeninos, y esta obra fue un gran avance para el movimiento feminista.

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Poco a poco fui consiguiendo cosas de las que me sentiré muy orgullosa siempre.En 1970 funde el primer, si escuchasteis bien el primer programa feminista de Estados Unidos, y os preguntareis ¿Como es posible que sea el primer programa? Pues muy fácil a 30 años de entrar en el siglo XXI la mujeres aún no teníamos el reconocimiento que nos merecíamos.Ademas también cree la categoría femmage de la que ya se ha hablado, pero si no os acordáis os lo resumo.Yo utilizaba materiales, objetos y técnicas que se asociaban a la mujer para hacer collages.

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En una ocasión dije que el idealismo del movimiento cambio mi vida. Así es la cambio, y la cambio para bien. Yo me vi forzada  a un olvido que no correspondía con mis éxitos como mujer artista.Yo me vi muy discriminada como casi todas por no decir todas mis compañeras artistas , nosotras no fuimos incluidas en los Annales de la historia.El imaginario colectivo, igual que los conceptos de éxito, y el concepto de genio han sido creados , diseñados,y perpetuados  por el hombre, hacia el hombre, y para el hombre.Por esto yo como mujer me sentí discriminada.Mi obra ,  por y para la que vivi, trabaje, y sufrí no esta siendo reconocida, y nunca tuve cabida en este mundo. Por eso me llene de fuerza y valor para gritar y exponer lo que yo quería, porque somos iguales hombres y mujeres, y una obra no puede ser vista , observada, y valorada dependiendo del sexo del autor o autora.

Yo era vista como una inteligencia menor que a la de mis compañeros hombres, solo por ser mujer.Que triste me pone saber que a día de hoy seguimos sin tener el reconocimiento que nos merecemos , o que se sigan mal interpretado obras como las de mis compañeras Artemisia Gentileschi, o Clara Peeters.La verdad que si que doy gracias por poder exponer mis obras como mías que fui yo quien las creo y no como muchas otras que la autoria fue robada por sus maridos o familiares varones.El papel de la mujer en el mundo me pone muy triste y espero que esto llegue a cambiar.

El 20 de Junio de 2015 me fui de este mundo el cual no me comprendía, pero me fui con una sonrisa sabiendo que había logrado algo y que poco a poco muchas mas mujeres seguirían este camino.

Hoy desde donde quiera que este  sigo observando que mi persona sigue aún siendo poco conocida. Le doy las gracias a el National Academy Museum de Nueva York por exponer mi obra y mi vida , y poco a poco darme a conocer.

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Entre 1937 y 1941, asistí al Erasmus Hall High School, en Brooklyn, Nueva York. Durante este periodo de mi vida, asistía religiosamente todos los sábados a las clases impartidas por el Museo de Arte Moderno.

Más tarde, me uní a la Universidad Estatal de Lowa, en Lowa City, donde logré estudiar con más profundidad la pintura y el grabado, tomando mi primer contacto con las artes mixtas.

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Entonces, en 1946, conocí al amor de mi vida, Paul Brach, con quien me casé ese mismo año. Él también era judío, y llegó a conseguir que conectase con dicha religión como no lo había hecho antes, pues hasta ese momento yo me consideraba culturalmente judía, algo consecuencia del entorno en el que me había criado y no una elección propia o consciente

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En 1950 empecé mi carrera en el mundo laboral, iniciándome como secretaria de un rabino local y como profesora de artes para niños en Missouri, donde Paul estudiaba. A partir de ahí tuve diversos trabajos, ya que entre 1952 y 1955 trabajé no solo como profesora de artes infantiles, sino como secretaria de agentes inmobiliarios y asistente en una librería de Nueva York.

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Fue en esta última fecha cuando apareció el segundo amor de vida, mi hijo Peter.

Además de esto, me convertí por fi en una artista a tiempo completo, exhibiendo en exposiciones neoyorquinas mi arte expresionista abstracto durante los 50. Y esto resultó en algo mucho más grande de lo que puedes pensar en un primer momento, porque fui reconocida como una de las impulsoras de la segunda oleada de este movimiento, ¡un miembro oficial¡

Era conocida por ser una pintora figurativa, por usar colores suaves y trazos expresivos. Ya en estos primeros años de mi carrera como artista, mi lado feminista se empezaba a vislumbrar, colándose las primeras figuras femeninas en mis obras.

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En 1967 decidimos mudarnos a California, donde me convertí en profesora de teatro en el departamento de arte de la Universidad de California en San Diego. Fue entonces cuando me convertí en una de las primeras artistas en reconocer el verdadero potencial del ordenador como un instrumento más.

Comencé a experimentar con este nuevo medio, realizando una serie de pinturas y dibujos geométricos que, sin yo saberlo en ese momento, condicionó gran parte de mi futuro arte. Es también alrededor de estas fechas cuando cree OX como protesta y fruto de mi pertenencia a grupos de concienciación de los derechos de la mujer

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En la década de los 70 decidí comprometerme completamente con una causa con la que este momento había tonteado, el feminismo en el arte, el papel de la mujer en el mundo creativo, todo ello como resultado de mi ya experimentada vida en un mundo laboral esencialmente patriarcal.

Fundé, junto con mi fiel amiga Judy Chicago, el primer programa de arte feminista en el Instituto de Arte de California, donde enseñábamos a jóvenes artistas y codirigíamos el proyecto Womanhouse, la renovación de una casa como metáfora de la prisión de la mujer. Cree Dollhouse, una casita de muñecas donde cada habitación era única, donde cada espacio estaba pensado al detalle y a rebosaba en decoración y color.

Usé mi obra, mi trabajo y mi éxito para publicitar el producto de las mujeres que producían hermosas artesanías en sus casas de forma anónima, a veces empezando mis obras a partir de lazos o servilletas.

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Aqui una foto de Judy y yo siendo las buenas amigas que éramos

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Me convertí en un miembro principal de la College Art Association, donde reclamábamos una mejor representación de la mujer como artista en los libros de historia. Así mismo, era también uno de los lideres de Pattern and Decoration, un movimiento ya de finales de los años 70 que ofrecía una alternativa al frío y estricto mundo del Minimalismo y los movimientos conceptuales nacidos en los 60.

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Durante mi vida exploré multitud de ámbitos, pintándolos todos con mi siempre presenté deseo por el reconocimiento y la igualdad, la eterna lucha de la mujer. Inventé términos y estilos e incluso reclamé técnicas como el collage de textiles y pintura usa por Picasso, un conocido misógino, renombrándolo con el nombre femmage.

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Fallecí de causas naturales un sábado de 2015 en mi casa de los Hampton, en Nueva york, con la edad de 91 años.

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Por hacer un breve resumen, durante mi vida inicié el segundo movimiento de Expresionismo Abstracto, elevé el status de los patrones, las artesanías y las decoraciones, di a conocer el trabajo anónimo y doméstico de numerosas mujeres. No solo esto, sino que cree junto con Chicago el un programa de arte feminista que acabó por convertirse en un centro donde se formularon y diseminaron nuevos pensamientos basados en las artes, la historia de la mujer y la experiencia social.

Creé Womanhouse, llegando a atraer miles de visitantes y llamando la atención de los medios de comunicación nacionales. Y rompí la barrera entre arte de élite y artesanía, dándole un nuevo valor a las artes decorativas y artesanales.

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Además no es por fanfarronear, pero también llegué a recibir numerosos premios, comenzando por el Skowhegan Medar for Collage (1982), hasta el Lifetime Achievement Award, Women’s Caucus for Art (2002), pasando por becas como la Guggenheim Fellowship para Fine Arts en Estados Unidos y Canadá (1987) premios honorarios como el National Association of Schools of Art and Design (1992), doctorados honorarios como el de Fine Arts legado por la Universidad de Arts and Crafts de California (1909)

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Con todo esto, espero que hayas podido a entender no solo mi vida y mi trabajo, sino el papel de la mujer en el mundo creativo y la lucha que se ha tenido que hacer durante años y que aún debe de seguir haciéndose, pues como yo otras muchas mujeres han sido perdidas en la memoria popular a pesar de haber supuesto grandes cambios en el arte moderno.

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Ahora os voy a hablar de mi evolución como artista, es decir, voy a contaros como empecé en el arte, como evolucioné y como cambié.

Comencé mi carrera profesional como artista creando dibujos y pinturas de las que tomé influencia en el movimiento expresionista de los años 1953-1957, si que es verdad que mis obras comenzaron a tener bastante influencia entre el público pero igualmente me encontraba bajo la discriminación que sufríamos y sufrimos las mujeres bajo el éxito de los hombres.

Fui dueña y cree mi propio lenguaje gestual, decidí basarlo en “pintar finamente y limpiar”, tomé esta decisión por que me parecía tan importante el espacio en blanco, es decir, la zona limpia como la zona pintada. Estas obras las pinte de manera abstracta fijándome en las obras en blanco y negro de “los viejos maestros”. En diciembre del año 1957 una de mis obras fue escogida por André Emmerich para ser expuesta en su galería, esto me causó no solo una gran alegría sino que dio mas pie a la fama que me surgiría.

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En 1964 tome la decisión junto a mi marido, Paul, de trabajar en el Tamarind Lithography Workshop, esto significó uno de los mayores puntos de inflexión de mi carrera artística ya que me dediqué a trabajar en el taller y a experimentar con el papel de Color-Aid de Josef Albers, comencé gracias a ello a realizar nuevos santuarios y no solo eso sino también mis primeros collages. Esta técnica del collage se originó en 1912 de la mano de Picasso y George Braque. En sus inicios, ambos comenzaron a incluir papeles de tapizar, trozos de mantel y envoltorios  a sus obras. A partir de aquí las técnicas han pasado por diversos movimientos, y uno de ellos es el mío, el femmage, del que luego os hablaré.

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Fui con mi marido a California en 1967, allí Paul fue el presidente y creador del departamento de arte y yo me dediqué a enseñar en su departamento. En la UCSD empecé a formar, mi filosofía de enseñanza, empecé a ver lo restrictiva que era ser profesora, y sentí que me correspondía saberlo todo para informar a mis alumnos.

Me di cuenta de que las clases de alumnos eran muy abundantes, lo que relataba lejano y un obstáculo para relanzar la enseñanza, por lo que la Universidad de California necesitaba un cambio en su forma de enseñar. Fue entonces cuando conocí a Judy Chicago (en una de sus conferencias), nos hicimos amigas y creamos un curso conjuntamente, la womhanhouse, este proyecto se trata de el Feminsit Art Program en el lInstituto de Artes de California.  El resultado de este programa se vio reflejado en el año 1972 cuando organizamos la Womanhouse en la que a parte de Judy y yo otras 22 mujeres artistas nos dedicamos a restaurar la casa abandonada con el objetivo de tratar puntos feministas como puede ser la domesticidad, el cuerpo, la identidad o los estereotipos.

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En California la Womanhouse no fue mi único proyecto, sino que también  pude conocer a David Nalibof del cual me hice gran amiga. David era un extraordinario físico que se dedicaba a trabajar para General Dynamics, gracias a su investigación tuve la oportunidad de ser una de las primeras artistas en poder utilizar el software informático en las artes visuales. Gracias a este avance cree varias obras que pasaron a la historia como icónicas en el propio arte per también en el feminismo como por ejemplo la obra de OX, la cual realice en 1967, en esta obra sobrepuse una letra O sobre una letra X realizadas a partir de figuras geométricas digitalizadas que recrean los órganos genitales femeninos

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¿Alguno o alguna sabe lo que es el estilo femmage? si la respuesta de todos es NO, cabría replantearse por qué un estilo tan original e importante en el arte no es conocido a nivel general.

El Femmage es la actividad de collage, déocupage y foto montaje que practican las mujeres usando “técnicas tradicionales de mujeres: costura, perforación, enganche, corte, cocina y similares” al que yo di pie.

Lo que aporte al feminismo y la categoría de Femmage se trata de un estilo como ya mencioné antes de collage, en el que utilizo materiales, objetos y técnicas artesanales relacionadas culturalmente con las mujeres.

Cree una serie de grandes Femmages, entre ellas “A cabinet all seasons”, esta era mi versión poética de la representación de cambios y repeticiones continuas en todos los cuerpos y vidas de mujeres.

Tuve un rasgo propio y característico mío en mis collages y era que durante mis viajes por los Estados Unidos dando conferencias, pedía a mis asistentes mujeres un recuero, recuerdos los cuales utilizaría después en el collage como pintaras. Además también realicé proyectos de arte colaborativos como mi serie de grabados “Anónimo era una mujer”  en el año 1977. En este año surgió también en mi la idea de la publicación especial de Herejías surgió en mi como una continuación de las ideas de publicación que habíamos probado en CalArts regresé a Nueva York donde presenté la idea de una revista que se haría muy popular, la revista herejías se convirtió en una de las mejores declaraciones filosóficas del pensamiento feminista. Lo que haríamos sería democratizar el arte.

Finalmente, cuando llegué a la década de los años 90, decidí comenzar a explorar mi identidad como judía en mis pinturas, construí de esta manera habitaciones con diferentes recuerdos que pertenecen a mi herencia judía. Mi declaración del arte judío mas explícita en el arte se trata de las “Cuatro Matriarcas”. También traje conmigo en esta década un trabajo que relacioné con las mujeres rusas vanguardistas.