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Madrid, España - 23 ago 2022

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Buenos Aires - Redress, la ONG medioambiental que trabaja para reducir los residuos de la moda, llevó a cabo una sesión de fotos editorial adelantando algo de lo que se podrá ver sobre pasarela final del Redress Design Award 2022, el próximo 7 de septiembre, en ArtisTree, en Hong Kong, y que además se transmitirá en vivo para todo al mundo.

Latinoamérica tiene dos representantes entre los finalistas del concurso de este año: Cris Miranda, de Chile y Lívia Aguiar de Castro, de Brasil.

Para conocer más sobre las propuestas de los diseñadores Cris Miranda y Lívia Aguiar de Catro visita: Dos diseñadores latinoamericanos, entre los finalistas del Redress Design Award 2022

Fotos antes de la pasarela

Bajo el título 'Repackaged' (Reempaquetada), el shooting de fotos estuvo a cargo de algunos de los principales creativos de Hong Kong como Kieran Ho y The Buffacow. La inspiración vino de la estética cruda de los envases industriales de papel y cartón, buscando reflexionar sobre el largo viaje de la ropa hasta llegar al consumidor final, así como también mostrar el potencial de los residuos textiles para reconvertirse en algo hermoso y nuevo al ser reutilizados.

Además de publicarse en las ediciones impresa y digital del Redress Design Award magazine, las fotos también aparecerán en la próxima edición sobre sostenibilidad, en octubre de 2022, de Vogue Hong Kong.

Para crear sus colecciones, los diseñadores tuvieron que recurrir a su capacidad creativa e innovadora en cuanto al abastecimiento de materiales, tomando desde hilos sobrantes de familias tejedoras, hasta saris y chales que encontraron en los armarios de sus casas.

En unos días los finalistas presentarán sus colecciones sostenibles ante los jueces y el público mostrando sus habilidades en técnicas de diseño, que incluyen cero residuos, upcycling y reconstrucción, centrándose en estrategias circulares de diseño de bajo impacto y procesos, menor desperdicio, durabilidad y posibilidades de reciclado.

El ganador del primer premio recibirá un fondo para desarrollo de 6400 dólares y tendrá la oportunidad de incorporarse al equipo de Sostenibilidad y Responsabilidad de Timberland, colaborando en un proyecto de diseño que le permitirá ganar experiencia sobre toda la cadena de producción.

Además de los diseñadores de Chile y Brasil, también son finalistas Mohammed Numaan Khan y Ashutosh Panda, de India; Federico Badini Confalonieri, de Italia; Micaela Clubourg y Drina Marco, de España; Nawoda Bandara y Ruwanthi Gajadeera, de Sri Lanka y Patrick Lam, de Hong Kong que, según la organización, impresionaron a los jueces por su creatividad en cuanto a recursos sostenibles y circularidad. "A medida que la industria de la moda emerge en un mundo de post pandemia, hay un renovado sentido de urgencia y compromiso con la producción sostenible", dice Nissa Cornish, Directora Ejecutiva de Redress y agrega: "Estos diseñadores con visión de futuro son parte de este cambio en la transformación de la manera en que hacemos y usamos la moda, y es un honor apoyar su desarrollo y mostrar sus talentos".

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Dos diseñadores latinoamericanos se preparan para la final del Redress Design Award 2022

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Buenos Aires - Redress, la ONG medioambiental que trabaja para reducir los residuos de la moda, llevó a cabo una sesión de fotos editorial adelantando algo de lo que se podrá ver sobre pasarela final del Redress Design Award 2022, el próximo 7 de septiembre, en ArtisTree, en Hong Kong, y que además se transmitirá en vivo para todo al mundo.

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https://www.elmundo.es/yodona/moda/2022/08/29/6308b2cee4d4d8465c8b45fc.html

Periódico español
Fecha de publicación 29/08/22

Moncerrat Gpe. Mtz. De Luna

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Una de las consecuencias directas que se derivan del tremendo crecimiento de las marcas de moda rápida (no olvidemos que no son cosa del pasado; ahí está Shein para demostrar su vigencia) es la vuelta a lo local. Donde las grandes corporaciones producen fuera, las firmas que abogan por otro tipo de ritmo y de 'modus operandi', suelen presumir de talleres de cercanía, de pueblos pequeños, de proteger la pureza del oficio. Y eso es fantástico. Pero la globalización también puede adaptarse a este saber hacer y generar caminos intermedios que hagan que una marca sostenible no tenga que estar hiperconcentrada en un único punto del planeta. Justo lo que sucede con Ranra, la firma ganadora del Premio de Sostenibilidad de Zalando en la Semana de la Moda de Copenhague de agosto de 2022.

Los lugares que han dado pie a este " estudio de diseño especializado en prendas exteriores de transición pensadas tanto para la naturaleza como para el entorno urbano", como se definen a ellos mismos, son variados. Hay que empezar por Londres, donde los fundadores Arnar Mar Jonsson y Luke Stevens estudiaron diseño de moda masculina en el "prestigioso" Royal College of Art. Luego, pasar a Reikiavik, donde también tienen parte de su base. Y por último, dar un paseo por Italia, donde producen sus prendas "utilizando telas de origen responsable orientadas al rendimiento y una mezcla de técnicas inspiradas en ropa deportiva contrastadas con acabados artesanales teñidos a mano". Sobra decir que todo esto se hace de manera sostenible, el único futuro posible para la industria de la moda.

"La aproximación a la sostenibilidad de Ranra es la noción del "mejor diseño": esto implica enfocarse en las cosas que están detrás de escena, como la cadena de suministro, nuevos métodos de manufactura o intervenir en los que ya existen, investigación en sostenibilidad y en el reciclaje y la reparación, así como en la consideración de cómo una prenda se comporta a lo largo del tiempo con el portador", explican. "Se trata de entender que las aproximaciones a la sostenibilidad deberían extenderse más allá de la ropa propiamente dicha por todas las ramas de la infraestructura. Cosas que quizás no ves, pero puedes sentir".

"Como estudio, creemos que el diseño sostenible no puede consistir simplemente en producir más del mismo producto pero con materiales de origen más ético", continúan desde la firma. "Nuestro enfoque está en intervenir en cada decisión de diseño y manufactura, por eso un diseño mejor cuestiona métodos y asunciones previas al mismo tiempo que aporta soluciones". Puede sonar abstracto, pero tiene una aplicación absolutamente real y física, tal y como explican desde Ranra: "Estas ideas son importantes para considerar el patrón, la silueta, el color y la tela, y en muchas ocasiones, una forma de producción particular que afectará a la estética".

Estas reflexiones también terminan determinando, de un modo u otro, la propia concepción de ideas: se bosqueja con la sostenibilidad y la vialidad en la mente. Pero eso no coarta la originalidad, algo que les ha valido el aplauso en la exigente y atrevida Semana de la Moda de Copenhague. "Nuestro espíritu se basa en gran medida en la reinvención de los arquetipos clásicos de las prendas masculinas a través de decisiones de diseño más respetuosas con el medioambiente, actualizándolas para que sean más relevantes ahora mismo, ya sea a través de la silueta o la fabricación", dicen. El resultado son una serie de prendas polivalentes y coloridas que aunque tienen el 'menswear' en la etiqueta, podría llevar cualquier persona.

Las chaquetas amarillas y las sudaderas técnicas recogen muy bien los términos de "naturaleza, función y exploración" que Ranra usa para definir su 'ethos', pero también su idea de estudio sobre marca pura y dura. "El estudio se basa en prácticas de trabajo colaborativo y en un compromiso de pensar a través de una definición ampliada de diseño", argumentan. "Además de producir colecciones de temporada, Ranra participa en proyectos multifacéticos que operan en diferentes escalas, desde el desarrollo textil y el diseño de productos hasta las intervenciones en sistemas. Estos proyectos actúan como espacio para la experimentación poética pero pragmática que desafía las prácticas existentes en la industria, y siempre cuestiona cómo y por qué se hace algo". Ojo, porque las ventas no han aparecido en su discurso. Incluso cuando una compañía multimillonaria les ha apoyado.

" Es increíble haber ganado este precio porque reconoce lo que sucede detrás de escena", cuentan. "Sentimos que nos da reconocimiento por todo nuestro espíritu, por el que tomamos problemas y diseñamos en función de ellos. Así que tener este reconocimiento y el P remio de Sostenibilidad de Zalando es realmente emocionante y alentador. Nos impulsa a continuar experimentando y a definir lo que el diseño sostenible significa para un estudio como el nuestro". ¿Y para el resto de la industria? "Zalando está proporcionando un apoyo incalculable a pequeñas marcas como la nuestra para continuar impulsando nuevos enfoques". Alejados del greenwashing, por favor.

"No hay que hacerlo", afirman con rotundidad. "Creemos que la industria tiene que asumir la presión, no el consumidor. Transparencia, responsabilidad y colaboración son clave para hacer mejoras en la industria". Algo que urge y que tiene unos beneficios que desearían que "estuviesen tan claros para el consumidor como los de la industria alimentaria". "Hay mucho por hacer para que la moda se mantenga al día como lo hacen los sectores de la alimentación, la agricultura o la arquitectura, que están impulsando prácticas de sostenibilidad", dicen en Ranra. "La industria de la moda puede aprender de esas áreas y observar los procesos de manufactura, producción y distribución como un todo". Pero eso no significa que los consumidores estén fuera de la ecuación.

"Creemos que todo el mundo tiene un papel que jugar: desde los diseñadores hasta las personas que trabajan en la cadena de producción, terminando en el consumidor", afirman. "Solo a través de la conexión de todos los sectores, podremos lograr el cambio".

Conforme a los criterios de

The Trust Project

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Ranra, la marca sostenible londinense e islandesa: "Ojalá los beneficios de la producción responsable fueran tan claros como en la industria alimentaria"

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Una de las consecuencias directas que se derivan del tremendo crecimiento de las marcas de moda rápida (no olvidemos que no son cosa del pasado; ahí está Shein para demostrar su vigencia ) es la vuelta a lo local.

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Los Angeles Times (también conocido como LA Times) es un periódico de circulación diaria publicado en Los Ángeles, California, Estados Unidos y distribuido en los estados de occidente de este país, propiedad de Tribune Company. Con una circulación de 843 432 lectores por día a septiembre de 2005, es el segundo periódico metropolitano más grande en los Estados Unidos después de The New York Times.

A lo largo de su historia ha ganado 37 premios Pulitzer, y según el Almanaque Mundial de 2007, es el tercer periódico más leído de los que se publican en Estados Unidos.

ARTICULO:

They called it! Kim Kardashian really did damage that iconic Marilyn Monroe dress

https://www.latimes.com/entertainment-arts/story/2022-06-14/kim-kardashian-marilyn-monroe-dress-damage-met-gala

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habla sobre  la tendencia de los abrigos con efecto alcochonado para este invierno 2022.
Es un periódico argentino, fundado el 28 de agosto de 1945, por Roberto Noble.
https://postlogin.clarin.com/post-login-hook?session_token=eyJhbGciOiJIUzI1NiIsInR5cCI6IkpXVCJ9.eyJpYXQiOjE2NjE5MDY2NDAsImlzcyI6Im1pY3VlbnRhLmNsYXJpbi5jb20iLCJzdWIiOiJnb29nbGUtb2F1dGgyfDEwMjc3NDYzOTEwMDU2MTQ4OTk1OCIsImV4cCI6MTY2MTkwNjcwMCwiaXAiOiIxODcuMTkxLjQzLjE0IiwiY2xpZW50TmFtZSI6ImNsYXJpbi5jb20iLCJsb2dpbnNDb3VudCI6MSwiaWRQYXNlIjoiLTIiLCJlZGFkIjoiLTIiLCJnZW5lcm8iOiItMiJ9.Vuw06QQ6gTazyeasZ6jtw-fGiMnIyq84s83pdsAvydc&state=hKFo2SBidGl6MG9EWlNhLWxkSVhwYnBWUEZyUTNKd0ZuZzNPUqFuqHJlZGlyZWN0o3RpZNkgSG4xc0RycUN3ZzdWdEpxbzNQTmJWUi02bkx6Vk1HR1CjY2lk2SBKY1ZoNFR1UWl6ZlZaTjFRZ3RuZjNjS1A1dmZaSVYyaw

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https://www.elmundo.es/yodona/moda/2022/08/29/6308b2cee4d4d8465c8b45fc.html

Periódico español
Pecha de publicación 29/08/22

Moncerrat Gpe. Mtz. De Luna

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Una de las consecuencias directas que se derivan del tremendo crecimiento de las marcas de moda rápida (no olvidemos que no son cosa del pasado; ahí está Shein para demostrar su vigencia) es la vuelta a lo local. Donde las grandes corporaciones producen fuera, las firmas que abogan por otro tipo de ritmo y de 'modus operandi', suelen presumir de talleres de cercanía, de pueblos pequeños, de proteger la pureza del oficio. Y eso es fantástico. Pero la globalización también puede adaptarse a este saber hacer y generar caminos intermedios que hagan que una marca sostenible no tenga que estar hiperconcentrada en un único punto del planeta. Justo lo que sucede con Ranra, la firma ganadora del Premio de Sostenibilidad de Zalando en la Semana de la Moda de Copenhague de agosto de 2022.

Los lugares que han dado pie a este " estudio de diseño especializado en prendas exteriores de transición pensadas tanto para la naturaleza como para el entorno urbano", como se definen a ellos mismos, son variados. Hay que empezar por Londres, donde los fundadores Arnar Mar Jonsson y Luke Stevens estudiaron diseño de moda masculina en el "prestigioso" Royal College of Art. Luego, pasar a Reikiavik, donde también tienen parte de su base. Y por último, dar un paseo por Italia, donde producen sus prendas "utilizando telas de origen responsable orientadas al rendimiento y una mezcla de técnicas inspiradas en ropa deportiva contrastadas con acabados artesanales teñidos a mano". Sobra decir que todo esto se hace de manera sostenible, el único futuro posible para la industria de la moda.

"La aproximación a la sostenibilidad de Ranra es la noción del "mejor diseño": esto implica enfocarse en las cosas que están detrás de escena, como la cadena de suministro, nuevos métodos de manufactura o intervenir en los que ya existen, investigación en sostenibilidad y en el reciclaje y la reparación, así como en la consideración de cómo una prenda se comporta a lo largo del tiempo con el portador", explican. "Se trata de entender que las aproximaciones a la sostenibilidad deberían extenderse más allá de la ropa propiamente dicha por todas las ramas de la infraestructura. Cosas que quizás no ves, pero puedes sentir".

"Como estudio, creemos que el diseño sostenible no puede consistir simplemente en producir más del mismo producto pero con materiales de origen más ético", continúan desde la firma. "Nuestro enfoque está en intervenir en cada decisión de diseño y manufactura, por eso un diseño mejor cuestiona métodos y asunciones previas al mismo tiempo que aporta soluciones". Puede sonar abstracto, pero tiene una aplicación absolutamente real y física, tal y como explican desde Ranra: "Estas ideas son importantes para considerar el patrón, la silueta, el color y la tela, y en muchas ocasiones, una forma de producción particular que afectará a la estética".

Estas reflexiones también terminan determinando, de un modo u otro, la propia concepción de ideas: se bosqueja con la sostenibilidad y la vialidad en la mente. Pero eso no coarta la originalidad, algo que les ha valido el aplauso en la exigente y atrevida Semana de la Moda de Copenhague. "Nuestro espíritu se basa en gran medida en la reinvención de los arquetipos clásicos de las prendas masculinas a través de decisiones de diseño más respetuosas con el medioambiente, actualizándolas para que sean más relevantes ahora mismo, ya sea a través de la silueta o la fabricación", dicen. El resultado son una serie de prendas polivalentes y coloridas que aunque tienen el 'menswear' en la etiqueta, podría llevar cualquier persona.

Las chaquetas amarillas y las sudaderas técnicas recogen muy bien los términos de "naturaleza, función y exploración" que Ranra usa para definir su 'ethos', pero también su idea de estudio sobre marca pura y dura. "El estudio se basa en prácticas de trabajo colaborativo y en un compromiso de pensar a través de una definición ampliada de diseño", argumentan. "Además de producir colecciones de temporada, Ranra participa en proyectos multifacéticos que operan en diferentes escalas, desde el desarrollo textil y el diseño de productos hasta las intervenciones en sistemas. Estos proyectos actúan como espacio para la experimentación poética pero pragmática que desafía las prácticas existentes en la industria, y siempre cuestiona cómo y por qué se hace algo". Ojo, porque las ventas no han aparecido en su discurso. Incluso cuando una compañía multimillonaria les ha apoyado.

" Es increíble haber ganado este precio porque reconoce lo que sucede detrás de escena", cuentan. "Sentimos que nos da reconocimiento por todo nuestro espíritu, por el que tomamos problemas y diseñamos en función de ellos. Así que tener este reconocimiento y el P remio de Sostenibilidad de Zalando es realmente emocionante y alentador. Nos impulsa a continuar experimentando y a definir lo que el diseño sostenible significa para un estudio como el nuestro". ¿Y para el resto de la industria? "Zalando está proporcionando un apoyo incalculable a pequeñas marcas como la nuestra para continuar impulsando nuevos enfoques". Alejados del greenwashing, por favor.

"No hay que hacerlo", afirman con rotundidad. "Creemos que la industria tiene que asumir la presión, no el consumidor. Transparencia, responsabilidad y colaboración son clave para hacer mejoras en la industria". Algo que urge y que tiene unos beneficios que desearían que "estuviesen tan claros para el consumidor como los de la industria alimentaria". "Hay mucho por hacer para que la moda se mantenga al día como lo hacen los sectores de la alimentación, la agricultura o la arquitectura, que están impulsando prácticas de sostenibilidad", dicen en Ranra. "La industria de la moda puede aprender de esas áreas y observar los procesos de manufactura, producción y distribución como un todo". Pero eso no significa que los consumidores estén fuera de la ecuación.

"Creemos que todo el mundo tiene un papel que jugar: desde los diseñadores hasta las personas que trabajan en la cadena de producción, terminando en el consumidor", afirman. "Solo a través de la conexión de todos los sectores, podremos lograr el cambio".

Conforme a los criterios de

The Trust Project

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Ranra, la marca sostenible londinense e islandesa: "Ojalá los beneficios de la producción responsable fueran tan claros como en la industria alimentaria"

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Una de las consecuencias directas que se derivan del tremendo crecimiento de las marcas de moda rápida (no olvidemos que no son cosa del pasado; ahí está Shein para demostrar su vigencia ) es la vuelta a lo local.

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Nallely Cardona Cisneros
La Vanguardia es un periódico editado en Barcelona para toda España, que pertenece al Grupo Godó. Su primer número apareció el 1 de febrero de 1881. Hasta mayo de 2011 se publicaba exclusivamente en castellano, fecha en la que pasó a publicarse también en catalán.
Este articulo se publico 25/07/2022 07:00 Actualizado a 25/07/2022 07:22
Este periódico genera enlace con el insta de las personas de las que habla en su articulo, como para dar ejemplo de lo que habla.

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No hay duda que las prendas que estaban muy de moda hace veinte años han regresado con fuerza esta temporada. La generación Z está detrás de esta recuperación de piezas que en su momento revolucionaron el street style, como vestidos y tops con la mariposa como protagonista o los tops bandeau con escote palabra de honor.

Una vuelta de las prendas de vestir más representativas de la estética Y2K, el estilo que también marcaba los looks de las Bratz, las icónicas muñecas que destacaban por su maquillaje exagerado y sus piezas transgresoras que ahora lucen modelos como Bella y Gigi Hadid.

Las hermanas han confirmado que este verano vuelven los pantalones de tiro bajo, aquella controvertida prenda que en los 2000 llevaban Jennifer Lopez, Britney Spears o las Bratz, que casualmente han regresado este año por la puerta grande, inspirando colecciones que ya se han convertido en objeto de deseo como la de Cult Gaia.

Las modelos se han atrevido con el tiro bajo con dos looks casual que han dividido a sus seguidoras. Por un lado, aquellas que apoyan el regreso de esta pieza que deja a la vista su abdomen; por el otro, aquellas que no se sienten cómodas con un pantalón que puede jugar mala pasadas cuando se sientan o agachan.

Bella, que ya hace tiempo que apuesta por el tiro bajo, ha llevado un pantalón de silueta ancha, un detalle que recuerda mucho a los looks cómodos y relajados que llevaban Gwen Stefani (No Doutb) o Avril Lavingne. Lo combina con un top bandeau con transparencias y una cinta elástica negra, un accesorio que también triunfaba en los 2000.

Por su parte Gigi se ha dejado ver por Nueva York con unos vaqueros de silueta parecida pero con guiño al estilo cargo, con bolsillos. Remata el look con una camiseta corta y zapatillas Converse, una elección cómoda para hacer unos recados.

Las dos hermanas se han puesto de acuerdo en poner de moda este tipo de pantalón holgado, con el tiro bajo como protagonista, y con bolsillos para aportar ese toque desenfadado. Estos son algunos de los modelos que están a la venta para atreverse con esta controvertida tendencia:

Pantalón cargo en color marrón de Mango ( 19,99 euros).

Pantalón de estilo cargo y tiro bajo de Zara ( 35,95 euros).

Pantalón de estilo cargo de H&M ( 29,99 euros).

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El pantalón más tendencia de los 2000 vuelve este verano

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No hay duda que las prendas que estaban muy de moda hace veinte años han regresado con fuerza esta temporada. La generación Z está detrás de esta recuperación de piezas que en su momento revolucionaron el street style, como vestidos y tops con la mariposa como protagonista o los tops bandeau con escote palabra de honor.

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El Universal es un diario mexicano fundado en el año 1916 en la Ciudad de México. Es uno de los diarios de mayor circulación en México.​

Publicado en Agosto 29 2022

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https://www.milenio.com/estilo/moda-y-belleza/anuar-layon-absolut-conciencia-beneficio-moda-sustentable
Este articulo se publico en la Ciudad de México el 24.07.2022 09:35:00

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Adriana Jiménez Rivera

El diseñador Anuar Layon, quien busca contagiar a la gente sobre su preocupación y acción para contrarrestar el deterioro ambiental que genera el mundo de la moda, ha hecho mancuerna con Absolut en la iniciativa Regeneración Absolut by Anuar Layon la cual a través de la innovación y creatividad, propone "despertar la conciencia de la gente para un consumo responsable".

Apasionado desde su infancia por el dibujo, el cual fue direccionando a la profesión que hoy le permite comunicar un mensaje social, sin más pretensión que "hacer conciencia sobre la importancia de hacer un consumo responsable de la moda en el mundo"; para frenar la crisis que enfrenta el planeta; el diseñador, en mancuerna con Absolut, creó una sudadera elaborada con materiales cien por ciento reciclables que materializan el beneficio de la sustentabilidad, precisó en entrevista con MILENIO el diseñador y creador de conceptos como, México is the Shit, Prima Volta SadBoy, White Tag y Mercadorama Custom y que concentra sus creaciones en Reborn Studio.

"Es un proyecto que habla de sustentabilidad, el enfoque principal es hacer conciencia acerca del consumo de la moda en el mundo, especialmente en la moda nacional; y es una alianza muy interesante de parte de Absolut, que es una marca de alcohol que no tiene nada que ver con prendas, pero forma parte de una iniciativa, de una preocupación real de hacer proyectos sustentables y de comunicarlos, a través de una de las industrias que más contamina el mundo, pero también que es una de las que usamos todo el tiempo, porque todos nos tenemos que vestir. Generar esta conciencia es uno de los temas más relevantes de esta colaboración con Absolut, hablar de moda nacional es otro; y ha sido un proyecto muy emocionante por la libertad de poder hacer algo con la integración de una innovación tecnológica, en la que he venido trabajando desde hace algún tiempo y darle exposición a través de una marca como Absolut, pues es un sueño hecho realidad", explicó el diseñador, quien compartió que su reciente paternidad ha aumentado su preocupación por hacer algo para que el planeta mejore.

DISEÑO CON PET RECICLADO Y ALGODÓN RECUPERADO

Y añade, al tiempo que muestra los detalles de la prenda: "Presentamos una iniciativa, que es una prenda hecha de pet reciclado con algodón recuperado; es decir, desperdicio textil. Con la mezcla de estas dos se desarrolla una fibra que está cien por ciento certificada por el Hilo Recover, que son los proveedores de esta materia prima para que llegue a México y nosotros lo tejamos y lo desarrollemos para poder generar la tela, que después se corta y se confecciona para hacer esta sudadera. Posteriormente en el proceso tenemos la implementación gráfica de la colaboración de la marca, más la implementación de la bolsa frontal y la botella trasera, que es la silueta de la botella de Absolut Vodka, que está hecha y brandeada de un proceso que se llama f ull parch; es decir, hay muchos parches de textil en ella. Y los textiles forman parte del desperdicio textil de más de 4, 5 años de colecciones de Anuar Layon y de nuestro estudio; entonces, además de ser una prenda sustentable en su creación y en el textil, es una prenda sustentable también en el proceso de branding y de la implementación de gráficos y lo que le da vida y color a esta prenda".

Además, explica que la caja que sirve de empaque a la sudadera, también forma parte del concepto sustentable: "Es una caja geométrica triangular en la que no usamos pegamento para su armado y está impresa con tintas de base de agua, así que es un proyecto cien por ciento sustentable, es un granito de arena para seguir comunicándole a la gente la responsabilidad que hay detrás del consumo textil y hacerlos conscientes de ello".

Como la idea más que hacer negocio con la prenda sustentable, cuya colección solo consta de 250 productos, es mandar el mensaje, Anuar comentó que aunque habrá una venta especial, el objetivo básicamente es obsequiarla a quien se sume a la iniciativa.

"Habrá una venta especial, cuya fecha está por confirmarse, pero la intención tiene que ver más con una estrategia de mercadotecnia y no nos interesa vender la prenda, sino darla como un incentivo a la gente que de verdad se quiera sumar al proyecto", comentó Anuar, quien compartió su filosofía: " Soy una persona que está en pro del cambio, de la evolución, más allá de decir soy ambientalista, soy socialista o psicólogo; la verdad son pequeños elementos los que nos hacen mejores seres humanos, y eso es parte de esta iniciativa y de creer en el cambio".

Además, añadió que la iniciativa "conecta a dos públicos, el público coleccionable de Absolut y el público que le gusta la moda de Anuar Layon", quien como "alguien que se dedica a la moda no me puedo hacer de la vista gorda ante el panorama por el efecto que está dejando la industria a la cual pertenezco; y como quiero seguir produciendo y vendiendo moda, no se trata de decirle a la gente: 'No compres'; es decirle: 'Compra responsablemente'; y nosotros producimos artículos de manera responsable, y eso es lo que nos ayuda a decirle que lo que están comprando forma parte de esta iniciativa".

DISEÑA DESDE EL CORAZÓN

En un principio Anuar solo hacía moda para hombres, pero comentó que "hemos encontrado un nicho importante en las mujeres".

Sin embargo, añadió que ahora "hago prendas para las personas, porque el lema de Anuar Layon es hablar de identidad, a través de la identidad personal, que cada quien elija sus productos y que se los ponga como quiera, no venimos a imponer absolutamente nada, diseñamos desde el corazón para brindarle a la gente la oportunidad de expresarse desde su corazón".

*¡Dentro de sus proyectos prepara una serie de cursos y asesorías para las personas que se dedican o están interesadas en hacer moda independiente. Para mayor información en @anuarlayon

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Anuar Layon y Absolut, conciencia sobre beneficio de moda sustentable

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Adriana Jiménez Rivera El diseñador Anuar Layon, quien busca contagiar a la gente sobre su preocupación y acción para contrarrestar el deterioro ambiental que genera el mundo de la moda, ha hecho mancuerna con Absolut en la iniciativa Regeneración Absolut by Anuar Layon la cual a través de la innovación y creatividad, propone "despertar la conciencia de la gente para un consumo responsable".

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Inditex se suma al consorcio de reciclaje de plásticos WhiteCycle

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Periódico MODAES

Modaes es el diario electrónico líder en información económica del negocio de la moda en España.

Nota: Inditex se suma al consorcio de reciclaje de plásticos WhiteCycle. Ésta nota fue publicada el 30 de agosto del 2022 y se ha presentado y compartido por el propio diario en su cuenta oficial de Twitter

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Los gigantes de la moda siguen tomando posiciones a las puertas de una avalancha de legislación sostenible. Inditex es la única compañía española y la única de moda en sumarse al proyecto WhiteCycle, coordinado por el fabricante francés de neumáticos Michelin y que aspira a reciclar dos millones de toneladas de plástico PET al año.

WhiteCycle echó a andar el pasado 1 de julio y está respaldado por dieciséis entidades públicas y privadas, incluyendo tres industriales (Michelin, Mandals y Kordsa), dos compañías de gestión de residuos (Synergies y Estato), una compañía de análisis del ciclo de vida (Ipoint) y un clúster industrial (Axelera), entre otros.

A su unión con Inditex, la entidad la califica como "alianza transectorial". El principal objetivo del consorcio es desarrollar una solución circular que permita el reciclaje anual de dos millones de plástico PET, el tercero más usado en el mundo, en 2030.

WhiteCycle cuenta con un presupuesto de 9,6 millones de euros, incluyendo 7,1 millones de fondos de la UE

"El proyecto debería evitar que más de 1,8 millones de toneladas de plástico al año acaben en el vertedero o incineradas, así como reducir las emisiones de carbono en alrededor de dos millones de toneladas", señala WhiteCycle en un comunicado.

El consorcio aspira a desarrollar todos los nuevos procesos necesarios a lo largo de la cadena de valor industrial, desde tecnologías de clasificación, el pretratado del plástico recuperado y la repolimeración de los polímeros reciclados hasta la fabricación de nuevos productos realizados.

El presupuesto de WhiteCycle es de 9,6 millones de euros, incluyendo financiación europea de alrededor de 7,1 millones de euros. Entre sus socios se encuentran empresas basadas en Francia, España, Alemania, Turquía y Noruega.

El tereftalato de polietileno (PET, en sus siglas en inglés) fue patentado en 1941 como polímero para la fabricación de fibras, principalmente como una alternativa al algodón. Más tarde, comenzó a emplearse en envases rígidos y hoy en día estos dos continúan siendo sus principales usos.

De hecho, aunque el reciclaje de fibra a fibra no está tan extendido, son varias las compañías de moda que, en pleno auge de la sostenibilidad, llevan años introduciendo poliéster realizado a partir de plástico PET procedente de envases plásticos desechados.

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Inditex se suma al consorcio de reciclaje de plásticos WhiteCycle

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Los gigantes de la moda siguen tomando posiciones a las puertas de una avalancha de legislación sostenible. Inditex es la única compañía española y la única de moda en sumarse al proyecto WhiteCycle, coordinado por el fabricante francés de neumáticos Michelin y que aspira a reciclar dos millones de toneladas de plástico PET al año.

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Periódico hidrocálido que habló de la semana de la moda en París publicado en 03/08/2022 y está relacionado con todas las demás revistas y editoriales de moda incluyendo redes sociales

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Marcela Estefania Sandoval Enriquez
El periódico El heraldo es mexicano y el articulo fue publicado el 30/8/2022.
Suelen usar las fotos de redes sociales de los artistas en forma de link y así te manda directamente al la red social.
https://heraldodemexico.com.mx/estilo-de-vida/2022/8/30/sooyoung-de-girls-generation-ensena-lucir-elegante-con-jeans-holgados-435111.html

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Este mes el mundo entero tiene los ojos puestos en Girls' Generation, ya que después de cinco años fuera del mundo de la música, sus ocho miembros regresaron para festejar sus 15 años dentro de esta industria; sin embargo, su anhelado comeback ha dejado algo más que canciones y bailes, pues todas han presumido los mejores looks y se han coronado como las grandes reinas de la moda. Algo que non pasa desapercibido para nadie es que sus outfits son magníficos para llevar sin importar la edad ni la temporada.

Aunque de todas las miembros de Girls' Generation lucen las mejores tendencias y las combinaciones más icónicas, en esta ocasión no pudimos evitar hablar de uno de los últimos looks de Sooyoung, pues con básicos del guardarropa (entre ellos unos jeans holgados) logró crear el atuendo perfecto para lucir elegante, imponiendo estilo y sin perder ese toque juvenil que se busca entre los 20 y los 30 años.

Con 32 años, la cantante y actriz se ha coronado como uno de los íconos de la moda más importantes de Corea del Sur y con su última publicación en Instagram demostró que para lucir perfecta no hay que llevar las prendas más arriesgadas ni los diseños más exclusivos. El truco está en saber cómo combinar prendas que todo el mundo tiene en sus clósets y con ellos lograr el resultado perfecto para cautivar a todos.

La combinación perfecta para mantener una imagen relajada sin perder la elegancia. (Foto: IG @sooyoungchoi)

¿Cómo puedo imitar el look de Sooyoung?

Por medio de su cuenta oficial de Instagram, donde Sooyoung acumula más de siete millones de seguidores, compartió una serie de fotografías para darle la bienvenida al otoño y para ello recurrió a su buen gusto a la hora de vestir para indicar que entre las tendencias de la temporada se encontrarán los suéteres, diseños de punto, gabardinas, camisas de botones faldas largas y mini, así como vestidos elegantes.

Sin embargo, el outfit que más llamó la atención de sus millones de fans fue el primero, en la que seleccionó los pantalones preferidos del año para armar la combinación más elegante y llena de estilo. Se trata de los jeans holgados que todo el mundo está luciendo para estar a la moda, y para la ocasión la actriz los lució en el clásico color de la mezclilla y con un corte perfecto para estilizar la figura.

A pesar de la altura de la famosa de Corea del Sur, demostró que siempre se pueden agregar pequeños detalles en la ropa con los cuales alargar aún más la figura ( trucos que ninguna mujer bajita debe dejar pasar). El ejemplo perfecto es un tiro alto con el cual marcar la cintura y hacer que las piernas luzcan kilométricas; mientras que la caída del pantalón es en línea "A" para mantener el mismo efecto alargador.

La cantante impuso moda con este look. (Foto: IG @sooyoungchoi)

Mientras que para lucir elegante, agregó una camisa blanca de botones, fajada dentro del pantalón y con un cinturón café como accesorio ideal para imponer estilo. De acuerdo con Sooyoung, para lograr el balance perfecto entre lo elegante y una imagen un poco más relajada, se pueden dejar desabotonados los primeros botones y es que la pieza clave para agregar la sofisticación es un blazer o chaqueta de punto.

En su caso, apostó por una chaqueta de cuello redondo y con hombreras; mientras que para no romper la armonía de los jeans holgados, apostó por un diseño corto justo por donde se marca el tiro de la prenda. Aunque la miembro de Girls' Generation apostó por un diseño de punto en el que el color oscuro predomina, otras grandes divas de la moda como Lisa de Blackpink nos han demostrado que se puede llevar color o lujo con una prenda de tonos intensos o dorados.

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Sooyoung de Girls' Generation enseña a lucir elegante con jeans holgados

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Este mes el mundo entero tiene los ojos puestos en Girls' Generation, ya que después de cinco años fuera del mundo de la música, sus ocho miembros regresaron para festejar sus 15 años dentro de esta industria; sin embargo, su anhelado comeback ha dejado algo más que canciones y bailes, pues todas han presumido los mejores looks y se han coronado como las grandes reinas de la moda.

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The New Yorker se empezó a publicar el 21 de febrero de 1925. Empezó con una tirada semanal. Ahora, publica 47 veces al año, de las cuales, cinco son bisemanales. Fue fundada por Harold Ross, quien quería crear un humor sofisticado para la revista, lo que contrastaba con el humor de otras publicaciones como Judge.
Publica críticas, ensayos, reportajes de investigación y ficción. Aunque se concentra preferentemente en la vida social de Nueva York, The New Yorker tiene una amplia audiencia fuera de esta ciudad debido a la calidad de sus periodistas.

Articulo:

Say Hello to the Perfect Wide-Legged Pant

https://www.newyorker.com/humor/daily-shouts/say-hello-to-the-perfect-wide-legged-pant

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Periódico hidrocálido que habló de la semana de la moda en paris, publicado el 03/08/2022 y está relacionado con todas las demás revistas y editoriales de moda incluyendo redes sociales

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Mayo 18, 2021
El esplendor de la moda y la evolución de la sociedad

Del esplendor de la moda española hasta fenómenos como Zara; las figuras de la historia y la evolución del vestir nacional han estado relacionados con los cambios sociales, culturales y políticos de todo un país.

La autora es licenciada en Periodismo, graduada en Historia del Arte y en Geografía e Historia y doctora en español. Se especializa en estudios de moda, historia contemporánea, cambio social y medio de comunicación.
Su obra es un ensayo donde analiza todas las particularidades de la moda en España y cómo sirven para conocer los diferentes cambios de mentalidades a través de los tiempos.
La moda española ha dejado varias prendas que vale la pena destacar. Y es que la Península Ibérica tiene posee una tradición indumentaria sumamente rica.

El origen de algunas prendas incluso ha marcado durante siglos la apariencia en el Occidente. A finales del siglo XV surgió una de las prendas que definiría el aspecto de las mujeres: la falda armada con aros. Esta falda fue clave hasta el siglo XIX y parte del sigo XX en la moda de las mujeres. Otra prenda muy importante de esta época fue la conocida mantilla.

La mantilla es todo un icono español. Este manto tiene una riqueza histórica y se volvió más popular alrededor del siglo XVII. Este tipo de mantos era diferente al tapado que solían llevar las mujeres en ese entonces que las cubrían completamente, y que solo dejaban a la vista las manos y un solo ojo.

Las mantillas están también asociadas con la Semana Santa y los toros. Aunque a partir del siglo XIX empezó a perder influencia ante los sombreros, quedando reducida la prenda a un uso en contextos de tipo tradicional. La historia de la mantilla hizo que se convirtiera en un símbolo de las mujeres y de la España de antaño.

Sobre la moda masculina, el característico “traje a la española” de color negro fue muy popular en las Asturias y seguramente de este tipo de vestimenta, surgió alguna inspiración en el traje de hombre usado en la actualidad. Los cueros españoles también entran dentro de esta evolución junto a los encajes y los bordados tan apreciados en las vestimentas.
https://informaboom.com/noticias-de-moda/carlos-v-y-felipe-ii-y-el-esplendor-de-la-moda-de-espana

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https://www.elperiodico.com/es/series/20220830/el-senor-de-los-anillos-serie-los-anillos-de-poder-actores-personajes-prime-video-bayona-14377750
Ocio y cultura.
Es un periodico poco conocido pero es muy interesante porque engloba la moda con el arte y es demasiado interesante, es digital y facil de encontrar.
Suelo leerlo seguido porque suben cosas muy interesantes

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‘El Señor de los Anillos: los Anillos de Poder’: la esperada serie-evento, contada por sus protagonistas

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Hablamos con Morfydd Clark, Maxim Baldry e Ismael Cruz Córdova, entre otros, sobre qué supuso introducirse en el mundo Tolkien del brazo de J. A. Bayona

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El periódico Novedades es un anexo de la la televisora Sipse, el artículo se publicó el 13 de julio de 2022

https://www.facebook.com/NovedadesYucatan/

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Con 107 años de historia, el Instituto Díaz Aguilar es un referente en Yucatán en cuanto a la formación de profesionales en diseño y alta costura, así como moda y patronaje, que son las dos carreras que actualmente se ofrecen al público en general.

Hace unas semanas se realizó la ceremonia de graduación de su más reciente generación, con un desfile de modas que sirvió para exponer los trabajos realizados gracias al aprendizaje adquirido durante su formación en dos años, que es la duración de cada una de sus carreras.

A partir de enero se retomaron las clases completamente presenciales en su sede matriz ubicada en la calle 65 entre 68 y 70 del Centro, así como en la que está en la colonia Pensiones, pues durante la parte más fuerte de la actual pandemia fueron en línea, y en el segundo semestre de 2021, híbridas.

Sin embargo, esto no impidió que las y los ahora egresados recibieran una formación de excelencia, que es lo que ha mantenido al Instituto Díaz Aguilar al frente de los planteles enfocados a la moda y el diseño.

Un instituto en constante actualización

Aunque, como en todos los rubros, existe competencia, la directora del Instituto, María Antonia Rodríguez Peniche, consideró que en este lugar se mantienen constantemente actualizados, con las dos carreras que están incorporadas a la SEP, contando además con Reconocimiento de Validez Oficial de Estudios (RVOE).

Sin embargo, en Díaz Aguilar no sólo se ofrecen las carreras ya mencionadas, sino que además se tienen cursos cortos para el público en general, tanto en los dos planteles ya mencionados, como en otro que existe en el fraccionamiento Jardines del Norte.

De hecho, en esta tercera sede sólo se dan, por el momento, los cursos cortos, que son los que se tienen actualmente en esta temporada de verano, y que tienen un costo de 1,800 pesos. Entre otros, se tienen diseño de ropa deportiva o ropa para caballero.

¿Quieres tomar un curso en el Instituto Díaz Aguilar?

Con respecto a los próximos cursos correspondientes al ciclo 2022-2023, tienen un costo de inscripción de 500 pesos, con una mensualidad de 950, para las carreras ya mencionadas de diseño y alta costura, y moda y patronaje.

De acuerdo con la información de su historia, esta institución se inicia a mediados de 1914, cuando la Srita. Esther Díaz Aguilar comenzó a dar clases del arte de bordado a máquina en su domicilio, y un año más tarde dan inicio con una exposición de bordados, a lo que es hoy el Instituto Díaz Aguilar.

Las hermanas Esther y Antonia imparten clases de bordado a máquina, Sara de patronaje, corte y confección de prendas de vestir y flores de tela, Celia y Alejandra imparten clases de dibujo y pintura al óleo, y años después se integró la hermana menor, María, quien eligió el arte del bordado a máquina y dibujo.

Al fallecer la Sara Díaz Aguilar, siendo directora, la Sra. Celia María Peniche Díaz, hija de María Díaz Aguilar, ocupa la dirección del Instituto hasta el año 2020, con lo cual estuvo más de 50 años a cargo, quedando el instituto en manos de la señora María Antonia Rodriguez Peniche.

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Instituto Díaz Aguilar, un referente de la moda en Yucatán

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Con 107 años de historia, el Instituto Díaz Aguilar es un referente en Yucatán en cuanto a la formación de profesionales en diseño y alta costura, así como moda y patronaje, que son las dos carreras que actualmente se ofrecen al público en general.

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Modaes es el diario electrónico líder en información económica del negocio de la moda en España

Nota: Inditex se suma al consorcio de reciclaje de plásticos WhiteCycle.
Ésta nota está recién fresca, publicada el 30 de agosto del 2022. Dicha nota se ha presentado igualmente en la cuenta oficial de Modaes en Twitter.

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El Sol de México, periódico de tradición y firma insignia de Organización Editorial Mexicana, la empresa editorial más grande de América Latina, nació el 25 de octubre de 1965 en la Ciudad de México.

https://www.elsoldemexico.com.mx/circulos/realeza/casate-en-las-vegas-al-estilo-diana-de-gales-y-descubre-su-legado-8809791.html

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El Sol de México | Noticias, Deportes, Gossip, Columnas

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El próximo 31 de agosto, se cumplirán 25 años de la muerte de la princesa Diana de Gales, que conmocionó al mundo entero. Desde entonces, su imagen sigue siendo recordada a través de homenajes y diferentes actividades que rinden tributo a su memoria.

En su honor, se expondrá en Las Vegas la muestra Princess Diana: A Tribute Exhibition, que se componede alrededor de 700 objetos que pertenecieron a La princesa del pueblo, a partir del 7 de septiembre y que se espera, sea la sensación de la temporada entre los miles de turistas y residentes de Nevada.

La muestra montada en el centro de exhibiciones The Shops at Crystals, se distribuirá en 12 salas, que albergarán desde cartas escritas con su puño y letra, algunas fotografías, vestidos de noche que uso durante los viajes oficiales como miembro de la familia real y también durante las galas; así como piezas de alta costura y joyas valiosas.

"La exhibición combina el entretenimiento de Las Vegas con la historia de Diana y sus recuerdos", se lee en la página web de la exposición que ya tiene a la venta los boletos.

La principal atracción de la muestra curada por David Corelli, será la réplica del espectacular vestido de novia que usó Diana el 29 de julio de 1981 en su boda con el Príncipe Carlos en la Catedral de San Paul, Londres.

Aunado a esto, una de las salas lleva el nombre de La boda del siglo, donde las parejas de enamorados podrán casarse muy al estilo de los royals, con elementos icónicos de las bodas reales.

Al tomar en cuenta que anualmente se celebran 120 mil bodas en Las Vegas, se ofrecerá un paquete nupcial que además de incluir la tradicional ceremonia, se consentirá a los recién casados con una cena privada.

La exposición estará abierta todos los días de 11:00 a 19:00 horas y con el fin de mantener viva la labor filantrópica que Diana Spencer mostró durante su vida, los organizadores han decidido donar, parte de lo recaudado por la venta de boletos, a Pink Ribbons Crusade, fundación comprometida con la lucha contra el cáncer de mama.
TE RECOMENDAMOS EL PODCAST ⬇️ Disponible en: Acast, Spotify, Apple Podcasts, Google Podcasts, Deezer y Amazon Music

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Cásate en las Vegas al estilo Diana de Gales y descubre su legado

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El próximo 31 de agosto, se cumplirán 25 años de la muerte de la princesa Diana de Gales, que conmocionó al mundo entero. Desde entonces, su imagen sigue siendo recordada a través de homenajes y diferentes actividades que rinden tributo a su memoria.

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Melissa Bernal Salas
The New Yorker es una revista estadounidense semanal que publica críticas, ensayos, reportajes de investigación y ficción. Aunque se concentra preferentemente en la vida social de Nueva York, The New Yorker tiene una amplia audiencia fuera de esta ciudad debido a la calidad de sus periodistas.
Fecha de Publicación: 21 de febrero de 1925

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Style-setters from Egyptian princesses to Jackie Kennedy to Debbie Harry have embraced leopard prints. Proponents of a "species royalty" want designers to pay to help save endangered big cats.

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When Jacqueline Kennedy was living in the White House, in the early sixties, she relied upon the taste of Oleg Cassini, the costume designer turned couturier, to supply her with a wardrobe that would befit her role as First Lady, one of the most photographed women in the world. In 1962, Cassini provided her with a striking leopard coat. Knee-length, with three-quarter sleeves and six buttons that fastened across the chest, the coat was not made from a synthetic leopard-patterned fabric. Rather, it consisted of the pelts of several formerly wild, living leopards, which had been hunted and slaughtered for their alluring, treacherous skins. Fashion-wise, the garment was a great success: the demand for Jackie-style leopard coats soared. For leopards, the trend was a disaster. It has been estimated that a quarter of a million leopards died to satisfy consumers wanting to dress like Jackie. A decade after Cassini made the First Lady's coat, the U.S. government placed leopards on the endangered-species list, making it illegal to import their skins.

It is an irony of nature that although the leopard's spots-or, more accurately, rosettes-evolved as a form of camouflage, the same characteristics that allow leopards to lurk unseen by their prey in a dappled forest or on a dusty savanna render the creature's hide irresistibly eye-catching to human observers. Leopard skin has been repurposed as prestigious clothing for humans for millennia, notably by the ancient Egyptians, for whom feline characteristics were linked with aspects of divinity: Bastet, a goddess associated with femininity and a protector of the home, was represented as a woman with the head of a lioness. An Egyptian stela dating from more than four and a half thousand years ago, now in the collection of the Louvre, depicts the Princess Nefertiabet dressed in what looks like elegant contemporary evening wear. Seated, she is clad in a slim, ankle-length sheath spotted with the rosettes of a leopard. The garment may be made from the skin of a leopard, but it may also be trompe-l'oeil: the Egyptians not only wore leopard pelts but also painted linen with spots to resemble them, or wove the pattern into woollen fabric, according to Shannon Bell-Price and Elyssa Da Cruz, the authors of an essay in "Wild: Fashion Untamed," a publication to accompany a show that opened in 2004 at the Metropolitan Museum of Art. Bell-Price and Da Cruz note that the representation of a fringe on the bottom of a garment is a telltale sign that it is definitively faux, not fur.

This cognitive split between species and pattern-between the leopard and its spots-has lately become the subject of academic study, with conservation-minded scholars analyzing data generated by fashion trends. Caroline Good Markides, formerly a research fellow in the Department of Zoology at Oxford University's Wildlife Conservation Research Unit, did not set out to be an advocate for animals; her background is as an art historian, with a focus on British art of the late-seventeenth and early-eighteenth century. In her doctoral research, she examined the then emergent genre of still-life painting, or "dead-standing things," as such works were first characterized in English in the middle of the seventeenth century. At the Wildlife Conservation Research Unit, which Good Markides joined early in her career, her work involved exploring the cultural significance of representations of endangered wildlife in art. One day, during a staff discussion about the plight of lions, several colleagues remarked on the difficulty of engendering interest in them in Britain, given that lions are not native to the country.

"I was thinking about it afterward, and I realized that, actually, there are lions everywhere," Good Markides told me recently. There are the three heraldic lions passant guardant -striding, with heads turned toward the viewer-that have been included on the royal arms of England since the late twelfth century. There are the four bronze lions reclining on pedestals at the foot of Nelson's Column, in Trafalgar Square, a feature of the cityscape since the eighteen-sixties. There are the three lions emblazoned on the English soccer team's shirt and celebrated in the chart-topping anthem of the sport in England, "Three Lions (Football's Coming Home)"; a crowned lion is the emblem of the Premier League, the U.K.'s top-tier soccer league. Even British eggs have lions on them, stamped with the image of the beast as a quality seal since the late nineties. Despite lions having died out in Britain more than twelve thousand years ago, the creature still has a charged symbolic power-one that could be harnessed, Good Markides speculated, to the benefit of lions themselves.

In 2017, Good Markides, with colleagues at the Wildlife Conservation Research Unit, published an opinion piece in an academic journal titled "A Cultural Conscience for Conservation." In the article, Good Markides and her co-authors, Dawn Burnham and David W. Macdonald, suggested a novel method of raising funds for conservation: a "species royalty" for the use of animal symbolism. When a song or a design is used for the promotion of a product or an event, a royalty is paid to its creator, they pointed out. What if a fee were owed to an endangered species every time its image or characteristics were co-opted by commerce? Good Markides and her co-authors calculated that, if a levy as minuscule as one-tenth of a penny were applied to each lion-stamped egg sold in Britain, that would result annually in revenues of ten and a half million pounds, or about fourteen million dollars. A levy of one pound on each Premier League soccer shirt sold would raise about six and a half million dollars-enough, the authors pointed out, to employ four thousand trained "lion guardians" to watch over and protect populations of the animal in East Africa for a year.

While making a case for a species royalty for the English national animal-"the Lion's Share," as they catchily dubbed it-Good Markides and her colleagues also raised the issue of the unwitting cultural contributions made by another big cat, whose image is arguably even more exploited than the lion's: the leopard. What if the cultural power of leopard print, that omnipresent fashion staple, could be turned to the advantage of the endangered animal to whom it rightfully belongs? Leopard print "saturates both high-street and high-fashion," the authors wrote. If a species royalty were levied on the use of the pattern, Good Markides and her co-authors argued, the leopard could become "the cash-cow of the jungle."

Leopard print first entered Western fashion in a recognizably modern way-as a compelling pattern that is mostly divorced, conceptually, from its animal-kingdom origins-in late-eighteenth-century France. Designers, adding to their repertoire of floral-patterned dresses, began creating new gowns from light, pliable fabrics printed with stylized replicas of big-cat camouflage. Judging from how such fabrics were represented at the time, leopard print was, from the start, an edgy choice. A late-eighteenth-century etching by Louis Bosse titled "La Matinée (L'heureuse Union)" shows a young woman perched on a man's knee; she wears a loose-fitting gown, or matinée, hemmed with a band of leopard-printed fabric that falls like silk, her sensuality amplified by her association with the wild animal whose patterns her garment alludes to. Another image from the era, published in Le Cabinet des Modes, ou les Modes Nouvelles, shows a woman in a wig and feather-decked hairpiece, carrying an enormous white fur muff; her gown is edged with lace but is otherwise fashioned from spotted fabric that resembles the pelt of a cheetah. (The term "leopard print," as Jo Weldon points out in "Fierce," her cultural history of the pattern, is used loosely to apply to designs that are based on the pelts of a range of big cats, including not just Panthera pardus, the leopard proper, but also jaguars, ocelots, and others.)

Le Cabinet des Modes, often called the world's first fashion magazine, was a venue for dressmakers to advertise their services to the affluent, but its pages were also used to provide inspiration to a wider readership who aspired to dress fashionably. A cheetah-patterned gown would likely have been a startling and provocative suggestion-and the print would not have been reserved for women only. The collection of the Victoria and Albert Museum, in London, includes a French men's frock coat from the seventeen-eighties, the silk-velvet pile of which is woven with black-and-white spots. The background color, originally a turquoise that has now faded to a silvery-blue sheen, indicates that the coat was not intended to give the appearance of actually being made from fur-unlike the leopard-spotted waistcoat worn under a ruby-colored, fur-trimmed coat by John Campbell, the first Baron of Cawdor, in a portrait painted by Sir Joshua Reynolds a few years earlier, the tawny hues of which are very like those of the animal it mimics. Rather, the turquoise frock coat takes the leopard's spots and abstracts them into a fascinating pattern that remains at an aesthetic distance from the creature that inspired it.

In eighteenth-century portraiture, leopard pelt or print was a marker of wealth and luxury, though artists also drew upon its connotations in classical mythology to suggest the individual characters of their sitters. Marie-Aurore de Saxe, a French noblewoman and freethinker, was painted in the guise of Diana, the huntress, wearing a leopard-print gown with billowing sleeves and a plunging bosom. Charlotte du Rietz, a worldly Swedish baroness, also chose to be depicted as Diana, dressed in a leopard-pelt robe and a floral choker, bearing a spear.

Leopard print was associated with chastity-Diana is the chastity goddess-although that link had dwindled by the time the design was disseminated into mainstream fashion, in the twentieth century. Yet its suggestion of independent-mindedness arguably endured. Weldon, the author of "Fierce," notes that in the nineteen-thirties leopard was usually considered sporty-suitable for head scarves, summer dresses, and outdoor activities. But the print also became a signifier of élite glamour: it was worn by movie stars from Joan Crawford, who was pictured looking sylphlike in a silk dress with leopard-print trim, to Carole Lombard, in a jacket with leopard-print collar and cuffs, and from Jayne Mansfield in a leopard-print bikini to Audrey Hepburn in a leopard-print pillbox hat. Josephine Baker went one step further, accessorizing herself with a pet cheetah named Chiquita. Christian Dior, in his couture collection of 1947, presented a fluid sheath dress in leopard print that he named "Jungle"-a rare, if now clunkily exoticizing, allusion to the native habitat of the wild creature whose spotted back Dior was profiting from.

Today, leopard print has been democratized, and mainstreamed. It no longer signifies a rebellious punk aesthetic, as it did when a young Debbie Harry wore a skintight leopard jumpsuit in 1979; nor does it connote untamed carnality, as it did when an even younger Steven Tyler wore his own skintight leopard jumpsuit, three years earlier. If leopard does still carry a hint of subversion and sensuality, it does so in a way that is compatible with professionalism and probity. Often, when worn in public life, leopard bestows the flavor of edginess where none is naturally occurring: consider, for example, the much chronicled leopard-print kitten heels favored by Theresa May, Britain's former Prime Minister. Sometimes it signals a barely concealed carnivorousness, as in the case of the lawyer Sidney Powell, a former member of Donald Trump's legal team, whose wardrobe includes multiple leopard tops. Leopard print may have reached the apotheosis of respectability when, in early 2020, the irreproachable Kate Middleton, the Duchess of Cambridge and the future Queen of England, was photographed wearing a midi-length, floaty pleated skirt patterned with leopard spots. It was swiftly reported that the skirt came from the high-street brand Zara, where it was on sale for thirteen dollars if you could find it, which you definitely couldn't.

To what extent does the modern wearer of leopard print perceive the fashion choice as having anything to do with the wild animals that roam, in diminishing numbers, in Africa and Asia? This is the question that Good Markides, after publishing "A Cultural Conscience for Conservation," sought to tackle next, suspecting that a dissociation between the print and the animal itself might get in the way of encouraging leopard conservation through fashion. Last year, Good Markides, along with her co-authors Macdonald and Burnham, and with the contribution of Tom Moorhouse, published a follow-up paper, "Connecting the Spots: Leopard Print Fashion and Panthera pardus Conservation." They attempted, for the first time, to measure connections between the wearing of leopard print and our awareness of leopards.

In the paper, Good Markides and her colleagues noted the perennial popularity of leopard print: while other styles wax and wane, leopard is a fashion-industry constant, both in high-end labels and in budget brands. (You can buy a georgette leopard-print blouse at Dolce & Gabbana for $1,095; you can also buy a ruffled, off-the-shoulder leopard-print blouse for $11.99 from Walmart.) By analyzing data from Internet search engines, traditional editorial media, and social-media platforms, Good Markides discovered that although consumer interest in animal print varies from year to year, it reliably rises in the fall, between October and December, and declines in late spring; leopard print is featured most prominently in the season-setting September issues of fashion magazines. Interest in leopard print is higher in some parts of the world than in others, she found: Northern Europe and East Asia are home to the most avid aficionados, while "leopard print" is far less frequently Googled in the Middle East and Central Africa, regions of the world where actual leopards can still be found.

By analyzing Instagram hashtags, Good Markides found that leopard print was associated with a wide range of aesthetics, "from 'professionalism' to 'punk.' " But, she added, "while it is highly adaptable in its wearability, our insights into the emotions it evokes offer little evidence that they are at all related to issues surrounding biodiversity loss and the extinction crisis." Good Markides and her co-authors speculated that the prevalence of leopard print in fashion might even have the effect of misrepresenting the prevalence of real leopards in their native habitat, functioning as "a virtual population whose widespread abundance creates a delusion that the wild population is similarly commonplace."

The challenge for conservationists, Good Markides and her co-authors argued, is to find ways to divert the appetite for leopard print, at least in part, toward a sense of obligation to the species from which it had been appropriated. One method could be through the application of a species royalty. They cited the American shopping site ShopStyle, which in a single month, April, 2019, offered more than nineteen thousand leopard-print products for sale, with an average price of four hundred and twenty-three dollars. If one per cent of the sale of each of those leopard-print items went to support leopard conservation, they wrote, that would result in an eight-million-dollar leopard fund.

How might such a levy be instituted? Good Markides and her colleagues acknowledged that it was beyond their remit to devise an appropriate mechanism, but suggested that firm codes of practice, incentivizing, and even regulatory requirements might be applicable. One figure in the big-cat conservation world has already been experimenting with linking leopard print with real-life leopards. Thomas Kaplan, the chairman of the Electrum Group, a New York investment firm, is the founder of Panthera, a nonprofit dedicated to the conservation of big cats, which partners with fashion brands to promote wildlife. Two years ago, Panthera launched a campaign called Leopard Spotted, whereby wearers of leopard print are encouraged to promote awareness of the animal's plight by adding a hashtag to their Instagram selfies, and to donate, via Panthera, to conservation efforts.

"What we are trying to do is to encourage people to see beyond the spots," Kaplan told me. "We're not interested in discouraging people from using leopard print. To the contrary, what we want to do is make people understand that, while celebrating the leopard, they can also give back. If royalties were paid for any fashion statement like this, there would be more than enough money to save the leopard." Six years ago, Panthera collaborated with Hermès on an exhibition to celebrate the work of Robert Dallet, an illustrator who designed iconic silk scarves for the company depicting big cats in the wild; one scarf, featuring a leopard in grassland, was launched, with partial proceeds going to Panthera. Kaplan hopes to recruit a number of fashion brands to institute a species royalty.

A dozen years after Jackie Kennedy was photographed in her leopard coat, accessorized with a black pillbox hat and black elbow-length gloves, another iconic leopard outfit was in circulation: Diane von Furstenberg's leopard-print wrap dress, which the designer was photographed wearing in 1974 at a film première, purring into Andy Warhol's ear. When I asked von Furstenberg if she thought the big cats were due a cut, she acknowledged that animal royalties were an interesting idea. "But, you know, every element of nature has been used as a source of inspiration in fashion-flowers, bark, roses," she said. "Leonardo da Vinci said that of all his accomplishments what he was proudest of was that he could read nature. Nature for me is everything." Von Furstenberg still has a taste for leopard print, she told me: when we spoke, she was on an overseas trip for which she had packed a leopard-print velvet jacket and a leopard-print passport holder.

In the decades after von Furstenberg wrapped herself and other women in her sleek, clingy faux-leopard dresses, Oleg Cassini came to regret the real leopard coat he'd made for Jackie Kennedy. "Animals sense when they're about to be killed," he once told an interviewer. "They have the imagination to fear." Cassini's conscience was troubled by his implication in the fur trade; for him, it seems, the link between Panthera pardus and a fashionable coat was indelible, and a source of shame. Cassini, who died in 2006, forswore fur, instead designing with and advocating for the use of fake fur as a substitute for the actual, bloody thing. The designer did what he could to make reparations. A species royalty, its proponents suggest, would enable all who appropriate the leopard's guise, thinkingly or not, to repay their own debt to nature. ♦

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Should Leopards Be Paid for Their Spots?

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Style-setters from Egyptian princesses to Jackie Kennedy to Debbie Harry have embraced leopard prints. Proponents of a "species royalty" want designers to pay to help save endangered big cats. Save this story for later. Save this story for later.

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Excélsior es el segundo periódico más antiguo de la Ciudad de México, después de El Universal. Fue fundado por Rafael Alducin y su primer número circuló el 18 de marzo de 1917.

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MTV VMAs 2022: Checa los mejores looks de la alfombra negra

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Los artistas ya llegaron a los MTV VMAs 2022. Checa los mejores looks de la alfombra roja

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FER OROZCO
The New York Times es un periódico publicado en la ciudad de Nueva York y cuyo editor es Arthur Sulzberger, que se distribuye en los Estados Unidos y muchos otros países.
La nota se publicó en Ago. 29, 2022

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Credit... via Nike

The game-changing tennis player used her clothes as a statement of self and a weapon of change.

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When Serena Williams steps out onto the hard courts of the U.S. Open on Monday for what may be her last tournament, she will do so in a little black (tennis) dress with long sheer sleeves, a six-layer skirt - one tier for every U.S. Open title she has won - and a bodice sparkling with a galaxy of stars. It is a dress made for a supernova's farewell. It is fitting, in more ways than one. If you're not paying attention to the symbolism, you're whiffing the point.

After all, Ms. Williams did reveal her plans to end her tennis career in an essay published not in ESPN or Sports Illustrated or Tennis Week but in the September issue of Vogue. Though the choice, with its accompanying cover shoot of Ms. Williams in an array of evening gowns, was met with some head-scratching in the sports world, it should have surprised no one.

Since she turned professional in 1995, Ms. Williams, 40, has wielded self-presentation as effectively as any athlete as a weapon of change; what she wore has been as carefully honed and considered a part of her long game as any serve or forehand. She smashed barriers of race, age and background, and she smashed the old dress codes of tennis.

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She always had a bigger plan than just sports, and it was an intention embedded in the imagery she helped create. It was never just about adding a stripe here, some neon there. It was about self-realization, about expanding the definition of what was possible in myriad ways - physically, professionally - and who got to decide.

Her on-court wardrobe was a "visual manifestation of her fun, her energy and her barrier-breaching mentality," said Gabriella Karefa-Johnson, the editor who styled the Vogue shoot. It was calculated to succinctly make the point, said Tania Flynn, the vice president for women's apparel design at Nike, "that women deserve to be seen."

As the rare Black woman in tennis, and one with a back story and a body that didn't conform to the sport's favored mythology, Ms. Williams knew "how many eyes and how many cameras were on her," said John Hoke, the chief design officer of Nike, who has been working with her for almost 20 years.

And if, said Gerald Marzorati, the author of the 2021 book " Seeing Serena," "attention was going to be paid, her attitude was: I'm going to be a subject of that attention, rather than an object."

If people were going to be looking, and judging, she might as well use that scrutiny not just to further her tennis career, but to change the playing field for everyone. Her racket was one way to do that. Fashion was another.

When Ms. Williams and her older sister, Venus, arrived on the scene, women's tennis dress, like tennis itself, was still stuck in the mire of tradition, associated with an antiquated image of a blond pony-tailed sprite zipping around a court in a teeny tiny little "skirt" or "dress" that was like a notional remnant of the longer dresses that came before.

It was highly gendered, in the most stereotypical kind of way (this is a sport, after all, where until the late 20th century female tennis players wore frilly bloomers, like baby dolls, under their faux skirts) and very white. Literally, in the case of the All England Lawn Tennis and Croquet Club, a.k.a. Wimbledon, where the player dress code specifies dress color.

It was, said Richard Thompson Ford, a professor at Stanford Law School and the author of " Dress Codes: How the Laws of Fashion Made History," "an extension of the country club. And the costume reflected that."

Sure, fashion had been an occasional tool of disruption since Suzanne Lenglen shortened her hemlines in the 1920s and "there were lines of people waiting to see her play at Wimbledon in a skirt above her ankles," Mr. Marzorati said.

Sure, on the men's side, Andre Agassi ushered in a moment of change with his mullet, jeans shorts and neon, scandalizing the powers that be. (He boycotted Wimbledon for three years because of the dress code.) And many of the sport's previous Black players - Althea Gibson, Arthur Ashe, Zina Garrison - dressed, Mr. Ford said, in the style of "respectability politics," to fit in.

"Stylistically, tennis has been historically a very conservative sport - a gentlemen's sport," Ms. Karefa-Johnson said. "Of course, all of these semantics really just reinforce the white supremacy latent in the sport and justify the exclusion of any person or body that stands outside of the prescribed participants and audience. Serena blew up that fallacy." She refused to be anything other than herself.

Mr. Ford called it "a different way of integrating a sport."

It began when Ms. Williams and her sister took to the court in their beads and braids and continued through the years, becoming evermore deliberate and political. Mr. Hoke of Nike, where there is a design building named in Ms. Williams's honor, said that on a scale of 1 to 10 of involvement with her clothes, she is a 10.

If at first her interest was simply about expressing a certain joy in dressing up - about dipping into streetwear trends with denim and studs and runway trends with snakeskin and mesh - it became about being a woman of power and having the profile to call out perceived injustice and inequality; about being a mother and an activist; about, as Ms. Flynn of Nike said, "the message."

Sometimes literally so, as when Ms. Williams wore a black and white crop top and tennis skirt with matching trapeze jacket and maxi overskirt to the French Open in 2019 splashed with the French words for "Mother, champion, queen, goddess." (It was created with Virgil Abloh of Off-White, a designer who likewise understood something about opening doors and who became a close friend of Ms. Williams before his death in 2021.)

And sometimes more implicitly, as with the black catsuit she wore to the French Open in 2018, which was designed in part to manage potential blood clots after a difficult childbirth, and in part to reflect the status of working mothers as "superheroes," as she said at the time. It set off such a firestorm - the French officials deemed it a dress code violation - that her next outfit, a one-sleeve tutu worn to the U.S. Open and also designed by Mr. Abloh, seemed a riposte to those who deemed the previous look not "feminine" enough.

It got to the point, Mr. Marzorati said, that "watching Serena come out of the tunnel onto the court and discovering what she was wearing" was an event unto itself.

But while viewers may have ogled the outfit, they ended up absorbing the point.

Fashion and tennis were intertwined for Ms. Williams pretty much from the beginning. If her father, Richard Williams, created the template for her athletic career, her mother, Oracene Price, laid the groundwork for her clothing appreciation.

Ms. Price taught her to sew when she was two or three, and, Ms. Williams has said, "I used to watch her put those old Vogue patterns on the floor and cut out the outfits."

Ms. Williams jumped to actual Vogue in 1998, when she and her sister posed for the magazine in black and white Carolina Herrera, an appearance that heralded the start of a friendship with Anna Wintour, the Vogue editor (and tennis superfan), that has been by, Ms. Williams's description, formative.

"She's a special person, and I just absolutely completely adore her," Ms. Williams told Naomi Campbell on her YouTube show, "No Filter With Naomi." "I love being around her. I love her brain."

In return, in an email, Ms. Wintour called Ms. Williams "fearless" in her playing, her wardrobe and her facility in "erasing boundaries."

She certainly erased some Vogue boundaries, becoming the first Black female athlete on the cover of Vogue, in 2012, alongside the soccer player Hope Solo and the swimmer Ryan Lochte, and since then appearing on more Vogue covers than any other athlete.

She had solo covers in 2015, 2018 and 2022 (the last two with her daughter, Alexis Olympia Ohanian Jr.). Ms. Wintour took her to fashion shows - Ms. Williams chronicled one trip to Milan on Instagram - and not only suggested her wedding dress designer, Sarah Burton of Alexander McQueen, but also consulted on every sketch.

In 2018, Ms. Williams followed her sister, Venus, who had started her own fashion line in 2007, into clothing design (both attended design school at the Art Institute of Fort Lauderdale, though Serena didn't graduate) and in 2020 unveiled her S by Serena line at New York Fashion Week, a show that began with a fireside chat between Ms. Williams and Ms. Wintour.

The year before, she had been a host at the Met Gala, alongside Harry Styles, Lady Gaga and Alessandro Michele of Gucci, wearing Nikes with her Versace. The year after, she created the Serena Williams Design Crew at Nike to lower the barriers to entry for young designers of color with nontraditional backgrounds. She even walked a Paris Fashion Week runway last March, for the Off-White Virgil Abloh tribute show.

Before any of that, though, back in 2006, Chris Evert, a player who dominated women's tennis in the 1970s and '80s and who has since become chairperson of the U.S.T.A. Foundation and an activist for cancer research, wrote an " open letter " to Ms. Williams in Tennis magazine suggesting she had let such "distractions" take away from her tennis.

"I appreciate that becoming a well-rounded person is important to you," Ms. Evert wrote. "Still, a question lingers - do you ever consider your place in history? Is it something you care about?"

From the vantage point of now, it's an obsolescent query. Those "distractions" are in fact part of the bedrock of Ms. Williams's legacy. Not to mention a signal, perhaps, of what is to come.

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The game-changing tennis player used her clothes as a statement of self and a weapon of change. Send any friend a story As a subscriber, you have 10 gift articles to give each month. Anyone can read what you share. Read in app When Serena Williams steps out onto the hard courts of the U.S.

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PERIODICO REFORMA (Maria Jose Garcia Ortega)

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PERIODICO REFORMA (Maria Jose Garcia Ortega)

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Reforma es un periódico mexicano con sede en la Ciudad de México.
28 agosto 2022
Este articulo se añadio en la cuenta de instagram de reforma club https://www.instagram.com/reformaclub/?hl=es
https://www.reforma.com/aplicacioneslibre/preacceso/articulo/default.aspx?__rval=1&urlredirect=/mercedes-benz-fashion-week-mexico-llega-a-oaxaca/ar2460134

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Mercedes-Benz Fashion Week México llega a Oaxaca

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Por cuatro días el estado alberga la Mercedes-Benz Fashion Week México y muestra el talento nacional.

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Puma lanza una experiencia de realidad aumentada inspirada en el mundo de Dua Lipa

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Puma lanza una experiencia de realidad aumentada inspirada en el mundo de Dua Lipa

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Buenos Aires – A pocos días del lanzamiento en la región de “Flutur”, la colección desarrollada por la artista británica Dua Lipa y Puma, la firma de indumentaria deportiva anunció que acompañará las presentaciones de la cantante en Latinoamérica junto al lanzamiento de una experiencia de realidad aumentada.

Desde Puma señalaron, a través de un comunicado, que la novedosa experiencia estará disponible en unos días y allí se podrán ver elementos de la colección que hicieron junto a Dua Lipa como la mariposa, ícono de la colección Flutur; el logo de la marca, y distintos efectos con tonos metálicos, tonos vívidos y detalles holográficos. Además, la firma de origen alemán sorteará un full look entre aquellos que utilicen el filtro y lo compartan a través de las redes sociales.

“Queremos crear un mundo inspirado en la esencia de Dua Lipa pero mirando desde los ojos de Puma, donde los fans podrán explorar e interactuar mezclando el mundo digital con el físico. El espíritu atrevido de Puma nos empuja constantemente a liderar tendencias para conectar con nuestros fans. Esta vez, traemos innovación tecnológica de la mano de una de nuestras embajadoras más relevantes a nivel global”, dice Michelle Thomas, Regional Brand and Communications Leader.

https://fashionunited.es/noticias/moda/puma-lanza-una-experiencia-de-realidad-aumentada-inspirada-en-el-mundo-de-dua-lipa/2022083039337

https://fashionunited.es/noticias/moda

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Sede: Hermosillo, Sonora con diarios hermanos en Mexicali y Tijuana
Fecha de publicación: 28 de Agosto de 2022
Este artículo tiene relación tanto en otros periódicos como medios de noticias audiovisuales.

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Conoce a Noella McMaher, la modelo transgénero más joven del mundo

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Noella McMaher nació Chicago y participó en su primer desfile de moda cuando tenía 7 años. Su primer desfile fue la Semana de la Moda de Chicago.

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https://fashionnews.com.mx/editoriales-de-moda/jaime-ibiza-presenta-latinas/
Mayo 2022
DMaría Díaz Martínez
El artículo está también presente en diferentes redes sociales.  La revista es mexicana y tiene emisiones 2006

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https://fashionnews.com.mx/editoriales-de-moda/jaime-ibiza-presenta-latinas/

Mayo 2022
DMaría Díaz Martínez
El artículo está también presente en diferentes redes sociales.  La revista es mexicana y tiene emisiones 2006

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La reconocida firma de accesorios para mujeres, Jaime Ibiza, presenta una nueva colección llena de color, tendencia y estilo latino. Explorando modelos y colores vanguardistas, "Latinas" se convierte en uno de los lanzamientos más deseados de la temporada, reflejando un mindset colorido y optimista, en el cual los bolsos monocromáticos en fluorescentes tonalidades, exuberantes, conviven armoniosamente con las cadenas y el carey.

Esta primavera, el diseñador se inspira en las lati noamericanas, con su glamour atemporal y su estilo femenino, para presentarnos una nueva línea "Chocolor" (un clásico que ha roto todos los esquemas por la facilidad para combinarse y la elegante sutileza de sus diseños) para el verano, aportando una deliciosa referencia a la indulgencia propia que nos brinda el chocolate, en todas sus variedades.

Por último, un rush de más color en gamas pasteles se apodera de todas las miradas con los icónicos modelos de Nylon Sport, ideal para mujeres llenas de vida, que combinan una vida activa con su faceta profesional y familiar, quienes encuentran en estos accesorios, al cómplice perfecto para reflejar su estilo único y relajado, que cautiva naturalmente todas las miradas, en cualquier ocasión.

Jaime Ibiza, la firma que apuesta por el color, la tendencia vanguardista y los modelos que rompen el molde, para acompañar a la mujer latina, en todos sus momentos, actividades y estilos.

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Jaime Ibiza presenta... ¡LATINAS! - FN Fashion News

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UNA ODA A LA MUJER VIBRANTE DE LATINOAMERICA La reconocida firma de accesorios para mujeres, Jaime Ibiza, presenta una nueva colección llena de color, tendencia y estilo latino. Explorando modelos y colores vanguardistas, "Latinas" se convierte en uno de los lanzamientos más deseados de la temporada, reflejando un mindset colorido y optimista, en el cual [...]

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Fundada en Colombia en 2010
Artículo publicado el día 17 de Junio 2021

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Todos los días estamos conociendo y redescubriendo nuevos diseñadores que sin duda nos ayudan a crecer nuestro estilo y a evolucionarlo según como nos vayamos sintiendo. Estos nuevos personajes y sus marcas nos nos llenan de inspiración con propuestas innovadoras que sin duda son las que están moldeando al mundo de la moda y guiando a todxs lxs fashionistas en lo que próximamente estará on trend.

Estos jóvenes diseñadores se han apropiado la industria de la moda con su estilo y creatividad, y nosotros en E l Diario de la Moda no vemos la hora de ver lo próximo que tienen para nosotros ¡No les podemos quitar los ojos de encima!

Daniel Del Core

Hizo su debut la temporada pasada con su propia casa Del Core y nos ha dejado a todos con la boca abierta y con ganas de más. Presentó un show increíble (El único de manera presencial en Milán) que contó con un excelente manejo de la sastrería, que conocíamos desde que trabajaba en el area VIP de Gucci, unos increíbles vestidos de gala y piezas bastante fashion forward que enamoraron a toda la crítica italiana e internacional.

Minju Kim

La conocimos en el reality de diseño de Netflix Next in fashion, el cual gano con una colección inspirada en Frida Kahlo y desde ahí no hemos dejado de amarla. Su estilo es fascinante, nos presenta en sus prendas unas siluetas estructuradas y con mucho volumen, colores bellísimos y una redefinición de lo sensual sin revelar mucha piel. Esto último nos mantiene enamoradísimos de su ropa. Parte del trend de los oversized trousers de este año se lo queremos atribuir a ella, fue de las primeras veces que los vimos en diseñadores contemporáneos.

Steven Stokey-Daley

Este diseñador ingles de 24 años nos dejó la boca abierta cuando conocimos por medio del video musical Golden de Harry Styles (Solo dios sabe la cantidad de veces que hemos visto ese video). Su estética es todo lo que la generación Z y los Late-Millenials aman, Huge Trousers, juego de proporciones, estampados de ensueño y una excelente filosofía de sostenibilidad que hace a sus prendas aún más únicas y exclusivas.

Lo que conocimos en el video de Harry fue parte de su proyecto de grado, asi que no nos queda más que esperar que bellezas tiene para mostrarnos próximamente.

Adebayo Oke-Lawal

De los nombres más grandes de la moda nigeriana está este diseñador de ropa masculina que con su estética nos tiene volando. Teniendo varios problemas con su misma cultura, el ha sabido ganarse los corazones de lxs fashionistas con su apuesta por el gender-bending y la resignificación del menswear. Su marca Orange Culture se trata de eso y de llevar las vibras de Nigeria a través de colores, estampados y siluetas al lenguaje del streetwear asi convirtiéndolas en prendas globales y creativas.

Kika Vargas

Sin duda una de nuestras diseñadoras colombianas favoritas y finalista para el LVMH Prize 2021, un premio que se le otorga a los mejores nuevos diseñadores cada año. Las vibras de Kika son encantadoras y esta nominación está más que merecida. Ella juega con proporciones, colores y texturas en cada una de sus prendas, creando unas siluetas hiperfemeninas, pero a su vez alejadas del concepto "sensual" que tenemos en el trópico, haciéndolas la representación perfecta de la fashionista colombiana.

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Los diseñadores que no les debes quitar el ojo este 2021 - El Diario de la Moda

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Todos los días estamos conociendo y redescubriendo nuevos diseñadores que sin duda nos ayudan a crecer nuestro estilo y a evolucionarlo según como nos vayamos sintiendo. Estos nuevos personajes y sus marcas nos nos llenan de inspiración con propuestas innovadoras que sin duda son las que están moldeando al mundo de la moda y guiando a todxs lxs fashionistas en lo que próximamente estará on trend.

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El País es un periódico español fundado en 1976. Se redacta en español, aunque también publica contenidos en catalán, inglés y portugués.

Nota: ‘Preppy’ renovado: la tendencia de espíritu universitario que triunfa esta rentrée tanto en la calle como en TikTok - 24 de agosto del 2022

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‘Preppy’ renovado: la tendencia de espíritu universitario que triunfa esta rentrée tanto en la calle como en TikTok

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La nueva colección de PULL&BEAR, ‘Back to School’, reinventa el estilo de los ejemplares estudiantes de la Ivy League para este otoño, recuperando la cazadora Varsity que logró poner de acuerdo tanto a pijos como a los raperos más inconformistas de los noventa

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A partir del 10 de febrero de 1915 se publicó simultáneamente en Medellín y Bogotá, debido al pacto hecho entre Luis Cano y su padre, Fidel, en el que se acordó que Luis dirigiría la edición que se publicaría en Bogotá y su padre la que se publicaría en Medellín.

https://www.elespectador.com/cromos/moda/jeans-tendencias-de-los-anos-90-que-estan-de-vuelta/

Publicado el  23 jun. 2022
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Los jeans de los noventa son una gran tendencia de la temporada

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Los jeans de los años noventa son una de las tendencias más fuertes en estos momentos, estas son sus seis versiones.

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El País es un periódico español fundado en 1976. Se redacta en español, aunque también publica contenidos en catalán, inglés y portugués.

Nota: ‘Preppy’ renovado: la tendencia de espíritu universitario que triunfa esta rentrée tanto en la calle como en TikTok - 24 de agosto del 2022

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‘Preppy’ renovado: la tendencia de espíritu universitario que triunfa esta rentrée tanto en la calle como en TikTok

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La nueva colección de PULL&BEAR, ‘Back to School’, reinventa el estilo de los ejemplares estudiantes de la Ivy League para este otoño, recuperando la cazadora Varsity que logró poner de acuerdo tanto a pijos como a los raperos más inconformistas de los noventa

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Jaime Ibiza presenta… ¡LATINAS!

PorRubén Díaz
MAY 2, 2022

UNA ODA A LA MUJER VIBRANTE DE LATINOAMERICA

La reconocida firma de accesorios para mujeres, Jaime Ibiza, presenta una nueva colección llena de color, tendencia y estilo latino. Explorando modelos y colores vanguardistas, “Latinas” se convierte en uno de los lanzamientos más deseados de la temporada, reflejando un mindset colorido y optimista, en el cual los bolsos monocromáticos en fluorescentes tonalidades, exuberantes, conviven armoniosamente con las cadenas y el carey.

Esta primavera, el diseñador se inspira en las latinoamericanas, con su glamour atemporal y su estilo femenino, para presentarnos una nueva línea “Chocolor” (un clásico que ha roto todos los esquemas por la facilidad para combinarse y la elegante sutileza de sus diseños) para el verano, aportando una deliciosa referencia a la indulgencia propia que nos brinda el chocolate, en todas sus variedades.

Por último, un rush de más color en gamas pasteles se apodera de todas las miradas con los icónicos modelos de Nylon Sport, ideal para mujeres llenas de vida, que combinan una vida activa con su faceta profesional y familiar, quienes encuentran en estos accesorios, al cómplice perfecto para reflejar su estilo único y relajado, que cautiva naturalmente todas las miradas, en cualquier ocasión.

Jaime Ibiza, la firma que apuesta por el color, la tendencia vanguardista y los modelos que rompen el molde, para acompañar a la mujer latina, en todos sus momentos, actividades y estilos.

La nota también es visible en diversas redes sociales donde también está presente el periódico como fb, ig, y Twitter.

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Mayo 2022
UNA ODA A LA MUJER VIBRANTE DE LATINOAMERICA

La reconocida firma de accesorios para mujeres, Jaime Ibiza, presenta una nueva colección llena de color, tendencia y estilo latino. Explorando modelos y colores vanguardistas, “Latinas” se convierte en uno de los lanzamientos más deseados de la temporada, reflejando un mindset colorido y optimista, en el cual los bolsos monocromáticos en fluorescentes tonalidades, exuberantes, conviven armoniosamente con las cadenas y el carey.

Esta primavera, el diseñador se inspira en las latinoamericanas, con su glamour atemporal y su estilo femenino, para presentarnos una nueva línea “Chocolor” (un clásico que ha roto todos los esquemas por la facilidad para combinarse y la elegante sutileza de sus diseños) para el verano, aportando una deliciosa referencia a la indulgencia propia que nos brinda el chocolate, en todas sus variedades.

Por último, un rush de más color en gamas pasteles se apodera de todas las miradas con los icónicos modelos de Nylon Sport, ideal para mujeres llenas de vida, que combinan una vida activa con su faceta profesional y familiar, quienes encuentran en estos accesorios, al cómplice perfecto para reflejar su estilo único y relajado, que cautiva naturalmente todas las miradas, en cualquier ocasión.

Jaime Ibiza, la firma que apuesta por el color, la tendencia vanguardista y los modelos que rompen el molde, para acompañar a la mujer latina, en todos sus momentos, actividades y estilos.

DMaria Diaz Martínez

https://fashionnews.com.mx/editoriales-de-moda/jaime-ibiza-presenta-latinas/

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Mayo 2022

https://fashionnews.com.mx/editoriales-de-moda/jaime-ibiza-presenta-latinas/

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La reconocida firma de accesorios para mujeres, Jaime Ibiza, presenta una nueva colección llena de color, tendencia y estilo latino. Explorando modelos y colores vanguardistas, "Latinas" se convierte en uno de los lanzamientos más deseados de la temporada, reflejando un mindset colorido y optimista, en el cual los bolsos monocromáticos en fluorescentes tonalidades, exuberantes, conviven armoniosamente con las cadenas y el carey.

Esta primavera, el diseñador se inspira en las lati noamericanas, con su glamour atemporal y su estilo femenino, para presentarnos una nueva línea "Chocolor" (un clásico que ha roto todos los esquemas por la facilidad para combinarse y la elegante sutileza de sus diseños) para el verano, aportando una deliciosa referencia a la indulgencia propia que nos brinda el chocolate, en todas sus variedades.

Por último, un rush de más color en gamas pasteles se apodera de todas las miradas con los icónicos modelos de Nylon Sport, ideal para mujeres llenas de vida, que combinan una vida activa con su faceta profesional y familiar, quienes encuentran en estos accesorios, al cómplice perfecto para reflejar su estilo único y relajado, que cautiva naturalmente todas las miradas, en cualquier ocasión.

Jaime Ibiza, la firma que apuesta por el color, la tendencia vanguardista y los modelos que rompen el molde, para acompañar a la mujer latina, en todos sus momentos, actividades y estilos.

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Jaime Ibiza presenta... ¡LATINAS! - FN Fashion News

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UNA ODA A LA MUJER VIBRANTE DE LATINOAMERICA La reconocida firma de accesorios para mujeres, Jaime Ibiza, presenta una nueva colección llena de color, tendencia y estilo latino. Explorando modelos y colores vanguardistas, "Latinas" se convierte en uno de los lanzamientos más deseados de la temporada, reflejando un mindset colorido y optimista, en el cual [...]

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Fundada en Colombia en el año 2010
Artículo publicado el 17 de junio del 2021

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Todos los días estamos conociendo y redescubriendo nuevos diseñadores que sin duda nos ayudan a crecer nuestro estilo y a evolucionarlo según como nos vayamos sintiendo. Estos nuevos personajes y sus marcas nos nos llenan de inspiración con propuestas innovadoras que sin duda son las que están moldeando al mundo de la moda y guiando a todxs lxs fashionistas en lo que próximamente estará on trend.

Estos jóvenes diseñadores se han apropiado la industria de la moda con su estilo y creatividad, y nosotros en E l Diario de la Moda no vemos la hora de ver lo próximo que tienen para nosotros ¡No les podemos quitar los ojos de encima!

Daniel Del Core

Hizo su debut la temporada pasada con su propia casa Del Core y nos ha dejado a todos con la boca abierta y con ganas de más. Presentó un show increíble (El único de manera presencial en Milán) que contó con un excelente manejo de la sastrería, que conocíamos desde que trabajaba en el area VIP de Gucci, unos increíbles vestidos de gala y piezas bastante fashion forward que enamoraron a toda la crítica italiana e internacional.

Minju Kim

La conocimos en el reality de diseño de Netflix Next in fashion, el cual gano con una colección inspirada en Frida Kahlo y desde ahí no hemos dejado de amarla. Su estilo es fascinante, nos presenta en sus prendas unas siluetas estructuradas y con mucho volumen, colores bellísimos y una redefinición de lo sensual sin revelar mucha piel. Esto último nos mantiene enamoradísimos de su ropa. Parte del trend de los oversized trousers de este año se lo queremos atribuir a ella, fue de las primeras veces que los vimos en diseñadores contemporáneos.

Steven Stokey-Daley

Este diseñador ingles de 24 años nos dejó la boca abierta cuando conocimos por medio del video musical Golden de Harry Styles (Solo dios sabe la cantidad de veces que hemos visto ese video). Su estética es todo lo que la generación Z y los Late-Millenials aman, Huge Trousers, juego de proporciones, estampados de ensueño y una excelente filosofía de sostenibilidad que hace a sus prendas aún más únicas y exclusivas.

Lo que conocimos en el video de Harry fue parte de su proyecto de grado, asi que no nos queda más que esperar que bellezas tiene para mostrarnos próximamente.

Adebayo Oke-Lawal

De los nombres más grandes de la moda nigeriana está este diseñador de ropa masculina que con su estética nos tiene volando. Teniendo varios problemas con su misma cultura, el ha sabido ganarse los corazones de lxs fashionistas con su apuesta por el gender-bending y la resignificación del menswear. Su marca Orange Culture se trata de eso y de llevar las vibras de Nigeria a través de colores, estampados y siluetas al lenguaje del streetwear asi convirtiéndolas en prendas globales y creativas.

Kika Vargas

Sin duda una de nuestras diseñadoras colombianas favoritas y finalista para el LVMH Prize 2021, un premio que se le otorga a los mejores nuevos diseñadores cada año. Las vibras de Kika son encantadoras y esta nominación está más que merecida. Ella juega con proporciones, colores y texturas en cada una de sus prendas, creando unas siluetas hiperfemeninas, pero a su vez alejadas del concepto "sensual" que tenemos en el trópico, haciéndolas la representación perfecta de la fashionista colombiana.

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Los diseñadores que no les debes quitar el ojo este 2021 - El Diario de la Moda

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Todos los días estamos conociendo y redescubriendo nuevos diseñadores que sin duda nos ayudan a crecer nuestro estilo y a evolucionarlo según como nos vayamos sintiendo. Estos nuevos personajes y sus marcas nos nos llenan de inspiración con propuestas innovadoras que sin duda son las que están moldeando al mundo de la moda y guiando a todxs lxs fashionistas en lo que próximamente estará on trend.

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Fundada en Colombia el año de 2010
Artículo publicado el 17 de Junio del 2021

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Todos los días estamos conociendo y redescubriendo nuevos diseñadores que sin duda nos ayudan a crecer nuestro estilo y a evolucionarlo según como nos vayamos sintiendo. Estos nuevos personajes y sus marcas nos nos llenan de inspiración con propuestas innovadoras que sin duda son las que están moldeando al mundo de la moda y guiando a todxs lxs fashionistas en lo que próximamente estará on trend.

Estos jóvenes diseñadores se han apropiado la industria de la moda con su estilo y creatividad, y nosotros en E l Diario de la Moda no vemos la hora de ver lo próximo que tienen para nosotros ¡No les podemos quitar los ojos de encima!

Daniel Del Core

Hizo su debut la temporada pasada con su propia casa Del Core y nos ha dejado a todos con la boca abierta y con ganas de más. Presentó un show increíble (El único de manera presencial en Milán) que contó con un excelente manejo de la sastrería, que conocíamos desde que trabajaba en el area VIP de Gucci, unos increíbles vestidos de gala y piezas bastante fashion forward que enamoraron a toda la crítica italiana e internacional.

Minju Kim

La conocimos en el reality de diseño de Netflix Next in fashion, el cual gano con una colección inspirada en Frida Kahlo y desde ahí no hemos dejado de amarla. Su estilo es fascinante, nos presenta en sus prendas unas siluetas estructuradas y con mucho volumen, colores bellísimos y una redefinición de lo sensual sin revelar mucha piel. Esto último nos mantiene enamoradísimos de su ropa. Parte del trend de los oversized trousers de este año se lo queremos atribuir a ella, fue de las primeras veces que los vimos en diseñadores contemporáneos.

Steven Stokey-Daley

Este diseñador ingles de 24 años nos dejó la boca abierta cuando conocimos por medio del video musical Golden de Harry Styles (Solo dios sabe la cantidad de veces que hemos visto ese video). Su estética es todo lo que la generación Z y los Late-Millenials aman, Huge Trousers, juego de proporciones, estampados de ensueño y una excelente filosofía de sostenibilidad que hace a sus prendas aún más únicas y exclusivas.

Lo que conocimos en el video de Harry fue parte de su proyecto de grado, asi que no nos queda más que esperar que bellezas tiene para mostrarnos próximamente.

Adebayo Oke-Lawal

De los nombres más grandes de la moda nigeriana está este diseñador de ropa masculina que con su estética nos tiene volando. Teniendo varios problemas con su misma cultura, el ha sabido ganarse los corazones de lxs fashionistas con su apuesta por el gender-bending y la resignificación del menswear. Su marca Orange Culture se trata de eso y de llevar las vibras de Nigeria a través de colores, estampados y siluetas al lenguaje del streetwear asi convirtiéndolas en prendas globales y creativas.

Kika Vargas

Sin duda una de nuestras diseñadoras colombianas favoritas y finalista para el LVMH Prize 2021, un premio que se le otorga a los mejores nuevos diseñadores cada año. Las vibras de Kika son encantadoras y esta nominación está más que merecida. Ella juega con proporciones, colores y texturas en cada una de sus prendas, creando unas siluetas hiperfemeninas, pero a su vez alejadas del concepto "sensual" que tenemos en el trópico, haciéndolas la representación perfecta de la fashionista colombiana.

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Los diseñadores que no les debes quitar el ojo este 2021 - El Diario de la Moda

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Todos los días estamos conociendo y redescubriendo nuevos diseñadores que sin duda nos ayudan a crecer nuestro estilo y a evolucionarlo según como nos vayamos sintiendo. Estos nuevos personajes y sus marcas nos nos llenan de inspiración con propuestas innovadoras que sin duda son las que están moldeando al mundo de la moda y guiando a todxs lxs fashionistas en lo que próximamente estará on trend.

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Mientras continúan sin cesar los rumores que apuntan a una posible e inminente compra de Electronic Arts (EA) por parte de Amazon, rumores que por el momento no han pasado de ahí, hoy nos detenemos a prestar una especial atención sobre una de las principales franquicias de la multinacional estadounidense de los videojuegos, responsable de títulos tan sobradamente conocidos como FIFA, Battlefield o Los Sims. Serie esta que convertimos en la protagonista de estas líneas, a tenor de la asociación que sus desarrolladores han establecido con la plataforma multinacional de compraventa de prendas de segunda mano Depop, portal activo ya en distintos mercados del mundo como los de los Estados Unidos, Australia, Alemania, Francia, Reino Unido e Italia.

Fundada en el año 2022 por el británico Simon Beckerman como una red social desde la que los lectores de su revista de tendencias y música, PIG magazine, podían descubrir los artículos de las diferentes marcas, consolidadas y emergentes, que aparecían mes a mes en la publicación, Depop ha venido desde entonces escalando posiciones dentro de las nuevas generaciones de consumidores en moda, para destaparse como una de las principales plataformas internacionales para la compraventa de prendas de segunda mano. Un papel en el que Depop se veía reforzada, primero tras su primer relanzamiento como una plataforma de reventa con todas sus garantías, y más tarde tras su adquisición, el pasado mes de junio de 2021, por la estadounidense Etsy, a cambio de la friolera cifra de 1.600 millones de dólares. Una cantidad que respondería a ese elevado valor que la plataforma ha logrado alcanzar como punto de encuentro de moda y tendencias entre las nuevas generaciones, en una posición como portal de referencia a la que ahora ha terminado por encumbrarla la serie de videojuegos de Los Sims, como parte de la asociación que han firmado con motivo del lanzamiento de la última actualización de la saga, "Los Sims 4: Años High School".

Photo Credits: Los Sims 4: Años High School (Pack de Expansión).

La segunda mano como expresión de la moda entre las nuevas generaciones

Respondiendo a un mismo tiempo al destacado papel que la moda siempre ha ocupado dentro de la franquicia, como bien demuestran las distintas colaboraciones -tanto físicas como virtuales- que a lo largo de estos años han firmado con Los Sims diseñadores y marcas de la talla de Gucci, Stefan Cooke, Moschino, Diesel o H&M, como parte de una colaboración de carácter disruptivo, y nunca visto hasta ahora dentro del universo de Los Sims, la oferta en moda del videojuego se verá ampliada con este nuevo pack de ampliación, con la incorporación de modelos originales diseñados por destacados miembros de la comunidad de Depop.

Como reflejo precisamente de las conductas de esos años de juventud y de adolescencia a los que trata de abrirse el juego con las nuevas experiencias virtuales que ofrecerá a sus jugadores desde su ampliación "Años High School", la asociación con Depop se nos presenta como una acción con la que, tanto el videojuego como la plataforma, tratan al unísono tanto de visibilizar, como promover y consolidar la moda de segunda mano. Una práctica asentada sobre una conducta de comprar y vender que se encontraría cada vez más arraigada entre las nuevas generaciones, como respuesta a unas conductas de las que el universo de Los Sims aspiran a dar buena cuenta con esta nueva ampliación. Un fin para el que se permitirá a los jugadores adquirir los diseños creados especialmente por Jeremy Salazar, Sha'an D'Anthes, Lapoze McTribouy, Selena Williams y Bella McFadden, miembros destacados y activos de la comunidad Depop, que además, y sin salir del propio videojuego, podrán vender a cambio de "Simoleones" -la moneda del universo Sims-, o promocionar dentro de la aplicación "Trendi" de Los Sims. Una red social creada dentro del propio videojuego, desde la que se ofrece a los jugadores la experiencia de llegar a incluso a ser un "Simfluencer", como reflejo nuevamente de esos cambios de hábitos y aspiracionales que se están sucediendo entre las generaciones más jóvenes.

Photo Credits: Anterior colaboración de Moschino con Los Sims 4.

"La moda es la máxima forma de expresión personal y siempre ha sido una parte importante de Los Sims", entran a destacar desde la propia EA. De este modo, y "como parte de Los Sims 4 Años High School Pack de Expansión", añaden, "las opciones de moda Sim van a aumentar todavía más gracias a una colaboración con Depop, la aplicación circular de compraventa de productos de moda a la que las nuevas generaciones acuden para descubrir artículos únicos".

Una colaboración que en este caso se traducirá en que desde TutiTé, la tienda "local de artículos de segunda mano y trajes de boba del juego, podréis descubrir prendas diseñadas por Jeremy Salazar, Sha'an D'Anthes, Lapoze McTribouy, Selena Williams y Bella McFadden, que venden en Depop en la vida real", así como, detallan desde la multinacional de los videojuegos, "ganar simoleones vendiendo atuendos que podréis presentar y promocionar en Trendi, la nueva aplicación del juego, y de paso, convertiros en Simfluencers".

Photo Credits: Los Sims 4: Años High School (Pack de Expansión).

¿Hacia un nuevo metaverso?

Más allá de los detalles que entraña la colaboración en materia de jugabilidad y de experiencias que pasan de este modo a quedar al alcance de la mano de sus jugadores, son especialmente reseñables dos aspectos que, de manera más solapada, podrían desprenderse de esta última colaboración del juego en materia de moda.

De ellas, la primera y más directa sería esa consagración entre las nuevas generaciones de la cultura de la moda de la segunda mano que viene a manifestar el que una plataforma como Depop aterrice en el universo de Los Sims; más aún bajo el paraguas de un pack de expansión especialmente orientado a recrear los años de adolescencia y de bachillerato, unas edades en las que cobra un especial valor la moda como ese vehículo de expresión que es. Mientras que seguidamente tampoco se nos termina de pasar por alto lo que podría ser ya la antesala de una próxima e inminente activación de las compras online, puede que tanto virtuales como físicas, desde dentro del universo de Los Sims.

Tanto por sus prestaciones gráficas como por el éxito que acumula entre su alto número de usuarios, a este respecto el videojuego no hay duda alguna que cuenta con todas las ventajas posibles para poder evolucionar y convertirse en una de las más destacadas galaxias, sino la que más, de este actual metaverso todavía en construcción. Un proyecto para el que, imitando además en muchas ocasiones opciones del propio videojuego, parecen haberse atrevido a tratar de ganarle la partida universos virtuales de más reciente creación como los de Decentreland, tierras virtuales sobre las que se sucedieron las celebraciones de la primera edición de la Metaverse Fashion Week, o el de Roblox. Metaverso virtual en el que, de un modo u otro, ya han aterrizado firmas y cadenas de moda tan conocidas como Nike, Ralph Lauren, Tommy Hilfiger, Forever21, Gucci o Burberry.

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