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El teatro griego tuvo su origen en el siglo V a.C. y floreció principalmente durante los siglos V y IV a.C. El período más destacado del teatro griego abarca aproximadamente desde el año 500 a.C. hasta el 300 a.C., con los dramaturgos como Esquilo, Sófocles y Eurípides en el siglo V a.C. y dramaturgos posteriores como Menandro en el siglo IV a.C. Durante este tiempo, se produjeron las tragedias griegas clásicas que son ampliamente conocidas y estudiadas en la actualidad.

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Te explicamos qué es el teatro griego antiguo, su origen y sus características principales. Además, los representantes más destacados.

¿Qué es el Teatro griego antiguo?

El teatro griego comenzó en el siglo VI a. C. en Atenas y fue pionero en representaciones teatrales de convocatoria masiva. Las primeras puestas en escena se basaban en las ceremonias religiosas representadas a través de la tragedia y, con el tiempo, se fueron incorporando otros géneros como la comedia y la sátira.

Los teatros estaban construidos al aire libre, sin embargo, transmitían una acústica impecable. Solían establecerse al lado de una colina, con un escenario y un gran muro de fondo (el espacio para que se prepararan los actores), rodeado por unas escalinatas en forma de semicírculo, donde se sentaba el público.

Las primeras obras fueron adaptaciones de rituales religiosos representadas por un único actor. Luego se incorporaron más actores, la música de un coro y la escenografía. Surgieron otros géneros como el drama y la comedia, que resultaron muy populares, junto con la tragedia. El teatro griego resultó de gran influencia para el teatro helenístico y romano, para luego extenderse por todo el Mediterráneo.

Ver además: William Shakespeare

Origen del teatro griego

Se considera a las grandes dionisias de Atenas como las precursoras del teatro griego. Consistían en fiestas anuales que duraban varios días, en honor a Dioniso, dios del vino y la exuberancia.

En estas celebraciones masivas, la gente cantaba, bailaba y tomaba vino. El gran atractivo eran las representaciones dramáticas que realizaban algunos, como las tragedias de Eurípedes, uno de los poetas griegos más representativos.

Características del teatro griego

El teatro griego se caracterizó por sus obras vinculadas a las ceremonias religiosas de culto al dios Dioniso. Los rituales consistían en el sacrificio de cabras, canciones llamadas trag-dia y danzas con máscaras, entre otros.

Las tramas de la tragedia estuvieron siempre inspiradas en episodios de la mitología griega, que solían formar parte de la religión griega. Solo podían actuar los hombres y, las primeras obras, constaban de un solo actor que se mostraba disfrazado con un traje y una máscara, para representar a los dioses.

Las grandes máscaras con rasgos exagerados fueron un ícono importante del teatro griego. Eran utilizadas porque formaban parte de los rituales religiosos, adaptados para recrear las obras teatrales y también porque permitían que un mismo actor pudiera representar a diferentes personajes.

El coro era una de las características más importantes del teatro griego. Estaba conformado por un grupo solo de hombres cuyo desempeño interactuaba durante todo el desarrollo de la obra, generando un clima particular en cada instancia. Además, cumplía el rol de entretener y divertir al público al acompañar la danza de los actores.

El público era masivo y estaba conformado por personas de diversos estratos sociales. Por eso, existían ubicaciones preferenciales destinadas solo para los magistrados, sacerdotes y ciudadanos ilustres que, además, tenían una mejor vista del escenario.

Representantes del teatro griego

Entre los dramaturgos o autores representantes del teatro griego, se destacan:

Esquilo (525 - 456 a. C.). Fue considerado el creador de la tragedia griega y reconocido por su innovación tras incorporar un segundo actor (cuando aún las obras eran interpretadas solo por un personaje). Sus guiones se basaban en temas de la mitología, con personajes de dioses, semidioses o seres sobrehumanos que se expresaban con un lenguaje grandilocuente y metafórico.

Sófocles (496 - 406 a. C.). Fue muy popular por incorporar diversas innovaciones, como el coro, la escenografía y la técnica actoral. Las obras de Sófocles reflejaban el sufrimiento de los hombres expuestos a las situaciones extremas que les depara el destino y por la justicia divina de los dioses.

Eurípides (484 - 406 a. C.). Fue celebrado por sus diálogos inteligentes, realistas y por plantear preguntas incómodas a la audiencia, que invitaban a la reflexión. Se dedicó por completo a plasmar los problemas y las pasiones. En sus guiones se destacaron los héroes de carne y hueso.

Aristófanes (444 - 385 a. C.). Fue el principal exponente del género cómico, también llamado comedia antigua o comedia aristofánica. Sus guiones reflejaban un gran nivel cultural y artístico, a través de un humor sarcástico y de duras críticas políticas, sociales y religiosas, incluso, críticas hacia Sócrates y Eurípides.

Referencias:

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Teatro Griego: origen, representantes y características

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Teatro griego ✓ Te explicamos qué es el teatro griego antiguo, cómo es su estructura y géneros. Además, sus características generales, autores y más...

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Esquilo, uno de los primeros y más importantes dramaturgos trágicos griegos, escribe obras como "Prometeo encadenado" y "Los persas".

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Sófocles, otro destacado dramaturgo, crea obras como "Edipo Rey" y "Antígona".

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Eurípides, conocido por sus innovadoras tragedias como "Medea" y "Las troyanas".

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La Guerra del Peloponeso, un conflicto bélico que influyó en la temática de algunas obras trágicas.

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Representación de "Las Nubes" de Aristófanes, una comedia que satiriza a los dramaturgos trágicos y filósofos de la época.

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Teatro de Epidauro

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Aristóteles, filósofo y autor de la "Poética," un tratado sobre la teoría de la tragedia griega.

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Menandro, un comediógrafo que escribió comedias de costumbres y situaciones cotidianas.

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Siglo III a.C- Siglo II d.C

El teatro romano se caracterizó por su influencia griega, pero también por la incorporación de elementos y temas propios de la cultura romana. Las obras se dividían en dos géneros principales: la comedia y la tragedia. A menudo, las comedias romanas se basaban en la vida cotidiana y presentaban personajes estereotipados, mientras que las tragedias a menudo se inspiraban en mitos y figuras heroicas.

Es importante señalar que la tradición teatral romana continuó evolucionando a lo largo de los siglos, pero los nombres mencionados anteriormente representan algunos de los máximos exponentes y eventos más notables en la historia del teatro romano.

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Teatro romano: historia, características y actividades - SobreHistoria.com

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Para los romanos, la cultura era un pilar esencial de su desarrollo. De ahí que nos hayan dejado joyas artísticas y arquectónicas tan maravillosas. En

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240 a.C.: Comedias palliatae, un género de comedia romana que incorporó elementos griegos, se vuelven populares. Plauto, uno de los dramaturgos más destacados, escribe numerosas comedias en este estilo, como "Miles Gloriosus" y "Aulularia".

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55 a.C.: La leyenda cuenta que el general y político romano Pompeyo organizó el primer teatro de madera permanente en Roma.

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13 a.C.: El poeta y dramaturgo romano Tito Maccio Plauto (Plauto) muere, habiendo dejado un legado duradero en la comedia romana.

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La apertura del Coliseo de Roma, un anfiteatro que se utilizaría para una variedad de espectáculos, incluyendo representaciones teatrales.

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161-180 d.C.: El emperador Marco Aurelio escribe sus "Meditaciones," que contienen elementos filosóficos y éticos que influyeron en la literatura teatral romana.

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Teatro Medieval Siglo V al Siglo XV (5to al 15to)

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Teatro Medieval Siglo V al Siglo XV (5to al 15to)

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Es importante destacar que el teatro medieval estaba fuertemente influenciado por la Iglesia y servía principalmente para la educación religiosa y la moralidad. A medida que la Edad Media avanzaba, se desarrollaron diferentes formas de teatro, desde los misterios religiosos hasta las comedias y las obras de moralidad que abordaban temas más profanos.

Cabe mencionar que esta cronología se centra principalmente en Europa, pero también hubo desarrollos teatrales en otras partes del mundo durante la Edad Media, como las representaciones teatrales en el teatro Noh en Japón y el teatro de sombras en China.

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Antecedentes del género dramático (Siglo V a.C.)

El teatro griego se considera el origen del género dramático y se divide en tres grandes períodos:

Período arcaico (Siglo V a.C.): Los dramas se representaban en festivales religiosos y tenían un carácter ritual y simbólico.

Período clásico (Siglo V a.C.): Los dramas se representaban en teatros y se caracterizaban por la presencia de tres actores y un coro.

Período helenístico (Siglo IV a.C.): Los dramas se volvieron más complejos y se incorporaron elementos de la comedia y la tragedia.

El teatro romano (Siglo III a.C. - Siglo V d.C.)

El teatro romano adoptó gran parte de las tradiciones griegas y se caracterizó por la presencia de obras de teatro políticas y satíricas. Algunos de los autores más destacados de este período fueron Plauto, Terencio y Séneca.

El teatro medieval (Siglo V - Siglo XV)

En la Edad Media, el teatro se utilizó principalmente con fines religiosos y educativos. Las obras se representaban en iglesias y se caracterizaban por la presencia de elementos religiosos, como la Pasión de Cristo.

El Renacimiento (Siglo XV - Siglo XVII)

En el Renacimiento, el teatro se convirtió en una forma de arte popular y se caracterizó por la presencia de obras de teatro clásicas y de nueva creación. Algunos de los autores más destacados de este período fueron William Shakespeare, Lope de Vega y Calderón de la Barca.

El teatro moderno (Siglo XVIII - Siglo XX)

En el siglo XVIII, el teatro se convirtió en una forma de arte más comercial y se caracterizó por la presencia de obras de teatro más realistas y menos simbólicas. En el siglo XIX, el teatro se volvió más político y se utilizaron las obras para criticar la sociedad de la época. En el siglo XX, el teatro se volvió más experimental y se utilizaron técnicas como el teatro del absurdo y el teatro épico.

El teatro contemporáneo (Siglo XXI)

En la actualidad, el teatro se sigue utilizando como forma de arte y de crítica social. Se han incorporado nuevas técnicas y formas de representación, como el teatro inmersivo y el teatro participativo.

La línea del tiempo del género dramático es extensa y rica en historia y evolución. Desde sus orígenes en el teatro griego hasta las nuevas formas de representación en el siglo XXI, el teatro ha sido una forma de arte y de crítica social que ha evolucionado y se ha adaptado a las necesidades y demandas de cada época.

Es importante conocer la historia y evolución del género dramático para poder entender y apreciar las obras de teatro actuales y comprender su contexto y significado.

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Línea del tiempo del género dramático. Línea de Tiempo

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Antecedentes del género dramático (Siglo V a.C.) El teatro griego se considera el origen del género dramático y se divide en tres grandes períodos:

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Teatro religioso en forma de liturgias y representaciones dramáticas en iglesias, como los "Misterios" medievales. Los máximos exponentes fueron los miembros del clero.

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El dramaturgo Hrosvitha de Gandersheim, una monja alemana, escribe obras teatrales basadas en la tradición romana clásica.

Siglos XIII al XV: El teatro de misterio (Misterios) se desarrolla en Europa, representando escenas bíblicas en las plazas de las ciudades. En este período, se escriben los "Misterios de Chester" y los "Misterios de York" en Inglaterra.

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El teatro de pasión (Passion Plays) se convierte en una forma popular de representar la Pasión de Cristo, con ejemplos notables como el "Oberammergau Passion Play" en Alemania.

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Surgen las "Morality Plays" (obras de moralidad) en Europa, que presentan personajes alegóricos en situaciones morales. Ejemplos incluyen "Everyman" y "Mankind."

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Comedia del arte italiana (Siglos XVI al XVIII)

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Comedia del arte italiana (Siglos XVI al XVIII)

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La Commedia dell'arte italiana es un género de teatro improvisado que se originó en Italia durante el siglo XVI y tuvo un gran impacto en la tradición teatral europea. Se caracterizaba por la improvisación y la interpretación de personajes arquetípicos que solían llevar máscaras. Los actores desarrollaban tramas en el momento, pero los personajes y las situaciones eran estándar y se basaban en estereotipos cómicos. La influencia de la Commedia dell'arte se puede ver en muchas formas posteriores de teatro, como la comedia enmascarada, el teatro de variedades y la comedia física.

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Comedia del Arte: qué es, origen, características y personajes

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La Comedia del Arte, llamada también Comedia all’improviso (por su uso de la improvisación), fue un tipo de espectáculo teatral de carácter eminentemente popular. Su origen se sitúa en el siglo XVI, aunque algunos autores afirman que ya existía durante el siglo anterior

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550: Se considera que la Commedia dell'arte comenzó a tomar forma en Italia en este siglo. Los actores itinerantes realizaban actuaciones improvisadas que incluían personajes arquetípicos y máscaras.

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1600: La Commedia dell'arte se popularizó en toda Europa, y las compañías de actores italianos viajaron por el continente, influyendo en las tradiciones teatrales locales.

Máximos exponentes: Arlequín (Harlequin), Pantaleone, Colombina y Scaramuccia son algunos de los personajes icónicos de la Commedia dell'arte de este período.

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A lo largo del siglo XVIII, la Commedia dell'arte siguió siendo influyente, pero comenzó a declinar en popularidad en favor de otras formas de teatro.

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Se refiere al teatro que floreció durante el reinado de Isabel I de Inglaterra, en el siglo XVI. Sin embargo, es importante señalar que el término "isabelino" se asocia principalmente con el teatro inglés de esa época. No existe una "era isabelina italiana" en el mismo sentido. El teatro isabelino en Inglaterra tuvo lugar durante el reinado de Isabel I de Inglaterra, que gobernó desde 1558 hasta 1603. Fue una época de gran efervescencia y creatividad en el teatro inglés.

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Teatro isabelino - ¿Qué es?, características, autores y más

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Todo acerca de lo que es el teatro isabelino, te contamos su definición y características principales, autores y representantes y más.

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16th century: Durante el Renacimiento, Italia fue un centro importante de actividad teatral y dramática.

Commedia dell'arte: La Commedia dell'arte, una forma de teatro de improvisación con personajes arquetípicos y máscaras, se desarrolló en Italia durante este siglo y tuvo un impacto duradero en la tradición teatral europea.

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1558-1603: Reinado de Isabel I. Durante su gobierno, se permitió y apoyó el desarrollo del teatro en Inglaterra.

Década de 1570: Se establecen las primeras compañías de actores profesionales y se construyen los primeros teatros públicos en Londres, como el "Theatre" y el "Curtain."

1588: Se construye el famoso "Globe Theatre," donde Shakespeare y otros dramaturgos realizaron muchas de sus obras.

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Máximo exponente del teatro isabelino, autor de numerosas obras maestras, incluyendo "Hamlet," "Macbeth," "Romeo y Julieta" y "Otelo."

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Dramaturgo influyente de la época, conocido por obras como "Doctor Fausto" y "Tamburlaine."

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Dramaturgo y contemporáneo de Shakespeare, famoso por sus comedias y su obra "Volpone."

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1603: Isabel I muere y le sucede al trono Jacobo I, lo que marca el comienzo del período jacobino, que continuó la tradición teatral isabelina.

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Siglo de Oro español (siglos XVI y XVII)

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Siglo de Oro español (siglos XVI y XVII)

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Fue una época de gran esplendor en la literatura y el teatro en España. Durante este período, se produjeron muchas obras maestras que influyeron en la literatura y el teatro en todo el mundo.El Siglo de Oro español fue una época de gran diversidad en el teatro, con comedias, tragedias, autos sacramentales y otras formas dramáticas que abordaban temas religiosos, históricos y sociales. Las obras de los máximos exponentes, como Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca, siguen siendo fundamentales en la historia del teatro y la literatura española.

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¿Qué fue el Siglo de Oro español?

El Siglo de Oro español fue un período que abarcó desde los primeros años del siglo XVI hasta mediados del siglo XVII. Durante este, España se destacó por su preeminencia política y su desarrollo en las artes, la literatura y las ciencias.

Si bien el Siglo de Oro comenzó durante el apogeo político del Imperio español, también coincidió con su decadencia. Sin embargo, a pesar de las sucesivas crisis políticas, económicas y sociales, se produjo un extraordinario desarrollo cultural que extendió su influencia hacia los demás países europeos y hacia América.

No existe un acuerdo entre los investigadores sobre las causas de esta explosión cultural ni sobre su duración. Algunas fechas propuestas como inicio son la publicación de la Gramática del Castellano de Antonio de Nebrija, en 1492, o el nacimiento del escritor Miguel de Cervantes Saavedra, en 1547. Para su finalización se considera el fallecimiento de Quevedo, en 1644, o el de Pedro Calderón de la Barca, en 1681.

Contexto histórico

El llamado Siglo de Oro coincidió en España con el reinado de la dinastía de los Austrias.

El reinado de los dos primeros reyes de esta dinastía, Carlos I y Felipe II, fue un período de expansión de los territorios bajo el dominio del Imperio español, el cual en su momento de máxima extensión, llegó a abarcar la península Ibérica, gran parte de América, las Filipinas, algunas regiones del norte de África, los Países Bajos, el Milanesado y el sur de Italia, incluida Sicilia.

Las inmensas cantidades de metales preciosos que llegaban de América favorecieron el surgimiento de mecenas entre la aristocracia y el alto clero español. Además, todos los reyes de esta dinastía, incluso los últimos, conocidos como "los Austrias menores" fueron amantes de las artes, coleccionistas y mecenas que generaron en la corte un ambiente favorable para el desarrollo de la literatura y las artes.

A partir del reinado de Felipe III (1598-1621), comenzó una etapa de decadencia en lo político y económico que se agudizó a causa de las continuas guerras llevadas adelante por Felipe IV (1621-1665), como la guerra de los 30 Años y la guerra franco-española.

Durante este período comenzó la desintegración territorial del imperio y se inició una grave crisis económica, social y política. La muerte de Carlos II, en 1700 y sin herederos, tuvo como consecuencia un cambio dinástico y de esta manera comenzó en España el reinado de la dinastía de los borbones.

Características del Siglo de Oro

Las principales características del Siglo de Oro español fueron las siguientes:

El concepto de Siglo de Oro no hace referencia a un estilo artístico específico, ya que temporalmente corresponde al Renacimiento y al Barroco. Se refiere más bien a la relevancia de la producción del período y su impacto en la cultura europea.

Convivieron distintas tendencias estilísticas, desde un realismo que proponía la recuperación de temas cotidianos y vulgares, la representación de personajes populares y el uso de la lengua popular, hasta obras más barrocas que desarrollaron un lenguaje intelectual y culto alejado de lo popular.

España se convirtió en un centro de atracción para artistas de distintos lugares de Europa.

Hubo un gran desarrollo del teatro. Las representaciones teatrales fueron el medio que acercó a las clases populares, la mayoría analfabeta, los textos de la cultura intelectual.

No fue un fenómeno exclusivo de la corte real de Madrid, sino que se desarrolló una intensa actividad cultural en ciudades como Sevilla, Toledo, Valencia y Zaragoza, entre otras.

Teatro en el Siglo de Oro

El teatro español del Siglo de Oro, junto con el teatro isabelino en Inglaterra, fueron los antecedentes y el origen del teatro moderno. A partir de las innovaciones introducidas por Lope de Vega y sus discípulos, finalizó la concepción aristotélica de unidad de acción, tiempo y lugar.

Apareció, además, la zarzuela, un nuevo género teatral que combinaba el teatro con música.

Este fue un fenómeno de gran popularidad. Las obras se representaban en espacios abiertos llamados "corrales de comedia". En el siglo XVII se construyeron los primeros teatros cerrados.

Los autores más importantes del período fueron Lope de Vega, Pedro Calderón de la Barca y Tirso de Molina.

Literatura en el Siglo de Oro

Se produjeron innovaciones en todas las ramas de la literatura que, desde España, se difundieron e influenciaron la literatura europea de la época.

En poesía se exploraron diversas formas como el soneto, el terceto y la octava real. Se agregaron nuevos temas, alejados de los medievales, como los mitológicos.

Dentro de la literatura surgieron nuevas corrientes, como la mística, que ponía énfasis en el uso de la poesía como vehículo de religiosidad. Algunos de los autores de esta corriente fueron Santa Teresa de Jesús, San Juan de la Cruz y San Juan de Ávila.

Al mismo tiempo se desarrolló la novela y aparecieron nuevos géneros como la crónica.

Principales autores y representantes del Siglo de Oro

Algunos de los autores y representantes destacados del Siglo de Oro fueron:

Garcilaso de la Vega (1492/1503-1536): poeta y militar.

Santa Teresa de Jesús (1515-1582): poeta y religiosa.

Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616): novelista, poeta y dramaturgo. Autor de El ingenioso Hidalgo don Quijote de la Mancha.

Luis de Góngora (1561- 1627): poeta y dramaturgo español. Representante de la corriente literaria culteranista.

Francisco de Quevedo (1580-1645): poeta y dramaturgo, máximo exponente del conceptismo.

Diego Velázquez (1599-1660): pintor español.

Pedro Calderón de la Barca (1600-1681): dramaturgo.

Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682): pintor.

Bennassar, Bartolomé. La España del Siglo de Oro. Barcelona, Crítica. 2001.

Burke, Peter. La cultura popular en la Europa moderna. Madrid, Alianza. 1996.

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Siglo de Oro español - ¿Qué fue?, contexto, características y más

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Todo acerca de que fue el Siglo de Oro español, un resumen con su contexto histórico, características principales, teatro, literatura, autores, obras y más.

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1500-1600: Durante el siglo XVI, se produjo una transición del teatro religioso medieval al teatro secular renacentista en España.

1547: Juan del Encina, uno de los primeros dramaturgos renacentistas en España, escribe "Églogas" y "Auto de los Reyes Magos."

1562: Lope de Rueda, un importante dramaturgo y actor, escribe "Los pasos" y populariza las comedias de enredos y farsas.

1569: Guillén de Castro, autor de la trágica "Las mocedades del Cid."

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1600-1700: El teatro del Siglo de Oro español alcanza su apogeo durante el siglo XVII.

1605: Miguel de Cervantes publica la primera parte de "Don Quijote de la Mancha," una obra influyente que incluye elementos teatrales en su narrativa.

1605-1635: Lope de Vega, uno de los dramaturgos más prolíficos y destacados de la época, escribe cientos de comedias, incluyendo "El perro del hortelano" y "Fuenteovejuna."

1600-1681: Tirso de Molina, autor de la primera obra en la que aparece el personaje de Don Juan, "El burlador de Sevilla y convidado de piedra."

1607-1681: Calderón de la Barca, dramaturgo y autor de obras maestras como "La vida es sueño" y "El gran teatro del mundo."

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Nació el 25 de noviembre de 1562 en Madrid, España. Falleció el 27 de agosto de 1635 en Madrid. Durante su vida, escribió una gran cantidad de obras, incluyendo comedias, dramas y poemas, y es conocido por su prolífica producción literaria.

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Tirso de Molina, cuyo nombre real era Gabriel Téllez, nació el 24 de marzo de 1579 en Madrid, España. Falleció el 12 de marzo de 1648 en Almazán, España. Fue un destacado dramaturgo del Siglo de Oro español y es conocido por ser el autor de la primera obra en la que aparece el personaje de Don Juan, titulada "El burlador de Sevilla y convidado de piedra."

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Pedro Calderón de la Barca, uno de los dramaturgos más destacados del Siglo de Oro español, nació el 17 de enero de 1600 en Madrid, España. Falleció el 25 de mayo de 1681 en Madrid. Calderón de la Barca es conocido por obras maestras como "La vida es sueño" y "El gran teatro del mundo" y es considerado uno de los pilares del teatro barroco español.

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Teatro clásico francés Siglos XVII (17) y XVIII (18)

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Teatro clásico francés Siglos XVII (17) y XVIII (18)

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El teatro clásico francés se desarrolló principalmente durante el siglo XVII y parte del siglo XVIII en Francia. Fue una época de gran esplendor en la dramaturgia y el teatro francés.

El teatro clásico francés se caracterizaba por seguir reglas rígidas de la unidad de acción, tiempo y lugar, y por presentar obras que abordaban temas morales y sociales. Estas normas y principios se codificaron en lo que se conoce como las "Tres Unidades" y fueron promovidas por la Académie Française.

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El teatro del siglo XVIII es el teatro ilustrado y, dependiendo de cada país, tiene unas características u otras. Estamos en el siglo de María Antonieta con sus pelucas tipo rascacielos y sus vestidos no aptos para las estrechas calles de Ciutat Vella, pero también siglo de revoluciones y de ansias de todo aquello de Liberté, égalité y fraternité. Con tanto movimiento y circulación de ideas, uno puede preguntarse si a la gente le quedaban ganas o tiempo para pasar a visitar al teatro. Obviamente la respuesta es un rotundo sí... pero aprovechando para colar un par de lecciones por en medio.

Como medio esencial de comunicación de ciertos mensajes sociales o didácticos para un público tanto popular como privilegiado - a diferencia de los otros géneros literarios como la lírica y la prosa - podemos encontrar los valores de la época reflejados en el teatro. Hoy en Espectáculos BCN nos disponemos a descubrir el resultado de una tal mezcla examinando el teatro del siglo XVIII.

El Siglo de las Luces y el teatro

El siglo XVIII en Europa se considera el "Siglo de las Luces" o de la Ilustración, cuyo principal objetivo era combatir la ignorancia mediante la razón y el conocimiento. Esto se vio reflejado tanto en la política como en la cultura y la sociedad, y por supuesto también en la literatura y el teatro, los cuales sufrieron varios cambios para adaptarse a estas nuevas formas de pensar.

Este contexto de la Ilustración se caracteriza por grandes avances en la ciencia y en la filosofía, por la importancia de la razón, del empirismo y del espíritu crítico para obtener conocimiento, la predominancia del concepto de utilidad, y el cuestionamiento de ideas preconcebidas. Todo - tanto las reformas políticas como la literatura - debía contribuir a un progreso basado en la razón.

Todo muy bonito en teoría, ¿pero y en la práctica? Sin ponernos en el tema político, estas ideas ilustradas no fueron todas tan fáciles de integrar en el género dramático, el cual había gozado de una auténtica época dorada en el siglo anterior, con las huellas de Lope de Vega, Calderón de la Barca, Racine, Molière y hasta Shakespeare aún presentes.

Aunque una idea de didactismo, de moralidad, y quizás más tarde de crítica social se extendió por la mayor parte del teatro europeo, existieron también muchas variaciones distintas en la expresión teatral de varios países europeos. Nos centraremos a continuación en las distintas formas que tomó el teatro en el siglo XVIII en varios países, y en sus dramaturgos más destacados.

El teatro del siglo XVIII en Alemania

En Alemania, las ideas de la Ilustración en el teatro se vieron reflejadas sobre todo a través de la visión dramática de Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781). Este fue el máximo representante de la innovadora tragedia burguesa (" bürgerliches Trauerspiel"). Como indica su nombre, esta forma teatral tenía la burguesía como protagonista, metiendo los valores y la moralidad burguesa al centro de la obra, contrastándola incluso con el comportamiento juzgado inmoral y negligente de la aristocracia.

El solo hecho de hacer la burguesía protagonista ya significaba una ruptura con las normas aristotélicas clásicas (solo los personajes aristocráticos, divinos o héroes pueden ser el centro de una tragedia), y esto permitía además mostrar en escena el contexto doméstico burgués de la época y hacer así una crítica social en contra del autoritarismo de las clases aristocráticas.

Algunas de las piezas teatrales de Lessing más representativas de este nuevo tipo de teatro ilustrado son Emilia Galotti (drama burgués por excelencia) y Nathan el Sabio, un drama centrado en la tolerancia frente a las demás religiones del mundo.

El teatro ilustrado y la tragedia burguesa de Lessing tuvieron una influencia enorme en el género dramático alemán que lo precedió, con el teatro del Sturm und Drang de Schiller, por ejemplo, compartiendo muchas de las características de este nuevo tipo de drama.

El teatro del siglo XVIII en Francia

El teatro francés, regido por la Academia Francesa, había sido notablemente rígido en su seguimiento de las normas aristotélicas y del modelo clásico (respeto a las 3 unidades de tiempo, acción y lugar, personajes sacados de la tradición clásica, etc.) ya durante la segunda mitad del siglo XVII. El teatro necesita pues un cambio.

Por una parte, este cambio es proporcionado por figuras como Diderot, quien - inspirado por Lessing y el teatro alemán - incorporó el drama burgués moralizador, el cual lleva la tragedia al contexto histórico y social contemporáneo sin romper de forma extrema con otros de los principios aristotélicos. Voltaire se propone un enfoque similar por lo que hace a la tragedia tradicional con obras como Zaïre.

Aun así, el teatro más destacado de la Francia del siglo XVIII se encuentra en el ámbito de la comedia, con dramaturgos como Marivaux y Beaumarchais. Estos tomaron las bases de Molière y de la comedia dell'arte precedentes, pero - tal y como uno se espera del Siglo de las Luces - incorporaron elementos de crítica social, que hasta algunos críticos han llegado a señalar como presagios de la revolución.

Las obras de Beaumarchais El barbero de Sevilla y Las bodas de Fígaro son las más representativas del teatro del siglo XVIII en Francia. En ellas, Beaumarchais presenta a Fígaro, un personaje de clase baja, como protagonista víctima de una sociedad injusta, y sobre todo en Las bodas, la crítica social llega a poner en escena monólogos de carácter trágico - ¡en una comedia! - en los cuales Fígaro y otros personajes de clase baja se ven representados como no solo inteligentes y víctimas del autoritarismo, sino como más virtuosos y merecedores de su final feliz que los personajes aristocráticos secundarios.

El teatro del siglo XVIII en el Reino Unido y en Italia

En Inglaterra, el teatro experimentó un gran boom en popularidad, con más teatros que nunca y actores que ganaron mucha fama. El drama sentimental con protagonismo burgués, centrado en el enseñamiento de la virtud, también ganó mucho protagonismo, con dramaturgos como Richard Steele. Paralelamente, John Gay escribió su "The Beggar's Opera" (La ópera del mendigo), una ópera satírica inspirada en parte por las ideas filosóficas de Locke y haciendo parodia de las clases altas e instituciones inglesas.

En Italia, la commedia dell'arte experimentó también una reforma principalmente a manos de Carlo Goldoni, quien incorporó a este género tradicional de comedia ideas humanistas e inspiradas por la filosofía de la época, además de críticas sociales y anticlericales.

El teatro del siglo XVIII en España

Finalmente, el teatro ilustrado también llegó a España pese a la gran huella que el teatro barroco del Siglo de Oro de Lope de Vega o Calderón de La Barca había dejado sobre el escenario. De hecho, su popularidad e influencia había sido tan grande que encontramos aún una tradición posbarroca heredera del teatro precedente durante la primera mitad del siglo XVIII. A diferencia de este, el teatro ilustrado tenía un carácter claramente didáctico y utilitario, y se proponía "instruir deleitando", lo que no consiguió el mismo éxito entre el público del país.

En España, este teatro tomó sobre todo la forma de un teatro neoclásico. Así pues, a diferencia de otros países europeos que buscaban romper un poco con la tradición clásica anterior (aunque sin pasarse como lo harían los Románticos, eso sí), el teatro español de la Ilustración se proponía un seguimiento de las normas aristotélicas, respetando las tres unidades y separando lo cómico de lo trágico, combinándolo todo con una finalidad didáctica y moralizante para la instrucción del público.

Como representante de este teatro ilustrado neoclásico destaca Leandro Fernández de Moratín, quien se preocupó también por la representación de la clase media y la crítica social contemporánea. Una de sus obras más destacadas es El sí de las niñas: comedia en prosa que plantea el problema del matrimonio forzado de chicas jóvenes con hombres mayores. Combina didactismo con crítica social.

Pese a la presencia de este teatro neoclásico en el teatro español del siglo XVIII, cabe destacar también la popularidad de otros géneros dramáticos de tipo popular como los sainetes de Ramón de la Cruz, piezas de un acto de carácter popular y costumbrista.

Y es que la eterna cuestión sobre la función del teatro y de la literatura en general es una que encontramos desde hace cientos de años. Aunque el teatro de la Ilustración tuvo éxito en algunos países, este mismo fue vencido por la fuerza del teatro popular en otros. Puro entretenimiento contra un espíritu de utilidad y funcionalidad.

Desde Espectáculos BCN os dejamos así con esta eterna pregunta: ¿Debería el teatro servir para trasmitir un mensaje más o menos didáctico, o quizás es su función puramente entretenida y de evasión de los problemas de la realidad? ¿Hay espacio para ambas cosas?

Mientras reflexionáis sobre la cuestión, os invitamos también a echar un vistazo a nuestros artículos sobre 21 dramaturgos famosos y sus obras, y los escritores del Siglo de Oro más destacados. ¡Que no sea que falte el didactismo!

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Teatro del siglo XVIII: características, autores y obras ~ EspectáculosBCN

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El teatro del siglo XVIII es el teatro ilustrado y, dependiendo de cada país, tiene unas características u otras. Estamos en el siglo de María Antonieta con sus pelucas tipo rascacielos y sus vestidos no aptos para las estrechas calles de Ciutat Vella, pero también siglo de revoluciones y de ansias de todo aquello de Liberté, égalité y fraternité.

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1635: Fundación de la Académie Française por el Cardenal Richelieu. Esta academia desempeñó un papel importante en la regulación y promoción del teatro clásico francés.

1637: La primera obra de Pierre Corneille, "El Cid," se estrena y se convierte en un gran éxito.

1664: Molière, uno de los dramaturgos más influyentes, funda su propia compañía de teatro y presenta obras como "El enfermo imaginario" y "Tartufo."

1669: Estreno de "El festín de piedra" de Molière, una comedia que se burla de las normas morales y sociales de la época.

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Pierre Corneille, uno de los dramaturgos más importantes del teatro clásico francés, nació el 6 de junio de 1606 en Rouen, Francia. Falleció el 1 de octubre de 1684 en París, Francia. Es conocido por escribir una serie de notables tragedias que influyeron en la dramaturgia francesa y europea de la época, incluyendo obras como "El Cid" y "Cinna".

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Molière, cuyo nombre real era Jean-Baptiste Poquelin, nació el 15 de enero de 1622 en París, Francia. Falleció el 17 de febrero de 1673 en París. Molière es uno de los dramaturgos más influyentes de la literatura teatral europea y es conocido por sus brillantes comedias satíricas y su crítica social en obras como "El enfermo imaginario," "Tartufo" y "El misántropo."

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1700-1715: El teatro clásico francés continúa prosperando en las primeras décadas del siglo XVIII.

1715-1774: El reinado de Luis XV marcó el período tardío del teatro clásico francés, con dramaturgos como Voltaire contribuyendo a la tradición.

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Voltaire, cuyo nombre real era François-Marie Arouet, nació el 21 de noviembre de 1694 en París, Francia. Falleció el 30 de mayo de 1778 en París. Fue un filósofo, escritor y figura importante de la Ilustración en Francia. Aunque no fue principalmente un dramaturgo, escribió algunas obras teatrales y también tuvo una influencia significativa en la literatura y el pensamiento de su época.

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El teatro romántico es una corriente teatral que surgió en el siglo XIX, durante el período del Romanticismo, que abarcó aproximadamente desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX en Europa. Se caracterizaba por su enfoque en las emociones, la individualidad, la exploración de la psicología de los personajes y la búsqueda de la libertad creativa.

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El teatro romántico se desarrolló en Europa en las primeras décadas del siglo XIX, y fue parte de un movimiento artístico que se rebeló contra las formas neo-clasicistas (regularidad, objetividad, emoción controlada por la razón, y otras).

Esta rebelión artística se manifestaba mediante la liberación de la convención establecida, la subjetividad, la emoción que dominaba la razón y los cambios abruptos de humor y tono, sin ningún tipo de restricciones.

Ya desde el siglo anterior, las culturas europeas le otorgaban al teatro una relevancia extraordinaria, celebrando sus funciones sociales y estéticas. Los teatros eran laboratorios para la creación de nuevas formas y géneros.

En general, el teatro romántico valoraba la subjetividad del genio, elevaba las emociones fuertes por encima de la restricción racional y, a menudo, buscaba encarnar los conflictos universales dentro de las figuras individuales.

Inicialmente, los artistas de teatro romántico compartieron las esperanzas utópicas de los revolucionarios. Sin embargo, especialmente después de la caída de Napoleón en 1815, se volvieron pesimistas y conservadores.

Origen histórico del teatro romántico

El Romanticismo como movimiento comenzó a fines del siglo XVIII en Alemania. Este coincidía con las tendencias culturales que caracterizaron Europa entre los años de la Revolución francesa y mediados del siglo XIX.

En particular, el movimiento desafiaba el racionalismo exasperado de la Era de la razón, exaltando la libertad, el individuo y la creatividad. Además, encontraba en la naturaleza el refugio ideal para escapar de la realidad cotidiana.

En Francia, se convirtió en un amplio movimiento de protesta contra la cultura aristocrática y contra la estética neoclásica sobre la cual se basaba esa cultura.

De este modo, muchos escritores buscaban dar validez a los reclamos de poder de una clase media mercantil rápidamente ascendente, con una autoimagen moral sostenida por la ética protestante.

Contra lo que consideraban una clase aristocrática gobernante cada vez más corrupta y parásita, estos escritores describían personajes de orígenes humildes pero sentimentalmente profundos y moralmente probos.

Manifiesto del Romanticismo

En agosto de 1826, el poeta, novelista y dramaturgo francés Víctor Hugo comenzó a escribir un nuevo drama: Cromwell. Al final, no lo llevó al escenario; en cambio, decidió solo leer la obra a sus amigos.

Sin embargo, el Prefacio a Cromwell sí fue publicado el 5 de diciembre de 1827. Este contenía la definición de Víctor Hugo del Romanticismo.

Sus principios revolucionaron el drama francés y se convertirían en el manifiesto del teatro romántico. Pero también, señaló el inicio del choque entre clasicistas franceses y románticos.

En este texto, abogaba por el fin de las tragedias aburridas y la poesía amistosa con el régimen, el reemplazo de la tragedia por el drama y la abolición del verso forzado.

Triunfo del Romanticismo sobre el clasicismo

En 1830, la batalla ideológica entre clasicistas y románticos explotó durante el estreno de la obra de teatro Hernani de Victor Hugo. El auditorio se convirtió en un campo de batalla entre clasicistas y partidarios del teatro romántico.

En sí, era una lucha de la libertad artística de expresión frente a la estética. Ambas partes se reunieron, una preparada para aplaudir, la otra para silbar. Pero, los románticos ahogaron los silbidos con vigorosos aplausos.

A medida que avanzaba la obra, los clasicistas comenzaron a lanzar basura y vegetales podridos. También hubo gritos e, incluso, golpes.

Luego, la diatriba se extendió más allá de los confines del auditorio. Por toda Francia se libraron duelos, peleas y debates. Además, Víctor Hugo recibió muchas amenazas y tuvo que cuidar su seguridad personal.

No obstante, Hemani permaneció en el escenario durante dos meses. Al final, el Romanticismo salió victorioso y gobernó el escenario parisino durante 50 años.

El teatro romántico se popularizó en toda Europa. En naciones como Rusia, Polonia, Hungría y los países escandinavos la principal inspiración fue la tragedia shakesperiana.

Características del teatro romántico

Naturaleza como inspiración

La naturaleza proporcionó a los artistas del teatro romántico una fuente de genio natural proporcional a su coherencia con el flujo universal.

Al explorar sus propias profundidades, los artistas se ponen en contacto con los procesos fundamentales de la naturaleza. De alguna manera, intuían las leyes orgánicas de la naturaleza.

Así pues, los artistas románticos querían que sus creaciones imitaran el proceso natural, no planificado e inconsciente de la naturaleza.

Búsqueda de respuestas en el pasado

La búsqueda de los románticos de significados mitológicos en el pasado hizo avanzar historiografía de la época anterior. La Era de la Razón había considerado el presente como un paso hacia una ilustración futura.

Sin embargo, sin la visión de un futuro utópico, los románticos relacionaban todos los valores con su momento particular en la historia.

Por lo tanto, el teatro romántico buscaba significado y respuestas en el pasado, considerando los problemas del presente como solo una etapa en un proceso continuo.

Estética trascendental

El teatro romántico trascendió los valores del momento. El arte encarnaba el ideal y mostraba la realidad como patética a la luz del ideal.

En ese contexto, la experiencia estética llegó a representar el momento más satisfactorio de la vida y a significar la experiencia emocional del ideal.

Esta visión trascendental adquirió una presencia física en el arte. En presencia de la magnificencia infinita sugerida por el arte, la emoción no podía contenerse. Así, el arte debía procurar una respuesta emocional.

Rechazo a las formas clásicas

El teatro romántico rechazó las tres unidades de narración: tiempo, lugar y acción. Los autores escribían sin restricciones y usaban diferentes escenarios.

Además, dividían las obras en actos y empleaban las medidas métricas que mejor se ajustaban a sus representaciones.

Cambios en el escenario

El escenario comienza a ganar importancia, y la decoración cambia completamente de una obra a otra, transformando el teatro en un mundo diferente para cada pieza. Incluso, algunas obras contaban con efectos especiales.

Ayudados por nuevos avances técnicos, los teatros competían entre sí, tratando de superarse con escenarios y efectos especiales cada vez más elaborados.

Lenguaje elocuente y retórico

El lenguaje se vuelve elocuente y retórico, y se mezclan por primera vez los versos y la prosa. Los monólogos se vuelven populares nuevamente. Estos son la mejor forma de expresar los sentimientos de cada personaje.

Víctor Hugo hizo contribuciones vitales al Romanticismo. Sus obras literarias exploran la naturaleza dual del hombre del bien y del mal. De igual modo, abordan cuestiones de poder político y desigualdad social.

Por otro lado, Víctor Hugo contribuyó a la teoría literaria cuando definió el drama romántico en el prefacio de su drama Cromwell.

Además, su drama en verso Hemani (1831) encendió aún más el debate entre clasicismo y Romanticismo.

Alfred de Vigny (1797-1863)

En 1829, Alfred de Vigny tradujo a para la Comédie-Française . Los románticos de París se sorprendieron con la grandeza de la visión de Shakespeare.

La obra demostró las verdades expresadas dos años antes en el grito de guerra de Víctor Hugo, el prefacio de su obra Cromwell, que lo había convertido en héroe entre los jóvenes literatos franceses.

Alexandre Dumas (1802-1870)

El primer gran éxito de Dumas fue su obra Enrique III y su corte (1829). Este le ganó fama y fortuna de la noche a la mañana.

Desde un punto de vista moderno, sus obras son toscas, impetuosas y melodramáticas; pero fueron admiradas a fines de la década de 1820 y comienzos de la de 1830.

Con su Bonaparte (1831), contribuyó a hacer una leyenda del emperador recientemente muerto, y en Antony (1831) llevó el adulterio y el honor al escenario.

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Teatro romántico: origen, características, autores, obras

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El teatro romántico se desarrolló en Europa en las primeras décadas del siglo XIX, y fue parte de un movimiento artístico que se rebeló contra las formas neo-clasicistas (regularidad, objetividad, emoción controlada por la razón, y otras).

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Finales del siglo XVIII: Se inicia la transición del Neoclasicismo al Romanticismo en la literatura y el teatro europeo.

Principios del siglo XIX: En Alemania, se desarrolla el movimiento del Sturm und Drang, que influye en la dramaturgia romántica.

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El dramaturgo alemán Heinrich von Kleist escribe "La familia Schroffenstein," una obra que combina elementos románticos y trágicos.

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Se estrena "Fausto" de Johann Wolfgang von Goethe, una obra fundamental del teatro romántico alemán.

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Nació el 28 de agosto de 1749 en Fráncfort del Meno, en lo que hoy es Alemania. Falleció el 22 de marzo de 1832 en Weimar, Alemania. Goethe fue un destacado escritor, poeta, dramaturgo y figura fundamental del movimiento literario del Romanticismo en Europa. Es conocido por obras como "Fausto" y "Las penas del joven Werther," y sus contribuciones al teatro y la literatura son fundamentales en la tradición cultural europea.

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Se produce el estreno de "Hernani" de Victor Hugo, una obra que marca el inicio del teatro romántico francés.

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"Cromwell" de Victor Hugo se representa en París, una obra que establece las bases del drama romántico.

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Henrik Ibsen, dramaturgo noruego, comienza a escribir obras que anticipan el realismo pero que también tienen influencias románticas.

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El teatro romántico se caracteriza por enfocarse en la emoción, la imaginación y la libertad creativa, rompiendo con las restricciones neoclásicas.

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A medida que avanzaba el siglo XIX, el Romanticismo en el teatro comenzó a dar paso al Realismo, aunque muchas de sus influencias perduraron en la dramaturgia moderna.

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El Realismo y el Naturalismo son dos corrientes literarias y teatrales que surgieron en el siglo XIX y se extendieron hasta principios del siglo XX en Europa. Estas corrientes se caracterizan por su enfoque en la representación de la realidad, la sociedad y la psicología de los personajes.

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Filósofo, historiador y traductor

El realismo fue un movimiento literario nacido en la segunda mitad del siglo XIX, el cual buscaba que el arte mostrara la realidad de forma objetiva y utilizando el lenguaje sencillo del habla cotidiana.

Influenciados por el desarrollo de las ciencias naturales y sociales, los escritores realistas observaron y documentaron con atención la vida cotidiana. Su fin era el de crear obras llenas de detalles que se asemejaran en lo posible al mundo real.

El naturalismo, en cambio, fue un movimiento literario considerado como un realismo más exhaustivo. Se caracterizó por ser altamente cientificista, tomando varios principios del determinismo y del materialismo como bases de la creación literaria.

Además de observar y documentar la vida cotidiana, los autores naturalistas experimentaban con sus personajes y consideraban que la libertad de estos estaba determinada por su contexto social y sus características físicas.

Definición

Es un movimiento literario que tiene como fin mostrar la realidad tal y como esta se presenta, de manera objetiva, observando, documentando y presentando hechos del mundo real, abandonando el estilo del romanticismo.

Es un movimiento literario en el cual la realidad es representada de manera objetiva, con un enfoque científico, positivista y determinista, en donde las acciones de los personajes estaban determinadas por su contexto social y sus características físicas.

Principales características

Inspirado en el desarrollo de las ciencias y avances técnicos.

Opuesto a los ideales del romanticismo.

Intenta retratar la realidad de forma fiel y objetiva.

Sus autores observan y documentan hechos, lugares y personas de la vida real.

Abandono del estilo figurativo del romanticismo, adoptando un lenguaje más coloquial y sencillo.

Estilo descriptivo y detallado de objetos, lugares y personajes.

Predilección por la prosa y el género de la novela.

Comparte muchas características con el realismo.

Es cientificista, intenta no solo retratar la realidad de forma fiel y objetiva, sino que también busca interpretarla.

Es determinista y materialista, las decisiones de los personajes son dictadas por su contexto social y características físicas.

Un grado más agudo de observación, documentación y experimentación por parte de los autores.

Estilo altamente descriptivo y detallado.

Tipo de narrador más utilizado

Omnisciente en tercera persona.

Omnisciente en tercera persona.

Tipo de personajes principales

Generalmente son individuos burgueses, aunque puede involucrar personajes de clase baja.

Generalmente personas pobres, obreros o con algún tipo de padecimiento, de clase baja.

Autores

Stendhal, Honoré Balzac, Gustave Flaubert, Benito Pérez Galdós, Charles Dickens.

Émile Zola, Emilia Pardo Bazán, Antón Chéjov, Rómulo Gallegos, entre otros.

¿Qué es el realismo?

En literatura, el realismo fue un movimiento artístico de mediados del siglo XIX que se propuso mostrar la realidad tal y como esta es, de manera objetiva. Se valía de la observación y documentación de hechos, personas y lugares, dibujando el mundo en los textos de forma detallada.

Como consecuencia de la Revolución Industrial y el acenso de nuevas clases políticas y económicas en Europa, la visión estética sobre la representación del mundo se vio afectada. Además, el desarrollo de la ciencia experimental y el estudio de la sociedad fueron importantes influencias dentro de este movimiento artístico.

Los autores realistas favorecían las experiencias concretas de las personas y las descripciones fieles de los hechos que observaban. Inspirados por el desarrollo científico, abandonaron la subjetividad del romanticismo, optando por un estilo más objetivo.

El realismo como movimiento buscaba dibujar la realidad, describiendo el mundo en el que se desarrollaban las obras, como si se tratara de una pintura o una fotografía. Se describían las características propias de los personajes, tanto físicas como psicológicas, con la presencia de un narrador omnisciente.

La consolidación de la burguesía fue clave para que se produjera el movimiento realista. Se buscaba que el arte reflejara más sobre esta clase, con personajes que la representaran.

La crítica social también fue un punto característico de este movimiento. Los autores buscaban ir más allá del entretenimiento y denunciar aquellas cosas de la época que provocaban males en la sociedad.

Para los autores realistas y naturalistas, la escritura en prosa de la novela era la forma ideal para crear sus obras. Este género permitía un acercamiento a la realidad similar al de los ensayos científicos, con mayores posibilidades de crear un mundo narrativo que fuera verosímil. Además, se optaba por una forma de escribir más simple y apegada a la forma de hablar de las personas, haciendo uso del lenguaje coloquial.

Características del realismo

Su intención es la de retratar la realidad objetivamente.

Inspirado por el desarrollo científico, se vuelca hacia la observación de los hechos, documentando sucesos, lugares y personas.

Posee un estilo descriptivo del mundo exterior y psicológico de los personajes.

Tiene una actitud crítica desde el punto de vista del autor, que utiliza la obra literaria para describir y denunciar y no solo para entretener.

Sus personajes son mayoritariamente burgueses.

Narrador predominantemente omnisciente y uso de la tercera persona.

Lenguaje local o coloquial y poco idealista, contrapuesto al estilo romántico.

El mundo representado es conocido para el autor, abandonando el uso de elementos fantásticos.

Los personajes actúan según la situación en la que se encuentran.

Representantes del realismo literario

¿Qué es el naturalismo?

El naturalismo es un movimiento literario originado el último tercio del siglo XIX y fundado por el novelista francés Émile Zola (1840-1902), quien plasmó las ideas básicas del naturalismo en su ensayo La novela experimental (1880). Este movimiento se encuentra ligado al realismo, pero expone las características principales de este de una forma más exhaustiva.

Este movimiento consideraba que los acontecimientos y el contexto determinan las acciones de las personas, que el novelista debía proceder en la escritura de la misma forma que un científico hace ciencia. Además, consideraba que el autor no solo debía describir la realidad observada, sino que también debía experimentar con los personajes, colocándolos en diferentes situaciones y mostrando sus conductas.

Estuvo influenciado por el determinismo, según el cual existe un orden causal que determina el comportamiento del ser humano. Así, el contexto económico y la situación social dictarían la conducta de los personajes. El autor trabajaba sobre los personajes, experimentando con ellos en diversas situaciones y mostrando cómo su conducta era comandada por su contexto social y biológico.

Además del determinismo, el naturalismo también partía de la teoría de la evolución de Charles Darwin y del materialismo. Los personajes estaban sujetos a sus propias características físicas, de las cuales se desprendían sus comportamientos y sus sentimientos. Este movimiento era secular y la espiritualidad estaba subsumida al mundo natural.

Al igual que el realismo, el naturalismo se inspiró en las ciencias naturales y el positivismo social, aunque de forma más profunda. Los autores observaban metódicamente la realidad y documentaban sus hallazgos, usándolos como base para escribir la obra.

Sin embargo, el naturalismo se diferencia del realismo por ser un movimiento literario más representativo de las clases bajas y marginadas. Sus personajes eran obreros, personas pobres, enfermos y otros que normalmente no eran protagonistas en obras literarias.

La sociedad era presentada desde una perspectiva mucho más pesimista, y esta era la promotora de aquellas situaciones negativas de dominaban la vida de los personajes.

Características del naturalismo

Busca la objetividad y rechaza la subjetividad.

Es cientificista, propone la observación y experimentación como claves en el trabajo artístico del novelista, el cual es equiparado al trabajo del científico.

En la construcción de la obra, el autor intenta reproducir, describir e interpretar al máximo la realidad observada.

Es determinista, lo que significa que el comportamiento de los personajes se encuentra determinado por su contexto social y sus impulsos naturales.

El autor experimenta con los personajes, basado en las condiciones físicas y sociales de estos, que generalmente presentan algún tipo de problema físico o psicológico.

El lenguaje utilizado es aún más coloquial que en el realismo, llegando a utilizar la jerga y el vocabulario utilizado en la vida real de forma aún más detallada.

Presenta la realidad en sus expresiones más crudas, presentando tanto lo bueno como lo malo, enfatizando las miserias de las clases más pobres.

Es amoral, en el sentido de que la realidad se presenta tal cual es, sin realizar un juicio de valor sobre aquello de lo cual se escribe.

Representantes del naturalismo literario

Contexto histórico del realismo y del naturalismo

El realismo y el naturalismo estuvieron influenciados por diversos sucesos que acontecieron antes y a lo largo del siglo XIX.

Las revoluciones ocurridas durante el siglo XIX en Europa alimentaron la conciencia de clase entre diversos grupos sociales.

Un ejemplo de ello fue la llamada Primavera de los Pueblos de 1848. Esta fue consecuencia de una crisis agrícola y comercial que azotó a Francia en 1847, y que llevó al levantamiento general de la clase obrera y al enfrentamiento con la clase burguesa.

Además, la lucha por derechos civiles fue un factor que impactó el panorama social. Hasta entonces, la política en Francia y del resto de Europa favorecía más a las clases altas burguesas y no tanto a las clases media y obrera.

Revestida con poder político y económico, la alta clase burguesa de la época tenía una visión de mundo conservadora y secular. Influenciada por perspectivas filosóficas más materialistas y los avances de la ciencia, pondría énfasis en los hechos observados y en la explicación de la realidad.

Por otro lado, la Revolución Industrial tuvo como consecuencia un traslado del trabajo desde el campo a la ciudad, agilizando la comunicación y el desarrollo de medios escritos. Esto hizo más fácil que se diseminaran diferentes ideas de forma rápida.

Por último, la alfabetización popular también jugó un rol importante en el desarrollo de estos movimientos. La educación fue sistematizada y ganó algo de terreno al analfabetismo. La instrucción primaria sería instaurada en las grandes urbes industrializadas, en donde el acceso a una educación secular permitiría a más personas el acceso a la producción literaria.

Bachiller en Filosofía (2009) por la Universidad Nacional de Costa Rica; máster en Historia, Relaciones Internacionales y Cooperación (2013), en Traducción y Servicios Lingüísticos (2015) y en Multimedia (2017) por la Universidad de Oporto.

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Filósofo, historiador y traductor El realismo fue un movimiento literario nacido en la segunda mitad del siglo XIX, el cual buscaba que el arte mostrara la realidad de forma objetiva y utilizando el lenguaje sencillo del habla cotidiana. Influenciados por el desarrollo de las ciencias naturales y sociales, los escritores realistas observaron y documentaron con atención la vida cotidiana.

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"Las flores del mal" de Charles Baudelaire

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1830: Comienzo del Realismo literario en Francia con autores como Honoré de Balzac y Stendhal, que enfocaron sus obras en la descripción realista de la sociedad y la vida cotidiana.

1848: Se publica "Las flores del mal" de Charles Baudelaire, una obra que marca la transición del Romanticismo al Realismo en la poesía francesa.

1850-1880: Gustave Flaubert escribe "Madame Bovary" y Emile Zola comienza a desarrollar los principios del Naturalismo, enfocándose en la influencia del ambiente y la herencia en la conducta humana.

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El influyente novelista y escritor francés del Realismo, nació el 20 de mayo de 1799 en Tours, Francia. Falleció el 18 de agosto de 1850 en París, Francia. Es conocido por su extensa serie de novelas y cuentos colectivamente llamados "La Comedia Humana," que retratan la sociedad francesa del siglo XIX de manera detallada y realista. Balzac es uno de los máximos exponentes del Realismo literario.

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1867: "Peer Gynt" de Henrik Ibsen, dramaturgo noruego, introduce elementos del Realismo en el teatro.

1879: Ibsen escribe "Una casa de muñecas," una obra teatral que critica la opresión de las mujeres en la sociedad.

1880-1890: El Realismo y el Naturalismo influyen en la literatura y el teatro de otros países europeos, incluyendo Rusia, con autores como Fiódor Dostoievski y Anton Chéjov.

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1900: El Naturalismo sigue influyendo en la literatura con autores como Émile Zola y Thomas Hardy.

1930-1940: El Realismo y el Naturalismo se mantienen como influencias en la literatura, pero son desafiados por movimientos literarios posteriores, como el Surrealismo y el Existencialismo.

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Las Nuevas Vanguardias, un conjunto de movimientos artísticos y literarios que se desarrollaron a principios del siglo XX, representaron una ruptura con las tradiciones establecidas y exploraron nuevas formas de expresión en el arte y la literatura. Las Nuevas Vanguardias en el teatro, al igual que en otras formas de arte, representaron una ruptura con las tradiciones establecidas y exploraron nuevas formas de expresión en el escenario.

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1896: El simbolismo en el teatro, representado por figuras como Maurice Maeterlinck, se enfoca en la representación de elementos abstractos y simbólicos en lugar de la narrativa tradicional.

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1905: El teatro del absurdo, que critica la falta de sentido en la existencia humana, se anticipa en las obras del dramaturgo Alfred Jarry.

1916: El Dadaísmo llega al teatro con obras experimentales como "La pasión considerada como una de las bellas artes" de Georges Ribemont-Dessaignes.

1920: El Surrealismo, influenciado por el movimiento artístico, se refleja en el teatro con autores como Antonin Artaud y sus teorías sobre el "teatro de la crueldad."

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1921: El Expresionismo en el teatro alemán, con obras como "Los emigrantes" de Ernst Toller, enfatiza la expresión de emociones extremas.

1950: El Teatro del Gesto y el Mimo, encabezado por Marcel Marceau, destaca la comunicación a través del movimiento y la mímica.

1950-1960: El Teatro de la Crueldad de Antonin Artaud influye en movimientos posteriores, como el Teatro del Absurdo y el Teatro de Vanguardia.

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El Simbolismo es un movimiento literario y artístico que busca representar conceptos abstractos y emociones a través de símbolos y metáforas en lugar de una narrativa literal.

Maurice Maeterlinck nació el 29 de agosto de 1862 en Gante, Bélgica, y falleció el 6 de mayo de 1949 en Niza, Francia. Fue un destacado escritor y dramaturgo belga, conocido por sus contribuciones al simbolismo en la literatura y el teatro. Su obra influyó en la evolución del teatro y la poesía simbolista en el siglo XIX y principios del siglo XX.

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Samuel Beckett, un influyente dramaturgo asociado con el movimiento del Teatro del Absurdo, nació el 13 de abril de 1906 en Dublín, Irlanda, y falleció el 22 de diciembre de 1989 en París, Francia. Es conocido por obras emblemáticas como "Esperando a Godot" y "Fin de partida," que exploran la naturaleza absurda y desolada de la existencia humana. Beckett es uno de los principales exponentes del Teatro del Absurdo y dejó una huella duradera en el teatro moderno.

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Antonin Artaud fue un influyente dramaturgo, actor y teórico francés conocido por su asociación con el movimiento del Teatro de la Crueldad. Nació el 4 de septiembre de 1896 en Marsella, Francia, y falleció el 4 de marzo de 1948 en Ivry-sur-Seine, Francia.

El Teatro de la Crueldad, propuesto por Artaud, buscaba liberar las emociones y los impulsos reprimidos a través de la actuación y la puesta en escena, desafiando las convenciones teatrales tradicionales. Su legado ha dejado una huella duradera en la teoría y la práctica teatral contemporánea.

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Bertolt Brecht fue un influyente dramaturgo, director y teórico teatral alemán asociado con el Teatro Épico. Nació el 10 de febrero de 1898 en Augsburgo, Alemania, y falleció el 14 de agosto de 1956 en Berlín Oriental.

Brecht es conocido por su enfoque en el distanciamiento y la reflexión crítica en el teatro. El Teatro Épico, propuesto por Brecht, buscaba alejar al espectador de la identificación emocional con los personajes y las situaciones en el escenario para que pudiera adoptar una perspectiva crítica y política sobre los temas representados. Brecht creía que el teatro debería ser una herramienta de cambio social y político.

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Jerzy Grotowski fue un influyente director de teatro polaco asociado con el concepto del "Teatro Pobre" (también conocido como "Teatro de las Fuentes" o "Teatro Laboratorio"). Nació el 17 de agosto de 1933 en Rzeszów, Polonia, y falleció el 14 de enero de 1999 en Pontedera, Italia.

Es conocido por su enfoque en la simplicidad y la desnudez en la producción teatral. El Teatro Pobre buscaba destilar el teatro a su esencia más pura, eliminando decorados y efectos especiales, y enfocándose en la relación directa entre el actor y el espectador.

Su trabajo, que incluye producciones como "El príncipe constante" y "Apocalipsis cum figuris," influyó en el desarrollo del teatro experimental y la búsqueda de nuevas formas de comunicación teatral.

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Sin lugar a dudas el teatro es fascinante y a través de los años ha evolucionado, de manera que no deja de sorprender a la humanidad.

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El teatro es un tipo de espectáculo que ha acompañado a la civilización humana desde tiempos muy antiguos. Un tipo de representación artística que siempre ha sido del gusto de todos en sus diferentes variedades. En CurioSfera-Historia.com, te explicamos qué es el teatro: su definición, significado y concepto. Del mismo modo, te mostramos como ha sido su historia y evolución, todos los tipos de teatro que existen y también cómo es el edificio en el que se realiza.
Ver el origen de la música
Qué es el teatro

Si te preguntas, ¿ qué es teatro? debes saber que el significado de teatro es un término procedente de la palabra griega theatrón (θέατρον). Una traducción válida en español sería "lugar o sitio para la contemplación". La definición de teatro es que es uno de los componentes de las Artes escénicas y vinculado con la actuación. En su desarrollo intervienen actores que reproducen una historia ante el público mediante la palabra, el canto, gestualidad, música, escenografía y sonidos.

Del mismo modo, también se utiliza la denominación o concepto de teatro para referirse al género literario que abarca a las obras y textos escritos para ser representados ante unos espectadores en vivo o mediante una grabación o retransmisión televisiva.

También se conoce como teatro al edificio o instalación donde se representan tradicionalmente las obras de teatro. También se incluyen en este ámbito espectáculos como el ballet, la ópera, monólogos o la pantomima.

Origen del teatro

Casi todos los estudios coinciden en que los primeros indicios del origen del teatro, o algo parecido, se encuentran en las primitivas ceremonias y rituales relacionados con la caza. Del mismo modo, tras la recolecta de la cosecha, se realizaban ritos de agradecimiento con música, cantos y danza.

Gran parte de estos rituales, se convirtieron en verdaderos espectáculos en los que se expresaban espiritualidad y se rendía devoción y culto a los dioses. Este tipo de manifestaciones litúrgicas o sagradas son un elemento fundamental para el nacimiento del teatro en todas la civilizaciones.

Hace miles de años, en Mesopotamia y en África, existían poblados y tribus que tenían un gran sentido de la mímica, los sonidos y el ritmo. Contaban con gran facilidad para imitar a los animales y contar grandes historias sobre sus cacerías.

En las noches, alrededor de un fuego, se explicaban increíbles historias que poco a poco fueron acompañadas de cierta música con tambores, canciones y disfraces. También sucedía algo similar con celebraciones y ritos religiosos, que se convirtieron en verdaderos espectáculos.

Pero los historiadores se preguntan si realmente se puede considerar a estas prácticas como teatro, ya que por lo general tenían una gran carga religiosa. Otros, en cambio, consideran que como mínimo, son lo más parecido a los orígenes del teatro de los que se tiene constancia.

Por tanto, si bien no se puede considerar estas prácticas como teatro, si se puede considerar que son los primeros indicios del origen del teatro. Una vez dicho esto, a las preguntas ¿dónde nació el teatro? y ¿quién inventó el teatro? La respuesta es que el teatro nació en la antigua Grecia entre los siglos V y VI a.C., en concreto en su capital, Atenas.

Los ciudadanos atenienses realizaban ceremonias en honor al dios de la vegetación y del vino Dionisio. Estos ritos evolucionaron poco a poco hasta convertirse en teatro. Siendo así en uno de los mayores avances culturales de la civilización griega. Tanto que en cada nueva ciudad o colonia, era imperativo la construcción de un edificio para el teatro.

Historia del teatro y su evolución

Teatro Antiguo Egipto

En tiempos del antiguo Egipto, hacia el año 2000 a.C., se tiene constancia de la realización de una especie de representaciones dramáticas sobre la muerte y posterior resurrección del dios Osiris.

En este tipo de "espectáculos" religiosos se empleaban actores provistos con máscaras para que la dramatización fuera más creíble. Pero como hemos comentado anteriormente, los expertos coinciden que esto no se puede considerar aún teatro.

Teatro Griego

Más adelante surgieron las primeras representaciones dramáticas, que se realizaban en las plazas públicas de los pueblos. Dichas obras tenían un único actor acompañado por un coro. Acabando el siglo VI a.C, el intérprete y poeta Tespis, consiguió tener una popularidad enorme en toda Grecia. Tanto fue así, que hoy en día en su honor, se emplea el término " carro de Tespis " para denominar a todo el ámbito del teatro.

El teatro griego es el resultado del perfeccionamiento de las ceremonias y artes griegas. Como por ejemplo, la festividad de la vendimia, en la que los muchachos cantaban y bailaban mientras peregrinaban al templo del Dios Dionisios para dejar en ofrenda ejemplares de las mejores vides.

Con el tiempo, se decidió que el chico más adecuado fuese nombrado como maestro del coro o Corifeo. Del mismo modo, surgieron el rapsoda y el bardo, que se dedicaban a recitar.

Durante el transcurso del siglo V a. C., en plena Grecia clásica, aparecieron dos modelos de teatro: la comedia y la tragedia. Sófocles y Esquilo, dos dramaturgos de la época, incluyeron como novedad un segundo y tercer actor. Esto supuso un aumento en la complejidad de la ejecución de las obras teatrales, por lo que fue necesario disponer de mayores escenarios.

Por este motivo, se comenzaron a construir teatros cada vez más grandes. Actualmente todavía se conserva en bastante buen estado el teatro de Epidauro, del siglo V a. C. Este recinto tenía una capacidad de 12.000 personas, todo un logro en aquella época. A continuación puedes ver una foto del mismo.

También se conserva las ruinas del teatro de Dioniso, en la capital griega (Atenas), del siglo IV A.C. De esta edificación, llama la atención que para su construcción se aprovechó la inclinación de la ladera de una montaña. Las gradas para los espectadores tenía una forma semicircular rodeando a los músicos y el escenario.

Este teatro dispone de una acústica que muy pocos teatro modernos pueden igualar. Justo detrás de los músicos existía un edificio llamo skené, que era el espacio donde los actores se cambiaban de vestuario. Delante se erigía un muro con columnas (el proscenio), dónde se colocaban pinturas que evocaban la acción representadas a modo de decorados. El teatro griego contaba con 4 formatos principales:

Los dos primeros formatos se consideraban adecuadas para un público adulto. Mientras que las dos últimas eran consideradas algo más "primitivas" y adecuadas para el público infantil. Los actores del teatro, que eran todos hombres, vestían con un vestuario al uso pero utilizaban unas máscaras para poder caracterizarse del personaje en cuestión que tuviera que interpretar.

Tragedia Griega

Dentro del teatro griego, la tragedia es una obra dramática capaz de causar pena y conmover al público y tiene un final fatídico. En este tipo de género teatral despuntaron dramaturgos griegos como Sófocles, Eurípides o Esquilo.

Las principales características de la tragedia griega son:

Las representaciones son pomposas, se estructuran en varias escenas o episodios y están escritas en verso. Rara vez se puede ver a más de 3 actores interpretando a la vez sombre el escenario y se acompañan por los cantos de un coro.

Las tragedias son historias que mayoritariamente se apoyan en antiguos relatos o mitos. Pero el objetivo final no era simplemente volver a contar una historia de una manera distinta. Los autores se tomaban muchas libertades para reinterpretar el original y enfatizaban en el carácter de los protagonistas, las consecuencias de las acciones individuales o de la sociedad en general.

Normalmente eran representaciones sin mucha acción. Los acontecimientos transcurrían mediante los cánticos del coro y los diálogos de los actores.

Comedia Griega

La comedia Griega se popularizó a mediados del siglo V a.C. Las comedias más añejas que se tiene constancia y que han llegado hasta nuestros días son las del autor Aristófanes. Cuentan con una cuidada estructura inspirada en los ritos sobre la fertilidad ancestrales.

Su jocosidad o humor, se basaba en la ejecución de sátiras sobre personajes públicos o populares. También se realizaban parodias y chistes que incluso podían llegar a ofender a los dioses. Ya en el siglo IV a.C., se puede considerar que el formato de la comedia superaba con creces en número de seguidores a la tragedia.

Más adelante, surgió una variante de la comedia que recibía el nombre de " comedia nueva ". El autor de las comedias nuevas que más destacó fue Menandro. En sus obras el guion trata sobre embrollos o enredos sobre el dinero, la familia o el amor. Existían una serie de personajes habituales, que incluso existen en la actualidad, como lo es la suegra metomentodo.

Teatro Romano

Se puede afirmar que el teatro romano emergió fuertemente en siglo III a.C. Pese a que en principio las obras teatrales tenían un fuerte vínculo con los festivales religiosos, no pasó mucho tiempo para que esta espiritualidad teatral se desvaneciera. Esto fue así debido al incremento de festejos y festivales, por lo que el teatro se fue convirtiendo cada vez más en un entretenimiento del pueblo.

Una vez dicho esto, es lógico que la forma teatral más demandada y que más gustaba al público popular era la comedia. Los grandes escritores Plauto y Terencio (siglo II a.C.), marcaron una gran época dentro de las obras teatrales romanas. Por norma general, eran adaptaciones de obras de la nueva comedia griega.

En la trama de estas obras, abundaba la intriga y en muchas ocasiones se intentaba también aportar cierto valor educativo. Estas representaciones gustaban mucho al público, ya que eran muy dinámicas y contaban con muchos fragmentos que eran cantados. Salvando las distancias, algo parecido al teatro musical actual.

A este primer periodo se le denomina teatro romano clásico, ya que incluye el teatro realizado en Roma y Grecia, es decir, las civilizaciones clásicas. Del mismo modo, las obras de teatro se escribían en las lenguas clásicas, latín y griego.

Pero a finales del siglo II d.C., llegó la decadencia del teatro literario romano. Otros entretenimientos y espectáculos más populares pasaron por delante de él. Además la emergente Iglesia cristiana fue muy crítica con el teatro romano. Entre otros motivos, las actrices y actores gozaban de una mala fama de inmorales, ya que hacían sátiras a los creyentes cristianos.

En el 476 d.C., coincidiendo con la definitiva caída del Imperio romano, el teatro clásico prácticamente desapareció en Occidente. Tuvieron que pasar 450 años para que el teatro surgiera de nuevo de la mano de algunos artistas populares, denominados trovadores y juglares.

Cómo eran los teatros romanos

Hablando de los edificios, los teatros romanos tenían muchas características similares a la de los teatros griegos, aunque bien es cierto que contaban con algunas diferencias. Inicialmente fueros construidos con madera y posteriormente en piedra.

Pompeyo construyó en Roma, en el 55 a.C., un teatro de piedra y lujoso mármol que llevaba su nombre. Sus dimensiones eran descomunales, ya que no solo era un teatro, era todo un complejo destinado a estas representaciones.

A diferencia de sus modelos helénicos, se edificaban en suelo plano. Contaban con diversas plantas construidas en mampostería. Buscando mejorar aún más la acústica del recinto teatral, los arquitectos disminuyeron la orquesta a un semicírculo, y las representaciones se hacían ahora sobre una superficie algo elevada ( pulpitum). Este fue el origen de los actuales escenarios.

Las fachadas de los teatros, denominadas frons scaenae, contaban con varios pisos y hacía las veces de escenario. Las gradas donde se ubicaba a los espectadores ( cávea) constaba de tres partes bien diferenciadas: la Ima, la media y la suma.

La primera zona era la inferior y en ella se ubicaban a la clase dirigente y a los senadores. En la zona media se sentaban el pueblo llano. La suma o parte superior se destinaba para los esclavos y para las mujeres. Al igual que en algunos circos romanos, el graderío se podía cubrir con un velum a modo de gigantesco toldo para proteger del sol.

Teatro Oriental

La representaciones teatrales en el continente asiático se remontan a más de 2000 años. En concreto, en China se realizaban escenificaciones de poemas ante un grupo de refinados espectadores. En la India del siglo IV a. C., existía un tipo de poema épico-mitológico, el Mahabhárata. A través de algunos de ellos se puede saber la existencia de una especie o tipo de interpretaciones teatrales de carácter religioso muy remotas.

En Japón, la evolución del teatro, llamado en español " Nō" derivó en el denominado teatro kabuki. Este último se fundamenta en la priorización de los sentidos sobre el intelecto. Por este motivo fue el más apreciado y popular entre el pueblo. Fue declarado patrimonio de la humanidad por la UNESCO ( ver noticia).

En el teatro oriental, el de China, India, Japón y en general el del Sureste asiático, cuenta con unas características comunes que claramente lo diferencian del teatro occidental posrenacentista.

El teatro en Asia tiene un fuerte componente teatral presentacional, ya que el objetivo es fabricar una ilusión a través de la réplica o repetición de una realidad social. Pese a que, naturalmente, en función de cada país el arte teatral es diferente, suelen ser obras que unifican la mayoría de las artes. Como por ejemplo, danza, literatura, interpretación, espectáculo y música.

Por tanto, y en líneas generales, el teatro oriental antiguo se caracterizaba por la ritualidad y el simbolismo. Precisamente estos dos conceptos, hicieron que la danza y la música gozara de especial protagonismo. Vamos a verlos con más detalle:

Teatro Chino

Se puede afirmar que el teatro chino tradicional tal y como lo conoceos hoy, comenzó su singladura durante el siglo XIV. En sus inicios contaba con protocolos muy escrupulosas y era excesivamente literario. Pero desde inicios del siglo XIX, ha ido evolucionando constantemente. Ha sido muy influenciado por la ópera de Pekín, que es como se denomina al arte escénico que integra la recitación, el canto, las artes marciales y la actuación teatral.

Por este motivo, en todas las representaciones que se realizaban a lo largo de todo el territorio chino, se otorgaba más importancia al canto, la danza, las acrobacias y la interpretación que al texto propiamente dicho. En este tipo de teatro se hace especial énfasis a la destreza de los actores. Normalmente, la trama suele ser bastante oscura.

Los escenarios son minimalistas, es decir, con los elementos justos e imprescindibles. El maquillaje de los actores es muy elaborado y caricaturesco, y éstos se mueven con acciones muy estilizadas.

Teatro Indio

El teatro indio emergió durante los siglos IV y V a.C. Las obras, que eran épicas y complejas, se estructuraban sobre la base de nueve conceptos o rasas. El nudo principal de las obras trataba sobre cuestiones espirituales. Los escenarios contaban con una decoración muy cuidadosa, pero en cambio no se aplicaban técnicas representacionales.

Existían estrictos códigos para las canciones, la recitación y todos los movimientos de los actores. El teatro Kathakali (teatro bailado) y el teatro de marionetas han sido siempre muy valorados a lo largo de la historia en este país.

Precisamente este último tipo de teatro, el de marionetas, dominaban muchas partes del Sureste asiático. En especial el de marionetas de sombras, denominado wayang kulit. Tanto es así que en algunos lugares, como en java, los actores estudian minuciosamente los movimientos de dichas marionetas para imitarlos en las representaciones.

Teatro Japonés

Es posible que el arte teatral más complejo de Asia sea el teatro japonés. Como hemos comentado con anterioridad, los dos tipos o géneros más populares son el y el teatro kabuki. El primero se puede considerar el teatro clásico japonés por antonomasia. Mediante el relato de una historia o hecho, intenta rememorar un ánimo.

En este género escénico se cuida escrupulosamente la síntesis entre música, danza y teatro. Este arte escénico nipón está estrechamente vinculado al budismo Zen. El apogeo del nō se produjo principalmente durante el siglo XV. En cambio el teatro kabuki, tiene su origen en el siglo XVI y ha gozado de mucha más popular que su predecesor. También son dignos de destacar otros géneros teatrales propios del país del sol naciente:

1. El bugaku, que es un delicado teatro bailado.

2. El bunraku, un teatro de muñecos o marionetas casi de tamaño real.

Como resumen, cabe destacar que estas formas de expresión teatral niponas son muy bellas, elegantes y refinadas. Como ejemplo basta con ver los decorados y el vestuario muy bien elaborados, incluyendo los populares abanicos japoneses. Estos dos tipos de teatro que hemos descrito, se basan sobre todo en la tradición, la danza y los rituales, valores que no se tienen en tanta consideración en el teatro occidental.

Teatro Prehispánico

En las civilizaciones prehispánicas americanas el teatro llegó a tener una tremenda importancia. Por desgracia, se tienen muy pocas evidencias de cómo eran las manifestaciones artísticas escénicas de las civilizaciones precolombinas. Pero sí se conoce que tenían un elevado carácter religioso. Cabe destacar en este aspecto el pueblo maya, dónde las representaciones artísticas y religiosas eran muy habituales. Afortunadamente, se conserva un escrito maya descubierto en 1850 de carácter dramático: el Rabinal-Achi.

Esta obra describe el feroz combate entre dos legendarios guerreros que luchas hasta la muerte en una batalla ceremonial. En su representación entran en juego elementos como la música, el vestuario, la expresión corporal y la danza. Del mismo modo, el teatro Maya estaba también estrechamente relacionado con los ciclos agrícolas y a la grandiosidad de sus hitos históricos.

En cambio, el teatro Azteca y el teatro Inca, eran un reflejo de cómo estaban organizadas estas civilizaciones. Eran pueblos regidos por la teocracia (un gobierno que obedecía las órdenes de los dioses). Por lo que sus actividades teatrales tenían un claro aspecto religioso y bélico.

Teatro Poscolonial

A partir de la llegada de los españoles al continente americano, el teatro que se practicaba se basaba y seguían casi en su totalidad el modelo que se realizaba en España. Hay que esperar hasta bien entrado el siglo XX, para que el teatro latinoamericano consiga su propia personalidad. Es en este periodo cuando comienza a tratar temas nativos y prioriza los intereses del público al que va dirigido.

Se priorizan obras teatrales que hagan referencia a realidades sociales y a los orígenes históricos. Un movimiento que fue denominado como "Nuestra América". Países como Chile, Uruguay o Argentina, desarrollaron experimentos teatrales independientes tomando como base el Teatro del Pueblo. El teatro Mexicano también destacó en este aspecto.

Otro movimiento, fue el llamado teatro campesino, impulsado en 1965, por Luis Valdés tras una importante huelga laboral. Compañías teatrales como La Candelaria o Rajatabla impulsaron un tipo de teatro que sirviera como elemento de denuncia de la realidad social. Pero sin olvidar, naturalmente, el componente estético y conceptual del espectáculo.

Teatro Medieval

Tras siglos desde el declive del teatro romano, el resurgimiento del teatro en Occidente debe dar las gracias al clero, que lo utilizaba como una herramienta para la enseñanza de la doctrina cristiana. De este modo, en el siglo XI, era habitual ver en las iglesias representaciones que trataban los mensajes bíblicos y moralistas con el objetivo de adoctrinar de una manera muy sencilla y comprensible para el pueblo llano.

Debes saber que la gran parte de los fieles eran personas sin cultura; artesanos y campesinos sin ninguna cultura ni formación. Además las misas se realizaban en latín. Pero poco a poco a partir de los siglos XIII y XIV, se fue reemplazando por la lengua autóctona.

En estas representaciones recibían el nombre de tropos. Se podía explicar, por ejemplo, la muerte y resurrección de Jesús, las buenaventuras o cualquier otro pasaje de la Biblia. Tenían lugar en el interior de las iglesias, en la parte central o en la parte del coro.

Cada vez eran más elaboradas y espectaculares y de mayor duración. Por lo que acabaron dando lugar a cierto tipo de teatro religioso cristiano y, por ende, en el teatro medieval. Con el paso de los años, se incorporaron algunos elementos un tanto cómicos o profanos. Tanto fue así, que llegó un punto que por moralidad, ya no se podían representar en el interior de los edificios eclesiásticos. Pasaron entonces a realizarse en sitios públicos como plazas, pórticos y calles.

Teatro Medieval profano

Llegado el siglo XIV, el teatro se independizó del estilo litúrgico y eclesiástico para realizarse en otros lugares fuera de las iglesias. Evolucionó en una especie de ciclos que contaban con muchos dramas. Algunos historiadores expertos creen que eran parecidos a los dramas litúrgicos, estos ciclos nacieron de una forma totalmente independiente.

Estas obras se producían por toda una corporación cada 4 o 5 años. Estas representaciones podían tener una duración de entre 2 días hasta casi un mes. La producción de todas y cada una de estas obras era labor de un gremio laboral que procuraba que la obra tuviese relación con su trabajo. De este modo, los miembros del gremio del comercio, podían escenificar el pasaje de los mercaderes, por ejemplo.

Durante el siglo XV, aparecieron un tipo de obras del tipo farsas, folclóricas o dramas pastorales que entretenían al pueblo llano. Estas obras se denominaban autos. Pese a que éstos no tuvieran personajes ni una trama cristiana, los autos se diferenciaban de los ciclos religiosos principalmente en que no hacían referencia a pasajes bíblicos. Los autos se representaban por "actores" profesionales como los juglares o trovadores.

Teatro Renacentista

La aparición del Renacimiento en Italia trajo unas influencias determinantes en la evolución del teatro. Apareció un tipo de manifestación dramática con un alto componente cultural, basada en los patrones clásicos y para las más altas clases aristocráticas.

El teatro renacentista se generalizó durante todo el siglo XVI. Comportó la edificación de recintos con salas cubiertas para la realización de las obras de teatro y bien dotadas con las mejores comodidades de la época. La música renacentista también hizo su aparición en las obras de teatro.

Teatro Italiano

No es hasta el siglo XV, que se tiene constancia del teatro renacentista en Italia. Pese a que las primeras obras estaban escritas en latín, pronto se fueron escribiendo en el idioma materno y, por lo general, trataban sobre temas clásicos.

Este género teatral no es una evolución resultante de los modelos religiosos, tampoco de los tipos dramáticos populares. Era un tipo de teatro con un proceso meramente académico. Eran obras que se escribían principalmente para ser leídas, ya sea con fines didácticos o por varios lectores para los espectadores.

También se desarrolló en Italia durante este periodo un tipo de teatro popular, la commedia dell'arte ( comedia del arte). Su característica principal es que priorizaba la total libertad del actor para improvisar, lo que supuso un enorme progreso en la técnica interpretativa.

El teatro Olímpico de Vicenza es considerado uno de los primeros teatros modernos de Italia. Fue diseñado por el prestigioso arquitecto italiano Andrea Palladio y su construcción se finalizó en 1585. En cuanto a su estructura, se podría decir que era una evolución de los antiguos teatros romanos. Detrás del escenario, se podía tener una vista de las calles de la población.

Pese a ello, el teatro Farnese de Parma, es considerado el referente principal del modelo clásico del teatro italiano. Levantado en 1618, su estructura contaba con un escenario, encuadrado con arco proscenio y separado de los asientos de los espectadores por un telón. También disponía de una platea con forma de herradura que estaba rodeada por diversos pisos de galerías.

Teatro Isabelino

A finales del siglo XVI, y en el periodo de reinado de Isabel I, fue cuando el teatro renacentista inglés evolucionó. En aquellos años, lo habitual era crear obras que eran tragedias de marcado carácter neoclásico y que se interpretaban mayoritariamente en las universidades. No obstante, gran parte de los poetas de la época isabelina ignoraban el neoclasicismo o lo empleaban solo en casos puntuales a conveniencia.

Al contrario que el teatro que se realizaba en el resto del continente europeo, escrito con la intención de representarse ante las clases altas, el teatro renacentista inglés se cimentaba en fórmulas populares, en el antiguo teatro medieval, y en los gustos y reivindicaciones del gran público en general.

Los teatros construidos en Inglaterra durante el periodo de Isabel I, eran muy distintos al resto de Europa. Teniendo en cuenta que las obras de teatro se representaban principalmente en los meses con mejor climatología, l os teatros eran al aire libre y de forma circular.

Por tanto, si estar provistos de techo y construidos básicamente con madera, su rasgo diferencial más importante era la ubicación del escenario. Era de forma rectangular y en una posición elevada. En torno a él, los espectadores lo rodeaban por tres de los cuatro lados y los puestos elevados estaban reservados para las clases altas o la nobleza. Entre todos los teatros de esta época destaca The Globe, teatro londinense en el que Shakespeare representaba sus obras.

Teatro Español

En España, el denominado Siglo de Oro del teatro fue el siglo XVII. Sin duda, uno de los periodos más prolíferos del teatro universal. Aunque bien es cierto que esta denominación creó cierta controversia en algunos países europeos. Grandes autores del denominado Siglo de Oro español son Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Calderón de la Barca y Tirso de Molina.

Abundan las nuevas obras, los autores y las compañías teatrales. El teatro ya no es un espectáculo reservado para las altas esferas, se democratiza y deja de estar sujeto a la ley de la oferta y la demanda. El desarrollo de este nuevo estilo y forma de entender el teatro provocó un gran debate en la época.

En el mismo periodo del teatro Isabelino en Inglaterra, siglos XVI y XVII, en España se construían edificaciones fijas para la representación del teatro al aire libre que recibían el nombre de Corrales de Comedias.

Estas salas teatrales eran gestionadas por las denominadas "hermandades". Sin duda las precursoras de lo que actualmente conocemos como los empresarios del teatro. En España se han conservado hasta nuestros días algunas de estas instalaciones (al contrario que en Inglaterra).

Teatro Francés

En Francia, una especie de comedia parecida a la farsa era muy popular a finales del siglo XVI. Tan aclamado era, que opuso gran resistencia al establecimiento definitivo del drama renacentista. Pero finalmente, la elevada influencia italiana consiguió popularizar en Francia unas representaciones que recibieron el nombre de ballets. Se considera a Jean-Baptiste Poquelin (más conocido como Molière) como el más grande dramaturgo francés de la época. Sus comedias y farsas están indudablemente influenciadas por la commedia dell'arte.

No obstante, aportan cuestiones sobre los errores y las limitaciones del género humano. Del mismo modo, bastantes de sus escritos están impregnados de una cierta angustia. Molière también fue un actor cómico de reconocido talento. La misión de su trabajo era cambiar el estilo caricaturesco y pomposo que dominaba en aquel tiempo la escena francesa.

En aquellos años, en París, la capital del país galo, no habían edificios dedicados exclusivamente a las representación de obras teatrales. Se empleaban para tal fin unas instalaciones que originariamente fueron construidas para un juego de pelota.

Teatro Barroco y Neoclásico

Durante el siglo XVII el teatro barroco y sobre todo el siglo XVIII teatro neoclásico, se priorizaba un tipo de teatro a medida para los actores. Es decir, los dramaturgos escribían obras ajustándose al estilo o las preferencias de los intérpretes. Tanto era así, que incluso se reescribieron grandes clásicos para satisfacer los gustos o caprichos de los más famosos actores.

Cabe destacar que, en especial las obras de Shakespeare, se alteraron de tal modo, que casi no se podía reconocer. Y no tan solo para satisfacer a los intérpretes, también para cumplir los ideales y estándares neoclásicos. Por poner un par de ejemplo, a las obras de Romeo y Julieta o El rey Lear, se les modificó el final trágico original por un final feliz. Por tanto se cambiaba totalmente la intención inicial del autor.

Durante los siglos XVII y XVIII, se produjo un enorme enriquecimiento respecto a la escenografía empleada en los teatros. Debido a la recuperación parcial del drama clásico francés, cuya norma era "acción, tiempo y lugar", la simultaneidad de los decorados se hizo totalmente innecesaria. Esto propició el empleo de un solo decorado en cada acto, y en poco tiempo se optó por cambiarlos entre acto y acto.

Años más tarde, la paulatina notoriedad de la ópera, que precisaba disponer de varios montajes, colaboró al desarrollo y evolución de mecanismos que otorgaran una apariencia de realismo a acciones como: la simulación de vuelo o la desaparición de escena de los actores.

En este aspecto, por ejemplo, unos mecanismos denominados "glorias", podían hacer que desde el techo del teatro pudieran descender suavemente al escenario un pequeño grupo de actores simulando ser ángeles.

Un claro exponente de esto fue el famoso teatro de la Scala de Milán. Que fue finalizado en 1778, y que representa todo un ejemplo de las enormes dimensiones que eran necesarias para poder ubicar a todo el aparato escénico, la tramoya y a los espectadores.

Teatro moderno

Durante buena parte del siglo XIX, los conceptos escenográficos y arquitectónicos del teatro no sufrieron prácticamente cambio alguno. Pero llegando finales del siglo las reclamaciones de poder tener libertad creativa promovidas por los grandes autores románticos derivaron a realizar un replanteamiento del este arte dramático en todos aspectos.

Un buen ejemplo de ello fue la construcción en 1876, del colosal teatro Festspielhaus de Bayreuth, en Baviera (Alemania). Se erigió bajo las recomendaciones del famoso compositor y dramaturgo Richard Wagner. Este teatro supuso la primera escisión arquitectónica y conceptual con modelos de teatros italianos.

Destacar su platea escalonada y disposición en abanico. Como en los teatros actuales, la orquesta era ubicada en un foso justo antes del escenario y durante las representaciones toda la zona de asientos del público (auditorio) se oscurecía para resaltar lo que estaba sucediendo sobre el escenario.

Tras la gran acogida de este tipo arquitectónico de teatro, en el que la representación y la escenografía tenían el máximo protagonismo posible, en los últimos 20 años del siglo XIX y los primeros del siglo XX, muchos países lo acogieron y potenciaron. Y todo ello gracias a grandes personajes, autores y directores como por ejemplo:

El francés André Antoine (líder y precursor del naturalismo).

El germano Max Reinhardt (autor de espléndidos montajes).

El ruso Konstantín Stanislavski, actor y director que ejerció una enorme influencia sobre el teatro moderno gracias a sus revolucionarios métodos de interpretación.

El británico Edward Gordon Craig, escenógrafo que en la defendió la creación de escenarios más dúctiles y sencillos a favor de un teatro más estilizado y poético.

Por todo ello, la irrupción del teatro moderno, se determinó por su total y absoluta libertad en los planteamientos a través de los diálogos. Se produjo una curiosa transformación del arte teatral debido también, en parte, a las nuevos avances tecnológicos.

Efectivamente, dentro del ámbito escenográfico y arquitectónico se produjeron conceptos nunca antes vistos en el teatro. El desarrollo y novedades en el ámbito de la iluminación y nuevos sistemas mecánicos propiciaron que los escenarios tuvieran una versatilidad, plasticidad y transformación inaudita hasta la fecha.

Teatro Romántico

A finales del siglo XVIII, algunas ideas y conceptos filosóficos fueron adquiriendo bastante notoriedad y finalmente terminaron por cuajar y fusionarse a comienzos del siglo XIX, dando nacimiento a un movimiento denominado romanticismo.

El romanticismo surgió en Alemania, algo curioso ya que el país germano contaba con muy poca tradición teatral hasta antes del siglo XVIII. Rápidamente se extendió a otro países y ya en 1820, el teatro Romántico imperaba en la mayor parte de las naciones europeos.

En cuanto al teatro romántico español, destacar que se inspiró en muchos de los grandes temas empleados en el medievo y muestra a un personaje subyugado por pasiones de todo tipo, buenas o malas. Se utilizan estructuras y formas del teatro empleado durante el Siglo de Oro, pero eso sí, aprovechándose de los efectos de iluminación y la nueva maquinaria escénica.

El gran referente es José Zorrilla, popularmente conocido por ser el autor de la obra Don Juan Tenorio. En esta trama, la figura del burlador es acogida por Zorrilla, con gran libertad y en su apasionado romanticismo procura que el seductor sea redimido por el amor. Esta obra de teatro posee tanto carisma, encanto y fuerza que desde su estreno hasta nuestros días, nunca ha dejado de interpretarse. Incluso actualmente se realizan versiones en teatro musical con una escenografía espectacular.

Teatro Burgués

Como hemos podido ver, durante el primer cuarto del siglo XIX, tanto el romanticismo como el melodrama solían agregar un cierto aire exótico, abarcando hechos extraordinarios o históricos a la vez que simplificaban o idealizaban la elaboración del personaje.

No obstante, en Inglaterra alrededor del año 1930, los elementos estilísticos y las características ambas géneros teatrales antes mencionados iniciaron a plasmar la vida diaria y las cuestiones cotidianas del momento: el teatro burgués.

En poco tiempo se pasó de la emoción y el espectáculo a la representación de las situaciones diarias del hogar. Lógicamente, este tipo de cambios precisaban tener que adoptar nuevas técnicas para realizar la puesta en escena. Precisamente éstas serían las que facilitarían la evolución hacia la escenografía moderna.

Como las obras teatrales representaban la vida del hogar, se modificó el escenario con un concepto de caja. Un entorno formado por tres paredes, y el espacio donde faltaba la cuarta era el que estaba enfrente del público, para que este tuviera constantemente una sensación de total inmersión en la escena.

Además, el atrezzo, mobiliario tridimensional y los accesorios en general, sustituían ahora a los decorados utilizados con anterioridad. De este modo, los decorados ya no eran algo plano en el fondo de la escena. Los actores interactuaban con él y actuaban como si no fuesen observados por los espectadores. De hecho se les indicaba que debían ignorar su presencia.

En el teatro burgués los actores ya no adoptaban una pose irreal y recitaban versos. En su lugar se construían escenas y actitudes realistas, perfectamente identificables por la audiencia. Del mismo modo, los autores de las obras utilizaban cada vez más giros y expresiones empleadas en la cotidianidad de las personas. También se fueron empleando decorados y vestuarios más realistas y cercanos a la vida del público.

Asimismo, se produjo un cambio importante en la forma de trabajar de los actores. Si bien antes eran parte de una compañía teatral e interpretaban decenas de obras durante una temporada, ahora eran contratados para representar una única obra durante el tiempo que estuviera en cartel.

Como dato curioso, en los principales teatros de París, a finales del siglo XIX, se instaló un invento revolucionario para la época: el teatrófono. Un precursor y prototipo del teléfono. Este mecanismo, permitía a las personas poder escuchar el teatro o la ópera desde sus casas.

Teatro de Melodrama

Las circunstancias que propiciaron el nacimiento del romanticismo también fueron las que, junto a otros elementos populares, hicieron posible la creación del teatro de Melodrama. Sin duda alguna, el género dramático por excelencia y más enraizado en el siglo XIX.

La figura del melodrama, como elemento literario, con mucha frecuencia ha sido ridiculizado o incluso menospreciado. Muchos críticos teatrales lo ignoran debido a que aporta elementos poco ortodoxos para ellos, como por ejemplo: damiselas en peligro atadas a unas vías de tren o indecorosos villanos que se acicalan constantemente el bigote.

Naturalismo y Crítica Social

El interés por los verdaderos problemas de la sociedad, las incitaciones psicológicas de los protagonistas, propició que a mediados del siglo XIX, apareciese el naturismo en el teatro.

Tomando como referencia a los conocimientos científicos, los naturalistas pensaban que el principal objetivo de este arte, al igual que el de la ciencia, tenía que ser el de ayudarnos a tener una vida mejor. Los actores y dramaturgos retrataban el mundo real tras observarlo, al igual que hacen los científicos.

La aparición en el teatro de la figura del director teatral moderno, tiene en gran medida como responsable el naturalismo. Si bien es cierto que durante mucho tiempo a lo largo de la historia la organización y producción de una obra de teatro era la responsabilidad de una persona, la existencia de un director que aplica su propio estilo, adecua el texto e interviene en el diseño y elección del vestuario y decorados, aparece por primera vez en el naturalismo.

Realismo Psicológico

De la misma manera que el teatro empezó a evolucionar hacia realismo, en el afán de mostrar a realidad del mundo, se comenzó a introducir en los aspectos psicológicos de los personajes. Los primeros directores que comenzaron este tipo de género lo hicieron durante el siglo XIX.

Los autores del teatro de realismo psicológico de finales del XIX, comenzaron a crean personajes complejos que vivían circunstancias, situaciones y experiencias reales. Las obras de este tipo de teatro plasman los problemas sociales como la inutilidad del matrimonio como institución social y religiosa, los derechos de la mujer o los problemas derivados de las enfermedades hereditarias.

El dramaturgo sueco August Strindberg y el autor noruego Henrik Ibsen, son los exponentes más importantes dentro de este estilo. Muchos expertos los consideran como los verdaderos fundadores del teatro moderno.

Teatro contemporáneo

Se puede afirmar sin miedo a equivocarse, que a partir del teatro renacentista, el teatro contemporáneo ha procurado esforzarse para alcanzar un total realismo. De forma paradójica, una vez que lo consiguió a finales del siglo XIX, emergió un movimiento anti realista que en este arte escénico.

Principalmente en los EE.UU., el teatro realista ha seguido adelante, sobre todo en el aspecto comercial. No obstante, parece ser que el objetivo era conseguir un realismo psicológico. Pero para ello se utilizaban elementos escénicos y dramáticos muy poco reales.

Se crearon obras fundamentadas en personajes simbólicos, sueños, en la memoria humana e incluso proyecciones. Se añadieron poemas en forma de diálogo y con el objetivo de endulzar el crudo realismo, se cuidaba hasta el extremo los sonidos y las notas musicales. Cabe recordar que el teatro es un todo que no podemos dividir. Se distinguen en él tres componentes elementales, como son:

A todos estos elementos se han de sumar también otros componentes como el maquillaje, el decorado y el vestuario. Recuerda que a las personas que escriben las obras de teatro se le denomina dramaturgos. Pero también este término se emplea para el escritor de teatro dramático o de dramas en general.

Teatro simbolista

Durante el siglo XIX, también emergió una corriente simbolista. Los afines a este movimiento, los simbolistas, pretendían conseguir la "desteatralización" del teatro. Esto es, eliminar todos los avances escénicos y tecnológicos y substituirlos por una espiritualidad proveniente de la interpretación y del texto.

En este género de teatro, los textos estaban dotados de una simbología bastante compleja de interpretar por parte de los actores. Por norma general, el ritmo de estas obras era bastante lento, buscando el mismo tempo que se puede tener en un sueño.

Teatro expresionista

Los primeros 20 años del siglo XX, fueron en los que el teatro expresionista tuvo su mayor apogeo, sobre todo en Alemania. Esta modalidad pretendía profundizar en los aspectos más grotescos y violentos de la psique humana.

Para ello se solía crear una escenografía que emulase el mismo ambiente que se puede encontrar en una pesadilla. El empleo de sombras y luces, la exageración y la distorsión, son las principales características, a nivel escénico, del teatro de expresionismo.

Teatro del Absurdo

El teatro del Absurdo surge justo después de la segunda guerra mundial. Su principal génesis proviene del absurdo y sinsentido de un mundo desilusionado, desesperanzado y destruido.

Aquello que no tiene ningún tipo de lógica, lo absurdo, aquello que no tiene ningún parecido o relación con un contexto escénico o texto dramático convencional... esto es lo que caracteriza a este teatro. La existencia misma de los personajes carece de sentido alguno, por lo que no hay caracteres ni acción consecuente.

Teatro Musical

No obstante, a finales de los 70, seguramente debido a la crispación por la situación política y económica general, retornaron los musicales para que la gente pudiera evadirse de sus problemas. La mayoría de ellos eran reposiciones, pero con alto presupuesto, por lo que el lujo y el exceso estaban muy presentes.

Como dato un tanto curioso, debes saber que incluso alguna de estas obras de teatro musical eran retransmitidas por radio. Esto es debido a que eran del gusto del gran público por sus letras y canciones animadas.

Qué es un teatro (edificio)

El edificio de un teatro es, por norma general, una construcción majestuosa, que se construyó para albergar las representaciones de espectáculos teatrales. Si bien es cierto que no siempre es necesario un edificio para realizar representaciones de teatro, la arquitectura para estas funciones es necesaria para la organización de los lugares de interpretación, público y todo el elenco de equipos técnicos, de vestuario e iluminación.

Vamos a ver las diferentes partes de un teatro:

Partes de un teatro

Dentro de un teatro se pueden encontrar dos grupos de espacios o instalaciones. Los espacios teatrales que están destinados al desarrollo en sí de la obra teatral, y los espacios para el público, que son los destinados a satisfacer sus necesidades y ubicación. Vamos a verlos con más detalle:

Espacios teatrales

Son las partes del edificio que son necesarias para el correcto desarrollo de una obra o representación teatral:

Escenario

Para cubrirlo y ocultar al espectador lo que está sucediendo en él se emplea el telón de boca, normalmente de color rojo y elaborado con una tipo de tejido denso y pesado, con algo de brillo y aspecto aterciopelado. En algunos teatros existe delante de este telón uno menor denominado "corbata" o proscenio. Los teatros suelen tener entre la primera fila de asientos y el proscenio lo que se denomina foso. Aquí es donde se alojan o ubican los miembros de la orquesta y sus instrumentos musicales.

Ocultos al campo visual de los espectadores gracias a las bambalinas, en un escenario al estilo italiano, se encuentran los " hombros ". Son una prolongación lateral del escenario por donde salen y entran los actores a escena y algunos elementos del decorado esperan para que sean utilizados cuando sea necesario.

El escenario hospeda las varas, que son unas estructuras metálicas que aguantan los dispositivos de decorado e iluminación. Mediante las varas estos elementos puede moverse y subir y bajar accionados por motores. Del mismo modo, las varas cuelgan de lo que se denomina peine. Una especie de estructura metálica que clausura por la parte superior la caja escénica. Ésta puede llegar a tener una altura de más de 40 metros.

Qué duda cabe que durante el transcurso del siglo XX, la evolución de las artes teatrales ha producido el replanteamiento del espacio escénico como tal. Se ha tenido que adaptar a las técnicas interpretativas más modernas con el fin de facilitar la interacción entre público y actores, haciéndoles estar más próximos entre sí.

Huyendo del concepto de escenario tradicional o proscenio, ahora se prefiere denominar espacio escénico, una definición de teatro más amplia y flexible. La ubicación del escenario en formato "en arena" hace que la escena esté situada en pleno centro de la sala. En un plano un poco más bajo que el público y rodeado del mismo en gradas escalonadas para tener una perfecta visión.

Existen diferente variantes, puede ser de forma rectangular, cuadrada o circular, como la que se utiliza en los circos. Otra fórmula que se utiliza bastante es la denominada escenario en forma de corbata. Dónde el público rodean tres partes del espacio escénico, dejando la cuarta parte, en forma de pasillo, para la entrada y salida de los actores.

Aunque sí bien es cierto que estas distribuciones facilitan que el espectador tenga un completa visión del espectáculo, la escenografía y decorados quedan algo más limitados.

Sala de ensayo

Es una amplia sala, normalmente diáfana, destinada a realizar ensayos de la obra teatral. No todo los teatros disponen de ella, ya que si el teatro no es de grandes dimensiones, es bastante complejo destinar un espacio tan amplio para la sala de ensayo. En estos caso no queda otra opción que realizar los ensayos en el escenario principal.

Camerinos

Son una especie de habitaciones donde los actores o artistas se preparan antes de salir a actuar, se visten y desvisten o descansan. Existen camerinos individuales (normalmente destinado para los actores principales) y para dos, tres o más personas (normalmente destinados para actores secundarios o con pequeños papeles).

En los teatros pequeños, no hay otra opción que peinar y maquillar a los actores en los camerinos. En los teatros de mayor tamaño, normalmente existen unas salas destinadas específicamente a estas labores, que son realizadas por personal destinado a ello, como lo son los peluqueros o maquilladores.

Secciones técnicas y talleres

Un teatro cuenta con una gran cantidad de elementos técnicos imprescindibles para el correcto funcionamiento. Instalaciones y elementos eléctricos, maquinaria diversa, sastrería, maquillaje, decorados, utilería, peluquería, iluminación, audiovisual, sonido... tienen que tener una salas destinadas para su almacenaje y su gestión de todo este material.

Del mismo modo, en algunos teatros el vestuarios, el atrezzo y sobre todo los decorados se fabrican y/o montan in situ. Por lo tanto necesitan tener unos talleres equipados y acondicionados para estas labores.

Oficinas

Aunque piensen que es una cuestión menor, un teatro precisa disponer de oficinas para la correcta gestión del mismo. La producción de obras en un teatro comporta tener departamentos de gerencia, marketing, administración, limpieza, comunicación, nóminas, taquilla, dirección artística o gestión técnica.

En algunos teatros con mucha enjundia y prestigio, existe también actividades destinadas a la formación de actores o personal indirecto del teatro. Del mismo modo también organizan actividades para el público o incluso pedagógicas para adultos y también para niños.

Espacios destinados al público

Estos espacios son los imprescindibles para poder atender y acomodar al público que acude al teatro a disfrutar de las representaciones teatrales. Las principales son:

Sala

En la clásica distribución al estilo italiano, la sala donde están instalados los asientos para el público y que se haya enfrente del escenario, suele ser en forma semicircular o de herradura. La parte más baja, que suele ser la más amplia, recibe el nombre de patio de butacas o platea. Los asientos se distribuyen en filas, y normalmente, separadas mediante un pasillo central y dos laterales.

En la gran mayoría de los teatros antiguos, el suelo o piso de la platea cuenta con una ligera inclinación para garantizar una mínima correcta visión del escenario. En cambio, en los teatros más modernos, la platea o patio de butacas tienen una inclinación mayor o las filas de butacas están instaladas como las gradas de un estadio.

Esto permite absolutamente a todos los espectadores tener una total y completa visión del escenario, incluso desde las filas más lejanas. Algo que el espectador realmente agradece. Para un total aprovechamiento de todo el espacio disponible, en las paredes de la sala se ubican en varias plantas y sobre la platea una dos estructuras en forma de voladizo.

1. Anfiteatro (en las plantas superiores).

2. Palcos (ubicados en la entreplanta).

3. Platea (situada en planta baja).

Foyer

Hace la función de vestíbulo del teatro. Está destinado para que el público pueda esperar en los descansos que se realizan los entre actos. En los grandes teatros, también se conoce con este nombre a los pasillos que rodean la sala. En algunos teatros, junto al foyer se encuentra el ambigú que explicaremos a continuación.

Ambigú

Forma antigua para denominar el espacio donde se ubica la cafetería, bar o restaurante del teatro. En los últimos tiempo, con la intención de conseguir el máximo aprovechamiento del espacio, el ambigú se ha remplazado por una sencilla barra dentro del vestíbulo o foyer, donde se venden refrescos, palomitas de maíz o pequeños tentempiés.

Taquilla

Para la venta directa de las entradas del espectáculo tenemos las taquillas del teatro. Son perfectamente reconocibles ya que son unos pequeños habitáculos con una ventanilla que da al vestíbulo de la entrada o directamente a la calle. En función del tamaño del teatro, podremos encontrar una, dos o más taquillas.

Guardarropa

La gran mayoría de los teatros disponen de un servicio de guardarropa para el público. Puede ser gratuito o de pago. Es un habitáculo provisto de un mostrador y gestionado por el personal del teatro que se emplea para que los espectadores que asisten a ver la obra de teatro puedan dejar el abrigo, bolsos, paraguas o algún otro objeto voluminoso.

Más información sobre la historia del teatro

Para finalizar, te dejamos este breve audio para que conozcas el origen de las supersticiones del teatro:

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Qué es el teatro | Origen y evolución del teatro |

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Qué es teatro: concepto, definición y significado. Conoce la Historia del teatro y su origen. También las partes del edificio.