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¿Por qué elegir el cuerpo humano como tema del padlet?

Hay muchas razones por las que decidí elegir el cuerpo humano como objeto de estudio para este proyecto, pero las dos razones más importantes son las siguientes: En primer lugar, creo que es uno de los objetos que más representación ha tenido en el arte de una forma relativamente constante, por lo que probablemente existen varias obras de las cuales escoger en las diferentes épocas relevantes de la historia.  Por esta misma razón, el cuerpo humano es también un elemento del cual se pueden ver diferentes tipos de representaciones muy varados. En segundo lugar, pero siguiendo con el hilo ya planteado en el primer punto, es un elemento (u objeto) cuya representación artística termina diciendo mucho sobre quienes lo están utilizando como objeto del arte, por lo que me parece un instrumento importante para entender el funcionamiento de la sociedad en los diferentes momentos históricos en los que fueron creadas las obras que escoja.

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Título: Pintura Rupestre del Horseshoe Canyon

Artista: Indios Paleo

Fecha: 9000-7000 AC

Técnica: Pintura Rupestre

Lugar: Utah, estados Unidos

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Título: Mujeres Deportadas

Cultura: Mesopotamia setentrional, Ninive (Kuyunjik)

Fecha: 668-627 AC

Técnica: Escultura, caliza alabastrina

Lugar: Museo di cultura antica Giovanni Barracco

Análisis: Esta obra es una escultura tallada en piedra que fue hallada en el palacio de Ninve, lo que significa que probablemente hace parte de las llamadas tablillas de Ninve. Como su nombre lo indica, es la representación de una serie de deportaciones masivas que ocurrieron en la ciudad de Babilonia. En esta obra se puede ver claramente la representación de un grupo de cinco mujeres, cuatro de estas interactuando entre ellas, y una atendiendo a una persona más pequeña quien probablemente es su hijo. Todas están mirando hacia la misma dirección, y en la imagen se da la impresión de que se están moviendo. Todas las mujeres llevan vestidos largos y gorros en la cabeza, y varias de ellas llevan en las manos lo que parecen ser jarras en las que probablemente se transportaba agua, u otros elementos. Finalmente, en el fondo de la imagen se ven claramente palmeras, características de Babilonia por su clima.

Con respecto a la técnica artística utilizada, es interesante ver como para esta época, aún se hacía la representación del cuerpo humano desde su perfil y no de frente, aunque para esta situación es interesante ver cómo el hecho de que estén representadas de esta forma ayuda a genera movimiento en la imagen, lo cual nos ayuda a entender como espectadores que se están yendo de donde estaban. Por último, esta es una obra cuya función probablemente está relacionada con la de narrar la historia de la civilización que fue relevante para el palacio en el que fue encontrada, y demostrar quienes tenían poder en determinados momentos de la historia.

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Título: Busto de Nefertiti

Artista: Tutmose

Cultura: Egipcia

Fecha: Alrededor de 1345 AC

Técnica: Tallaje en piedra caliza

Lugar: Neues Muesum de Berlín

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Título: Diosa de las serpientes

Artista: No se sabe, descubierta por Arthur Evans

Cultura: Minóica

Fecha: 1600 AC

Técnica: Escultura de cerámica vidriada

Lugar: Museo Arqueológico de Heraclión

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Título: Ilustración con figuras negras en una gran Jarra

Artista: Desconocido

Cultura: Griega

Fecha: Siglo VII A.C.

Técnica: Cerámica

Lugar: Corinto (Grecia)

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Título: Venus de Milo

Artista: Desconocido

Cultura: Griega

Fecha: 160-110 A.C.

Técnica: Talla en mármol

Lugar: Milo (Grecia)

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Título: Mosaico de Ulises y las sirenas

Artista: Desconocido

Cultura: República Romana

Fecha: año 260 D.C.

Técnica: Mosaico

Lugar: Dougga (Túnez)

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Título: Mano colosal de bronce de Constantino

Artista: Desconocido

Cultura: Romana

Fecha: Siglo IV D.C.

Técnica: Escultura en Bronce

Lugar: Foro Romano

Análisis comparativo:

Para este análisis voy a utilizar, de las obras que escogí, la Venus de Milo, y la mano colosal de Constantino. En primer lugar, la Venus de Milo es una escultura de mármol blanca de una mujer que representa a la diosa del amor y la belleza, Afrodita o Venus. Es una escultura en donde el torso está descubierto, y está posicionado de tal manera que se ve como la diosa está parada con una especie de orgullo, mostrando el pecho, que además representa el ideal cultural de la época del cuerpo perfecto femenino, pues es la diosa de la belleza. El tamaño de la estatua es cercano al de una persona (un poco más grande), y no tiene brazos (aunque se cree que antes sí tenía, cuya posición no podemos saber).

Ahora, con respecto a la segunda obra, se entiende que es una mano que hacía parte de una escultura mucho más grande, el coloso de Constantino. Las diferentes partes del cuerpo de Constantino que se han recuperado de esta estatua están hechas de diferentes materiales, pero la mano está fabricada con bronce. Es una escultura hueca, y está rota, y la posición de la mano es abierta. Otro elemento importante que se debe mencionar es que es de unas proporciones muy grandes, y la principal razón por la que tiene este tamaño es que es una escultura que representa el poder de un emperador romano.

La primera gran diferencia que existe en la forma en la que estas obras muestran el cuerpo humano es a quienes están representando; Mientras que la primera utiliza la escultura para mostrar la belleza de una diosa, la segunda representa a una persona que en realidad sí vivió. Esto demuestra que cambia el enfoque del arte entre estas dos épocas; en la posterior, pasa a tener relevancia lo que existe en la tierra, dejando un poco de lado las deidades tradicionales que se ven en la primera. En segundo lugar, otra cosa de la cual es interesante hablar es el tamaño: mientras que la primera es relativamente pequeña, las proporciones de la segunda obra son exageradas. Sin embargo, esto es porque la segunda busca mostrar un poco la magnitud del poder que tenía el emperador Constantino cuando fue construida la escultura. Finalmente, la primera escultura muestra el cuerpo humano como la máxima expresión de la belleza, mientras que la segunda utiliza esto mismo (el cuerpo) para mostrar el poder que tiene un emperador sobre su imperio.

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Título: Curación de la hemorroísa en las Catacumbas de Marcelino y Pedro

Artista: Desconocido

Cultura: Cristiana

Fecha: Siglo IV D.C.

Técnica: Pintura mural (frescos)

Lugar: Roma (Italia)

Análisis visual: Esta obra, que fue encontrada en las Catacumbas de Marcelino y Pedro en Roma muestra una escena bíblica en la que Jesús cura a la hija de uno de sus discípulos, que está al borde de la muerte. Como fue encontrada en las catacumbas, debajo de la tierra y escondidas, se puede entender que es una escena que tiene importancia para los católicos, religión que estaba prohibida en el momento en el que se pintaron estos murales. En cuanto a la imagen, en esta se pueden ver dos figuras humanas, una arrodillada a los pies de la otra, cosa que nos da a entender quien es Jesús (la figura parada) y quien es la discípula a la que salva, pues además de esto Jesús tiene la mano abierta hacia la mujer y la está mirando. Son interesantes de esta imagen también otras dos cosas: por un lado, las expresiones de la cara de los representados, y por otro, los pies descubiertos de Jesús. Con respeto a las caras, es interesante que ambas son bastante expresivas, y particularmente se ve en la mujer con cara de angustia, de pronto porque está a punto de morir. Ahora, en cuanto a los pies, estos son un símbolo importante de la pureza de Jesús, y en la imagen se salen de su túnica de tal modo que se muestran. Otro elemento técnico interesante es el color; las tonalidades de la imagen son todas con diferentes tonos de café, cosa que probablemente se relaciona al lugar donde fue encontrada la obra, e incluso a la capacidad económica de quien mandó pintar el mural. Finalmente, como ya se dijo, es interesante ver cómo en esta época el cuerpo humano se utiliza para mostrar la santidad de Jesús, y su estatus como deidad frente a los mortales, como lo es la discípula a la que salva.

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Título: Justiniano y su séquito (mosaicos de Justiniano)

Artista: Desconocido

Cultura: Bizantina, católica

Fecha: Siglo V D.C.

Técnica: Mosaico

Lugar: Iglesia de San Vital de Rávena (Italia)

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Título: Página de Juan Evangelista de los evangelios de Lindisfarne

Artista: Monje Medieval Desconocido

Cultura: Católica

Fecha: Año 635 D.C.

Técnica: Miniatura (ilustración con minas)

Lugar: Italia

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Título: Pintura mural de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo

Artista: Desconocido

Cultura: Románica

Fecha: Siglo XII

Técnica: Pintura al fresco sobre revestimiento mural trasladado a lienzo

Lugar: Segovia

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Título: Lamentación sobre Cristo Muerto

Artista: Giotto

Cultura: Gótica

Fecha: Año 1305-1306 D.C.

Técnica: Fresco

Lugar: Capilla de los Scrovegni

Análisis comparativo: Para este análisis voy a utilizar las siguientes sobras: la pintura mural de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo, y la Lamentación sobre Cristo muerto. La primera obra mencionada, es un mural que se encuentra en una iglesia en Segovia en el que se pueden ver dos personas, cada una a un lado de un árbol, y es una imagen que representa a Adán y Eva hablando con una serpiente, que está en el árbol. Sabemos que son Adán y Eva porque están desnudos, y la forma en la que están pintados sus cuerpos es menos realista, y un poco más caricaturesca, en donde se le marcan cada uno de los órganos del cuerpo casi que por encima de la piel. Los colores que se utilizan para esta obra son claros, y se utilizan pocos, probablemente por la imagen que se pinta. El detalle está centrado en la escena que se está mostrando y las personas que la protagonizan, por lo que las hojas de los árboles tienen poco detalle. Por otra parte, la segunda obra muestra a muchas personas, y de dos tipos: por un lado, están los humanos en la parte inferior de la obra, en donde la mayoría son mujeres que están llorando a Jesús (que también se ve en la obra), por otro, están los ángeles en la parte superior de la obra, también con cara de lamentación. Las imágenes humanas en esta obra son bastante realistas, y los colores utilizados son brillantes y claros, con muchos tonos pasteles. Ahora, con respecto al contraste entre las dos obras: hay una diferencia y una similitud principales. La diferencia radica en la forma en la que se representa el cuerpo humano en cada época: en la pintura de los románicos, se ve una representación mucho más simbólica que no busca ser completamente realista, y se enfoca en mostrar cada uno de los componentes del cuerpo humano, desde los órganos más representativos de cada género (los senos de la mujer, por ejemplo), hasta los que comparten (como las costillas). A pesar de esto, se cubren los sexos se puede suponer por prudencia. Ahora, en cuanto a la obra gótica, en esta la representación del cuerpo humano es mucho más realista, y no busca mostrar cada parte del cuerpo, sino más bien a los personajes de una escena. En ese sentido, todos los que aparecen están vestidos con túnicas, menos Jesús que está desnudo, pues acaba de morir crucificado. Esta obra le da mucha importancia a las expresiones faciales de los personajes, y en eso se enfoca, a diferencia de la obra de Adán y Eva. Con respecto a la similitud, se encuentra en que en ambas obras se ve representada una escena bíblica, por lo que en estos periodos se puede decir que se utiliza el arte como una forma de darle relevancia a la religión, y también como un medio de propagación de la misma, pues todas las personas que entraban a estos lugares donde se encontraban estos murales terminaban viendo las escenas en las que se predicaba no solo la grandeza de Dios, sino toda su historia.

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Título: Navidad mística

Artista: Sandro Botticelli

Cultura: Italia renacentista

Fecha: 1501

Técnica: Óleo sobre tela

Lugar: National Gallery, Londres

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Título: San Lucas dibujando a la virgen

Artista: Rogier Van der Weyden

Cultura: Renacimiento flamenco

Fecha: Siglo XIV

Técnica: Óleo sobre lienzo

Lugar: Museo de Bellas Artes de Boston

Análisis Visual: Esta obra, que fue realizada por el pintor flamenco Roger Van der Weyden, se cree que fue una de las pinturas que se encontraba en El Escorial (España).  Muestra, como su título lo dice, la imagen de San Lucas dibujando a la Virgen María, quien a su vez tiene a su bebé, el niño Jesús, en brazos. Por la época en la que fue hecha esta pintura y el lugar donde estuvo, se puede interpretar que su intención, así fuera parcialmente estaba relacionada con humanizar y acercar a los personajes de la Biblia a las personas. En cuanto a la composición del cuadro, se ve que hay dos figuras que son los protagonistas del cuadro (la Virgen María y San Lucas), cada uno a un costado de la imagen, y parecen estar al lado de una ventana en un cuarto de lo que podría ser una casa o monasterio. En el centro de ambos se pueden ver, afuera en el patio, dos figuras humanas mirando hacia una fuente, y con esto se balancea el cuadro: hay una figura en cada lado, y dos en la mitad. Hay dos elementos interesantes en esta imagen relacionados al cuerpo humano: el contraste entre Jesús y los otros personajes de la obra, y las expresiones faciales de estos. En cuanto a lo primero, el contraste consiste en que mientras que tanto la Virgen como San Lucas están completamente vestidos con túnicas (la Virgen de colores oscuros y San Lucas de colores llamativos), el niño Jesús se encuentra completamente desnudo, lo que muestra un contraste significativo con las otras figuras de la imagen. Con respecto a lo segundo, se ve cómo las expresiones faciales de cada personaje del cuadro determinan su rol en la pintura: San Lucas está mirando fijamente a María, precisamente porque la está pintando, pero se genera una especie de redirección de la atención en el cuadro porque ella no lo está mirando de vuelta, ni posando, sino que está mirando al bebé que tiene en los brazos. Finalmente, el niño Jesús está mirando a su madre quien lo amamanta, lo cual de cierto modo llama la atención del espectador hacia el lado izquierdo de la obra, donde se encuentran ellos.

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Título: Tabla central del tríptico del juicio final de Viena

Artista: El Bosco

Cultura: Gótica

Fecha: Después de 1482

Técnica: Óleo sobre tabla

Lugar: Academia de Bellas Artes de Viena, Austria

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Título: Autorretrato como alegoría de la pintura

Artista: Artemisa Gentileschi

Cultura: Barroca Italiana

Fecha: 1638-1639

Técnica: Óleo sobre lienzo

Lugar: Royal Collection Trust, Reino Unido

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Título: La Última Cena

Artista: Marcos Zapata

Cultura: neoclásico peruano

Fecha: 1748

Técnica: Óleo sobre lienzo

Lugar: La Catedral de Cuzco, Perú

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Título: La maja vestida

Artista: Francisco de Goya

Cultura: Romanticismo español

Fecha: 1800-1808

Técnica: Óleo sobre lienzo

Lugar: Museo del Prado, España

Análisis comparativo: En este caso, se va a realizar un análisis comparativo entre las obras Autorretrato como alegoría de la pintura de Gentileschi y La maja vestida de Goya. En la primera de las obras la imagen de una mujer ocupa casi todo el cuadro. Esta mujer es blanca, está vestida de manera bastante simple y se encuentra pintando sobre un lienzo. Se entiende por el título que se trata del autorretrato de la artista, por lo que se puede presumir que la mujer es Artemisa Gentileschi. De esta obra es interesante ver el contraste entre la protagonista de la obra (quien sabemos que es la protagonista no solo porque es la única figura clara, sino porque tiene toda la luz) y el fondo, que es oscuro y borroso. Es interesante también ver la forma en la que el cuerpo femenino, a pesar de tener las características típicamente utilizadas para la seducción femenina como parte del busto y pelo expuestos, no se presenta como un objeto de deseo sino como lo “protagonista” de la obra. Por otra parte, en la maja vestida se ve a una mujer acostada en lo que parece ser una cama, vestida de blanco en todo el cuerpo salvo los brazos (que están cubiertos por una especie de saco amarillo). En la obra, es evidente que la protagonista es esta mujer porque es la única figura iluminada, y el fondo o lugar en el que se encuentra es casi que imperceptible. La pose de esta mujer es “provocativa” y se puede entender que está posicionada como un objeto de deseo. Además de esto, se puede ver cómo la forma en la que está vestida de blanco puede llegar a mostrar su pureza como mujer, lo cual la hace incluso más atractiva para los ojos masculinos.

Estas dos obras tienen una similitud y una diferencia muy relevantes, que a la vez se desprenden de lo mismo: la mujer que protagoniza la obra. En común tienen que la composición del cuadro es muy similar: en ambos se ve a una mujer blanca completamente iluminada como protagonista de la obra. En ese sentido, ambas pinturas son retratos que muestran características muy específicas de la mujer, las cuales terminan dándole el significado a estas, que es en realidad muy distinto. Adicionalmente, la paleta de colores es casi idéntica. Ahora, en cuanto a la diferencia: las mujeres de las obras representan cosas completamente distintas. Mientras que en el autorretrato de Gentileschi muestra a la mujer como artista, siendo ella haciendo su trabajo a protagonista plena de la obra, en la maja de Goya se presenta a una mujer anónima que e realidad se puede decir que se presenta como un objeto de atracción para el ojo masculino. El cuerpo humano en este caso se utiliza para presentar a la mujer bajo diferentes luces: la de la artista, y la del objeto de deseo.

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Título: Romantic couple seated by piano

Artista: Dean Cornwell

Cultura: Realismo del siglo XIX

Fecha: 1922

Técnica: Óleo sobre lienzo

Lugar: Heart’s International Magazine Illustration

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Título: Dos bailarinas de amarillo y rosa

Artista: Edgar Degas

Cultura: Impresionismo francés

Fecha: 1898

Técnica: Carbón Pastel

Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina

Análisis visual: Esta obra, llamada dos bailarinas de amarillo y rosa, realizada inicialmente en Francia pero que ahora se encuentra en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, es una imagen hecha con pasteles por el artista francés Edgar Degas, quien perteneció al movimiento impresionista. En esta imagen se pueden ver dos figuras principales que comparten el protagonismo: a la derecha, una bailarina vestida con un atuendo de ballet rosado y a la izquierda una muy similar vestida con un traje amarillo. La luz se encuentra repartida proporcionalmente entre las dos mujeres, pero en el plano del cuadro se encuentra más cerca al público la bailarina amarilla. Los colores de la obra son bastante vivos, y el contraste entre las bailarinas vestidas con colores fuertes y el fondo más grisáceo y abstracto hace que las mujeres resalten como las protagonistas de esta imagen. Finalmente, con respecto a la función del cuerpo human en esta obra, se ve como, a pesar de no utilizar una técnica en la que la intención sea retratar de forma exacta la figura humana, el artista logra mostrar claramente la elegancia y delicadeza de los movimientos de las bailarinas. En este caso, se ve como el cuerpo humano puede llegar a ser uno de los instrumentos más importantes que las personas tienen para hacer arte.

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Título: Desnudos azules

Artista: Henri Matisse

Cultura: Vanguardias del siglo XX

Fecha: 1952

Técnica: Papeles recortados sobre papel blanco

Lugar: MOMA, Estados Unidos.