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"A arte é o lugar onde a gente pode errar, tentar, fazer de novo, desfazer"

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- Colocaram como marco inicial do Teatro do Concreto o 'Sala de espera';

- espetáculo Nó e Altar das Sentinelas traz a experimentação em cena, colocando o depoimento pessoal e lugar de risco na cena. O DNA do grupo - se deseja dizer, que se deseja falar;

- Trabalhar em coletiva;

-"experimental" a coisa nunca está pronta, sempre estar experimentando e buscando, um novo desafio. - 'Borboletas têm vida curta' - procurar algo que não fez ou não conseguiu fazer;

-Dar conta de fazer outro espetáculo aue vá mexer com as pessoas - 'Ruas abertas e entrepartidas' é diferente de ' O diário [do maldito]

-"o mundo que vivemos hoje carece muito de ritos coletivos" - pág 189

A arte é um lugar onde podemos errar, tentar fazer de novo e desfazer. Temos que estar abertos ao risco para revelar ao outro suas coisas mais profundas e talvez descobrir aquilo que a gente nao sabe da gente mesmo.

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Coletivo Artístico CeinCena on Instagram: "Uma dinâmica pode ser "apenas" uma aula de teatro, 
Pode ser "apenas" uma troca entre artistas,
Porém, quem se move pela arte nunca se deixa levar pelo "apenas"...
Nas camadas dessa caminhada, perpassa a vida,
Encontra o outro e confronta nós mesmos,
"Apenas" respirar pode ser uma tarefa complexa,
"Apenas" deixar ir pode ser delicado demais,
"Apenas" permitir que o outro acesse meu caminho pode ser singelo, e de certa forma é...
Mas sem se apegar demais.
Permitir partir também faz parte do aprendizado,
A "carona" mesmo que breve deixa marcas
E nos revela novas possibilidades
Afinal de contas, tudo acontece agora...
E como passa rápido.

------

Um pouquinho de como foi a dinâmica desse sábado!!! 

Ministrando: 
@gisellerodriguesbrito

Registros:
@louyzeee 

Edição:
@_guelsoares

Texto:
@_dilldiaz_

#conexãoceincena #arte #teatro #dança #coletivo #conexão #ceincena #gisellerodrigues #oficina"

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128 likes, 46 comments - ceincena on March 16, 2025: "Uma dinâmica pode ser "apenas" uma aula de teatro, 
Pode ser "apenas" uma troca entre artistas,
Porém, quem se move pela arte nunca se deixa levar pelo "apenas"...
Nas camadas dessa caminhada, perpassa a vida,
Encontra o outro e confronta nós mesmos,
"Apenas" respirar pode ser uma tarefa complexa,
"Apenas" deixar ir pode ser delicado demais,
"Apenas" permitir que o outro acesse meu caminho pode ser singelo, e de certa forma é...
Mas sem se apegar demais.
Permitir partir também faz parte do aprendizado,
A "carona" mesmo que breve deixa marcas
E nos revela novas possibilidades
Afinal de contas, tudo acontece agora...
E como passa rápido.

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Um pouquinho de como foi a dinâmica desse sábado!!! 

Ministrando: 
@gisellerodriguesbrito

Registros:
@louyzeee 

Edição:
@_guelsoares

Texto:
@_dilldiaz_

#conexãoceincena #arte #teatro #dança #coletivo #conexão #ceincena #gisellerodrigues #oficina". 

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"Talvez o que eu mais sinta falta na nossa formação é da discussão política no nosso fazer" diz ele sobre a formação acadêmica

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geralmente baseada em depoimentos pessoais dos atores - e concebendo espetáculos para espaços não convencionais, como a rua ou outras áreas urbanas.

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Fernando Antônio Pinheiro Villar de Queiroz (Petrópolis, Rio de Janeiro, 1959). Autor, encenador, diretor e professor universitário. O contato com Helena Barcellos e o teatro marca sua graduação em artes plásticas na Universidade de Brasília (Unb)(1979-1983). Em 1981 estreia como iluminador em O Exercício, de John Lewis Carlino, na remontagem de B. de Paiva. Em 1982, inicia carreira de ator em Pequenos Burgueses, dirigido também por B. de Paiva e na adaptação de Guilherme Reis de Pedro e o Lobo, assinando, com Márcia Sant'anna, os figurinos das duas montagens. Em 1983, espetáculos com Hugo Rodas, Lúcia Sander e o Udi Grudi complementam sua formação, antes de estrear como autor, encenador e diretor em Você tem uma caneta azul pra prova?, com o Teatro dos Artistas Plásticos.

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Villar enfatiza que o teatro é construção coletiva e interdisciplinar, e que a cidade de Brasília influenciou diretamente sua produção. Defende a ideia de que o teatro contemporâneo rompe com paradigmas fixos, trazendo múltiplas formas possíveis de existir, mais próximas da diversidade e da natureza.

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BaSiraH- Olho do coração, em árabe

BaSiraH - Núcleo de Dança Contemporânea surgiu em 1997, com a proposta de ser um centro de difusão da dança, onde a informação estética, a experimentação e a produção servissem de base e referência para a evolução da pesquisa do movimento. A Companhia é formada por 10 dançarinos sob direção artística de Giselle Rodrigues e tem em seu repertório 11 espetáculos. Neste caminho de 12 anos a companhia foi agraciada com o Prêmio Klauss Vianna nos ano de 2005,2007e 2008, e participou do Caravana Funarte em 2004 e 2006, Palco Giratório, além dos festivais: Panorama da Dança (RJ), Bienal da Dança do Ceará, Dança Brasil, Fringe, FILO, Cena Contemporânea dentre outros.Atualmente o grupo dirige o ESPAÇO BASIRAH, onde oferece aulas, oficinas e outras atividades para a comunidade.

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"Sou doutoranda da UnB e tenho pensado muito em como trabalhar pedagogia e processos de criação. Há alunos que, quando chegam à universidade, descobrem quantas amarras carregam. Tenho tentado instigar essas pessoas a ver suas próprias potencialidades, também dentro da Academia."

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Mestre em Arte Contemporânea pela UnB esteve no Rio para o XVIII Festival do Teatro Brasileiro, na edição especial Terceira Idade, no Teatro Dulcina

"Sou doutoranda da UnB e tenho pensado muito em como trabalhar pedagogia e processos de criação. Há alunos que, quando chegam à universidade, descobrem quantas amarras carregam. Tenho tentado instigar essas pessoas a ver suas próprias potencialidades, também dentro da Academia."

Conte algo que não sei.

Aisthesis, do latim, significa "proceder pelo sentido". A prática aisthesis se dá a partir do encontro com o espaço, com o tempo, com as pessoas. Usamos essa prática num projeto artístico que vai se tornar acadêmico, agora. É a minha pesquisa de doutorado. A ideia é buscar esse lugar de como você é afetado pelo encontro. Uma experimentação que faz você chegar num espaço e se valer das próprias ferramentas para "chutar o balde". Não se julgar, tirar as amarras, o que é muito difícil, porque, quando você chega no espaço e pensa: "Ok, posso fazer o que eu quiser aqui", você pira por não ter referência nem lugares para se apoiar. Posso fazer tudo, mas, ao mesmo tempo, não consigo fazer nada.

O que essa prática traz de novo ao processo criativo?

Ela não é necessariamente nova, mas é uma experiência nova naquele momento para quem está envolvido. É uma proposta de reconhecer nossos lugares e amarras e o quanto somos manipulados através dessas amarras e do social. Às vezes, não descobrimos nosso potencial criativo por sermos condicionados a não explorar o que nos é estranho. Daí um projeto que não tinha tema, objetivo ou proposta, que surge do interesse de seis artistas, que nunca haviam trabalhado juntos, de sair de seus ambientes de criação.

Parte necessariamente da improvisação?

Quando você se permitir ir por um lugar que jamais experimentou, uma coisa totalmente diferente, inusitada, provavelmente vai te trazer uma série de questões, reflexões, distorções no corpo. É um lugar que eu tenho experimentado trabalhar. Acredito muito nisso também como caminho pedagógico.

Qual a contribuição dessa prática para a pedagogia?

É muito potente, especialmente nas escolas, porque os alunos se veem muito envolvidos e atraídos por realizá-la. O objetivo não é necessariamente fazê-los notar as amarras, mas ter uma experiência criativa. "Quer dançar, vai lá!" Gera um espaço de liberdade muito grande e, ao mesmo tempo, uma curiosidade. É muito interessante ver isso, por exemplo, na escola pública. Quando você diz isso ao aluno, ele fica completamente paralisado. As pessoas acham que é um bando de loucos. Depois, vem um espaço de muita audacidade, aproximação e afetividade. Eles se jogam. Veem que não há alguém ali para dizer que está errado ou proibi-los de fazer alguma coisa.

O que já surgiu dessa experimentação conjunta?

De tudo. Os pontos de conexão surgiam e geravam situações cênicas poéticas. Numa das experiências que fizemos fora de escolas, uma terapeuta se levanta e começa a falar da importância do projeto. Ela ficou sentada a observar aquele caos. De repente, você leva o foco para aquela pessoa e transforma aquilo quase como uma cena, desdobra aquele momento. Ela fala com emotividade, aquilo se torna um momento poético. De alguma forma, a pessoa se via fazendo arte, não só se expressando. Ali, havia a conjuntura que potencializava o ponto poético. Você dilata esse lugar que é tão simples.

Momentos que você não viu duas vezes, imagino.

Teve um momento na escola, com meninos de 12-13 anos. Um garoto veio, me deu a mão. Foi de uma potência cênica, e todo mundo se voltou para olhar o que ele fazia. A prática, com o aguçamento da percepção, ajudou a perceber esses momentos que são de conexão, de encontro. É uma das propostas.

Mestre em Arte Contemporânea pela UnB esteve no Rio para o XVIII Festival do Teatro Brasileiro, na edição especial Terceira Idade, no Teatro Dulcina

"Sou doutoranda da UnB e tenho pensado muito em como trabalhar pedagogia e processos de criação. Há alunos que, quando chegam à universidade, descobrem quantas amarras carregam. Tenho tentado instigar essas pessoas a ver suas próprias potencialidades, também dentro da Academia."

Conte algo que não sei.

Aisthesis, do latim, significa "proceder pelo sentido". A prática aisthesis se dá a partir do encontro com o espaço, com o tempo, com as pessoas. Usamos essa prática num projeto artístico que vai se tornar acadêmico, agora. É a minha pesquisa de doutorado. A ideia é buscar esse lugar de como você é afetado pelo encontro. Uma experimentação que faz você chegar num espaço e se valer das próprias ferramentas para "chutar o balde". Não se julgar, tirar as amarras, o que é muito difícil, porque, quando você chega no espaço e pensa: "Ok, posso fazer o que eu quiser aqui", você pira por não ter referência nem lugares para se apoiar. Posso fazer tudo, mas, ao mesmo tempo, não consigo fazer nada.

O que essa prática traz de novo ao processo criativo?

Ela não é necessariamente nova, mas é uma experiência nova naquele momento para quem está envolvido. É uma proposta de reconhecer nossos lugares e amarras e o quanto somos manipulados através dessas amarras e do social. Às vezes, não descobrimos nosso potencial criativo por sermos condicionados a não explorar o que nos é estranho. Daí um projeto que não tinha tema, objetivo ou proposta, que surge do interesse de seis artistas, que nunca haviam trabalhado juntos, de sair de seus ambientes de criação.

Parte necessariamente da improvisação?

Quando você se permitir ir por um lugar que jamais experimentou, uma coisa totalmente diferente, inusitada, provavelmente vai te trazer uma série de questões, reflexões, distorções no corpo. É um lugar que eu tenho experimentado trabalhar. Acredito muito nisso também como caminho pedagógico.

Qual a contribuição dessa prática para a pedagogia?

É muito potente, especialmente nas escolas, porque os alunos se veem muito envolvidos e atraídos por realizá-la. O objetivo não é necessariamente fazê-los notar as amarras, mas ter uma experiência criativa. "Quer dançar, vai lá!" Gera um espaço de liberdade muito grande e, ao mesmo tempo, uma curiosidade. É muito interessante ver isso, por exemplo, na escola pública. Quando você diz isso ao aluno, ele fica completamente paralisado. As pessoas acham que é um bando de loucos. Depois, vem um espaço de muita audacidade, aproximação e afetividade. Eles se jogam. Veem que não há alguém ali para dizer que está errado ou proibi-los de fazer alguma coisa.

O que já surgiu dessa experimentação conjunta?

De tudo. Os pontos de conexão surgiam e geravam situações cênicas poéticas. Numa das experiências que fizemos fora de escolas, uma terapeuta se levanta e começa a falar da importância do projeto. Ela ficou sentada a observar aquele caos. De repente, você leva o foco para aquela pessoa e transforma aquilo quase como uma cena, desdobra aquele momento. Ela fala com emotividade, aquilo se torna um momento poético. De alguma forma, a pessoa se via fazendo arte, não só se expressando. Ali, havia a conjuntura que potencializava o ponto poético. Você dilata esse lugar que é tão simples.

Momentos que você não viu duas vezes, imagino.

Teve um momento na escola, com meninos de 12-13 anos. Um garoto veio, me deu a mão. Foi de uma potência cênica, e todo mundo se voltou para olhar o que ele fazia. A prática, com o aguçamento da percepção, ajudou a perceber esses momentos que são de conexão, de encontro. É uma das propostas.

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Giselle Rodrigues, coreógrafa: 'Não exploramos o que é nos estranho'

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Mestre em Arte Contemporânea pela UnB esteve no Rio para o XVIII Festival do Teatro Brasileiro, na edição especial Terceira Idade, no Teatro Dulcina

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Gisselle Rodrigues é uma dançarina, coreografia e atriz. Ela se destacou com o projeto "de água e sal", onde teve grande repercussão na cidade. Gisselle já se apresentou em vários festivais, nacionais e internacionais. Hoje ela é professora na UnB. Gisselle vê a arte como uma forma de expressão que não deve ser rotulada, ao falar de "de água e sal" ela diz que: "estava trabalhando uma proposta Cênica que vinha da investigação dos intérpretes, que culminou naquele resultado" (Coradesqui, 2005, p. 195).

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De água e sal: uma abordagem de processo criativo em dança

Esta pesquisa é um estudo sobre processo criativo em dança contemporânea com foco na investigação e desenvolvimento de um estado pré-expressivo de criação e sua importância para o processo criativo que resultou na montagem do espetáculo De Água e Sal, com a companhia de dança Basirah. O espetáculo configurou-se como um laboratório cênico para o exercício da interpretação, objetivando principalmente a preservação do estado pré-expressivo no contexto de atuação. A pesquisa inspirou-se inicialmente no método do Movimento Autêntico e nos estudos do Body-Mind Centering como elementos acionadores do desenvolvimento do estado préexpressivo. Partindo destes, desenvolveu-se uma gama de exercícios destinados à sensibilização e conscientização corporal do intérprete, bem como a desautomatização da percepção. Os exercícios desenvolvidos tiveram como foco a interferência na racionalidade do intérprete, tanto na construção do pensamento, como na construção e manifestação do movimento corporal, estimulando nele a atenção para seus processos físicos e psicológicos para o desenvolvimento de uma consciência ampliada da atuação cênica. Este estudo direciona-se para o dançarino intérprete criador, buscando fazê-lo entender mais claramente sua dança, na criação de um movimento, na compreensão de um sentimento gerador de determinada expressão no corpo e na identificação dos bloqueios psicológicos ou físicos que o empeçam no desenvolvimento criativo. Também baseia-se num modelo de processo criativo com colaboração coletiva.

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Dança-teatro:

A dança-teatro é uma forma de arte que funde elementos da dança e do teatro, criando uma expressão única e dramática que se vale da linguagem corporal, texto, música, cenografia e figurino para contar histórias ou transmitir reflexões. Originária da Alemanha, a dança-teatro busca a expressão da realidade e das emoções humanas, sendo pina Bausch um dos seus mais importantes expoentes.

Teatro Físico:

O teatro físico é uma forma de performance em que o corpo do ator e o movimento são os principais meios de contar uma história, em vez do texto falado. Ele integra técnicas como mímica, dança, acrobacia e a experimentação corporal para criar narrativas visuais e emocionais, valorizando a fisicalidade na construção da cena e buscando uma experiência cênica completa.

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Um dos Espetáculos produzidos por Fernando, foi o nomeado "João e Maria" do grupo Vidas Erradas, um espetáculo infantil que passou pela Censura Federal e teve modificações para ser publicado.

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Adriano e o Fernando são artistas visuais, diretores e professores imersos na relação da palavra e da imagem, no teatro, na dança, nas artes visuais e afins. Em linhas gerais, seus trabalhos têm essa ideia da interlocução com o outro, esse desconhecido, quer esse outro sendo parcerias criadoras, quer pesquisadores de distintas linguagens, quer o encontro com o público. Essa ideia de alteridade é uma constante na visão e nos trabalhos que eles criam. Em 1996, dividiram o Prêmio Shell do Rio de Janeiro na categoria direção ao realizar uma parceria com o artista e professor uruguaio Hugo Rodas, referência na cena brasiliense. Juntos, dirigiram Doroteia, de Nelson Rodrigues. O Coletivo Irmãos Guimarães e o Emanuel Aragão são parceiros recorrentes em criações, por exemplo, na experiência de Nada, em 2012, que foi um espetáculo a partir da obra de Manoel de Barros em articulação com a obra de Beckett, sendo ali a parceria entre o Coletivo Irmãos Guimarães e a Cia. das Inutilezas, formada em 2007, da qual o Emanuel é cofundador. Portanto, ele também atua nessa dimensão coletiva, um trabalho de grupo continuado.

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O texto conta a biografia das vivências dos irmãos Adriano e Fernando Guimarães. Dentre os principais trabalhos e convivências foi a montagem da peça Dorotéia, gênero trágedia de Nelson Rodrigues. A dorotéia era encenação do tema repressão da sexualidade e hipocrisia burguesa. O maior desafio foi conseguir uma mistura do sublime, com, com o trágico. Essa peça foi reconhecida com o prêmio [Shell] e recebeu a crítica maravilhosa da Bárbara[Heliodora].

Assim como outro trabalho o Hamlet uma das peças mais famosas de shakespeare com uma pergunta construída quem quer revolucionar Hamlet?

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Fernando começou como ator através do seu contato com Dulcina de Moraes. Dulcina chegou a falar com Fernando sobre o ensaio de "Bodas de sangue" e Fernando falou para ela que não era aluno da faculdade. Dulcina ficou surpresa como se fosse a coisa mais extraordinária do mundo questionando Fernando. "Como alguém não faz teatro?" E assim Fernando foi escolhido após o vestibular e os ensaios. Ele diz que foi escolhido porque tinha cara de espanhol, assim como a própria Dulcina afirmava. Adriano assistia o irmão Fernando durante os ensaios. A faculdade foi visitada por atores, atrizes diretores e pessoas da área do teatro como Fernanda Montenegro, Henriette Morineau e etc. Fernando era o ator e Adriano era mais um espectador e assim eles se tornaram diretores e tiveram um contato muito forte nas artes visuais realizando várias peças e instalações. Peças como Macbeth Mauser, 44 48 49. Entre quatro paredes e Dorotéia.

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Irmãos Guimarães lembram parceria com Dulcina de Moraes

Ele conta como foi encontrar a dulcina e fala que teve uma impressão estranha do jeito que ela olhava para ele.

"Ela me olhou de uma forma como se eu fosse um marciano. Como quem perguntasse: ;Como não é ator?;;. Pois a atriz acabou convidando o rapaz ;de 20 e poucos anos;, que trabalhava como funcionário de banco, para prestar o vestibular. E ele foi. ;Não sei explicar. Mas a maneira com a qual ela me encarou, o convite; Veio uma sensação de que eu tinha que dar aquele passo."

(...) Encontro de mestres- Eles tiveram várias experiências com grandes artistas e diretores que os levaram a ter experiências. Como Hugo rodas, o trabalho com o Hugo rodas levaram eles a outro patamar no teatro nacional.

Em 1996, Dorotéia levou o prêmio Shell de melhor direção. O primeiro e único Shell da capital federal.

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É um ator brasileiro que iniciou no teatro amado em Penápolis (SP) mudou-se para Brasília nos anos 1970, e construiu sua trajetória principalmente no teatro candango. Participou de montagens históricas como Gota d’Água ao lado de Bibi Ferreira e trabalhou com diretores e grupos fundamentais da cena teatral de Brasília, como Dimner Monteiro, João Antônio e Hugo

Sua carreira se confunde com a própria história do teatro em Brasília. Foi em Brasília que encontrou seus grandes parceiros de cena e de aprendizado, onde viveu suas experiências mais marcantes e onde consolidou sua identidade como artista. Ele mesmo afirma que sua vida artística se divide entre antes e depois das experiências em Brasília, destacando especialmente os trabalhos sob a direção de Hugo Rodas. Assim, é considerado uma figura importante na consolidação e reconhecimento do teatro brasiliense.

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CHICO SANT’ANNA

O premiado ator brasiliense Chico Sant’Anna, comemora mais de 40 anos de carreira e 10 anos no Grupo Cia. Plágio de Teatro.

Estreou profissionalmente em 1980, contracenando com Bibi Ferreira em “Gota d’Água” (de Chico Buarque e direção de Gianni Ratto). Fez o personagem Pantaleão na peça “Arlequim” (direção de Hugo Rodas). A performance no espetáculo “Cru” (de Alexandre Ribondi), o premiou como Melhor Ator no Festival de Teatro do Rio de Janeiro, em 2011.

Trabalhou com nomes especiais do teatro, como Hugo Rodas, Antonio Abujamra, Sura Berdithevisky, Adriano e Fernando Guimarães, Guilherme Reis e Sergio Sartório.

Tem atuação marcante no cinema: conquistou o prêmio de melhor ator do Festival de Cinema de Pernambuco, por “Simples Mortais” (de Mauro Giuntini). Foi indicado ao prêmio de Melhor Ator coadjuvante no Festival de Gramado com “O Último Cine Drive-In” (direção de Iberê Camargo). Esteve no elenco de “O Pastor e o Guerrilheiro” (José Eduardo Belmonte), “Cano Serrado” (Erik de Castro), “Uma vida em segredo” (Suzana do Amaral) entre outros.

Também participou na TV Globo “Velho Chico” (direção de Luiz Fernando Carvalho), e no telefilme “Fuga de Natal” (direção de Gui Campos). Destaque nas novelas “O Rei do Gado” (de Benedito Ruy Barbosa), “Cabocla” (direção Ricardo Waddington) e “Da Cor do Pecado” (direção Denise Saraceni); e dos seriados “Malhação” (direção Ignácio Coqueiro), “A Diarista” (direção de José Alvarenga Jr) e “Carga Pesada”. Esteve nas minisséries “JK”, “Felizes para Sempre” (direção Fernando Meirelles e Paulo Morelli) e “Mad Maria”.

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Jonathan Andrade. Malu, Cuspe, Felipe, Salvatore.

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Jonathan Andrade. Malu, Cuspe, Felipe, Salvatore.

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Jonathan começou como um poeta, escrevia bastante sobre poesias e começou a perceber que nesses poemas haviam atores, personagens, cenários e etc.

Quando ele começou na graduação ele percebeu que foi só nas aulas teóricas e nas práticas a importância do teatro para a sua vida.

Fez dramaturgias como guardachuva e em terras de vento. Foram obras que marcaram sua vida como diretor e escritor.

Já trabalhou também com Hugo rodas e já pensou inúmeras vezes em desistir da sua carreira por conta da solidão. Para elu, a solidão é algo muito recorrente na sua vida e foi como se sentiu por muito tempo.

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Jonathan Andrade é poeta, ator, diretor, dramaturgo, cenógrafo, figurinista e bacharel em Artes Cênicas, com habilitação em Interpretação Teatral pela Universidade de Brasília (UnB).

Em sua trajetória artística assinou a direção de 26 montagens, recebendo prêmios por suas dramaturgias, cenografias e espetáculos. Atuou como professor da Faculdade Dulcina de Moraes, onde também foi coordenador pedagógico dos cursos de Licenciatura e Bacharelado em Artes Cênicas, entre 2009 e 2013. Desde 2014 integra o Aisthesis, coletivo multilinguagem a partir de encontros de cocriação e experimentação de linguagens.

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Jonathan começou sua carreira sem nenhum contato com as artes cênicas, na qual ele adorava escrever poesias, ele entrou na UnB em artes cênicas e percebeu que suas poesias estruturadas se encaixavam na dramaturgia e começou a se identificar essas artes cênicas através de suas poesias.

Através das aulas prática e teóricas que adorava estudar ele percebeu o nível de dificuldade em encorporar o corpo em certa palavra porque existe várias direções sobre como transmitir essas informações. O livro sobre o caminho que ele percorreu fala que o ator precisa ensaiar, trazer ideias e outras formas de corpo porque estamos colando material para criar uma boa apresentação, material nunca se perde.