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3 Interstellar project Cornfield chase (Cédric et gabriela)  le 01 03 26

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4 Interstellar projet No Time for Caution (Final) (Cédric et Gabriela) le 01 03 26

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2 Interstellar Project Mountain (Cédric et gabriela)  le 01 0326

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1 Interstellar Project Main Thème et no time for caution (Cédric et Gabriela) 01 03 26

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Cliquez sur audio samples :)

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cliquez sur audio samples :)

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My Favorite Things arranged by Robert Buckley

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The Queen of Soul (Remembering Aretha Franklin) arr. Paul Murtha

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Superstition by Stevie Wonder/arranged by Paul Murtha

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City of Stars (from La La Land) arranged by Johnnie Vinson

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Soul Bossa Nova by Quincy Jones/arr. Johnnie Vinson

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My Three Favorite Pets – Sven Van Calster

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Bonjour à tous, voici ce petit lien pour avoir libre accès à toutes les audios des albums qu'on travaille en cours. Amusez vous bien :)

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Classe de clarinette Centre Musical La Balinière Rezé

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Bonjour à tous!

Le grand jour du début du déconfinement est arrivé et je voudrais partager avec vous une musique qui m'inspire plein de positivisme et de gratitude.

Aussi, il s'agit d'un genre de musique d'Amérique Latine que j'avais oublié de vous présenter au début du confinement: la nueva canción (littéralement nouvelle chanson).

Il s'agit d'un genre musical issu de la musique folklorique latino-américaine. Il joue un rôle important dans les mouvements sociaux en Amérique latine durant les années 1970 et 1980.

Parmi les interprètes les plus connus du genre on retrouve Violeta Parra et Mercedes Sosa.

Mercedes Sosa naît en 1935 dans une famille ouvrière au nord de l’Argentine. Si plus tard elle est surnommée «La Negra », c’est en raison de ses longs et épais cheveux bruns, témoignage de ses origines amérindiennes.

Elle n’écrivait pas ses chansons mais s’est faite la voix et la porte-parole des autres : les poètes et poétesses argentins, les musiciens folkloriques, le « peuple silencieux » qu’elle défendait par ses engagements socio-politiques.

Mercedes Sosa n’a jamais abandonné sa campagne pour les droits de l’homme et la justice, à laquelle s’est ajoutée plus tard la lutte pour la conservation de l’environnement. Son engagement pour la défense de la fraternité des peuples latino-américains lui a valu le surnom de « voix de l’Amérique latine ». En 2008, elle fut nommée ambassadrice de bonne volonté par l’UNESCO et récompensée d’un prix UNIFEM des Nations Unies pour sa défense des droits des femmes

Voici la traduction des paroles d'une des chansons les plus connues de l'artiste chilienne Violeta Parra interprétée par Mercedes Sosa.

Gracias a la vida (Merci à la vie)

Merci à la vie qui m'a tant donné
elle m'a donné deux étoiles et quand je les ouvre
je distingue parfaitement le noir du blanc
et en haut du ciel son fond étoilé
et parmi la multitude l'homme que j'aime.

Merci à la vie qui m'a tant donné
elle m'a donné l'ouïe qui dans toute son amplitude
enregistre nuit et jour grillons et canaris
marteaux, turbines, aboiements, averses
et la voix si tendre de mon bien-aimé.

Merci à la vie qui m'a tant donné
elle m'a donné le son et l'alphabet
avec lui les mots que je pense et déclare
mère, ami, frère et lumière qui éclaire
le chemin de l'âme de celui que j'aime.

Merci à la vie qui m'a tant donné
elle m'a donné la marche de mes pieds fatigués
avec eux j'ai parcouru des villes et des flaques d'eau
des plages et des déserts, des montagnes et des plaines
et ta maison, ta rue et ton quartier.

Merci à la vie qui m'a tant donné
elle m'a donné un coeur qui vibre
quand je regarde le fruit du cerveau humain
quand je regarde le bien si éloigné du mal
quand je regarde le fond de tes yeux clairs.

Merci à la vie qui m'a tant donné
elle m'a donné le rire et elle m'a donné les pleurs,
ainsi je distingue bonheur et déchirement
les deux matériaux qui composent mon chant
et votre chant à vous qui est le même chant
et le chant de tous qui est mon propre chant.

Belle écoute et bon déconfinement à vous tous!

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Très implantés dans le nord-est de la France, les manouches sont la branche la mieux représentée de la migration rom en France. Ils ont combiné au début du xxe siècle la musique d’Europe centrale avec le musette, la chanson française et le jazz swing pour former une musique connue sous le terme générique de « jazz manouche ».

Le jazz manouche est un style de jazz né en France dans les années 1930. Dans sa forme originelle, il se caractérise par l’absence de percussions, de cuivres et de bois – un « jazz sans tambour ni trompette»– et une section rythmique assurée par deux guitares et une contrebasse, ainsi qu’un violon.

Les initiateurs de ce style sont le guitariste Django Reinhardt et le violoniste Stéphane Grappelli, tous deux leaders du Quintette du Hot Club de France.

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Quintett du Hot Club de France - 03 - Promotional

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"Partis du nord de l’Inde au Xe siècle, les Gitans ont traversé une bonne partie de l’Asie et toute l’Europe, adoptant beaucoup de traits culturels des terres traversées. Après un périple de plusieurs siècles, ils s'installent en Europe centrale et arrivent au début du XVe siècle en Basse-Andalousie. Intervenant dans les festivités populaires profanes et religieuses, ils se montrent des interprètes zélés des musiques autochtones, offrant une réinterprétation personnelle, « a lo gitano », d’un répertoire populaire connu de tous. Cette adaptation des formes musicales locales selon des structures qui leur sont propres va participer à la consolidation de la forme définitive du flamenco." (Éduthèque Philharmonie de Paris)

Voici deux vidéos: une de la célèbre chanteuse et danseuse Carmen Amaya et une autre du danseur Farruquito et sa famille.

Profitez bien!

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Carmen Amaya y su troupe por Bulerias - 1961

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Bonjour!

Ça fait plusieurs jours que j'utilise le mot tsigane sans pourtant expliquer qui sont les tsiganes et quelle est la musique tsigane.

Rom est le seul nom que les tsiganes se donnent eux-mêmes, c’est le nom qui signifie «homme» en hindi, mais d’autres noms ont pris le relais en fonction des endroits : tsigane en Europe de l’est, sinté en Allemagne, gypsy en Angleterre ; gitans (au Sud) ou manouches (au Nord) en France.

L'origine des tsiganes est située géographiquement au Rajasthan, en Inde du Nord. Après avoir quitté l'Inde, ils sont passés par la Mésopotamie vers le Proche-Orient et la Turquie, où une grande partie d’entre eux serait restée pendant environ trois siècles (entre le XIIe et le XVe siècle).

Ensuite, ils ont continué vers l’Ouest et le Nord de l’Europe, via la Perse, l’Arménie, le Caucase et, plus tard, la Russie pour atteindre même la Scandinavie. Au XVe siècle, ils ont déjà été dispersés dans toute l'Europe, y compris l'Angleterre et l'Ecosse.

La musique tsigane a été et reste le meilleur passeport des tsiganes - même s’il n’y pas une, mais plusieurs musiques au sein du peuple rom, marquées par la géographie, la culture, les traditions et les instruments des pays où ils se sont installés: la musique balkanique (où l’empreinte tsigane est la plus vivace jusqu’à aujourd’hui), le jazz manouche en France, le flamenco en Andalousie, etc. Aussi, elle a influencé bon nombre d'œuvres de musique classique, comme on l'a déjà évoqué.

Quels que soient ses points d’ancrage et ses moyens d’expression, elle possède des caractéristiques universelles. Elle est marquée par l’oralité, l’improvisation et la variation autour des thèmes.

On retrouve toujours une dualité entre des mélodies très rapides et festives, mettant en jeu la virtuosité de ses interprètes, et d’autres déchirantes ou langoureuses, où percent la nostalgie de l’exil ou les contrariétés de l’amour. Le mode de vie itinérant a modelé une musique conviviale, qui se partage en groupe ou en famille, et lors de toutes les fêtes et cérémonies.

Aujourd'hui je vous propose d'écouter MARDJENDJA, un traditionnel tsigane russe. Faites particulièrement attention aux deux instruments russes de la famille des luths: le domra (en forme ronde) et la balalaïka (en forme de triangle).

Belle écoute!

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Mardjendja de Natacha & Nuits de Princes

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La musique des balkans et la musique tsigane

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La musique des balkans et la musique tsigane

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La musique tsigane d’Europe de l’Est trouve son origine dans les vieilles traditions balkaniques, ottomanes, slaves et hongroises. Aujourd'hui je vous propose de remonter vers les pays des Balkans.

Les Balkans sont bien trop riches (trois alphabets et trois religions) pour présenter l’ombre d’une unité, et celle-ci n’est même pas musicale. On note de grandes différences entre les traditions urbaines et rurales, ainsi qu’à l’intérieur de chacune, selon les dernières influences subies. Et si les Tsiganes, musiciens professionnels par excellence, sont partout présents, ils se sont adaptés aux exigences de leur auditoire en jouant une musique locale aux moments de leurs fêtes et célébrations traditionnelles.

Il y a par exemple peu de ressemblances entre les orchestres de type taraf roumain (cordes frottées, cymbalum) et les fanfares serbes ou macédoniennes. On ne peut donc pas parler de musique balkanique au singulier.

Aujourd'hui je vous propose une vidéo du musicien serbe Goran Bregovic et son orchestre.

Profitez bien!

https://youtu.be/K6XU2G2pwHw

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Bonjour!

Il y a quelques jours je vous ai parlé des Danses Roumaines de Bartok. Aujourd'hui je voudrais retourner en Roumanie pour vous parler de la hora.

La hora est une danse traditionnelle que l'on rencontre en Roumanie, en Moldavie, en Bulgarie, ainsi qu'en Israël.

La hora roumaine et moldave est une ronde paysanne qui réunit toute l'assemblée en un grand cercle. Les danseurs et les danseuses se tiennent par la main tout en faisant tourner le cercle. Elle est dansée lors de mariages ou de grandes fêtes populaires.

Voici une hora roumaine interprétée par le magnifique Sirba Octet.

Profitez bien!

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Qui connaît les Danses hongroises de Brahms (1833-1897)?

Les séjours à la campagne de ce compositeur allemand le sensibilisent au folklore de différentes ethnies des pays germaniques, et notamment à la musique populaire hongroise.

Pourtant, Brahms ne s’est jamais revendiqué comme l’auteur de ces pièces dansantes. Lorsqu’il les compose, entre 1867 et 1880, il les considère comme de simples transcriptions, des arrangements pour piano ou orchestre de mélodies populaires (et déjà connues de tous).

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Avez-vous remarquez un instrument que vous connaissez peut-être pas dans la vidéo d'hier? Si c'est le cas, aujourd'hui je voudrais vous le présenter...

"Le cymbalum est un instrument de musique composé d’une centaine de cordes métalliques de longueurs différentes, tendues au-dessus d’une caisse de résonance de forme trapézoïdale. Les cordes sont frappées par l’interprète au moyen de deux petits marteaux de bois couverts de cotton, un tenu dans chaque main. Le son émis est amplifié par la caisse.

Les origines du cymbalum sont très anciennes. L’instrument est vraisemblablement connu des Chinois et des Perses il y a près de deux mille ans déjà (sous des appellations et des formes toutefois différentes).

La présence du cymbalum est attestée en Hongrie dès le XVe siècle. C’est un instrument populaire, utilisé au cours des fêtes villageoises. Il est adopté par les orchestres tziganes dès le XVIIIe siècle.

À partir du troisième quart du XIXe siècle, le cymbalum commence à susciter l’intérêt des compositeurs classiques ; plusieurs en font usage dans quelques-unes de leurs œuvres, tel Liszt, Bartok ou Stravinsky.

La forme actuelle du cymbalum est fixée en 1874 par un constructeur de Budapest. Depuis, la fabrication de cet instrument est quasiment un monopole hongrois. Son enseignement est inscrit au programme des académies et conservatoires de ce pays.

De nos jours, le cymbalum est présent dans de nombreuses formations musicales populaires de pays d’Europe orientale, dont la Hongrie, la Roumanie et la Biélorussie.

Toutefois, le cymbalum n’en demeure pas moins un instrument résolument moderne, certains groupes de jazz ou de rock n’hésitent du reste pas à l’incorporer occasionnellement à leur formation." (aset.be)

Compositeur, pianiste et chef d'orchestre hongrois, Franz Liszt (1811-1886) est celui qui avait amorcé la réappropriation des thèmes tsiganes par le répertoire ‘savant’. D’origine hongroise, le compositeur s’intéresse aux musiques des bohémiens de sa terre natale, en témoignent ses dix-neuf Rhapsodies. Voici un extrait d'un arrangement de la Rhapsodie Hongroise No.1 de Liszt pour cymbalum et orchestre.

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Liszt: Hungarian Rhapsody No. 1 / Fischer · Berliner Philharmoniker

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Salut!

Hier dans mon texte, j'ai utilisé le mot verbunkos, mais qu'est-ce qu'elle veut dire?

Parmi les plus célèbres danses hongroises on trouve les Csárdás et les Verbunkos.

Les verbunkos sont des danses pratiquées par des hommes qui frappent en rythme leurs bottes et leurs mains, alors que les csárdás sont des danses de couple.

Hier, Kodaly nous a proposé une musique inspirée des verbunkos. Aujourd'hui je voudrais vous proposer une vidéo d'une des csárdás (ou czardas) les plus connues: la Czardas de Monti (curieusement composé par un compositeur italien connu uniquement pour cette oeuvre 😉).

Profitez bien!

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Czardas door het Gelders Orkest, Roby Lakatos en Dimiter Tchernookov (concertmeester)

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Nous allons finalement quitter les États-Unis, car il ne me semble pas possible d'avoir présenté Béla Bartók sans présenter par la suite Zoltán Kodály (1882-1967).

Compositeur, ethnomusicologue, pédagogue et promoteur infatigable de la musique hongroise, Kodály collecta aux côtés de Bartók d’innombrables chants populaires hongrois et eut une carrière florissante en tant que professeur, compositeur et chef d'orchestre.

Lorsqu’il a mis au point sa pédagogie d'enseignement musicale en Hongrie dans les années 1950, Zoltan Kodaly a placé le chant au cœur de son enseignement. Sa méthode, la méthode Kodály, continue encore aujourd’hui d’influencer l’enseignement de la musique autour du monde.

"Si Zoltan Kodaly a permis au monde entier d’entendre la saveur particulière des mélodies de verbunkos des magyar dans ses Danses de Galánta, c’est cependant aussi grâce aux nombreuses autres influences qui les traversent qu’il parvient à nous atteindre. Dans ces danses, les rythmes et mélodies hongroises rencontrent la virtuosité improvisatrice des Tziganes autant que la splendeur de l’orchestre romantique d’un compositeur accompli." (Les clés de l'écoute)

Je vous propose d'écouter aujourd'hui ses "Danses de Galanta". Attention au magnifique solo de clarinette bien sûr 😉

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Béla Bartók et le folklore d'Europe de l'Est

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Béla Bartók et le folklore d'Europe de l'Est

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Béla Bartók (1881-1945) est un compositeur et un pianiste hongrois de la première moitié du XXème siècle. Il a effectué des travaux importants autour de la musique populaire d’Europe de l’Est (en particulier la musique folklorique hongroise), et peut être considéré comme l’un des précurseurs de l’ethnomusicologie.

À partir des années 1920, ses œuvres sont de plus en plus souvent à l’affiche dans les grandes capitales occidentales. Il fait de longues tournées à travers l’Europe, les États-Unis et la Russie. Ses recherches sur les chants populaires l’amènent aussi au-delà des frontières de son pays, en Slovaquie, en Roumanie, en Turquie et jusqu’au Caire où il étudie les mélodies arabes.

En 1915, il compose une suite de six danses populaires roumaines. Composées d’abord pour piano, leur succès conduisit Bartok et d’autres à les transcrire pour un grand nombre de formations instrumentales: petit orchestre, violon et piano, clarinette et piano, etc.

Son angoisse face à la montée du nazisme et à l’horreur de la guerre le pousse à l’exil aux Etats-Unis.

En 1938, il séjourne à New York et compose pour Benny Goodman et Joseph Szigeti l'oeuvre "Contrastes" pour clarinette, violon et piano qui aura un immense succès dès sa création en 1940.

Voici en premier le "Six danses populaires roumaines" en version clarinette et marimba. Petit clin d'oeil à mes élèves de Saint Luce (Cécile, Stéphanie, Patrick, Ruben et leur soliste Léo) qui les jouent en version quintette de clarinettes 😊

Et en deuxième, "Contrastes" en concert.

Belle journée à tous!

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Bartok : Six Danses populaires roumaines - Rémi Delangle et Vassilena Serafimova

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Et les autres compositeurs russes de l'époque? Comment ont ils fait face à la Révolution de 1917?

Pendant la révolution, les arts sont totalement repris en main par Staline. Le dictateur impose une doctrine esthétique appelée le réalisme socialiste. La musique doit être claire, tonale, mélodieuse, parler aux masses. Toute musique jugée moderniste et "réservée" à une élite occidentale est rejetée.

Dans ce climat, le compositeur Serge Prokofiev (1891-1953) décide de s'exiler. Il voyage notamment au Japon, aux États-Unis et en France. Mais malheureusement, la concurrence lui fait de l’ombre. En Occident, il est bloqué entre Stravinsky, cosmopolite et avant-gardiste, et par Rachmaninov, qui jouit du prestige d’être l’interprète du grand répertoire.

En 1936, il décide donc de rentrer définitivement dans son pays, où il compose à la demande du Théâtre Central pour Enfants de Moscou la musique et l'histoire de Pierre et le Loup en seulement une semaine.

La pièce a rencontré un immense succès car c'est à la fois un conte musical et une œuvre pédagogique : elle a pour but d’aider les enfants à connaître et reconnaître les instruments de musique de l’orchestre, en les associant à des personnages et des animaux (l’oiseau par la flûte, le canard par le hautbois, le chat par la clarinette, le grand-père par le basson, le loup par les cors, Pierre par les cordes et les coups de feu des chasseurs par les timbales et la grosse caisse).

Belle écoute!

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Prokofiev : Pierre et le loup (Lambert Wilson, récitant)

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Bonjour!

Hier je vous ai parlé de Prokofiev, de son exile et de son conte musicale pédagogique Pierre et le Loup. Pour rester dans cette même ligne, aujourd'hui je vais vous parler de Benjamin Britten (1913-1976), de son exile aux États-Unis et de son oeuvre pédagogique aussi.

Britten est le compositeur le plus important de la musique britannique du XXème siècle. Egalement chef d’orchestre, altiste et pianiste, son œuvre est orientée principalement vers la musique vocale, mais comporte aussi des pièces instrumentales. Et c'est justement d'une de ses pièces instrumentales que je voudrais vous en parler aujourd'hui.

Après son exile aux États-Unis en 1939 pour fuir l’instabilité politique en Europe, Britten décide de retourner au Royaume-Uni en 1942. Il compose en 1946 " The Young Person’s Guide to the Orchestra" (Variations et Fugue sur un thème de Purcell) pour présenter et expliquer l’orchestre aux enfants.

Le thème sur lequel Benjamin Britten construit The Young Person’s Guide to the Orchestra n’a pas été inventé par lui. Il l’a emprunté à un compositeur britannique du XVIIe siècle nommé Henry Purcell. Le thème est le refrain du Rondeau de la Suite d'Abdelazer de Purcell. Se basant sur ce thème, Britten compose plusieurs variations pour présenter les différents instruments de l'orchestre, ainsi qu'une grande fugue pour toute l'orchestre.

Voici donc une vidéo d'un concert pédagogique de l'Orchestre Nationale de Lille qui inclut une oeuvre de Prokofiev pour commencer (mais pas Pierre et le Loup), pour ensuite passer à Purcell et Britten à partir de la minute 17.

Profitez bien!

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"À la découverte de l'orchestre" - Benjamin Britten -  Famillissimo

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Béla Bartók: Contrasts - Ensemble der KammerMusikKöln

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Bonjour!

Aujourd'hui, je vous propose de vous parler d'un autre compositeur exilé aux États-Unis: Igor Stravinsky

Né en Russie en 1882, Stavinsky est certainement l’une des figures musicales les plus marquantes du XXe siècle.

Réfugié en Suisse pendant la Première Guerre, il choisit ensuite la France avant d’émigrer aux États-Unis où il demeure jusqu’à sa mort. Sa prodigieuse faculté de s’adapter aux styles les plus variés, tout en conservant une personnalité et une facture singulières, l’amène à explorer tour à tour, après de premières œuvres influencées par la musique russe, le style néoclassique, le jazz, la polytonalité ou encore la musique sérielle. Longtemps considéré comme le chef de file d’un mouvement opposé au romantisme, Stravinsky ne fut jamais un chef d’école; son œuvre recèle un talent et un tempérament inimitables.

Connu surtout pour ses ballets, une des pages les plus célèbres de sa carrière est la création, en 1913, du Sacre du Printemps, sous l’égide des Ballets Russes à Paris.

Sous-titré « Tableaux de la Russie païenne », Le Sacre du Printemps se déroule en deux parties, sans véritable histoire ni intrigue : « L’adoration de la terre » puis « Le sacrifice». Le public assiste à un rite païen célébrant l’arrivée du printemps en Russie, et au cours duquel une jeune adolescente est sacrifiée pour remercier les dieux.

Malgré le scandale de sa creation, déclenché plus par les chorégraphies provocantes du ballet que par la rythmique infernale de la musique, Le Sacre du Printemps est considéré comme l'œuvre qui introduit ce que nous appelons la musique contemporaine.

Bon après-midi à tous!

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Le Sacre du printemps / The Rite of Spring - Ballets Russes

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Bonjour à tous!

Il me semble que l'heure de commencer à quitter le États-Unis est arrivée... mais pas avant de vous parler des États-Unis comme terre d'accueil, car dès le début du XXe siècle, le pays accueillit de nombreux musiciens fuyant l'Europe pour des raisons politiques.

Parmi ses compositeurs exilés, nous retrouvons Kurt Weill, compositeur allemand de qui je voudrais vous parler aujourd'hui.

Kurt Weill marqua son temps par son irréductible désir de régénérer la musique, de l’ouvrir sur la société. Son contemporain, le compositeur Jean Wiener disait de lui: "Ce qui est unique et remarquable dans la musique de Weill est qu'il a su écrire une musique pour tout le monde... mais comme ne fait pas tout le monde... " C’est un des rares compositeurs à avoir consacré sa vie entière au théâtre musical.

Il se proclame vouloir être le « Verdi des pauvres  » et oriente son style expressionniste d’avant garde vers le réalisme. Il veut créer une nouvelle forme d’opéra qui soit le miroir de son temps (c’est d’ailleurs pourquoi sa musique emprunte au Jazz et au cabaret). Son "Opéra de Quat'sous" de 1927 en est l'exemple parfait, car il s'agit d'une opéra basée sur des personnages de la rue: mendiants, voleurs, brigands, etc. La chanson "Moritat von Meckie Messer" (La Complainte de Mackie) est tirée de cette opéra.

En 1933, l’œuvre de Kurt Weill est intégralement détruite par les nazis en Allemagne, qui le considèrent comme « un musicien dégénéré ». Ses origines juives le forcent à s’enfuir en France, ou il écrit la musique de Marie Galante de Jacques Deval. La chanson "Youkali" fait partie de cette pièce.

En 1935, il part pour les États-Unis, où il obtiendra la nationalité américaine et connaîtra un grand succès à Broadway avec "Street Scene" (synthèse entre l’opéra européen et de la comédie musicale américaine) et la tragédie musicale "Lost in the Stars". Ces deux œuvres lui permettent de réaliser un rêve: inventer l'opéra américain.

Profitez bien!

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Ute Lemper - Moritat von Mecky Messer Medley (Live 2014)

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Et comment partir des États-Unis sans parler de John Williams?

Compositeur de renom et célèbre pour ses musiques de films, John Williams fait preuve aussi de talents de pianiste et de chef d’orchestre. Exerçant ses dons dans différents genres musicaux, il a principalement contribué à populariser l’usage de l’orchestre symphonique au cinéma.

Compositeur attitré de Steven Spielberg et de George Lucas, John Williams a composé au cours d'une carrière qui s'étend sur près de soixante ans, un grand nombre des plus célèbres musiques de films de l'histoire: Star Wars, Les Dents de la mer, E.T. l'extra-terrestre, Indiana Jones, Jurassic Park, Superman, et les trois premiers films de la saga Harry Potter, La Liste de Schindler, Le Violon sur le Toit, etc. Il a également composé la musique de quatre Olympiades.

Williams a remporté cinq fois l'Oscar de la meilleure musique, ainsi qie 4 Golden Globes, 7 BAFTA Awards, 21 prix Grammy et 52 nominations aux Oscars.

Voici un hommage à ses musiques des films par Los Angeles Philarmonic Orchestra sous la baguette de Gustavo Dudamel et avec la participation de l'extraordinaire violoniste Itzhak Perlman.

Profitez bien!

PS Malgré sa longueur, il n'y a évidemment pas toutes ses musiques de films dans cette vidéo. Par contre, n'hésitez pas à regarder dans le descriptif de la vidéo pour trouver le minutages de vos préférées.

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Entre 1870 et 1920 aux États-Unis voient le jour des compositeurs qui privilégieront une musique à la fois innovante et enracinée dans un riche terreau national: Scott Joplin et ses ragtimes, George Gershwin et ses rythmes jazzy, Leonard Bernstein et son Broadway, John Cage et ses expérimentations sonores, etc.

À l’écart de ces musiciens, Samuel Barber (1910-1981) va occuper une place singulière. Ce contemporain de Bernstein, Carter et Copland s’est toute sa vie tenu en marge des courants incarnés par ses trois confrères et développa une esthétique néo-romantique originale inspirée par des compositeurs "romantiques" européens du XIXe siècle tels que Brahms.

Samuel Barber était amoureux de la mélodie et des combinaisons sonores abandonnées par la plupart des compositeurs au XX siècle.

Voici donc son célèbre "Adagio pour cordes".

Belle écoute!

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Leonard Bernstein (Samuel Barber) ‎– Adagio for Strings, Op. 11: Molto Adagio

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Compositeur et « performer », Steve Reich est l’un des représentants les plus marquants de la nouvelle musique américaine d’après John Cage.

Né en 1936 à New York, Steve Reich affirme un attrait pour le rythme et la tonalité, mûri par ses contacts avec la musique africaine et le jazz modal de John Coltrane.
Dès le début des années 60, ses créations s’inscrivent dans le mouvement minimaliste.

Qu’elles soient pour bandes magnétiques ou pour instruments traditionnels, les œuvres de Steve Reich sont basées sur le déphasage progressif  d’un même motif répété. Ces combinaisons sonores en constante transformation confèrent à sa musique un caractère obsessionnel  qui fait perdre à l’auditeur le sens du temps et de la durée.

Le compositeur influence depuis des générations la musique pop, rock et contemporaine. Une inspiration qui n’est pas à sens unique, car Reich a aussi samplé des titres de Radiohead pour une de ses compositions: Radio Rewrite.

Voici donc une de ces pièces les plus célèbres, "City Life", dans laquelle il cherche à évoquer la ville de New York. Écoutez bien comment il mélange des sons de la ville avec ceux des instruments de musique 😊

Bonne journée à tous!

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Salut!

Aujourd'hui je voudrais vous parler du mouvement expérimentaliste aux États-Unis.

Comme évoqué précédemment, sous l’impulsion d’Antonin Dvorak, un mouvement "américaniste" s’inspirant surtout des traditions des populations noires du Sud avait apparu avec des compositeurs tels que Gershwin, Copland et Bernstein.

Dans une courante complètement différente, les compositeurs expérimentalistes, ont choisi d’ignorer les codes et les traditions de la musique occidentale et de tout remettre en question, y compris la notion de la musique en elle-même. Parmi ces compositeurs expérimentalistes nous retrouvons John Cage (1912-1992).

Influencé par le bouddhisme et le taoïsme, à la fois musicien, écrivain et peintre, exploitant le silence, le hasard, les bruits, inventant le water gong et le piano préparé, John Cage a bouleversé la musique et le monde de l'Art.

Voici donc une vidéo de sa performance "Water Walk."

Enjoy it!

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Aaron Copland et son concerto pour clarinette 

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Aaron Copland et son concerto pour clarinette 

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Nous avons déjà parlé de Gershwin et de Bernstein, aujourd'hui c'est le tour d'un autre compositeur, chef d’orchestre, pianiste et pédagogue des États-Unis: Aaron Copland (1900-1990)

La musique d’Aaron Copland est fortement imprégnée du folklore américain aussi. Soucieux de la place de la musique dans la société, il multiplie les références à son pays dans ses œuvres dès les années 1930, afin de rendre sa musique plus accessible : elles sont d’abord musicales - chansons de cow-boys ou ballades populaires - puis extra-musicales avec l’évocation de grands espaces ou du mode de vie des pionniers américains.

Aujourd'hui, je vous propose d'écouter son Concerto pour clarinette écrit entre 1947 et 1949 à la demande du légendaire clarinettiste de jazz Benny Goodman, son dédicataire.

Profitez bien!

PS il y a un petit bis ;)

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Dvorak et sa Symphonie du Nouveau Monde 

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Dvorak et sa Symphonie du Nouveau Monde 

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Bonjour!

Nous ne pouvons pas partir des États-Unis sans parler d'avantage d'autres compositeurs de ce pays. Mais avant... il me semble nécessaire de parler du compositeur tchèque Antonin Dvorak. Vous êtes peut-être en train de vous demander pourquoi je pense que je dois parler d'un compositeur tchèque avant de parler d'avantage d'autres compositeurs des États-Unis. Quel est donc le lien?

En 1892, le compositeur tchèque Antonín Dvořák arrive à New York pour diriger le conservatoire national de musique. Il y organise une classe de composition qui aura une influence déterminante sur la musique américaine. Avec une rare ouverture d’esprit et libre de tout préjugé racial, il a une intuition limpide : la recherche d’une identité propre par les compositeurs américains doit passer par l’intérêt pour leur musique autochtone plurielle (les musiques indiennes, africaines et les chants des congrégations des premiers colons).

«Peu importe si l'inspiration vient des mélodies des Noirs ou des chants créoles ou indiens, ou des plaintes des Allemands ou Norvégiens nostalgiques, les germes de la musique américaine sont ensevelis sous les strates de toutes les communautés qui ont construit ce pays magnifique.» (Dvorak)

Voici donc la Neuvième Symphonie dite du Nouveau Monde d'Antonin Dvorak, marquée à la fois par l'âme tchèque et par un « folklore américain » rempli des airs du peuple noir et, surtout, de la tradition la plus ancestrale des États-Unis, celle des Indiens.

Profitez bien! Bon dimanche à tous!

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Dvorak : Symphonie n°9 « Du Nouveau Monde »

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L’étiquette rock n’ roll a été utilisée, dans un premier temps, pour distinguer le rythm and blues des noirs de celui des blancs et ce pour des raisons liées à la politique raciale de l’époque. Il était inadmissible que des artistes blancs se retrouvent dans les mêmes bacs chez les disquaires que les noirs. Le style particulier du rythm and blues blanc a donc servi de prétexte pour une nouvelle étiquette « rock n roll ».

C’est donc dans les années 50 que le rock'n'roll naît et ses racines sont nombreuses: le rythm and blues, le country et le blues, entre autres.

Voici le morceau "Rip it up" interprété par Bill Haley & His Comets dans le film "Don't Knock the Rock" de 1956.

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Bill Haley & His Comets - "Rip It Up" - from "Don't Knock The Rock" - HQ 1956

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Mais où trouvons nous l'influence européenne dans la musique des États-Unis? La réponse courte est dans la musique country.

Aux XVIIe et XVIIIe siècles, les premiers immigrants européens débarquent en Amérique du Nord. Dans leurs bagages, ils emportent avec eux entre autres leurs instruments du vieux continent. La musique devient pour ces immigrés qui se retrouvent dans les Appalaches le point de ralliement.

La country trouve ses origines dans les musiques folkloriques importées d'Europe ainsi que dans la tradition musicale chrétienne qui rencontre l'influence du style gospel des noirs américains. Il s'agit donc d'un style de musique dont les origines sont multiples et profondément entremêlées, capable de faire cohabiter le chant en yodel (issu d'une petite communauté suisse allemande des Appalaches) avec des instruments aussi différents que la mandoline italienne, la lap-steel hawaïenne ou encore le banjo africain, et qui emprunte à des genres comme la musique cadienne ou le blues. Par la suite, au même titre que le blues et le rhythm and blues noirs, la country a largement influencé la musique populaire contemporaine, et notamment le rock.

Voici un bel exemple: la merveilleuse chanteuse et polyinstrumentiste Rhiannon Giddens accompagnée par "The Carolina Chocolate Drops" (groupe noir du folk) et "The Chieftains" (groupe de musique traditionnelle irlandaise).

Profitez bien!

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The Chieftains with Carolina Chocolate Drops   Pretty Little Girl

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Au début des années cinquante, le blues avait fusionné avec le jazz pour créer le rhythm & blues. Dans les années soixante, ce dernier se liera au gospel pour créer la soul, qui va incarner le porte-parole idéal dans la lutte pour les droits civiques et l’émancipation de la communauté noire aux États-Unis. Cependant, derrière le genre soul émerge progressivement un dérivé, plus radical, plus tranchant et percutant : le funk.

Il est impossible de dissocier le développement du funk avec l’évolution de la communauté noire aux États-Unis. Contrairement au jazz, au rhythm & blues ou à la soul, le funk effraie l’Amérique puritaine blanche. Il apparaît comme une vibration, un cri puissant de contestation et de libération. James Brown ne chantait-il pas en 1968 « Say it loud! I'm Black and I'm Proud ! » (« Dites-le fort ! Je suis Noir et j’en suis Fier ! ») ? Ce genre s’impose comme une illustration de la dure réalité des ghettos urbains qui s’ouvre sur les assassinats de Malcom X en 1965 et de Martin Luther King en 1968 : le funk et les droits civiques marchent main dans la main.

Voici donc deux petites vidéos: "A change is gonna come" de Sam Cooke pour vous rappeler avec ces magnifiques paroles la lutte de la soul et "Papa's got a brand new bag" de James Brown pour vous montrer la folie du funk 😉

Bonne écoute!

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Sam Cooke - A change is gonna come - 1963

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James Brown - Papa's Got A Brand New Bag (Part 1)

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Bonjour à tous!

Il y a quelques jours je vous avais parlé de la musique soul en expliquant qu'elle avait été influencée par le gospel (lequel j'avais déjà évoqué) et le rythm and blues. Je n'avais pas du tout expliqué ce dernier, donc le voici choisi comme le sujet d'aujourd'hui 😊

"Jusqu’à la fin de la Seconde Guerre Mondiale, les principales maisons de disques américaines désignent sous le nom de "Race Records" les musiques destinées aux Noirs Américains, mais le sentiment de fierté communautaire qui prend forme à la fin des années 1940 incite l'industrie musicale à oublier cette expression aux connotations péjoratives. C’est en 1949 que la catégorie "race music", désignant l’ensemble de la musique noire destinée aux Noirs, est remplacée par rhythm & blues. Ce passage à une nouvelle appellation marque le début de la « libération » de la musique afro-américaine.

La fin des années 1940 est marquée par l’essor du be-bop (duquel on a parlé hier 😉). Cette musique complexe dont les sophistications rebutent les danseurs, amoindrit l’attrait populaire que le jazz connaissait durant la période swing dans les années 1930. Une grande partie de la jeunesse se dirige alors vers le rhythm & blues répondant davantage à ses aspirations.

Le rhythm and blues ne fait que marier deux grands courants musicaux afro-américains du début des années 1940 : d’une part la tradition du blues, davantage tournée vers les populations rurales d’origine sudiste ; de l’autre le swing que jouent les big-bangs à l’intention des classes moyennes des grandes villes." (Nicolas MARCHIAL)

Voici donc un exemple de ce genre musical dansant et électrique: "He Treats Your Daughter Mean" de Ruth Brown (1952)

Belle journée!

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Après les années de New Orleans jazz et les années de swing, le jazz a continué et continue à se développer et à se diversifier, donnant comme résultat des sub genres aussi variés que le be bop (extrêmement rapide et virtouse), le cool jazz (en opposition au be bop), le latin jazz (un mélange de jazz et des rythmes latins), le jazz modal (crée à partir des modes "grecs"), le free jazz (on en parlera plus tard 😊), etc.

Voici donc deux extraits que je trouve assez contrastants:

Le premier correspond à un enregistrement d'un morceau du trompettiste cubain Arturo Sandoval, dans lequel il mélange le be bop avec des rythmes latins.

Le deuxième extrait est un example du cool jazz. Il s'agit d'un enregistrement du trompettiste Chet Baker du morceau "Almost blue".

Bonne journée à tous!

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Bonjour!

Hier je vous ai parlé d'une comédie musicale, mais je vous ai partagé une vidéo d'une d'elles transformée en film musical. Quel est donc la différence entre ces deux genres?

La différence principale entre ces deux genres, comme vous avez peut-être pu le deviner déjà, réside dans le fait que la comédie musicale est une forme de théâtre (d'où ma difficulté pour vous trouver une belle vidéo comme exemple pour hier), alors que le film musical est un genre cinématographique. Par contre, elles ont en commun l'ajout de la musique, des chansons et de la danse.

Les mondes de la comédie musicale et du film musical sont donc intimement liés : de nombreuses comédies musicales ont été adaptées au cinéma dès l'arrivée du cinéma parlant. À l'inverse, il arrive plus rarement qu'un film musical fasse l'objet d'une adaptation scénique.

Aujourd'hui je voudrais vous parler d'un type de danse très utilisé dans ces genres des films, ainsi que dans les comédies musicales: les claquettes (ou "Tap Dance" en anglais).

Il s'agit d'un style de danse né aux États-Unis au début du XIXème siècle au carrefour des formes de danse afro-américaines et irlandaises.

Lorsque les propriétaires d'esclaves ont emporté des instruments de percussion africains traditionnels, les esclaves se sont tournés vers la danse percussive pour s'exprimer et conserver leur identité culturelle. Ces styles de danse se sont mélangés avec les danses traditionnelles écossaises, irlandaises et anglaises qui s'étaient exportées en Amérique du Nord avec les colons.

Les claquettes se sont répandues aux États-Unis à partir des années 1900 à Broadway. Mais c'est à partir des années 1930 que les claquettes ont fait leur apparition au cinéma où elles ont connu leur apogée dans les années 1950 avec de grands danseurs comme Fred Astaire et Gene Kelly.

La première vidéo correspond au thème "Good Morning" du film musical "Singin' in the Rain" (Chantons sous la pluie) de 1952.  Il dépeint joyeusement le Hollywood des années 1920 et la transition du film muet au film parlant.

La deuxième vidéo est un extrait du film musical noir "Stormy Weather" (Symphonie Magique) de 1943 avec un des plus célèbres danseurs de claquettes Bill "Bojangles" Robinson.

Belle après-midi!

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1080p HD "Good Morning" - Singin' in the Rain (1952)

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stormy weather bill robinson in the boat

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Mais quelles autres genres ont était aussi influencés par le jazz? Par example, quels sont les rapports entre la comédie musicale et le jazz ?

Les musiques des comédies musicales, si elles n’étaient pas forcément du jazz en tant que tel, ont profité de l’émulation du jazz et de sa pulsation, notamment pour les parties dansées.

Parmi les comédies musicales les plus célèbres sur le plan du jazz on retrouve "On the town" du compositeur, interprète et chef d'orchestre Leonard Bernstein.

Créé en 1944, elle raconte l'histoire de trois marins des États-Unis pendant la guerre de 1944 qui se retrouvent en congé à terre à New York pendant 24 heures.

La création de cette comédie musicale à Broadway a été révolutionnaire en termes de casting, avec une présence importante pour l'époque des afro-américains parmi les danseurs et notamment le chef d'orchestre, ainsi que par une danseuse d'origine japonaise.

Voici un petit extrait du film qui a été fait plus tard avec les figures emblématiques de Gene Kelly et Frank Sinatra.

Percevez-vous le style jazzy là dedans?

Bonne écoute!

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On the town - Frank Sinatra - Gene Kelly - 1949

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Et la musique symphonique pendant cette période? Le jazz l'a-t-il influencé? La réponse est oui, connaissez-vous le "jazz symphonique"?

Dans les années 1920, George Gershwin en est certainement le compositeur le plus représentatif de ce genre avec, par exemple, Rhapsody in Blue (1924) ou Un Américain à Paris (1928). Il est même allé jusqu'à composer en 1935 le premier grand opéra de l'histoire du jazz: Porgy and Bess.

Voici donc le fameux Rhapsody in Blue. Encore une fois, petit clin d'oeil pour les élèves de l'orchestre d'harmonie de St Aignan, ainsi que pour Albert, Chantal et Konogan 😉

Petite question: Comment s'appelle la technique de jeu utilisé par le clarinettiste dans son solo du début?

Bon weekend!

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Gershwin: "Rhapsody in Blue" / Bernstein New York Philharmonic (1976 Movie Live)

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À la fin des années vingt, les musiciens avaient commencé à modifier les formes du «jazz». Dans les années 1930, une nouvelle forme de jazz est apparue: le «swing». La musique swing était caractérisée par de grands orchestres jouant des arrangements généralement écrits et des solos à tour de rôle au lieu d'improvisation en groupe (comme dans le jazz de la Nouvelle Orléans).

"L'ère du swing» a atteint toute les États-Unis et a construit des ponts entre les musiciens et les auditeurs noirs, blancs et hispaniques.

Voici deux des plus grands du swing: Glenn Miller (tromboniste, chef d'orchestre, compositeur et arrangeur exceptionnel) et Benny Goodman (un des meilleurs clarinettistes de tous les temps 😊)

Dansez bien!

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La musique soul (en anglais, "soul music" qui signifie "musique de l’âme ") est une musique populaire afro-américaine née à la fin des années 1950 aux États-Unis. Son développement a été stimulé par deux tendances principales : l’urbanisation du rhythm and blues et la sécularisation du gospel.

Le terme «soul» a une connotation de fierté dans la culture afro-américaine et a eu une influence importante dans les revendications politiques de l'époque.

Voici donc un petit clin d'oeil pour Olivier, Noam, Naomie et Clément qui ont interprété récemment des pièces d'Aretha Franklin avec l'orchestre.

Belle journée à tous!

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Salut tout le monde!

Pour continuer dans la même zone géographique et le même ambiance musicale, aujourd'hui c'est direction Georgia (l'état, non le pays 😉).

Voici un de mes morceaux préférés de tous les temps non seulement par la qualité extraordinaire de sa musique, sa lettre et dans ce cas son interprète, mais aussi car j'entretiens un lien personnel avec ce lieu dans lequel j'y ai vécu plusieurs années de mon enfance.

Le morceau "Georgia on my Mind" a été composée en 1930 par Hoagy Carmichael sur des paroles de Stuart Gorrell, mais il est devenu célèbre grâce à l'interprétation qu'en a fait Ray Charles, lui même originaire de Géorgie, en 1960. Son importance est telle qu'il a été choisi comme l'hymne de l'État de Géorgie en1979.

Voici donc deux versions: celle de l'album et une live. Vous préférez laquelle?

Belle après-midi à tous!

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Ray Charles - Georgia on my mind - Live 1976 - Lyrics / Paroles

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Bonjour!

Nous ne pouvons pas partir du sud des États-Unis (encore moins après avoir parlé du Gospel) sans parler du blues.

Le Blues est une forme musicale vocale et instrumentale, dérivée des chants de travail et des gospels des populations afro-américaines du sud des États-Unis pendant l'esclavage.

Sur cette petite vidéo on voit un petit extrait de la comédie musicale de 1047 appelée "Nouvelle Orléans", laquelle met en vedette deux icônes du blues: Billie Holiday et Louis Armstrong. Ce dernier est peut-être le musicien le plus symbolique de la Nouvelle Orléans. Le parc principal de la ville, dans lequel on retrouve l'historique Congo Square (lieu de musique et danse depuis la période de l'esclavage), porte son nom.

Ce petit blues parle de Storyville, quartier malfamé disparu de la Nouvelle Orléans considéré comme le lieu de naissance du jazz.

Profitez bien!

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Nous restons toujours dans le sud de États Unis avec un des musiciens le plus importants de la Nouvelle Orléans: le trompettiste Wynton Marsalis.

Dans cette vidéo nous pouvons écouter deux genres importants de la musique noire du sud des États-Unis: le gospel et le ragtime.

Le terme Gospel venant de « God / Spell » signifie la parole de Dieu ou l’Evangile et fait référence aux chants interprétés dans les églises afro américaines. Il provient du Negro Spiritual, un type de musique vocale et sacrée né chez les esclaves noirs des États-Unis.

Belle journée à tous!

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Wynton Marsalis  Eric Clapton   Just A Closer Walk With Thee DVD Rip1

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Voici une petite demonstration de la qualité de la musique qu'on peut écouter en se balladant dans les rues de la Nouvelle Orléans. La clarinettiste est Doreen Ketchens, "The Clarinet Queen", qui est une des ambassatrices de la musique de la Nouvelle Orléans dans le monde, ainsi qu'une des musiciennes de rue les plus importantes de la ville.

Bon dimanche à la Nouvelle Orléans!

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Doreen's Jazz Band, NOLA (New-Orleans, Louisiana), music, French Quarter

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Je sens qu'on va continuer encore un petit peu avec la musique de la Nouvelle Orléans.

Aujourd'hui je voudrais vous proposer une petite vidéo de New Orleans jazz. Ce qui est précieux dans cette vidéo (à part la musique bien sûr 😊) et le lieu du concert.
La Nouvelle Orléans est reconnue comme le lieu de naissance des premières formes de jazz. Le Preservation Hall, lieu dans lequel la vidéo est filmée, est un club de jazz existant depuis 1960. Le club est toujours dans son "jus", tel que montré dans la vidéo. Il s'agit d'une institution pilier dans l'histoire musicale et culturelle de la Nouvelle Orléans où se sont produits des légendes du jazz.

Si jamais vous vous retrouvez dans le coin, n'hésitez pas à y aller écouter un concert...c'est vraiment formidable!

Bon weekend!

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Preservation Hall Jazz Band - "Tailgate Ramble" at Preservation Hall

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Et en parlant des indiens... quelqu'un connait la tradition de Mardi Gras Indians à la Nouvelle Orléans?

Les premières nations autochtones d’Amérique du Nord se sont faites spolier leurs terres, ont subi le génocide, l’ethnocide, et de très grands mouvements de résistance n’ont jamais cessé. Des liens très forts unissent ces peuples-là et les Afro-américains

Chaque année à la Nouvelle-Orléans, c’est une quarantaine de groupes qui se déguisent en Indiens pour le Mardi Gras et la nuit de la Saint-Joseph. Ils sont majoritairement composés de Noirs Américains qui défilent dans leurs quartiers, en marge du carnaval officiel. Cette tradition, qui a plus de 300 ans, a été transmise de génération en génération et remonte à la période esclavagiste. Pour les Afro-Américains, c’est une manière de rendre hommage aux communautés amérindiennes qui vivaient dans les Bayous (régions marécageuses du Sud de la Louisiane) au sein desquelles de nombreux esclaves en fuite avaient trouvé refuge.

Voici deux vidéos sur ce sujet que je trouve passionnant.

Sur la première on écoute Big Chief David Montana avec le chant "Indian Red", qui est une chanson traditionnellement entonnée au début et à la fin des rassemblements des indians lors du Mardi Gras.

La deuxième vidéo est un extrait de la série "Tremé" de HBO, laquelle montre la vie à la Nouvelle Orléans après l'ouragan Katrina en 2005. Pour ceux qui aiment les séries, je vous la conseille, car elle met en lumière la grande richesse culturelle et musicale de la Nouvelle Orléans et dresse un portrait très précis de la vie là bas. Sur cet extrait on voit la "mise en scène" de la même musique de la première vidéo.

Bonne écoute et belle journée!

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Big Chief David Montana * Live @ Nova | Néo Géo

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Cette semaine Bintou recevait Big Chief David Montana, venu avec son tambourin. Un chef qui a assis son autorité en cousant depuis l'enfance des costumes aux milliers de perles et de plumes, celles que les Black Indians de New Orleans arborent traditionellement. Lors du Mardi -Gras et lors de la fête de St -Joseph.

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Bonjour à tous! Voici ma dernière proposition pour l'Amérique Latine. Voici une petite vidéo d'une musique de nos ancêtres mayas.
Bonne écoute et à demain pour partir vers des nouvelles destinations!

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Son Sololà - Tz'utuj Q'ajom, Musica Maya Ancestral

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Aujourd'hui nous revenons au Costa Rica, mais pour une musique qui est originaire du Trinidad et Tobago. Voici donc le calypso!

Mais un petit peu d'histoire avant...

Mon pays est divisé en sept provinces (régions). Celle qui se situe sur la côte Caraïbe s'appelle Limón. Dans cette province la langue parlée est le "criollo limonense", également connu sous le nom de mekatelyu ("make I tell you" ou laissez-moi vous dire quelque chose). Il s'agit d'un créole à base de l'anglais, similaire au créole jamaïcain.

"La présence des créoles anglais sur le territoire costaricien et la naissance des mekatelyu sont principalement dues à la forte vague migratoire de travailleurs antillais provoquée par la construction du chemin de fer vers l'Atlantique et la domination subséquente de la région par la transnationale United Fruit Company. La plupart de ces travailleurs venaient de la Jamaïque, mais aussi, dans une moindre mesure, de la Barbade, de Trinidad, d'Haïti et de la Nouvelle-Orléans. Ces travailleurs, malgré leur hétérogénéité, sont devenus un groupe ethnoculturel plus ou moins homogène et nettement différent de la localité hispanique et blanche, en raison de la présence de divers facteurs.

Premièrement, leur présence au Costa Rica, même si elle finirait par être permanente dans de nombreux cas, était sous la condition de "travailleurs contractuels", et sous l'idée qu'ils finiraient par retourner en Jamaïque lorsque leurs économies le permettraient. Cela a favorisé la séparation des groupes hispaniques et des mulâtres locaux, car il y avait encore des liens identitaires solides avec la Jamaïque et les visites à l'île étaient fréquentes.

Finalement, la plantation et l'exportation de bananes, initialement destinées à atténuer les problèmes économiques que la construction du chemin de fer rencontrait, sont devenues plus importantes que l'entreprise d'origine, et de nombreux Jamaïcains, expérimentés dans la culture, ont décidé de rester. La pauvreté des conditions économiques a également rendu impossible le retour dans leur pays d'origine.

Un autre facteur qui a contribué à la création d'un groupe d'identité ethnolinguistique était le fait que les politiques de la United Fruit Company favorisaient la ségrégation raciale.

Enfin, la cessation des activités de la Société dans la région a provoqué un vide économique et politique et une situation de crise qui a provoqué une consolidation définitive du groupe identitaire "afro-limonense." (Université de Costa Rica)

Voici donc deux versions de la même chanson: une purement traditionnel calypso et une deuxième en version piano avec un groupe de chanteurs de gospel.

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Voici la deuxième vidéo du calypso!

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Nowhere Like Limon - MasterKey & Manuel Obregon

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Les groupes de mariachis sont l’identité typique du Mexique, originaires de la région ouest, dans les Etats de Jalisco, Michoacán et Nayarit.

Leur musique est d’usage dans tout le Mexique pendant les jours de fêtes, tels que le jour de la fête des Mères et celui de la Vierge de Guadalupe, le 12 Décembre, pour les réunions de famille, des fêtes et des sérénades.

En Novembre 2011 l’Unesco inscrit "El Mariachi," musique à cordes, chant et trompette comme membre intégrant la Liste Représentative du Patrimoine Culturel Immatériel de l’Humanité.

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Luis Miguel - La Fiesta Del Mariachi (Video Oficial)

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Salut! Pour commencer la semaine, je vous propose de voyager dans mon pays. Voici une composition moderne qui utilise un rythme traditionnel du Costa Rica appelé le "tambito". J'aurais préféré vous faire découvrir une version traditionnel de ce genre, mais il s'agit d'une musique qui se joue surtout dans la rue lors des mascarades donc les enregistrements ne sont vraiment pas terribles.

Cette version est donc une version beaucoup plus moderne et soignée, mais qui reste fidèle aux traditions dans les paroles et les rythmes. La seule chose importante qui manque est la marimba: qui est l'instrument national.

Sinon, ce groupe a eu un rol très important dans la culture costaricaine, car ils ont réussi à toucher un public jeune tout en cherchant à honorer et préserver les traditions musicales du pays.

La vidéo n'est pas l'originelle du groupe comme vous pouvez l'imaginer, mais elle permet au moins d'avoir quelques images du pays.

Bonne journée à tous!

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malpais   el barrio de los jazmines 0001

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Salut à tous! La vidéo d'aujourd'hui est un peu en retard, je m'excuse 😉 mais ma recherche a porté ses fruits je crois.

Voici donc le vallenato:

"Accordéon européen, percussion africaine (caja vallenata) et racleur indien (guacharaca) sont les ingrédients du vallenato, musique hautement métissée de Colombie dont les improvisations animent fêtes et joutes poétiques.

Aux racines amérindiennes, se sont ajoutés les rythmes noirs ainsi qu’une forme de chant reposant sur la tradition du romance espagnol. Après trois siècles et demi de métissage, c’est dans la région du Magdalena Grande sur la côte atlantique de la Colombie que s’est épanouie la tradition du vallenato : le « troubadour vallenato » crée dans ses chansons une chronique des événements quotidiens, au cours de joutes musicales." (Radio France)

Cette vidéo est une reprise d'une des chansons le plus connues du chanteur le plus célèbre de vallenato au niveau international: Carlos Vives.

Il s'agit ici d'un vallenato plus "moderne" avec beaucoup plus d'instruments que le purement traditionnel.

Observez-vous des instruments que vous ne connaissez pas?

Bonne écoute!

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La Tierra del Olvido feat. Carlos Vives | Playing For Change | Song Around The World

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On va vers l'île de République Dominicaine aujourd'hui pour écouter un peu de merengue.

Profitez et dansez bien (attention ça va très vite 😉)!

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Medley  A Pedir Su Mano, La Bilirrubina, Las Avispas, En El Cielo No Hay Hospital Prem

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Dernier jour pour le Brésil (malheureusement, car avec la beauté et la richesse de leur musique je pourrais continuer toute une vie :)!

Aujourd'hui une musique pleine de détente et de douceur. Un genre musical plus récent dans l'histoire que celui d'hier (d'ailleurs, personne sait à quel genre appartient la musique d'hier?) mais qui s'est énormément répandu dans le monde entier. Il s'agit du bossa nova. Je n'ai pas choisi une des chansons les plus connues dans ce genre, en revanche Gilberto Gil est une institution à lui même au Brésil.

Percevez-vous des différences avec la musique d'hier? Lequelles?

Bonne écoute et bonne après-midi!

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Et on reste un peu au Brésil! Je m'en lasse pas... Aujourd'hui pas d'explication, à vous de deviner le genre musical 😊

Belle journée ensoleillée à tous!

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Maria Bethânia, Zeca Pagodinho - Sonho Meu

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Bonjour à tous, aujourd'hui c'est direction Brésil! Voici une série de 5 vidéos pour voir des super musiciens expliquer et jouer du choro. Bon courage avec l'anglais!

Bises et bonne journée! :)

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Join clarinet virtuoso Anat Cohen and her ensemble Choro Adventuroso as they explore the Choro style of Brazil!

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Aujourd'hui c'est retour au Cuba pour une musique plus lente et romantique: le bolero. Comme vous pouvez le constater, le boléro cubain n'est pas le même que l'espagnol du tout... ce dernier est né beaucoup plus tôt que le cubain, lequel est apparu au XIX siècle. Ils se différencient aussi car le cubain est à 4/4, alors que l'espagnol est à ......? (Penser au boléro de Ravel si vous avez besoin d'une piste pour répondre)

Voici un des boléros cubains les plus connus chanté par un des musiciens les plus importants de l'histoire de la musique cubaine.

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Aujourd'hui nous allons descendre plus au sud dans la carte du monde. On parle souvent du tango, mais moins de la milonga. Quelles sont les différences entre les deux? Il semblerait que la milonga est la danse mère du tango, dans le sens où elle lui précède. Il s'agit d'une musique souvent un peu plus rapide et joyeuse que le tango, lequel se caractérise par son côté beaucoup plus dramatique et "acrobatique" au niveau de sa danse.

Voici deux petits exemples:

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Libertango Astor Piazzolla BBC Strictly Prom 2016 Giovanni Pernice & Joanne Clifton

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Pour continuer, deux vidéos aujourd'hui sur le joropo vénézuélien. Je vous invite à travailler un peu votre anglais (ou à tricher avec un traducteur 😉) car toutes les explications sont en anglais sur le descriptif de la première vidéo. Je vous ai ajouté la deuxième vidéo pour faire le lien avec ce descriptif.

Quel est donc l'instrument étoile de cette musique à votre avis? Comment le comparez vous avec la cumbia? S'agit-il d'une musique (et d'une danse) plus ou moins rapide que la cumbia?

Bon dimanche!

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Blazers in Concert: Joropo performed by Simón Bolívar Youth Wind Orchestra olv Johan de Meij

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Voici la deuxième vidéo

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Gustavo Dudamel   Alma Llanera Pedro Elias Gutierrez   Live  Philharmonie de Paris

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Salut à tous! J'espère que votre weekend a bien démarré. Finalement, après une gentille demande de mon élève Marjorie, je vous propose de continuer encore un peu avec des musiques d'Amérique Latine.
Le but étant de montrer une palette de styles différents pour que vous arriviez à les découvrir, nommer et/ou différencier plus facilement.

Cette vidéo montre donc un autre style de musique de mon coin du monde mais pas tout à fait originaire de mon pays. À vous de deviner le style et le pays d'origine 😊

Il me semble qu'il s'agit d'un style connu d'avantage que la salsa en France. Dans tous les cas, ce qui est sûr est qu'il s'agit d'une musique qui adore la clarinette... ou adoré par beaucoup de clarinettistes plutôt 😉 à vous de juger par vous mêmes.

Bonne écoute, bon weekend et n'oubliez de sortir jouer à 20h!

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Fiesta de Negritos  Ensamble Crescendo Tocancipá

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Voici une deuxième proposition un peu différente de celle d'hier, mais pas autant que ça finalement...

Cette petite vidéo est pleine d'énergie et de joie.
Petite question: quelqu'un connait le nom de ce type de musique?

Profitez et dansez bien!

PS Je promets ne pas mettre que de la musique d'Amérique Latine tous les jours 😉

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Banda de niños cubanos - SOMOS CUBANOS DE VAN VAN

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Voici ma première proposition musicale. Il s'agit d'une de mes œuvres préférées pour orchestre.

Le compositeur mexicain, Arturo Márquez, intègre dans sa musique symphonique des éléments emblématiques des musiques traditionnelles d'Amérique Latine. Le début de cette pièce est un vrai régal pour les clarinettistes.

Cette version est interprétée par l'Orchestre Symphonique Simón Bolívar de Venezuela, qui a une forte identité sociale et artistique. N'hésitez pas à commenter, poser des questions ou poster d'autres musiques.

Bonne écoute!

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Très bon choix de musique.
C'est un morceau permettant à chaque type d'instrument de se démarquer lors des solos.
Teilo