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Pierre-Auguste Renoir dit Auguste Renoir, né à Limoges ( Haute-Vienne) le et mort au domaine des Collettes à Cagnes-sur-Mer le , est l'un des plus célèbres peintres français.

Membre à part entière du groupe impressionniste, il évolue dans les années 1880 vers un style plus réaliste sous l'influence de Raphaël. Il a été peintre de nus, de portraits, paysages, marines, natures mortes et scènes de genre. Il a aussi été pastelliste, graveur, lithographe, sculpteur et dessinateur.

Peintre figuratif plus intéressé par la peinture de portraits et de nus féminins que par celle des paysages, il a élaboré une façon de peindre originale, qui transcende ses premières influences ( Fragonard, Courbet, Monet, puis la fresque italienne).

Pendant environ soixante ans, le peintre estime avoir réalisé à peu près quatre mille tableaux,.

Pierre-Auguste Renoir, dit Auguste Renoir, est né à Limoges, au 71 de l'actuel boulevard Gambetta, ancien boulevard Sainte-Catherine, le . Il est le sixième de sept enfants, issu d'une famille ouvrière. Son père, Léonard Renoir ( 1799- 1874) est tailleur, sa mère, Marguerite Merlet ( 1807- 1896) est couturière. La famille vit alors assez pauvrement. En 1844, la famille Renoir quitte Limoges pour Paris, où le père espère améliorer sa situation. Ils s'installent au 16 rue de la Bibliothèque mais doivent déménager en 1855 au 23 rue d'Argenteuil. Pierre-Auguste y suit sa scolarité.

À l'âge de 13 ans, il entre comme apprenti à l'atelier de porcelaine Lévy Frères & Compagnie pour y faire la décoration des pièces. Dans le même temps, il fréquente les cours du soir de l'École de dessin et d'arts décoratifs jusqu'en 1862. À cette période, il suit des cours de musique avec Charles Gounod qui remarque cet élève intelligent et doué.

En 1858 à l'âge de 17 ans, pour gagner sa vie, il peint des éventails et colorie des armoiries pour son frère Henri, graveur en héraldique. En 1862, Renoir réussit le concours d'entrée à l' École des beaux-arts de Paris et entre dans l'atelier de Charles Gleyre, où il rencontre Claude Monet, Frédéric Bazille et Alfred Sisley. Une solide amitié se noue entre les quatre jeunes gens qui vont souvent peindre en plein air dans la forêt de Fontainebleau.

Ses relations avec Gleyre finissent par se déteriorer peu à peu et lorsque ce dernier prend sa retraite en 1864, Renoir quitte les Beaux-Arts. Cependant, alors que la première œuvre qu'il expose au salon ( l'Esméralda 1864) connaît un véritable succès, après l'exposition, il la détruit. Les œuvres de cette période sont marquées par l'influence d' Ingres et de Dehodencq dans les portraits, de Gustave Courbet (particulièrement dans les natures mortes), mais aussi d' Eugène Delacroix, à qui il emprunte certains thèmes (les femmes orientales, par exemple). En 1865, sont acceptés par le Salon : Portrait de William Sisley et Soirée d'été, une toile considérée comme perdue ,. Un modèle important à cette époque pour lui est sa maîtresse Lise Tréhot : elle a posé pour le tableau Lise à l'ombrelle ( 1867), qui, exposé au salon de 1868, a suscité les commentaires élogieux d'un jeune critique, nommé Émile Zola. Mais en général, les critiques sont plutôt mauvaises, et de nombreuses caricatures paraissent dans la presse, telles celles de Bertall.

Deux enfants sont nés de sa liaison avec Lise Tréhot (1848-1922) : Pierre né à Ville-d'Avray, le , mort en nourrice le 5 octobre suivant à Champeau-en-Morvan, et Jeanne Marguerite, née à Paris le et morte le , inhumée à Sainte-Marguerite-de-Carrouges.

Le séjour que Renoir fait avec Monet à la Grenouillère (établissement de bains sur l'île de Croissy-sur-Seine, lieu très populaire et un peu " canaille " selon les guides de l'époque) est décisif dans sa carrière. Il peint véritablement en plein-air, ce qui change sa palette, et fragmente sa touche (moins que Monet qui va plus loin dans ce domaine).

Il apprend à rendre les effets de la lumière, et à ne plus utiliser le noir pour les ombres. Dès lors, commence la période impressionniste de Renoir. Monet préfère peindre les paysages, et Renoir préfère peindre les personnages. Pour les mêmes scènes de La Grenouillère, Renoir adopte un point de vue plus rapproché qui lui permet de donner une plus grande importance aux figures. Pendant la guerre franco-prussienne de 1870-1871, Renoir est mobilisé et affecté à la cavalerie à Bordeaux puis à Tarbes. Tombé gravement malade, il est hospitalisé à Bordeaux avant d'être démobilisé en mars 1871 et de rentrer à Paris où il apprend la mort de Frédéric Bazille. En mars 1872, Renoir rencontre le marchand d'art Paul Durand-Ruel. En septembre 1873, il quitte son studio de la rue Notre-Dame-des-Champs pour un atelier plus grand rue Saint-Georges. En 1876, il loue un modeste atelier au 12 rue Cortot (devenu en 1960 musée de Montmartre).

Il expose avec les Impressionnistes dès la Première exposition des peintres impressionnistes 1874 et celle de 1878 et réalise son chef-d'œuvre : le Bal du moulin de la Galette, à Montmartre, en 1877. Le tableau est acheté par Gustave Caillebotte, membre et mécène du groupe. Cette toile ambitieuse (par son format d'abord, 1,30 m × 1,70 m) est caractéristique du style et des recherches de l'artiste durant la décennie 1870 : touche fluide et colorée, ombres colorées, non-usage du noir, effets de textures, jeu de lumière qui filtre à travers les feuillages, les nuages, goût pour les scènes de la vie populaire parisienne, pour des modèles de son entourage (des amis, des gens de la " bohème " de Montmartre). Pour les nus, il fait d'abord appel à des modèles professionnels puis à des jeunes femmes qu'il rencontre parfois dans la rue et qu'il paye en leur offrant le portrait, des fleurs ou des chapeaux à la mode.

Autour de 1880, Renoir est en pleine misère : il n'arrive pas à vendre ses tableaux et la critique est souvent mauvaise ; il décide de ne plus exposer avec ses amis impressionnistes mais de revenir au Salon officiel, seule voie possible vers le succès. Il n'expose d'abord qu'une seule toile au Salon de 1878 intitulée Le Café. De fait, grâce à des commandes de portraits prestigieux - comme celui de Madame Charpentier et ses enfants en 1878 - il se fait connaître et obtient de plus en plus de commandes. Son art devient plus affirmé, il recherche davantage les effets de lignes, les contrastes marqués, les contours soulignés, comme dans le fameux Déjeuner des canotiers peint de 1880 à 1881, même si le thème reste proche de ses œuvres de la décennie 1870. On peut apercevoir dans ce tableau son nouveau modèle, Aline Charigot, sa maîtresse qui devient sa femme en 1890, et qui lui donne trois autres enfants, après Pierre et Jeanne nés de Lise Tréhot, Pierre Renoir (acteur), Jean Renoir, le cinéaste, et Claude Renoir dit " Coco " (céramiste). Les trois danses (, Musée des beaux-arts de Boston ; Danse à la ville et Danse à la campagne, Musée d'Orsay, vers 1883) témoignent aussi de cette évolution.

C'est en 1880 que le peintre Frédérique Heyne met au monde une fille, Lucienne Marie, dont elle attribuera la paternité à Auguste Renoir. Cette dernière sera également peintre sous le nom de Lucienne Bisson.

Entre 1881 et 1883, Renoir effectue de nombreux voyages qui le mènent dans le sud de la France (à l'Estaque, où il rend visite à Paul Cézanne), en Afrique du Nord où il réalise de nombreux paysages, et en Italie. C'est là-bas que se cristallise l'évolution amorcée dès 1880. Au contact surtout des œuvres de Raphaël, (les Stanze du Vatican), Renoir sent qu'il est arrivé au bout de l'impressionnisme, qu'il est dans une impasse, désormais il veut faire un art plus intemporel, et plus " sérieux " ; il a l'impression de ne pas savoir dessiner. Il entre alors dans la période dite ingresque ou Aigre, qui culmine en 1887 lorsqu'il présente ses fameuses Grandes Baigneuses à Paris. Les contours de ses personnages deviennent plus précis.

Il dessine les formes avec plus de rigueur, les couleurs se font plus froides, plus acides, ce qui indigne le critique Joris-Karl Huysmans : Allons, bon ! Encore un qui est pris par le bromure de Raphaël !. Sa peinture qui marque un retour vers le classicisme est plus influencée aussi par l'art ancien (notamment par un bas-relief de François Girardon à Versailles pour les Baigneuses).

Lorsqu'il devient à nouveau père d'un petit Pierre (1885), Renoir abandonne ses œuvres en cours pour se consacrer à des toiles sur la maternité.

La réception des Grandes Baigneuses est très mauvaise, l'avant-garde ( Camille Pissarro notamment) trouve qu'il s'est égaré, et les milieux académiques ne s'y retrouvent pas non plus. Le marchand d'art Paul Durand-Ruel lui demande plusieurs fois de renoncer à cette nouvelle manière.

Aline, la future Madame Renoir, le convainc de découvrir, en 1888, son village natal : Essoyes. Il écrit alors à son amie Berthe Morisot : Je suis en train de paysanner en Champagne pour fuir les modèles coûteux de Paris. Je fais des blanchisseuses ou plutôt des laveuses au bord de la rivière..

De 1890 à 1900, Renoir change de nouveau son style. Ce n'est plus du pur impressionnisme ni le style de la période ingresque, mais un mélange des deux. Il conserve les sujets d'Ingres mais reprend la fluidité des traits. La première œuvre de cette période, les Jeunes filles au piano (1892), est acquise par l'État français pour être exposée au musée du Luxembourg. En 1894, Renoir est de nouveau père d'un petit Jean et reprend ses œuvres de maternité. La jeune femme qui s'occupera de Jean puis Claude, Gabrielle Renard, devient un de ses fréquents modèles et sa muse.

Alors que Renoir habite depuis 1889 dans le pavillon surnommé le " Château des Brouillards " au 13 rue Girardon, il devient propriétaire pour la première fois de sa vie en achetant, en 1896, une maison à Essoyes, devenue l' atelier Renoir. Ainsi, la famille Renoir se retrouve tous les étés, jusqu'au décès du peintre en 1919. Essoyes sera le rendez-vous des jeux de plein air, des pique-niques, pêches, baignades aussi bien en famille qu'entre amis, Julie Manet notamment en parle dans son journal.

Cette décennie, celle de la maturité, est aussi celle de la consécration. Ses tableaux se vendent bien (notamment par les marchands d'art Ambroise Vollard et Paul Durand-Ruel), la critique, dont l'animateur de La Revue blanche, Thadée Natanson, commence à accepter et à apprécier son style, et les milieux officiels le reconnaissent également, les Jeunes filles au piano sont achetées par l'État, on lui propose la Légion d'honneur, qu'il refuse d'abord puis accepte plus tard. En 1897, lors d'une mauvaise chute de bicyclette près d' Essoyes, il se fracture le bras droit. Cette chute est considérée comme responsable, du moins partiellement, de la dégradation ultérieure de sa santé. Des rhumatismes déformants l'obligeront progressivement, vers 1905, à renoncer à marcher. Il se rend à l'enterrement d' Alfred Sisley au cimetière de Moret-sur-Loing le février 1899, avec Monet, Adolphe Tavernier et Arsène Alexandre. Il donne La Balayeuse, une huile sur toile peinte la même année, pour la vente organisée par Monet, le 1er mai 1899 à la galerie Georges Petit au profit des enfants de Sisley. En 1900, Renoir est nommé chevalier de la Légion d'honneur, puis est promu officier en 1911.

Comme le peintre Edgar Degas, les poètes José-Maria de Heredia et Pierre Louÿs, l'écrivain Jules Verne, le compositeur Vincent d'Indy, le grammairien Jules Lemaître, il adhère à la Ligue de la patrie française, ligue antidreyfusarde plutôt modérée,.

En 1903, il s'installe avec sa famille à Cagnes-sur-Mer, le climat de la région devant être plus favorable à son état de santé. Après avoir connu plusieurs résidences dans le vieux village, Renoir fait l'acquisition du domaine des Collettes, sur un coteau à l'est de Cagnes, afin de sauver les vénérables oliviers dont il admire l'ombrage et qui sont menacés de destruction par un acheteur potentiel. Aline Charigot y fait bâtir la dernière demeure de son époux, où il va passer ses derniers jours au soleil du Midi, bien protégé toutefois par son inséparable chapeau. Il y vit avec sa femme Aline et ses enfants, ainsi qu'avec des domestiques, souvent autant des amis, qui l'aident dans sa vie de tous les jours, lui préparent ses toiles et ses pinceaux. Les œuvres de cette période cagnoise sont essentiellement des portraits, des nus, des natures mortes et des scènes mythologiques. Ses toiles sont chatoyantes, sa matière picturale plus fluide, toute en transparence. Les corps féminins ronds et sensuels resplendissent de vie.

Renoir est désormais une personnalité majeure du monde de l'art occidental, il expose partout en Europe et aux États-Unis, participe aux Salons d'automne à Paris. L'aisance matérielle qu'il acquiert ne lui fait pas perdre le sens des réalités et le goût des choses simples, il continue à peindre dans l'univers rustique du domaine des Collettes. Il essaie de nouvelles techniques, et en particulier s'adonne à la sculpture, incité par le marchand d'art Ambroise Vollard, alors même que ses mains sont déformées par la polyarthrite rhumatoïde. Ses ongles pénétrant dans la chair de ses paumes, des bandelettes de gaze talquées protègent ses mains (de là, la légende du pinceau attaché à sa main).

Malgré sa notoriété, Renoir n'aura qu'une seule élève, Jeanne Baudot, la fille de son médecin [réf. nécessaire]. Le peintre Lucien Mignon fut le proche ami de Renoir du temps de Cagnes-sur-Mer et fut influencé par son style.

De 1913 à 1918, en collaboration avec Richard Guino, un jeune sculpteur d'origine catalane que lui présentent Aristide Maillol et Ambroise Vollard, il crée un ensemble de pièces majeures : Vénus Victrix, le Jugement de Pâris, la Grande Laveuse, le Forgeron.

L'attribution de ces œuvres de collaboration fut révisée soixante ans après leur création, à l'issue d'un long procès initié en 1965 par Michel Guino, fils de Richard et sculpteur lui-même, qui a œuvré à la divulgation de l'œuvre de son père. Après une minutieuse analyse des pièces, des processus qui présidèrent à leur création et l'audition de nombreux artistes, la qualité de coauteur est reconnue à Richard Guino en 1971 par la troisième chambre civile du tribunal de Paris et définitivement établie par la Cour de cassation en 1973. L'historien d'art Paul Haesaerts précise dès 1947 dans Renoir sculpteur : Guino ne fut jamais simplement un acteur lisant un texte ou un musicien interprétant mécaniquement une partition [...]. Guino était impliqué corps et âme dans l'acte créatif. On peut même affirmer avec certitude que s'il n'avait pas été là, les sculptures de Renoir n'auraient pas vu le jour. Guino était indispensable. Le procès fait par le fils de Guino n'a pas été intenté " contre " Renoir, réduction véhiculée dans certains textes ou articles de journaux se référant à " l'affaire ". Il s'est agi de contribuer à dévoiler l'historique exceptionnel de ce processus de création pour rétablir l'apport original de Guino à l'œuvre sculpté, initialement occulté par Vollard. Un " praticien " sculpteur reproduit ou agrandit un modèle déjà existant. Guino, lui, fait une transposition de techniques : on passe de la peinture de Renoir à la sculpture de Guino, l'esprit de la peinture transparaît dans l'esprit de la sculpture. Transmutation avérée entre deux artistes. Le phénomène a pu s'accomplir grâce à leur amitié et intense communauté de vue. Le peintre à ses toiles et le sculpteur travaillant la glaise des Collettes. C'est ce point unique et rare qui caractérise cette œuvre.

Après avoir interrompu sa collaboration avec Guino, il travaille avec le sculpteur Louis Morel (1887-1975), originaire d'Essoyes. Ensemble, ils réalisent les terres cuites, deux Danseuses et un Joueur de flûteau.

Aline meurt en 1915, ses fils Pierre et Jean sont grièvement blessés durant la Première Guerre mondiale, mais en réchappent.

Renoir continue, malgré tout, de peindre jusqu'à sa mort en 1919. Il aurait, sur son lit de mort, demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière, il aurait déclaré : Je crois que je commence à y comprendre quelque chose.

Le , il s'éteint au domaine des Collettes à Cagnes-sur-Mer, des suites d'une congestion pulmonaire, après avoir pu visiter une dernière fois le musée du Louvre et revoir ses œuvres des époques difficiles.

Dans un premier temps, il est enterré avec son épouse dans le vieux cimetière du château de Nice et, deux ans et demi plus tard, le , les dépouilles du couple Renoir sont transférées dans le département de l'Aube où elles reposent désormais dans le cimetière d' Essoyes, comme l'avaient souhaité Renoir et son épouse. Depuis, Pierre et Jean, puis les cendres de Dido Renoir - seconde épouse de Jean - partagent sa sépulture.

Ayant abandonné le paysage impressionniste au bénéfice de la représentation de l'être humain, il place la gaieté au cœur de ses toiles marquées par les conséquences du progrès sur la société, par la mise en scène du quotidien joyeux dans un cadre urbain ou bucolique, intime ou populaire, qui lui valut le surnom de " peintre du bonheur ".

La peinture d'Auguste Renoir passe aujourd'hui pour la quintessence du " bon goût petit-bourgeois ", comme ces " peintres décoratifs " et ces " peintres pour dames " réalisant des tableaux complaisants et stéréotypés, Renoir n'ayant pas toujours su éviter ce piège pour assurer sa subsistance. Citée en exemple, sa peinture illustre pour certains l'idée que le commun des mortels se fait de la beauté en art, ses toiles abordant des sujets simples ayant trait à la vie quotidienne, ses nus opulents et sensuels dégagent une certaine plénitude. C'est oublier que cette peinture figurative jugée mièvre et réconfortante, évoquant la nostalgie d'un bonheur perdu, illustrant calendriers des postes et cartes postales , a été rejetée par le public et les critiques pendant plus de vingt ans. En 1876, le critique Albert Wolf écrit dans le Figaro:

Essayez donc d'expliquer à M. Renoir que le torse d'une femme n'est pas un amas de chairs en décomposition avec des taches vertes, violacées qui dénotent l'état de complète putréfaction dans un cadavre !

La même année l'artiste Bertall écrit dans Le Soir :

Dans des cadres bizarres, des contournements grotesques, des fracas de couleur sans forme et sans harmonie, sans perspective et sans dessin.

Considérée par les collectionneurs de son temps comme inachevée, maladroite et bâclée, elle a, par la suite, été perçue comme totalement révolutionnaire car rompant avec les conventions de l' art officiel de l'époque. Cependant, le tournant opéré par Renoir vers 1890, lorsqu'il abandonne le plein air et renoue avec ses maîtres préférés, tels Jean-Honoré Fragonard, Raphaël ou François Boucher lui vaut d'être accusé de trahison par ses anciens compagnons impressionnistes qui lui reprochent de sacrifier à la peinture officielle des héritiers de Jacques-Louis David. L' histoire de l'art considère pourtant que cette dernière période de Renoir marquée par un retour vers le classicisme a fortement inspiré une jeune génération d'artistes, tels que Picasso, Henri Matisse, Maurice Denis ou Pierre Bonnard,.

Une cité scolaire, regroupant collège et lycée, porte son nom dans sa ville natale, Limoges, un autre à Cagnes-sur-Mer, où il est mort. Un collège est nommé Auguste et Jean Renoir à La Roche-sur-Yon. Un collège est nommé Pierre-Auguste-Renoir à Ferrières-en-Gâtinais. À Asnières-sur-Seine, le lycée public et le collège voisin portent son nom. Un collège est nommé Auguste Renoir à Chatou dans les Yvelines. À Angers, un collège-lycée porte le nom Auguste-et-Jean-Renoir. À Paris, un lycée d'arts appliqués porte également son nom.

Cette liste d'enchères est seulement indicative :

Paysages Bords de Seine, estimé 100 000 $ en 2012, il s'agissait d'un tableau volé en 1951 qui fut restitué au musée de Baltimore en 2014.

Pierre-Auguste Renoir a peint pendant près de soixante ans. Peintre prolifique, il nous a laissé une œuvre considérable, nécessairement inégale. On recense dans celle-ci plus de 4 000 peintures, soit un nombre supérieur à celui des œuvres de Manet, Cézanne et Degas réunies. Parmi celles-ci, on peut citer :

Portrait de la mère de Renoir (1860), collection particulière.

Portrait de Marie-Zélie Laporte (1864), musée des beaux-arts de Limoges.

Portrait de William Sisley, père d'Alfred Sisley (1864), 81 × 65 cm, Paris, musée d'Orsay.

La Serre (1864), 130 × 98 cm, Kunsthalle de Hambourg.

Clairière dans les bois (1865), Detroit Institute of Arts.

Lise Tréhot cousant (1866), Dallas Museum of Art.

Dans le Parc de Saint-Cloud (1866), collection particulière.

Les Fiancés (dit Le Ménage Sisley) (1868), Cologne, musée Wallraf Richartz.

Femme dans un jardin (1868), 106 × 73 cm, collection particulière, en dépôt à Bâle, Kunstmuseum.

Léonard Renoir, père de l'artiste (1869), 61 × 46 cm, musée d'art de Saint-Louis.

Fleurs dans un vase (1869), 65 × 44 cm, musée des beaux-arts de Boston.

(1870), 84 × 60 cm, musée des beaux-arts de San Francisco.

La Baigneuse au griffon (1870), 184 × 115 cm, musée d'art de São Paulo.

Nature morte au bouquet (1871), 74 × 59 cm, musée des beaux-arts de Houston.

Portrait de femme, Rapha (1871), 130 × 83 cm, collection particulière.

Allée cavalière au bois de Boulogne (1873), Kunsthalle de Hambourg.

Mare aux canards (1873), Dallas, Dallas Art Museum et collection particulière.

Les Moissonneurs (1873), Suisse, collection particulière.

La Femme en bleu (1874), collection particulière.

Premiers pas (1876), collection particulière.

La Première Sortie (1876-1877),

Femme au piano (1876), Art Institute of Chicago.

Portrait de Monsieur Chocquet (1876), Winterthour, collection Oskar Reinhart.

Hommage à Léon Riesener, vers 1878, dessin paru dans La Vie Moderne, 17 avril 1879, page 1.

Madame Charpentier et ses enfants (1878),

Paysages Bords de Seine, (On the Shore of the Seine) (1879), musée d'art de Baltimore.

Près du lac (1880), The Art Institute of Chicago.

Baie de Salernes ou Paysage du Midi (1881), Le Havre, Musée d'art moderne André-Malraux.

Les Demoiselles Cahen d'Anvers (1881),

La Femme à l'éventail (1881),

Jeunes filles en noir (1881),

Joseph Durand-Ruel (1882), collection particulière.

Charles et Georges Durand-Ruel (1882), collection particulière.

Portrait de Paul Haviland (1884, Kansas City, Missouri, musée d'art Nelson-Atkins);

L'Enfant au sein ou Maternité (vers 1885), Paris, musée d'Orsay.

Les Parapluies (entre 1881 et 1886),

Jeune Fille au ruban bleu (1888)

Portrait de Stéphane Mallarmé (1892),

La Famille de l'artiste, ou Les Enfants de Monsieur Caillebotte (1896), Merion, Fondation Barnes

Femme jouant de la guitare (1897),

La balayeuse (1899), collection particulière (Steve Wynn, Hôtel Mirage, Las Vegas, Nevada)

La toilette : femme se peignant (1907),

La Dame à l'éventail (1908), New York, collection Durand-Ruel.

Claude Renoir en clown (1909),

Coco (1910), Museum of Fine Arts, Boston.

Autoportrait au chapeau blanc (1910),

Ambroise Vollard au foulard rouge (1911),

Vollard en toréador (1917),

Portrait d'Adèle Besson (1918),

Les Baigneuses (1918-1919),

Les Poissons ; La Seine à Argenteuil ; Nu debout ; Portrait de la poétesse Alice Vallière-Merzbach ; Gabrielle, Genève, Petit Palais.

Renoir a choisi une part importante de ses modèles parmi son entourage et ses relations :

Lise : Lise Tréhot, compagne

Camille : Camille Doncieux, épouse de Monet

Aline : Aline Charigot, épouse

Jeanne : Jeanne Samary, comédienne

Nini : Nini Lopez, voisine

Maria : Marie-Clémentine Valadon alias Suzanne Valadon, artiste peintre et maîtresse de Renoir

Anna : Alma-Henriette Lebœuf alias Marguerite Legrand

La Boulangère : Marie Dupuis, bonne des Renoir

Gabrielle : Gabrielle Renard, nounou de Jean Renoir et bonne

Renée : Renée Jolivet, nounou de Claude Renoir

Amélie Laurent alias Amélie Diéterle, actrice et cantatrice

Dédée : Andrée Madeleine Heuschling alias Catherine Hessling, actrice et épouse de Jean Renoir

Margot : Marguerite-Thérèse Bérard, fille du banquier et diplomate Paul Bérard

Yvonne et Christine Lerolle, fille d'Henri Lerolle, peintre

Angèle : Angèle Legault, vendeuse de fleurs, actrice

Ellen Andrée, actrice...

Mettez-vous cela en tête : il n'existe qu'un seul indicateur de la valeur d'un tableau : c'est la salle des ventes.

Stéphane Mallarmé, Les Loisirs de la poste, 1894 :

Catalogues d'exposition

Collectif, Daniel Marchesseau (dir.), Revoir Renoir, Martigny, Fondation Gianadda, 20 juin - 23 novembre 2014.

Collectif, , Paris, Galeries nationales du Grand Palais, 23 septembre 2009 - 4 janvier 2010 ; Los Angeles, Los Angeles County Museum of art, 14 fév. - 9 mai 2010, Philadelphie, Philadelphia Museum of art, 17 juin - 6 septembre 2010, Paris, Réunion des musées nationaux, Musée d'Orsay, 2009.

Colin B. Bailey (dir.), Les Paysages de Renoir. 1865-1883, catalogue d'exposition, Londres, The Tate National Gallery, 21 fév. - 20 mai 2007 ; Ottawa, Musée des beaux-arts du Canada, 8 juin - 9 septembre 2007, Philadelphie, Philadelphia Museum of Art, 4 octobre 2007 - 6 janvier 2008, Milan, 5 Continents Éditions, 2007.

Colin B. Bailey, (dir.), Les Portraits de Renoir. Impressions d'une époque, catalogue d'exposition, Ottawa, Musée des beaux-arts du Canada, 27 juin-14 septembre 1997; Chicago, The Art Institute of Chicago, 17 octobre 1997-4 janvier 1998 ; Fort Worth, Kimbell Art Museum , 8 février-26 avril 1998, Paris, Ottawa, Gallimard, Musée des beaux-arts du Canada, 1997.

Collectif, Renoir, catalogue d'exposition, Paris, Galeries nationales du Grand Palais, 14 mai-2 septembre 1985 ; Boston, Musée des Beaux-Arts (Boston), 9 octobre 1985-5 janvier 1986, Paris, Réunion des musées nationaux, 1985.

Essais et monographies

Pierre-Auguste Renoir, Écrits et propos sur l'art, textes réunis, annotés et présentés par Augustin de Butler, Paris, éditions Hermann, 2009.

Robert Cumming, La peinture expliquée, Paris, Le Soir, Bordas, 1995.

Anne Distel, Renoir : " Il faut embellir ", Paris, Gallimard, coll. " Découvertes Gallimard / Arts " (), 1993, réédition 2005.

Anne Distel, Renoir, Paris, Citadelles & Mazenod, 2009.

Peter H. Feist, Renoir, édition, Cologne, Taschen, 1993.

Michel Ferloni, Encyclopédie des Impressionnistes, Lausanne, Edita S.A., 1992.

Elda Fezzi, Renoir, Les Classiques de l'Art, Paris, Flammarion, 2005.

François Fosca, Renoir, l'homme et son œuvre, Paris, Éditions Aimery Somogy, 1961.

Corinne Graber, Jean-François Guillou, Les Impressionnistes, Paris, France Loisir, 1990.

Raffaele de Grada, Renoir, Paris, Librairie Larousse, 1989.

Paul Haesaerts, Renoir sculpteur, Bruxelles, Éditions Hermès, 1947.

Paul Joannides, Renoir sa vie, son œuvre, Courbevoie, Éditions Soline, 2000.

Marc Le Cœur, Renoir au temps de la bohème. L'histoire que l'artiste voulait oublier, Paris, L'Échoppe, 2009.

Laurence Madeline, Dominique Lobstein, l'ABCdaire de l'impressionnisme, Paris, Flammarion, 1995 - .

A. Martini, Chefs-d'œuvre de l'art Grands Peintres : la diffusion de l'impressionnisme, Paris, Céliv, 1980.

Gilles Néret, Auguste Renoir peintre du bonheur : 1841-1919, Taschen, 2001.

Jean-Louis Vaudoyer, Les impressionnistes, Paris, Flammarion, 1953.

Eddy Simon, Jak Lemonnier, D'un Renoir à l'autre, préface de Jacques Renoir, Paris, éditions 21g, 2018.

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Naissance Décès Sépulture Nom de naissance Nationalité Français Activités Autres activités Formation Maître Élève Lieu de travail Mouvement Mécènes Influencé par Conjointe Enfants Distinctions Pierre-Auguste Renoir dit Auguste Renoir, né à Limoges ( Haute-Vienne) le et mort au domaine des Collettes à Cagnes-sur-Mer le , est l'un des plus célèbres peintres français.

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Tableau -Le Déjeuner des canotiers, 1881-, de thématique: Personnages, portrait, oeuvre de l'artiste: Renoir, Pierre Auguste. Couleurs prédominantes de l'image -Multicolore.

-Le déjeuner des canotiers- est avant tout un hymne à la beauté et à la joie de vivre. Ce "pape de la peinture"ne veut voir que ce qui est beau dans la vie, qu'importe si son tableau ne laisse pas de message social. Il est vrai que ce monde des canotiers est une vision simplifiée de la société moderne qi accorde une place prépondérante à la femme toujours épanouie , bel objet pour le regard du spectateur. Marcel Proust a dit : "Des femmes passent, différentes de celles d'autrefois, puisque ce sont des Renoir". En réalité, ce ne sont plus des femmes, mais la femme , et pour mieux les intégrer dans son œuvre, le peintre les amalgame au décor, il comble tous les vides de son tableau en résolvant le problème de la prépondérance de la forme ou de la lumière. Son imagination crée un univers particulier et cet univers n'est-il pas le paradis terrestre?

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Reproduction Renoir Déjeuner des Canotiers | Artisangallery

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Reproduction Renoir Déjeuner des Canotiers. Trouvez les meilleures reproductions sur toile ou papier d'Auguste Renoir. ¡Artisangallery!

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BIOGRAPHIE AUGUSTE RENOIR - Peintre français, père de Jean Renoir, Pierre-Auguste Renoir fut l'un des grands maîtres de l'impressionnisme. Parmi ses oeuvres : le "Bal du moulin de la galette" et "La Grenouillère".

Biographie courte d'Auguste Renoir - Pierre-Auguste Renoir, plus connu sous le nom d'Auguste Renoir, est né le 25 février 1841 à Limoges. Grand peintre figuratif français, il privilégie les portraits et les nus, influencé notamment par les tableaux d' Eugène Delacroix. Il s'inspire aussi tout au long de sa carrière des oeuvres de Raphaël, de Fragonard, de Courbet et de Manet. Il compte parmi les plus grands représentants du mouvement impressionniste français. Auguste Renoir commence comme apprenti dans un atelier de porcelaine. Puis il entre en 1862 à l'école des beaux-arts de Paris, où il côtoie de grands noms comme Monet, Bazille et Sisley, avec qui il se lie d'amitié. Dès la fin des années 1860, Auguste Renoir peint régulièrement en plein air, dans la forêt de Fontainebleau. Cette habitude marque particulièrement son style et ses sujets.

C'est en 1877, alors qu'Auguste Renoir expose depuis plusieurs années déjà au salon des impressionnistes, qu'il réalise son célèbre tableau " Le Bal du moulin de la Galette". Après une période de pauvreté, il revient petit à petit vers le portrait et connaît un immense succès en réalisant le " Déjeuner des canotiers". En 1890, trois ans après les " Grandes Baigneuses", il épouse Aline Charigot. Dès lors, il peint dans un style à mi-chemin entre l'impressionnisme et le style ingresque. Auguste Renoir réalise " Les Jeunes Filles au piano", peinture fondatrice de cette nouvelle période. À partir de 1900, il acquiert une solide renommée et expose dans toutes les capitales européennes. Auguste Renoir meurt le 3 décembre 1919, reconnu et comblé. Il est le père de cinq enfants, dont Jean Renoir, célèbre réalisateur et scénariste français.

"Bal du moulin de la galette" d'Auguste Renoir © Coll-Peter Willi/SUPERSTOCK/SIPA

Auguste Renoir : dates clés

25 février 1841 : Naissance de Pierre-Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, dit Auguste Renoir, naît le 25 février 1841 à Limoges. Il est l'un des peintres français les plus connus.

15 avril 1874 : Les débuts de l'impressionnisme

Lors du Salon officiel de Paris, certains artistes sont refusés par le jury dont les peintres Cézanne, Degas, Monet, Pissaro, Renoir, Sisley... Dans l'atelier du photographe Félix Tournachon dit Nadar, ces exclus décident de monter leur propre exposition. Louis Leroy, critique d'art, se rend sur place et écrit un article sarcastique sur ceux qu'il nomme les "impressionnistes", se référant au tableau "Impression soleil levant" de Claude Monet. Il a donné sans le vouloir un nom à ce nouveau courant artistique.

3 décembre 1919 : Mort du peintre Pierre-Auguste Renoir

Auguste Renoir fait partie des peintres impressionnistes, mais est plus intéressé par la peinture de portraits et de nus féminins que de paysages. Il meurt le 3 décembre 1919 à Cagnes-sur-Mer. Il a continué à peindre jusqu'au bout. On lui doit environ six mille tableaux dont "Les Grandes Baigneuses" et "Jeunes Filles au piano".

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Auguste Renoir : biographie courte du peintre impressionniste

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BIOGRAPHIE AUGUSTE RENOIR - Peintre français, père de Jean Renoir, Pierre-Auguste Renoir fut l'un des grands maîtres de l'impressionnisme. Parmi ses oeuvres : le "Bal du moulin de la galette" et "La Grenouillère". Biographie courte d'Auguste Renoir - Pierre-Auguste Renoir, plus connu sous le nom d'Auguste Renoir, est né le 25 février 1841 à Limoges.

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Photo © Musée d'Orsay

Figure majeure de l'impressionnisme, Pierre-Auguste Renoir est principalement connu pour ses portraits et nus féminins, bien qu'il s'adonnât également à l'art du paysage, de la scène de genre, des marines et natures mortes.

Son style évolua, passant de l'impressionnisme à une période dite " ingresque " dans les années 1880 sous l'influence des maîtres de la Renaissance, avant d'adopter une période " nacrée " la décennie suivante.

Des débuts en tant que décorateur de porcelaines

Né en 1841 à Limoges, Pierre-Auguste Renoir est le sixième enfant d'une fratrie de sept. D'un milieu modeste, la famille déménagea à Paris en 1844 avec pour ambition d'améliorer sa situation.

Dès l'âge de treize ans, Renoir devint apprenti décorateur pour les porcelaines Lévy Frères & Compagnie. En parallèle le jeune homme suivit des cours du soir à l'École de dessin et d'arts décoratifs jusqu'en 1862.

1862-1869 : les débuts

Cette même année 1862 Renoir parvint à entrer à l'École des Beaux-Arts de Paris. Il suivit l'enseignement de Charles Gleyre (1806-1874). Au sein de l'atelier, le jeune artiste fit la rencontre des futurs ténors de l'impressionnisme : Claude Monet (1840-1926), Frédéric Bazille (1841-1870) et Alfred Sisley (1839-1899).

Les rapports entre Gleyre et Renoir se détériorèrent, si bien que le jeune homme quitta les Beaux-Arts en 1864. Avec ses amis du Café Guerbois, Pierre-Auguste Renoir s'intéressa alors à la lumière naturelle et partit peindre en plein air sur le motif dans la forêt de Fontainebleau.

À cette époque, Renoir s'adonna aux paysages et vues citadines, aux scènes de genre et aux portraits. Sa toile Portrait de William Sisley (1864) fut sa première œuvre acceptée au Salon. L'art du portrait, dans lequel il excellait, lui permit d'assurer tout au long de sa carrière des rentrées financières.

1869-1883 : la période impressionniste

C'est en 1869 que Pierre-Auguste Renoir s'appropria son expression picturale. Séjournant aux côtés de Claude Monet à La Grenouillère, restaurant implanté sur une île de la Seine, Renoir expérimenta sa touche impressionniste en étudiant les reflets du soleil sur la surface de l'eau ( Grenouillère , 1869, huile sur toile, Nationalmuseum , Stockholm).

L'artiste s'intéressa à dépeindre les loisirs de la bourgeoisie parisienne avec des touches de couleurs rapides et vigoureuses simplifiées à l'extrême. Les couleurs sont juxtaposées ou superposées, la délimitation nette des formes est abandonnée au profit du rendu d'une impression d'ensemble. Les œuvres (1874) Le Moulin de la Galette (1876) et La Balançoire (1876) sont représentatives de cette période impressionniste.

Renoir participa aux expositions impressionnistes de 1874, 1876 et 1877 avant de remporter un franc succès au Salon officiel de 1879 avec Madame Charpentier et ses enfants (1878)

1883-1890 : la période " ingresque "

Fort de son succès, Renoir partit voyager dans le sud de la France ainsi qu'en Italie et en Algérie. À cette occasion l'artiste découvrit les fresques de Raphaël au Vatican et remit son style impressionniste en cause.

Prenant Ingres et Raphaël pour modèles, Pierre-Auguste Renoir exécuta des œuvres qualifiées d'ingresques, de sèches ou d'aigres. Les recherches picturales de l'artiste aboutirent en 1887 à la réalisation des Grandes Baigneuses . Cette œuvre représentant au premier plan trois femmes dévêtues aux formes généreuses fut exposée à la galerie Georges Petit. Admirée par le milieu artistique, la toile fut toutefois décriée par la critique.

1890-1897 : la période " nacrée "

Dans les années 1890, Renoir décida une nouvelle fois de se réinventer. Il aboutit à un style composite, synthèse de son savoir-faire. Empruntant toute à la fois au style impressionniste et à l'académisme, le style nacré use de couleurs en demi-teinte (roses, ocres, blancs). Les jeunes filles (1892) l'une des premières toiles de cette période, fut acquise par l'État français puis exposée au Musée du Luxembourg. Enfin consacré, Renoir reçut de nombreuses commandes et sa production s'intensifia : nus, portraits, natures mortes, scènes mythologiques.

1897-1919 : vers la sculpture

Atteint d'une polyarthrite rhumatoïde depuis les années 1880, Renoir perdu peu à peu l'usage de ses mains. Pour autant l'artiste continua de peindre, sauf lorsque les crises devinrent trop douloureuses.

En 1903, Renoir acquit une propriété à Cagnes-sur-Mer où le climat sec était jugé plus favorable à l'apaisement de ses rhumatismes. À partir de 1910, l'artiste ne parvint plus à se déplacer. Il décida, quelques années plus tard en 1913, à s'orienter vers la sculpture avec l'aide de Richard Guino (1890-1973).

L'apport de Pierre-Auguste Renoir à l'histoire de l'art

Saisissant la vie dans ses instants de joie et de bonheur, Pierre-Auguste Renoir devint l'un des plus grands artistes impressionnistes.

Durant sa période impressionniste, Renoir s'attarda à restituer des ambiances en accentuant certains effets et en cherchant une clarté accrue. La touche est visible et les formes se dissolvent. Certains des plus grands chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art datent de cette période.

Sentant être arrivé au bout de l'impressionnisme, Renoir développa une nouvelle manière ingresque caractérisée par un dessin davantage précis, des aplats de couleur, un contour net, une matière lisse et une répartition uniforme de la lumière.

Incompris l'artiste opéra une synthèse des styles précédemment expérimentés. La rigueur fut abandonnée au profit de la délicatesse, de la forme et de la volupté. La période nacrée est composée d'œuvres à la facture plus souple et onctueuse.

Œuvres de Pierre-Auguste Renoir

Les musées qui exposent Pierre-Auguste Renoir

Deux musées français sont dédiés à Renoir : la maison et l'atelier Renoir à Essoyes et le Musée Renoir de Cagnes-sur-Mer.

En France, les œuvres de l'artiste sont principalement exposées au Musée d'Orsay et au Musée de l'Orangerie de Paris ainsi qu'au Musée d'Art Moderne André Malraux (MuMa) du Havre . Artiste incontournable de l'impressionnisme, les œuvres de Renoir sont également exposées dans le monde entier (États-Unis, Canada, Brésil, Angleterre, Russie).

Les principales expositions de l'artiste

Aux sources des nymphéas : les impressionnistes et la décoration, Musée de l'Orangerie, Paris, 2022

Renoir père et fils. Peinture et cinéma, Musée d'Orsay, Paris, 2018

De Renoir à Sam Szafran, Fondation Pierre Gianadda, Martigny, 2010

Renoir au XXe siècle, Grand Palais, Paris, 2009

Les principaux ouvrages sur Pierre-Auguste Renoir

Expertise et Estimation des œuvres de Pierre-Auguste Renoir

Certaines œuvres de Pierre-Auguste Renoir sont très demandées sur le marché de l'art et peuvent se vendre à des prix importants. N'hésitez pas à contacter nos experts dans le cadre d'une expertise ou à consulter notre page dédiée à la cote des œuvres de Pierre-Auguste Renoir afin d'établir une estimation de votre pièce.

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Pierre-Auguste RENOIR | Biographie de l'artiste

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Biographie de Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919), peintre français. Barnie's estime ses œuvres et vous propose une offre d'achat au prix du marché.

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Document souligné du site de Barnie's Art Invest

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L' impressionnisme est un mouvement pictural apparu en France dans les années 1860 en opposition à l' art académique et visant à représenter le caractère éphémère de la lumière et ses effets sur les couleurs et les formes. Le groupe des impressionnistes se forme autour d' Édouard Manet, chef de file de l'avant-garde artistique dans les années 1860, qui ne participe cependant à aucune exposition impressionniste. Après plusieurs scandales et refus au Salon, la grande exposition annuelle d'artistes agréés par l' Académie des Beaux-Arts, de jeunes artistes décident de s'associer pour organiser des expositions indépendantes. Cette idée se concrétise en 1874, dans une exposition qui réunit trente artistes dont Paul Cézanne, Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir et Alfred Sisley. Le journaliste satirique Louis Leroy invente alors le terme " impressionnisme " à partir du tableau Impression, soleil levant de Monet, devenu depuis le nom du mouvement. Les artistes subissent d'abord des critiques violentes de la part de la presse et du public, mais sont soutenus par des collectionneurs qui permettent la tenue de leurs premières expositions, notamment Gustave Caillebotte.

L'impressionnisme commence à être accepté en 1880, grâce au soutien du nouveau gouvernement de Léon Gambetta et de critiques comme Émile Zola. Les œuvres font petit à petit leur entrée dans les musées, au Salon des artistes français, qui succède au Salon de l'Académie des Beaux-Arts, et sur le marché de l'art. Le marchand Paul Durand-Ruel joue un rôle crucial dans le soutien et la diffusion de l'impressionnisme, qui s'exporte aux États-Unis à partir de 1886, grâce à la peintre Mary Cassatt. Le mouvement y obtient un grand succès, qui participe à la consécration de Monet et au développement d'écoles impressionnistes hors de France au cours des années 1890. Cette décennie voit la mort de Morisot, Caillebotte et Sisley et la dispersion du groupe, tandis que se développent de nouvelles avant-gardes auxquelles adhèrent certains impressionnistes, comme Cézanne et Pissarro.

Les artistes impressionnistes créent une nouvelle esthétique opposée à l'art académique. Leur style apparaît pour la première fois dans les toiles peintes par Monet et Renoir à l' île de la Grenouillère, en 1869. Ils font primer la couleur sur le dessin, utilisent des compositions inhabituelles et une touche rapide, et composent généralement en plein air sur le motif. Tournés vers des sujets modernes, ils représentent principalement des paysages, des scènes de la vie intime et les loisirs de leur époque.

Pour l'historienne de l'art Sophie Monneret, le terme pré-impressionnisme " s'applique à la manière, suggestive, esquissée, qui chez maint artiste prélude plus ou moins directement à la technique impressionniste ". Une première rupture significative dans la peinture de paysage remonte à John Constable et William Turner, qui renoncent aux paysages romantiques et adoptent la simplicité pour Constable et l'instantanéité pour Turner, auxquelles se rattachent les impressionnistes. La disparition du dessin au profit de la couleur qui caractérise certaines toiles de Turner se retrouve notamment chez Monet. Dans la seconde moitié du siècle, les artistes modernes européens recherchent généralement à représenter la lumière et à composer en plein air, comme le montre le groupe italien des Macchiaioli, contemporains des impressionnistes avec lesquels ils sont parfois en contact via Degas.

En France, les paysages de Camille Corot rompent eux aussi avec la tradition, et il est refusé au Salon de 1843. Il est directement lié aux impressionnistes, donnant des leçons aux sœurs Berthe et Edma Morisot et à Pissarro dans les années 1860, et son influence se fait sentir sur tout le groupe. Le style novateur de Delacroix peut être rattaché au pré-impressionnisme, dans sa manière de créer les atmosphères de ses tableaux et dans sa touche divisée. Les impressionnistes se référent aussi à un certain nombre de paysagistes de la génération précédente, parmi lesquels Théodore Rousseau et Jean-François Millet, peintres de l' École de Barbizon aux couleurs vives et à la touche rapide, dont l'influence est visible dans les premières toiles que les futurs impressionnistes exposent au Salon.

Trois peintres, par leurs liens directs avec ces jeunes artistes, mènent le pré-impressionnisme au terme de son évolution : Eugène Boudin, Johan Jongkind et François Daubigny. Les deux premiers ont notamment enseigné à Monet, le dernier en est un ami proche et un futur défenseur de l'impressionnisme.

Dans la décennie 1860-1870, les différents artistes qui composeront le groupe impressionniste souhaitent avant tout exposer au Salon, exposition annuelle des peintres agréés par l' Académie des Beaux-Arts, la plus grosse manifestation artistique de l'époque et le seul moyen de se faire connaître. L'année 1859 peut être retenue comme une date-clé, avec l'arrivée à Paris de Monet et le retour de Degas, les premiers envois au Salon de Pissarro, qui y est accepté, et de Manet, Fantin-Latour et Whistler, refusés,. Courbet, l'influent maître des réalistes et amateur de plein air, n'y expose pas. Il est pourtant abondamment cité par la critique qui voit en lui ou bien le responsable de la médiocrité contemporaine, ou bien un artiste novateur, notamment sous la plume des critiques qui soutiendront plus tard les impressionnistes, comme Émile Zola et Zacharie Astruc. D'une manière générale, la critique considère que le Salon de 1859 acte le déclin de la peinture d'histoire, remplacée par le paysage et la scène de genre ; et si le savoir-faire des peintres est reconnu, ils manquent de l'ambition nécessaire à l'apparition d'un style nouveau.

Pour le critique Jules-Antoine Castagnary, futur défenseur des impressionnistes, c'est du côté du paysage qu'il faut voir les signes d'une " révolution nouvelle " qui succédera au romantisme. Camille Corot, François Daubigny et Théodore Rousseau sont parmi les paysagistes à succès. Degas et Monet, qui visitent tous deux le Salon de 1859, font part de leurs impressions à leurs mentors - Gustave Moreau pour l'un, Eugène Boudin pour l'autre. Degas fait part de son admiration nouvelle pour Delacroix, qui n'est pas partagée par Monet, plus intéressé par Constant Troyon et surtout Daubigny.

En 1859, celles et ceux qui deviendront les impressionnistes ne se connaissent pas, exceptés Fantin-Latour et Whistler. Le groupe se forme à partir de 1860 : Degas, Manet, Fantin-Latour et les sœurs Morisot se rencontrent au Louvre ; Pissarro, Guillaumin et Cézanne font connaissance à l'académie Suisse en 1861 ; à partir de 1862, Monet, Bazille, Renoir et Sisley étudient ensemble dans l'atelier de Gleyre,, ancien maître de Whistler.

En 1863, année de la mort de Delacroix, Manet fait sa première exposition personnelle à la galerie Martinet à Paris, tandis que son (intitulé Le Déjeuner sur l'herbe depuis 1867) fait scandale au Salon des Refusés : référence implicite à la prostitution, nu réaliste en opposition aux nus mythologiques, peinture considérée comme " sale " par les critiques et le public. Au cours des années 1860, ses scandales répétés au Salon font de lui le chef de file du modernisme, et il s'impose dans ce rôle au sein du groupe des Batignolles.

Henri Fantin-Latour, L'Atelier des Batignolles, 1870, Paris, Musée d'Orsay. Manet, peignant au centre, est entouré entre autres de Bazille, Renoir et Monet[26] .

À partir de 1866, plusieurs artistes et personnalités liées au monde de l'art se retrouvent régulièrement au café Guerbois, Grande-Rue-des-Batignolles. Le café est proche de l'atelier de Manet, et il est la personnalité la plus forte de ces réunions,, où échangent les futurs impressionnistes, des critiques et des écrivains ( Zola, Zacharie Astruc, Louis Edmond Duranty, Armand Silvestre), des peintres ( Constantin Guys, Adolphe Monticelli, Alfred Stevens, Carolus-Duran), et d'autres personnalités (notamment Nadar, chez qui aura lieu la première exposition impressionniste, ou le collectionneur Ernest Hoschedé),. Les jeunes artistes s'enrichissent mutuellement de leurs origines diverses et de leurs modèles respectifs, prônant leurs influences internationales en opposition à la peinture " nationale " des Beaux-Arts. Ce cosmopolitisme est pointé du doigt par une partie de la critique dès les années 1860.

Auguste Renoir, La Grenouillère, 1869, Stockholm, Nationalmuseum.

Claude Monet, Bain à la Grenouillère, 1869, New York, Metropolitan Museum of Art.

En 1867, face à la sévérité du jury du Salon, une pétition est signée par Cézanne, Renoir, Bazille et Pissarro pour demander un nouveau Salon des Refusés, sans succès. Mais le Salon est peu visité, puisque se tient au même moment l' Exposition universelle, où Manet est refusé ; en réponse, il installe un pavillon et tient sa propre exposition près du pont de l'Alma, tout comme Courbet au même moment,. Le groupe des Batignolles fait alors le projet de louer une salle pour organiser ses propres expositions, avec le soutien de Courbet, Camille Corot, Narcisse Diaz et François Daubigny, une idée qui aboutit en 1874 à la première exposition impressionniste. En 1868, le jury se montre plus clément, et les jeunes artistes - excepté Cézanne - sont reçus au Salon.

Pour décrire les œuvres de ces peintres modernistes, " impression " est très utilisé dans la critique, pour eux comme pour d'autres artistes qui ne feront pas partie du groupe impressionniste. À la fin des années 1860, les œuvres du groupe des Batignolles s'éclaircissent et leur touche s'allège, en imitant l'aquarelle de plus en plus à la mode. En 1869, Renoir et Monet peignent plusieurs toiles à la Grenouillère sur l' île de Croissy, site très convoité par la bourgeoisie, sur les bords de Seine, qui préfigurent nettement l'impressionnisme des années 1870. Ces toiles sont considérées comme les premières réalisées dans le style impressionniste, où les objets sont définis par la lumière et les reflets qu'elle crée. L'esthétique propre à ce que l'on nomme alors l'" école des Batignolles " transparaît au Salon de 1870, où sont exposées notamment La leçon de musique de Manet, L'Odalisque de Renoir, La lecture de Morisot, Madame Camus en rouge de Degas, et des Vues du canal Saint-Martin en hiver de Sisley.

La guerre franco-allemande de 1870-1871 a des conséquences importantes sur le groupe : mort au combat de Bazille, dispersion des membres mobilisés à Paris (Degas, Manet) ou en province (Renoir), exil à Londres (Pissarro, Monet). Le marchand d'art Paul Durand-Ruel, qui s'est aussi réfugié à Londres, rencontre alors Monet par l'intermédiaire de Daubigny.

Entre 1870 et 1874, sa galerie londonienne accueille déjà des œuvres du groupe des Batignolles à côté de paysagistes de Barbizon, au cours de sept expositions,. En 1872, il achète ses premières œuvres à Monet, et par la suite à Degas, Pissarro, Sisley, Renoir et Manet.

Après la guerre, le groupe ne retrouve pas tout de suite son unité : Degas part dans sa famille à la Nouvelle-Orléans, Sisley a perdu sa fortune, plusieurs artistes liés à la Commune ne sont pas tranquilles, et les environs de Paris, où ils se plaisaient à peindre, ont été détruits. Monet et Guillaumin sont refusés au Salon de 1870, et Monet, avec Pissarro et Sisley, ne se présente à aucun Salon d'après-guerre, malgré la tenue d'un nouveau Salon des Refusés en 1873, préférant s'imposer grâce à leur projet d'expositions collectives qui verra le jour en 1874.

Le projet d'expositions collectives se concrétise du au - volontairement en même temps que le Salon officiel - après qu' Ernest Hoschedé a vendu avec succès plusieurs toiles du groupe des Batignolles en janvier de la même année. L'exposition est organisée par l'éphémère Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs, dans les anciens ateliers Nadar, lieu prestigieux sur le boulevard des Capucines, à Paris. Elle vise à présenter des artistes modernes au sens large, dont le choix ne fait pas l'unanimité : ainsi Degas promeut une participation d'artistes de tous bords, tandis que Monet refuse ceux qui se permettent de faire des concessions pour exposer au Salon. C'est finalement le mélange des styles qui gagne, avec 175 œuvres de 30 peintres plus ou moins avant-gardistes ; pour la plupart d'entre eux, c'est la seule exposition dite " impressionniste " à laquelle ils participent.

Ceux qui retiennent le plus l'attention sont Degas, Renoir et Monet. Impression, soleil levant, peint par ce dernier, va donner son nom au nouveau style sous la plume satirique de Louis Leroy, journaliste au ,. Cependant, la presse n'est pas aussi négative que le laisse entendre le seul exemple de Leroy, et c'est à partir de la deuxième exposition que les artistes subissent des critiques plus véhémentes. L'exposition de 1874, bien qu'ayant été un échec commercial qui mène à la dissolution de la Société anonyme des artistes peintres, attire environ 3 500 visiteurs et donne confiance aux impressionnistes dans le bien-fondé de leur mouvement. Sophie Monneret considère cette période comme la " quintessence " de l'impressionnisme.

Après les réactions mitigées à la première exposition, la première vente impressionniste organisée le à l' hôtel Drouot par Monet, Sisley, Renoir et Berthe Morisot, est catastrophique : elle fait éclater une émeute, et seulement la moitié des œuvres est vendue,. Durand-Ruel, rentré à Paris, ne soutient plus aussi activement les artistes à cause de la récession économique, et ne reprendra ses achats qu'en 1881. Cependant, l'art moderne commence à intéresser des collectionneurs, qui se manifestent lors de cette vente : parmi eux Victor Chocquet, ami de Renoir et Cézanne, qui constitue une importante collection à partir de cette date, le baryton Jean-Baptiste Faure, ainsi que Georges Charpentier, grâce auquel auront lieu plusieurs expositions individuelles (de Renoir en 1879, Manet et Monet en 1880, Sisley en 1881). Son épouse Marguerite, peinte par Renoir à deux reprises, soutient elle aussi les impressionnistes et les invite à ses soirées mondaines, où ils ont l'occasion de rencontrer Gambetta, Flaubert, Huysmans, les frères Goncourt, Alphonse Daudet ou Jules Ferry.

Cette aide financière apportée par les collectionneurs est primordiale pour la tenue des expositions, notamment les premières, et certains d'entre eux sont aussi peintres : Henri Rouart, qui participe aux expositions impressionnistes de 1874 à 1886, Gustave Caillebotte à partir de 1876, Charles de Meixmoron ou Auguste de Molins, exposants en 1874. À Rouen, à la suite de Léon Monet, l'un des premiers collectionneurs des impressionnistes, François Depeaux, un industriel rouennais, a collectionné des centaines de tableaux impressionnistes, soutenant ainsi Monet, Renoir, Pissarro et Sisley dans les années 1880-1890.

La deuxième exposition impressionniste a lieu en 1876 chez Durand-Ruel, en même temps que s'affirment le soutien financier de Caillebotte et la radicalité du groupe, qui adopte officiellement le titre " impressionniste ". Le critique Duranty rapporte des propos du peintre académique Eugène Fromentin : " Le plein air, la lumière diffuse, le vrai soleil prennent aujourd'hui dans la peinture une importance qu'on ne leur avait jamais reconnue, et que, disons-le franchement, ils ne méritent point d'avoir... " D'autres sont plus hostiles, jugeant que Torse, effet de soleil de Renoir représente la " putréfaction d'un cadavre " ou les " tons violacés de la viande qui rancit ". Les reproches sur le style ne sont qu'un aspect de la critique, qui traite les impressionnistes d'aliénés ou de communards dans un contexte de méfiance vis-à-vis des modernistes - principalement après la condamnation de Courbet pour sa participation à la Commune -. Dans les années qui suivent l'exposition, Durand-Ruel échappe de peu à la ruine et ne peut plus vendre sous son nom ; Ernest Hoschedé, en faillite en 1878, vend à perte des dizaines d'œuvres ; les artistes participant aux expositions impressionnistes sont interdits de Salon en 1877, faisant partir ceux qui espèrent encore une reconnaissance officielle, comme Cézanne qui ne participe à plus aucune exposition impressionniste,. L'intransigeance dont faisaient preuve les grandes figures du mouvement à ses débuts ne tient pas face à la pression politique, à l'importance tenace du Salon et aux difficultés financières. Ainsi Renoir et Sisley sont absents de la troisième exposition de 1879, Monet de la quatrième en 1880, et en fin de compte Caillebotte, Monet, Renoir et Sisley manquent à la cinquième exposition, en 1881. Ils se tournent de nouveau vers les institutions officielles, profondément transformées et libéralisées par le gouvernement de Gambetta, notamment le Salon des Artistes Français qui succède au Salon de l'Académie des Beaux-Arts en 1880.

L'impressionnisme et la République

Claude Monet, La rue Montorgueil, 1878, Paris, Musée d'Orsay.

Les années 1880 voient des divergences au sein du groupe : Renoir et Sisley s'assagissent, de même que Monet en manque d'argent ; au contraire, les difficultés financières n'inquiètent pas Degas et Cézanne qui continuent d'innover, et Pissarro, anarchiste, reste le plus intransigeant face au Salon et au nouveau contexte marchand qui se met en place. Dans le même temps, soutenu par plusieurs critiques mais surtout par le nouveau gouvernement de Gambetta, l'impressionnisme se fait petit à petit une place dans la peinture française. Les accents républicains dans certaines toiles de Monet, comme La rue Montorgueil, sont appréciés et le nouveau régime politique joue en la faveur des peintres modernes : Jules-Antoine Castagnary et Antonin Proust, amis et défenseurs des impressionnistes, sont nommés directeur des Beaux-Arts et ministre des Arts. Après la période de méfiance au sortir de la Commune, les peintres modernes sont désormais considérés comme des dignes représentants de la peinture française : Manet reçoit la Légion d'honneur en 1881, et une exposition posthume lui est consacrée aux Beaux-Arts en 1884.

L'acceptation de l'impressionnisme passe aussi par plusieurs peintres académiques qui exploitent un traitement de la lumière et une instantanéité propres au mouvement, tout en gardant une touche lisse qui assure leur succès auprès du public - Jules Bastien-Lepage représente pour Zola un " impressionnisme corrigé, adouci, mis à la portée de la foule ", alors que pour le critique Charles Tardieu, l'impressionnisme " se nettoie ; il met des gants. Bientôt il dînera en ville " . Outre Bastien-Lepage, les principaux représentants de cette peinture du " juste milieu " sont Henri Gervex, Jean-François Raffaëlli, John Singer Sargent, Albert Edelfelt. Cet impressionnisme " adouci ", plus à même de plaire aux amateurs d'art, participe à la diffusion des nouveaux principes esthétiques.

L'impressionnisme se faisant une place au Salon, le soutien de Durand-Ruel est suivi par celui d'autres grands marchands d'art. À partir de 1882, Georges Petit participe lui aussi activement à la montée en cote des impressionnistes, grâce à sa luxueuse galerie parisienne où il organise des " expositions internationales " qui attirent l'élite des collectionneurs. Ses expositions ne sont pas strictement avant-gardistes, et des peintres tels que Jean-Léon Gérôme y participent. Durand-Ruel est un soutien plus fervent de la modernité, et joue un rôle important dans la diffusion et l'acceptation de l'impressionnisme, grâce à ses contacts et à des expositions en Europe et aux États-Unis.

1886 est à la fois l'année de la dernière exposition impressionniste et du début du succès international. Mary Cassatt, qui participe aux expositions impressionnistes depuis 1877, joue un rôle majeur dans le développement du mouvement aux États-Unis. Dès le début des années 1880, elle collectionne des œuvres et sert d'intermédiaire auprès de ses proches, qui commencent à en acheter eux aussi. Elle est proche des époux Louisine et Henry Havemeyer, qui constituent à partir de 1883 une collection d'œuvres impressionnistes, et soutiennent grandement Durand-Ruel. Ce dernier, après une première exposition mitigée à Boston en 1883, gagne le marché américain en 1886 grâce à James F. Sutton, directeur de l'American Art Association, qui l'invite à réaliser une exposition tous frais payés à New York. C'est un tel succès auprès du public et de la presse que Durand-Ruel ouvre une galerie à New York en 1887,, et l'année suivante, ses concurrents Boussod et Valladon s'y installent eux aussi.

Cet intérêt des collectionneurs américains pour l'impressionnisme explique que plusieurs œuvres majeures se trouvent désormais dans des musées aux États-Unis, et a contribué à faire de Monet la figure la plus connue du mouvement. Une colonie d'artistes nord-américains se forme auprès de lui, à Giverny, dans les années 1886-1887 - parmi eux, Willard Metcalf, Theodore Robinson et le canadien William Blair Bruce -, qui exportent le style des .

Le transfert des œuvres aux États-Unis ne se fait pas sans quelques réticences. Monet est inquiet de voir ses toiles " partir au pays des Yankees " et lance, avec Sargent, une souscription destinée à faire entrer dans les collections de l'État français, alors qu'un collectionneur américain faisait des propositions d'achat à la veuve de Manet.

Les impressionnistes sont consacrés à l' Exposition universelle de 1889, où sont exposées des toiles de Monet, Pissarro et Cézanne, tandis qu'une salle entière est consacrée à Manet - un traitement similaire avait été proposé à Degas, qui a refusé. À la mort de Caillebotte en 1894, son legs fait entrer des toiles de Degas, Manet, Monet, Renoir, Pissarro et Cézanne dans les collections françaises, désormais conservées au Musée d'Orsay. Les années 1890, période de la " canonisation " des impressionnistes, voient cependant le décès de Berthe Morisot en 1895, qui maintenait encore l'unité du groupe grâce à ses dîners du jeudi, et d' Alfred Sisley en 1899, qui n'a pas connu le succès de ses camarades. Les membres restant prennent des voies différentes : Renoir et Monet continuent de peindre jusqu'à leur mort, en 1919 pour l'un et 1926 pour l'autre - Monet peint notamment sa série des Nymphéas ; Degas continue de créer et d'enrichir sa collection, mais meurt isolé en 1917, atteint de cécité, comme Cassatt qui meurt en 1926 ; Cézanne s'isole à Aix-en-Provence où il termine sa vie en 1906 ; Pissarro, mort en 1903, est le seul à montrer un véritable intérêt pour les avant-gardes qui suivent l'impressionnisme.

Auguste Renoir, Bal du moulin de la Galette, 1876, Paris, Musée d'Orsay, fait partie des toiles acquises par l'État grâce au legs Caillebotte.

Le testament de Caillebotte prévoit que sa collection, qui contient soixante-six toiles et dessins impressionnistes, rejoigne les collections nationales. La décision d'exposer des toiles impressionnistes au Musée du Luxembourg - qui est alors " le " musée d'art contemporain en France - irrite les membres de l' Académie des beaux-arts, principalement Gérôme qui commente à ce propos que " nous sommes dans un siècle de déchéance et d'imbécilité ". Pendant trois ans, le directeur de l' École des Beaux-Arts Henry Roujon, qui vise une place à l'Académie, tente de réduire le nombre d'œuvres à exposer, prétextant un manque de place, ou essaye de déléguer l'affaire au Conseil de la Réunion des Musées Nationaux, créé en 1895 et dirigé par les académiciens Henri Delaborde et Léon Bonnat. Finalement, une lettre adressée au ministre de l'instruction publique par l'Académie reste sans réponse, et une annexe est construite pour le Musée du Luxembourg, contre l'avis d'une partie de la presse et du public. La " galerie Caillebotte ", bien que marginalisée par l'Académie et ne conservant que la moitié du legs, devient vite une source d'inspiration pour plusieurs peintres post-impressionnistes.

Le terme post-impressionnisme recouvre de nombreux mouvements d'avant-garde qui, dans les années 1880-1910, s'appuient sur différents acquis de l'impressionnisme pour créer des esthétiques parfois très éloignées : néo-impressionnisme, symbolisme, synthétisme, fauvisme ou encore cubisme. En 1910, le peintre et critique Roger Fry organise une exposition à Londres, intitulée " Manet et les post-impressionnistes ", qui réunit des artistes représentatifs de toutes les tendances qui ont suivi l'impressionnisme - entre autres Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Sérusier, Félix Vallotton, Henri Matisse, Pablo Picasso. S'ils se basent tous sur un héritage de l'impressionnisme, les jeunes artistes d'avant-garde s'opposent, principalement à partir des années 1890, à sa dimension trop mercantile qu'incarne notamment Monet. De leur côté, Renoir, Caillebotte, Sisley et Monet refusent d'exposer à la dernière exposition impressionniste, en 1886, s'opposant à la participation de Gauguin, Seurat et Signac.

Dans le Salon des Indépendants créé en 1884 se lient d'amitié Georges Seurat, Paul Signac et Albert Dubois-Pillet, qui créent le néo-impressionnisme. Ils se placent dans la continuité des impressionnistes, qu'ils considèrent comme leurs prédécesseurs, et incluent une dimension scientifique dans leur travail. Parmi les impressionnistes, seul Pissarro s'intéresse à leur mouvement, qui a influencé à leurs débuts Gauguin, Van Gogh, Munch ou Toulouse-Lautrec. Gauguin veut d'abord suivre la voie de l'impressionnisme, avant de mettre au point un style différent, le synthétisme, qui est exploité par les nabis. De même, Van Gogh prend l'impressionnisme pour modèle à son arrivée à Paris en 1886. Toulouse-Lautrec reçoit les conseils de Degas et partage avec lui ses thèmes, mais crée un style singulier, qui ne correspond à aucun mouvement bien défini.

Les années 1900 voient l'apparition de mouvements plus opposés à l'impressionnisme, bien que les artistes qui les incarnent aient eu des contacts avec celui-ci. C'est le cas de Matisse, chef de file du fauvisme qui apparaît au Salon d'Automne de 1905, ou de Georges Braque, proche de Cézanne, qui fonde le cubisme avec Picasso. Matisse et Picasso, ainsi que Constantin Brancusi, Umberto Boccioni et Alberto Giacometti, sont influencés par Medardo Rosso, principal représentant de l'impressionnisme en sculpture.

Alfred Sisley, La machine de Marly, 1873, Copenhague, Ny Carlsberg Glyptotek.

Avant et après le terme " impressionnisme " inventé par Louis Leroy en 1874, le mouvement a plusieurs noms. Les artistes sont d'abord considérés comme des réalistes dans la continuité de Courbet, puis comme des naturalistes. À la fin des années 1860, la critique les range sous le nom d' école des Batignolles, en référence au café où se réunit l'avant-garde autour de Manet, tandis que Zola invente le terme " actualiste " pour décrire Bazille, Renoir et Monet. Lorsqu'ils organisent la première exposition, les artistes hésitent sur le nom à donner à leur groupe : Degas propose " La Capucine ", Renoir veut éviter un nom qui suggérerait une nouvelle école - c'est finalement " Société anonyme des peintres, sculpteurs, graveurs, etc. " qui est retenu. Louis Edmond Duranty parle de la " Nouvelle peinture " dans son compte-rendu de la deuxième exposition, et les artistes se baptisent " Indépendants " pour l'exposition de 1879.

Auguste Renoir, Le Déjeuner des canotiers (1881), Washington, The Phillips Collection. Cette toile a été exposée lors de la septième exposition impressionniste.

Ci-dessous, la liste des huit expositions du groupe impressionniste. D'autres ont été organisées, notamment par Durand-Ruel, qui expose des toiles impressionnistes tout au long des années 1870-1890, et les principaux artistes ont aussi eu des expositions monographiques dès les années 1880.

Si Manet peut être considéré comme le chef de file de l'avant-garde des années 1860-1880, il n'est pas strictement un impressionniste, puisqu'il n'a participé à aucune des expositions de ses camarades. Les raisons de ce refus ne sont pas connues : la vanité de Manet, comme le pense Degas, les conflits internes au groupe dont il veut se tenir éloigné, ou le souci de sa réputation alors qu'il espère avant tout s'imposer au Salon,. De plus, son style plus proche du réalisme et ses thèmes l'éloignent des impressionnistes " typiques " que sont Monet, Pissarro ou Sisley, auxquels se réfère Louis Leroy quand il invente le terme " impressionnisme ". Malgré son absence aux expositions, qui ne doit pas être vue comme un hasard mais comme une volonté de sa part, Manet reste proche des impressionnistes, qui sont avant tout des amis. Il les soutient, parfois financièrement - notamment Monet - et auprès des critiques. Lors des réunions au café Guerbois puis au café de la Nouvelle-Athènes, Manet reste le centre des conversations, et ce jusqu'à la fin des années 1870. Par la suite, plusieurs critiques le jugent dépassé par l'avant-garde, comme Zola qui le considère en 1879 comme " l'ancien chef des impressionnistes ".

Les expositions impressionnistes, de 1874 à 1886, ont réuni des artistes aux styles variés qui rendent difficile une définition précise d'un " style " propre. Les impressionnistes composent principalement en plein air, pratique facilitée par l'invention des tubes de peinture en 1859. L'usage de couleurs vives se répand, grâce aux pigments artificiels de plus en plus utilisés et en opposition à la doctrine académique qui use de couleurs plus sombres. La clarté des couleurs est aussi influencée par l'usage de l' aquarelle, notamment par des prédécesseurs comme Jongkind, qui s'en sert pour donner leur légèreté à ses toiles. Les artistes n'hésitent pas à peindre des ombres colorées - par exemple, une ombre bleue sur de la neige, ou les ombres violacées de Torse, effet de soleil de Renoir - à contre-courant de ce qui est enseigné aux Beaux-Arts. Ils essaient généralement de créer un effet d'instantanéité et de mouvement, pour transcrire les changements de la lumière ou de l'atmosphère. Leurs compositions inhabituelles sont cependant étudiées, et souvent terminées en atelier. L'usage de perspectives tronquées, où le point de fuite sort du cadre, est répandu, ainsi que le fait de couper les personnages sur les bords du cadre ou de ne pas centrer le tableau sur son sujet, comme dans La classe de danse de Degas.

Bien qu'il s'agisse d'un mouvement majoritairement pictural, l'impressionnisme a trouvé un pendant en sculpture avec Degas (qui réalise La petite danseuse de quatorze ans entre 1875 et 1880) et surtout Medardo Rosso. Il intègre dans ses œuvres des effets de lumière et un modelé non fini, et les conçoit comme l'image de ses impressions personnelles,. Son arrivée à Paris en 1889 lui permet de rencontrer Degas, qui se remet alors à la sculpture et intègre certains principes de l'artiste italien, comme l'absence de socle et l'effacement des détails. Mais l'influence de Rosso en France reste faible, malgré le Monument à Balzac de Rodin, devenu sculpteur officiel de la République, qui s'inspire de ses œuvres. La notion de " sculpture impressionniste " apparaît en 1901, dans un article de La Nouvelle Revue que Rodin fait financer par sa mécène Juliette Adam, intitulé De l'Impressionnisme en sculpture : Auguste Rodin et Medardo Rosso. Grâce à cet article, Rodin fait figure de " sculpteur impressionniste " à l'égal de Rosso, alors que ce dernier a poussé plus loin ses recherches sur les principes impressionnistes en sculpture, et qu'il s'est finalement largement opposé à Rodin sur le plan politique, restant en marge des institutions officielles.

La peinture d'histoire est en déclin au moment où se développe l'impressionnisme, qui exploite des thèmes contemporains : guinguettes, gares, vues urbaines, opéra, vie intime et mondaine. Les thèmes sont plus bourgeois que populaires, et accompagnent le développement des loisirs des citadins aisés, comme les fêtes sur les bords de Seine - l' île de la Grenouillère peinte par Renoir et Monet - ou les séjours en bords de mer. Les impressionnistes montrent peu d'intérêt pour le travail et la dimension sociale, avec quelques exceptions, par exemple Les raboteurs de parquet de Caillebotte et des scènes paysannes de Pissarro.

Les impressionnistes ne refusent pas l'héritage de l'art traditionnel, comme en témoigne leur intérêt pour des artistes " classiques ", que certains d'entre eux copient au Louvre - c'est le cas de Morisot, Manet, Degas, Renoir. Ils portent un grand intérêt à l'usage des couleurs de Véronèse, Titien et Tintoret, à la touche de Rubens et du Greco, à la perspective atmosphérique de Velázquez - que Manet qualifie de " peintre des peintres " - ou encore au pleinairisme avant l'heure d' Oudry, Watteau et des védutistes italiens.

Au siècle se développe une lecture nationale de l'art : les critiques divisent la peinture des différents pays européens selon un " caractère national " censé transparaître dans les toiles,. En opposition à cette posture académique, les impressionnistes revendiquent des influences internationales et, pour cette raison, la critique des années 1870 les considère d'une manière générale comme antipatriotiques,. Les peintres et écrivains modernistes restent en outre attachés à la figure de Wagner, malgré ses prises de position contre la France en 1870.

Le japonisme, autre courant majoritairement associé à l'avant-garde, est très présent chez les impressionnistes. Manet, Whistler, Pissarro, Degas, Cassatt, Monet collectionnent des estampes , dans lesquelles ils puisent de nouveaux motifs et modes de représentation. Les scènes de la vie intime ainsi que la recherche d'instantanéité transcrite par les jeux de lumière rapprochent les deux mouvements. Les femmes à leur toilette de Degas ou Cassatt sont particulièrement proches des estampes d' Utamaro. C'est d'ailleurs après avoir vu une exposition sur le maître japonais que Cassatt entreprend, en 1891, une série d'estampes dont fait partie La toilette. Une influence directe de l'art japonais est visible aussi dans les estampes de Whistler et Pissarro. Ce dernier écrit à son fils, après avoir vu une exposition consacrée à Hiroshige et Utamaro à la galerie Durand-Ruel, en 1893 :

" Hiroshige est un impressionniste merveilleux [...]... Ces artistes japonais me confirment dans notre parti pris visuel. "

L'impressionnisme en Europe

Les Macchiaioli ne sont pas le résultat de la diffusion de l'impressionnisme, qu'ils précèdent de quelques années, mais ils partagent une même opposition à l'art académique et développent une esthétique proche, en essayant de rendre compte de leurs impressions avec des taches de couleurs. Degas, qui a de la famille à Naples, est en contact avec eux et peint le portrait de leur plus grand défenseur, Diego Martelli, qui soutient aussi l'impressionnisme en Italie. Parmi les Macchiaioli, les peintres Giuseppe de Nittis, Federico Zandomeneghi et Giovanni Boldini font carrière en France en même temps que les impressionnistes.

En Belgique, Alfred Stevens fait découvrir Manet et Degas à ses compatriotes dès 1870. Créé en 1884, le Salon des XX fait de Bruxelles la capitale de l'art moderne en Europe, et soutient autant l'impressionnisme que d'autres mouvements d'avant-garde. Guillaume Vogels, Albert Baertsoen, Ferdinand Willaert, Émile Claus et Anna Boch sont les principaux représentants de l'impressionnisme belge, tandis que le néo-impressionnisme se développe aussi largement, avec Théo Van Rysselberghe, Georges Lemmen et Willy Finch.

Aux Pays-Bas, l'impressionnisme se développe avec l' école d'Amsterdam, dont Isaac Israëls et George Hendrik Breitner sont les figures principales.

L'Angleterre est le premier pays à recevoir des expositions de tableaux impressionnistes, lors de l'exil de Pissarro, Monet et Durand-Ruel en 1870. Durand-Ruel organise en effet, entre 1870 et 1874, sept expositions qui incluent des toiles du groupe des Batignolles,. Il organise de nouvelles expositions en 1882 et 1883, qui inspirent des artistes à fonder le New English Art Club en 1885, cœur de l'impressionnisme anglais. Ses membres, dont les principaux sont Walter Sickert et Philip Wilson Steer, invitent Morisot, Monet ou encore Degas à leurs expositions.

Paul Durand-Ruel organise une première exposition d'art impressionniste à Berlin en 1883, en collaboration avec le marchand Fritz Gurlitt, mais aucun tableau n'est vendu. Il s'intéresse à nouveau au marché allemand quelques années plus tard, et entre en contact avec le critique Emil Heilbut , qui publie en 1890 le premier texte en allemand sur Claude Monet et est lié avec des collectionneurs importants. Une grande exposition organisée par Alfred Lichtwark à la Kunsthalle de Hambourg, en 1895, inclut des œuvres impressionnistes prêtées par Durand-Ruel. L'année suivante, Durand-Ruel se tourne à nouveau vers le marché berlinois, où il est soutenu par le peintre Max Liebermann et Hugo von Tschudi, directeur de la Nationalgalerie. Tschudi commence à acquérir des œuvres pour les exposer à la Nationalgalerie, avant d'être freiné par les goûts conservateurs de . Durand-Ruel collabore à partir de 1899 avec la galerie Cassirer, à Berlin, qui organise plusieurs expositions de peinture impressionniste. À partir de 1905, l'impressionnisme fait son entrée dans les musées allemands, avec de nombreux achats auprès de Cassirer ou Durand-Ruel ; ces achats se poursuivent, malgré des critiques du milieu artistique allemand en 1911, dans un contexte politique tendu à l'approche de la Première Guerre mondiale. Les principaux représentants de l'impressionnisme allemand sont Max Liebermann, Lovis Corinth et Max Slevogt.

Le Roumain Georges de Bellio, médecin et collectionneur intimement lié aux impressionnistes, participe à la diffusion du mouvement parmi les amateurs d'art de son pays. Son compatriote Nicolae Grigorescu, durant un premier séjour en France de 1861 à 1869, se rapproche de l' École de Barbizon dont il diffuse les principes en Roumanie. De retour en France en 1876, sa palette s'éclaircit au contact des impressionnistes.

Le Hongrois Pál Szinyei Merse peut, dès 1869, être rapproché de l'impressionnisme, bien qu'il développe par la suite un style différent des artistes français. Son Déjeuner sur l'herbe fait scandale lors de son exposition en 1873, et Szinyei Merse, découragé, ne reprend la peinture que dans les années 1890. Il est redécouvert par les jeunes peintres pleinairistes de Nagybánya qui, intéressés par l'impressionnisme français, lui consacrent plusieurs expositions dans les années 1900-1910. Il est l'un des principaux membres du MIÉNK, ou Cercle des impressionnistes et naturalistes hongrois, fondé en 1907.

Les impressionnistes slovènes bénéficient de l'enseignement d' Anton Ažbé, dans l'école qu'il a fondée à Munich en 1891. Les principaux sont Ivan Grohar, Matija Jama, Matej Sternen et Rihard Jakopič. Ils sont principalement influencés par les œuvres tardives des impressionnistes français, comme les séries que Monet réalise dans les années 1890. Une exposition leur a été consacrée au Petit Palais en 2013, Les impressionnistes slovènes et leur temps. En Serbie, Nadežda Petrović, très influencée par l'impressionnisme durant ses études, le promeut avec force dans les années 1900. Elle est considérée comme une pionnière de l'art moderne de son pays.

Bien que quelques artistes embrassent les principes impressionnistes, le mouvement s'est peu développé en Europe du Nord. Le réalisme a été plus largement apprécié jusqu'au milieu des années 1880, avant d'être remplacé par le symbolisme, sans que l'impressionnisme n'ait le temps d'être assimilé. En outre, le contexte urbanisé et industrialisé où s'est développé l'impressionnisme en France est alors très différent de celui de la Scandinavie et de la Finlande. La diffusion a aussi été freinée par la réticence des critiques et du public. Albert Edelfelt est, dès 1877, très négatif vis-à-vis du nouveau mouvement, dans un article du journal Finsk Tidskrift. Cependant d'autres critiques sont moins catégoriques et certains artistes sont fortement réceptifs à l'impressionnisme, comme le Finlandais Berndt Lindholm, qui peint une très novatrice Vue sur le boulevard Clichy en 1870.

Le Norvégien Erik Werenskiold, qui visite la septième exposition impressionniste en 1882, est d'abord dubitatif face à la nouvelle esthétique ; il en sera par la suite un important soutien. Christian Krohg, sans considérer les artistes norvégiens de sa génération comme des impressionnistes, souligne l'influence notable du mouvement sur eux, un constat illustré par La Seine à Saint-Cloud d' Edvard Munch, peinte pendant un séjour à Paris en 1890.

En Suède, l'impressionnisme est soutenu par le prince Eugène, lui-même peintre. Les trois artistes les plus influencés par l'impressionnisme sont Carl Trägårdh, Per Ekström et Anders Zorn, qui maintient ses principes au-delà de 1890, alors que ses compatriotes sont désormais majoritairement attirés par le symbolisme,. Richard Bergh, August Hagborg, Ernst Josephson et Carl Larsson fondent en 1885 l'Association des Artistes suédois, qui s'oppose à l'académisme et s'inspire de l'impressionnisme.

Au Danemark, Karl Madsen, membre des peintres de Skagen, joue un grand rôle dans la promotion des impressionnistes, notamment via sa revue Kunstbladet. Il y consacre plusieurs articles à une exposition d'avant-gardistes français, organisée en 1888 à Copenhague par son camarade Peder Severin Krøyer. En 1889, Madsen organise l'exposition " Impressionnistes nordiques et français ", principalement à partir d'œuvres laissées par Gauguin à sa femme Mette après son séjour danois de 1885. Y sont présentées des toiles de Pissarro, Manet, Sisley ou encore Degas, ainsi que des Danois Theodor Philipsen et Viggo Johansen, et des Norvégiens Erik Werenskiold et Christian et Oda Krohg,.

En Finlande, l'impressionnisme s'est développé plus tard que dans les autres pays nordiques, malgré la Vue sur le boulevard Clichy de Lindholm. Viktor Westerholm en est le plus grand représentant dans les années 1880, puis il faut attendre 1902 pour que Willy Finch, un artiste belge émigré à Helsinki, présente en détail les principes impressionnistes et néo-impressionnistes dans la revue Euterpe. En 1904, il organise avec Magnus Enckell une exposition qui réunit entre autres des toiles de Pissarro, Sisley, Degas, Renoir et Monet, et prélude à la création du Groupe Septem.

Conservation et négoce

L'impressionnisme étant un mouvement largement porté par des artistes français, il est logique de trouver de nombreuses œuvres dans des musées situés en France ; toutefois, la plupart des grandes collections d'art moderne à travers le monde s'efforcent également de présenter au moins quelques exemples de toiles impressionnistes.

Ainsi, le musée Getty à Los Angeles présente de nombreuses œuvres typiques du mouvement comme Soleil levant (marine) de Monet qui constitue un proche cousin du célèbre Impression, soleil levant du musée Marmottan. D'autres grands musées américains abritent des collections impressionnistes importantes comme le Metropolitan Museum of Art de New York, le musée des Beaux-Arts de Boston avec notamment pas moins de 35 tableaux de Monet ou encore l' Art Institute of Chicago ; en Russie, le musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg présente de nombreuses œuvres de Monet ou encore de Renoir, de même que le musée national de l'Art occidental de Tokyo à partir de la collection Matsukata, etc.

En France, la plus grande concentration d'œuvres impressionnistes se trouve au musée d'Orsay à Paris, mais d'autres établissements accueillent un fonds important, comme le musée Marmottan Monet (avec une vaste collection de toiles de Monet bien sûr, mais aussi de Berthe Morisot parmi beaucoup d'autres) ou bien le musée des Beaux-Arts de Rouen. À Giverny, ville où vécut et travailla Claude Monet, le musée local prend en 2009 le nom de " musée des impressionnismes ".

Auguste Renoir, Bal du Moulin de la Galette, 1876.
Le tableau existe en deux versions, dont celle-ci atteint presque 80 millions de dollars aux enchères en 1990 ; l'autre appartient au musée d'Orsay.

Les toiles impressionnistes conservent, au début du siècle, une cote importante sur le marché de l'art : l'intérêt des collectionneurs ne fléchit pas au fil du temps et les prix sont souvent très élevés. Ainsi en 2019, l'une des de Monet dépasse les 100 millions de dollars lors d'une vente chez Sotheby's, sachant que le précédent record de vente pour un Monet (de la série des Nymphéas) s'élevait déjà à près de 85 millions de dollars. Plusieurs tableaux de Cézanne ou de Renoir rencontrent un fort succès, comme Les Joueurs de cartes vendus pour 210 millions de dollars en 2011 ou bien la version " Whitney " du Bal du Moulin de la Galette qui est vendue en 1990 pour 78,1 millions. De grandes maisons de vente internationale comme Christie's témoignent de cet intérêt sans cesse renouvelé pour l'achat d'œuvres impressionnistes et affichent des résultats d'enchères très élevés : 40,9 millions de livres en 2008 pour Le Bassin aux nymphéas de Monet ; 10,2 millions de livres pour un Pissarro en 2012 ( Jardin et poulailler chez Octave Mirbeau, Les Damps) ; 7 millions en 2013 pour Après le déjeuner de Berthe Morisot, etc.

Notes et références

: ouvrages utilisés pour la rédaction de l'article.

Jean-Philippe Breuille (dir.), L'impressionnisme et la peinture de plein air, Paris, Larousse, .

Raymond Cogniat, L'Impressionnisme, Paris, A. Somogy, 1955.

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Henri Loyrette (dir.), Impressionnisme. Les origines, 1859-1869, Paris, Réunion des Musées Nationaux, .

Charles S. Moffett, Manet 1832 - 1883, Paris, Réunion des Musées Nationaux, , " Manet et l'impressionnisme ", p. 29-34 .

Sylvie Patry (dir.), Paul Durand-Ruel, le pari de l'impressionnisme, Paris, Réunion des Musées Nationaux, .

Daniel Wildenstein , Monet ou le Triomphe de l'Impressionnisme, Cologne, Taschen, , 480 p. .

Sylvain Amic (dir.), Joanne Snrech (dir.), Judith Bargues, Claire Bernardi, Jeanne-Marie David, Anne Distel, Caroline Durand-Ruel Godfroy, Claire Durand-Ruel Snollaerts, Géraldine Lefebvre, Ségolène Le Men, François Lespinasse, Sylvie Patry, Guy Pessiot et Ann Summer, François Depeaux, collectionneur des impressionnistes : exposition, Rouen, Musée des beaux-arts, du 18 juillet au 30 août 2020, In Fine éditions d'art, , 320 p. .

Laurent Manœuvre, Mary Cassatt, au cœur de l'impressionnisme, Paris, Éditions À Propos, 2018 .

Duranty, La nouvelle peinture. À propos du groupe d'artistes qui exposent dans les galeries Durand-Ruel, (lire en ligne).

Henry Nocq, " Enquête à propos de la donation Caillebotte ", Journal des artistes,‎ (lire en ligne) .

Marina Ferretti-Bocquillon (dir.), Japonismes / Impressionnismes, Paris, Gallimard, .

Caroline Joubert, L'estampe impressionniste : trésors de la Bibliothèque nationale de France, de Manet à Renoir, Paris, Éditions d'Art Somogy, .

Serge Goyens de Heusch, L'impressionnisme et le fauvisme en Belgique, Paris, Albin Michel, .

.

(en) Kenneth McConkey, British Impressionism, Oxford, Phaidon, .

Sur les autres projets Wikimedia :

Le Scandale impressionniste, film documentaire de François Lévy-Kuentz, France, 2010, 55'.

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L' impressionnisme est un mouvement pictural apparu en France dans les années 1860 en opposition à l' art académique et visant à représenter le caractère éphémère de la lumière et ses effets sur les couleurs et les formes.

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[dossier]
Pour avoir une vue d'ensemble sur l' impressionnisme, consultez en priorité les articles suivants du dossier en cliquant sur celui de votre choix :

Claude Monet, Impression, soleil levant

Résumé du dossier

Claude Monet, Impression, soleil levant

Edgar Degas, la Classe de danse

Auguste Renoir, Bal du Moulin de la Galette

L'impressionnisme est à la fois une tendance artistique et un mouvement apparus en France dans le dernier quart du xix e siècle. Il s'exprime le plus souvent dans des peintures de paysages et des scènes de la vie moderne, qui mettent l'accent sur la sensation visuelle et l' expression instantanée des effets lumineux.

D'abord mal accueillis par les institutions et par la critique - mis à part quelques écrivains, tel Émile Zola -, les premiers maîtres de l'impressionnisme se regroupent en une " Société anonyme " et organisent huit expositions (1874-1886). Lorsque le succès public se dessine, à la fin des années 1880, l'impressionnisme connaît un essor important dans les écoles de peintures étrangères.

Plus tard, on rassemble dans le " post-impressionnisme " les différentes tendances artistiques issues directement ou indirectement de l'impressionnisme dans les dernières années du xix e siècle. Le terme est d'usage contesté : il doit être distingué de " néo-impressionnisme ", qui sert à désigner la descendance directe de l'impressionnisme à travers l'interprétation qu'en font les peintres Georges Seurat et Paul Signac.

L'impressionnisme est par ailleurs le modèle d'une sensibilité qui s'appuie sur le souvenir et la résonnance intime. Il est ainsi le fondement d'une esthétique : on parle d'impressionnisme en musique.

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Encyclopédie Larousse en ligne - impressionnisme

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L'impressionnisme est à la fois une tendance artistique et un mouvement apparus en France dans le dernier quart du XIXe siècle. Il s'exprime le plus souvent dans des peintures de paysages et des scènes de la vie moderne, qui mettent l'accent sur la sensation visuelle et l'expression instantanée des effets lumineux.

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La collection particulière de Claude Monet, actuellement mise à l’honneur au musée Marmottan, révèle les liens qu’entretenait le maître de l’impressionnisme avec ses amis artistes. L’occasion de faire toute la lumière sur ce mouvement fondateur de l’art moderne.

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Histoire d'un chef d'oeuvre

A l'automne 1880, Renoir est à Chatou. Il écrit à son ami Paul Bérard "Je fais un tableau de canotiers qui me démangeait depuis longtemps [...] C'est déjà très dur : il faut de temps en temps tenter des choses au dessus de ses forces".

Il reste chez les Fournaise durant la réalisation de son grand tableau. Puis celui-ci est acquis par le marchand d'art Paul Durand-Ruel et exposé lors de la septième exposition des Impressionnistes en 1881. Quelques années plus tard, en 1923, le collectionneur Duncan Phillips achète le tableau aux fils de Durand-Ruel. Pour cet amateur qui a ouvert le premier musée privé américain d'art moderne à Washington, Le Déjeuner des canotiers est "l'un des plus grands chefs d'oeuvre du monde". Il prédit avec clairvoyance : "les gens feront des milliers de kilomètres jusqu'à nous pour l'admirer".

Ce tableau marque aussi un tournant dans l'oeuvre de Renoir: il résume son travail d'une douzaine d'années. D'une touche assagie, il compose une scène complexe mais plus synthétique que le Bal du Moulin de la Galette. Il maîtrise également la lumière ensoleillée qui traduit la chaleur de ces déjeuners amicaux, une certaine idée du bonheur devenue aujourd'hui l'image d'un âge d'or.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Le Déjeuner des canotiers

Huile sur toile 130 x 176 cm

1880-81

Washington, Phillips Collection

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Voir aussi :
L'Histoire de la Maison Fournaise Parcours-spectacle "Renoir impressionniste, l'expérience immersive"

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Ce site web utilise des cookies. En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Pour en savoir plus Cliquez-ici. Histoire d'un chef d'oeuvre A l'automne 1880, Renoir est à Chatou. Il écrit à son ami Paul Bérard "Je fais un tableau de canotiers qui me démangeait depuis longtemps [...]

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Document souligné du site des Beaux Arts

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Document souligné du site des Beaux Arts

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Patrick AULNAS
Portraits et autoportraits

Auguste Renoir (v.1875). Photographie, auteur inconnu

Auguste Renoir âgé. Photographie, auteur inconnu
1841-1919
La jeunesse et l'apprentissage

Pierre-Auguste Renoir (*) est né le 25 févier 1841 à Limoges dans une famille modeste. Son père est tailleur de pierre et sa mère couturière. La famille s'installe à Paris en 1844 pour améliorer sa situation. Doué pour le dessin, le jeune Pierre-Auguste devient apprenti pour la décoration de pièces en porcelaine chez Lévy Frères. Il a alors treize ans. Il suit parallèlement des cours de dessin.

En 1862, il réussit le concours d'entrée à l'École des Beaux-arts de Paris. Il y suit les leçons de Charles Gleyre (1806-1874), peintre du courant académique et professeur réputé. Dans l'atelier de Gleyre, il a pour condisciples Claude Monet, Alfred Sisley et Frédéric Bazille qui deviendront des amis et des figures importantes du courant impressionniste.

Le premier tableau de Renoir accepté au Salon de l'Académie des Beaux-arts est précisément un portrait du père d'Alfred Sisley, William. L'art du portrait permettra au peintre, tout au long de sa carrière, d'assurer des rentrées financières, alors que les thèmes favoris des impressionnistes (scènes de genre, paysages) ne trouveront pas preneur. En 1868, toujours au Salon, Lise à L'ombrelle obtient des appréciations positives. Il s'agit d'un portrait en pied de sa maîtresse, Lise Tréhot, avec laquelle Renoir aura deux enfants, Pierre Tréhot (1868-1930) et Jeanne Tréhot (1870-1934). Il ne reconnaîtra jamais ces enfants, mais aidera toujours financièrement Jeanne, dans le plus grand secret. La relation avec Lise s'achève en 1872.

La période impressionniste

En 1869, Renoir séjourne avec Claude Monet à la Grenouillère, restaurant implanté sur une île de la Seine et louant des canots. Il évolue alors nettement vers l'impressionnisme en étudiant les reflets du soleil sur la surface de l'eau (La Grenouillère, 1869). Comme Monet, il éclaircit sa palette et ne lisse plus les touches, mais les juxtapose ou les superpose pour produire, à distance, un effet visuel. La délimitation nette des formes est abandonnée au profit du rendu d'une impression d'ensemble. Une poésie du réel, liée à la perception particulière du peintre, se substitue à la représentation rigoureuse.

Ces tableaux novateurs étant refusés au Salon, Monet, Renoir, Pissarro, Degas et Berthe Morisot fondent la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs qui a pour objectif de permettre aux impressionnistes d'exposer librement sans passer par le salon officiel. Huit expositions impressionnistes vont se succéder de 1874 à 1886. Renoir participe à celles de 1874, 1876, 1877 et 1882. Tout le génie du peintre va alors se déployer dans des réalisations parfois très ambitieuses et mal perçues du public, mais qui marquent définitivement l'histoire de l'art. Ainsi, le Bal du Moulin de la Galette (1876), composition de 1,75 mètre de large, place la scène de genre au niveau le plus haut. Elle peut désormais concurrencer les intemporelles scènes mythologiques.

En 1881, Renoir persiste dans le genre, avec Le déjeuner des canotiers, où figure (au premier plan à gauche) celle qu'il épousera en 1890, Aline Charigot (1859-1915).

Comme Pierre-Auguste, Aline vient d'un milieu modeste. Son père est boulanger et sa mère couturière à Essoyes (Aube). Son enfance fut difficile car son père quitta le domicile conjugal en 1860. Aline est élevée par sa tante et son oncle, qui viennent en aide à sa mère. En 1872, cette dernière s'installe à Paris et Aline apprend le métier de couturière. Ayant rencontré Auguste Renoir, elle pose pour lui à partir de 1879. Leur premier enfant, Pierre Renoir (1885-1952), deviendra comédien, ami et collaborateur de Louis Jouvet. Pierre-Auguste reconnaît son fils à la mairie du 18 e arrondissement de Paris et épouse Aline en 1890. Jean Renoir, leur second fils (1894-1979), est considéré comme l'un des plus grands cinéastes français de 20 e siècle. Enfin Claude Renoir (1901-1969), leur troisième fils, sera initié par son père à l'art de la céramique et deviendra un céramiste réputé, mais aussi un producteur de cinéma et un grand expert de la peinture de son père.

Dans la décennie 1880-1890, Renoir voyage dans le sud de la France, en Italie et en Algérie. La découverte des chambres de Raphaël (stanze di Raffaelo), fresques peintes dans quatre salles du Vatican, le conduit à remettre en cause son style impressionniste. Il doute de ses capacités en dessin et veut revenir vers plus de rigueur formelle et une certaine intemporalité. Ingres et Raphaël deviennent désormais ses modèles et l'on qualifiera ce nouveau style de période ingresque, aigre ou sèche. Ses tableaux impressionnistes ne se vendant pas, il avait d'ailleurs dû, dès les années 1870, revenir à des compositions plus académiques pour être admis au Salon officiel. Les commandes de portraits lui permettent ainsi de vivre de son art. Ce sont parfois des œuvres imposantes comme Madame Charpentier et ses enfants (1878), d'une largeur de deux mètres.

L'aboutissement de la période ingresque se situe en 1887 lorsqu'il présente Les Grandes Baigneuses à l'exposition internationale, dans la galerie du grand marchand d'art Georges Petit (1856-1920). Le milieu artistique admira le tableau mais la critique fut plutôt défavorable dans l'ensemble.

Auguste Renoir. Les Grandes Baigneuses (1884-87)
Huile sur toile, 118 × 171 cm, Philadelphia Museum of Art.

Renoir se réorienta alors vers un style composite, synthèse de son vaste savoir-faire.

Les premiers symptômes de la polyarthrite rhumatoïde, qui rendra sa vieillesse extrêmement douloureuse, se faisant sentir à la fin de la décennie 1880, Renoir est confronté à une phase de découragement qui le conduira à faire évoluer à nouveau son style. On qualifie de période nacrée ce nouveau style empruntant à la fois à l'impressionnisme et à l'académisme, où dominent les couleurs en demi-teinte, en particulier les roses, les ocres et les blancs. Son tableau, Les jeunes filles au piano (1892), l'une des premières œuvres de cette période, est acheté par l'État français et exposé au musée du Luxembourg. Cette reconnaissance officielle constitue un encouragement important pour l'artiste, désormais consacré. Les commandes affluent et la production est considérable : nus (beaucoup de baigneuses), portraits de jeunes filles et de femmes, natures mortes et même scènes mythologiques. Les marchands d'art Paul Durand-Ruel et Ambroise Vollard se chargent de la commercialisation des œuvres.

En 1896, Renoir achète une maison à Essoyes, localité d'où son épouse est originaire. Tous les étés, la famille Renoir se retrouve désormais dans cette maison. Mais sa maladie s'aggrave à la fin de la décennie 1890. Peu à peu ses mains se déforment et doivent être bandées. Il continuera toujours à peindre, sauf au cours des crises les plus douloureuses.

En 1903, Renoir acquiert le domaine des Collettes, à Cagnes-sur-Mer, au bord de la Méditerranée, le climat sec étant plus favorable aux rhumatisants. A partir de 1910, le peintre ne peut plus se déplacer. Dans la dernière partie de sa vie, à partir de 1913, Renoir réalise des sculptures (Eau, grande laveuse accroupie, 1917) avec l'aide de deux sculpteurs : Richard Guino (1890-1973) d'abord, Louis Morel (1887-1975) ensuite.

Aline, sa femme, meurt en 1915. Au cours de la Première Guerre mondiale (1914-1918) ses deux fils, Pierre et Jean, sont grièvement blessés. Le peintre décède le 3 décembre 1919 à la suite d'une congestion pulmonaire. Pierre-Auguste Renoir fut d'abord inhumé auprès de son épouse dans le vieux cimetière du château de Nice. Mais conformément à la volonté des deux époux, leurs corps furent transférés à Essoyes en 1922.

Renoir devint l'un des plus grands impressionnistes d'abord et avant tout parce qu'il voulait saisir la vie dans ses instants de bonheur et de sérénité. Jamais il n'a dévié de cette ambition, même si son style a fortement évolué au cours d'une carrière d'un demi-siècle. Le négativisme pictural, la peinture de la laideur du monde et de ses vices, si développée au 20 e siècle, n'intéresse pas Renoir. La joie d'exister, l'inexprimable sensation que laisse un magnifique paysage, la sensualité des corps féminin, les familles heureuses dans un cadre de vie confortable et parfois même l'intemporalité des scènes mythologiques, voilà ce qui l'attire. Le bonheur de peindre s'ajoutant au bonheur d'exister, l'œuvre est quantitativement colossale : plus de 4 000 peintures, mais aussi des dessins et des sculptures.

Il admire les italiens Raphaël, Titien, Véronèse, mais aussi le flamand Rubens et les français Fragonard, Boucher, Corot et Courbet. Comme tous les peintres de sa génération, il commence par rompre avec les prescriptions académiques pour réaliser des scènes contemporaines dans un style qui se rattache au courant réaliste du 19 e siècle : Les fiancés ou le ménage Sisley, 1868. L'influence de Courbet est alors importante.

Le glissement vers l'impressionnisme apparaît nettement lorsqu'il travaille avec Monet au restaurant La Grenouillère, le long de la Seine : La Grenouillère, 1869. Il s'agit désormais de restituer une ambiance, une perception artistique, en accentuant certains effets comme le miroitement de la lumière sur la surface du fleuve. Les touches sont visibles, les formes se dissolvent. La toile est le support d'une impression artistique que ne rendrait pas la photographie du lieu. La période impressionniste dure jusqu'à 1880 environ et comporte des chefs-d'œuvre majeurs de l'histoire de l'art :

Après un voyage en Italie où il admire les fresques vaticanes de Raphaël, un voyage en Algérie où il prétend découvrir le blanc, puis la mort de Manet en 1883, Renoir sent que l'impressionnisme ne lui suffit plus. " J'étais allé jusqu'au bout de l'impressionnisme et j'arrivais à cette constatation que je ne savais ni peindre ni dessiner. En un mot, j'étais dans une impasse. " Le grand artiste va alors se remettre au dessin au crayon ou à la plume, comme les maîtres du passé. Il doit égaler leur savoir-faire technique, du moins s'impose-t-il cette contrainte. Chaque tableau est dessiné, les contours réapparaissent nettement. La pureté formelle classique, l'atmosphère limpide se retrouvent alors chez Renoir, auquel on reprochera cependant la froideur de ses compositions. Les figures se détachant nettement de leur environnement par l'importance accordée au dessin, ces œuvres n'auraient plus la cohérence instinctive de la période impressionniste. Mais il s'agit là d'une question d'appréciation, de ressenti. La période dite ingresque ou aigre étant une recherche de pureté formelle, elle ne peut retrouver la spontanéité impressionniste.

A partir de la décennie 1890, Renoir évolue vers une synthèse artistique que l'on qualifiera de période nacrée. Il souhaite donner sa place au dessin en ne dissolvant pas les formes dans un nuage de couleurs, mais intégrer malgré tout les figures dans une composition formant un ensemble cohérent. " Je me bats avec mes figures jusqu'à ce qu'elles ne fassent plus qu'un avec le paysage qui leur sert de fond, et je veux qu'on sente qu'elles ne sont pas plates, ni mes arbres non plus. "

Le peintre utilise alors de petites touches longues et de légères superpositions de couches pour concilier dessin et couleur. L'ensemble de la composition prend un aspect lissé, aux reflets irisés comme de la nacre. Les baigneuses (1918-19), l'un des derniers tableaux de Renoir, représente l'aboutissement de cette recherche, à laquelle se mêlent des préoccupations d'intemporalité éloignant le peintre des scènes quotidiennes du courant impressionniste et le rapprochant des grands maîtres italiens et flamands, en particulier Titien et Rubens.

Auguste Renoir. William Sisley (1864). Huile sur toile, 81 × 65 cm, musée d'Orsay, Paris. Ce portrait du père du peintre Alfred Sisley fut accepté au Salon officiel de 1865. Renoir est influencé à cette époque par Delacroix, Ingres, Courbet, dont il a découvert les œuvres au cours de son cursus à l'École des Beaux-Arts de Paris.

Auguste Renoir. La Seine à Champrosay (1876). Huile sur toile, 55 × 66 cm, musée d'Orsay, Paris. Champrosay est un hameau de la commune de Draveil (Essonne) à proximité de Paris. Le hameau devint un lieu de villégiature apprécié des artistes à partir du 19 e siècle. Renoir s'essaie au paysage pur, sans aucune présence humaine, et accentue le style impressionniste. La composition s'articule autour de la diagonale formée par la végétation, en bas, à droite, répondant au fleuve et au ciel. Renoir superpose les touches pour aboutir à un puissant chromatisme soulignant le caractère sauvage du lieu.

Auguste Renoir. Bal du Moulin de la Galette (1876). Huile sur toile, 131 × 175 cm, musée d'Orsay, Paris. " Cette œuvre est sans doute la plus importante de Renoir au milieu des années 1870 et fut exposée à l'exposition du groupe impressionniste de 1877. Si le peintre choisit de représenter quelques-uns de ses amis, il s'attache avant tout à rendre l'atmosphère véhémente et joyeuse de cet établissement populaire de la Butte Montmartre. L'étude de la foule en mouvement dans une lumière à la fois naturelle et artificielle est traitée par des touches vibrantes et colorées. Le sentiment d'une certaine dissolution des formes fut l'une des causes des réactions négatives des critiques de l'époque.
Ce tableau, par son sujet ancré dans la vie parisienne contemporaine, son style novateur mais aussi son format imposant, signe de l'ambition de la démarche de Renoir, est un des chefs-d'œuvre des débuts de l'impressionnisme. " (Commentaire musée d'Orsay)

Auguste Renoir. Danse à la ville (1883). Huile sur toile, 180 × 90 cm, musée d'Orsay, Paris.

Auguste Renoir. Danse à la campagne (1883). Huile sur toile, 180 × 90 cm, musée d'Orsay, Paris.

" Renoir affectionnait les scènes de danse. Ces deux tableaux ont été conçus comme des pendants : ils sont de même format et les personnages, pratiquement de grandeur naturelle, représentent deux aspects différents, sinon opposés de la danse. A l'élégante retenue des danseurs urbains, à la froideur du salon où ils évoluent, s'oppose la gaieté de la danse campagnarde en plein air [...]
Exposés chez Durand-Ruel, à qui ils appartiendront longtemps, ces deux tableaux marquent l'évolution du peintre au début des années 1880. Le dessin se fait plus précis et la simplification de la palette tranche avec les touches vibrantes des toiles antérieures. Renoir avouait lui-même que cette attention accrue pour le dessin correspondait à un besoin de renouvellement après qu'il ait pu admirer les œuvres de Raphaël en Italie. " (Commentaire Musée d'Orsay)

Auguste Renoir. Les Grandes Baigneuses (1884-87). Huile sur toile, 118 × 171 cm, Philadelphia Museum of Art. Le tournant stylistique de Renoir atteint ici son point culminant. La touche lissée et la parfaite délimitation des formes renvoient au grand maître du néoclassicisme et de l'académisme, Ingres. Renoir montre l'étendue de son registre en s'inspirant, pour le thème, d'une sculpture en plomb de François Girardon (le bain des nymphes, 1672) réalisée pour une fontaine du parc de Versailles. L'artiste recherche la pureté et l'intemporalité des fresques vaticanes de Raphaël (Raphaël, L'incendie du bourg, détail, 1514). Les deux modèles principaux sont la brune Suzanne Valadon (1865-1938), également peintre, au premier plan, et la blonde Aline Charigot, au second plan, que Renoir épousera en 1890.
Analyse détaillée

Auguste Renoir. Jeunes filles au piano (1892). Huile sur toile, 116 × 90 cm, musée d'Orsay, Paris. Avec l'appui de Stéphane Mallarmé, le tableau fut acquis par l'État et placé au musée du Luxembourg. " Se souvenant d'un thème classique particulièrement apprécié de la peinture française du XVIII e siècle, notamment Fragonard, Renoir cherche à peindre un monde idéal, peuplé de jeunes filles gracieuses. Mais méprisant le simple pastiche, il veut être aussi le peintre de son temps et nous offre l'évocation d'un intérieur bourgeois élégant et feutré. " (Commentaire musée d'Orsay)

Auguste Renoir. Grand nu (1907). Huile sur toile, 70 × 155 cm, musée d'Orsay, Paris. " Le nu féminin, motif de prédilection de Renoir tout au long de sa carrière, est plus souvent représenté par l'artiste dans la lumière du plein air que dans un intérieur.
Durant les années 1890, ses modèles évoquent, selon Gustave Geffroy, de "petits êtres instinctifs, à la fois enfants et femmes". Plus tard, son œuvre gagne en plénitude, s'inscrivant ainsi dans la lignée de Rubens et de Titien.
Pour ce nu presque plantureux, renonçant à l'emploi de touches aux couleurs vives, le peintre restreint sa palette à une gamme harmonieuse de tons plus subtils. Le corps baigne dans une lumière douce et chaleureuse, reposant sur des coussins moelleux, comme dans un écrin. La figure, allongée dans une attitude souple et élégante, se rapproche davantage des odalisques d'Ingres que de l'Olympia de Manet. " (Commentaire musée d'Orsay)

Auguste Renoir. Les Baigneuses (1918-19). Huile sur toile, 110 × 160 cm, musée d'Orsay, Paris. " Ce tableau est emblématique des recherches menées par Renoir à la fin de sa vie. A partir de 1910, l'artiste revient à l'un de ses sujets de prédilection : des nus en plein air auxquels il consacre de grands tableaux. Renoir y célèbre une nature atemporelle, de laquelle toute référence au monde contemporain est bannie [...] Le paysage méditerranéen renvoie à la tradition classique de l'Italie et de la Grèce, lorsque "la terre était le paradis des dieux". "Voilà ce que je veux peindre", ajoutait Renoir. Cette vision idyllique est marquée par la sensualité des modèles, la richesse des coloris et la plénitude des formes. Les baigneuses doivent beaucoup aux nus de Titien et de Rubens, tant admirés par Renoir. Elles traduisent un plaisir de peindre que n'ont pas vaincu la maladie et les souffrances endurées par le peintre à la fin de sa vie. " (Commentaire musée d'Orsay

Pour visionner d'autres œuvres sur GOOGLE ARTS & CULTURE, cliquer sur le nom du peintre :
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(*) Il est plus connu sous le nom d'Auguste Renoir, mais signe ses tableaux Renoir.

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Biographie et œuvre d'Auguste Renoir (1841-1919)

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Cliquer sur les images pour les agrandir. Pour passer directement d'une image agrandie à l'autre, cliquer au centre droit ou gauche de l'image. ______________________________________________________________________ Patrick AULNAS Auguste Renoir (v.1875). Photographie, auteur inconnu Auguste Renoir âgé. Photographie, auteur inconnu 1841-1919 Pierre-Auguste Renoir (*) est né le 25 févier 1841 à Limoges dans une famille modeste.

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Analyse : Le déjeuner des canotiers de Renoir - Museum TV

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Le déjeuner des canotiers, célèbre tableau impressionniste, peint par Auguste Renoir en 1881 est analysé par Museum TV.

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Document souligné du site Museum TV.docx

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Document souligné du site Rivage de Bohème

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Document souligné du site Rivage de Bohème

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Quand l'art rencontre l'intelligence artificielle, ça donne quoi ? Le Grand Palais Immersif vous propose de le découvrir lors de soirées magiques, dès aujourd'hui et jusqu'au 8 juin. Une série de rendez-vous incontournables pour tous les amateurs d'art et de nouvelles technologies !

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199 Pierre-Auguste Renoir - Luncheon of the Boating Party - (Antonio Maggiolo Stock Photo - Alamy

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199 Pierre-Auguste Renoir - Luncheon of the Boating Party - (Antonio Maggiolo Stock Photo - Alamy

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Ellen Andrée. Modèle à Montmartre. (Manet, Degas, Renoir...) - Montmartre secret

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Ellen Andrée fut une actrice d'un certain renom, interprète de Courteline, de Guitry, et choisie par André Antoine pour jouer dans Poil de Carotte de Jules Renard ou La Terre de Zola. Pourtant, si son nom reste connu aujourd'hui c'est parce qu'elle a servi de modèle à quelques uns des plus grands peintres de son temps. Ellen Andrée (1857-1925) commence tôt sa carrière d'actrice. Elle a 17 ans quand elle débute au théâtre du Palais Royal. Elle jouera par la suite aux Variétés, à la Renaissance, aux Folies Bergères...ng> Elle est vite remarquée par les artistes qui sont attirés par sa "présence", sa sensualité et sa bonne humeur. Parmi les premiers à lui demander de poser, Manet n'est pas le moindre ! Dans la Parisienne (1874) elle est une femme élégante et digne, vêtue de noir. Etonnant tableau qui prend le contrepied de ce que son titre peut suggérer. La Parisienne n'est pas la coquette, piquante et accueillante qui fait fantasmer l'Europe mais une femme endeuillée, figure austère et hiératique, un portrait qui évoque Goya (la Marquise de la Solana).g> Elle semble sortir du poème "A une passante" de Baudelaire: (...) Longue, mince, en grand deuil, douleur majestueuse, Une femme passa, d'une main fastueuse Soulevant, balançant le feston et l'ourlet. Car j'ignore où tu fuis, tu ne sais où je vais, Ô toi que j'eusse aimée, ô toi qui le savais. Peint quatre ans plus tard, le tableau "La Prune" donne une autre image de la femme. Ellen Andrée en bonne comédienne, peut jouer tous les rôles! Elle est attablée dans un café, le verre avec le fruit et l'eau de vie devant elle. Le décor est celui de la Nouvelle Athènes que fréquentait Manet, place Pigalle. Les lignes du cadre à l'arrière-plan mettent en valeur le visage de la femme, une femme du peuple, soeur de celles que décrit Zola. Fatiguée, dans une attitude de laisser-aller, elle s'abandonne un moment, la cigarette éteinte, au plaisir d'un moment de solitude et de rêverie. Dans le célèbre tableau peint chez Lathuille en 1879, on la retrouve avec à ses côtés Louis Gauthier-Lathuille, le fils du cabaretier. Elle est de nouveau vêtue en bourgeoise, un peu raide, à la fois intéressée et sur la réserve devant un jeune homme sensuel et dragueur. A l'arrière plan, un garçon de café observe la scène. Il est l'image même du peintre ou de l'écrivain naturaliste (Zola, Manet) qui observent la société! Quittons Manet et revenons en arrière, en 1874, quand Gervex (un authentique Montmartrois, né en 1852 dans le village que Paris n'avait pas encore annexé) peint Rolla en s'inspirant du poème de Musset. C'est Ellen Andrée qui pose pour lui mais exige que son visage ne soit pas reconnaissable! . "Henri Gervex répandit mon anatomie sur le lit de son "Rolla". Je ne tenais pas à être reconnue en cette Manon d'une tenue si abandonnée. Je recommandai à Gervex : surtout ne lui donnez pas ma figure! Bref, pour le visage, c'est une brune qui posa...." ng>Ellen Andrée. Elle n'a que 21 ans quand elle pose pour ce tableau et elle ne tient pas à compromettre sa jeune carrière. De plus, elle subit encore l'influence du milieu familial et d'un père officier qui ne badine pas avec la morale! Le tableau fait scandale et il est exclu du salon, ce qui assure sa célébrité! Les curieux émoustillés défilent en rangs serrés dans l'atelier de Gervex pour l'y voir! Le poème de Musset nous présente un jeune débauché qui, écoeuré par sa vie sans idéal, décide de se suicider alors que Marie, la prostituée avec qui il a une liaison est étendue, abandonnée sur le lit. J.K. Huysmans remarque surtout la figure masculine dans le tableau de Gervex. Il écrit : "Le jeune homme regarde, regrettant et dégoûté, la fille inerte, avachie dans un long somme. Cette figure ravagée et sombre, détachée dans un flux de lumière blanche est vraiment belle. Dans ce dépoitraillé de costume, dans cette chemise au plastron et aux manches froissées, cet homme a grande allure et je vois dans cette fille éboulée, après des intimités haletantes, sur un lit, un coin de parisianisme et de modernité qui évoque en moi des souvenirs du grand et divin poète Charles Baudelaire." Ellen Andrée pose pour un autre tableau de Gervex quelques années plus tard. Le tableau "Avant l'opération" s'intitulait en réalité "Le docteur Péan enseignant à ses élèves à l'hôpital Saint-Louis, sa découverte du pincement des vaisseaux"!g> C'est un hommage à Rembrandt et à sa Leçon d'anatomie. Renoir ne manque pas de la remarquer chez ses amis et il la fait poser pour plusieurs de ses toiles comme "la fin du déjeuner"....ong> Dans le célèbre déjeuner des canotiers, elle est présente parmi les 4 personnages du groupe principal, autour de la table. A droite, assis à califourchon sur sa chaise, le peintre Caillebotte semble plus intéressé par la femme en face de lui que par sa voisine (Ellen Andrée) vers laquelle se penche le journaliste italien, Maggiolo. . Renoir privilégie sa sensualité et sa grâce. Ell sera satisfaite du résultat et considérera que c'est lui qui aura été le plus fidèle à sa nature de femme libre et vivante. Elle ne pense pas la même chose de Degas qui la fait poser pour son tableau "l'Absinthe".
Elle est assise à côté de Marcellin Desboutin dans le café de la Nouvelle Athènes, place Pigalle, où Manet avait déjà peint "la Prune".>
Degas donne à voir l'isolement des buveurs enfermés dans leur monde. Zola apprécie l'oeuvre et il dira à Degas, à propos de "l'Assommoir" : "J'ai tout bonnement décrit quelques uns de vos tableaux." Ellen Andrée s'inquiète d'être assimilée à la femme alcoolique que le peintre a représentée. Elle insiste pour qu'il précise qu'elle était une femme tout à fait sobre et qu'il lui avait fait jouer un rôle de composition! A force de fréquenter les peintres, Ellen Andrée finit par en épouser un! En 1887, elle devient la femme de Henri Drumont, un vrai Montmartrois puisqu'il est né en 1859 dans la commune libre (comme Gervex), un an avant qu'elle ne soit rattachée à la capitale! Laissons les derniers mots à Ellen Andrée qui évoque son existence d'artiste et de modèle : "J'ai toujours été fourrée dans les peintres : Degas, Renoir, Manet... Ils m'ont tous fait mon portrait plus ou moins, souvent plutôt deux fois qu'une, mais j'ai perdu tout cela en des ventes, je partais pour l'Amérique, j'étais amoureuse..."
(Ellen Andrée par Jean d'Arc. Le Courrier Français 1891

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Ellen Andrée. Modèle à Montmartre. (Manet, Degas, Renoir...) - Montmartre secret

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Ellen Andrée fut une actrice d'un certain renom, interprète de Courteline, de Guitry, et choisie par André Antoine pour jouer dans Poil de Carotte de Jules Renard ou La Terre de Zola. Pourtant, si son nom reste connu aujourd'hui c'est parce qu'elle a...

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Document souligné du site Montmartre - secret

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commentaire : on ne présente plus le tableau, Le Déjeuner des canotiers, visible à la Philipps Collection de Washington. Une œuvre de 1880-81 où Auguste Renoir immortalisa quatorze personnages dans le décor de la Maison Fournaise, au bord de la Seine, sur une île située en face de Chatou.

On découvre aujourd'hui seulement que le personnage à casquette du fond, en conversation avec un élégant à haut-de-forme, n'est autre que... Jules Laforgue. On est stupéfait d'avoir laissé passer ce "détail" concernant un de nos poètes de cœur. Il a 20 ans et il est alors le secrétaire de Charles Ephrussi, critique d'art et grand collectionneur (l'élégant à haut-de-forme), qui aida à lancer la carrière de Renoir. D'où la présence des deux hommes dans le tableau.

L'honnêteté nous oblige à dire que certains, prudents, emploient le conditionnel : le personnage à casquette serait Jules Laforgue et son l'élégant interlocuteur à haut-de-forme serait Charles Ephrussi. Mais l'histoire est trop belle pour que l'on n'ait pas envie d'y croire... et de laisser de côté le conditionnel.

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commentaire : on ne présente plus le tableau, Le Déjeuner des canotiers , visible à la Philipps Collection de Washington. Une œuvre ...

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Document souligné du site Lediteur singulier 

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La plupart des modèles, tous amis de l'artiste, ont été identifiés. Au premier plan à droite, Angèle, une des mannequins fréquentes de Renoir, tourne la tête vers la journaliste Maggiolo debout. Le peintre Gustave Caillebotte est assis en arrière sur sa chaise et regarde à travers la table Aline Charigot, la future épouse de Renoir en 1890 et la mère de ses trois enfants, Pierre, Jean (le cinéaste) et Claude. Ellei caline son terrier, tandis que le robuste Alphonse Fournaise Jr., fils du propriétaire du restaurant, s'appuie contre la balustrade du balcon regradant la scène.

Au centre, le baron Raoul Barbier, ancien officier de cavalerie, est assis dos au spectateur parlant à la femme appuyant ses coudes sur la balustrade, qui serait Alphonsine Fournaise, la fille du propriétaire. En face de Barbier, l'actrice Ellen Andrée boit dans un verre. Derrière elle, Charles Ephrussi, banquier et rédacteur en chef de la Gazette des beaux-arts, discute avec Jules Laforgue, poète, critique et secrétaire personnel d'Ephrussi.

En haut à droite, Eugène Pierre Lestringuez, un fonctionnaire du ministère de l'Intérieur, rit avec Jeanne Samary, célèbre actrice de la Comédie Française, tandis que l'artiste Paul Lhote, un ami proche de Renoir, penche la tête.

Le chef-d'œuvre est très étroitement composé, réunissant en une seule image les compositions traditionnelles de la peinture; personnages, natures mortes et paysage. Le thème reste proche de ses œuvres de la décennie 1870 mais l'art est différent. Renoir recherche davantage les effets de lignes, les contrastes marqués, les contours soulignés.

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La plupart des modèles, tous amis de l'artiste, ont été identifiés. Au premier plan à droite, Angèle, une des mannequins fréquentes de Renoir, tourne la tête vers la journaliste Maggiolo debout.

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Document souligné du site Cine-club Caen

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Luncheon of the Boating Party (Le déjeuner des canotiers) - Cromer Artspace

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Pierre-Auguste Renoir: Luncheon of the Boating Party

The painting, combining figures, still-life, and landscape in one work, depicts a group of Renoir's friends relaxing on a balcony at the Maison Fournaise restaurant along the Seine river in Chatou, France. The painter and art patron, Gustave Caillebotte, is seated in the lower right. Renoir's future wife, Aline Charigot, is in the foreground playing with a small dog; she replaced an earlier woman who sat for the painting but with whom Renoir became annoyed.

The diagonal of the railing serves to demarcate the two halves of the composition, one densely packed with figures, the other all but empty, save for the two figures of the proprietor's daughter Louise-Alphonsine Fournaise and her brother, Alphonse Fournaise, Jr, which are made prominent by this contrast. In this painting Renoir has captured a great deal of light. The main focus of light is coming from the large opening in the balcony, beside the large singleted man in the hat. The singlets of both men in the foreground and the table-cloth all work together to reflect this light and send it through the whole composition.

As he often did in his paintings, Renoir included several of his friends in Luncheon of the Boating Party. Among them are the following:

The seamstress Aline Charigot, who is holding an affenpinscher dog, sits near the bottom left of the composition. Renoir married her in 1890, and they had three sons.

Charles Ephrussi-wealthy amateur art historian, collector, and editor of the Gazette des Beaux-Arts-appears wearing a top hat in the background. The younger man to whom Ephrussi appears to be speaking, more casually attired in a brown coat and cap, may be Jules Laforgue, his personal secretary and also a poet and critic.

Actress Ellen Andrée drinks from a glass in the center of the composition. Seated across from her is Baron Raoul Barbier, former mayor of colonial Saigon.

Placed within but peripheral to the party are the proprietor's daughter Louise-Alphonsine Fournaise and her brother, Alphonse Fournaise, Jr., both sporting traditional straw boaters and appearing to the left side of the image. Alphonsine is the smiling woman leaning on the railing; Alphonse, who was responsible for the boat rental, is the leftmost figure.

Also wearing boaters are figures appearing to be Renoir's close friends Eugène Pierre Lestringez, a bureaucrat, and Paul Lhote, himself an artist. Renoir depicts them flirting with the actress Jeanne Samary in the upper righthand corner of the painting.

In the right foreground, Gustave Caillebotte wears a white boater's shirt and flat-topped straw boater's hat as he sits backwards in his chair next to actress Angèle Legault and Italian journalist Adrien Maggiolo. An art patron, painter, and important figure in the impressionist circle, Caillebotte was also an avid boatman and drew on that subject for several works.

At the Seventh Impressionist Exhibition in 1882, the painting generally received praise from critics. "It is fresh and free without being too bawdy," wrote Paul de Charry in Le Pays, March 10, 1882. In La Vie Moderne (March 11, 1882), Armand Silvestre wrote, "...one of the best things [Renoir] has painted...There are bits of drawing that are completely remarkable, drawing - true drawing - that is a result of the juxtaposition of hues and not of line. It is one of the most beautiful pieces that this insurrectionist art by Independent artists has produced." Alternatively, Le Figaro published Albert Wolff's comment on March 2, 1882: "If he had learned to draw, Renoir would have a very pretty picture..."
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Luncheon of the Boating Party (Le déjeuner des canotiers) - Cromer Artspace

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The painting, combining figures, still-life, and landscape in one work, depicts a group of Renoir's friends relaxing on a balcony at the Maison Fournaise

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Document souligné du site Cromer Artspace

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