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Museo en Amsterdam, Países Bajos. Visita virtual 24/08/22.

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Considerado el Museo Nacional de los Países Bajos. Fundado en 1798 abre sus puertas bajo el nombre de Galería de Arte Nacional. En 1885 se termina la construcción de la estructura en la cual el museo esta hoy en día y desde entonces se mantiene. La colección del museo comprende de aproximadamente 1 millón de obras, de las cuales aproximadamente 8000 están en exposición. Tiene una de las colecciones más grandes de arte de la Edad dorada Holandesa.

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Se observa que el museo se estructura de cierta manera como una Iglesia, es como un pasillo con diversas "Naves" que contienen las diversas obras expuestas. Se mantiene cierta simetría en la estructura y se tiene un techo abovedad al parecer con diversas cúpulas.

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En el piso 0 del museo encontramos una parte de la exposición Asiática del museo. Ademas, la estructura interna del edificio es diferente a lo encontrado en el piso 2. Ademas, esto permite considerar un aspecto histórico de los Países Bajos, estos eran grandes navegantes y desde el siglo XVII estuvieron presentes en diversos países Asiáticos.

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Rembrandt, 1662, Oleo en Lienzo, 191.5 cm x 279cm. Esta obra de Rembrandt es conocida como uno de sus últimos retratos colectivos, un estilo de pintura significativo en el estilo del artista. Otra pintura de un retrato colectivo reconocida es Lecciones de Anatomía en el Museo Mauristshuis. Sobre la obra se pueden analizar diversos aspectos. Primero la linea permite que en el espacio se perciba cierta profundidad dadas las lineas que hay en la parte superior que dividen la pared con la estructura de madera. Después, se puede comentar el uso del color, se observa cómo la mayoría de colores por fuera de los hombres son cálidos, mientras estos todos están vestidos de negro con cuellos blancos. El uso de estos dos colores da cierta perspectiva de balance y ademas permite identificar hegemonía entre los hombres por sus prendas. Esto ademas puede simbolizar que por mas que hayan unos hombres en los cuales la mirada se enfoque, todos están en igualdad de condiciones y son igualmente importantes. Esta misma idea puede apoyar el concepto de balance y armonía, por mas de que los hombres no estén todos sentados en fila y con posiciones similares, hay cierto sentimiento de balance dado que estos están ubicados todos detrás de la mesa y al dividir la obra a la mitad uno encuentra 3 hombres a cada lado. Por otro lado, se discute la unidad de la obra, se siente que los 6 hombres están reunidos con un propósito, esto puede pensarse por la hegemonía de sus prendas y el enfoque que existe hacia el libro ubicado en el centro de la obra. Sin embargo se siente que todos los elementos en la obra trabajan en conjunto para que exista una unidad en esta.

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Jan Steen, 1665-1668, Oleo en Lienzo, 82x70.5 cm.

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Jan Steen, 1668, Oleo en Lienzo, 110.5x141cm

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Exposición Archivo Ramirez Villamizar, Universidad de los andes, Bogotá, Visita Presencial 26/08/22

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Exposición disponible en el edificio RGD de la Universidad de Los Andes en Bogota. Eduardo Ramirez Villamizar fue un pintor y escultor colombiano nacido en 1922. Es reconocido por su incursión en el arte abstracto y minimalista en Colombia. Es de los artistas mas reconocidos en Colombia, vivió en Paris y en Nueva York donde recibió diversas influencias a su obra artística.

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Es una exposición curada muy inteligentemente de manera cronológica, en la cual se explora la obra del artista y como esta evoluciono a partir de sus experiencias y vivencias, mostrando un desarrollo de este en cuanto a nivel artístico. Esto lleva a reflexionar cómo las vivencias de este afectaron su perspectiva del arte y las técnicas las cuales usaba. Por otro lado, entre las obras se encontraba diverso contenido de archivo que permitía comprender el contexto del artista y como este podía afectarlo o influirlo.

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Metal Pintado y Madera, 1964. Esta es una de las obras mas reconocidas de Ramirez Villamizar y el hecho de que sea una foto permite explorar más elementos. Primero, el color blanco de la escultura permite que esta contraste con el fondo de la foto, ademas se puede considerar que es algo fuera de lugar en el desierto donde se toma la imagen. Se piensa que irrumpe con el lugar y da la sensación que fuera algo extraterrestre o referente al espacio. Después de esto, se puede considerar el espacio ene el que se presenta la foto, puede pensarse que el desierto parece un paisaje poco natural o extraterrestial, se piensa que podría llegar a asemejarse a la luna dado el paisaje.  Ademas, dada la ubicación de la obra, esta parece ser mucho mas grande de lo que realmente es, parece ser obras de metros de grande cuando en verdad puede ser de 50-70 centímetros, esto lleva que la perspectiva de la audiencia se distorsione por el espacio en el que se ubica la obra. También, puede considerarse el contexto de la obra, esta en plena carrera espacial y lleva a considerar que Ramirez Villamizar quiere hacer referencia a esa situación histórica con su obra. Otro aspecto que puede considerarse es la Linea. Se observa que la obra consiste en una serie de lineas Rectas, sin embargo no se siente del todo geométrico dado que varias de estas lineas son diagonales y empiezan a juntarse y crear caras que no son del todo cuadradas o que no dan la sensación de ser planas. Ademas, se puede hablar sobre el énfasis de esta obra, dado el tamaño de la parte superior se puede considerar que quien la observe puede enfocarse en este punto y llegar a considerar la forma de esta y que representa, tal como puede considerarse como una nave espacial.

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Me resultaron interesantes las múltiples obras de Ramirez Villamizar sobre los caracoles y su forma, todas acercándose al final de su obra, acá presento algunas.

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Museo en Paris, Francia. Visita virtual 31/08/22.

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Museo construido en una antigua estación de tren, abrió sus puertas en 1986. tiene una gran colección de arte francés y arte impresionista y post impresionista. Es uno de los museos más grandes de Europa.

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El museo como se menciono se ubica en una antigua estación de tren. La edificación es sorprendente y atractiva, resulta interesante ver como organizan la exposición a partir de la disposición del espacio.

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Paul Gaugin, Oleo en lienzo, 1892, 75x93 cm. Esta obra de Paul Gaugin presenta una escena con un perro naranja en la escena inferior izquierda, dos humanos en el centroderecha y tres figuras humanas mas en la parte superior derecha. Esta obra resulta muy interesante dado que puede representar las vivencias de Gaugin mientras vivía en Tahiti y diferentes islas de la Polinesia Francesa. Los colores que usa son predominantemente cálidos, esto da la sensación de calidez del ambiente, como si en Tahiti estuviera haciendo calor, lo cual es lógico. Sin embargo esto se contrasta con los colores mas fríos de la ropa de las mujeres, lo cual da una sensación de que estas están frescas. Por otro lado, se observa que las formas que realizan Gaugin son Organicas pero delimitadas, esto se conecta con el uso de la linea, la cual sirve para delimitar diversas formas y cuerpos. En cuanto a la composición, se observa como la serie de elementos estan organizados de tal manera que uno vaya enfocando su mirada en orden, primero el perro naranja que se siente que esta al frente, continuando con las dos mujeres que están sentadas y finalizando con las tres mujeres atrás, lo que igualmente da sentido de subordinación.

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Le Déjeuner sur l'herbe, Edouard Manet, 1863, Oleo sobre lienzo, 208x264.5 cm

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Vicent van Gogh, 1889-1890, Oleo sobre lienzo, 73x91cm

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Museo en Bogota, Colombia. Visita presencial 02/09/22.

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Museo ubicado en el centro de Bogotá que contiene la colección de arte del Banco de la Republica.

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Fuimos recibidos por arte Colombiano del siglo XIX, para mi fue sorprendente ver estas obras antiguas Colombianas, dado que uno conocía arte de esta época de esta región dado que no sabia que en ese momento histórico hubieran colombianos que se dedicaran al arte. Después de escuchar la historia sobre como se fundo la academia de bellas artes y como esto causo el crecimiento del arte en Colombia comprendí el origen del arte colombiano en el siglo XIX.

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Alejandro Obregón, 1947, Oleo sobre Tela, 100x110cm. Esta obra presenta una mesa completamente distorsionada. El Primer elemento a considerar es la Linea, se evidencia que la linea es la que le da el sentido de distorsión. Las lineas diagonales que forman esa pata de la mesa que va desde el centro de la obra hasta la parte inferior central dan la perspectiva de que la para protue de la mesa y que va desde la esquina mas alejada hacia la esquina más cercana. Es una pata con lineas rectas que dan esta impresión de perspectiva. Analizando las otras patas, se puede considerar que tanto la pata en el costado derecho como la pata en el costado izquierdo aparentan ser patas tradicionales de una mesa dado que aparentan estar rectas y apoyadas en la base. La para que se observa levantada en la parte superior derecha da la perspectiva que se queda corta para apoyar la mesa y ademas con las lineas curveadas da la impresión de que esta achatada o recortada. Esto de igual manera causa que en la obra no se sienta armonía, se siente que los objetos en la mesa están en eterno estado de caída, esto se ve apoyado con el mantel que esta en el lado derecho, dado que este parece que se esta resbalando, al igual que el cajón o la caja al costado superior izquierdo, el cual parece ya estar mas de la mitad por fuera de la mesa y sigue "sobre" ella de milagro. Obregón usa otra gran herramienta para dar este sentido de perspectiva o de profundidad y desorden entre las patas de la mesa y es a partir de la luz y sombras. Se observa que la pata que esta elevada y la pata que aparenta estar detrás son mas oscuras y parecen tener menos luz y estar mas sombreada, mientras que las patas que parecen estar más cercana a la audiencia están más iluminadas y reciben mayor luz. Finalmente, un elemento que no se logra descifrar del todo es el girasol que se presenta en la esquina inferior izquierda, este resulta misterioso dado que podria ser algo que se cayo de la mesa o podria tener algún otro significado o pudo haber sido incluido como un elemento mas pacifico dentro de la obra frente a todos los elementos caóticos que se presentan en la mesa. Esto en cierta medida queda abierto a la interpretación de cada quien.

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De la serie "Haystack" No.4 after Monet, Vik Muniz, 2001, Fotografia Cibachrome.

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Ca. 1898, Jesus Maria Zamora, Oleo sobre Tela.

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Sala de Arte en el Edificio Atrio en Bogota, Colombia. Visita presencial 07/09/22.

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Resulta interesante ver que un banco tenga tal colección de arte, sin embargo recuerda que el negocio del arte mas allá de ser una expresión termina siendo para algunos un medio de riqueza. Es interesante ver como se amaso tal colección con tantas obras interesantes y es aun mas interesante que una institución privada tenga la disposición de compartir esta colección con el publico.

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Sofia Urrutia, S.XX, Oleo sobre tela. Esta obra de la artista colombiana Sofia Urrutia fue quizás mi preferida en toda la sala de arte. De esta me interesa primero la construcción del espacio, se observa que es una plaza central de alguna ciudad/pueblo colombiano, se observa la iglesia junto a dos casas pintorescas con techo de teja y ademas un conjunto de carpas en donde se presentan los diversos mercaderes. El uso de la linea permite la creación de este espacio, la linea ayuda a crear un tipo de limite entre toda la situacion que esta transcurriendo en la plaza de mercado y el cielo y ayuda a que se haga enfoque en la plaza de mercado. Las dos carpas que nacen desde los costados y que llegan a la puerta de la iglesia consisten de lineas diagonales que causan perspectiva y causa el efecto de profundidad, conllevando que se sienta que la mesa azul esta lo mas adelante posible mientras que todo va alejándose hasta tener la iglesia al fondo. Por otro lado, al discutir sobre el color, se puede hablar sobre la abundancia de colores que presenta Urrutia, hay una mezcla de colores cálidos y fríos sin embargo todos son saturados y esto da cierta sensación de calidez, ademas, el color del piso, un tono naranja de un nivel bajo, el cual abunda en toda obra. Otro aspecto a mencionar es el balance de la obra, este es asimétrico sin embargo se siente armonía a lo largo de la obra, teniendo un balance entre las filas de entrada a la iglesia, las carpas a los costados o el puesto de ventas que se ve y balancea junto a la estación de toma de fotos con el caballo, esto le da cierta sensación idílica, de que se retrata una situación común y corriente en Colombia, aunque se sienta cierta magia.

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Los Girasoles, Fernando Botero, 1963, Oleo sobre tela.

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Saturnino Ramirez, 1981, Pastel sobre papel.

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Situado en Ciudad de México, Mexico, visita virtual 09/09/22

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También conocida como la casa azul, comprende gran parte de la vida y obra de la artista mexicana Frida Kahlo y su esposo Diego Rivera, ellos vivieron en esta casa y después de su deceso fue que esta se convirtió en una casa museo.

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La visita nos recibe con un conjunto de vestidos, los cuales pertenecieron a la reconocida artista mexicana, nos da un indicio de lo que veremos en el museo, siendo este dedicado a la vida y obra de la artista.

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Frida Kahlo, 1954, Oleo sobre masonite, 52 x 72 cm. Esta es la ultima obra conocida de Frida Kahlo, presenta una naturaleza muerta compuesta de diversas sandias en diversos cortes y en la sandia presente en la parte inferior se tiene escrito "VIVA LA VIDA, Frida Kahlo, Coyoacán 1954 - Mexico". Esta obra resulta interesante dado su estilo, es una naturaleza muerta, dado que presenta elementos naturales, tal como lo son las sandias en una "imagen" estática, deteniendo el tiempo. Es curioso observar como Kahlo retomo este estilo en esta obra, dado que es mas reconocido por su uso en años anteriores, por artistas como Paul Cezanne. En esta obra se puede resaltar el uso de colores calidos, tal como el rojo, esto se contrasta con el fondo azul, un color mas frio, resaltando el rojo de las sandias. Por otro lado, se observa que la naturaleza muerta presenta cierto equilibrio y balance en la distribución de sus elementos y mantienen entre ellos una unidad.

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Retrato a mi pradre Wilhelm Kahlo, Frida Kahlo, 1952, oleo en masonite, 61x47 cm.

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Diego Rivera, 1914, Oleo en Tela.