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El vuelo de pajaro se convirtió en la tematica principal de sus ultimos años de vida. Habia retomado asi el fouvismo, trabajado con solamente el uso del color. En el año 1953, fue invitado para decorar le techo de la sala etrusca, del Museo de Louvre

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 134 x 167,5 cm

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Pájaros en el techo de la Sala Etrusca del Louvre (1955)

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Pájaros en el techo de la Sala Etrusca del Louvre (1955)

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en estas obras el artista vuelve a retomar el cubismo pero desde una mirada más personal. Suaviza a las formas y los colores. aplica ademas el uso de la linea. Si estan presentes las múltiples vistas, pero de una manera estrictamente geometrizada.

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 146 x 146 cm. 

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Técnica: Óleo, arena y carboncillo sobre lienzo. Tamaño: 181 x 97.8 cm.

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Esta obra se ubica dentro del movimiento posimpresionista. Aqui el uso del color no corresponde con la naturaleza, sino con la intensión expresiva del autor y con su estado de animo. Recordemos que esta obra fue hecha, ni bien habia acabado la segunda guerra mundial, que habia angustiado a todas las personas, incluyendo por supuesto, a los artistas.

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 33 x 55 cm

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Breton (1924) señala que el Surrealismo es un puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar, verbalmente o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento en ausencia de cualquier control ejercido por la razón al margen de toda preocupación estética o moral. Esta obra pertenece a la vanguardia del surrealismo, ya que podemos ver el misterio y lo absurdo. La imagen no logra interpretarse del todo, por eso juega con las diversas interpretaciones-

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Técnica: Aguafuerte. Tamaño: 36.8 x 29.8 cm.

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El artista deja de lado el hacer cubista, retomando el desnudo femenino con características clasicistas. Lo que es claro por el modo en que ha realizado el rosto de la Bañista (1925).

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Técnica: Óleo sobre tabla. Tamaño: 67 x 54,3 cm

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el cubismo deja atrás al arte de imitación, para ser arte de pensamiento, que se eleva a la creación. Al representar la idea concebida en las tres dimensiones, el artista puede “cubicar”. En el cubismo aparecen cuatro tendencias: en primer lugar, el cubismo científico, que trata de crear composiciones nuevas tomando objetos, no de la realidad visual, sino que la del conocimiento. Aquí se eliminaba totalmente el elemento visual y anecdótico. El cubismo físico, se buscaba de pintar composiciones con elementos extraídos en su mayor parte de la realidad virtual. El cubismo órfico, se trata de crean con elementos no tomados de la realidad visual, sino enteramente creados por el artista (Apollinaire, 1913, pp. 1-11).

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Técnica: óleo sobre lienzo. Tamaño: 55.4 x 38.3 cm

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 116.2 x 80.9 cm

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 91,7 x 42,8 cm

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 50 x 61 cm

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Transición  entre el fauvismo y el cubismo  

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Transición  entre el fauvismo y el cubismo  

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Desde mi punto de vista esta fueron las obras que coinciden en la vanguardia del fauvismo. La utilización del color, de los contornos, la temática del paisaje, sin perspectivas convencionales, etc. Pero seguidamente veremos una obra que es confusa. Según otras fuentes de información, el artista comienza a recorrer el trabajo cubista de Picasso, más precisamente con la obra de las Señoritas de Aviñón. Personalmente ubico esta obra como una transición, ya que aparece la figura humana que es ajena a las características de fauvismo, pero aun no llega a tener completamente características propias del cubismo.

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Obras fauvistas: en esta vanguardia se utilizó la exageración de la experiencia, lo cual provocaba que la obra sea fácilmente comprensible y muy comunicativa, utilizando métodos como la síntesis, la ausencia de detalles accidentales, la concisión y la discontinuidad. Los artistas de esta vanguardia no se ocupaban del sentido metafísico ni de cuestiones sociales, sino que más bien, gozaban de la investigación plástica y como pasión el color. Ofrecían visiones al observador, que surgían del artista en contacto con la naturaleza. Tomaban de la objetividad solo algunos aspectos, para poder dar lugar a la visión autentica de cada uno. Por lo general esta pintura es paisajista, con libertad expresiva, lejos del uso de la perspectiva convencional, de la proporción o la anatomía. Podemos decir que: se usaban los colores puros, simple, de contornos que contrastan las formas, intentaban expresar la luz a través del color, no la luz tal cual se veía (easd.grafito, 2010).

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 72,5 x 59 cm

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 54,6 x 46 cms.

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Relación de las obras con manifiestos de las vanguardias

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Relación de las obras con manifiestos de las vanguardias

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En esta obra se vuelve a ver la síntesis de los objetos. Si bien las figuras son planas, podemos advertir un fondo, compuesto por dos semicírculos que se yuxtaponen en el centro de la obra. Las formas del primer plano, parecen ser nuevamente pájaros que van en direcciones contrarias. No se da la utilización de la línea, solo del contraste entre cada color. Las figuras principales son acromáticas, la de la izquierda es negra y la de la derecha blanca. En el fondo el semicírculo izquierdo es rosa y el otro amarillo. En los sectores donde no está presente el semicírculo, es celeste.

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Esta obra desde una mirada personal me ha llamado la atención, ya que es la primera vez que veo una con estas características. Su composición es sencilla. Está divida como si fuese un tríptico; lo que podemos observar es la presencia de pájaros volando, de los cuales se hecho una abstracción dejando lo más significativo de la especie. Posee una línea de contorno modelada, que recorre a cada forma. La paleta de colores es simple, se utilizan planos de dos tonos de azul y detalles en blanco. Los trípticos están interconectados con un marco tallado en madera, que contrasta por el nivel de detalle y color (ocre/dorado).

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Esta pintura podemos decir que pertenece al genero pictórico del bodegón. No hay línea de horizonte, ni profundidad. El recurso de la línea juega un rol importante, delimitando a las figuras y creando nuevas formas. Podemos ver lo que parece ser una escultura de una cabeza y algunas fuentes, pero el resto de los objetos, no se llegan a identificar. En este caso la paleta es sombría, como color predominante vemos el bordó, el cual se va transformando por medio de tinte y matiz. Existe contraste en zonas donde el pigmento es blanco (extremo superior derecho).

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En la pintura observamos objetos que son bastante familiares, pero al estar de manera parcial y superpuestos con otros, no logramos identificarlos. Los objetos están dispuestos en un ambiente interior, en primer plano vemos una especie de caja, en el segundo, en el extremo izquierdo, lo que nos remite a sillas y en un tercer plano un fondo con una puerta, lámparas y un cuadro. La utilización de la línea es homogénea y se presenta en toda la obra, pero no funciona como un elemento que resalta las figuras; en su mayoría son líneas rectas, horizontales y verticales. Las pinceladas en la obra son cuidadas y forman en cada plano, colores suaves sin mucha textura. Pero en algunas partes, podemos ver la utilización de la espátula. La paleta de colores no es vibrante, va desde los verdes, a los ocres, y grises azulados.

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Nuevamente esta pintura pertenece al género del bodegón. A centro se aprecia la superficie de una mesa, con mantel. En el extremo izquierdo, hay un repasador y algunas frutas o panes; en el otro lado, un plato con dos peces. En el fondo vemos una pared y lo que parecieran ser ventanas. En cuanto a la paleta de colores, apreciamos un gran contraste de tonos, entre el ocre claro y el azul casi negro. La línea se presenta de diversas formas, en algunas aparecen anchas y rectas, en otras partes-como en el mantel- se va volviendo fina, casi imperceptible.

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La obra se divide en dos partes, en el centro hallamos un recuadro rectangular. Dentro del recuadro, realizado con líneas continuas se puede ver, lo que parece ser una persona montando un caballo. El movimiento también esta explícito. El artista utiliza líneas continuas. Fuera del recuadro, vemos superposición y yuxtaposición de líneas rectas, cortas y algunas curvas. Estas líneas van configurando distintas texturas. Pero también se observan entre las texturas distintos símbolos que se van repitiendo.

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En esta obra el artista vuelve a retomar la figuración. Retrata el torso desnudo de una mujer, que se cubre parcialmente las piernas con un paño. La cara de la mujer nos remite al estilo clásico de representación, pero cuando descendemos, podemos observar que el cuerpo no coincide con el canon de esta época. La figura femenina se encuentra en un primer plano a centro, y lo demás en un segundo plano, forma parte del fondo. Utiliza en este caso, líneas moduladas continuas, que contornean al cuerpo y sus músculos, y los pliegues del paño. La paleta de colores es oscura. En el fondo se percibe verdes oscuros y azules, en cambio, en el tratamiento de la mujer, se utiliza el color marrón puro, y en algunas zonas se aclara para general luces, aunque en general no tiene volumen el cuerpo. El paño es lo que mas contrasta ya que esta pintado de blanco y se contrasta con el negro de las líneas. En el tratamiento de la pincelada el artista se vale de la mancha, con pinceladas muy cortas.

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En esta obra el artistas retoma la técnica del óleo, pero lleva con él, aspectos del collage. El tratamiento de la textura en esta obra, es una de las características principales. Aparece nuevamente la superposición y la utilización de líneas rectas, paralelas. También se ve la tipografía presente. La paleta de colores es cálida, con zonas frías. En esta obra juega un papel importante el contraste.

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En esta obra el artista comienza a incursionar en otras técnicas. Ha dejado en pausa los óleos. La técnica utilizada es collage y lápiz sobre lienzo. Podemos ver planos rectos y curvos, valorados con lápiz, que se yuxtaponen y superponen; en algunos casos provocando la sensación de transparencia. Aparece el uso de la línea, rectas y cortas, finas, y gruesas, también paralelas. En el extremo superior observamos lo que parece un racimo de uvas. En esta obra el artista también incorpora la tipografía.

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 116.2 x 80.9 cm

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 91,7 x 42,8 cm

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En esta obra, el artista nos presenta otro género pictórico muy utilizado; el bodegón. Los objetos están sintetizados en planos; se pueden ver algunas figuras cerradas. Dichos objetos están relacionados con la música, hay varios instrumentos y lo que parecieran ser partituras. El artista utiliza líneas de contorno finas, curvas, rectas. El volumen no es un recurso elegido para la obra, pero si se puede apreciar algo de profundidad por la superposición y el manejo del color en algunas zonas. Las pinceladas son sutiles, pero aun así generan texturas. La paleta de colores es cálida, con zonas de colores fríos. Predominan los ocres y en algunas partes el verde. El ambiente en el que se encuentran los objetos, puede decirse que es interior, con una luz artificial dirigida.

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En esta pintura, el artista cambia su enfoque respecto a los trabajos anteriores. Esta vez retrata una figura humana. La mayor cantidad de detalles, podemos hallarlos sobre el cuerpo de la mujer, lo que hace poner toda la atención del espectador allí. La mujer, se encuentra de espaldas, con la cabeza girada sobre sus hombros y se sostiene en una sola pierna. Parece que la vez, sostiene un paño. En este caso también el artista se vale del recurso de la línea para hacer más énfasis en lo que pretende resaltar y dar mayor importancia. La línea de contorno recorre por completo el cuerpo de la mujer y algunos sectores del paño que sostiene. Estas líneas son modeladas, en algunos sectores se vuelve más oscura y ancha, en otros más fina, y en algunas partes cambia su tonalidad. En este caso el artista utiliza pinceladas cortas, rápidas, que modelan las formas, pero también generan la sensación de movimiento. La paleta de colores en su mayoría es cálida, predomina el color terracota que se mescla con el beige; pero también podemos ver algunos tonos frios como el celeste. Podemos destacar, que son colores pasteles, no son vibrantes.

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Análisis de la obra, desde la composición 

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Análisis de la obra, desde la composición 

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Nuevamente retomamos el género pictórico del paisaje, en este caso, un poco más urbanizado, pero en un contexto antiguo. Vemos en la obra una superposición de casas, de las cuales podemos apreciar en su mayor parte los techos y las copas de los árboles que sobresalen. Al fondo vemos un acueducto, que atraviesa a la obra en un tercer plano, de izquierda a derecha. El artista ha utilizado líneas rectas en pocas ocasiones para delimitar algunos techos, pero es poca la utilización de este recurso. Ya hablando del tratamiento de las pinceladas si podemos ver como el artista trabajó cada sector de una forma distinta. Nuevamente aparecen pinceladas cortas que van generando direcciones y volúmenes, algunas van en sentido vertical, otras de forma oblicua. No descarta la utilización de planos, las cuales están presentes en aquellos elementos hechos por el hombre (construcciones). La paleta de colores es cálida, con tonos más puros, y nuevamente aparece la utilización de los fríos en aquellos elementos de la naturaleza.

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Para iniciar con el análisis, lo que podemos decir a simple vista, es que estamos en presencia de una pintura. En esta obra en una primera impresión observamos un paisaje que no es del todo rural, pero tampoco es una gran ciudad, más bien podemos decir que, se trata de un pueblo. Este paisaje fue plasmado desde una síntesis de los objetos más significativos del paisaje en vivo. En primer plano podemos apreciar un árbol, que recorre del extremo inferior derecho, hacia el extremo superior del mismo. Ya en un segundo plano, en el extremo derecho vemos varias casas superpuestas y en el centro de la obra un camino sinuoso. En el tercer plano, casi en el centro de la obra, vemos casas de mayor tamaño y detrás de ellas lo que pareciera ser arboleces. El artista recurre al uso de la línea de contorno, modeladas, curvas y rectas. Sus pinceladas son cortas en algunos sectores, que dejan ver el color solido tal cual lo ha sacado de su paleta y la textura que deja sobre el lienzo; en otros sectores las pinceladas son sutiles y provoca la degradación entre colores. La paleta del artista es cálida, con tonos terrosos y arena, que dan una sensación de un paisaje de llanura o desértico; pero a su vez se hacen presente también los fríos, como el verde y el azul, en la vegetación, en el cielo y algunos contornos.

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 134 x 167,5 cm

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Pájaros en el techo de la Sala Etrusca del Louvre (1955)

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Pájaros en el techo de la Sala Etrusca del Louvre (1955)

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 146 x 146 cm. 

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Técnica: Óleo, arena y carboncillo sobre lienzo. Tamaño: 181 x 97.8 cm.

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 33 x 55 cm

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Técnica: Aguafuerte. Tamaño: 36.8 x 29.8 cm.

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Técnica: Óleo sobre tabla. Tamaño: 67 x 54,3 cm

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Técnica: óleo sobre lienzo. Tamaño: 55.4 x 38.3 cm

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 54,6 x 46 cms.

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 72,5 x 59 cm

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Técnica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 50 x 61 cm

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En esta pintura vemos como el artista se aleja de la figuración y comienza a recorrer otras opciones. Notamos una cantidad importante de planos que se superponen y yuxtaponen unos con otros. En el extremo inferior observamos también, como los planos generan ritmos.
La paleta de colores es clara, como si todos los colores el artista habría decidido mezclarlos con pigmentos blancos. Cada plano tiene su propio tratamiento del color, lo cual-a parte de la textura- genera espacio, sensaciones de superposición y yuxtaposición. Los colores presentes en la obra son: Verdes, ocres y azules. En esta pintura no vemos objetos concretos, ni primeros, ni segundos planos.
Personalmente cuando vi por primera vez esta obra-sin los datos de la misma- no lograba encontrar la idea principal del artista. A medida que seguimos indagando, pude encontrar el titulo, lo cual me facilitó entenderla. Podemos decir que es otra forma que el artista encontró para plasmar un bodegón sin que su lectura sea como tal.

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En esta pintura el artista nuevamente utiliza el recurso de los planos, pero no en toda la obra, sino que más bien, es como que quiere dar ciertos puntos de importancia. En esta oportunidad se vale también de las líneas rectas-y curvas-. La cantidad de planos es menor es esta obra, y se pueden apreciar, insinuaciones de algunos objetos espiralados y esféricos. La paleta de colores es monocroma, donde predomina un color arena. Este color en algunos lugares alcanza un valor muy alto y en otras zonas valores bajos, lo que genera contrastes. Pero aparece un sensible en algunas zonas, de lo que puede ser celeste muy claro. Nuevamente el titulo de la obra juega un papel importante, con el se tiende a buscar  y entender, sin el aparecen varias interpretaciones.