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Los siglos XIX y XX fueron épocas de gran producción de zarzuelas en la Hispanoamérica, en especial en Venezuela, Cuba, México y Argentina, de donde salieron grandes obras que todavía son presentadas internacionalmente como El cumpleaños de Leonor, de Montero que era la historia de una mujer mayor que al descubrir la traición de su marido buscaba una vida mejor en la gran ciudad ; María la O de Ernesto Lecuona y La media naranja del íberoargentino Antonio Reynoso.

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Parece ser que los primeros autores que aportaron a este nuevo estilo de teatro musical fueron Lope de Vega y Calderón de la Barca. Según las investigaciones, Calderón de la Barca es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela¹ para una obra suya titulada El golfo de las sirenas que se estrenó en 1657 y que interpretaba la vida de un joven aventurero que emprendía un largo viaje lleno de misterios y peligros.

Lope de Vega escribió una obra que tituló La selva sin amor, comedia con orquesta. Según el autor era «cosa nueva en España». En el prólogo de 1629 de esta obra se dice: «Los instrumentos ocupaban la primera parte del teatro, sin ser vistos, a cuya armonía cantaban las figuras los versos en aquella frondosa selva artificial, haciendo de la misma composición de la música las admiraciones, quejas, iras y demás afectos…». Sin embargo, sólo se conserva la música suficiente en la obra Los celos hacen estrellas de Juan Hidalgo de Polanco y Juan Vélez de Guevara, que se estrenó en 1672. Con esta obra se puede tener una idea de cómo era este género en el siglo XVII y como marcó la diferencia para las siguientes doctrinas del género.

El siglo XVIII da entrada a la dinastía de los Borbones; con ellos se pusieron de moda los estilos italianos en diversas manifestaciones artísticas, incluida la música y la danza en los centros de convivencia de la plebe. Las zarzuelas del siglo XVIII se convirtieron en obras estilísticamente parecidas a las óperas italianas: por ejemplo, las obras de Antonio de Literes. Pero al llegar el reinado de Carlos III, amante de las buenas representaciones teatrales, los problemas políticos provocaron una serie de revueltas contra los ministros italianos llevando el conflicto a la toma de ayuntamientos y disturbios frecuentes (como, por ejemplo, el motín de Esquilache) (i.e. Squillace), hecho que repercutió en las representaciones teatrales y de nuevo imperó la tradición popular española representada, en esta ocasión, por los sainetes de don Ramón de la Cruz. La primera obra de este autor representada en este género fue Las segadoras de Vallecas (1768), con música de Rodríguez de Hita.

El auge de la zarzuela y su fama le llegó en el siglo XIX, a partir de 1839, con varios músicos entre ellos destacan Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente a los demás por medio de representaciones acústicas, como ocurría con los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas o de contenido amoroso que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular para asegurar que la interpretación fuera un éxito.

Contrario a las escenas españolas de cortes o aldeas, la zarzuela cubana describía imágenes y costumbres de la época colonial, utilizando las suaves cadencias musicales que dan a Cuba tanto reconocimiento mundial. Tema popular era el señorito rico, hijo del dueño del ingenio, que aunque comprometido con una joven de su clase, cortejaba a la joven mulata, zalamera y atrevida, con quien tenía amores prometiéndole matrimonio. El final era por lo general truculento, con desengaños, pasión, celos y lágrimas. Estos impresionantes finales no restaban un ápice a la belleza de la música, antes bien ponían énfasis en las habilidades y talentos histriónicos y musicales de los artistas de la interpretación teatral y musical del Divino Maestro.
En ésta época de mediados del siglo se divide en género chico, (zarzuelas de un solo acto) y género grande (zarzuelas de dos, tres o más actos). Se adoptan temas costumbristas, populares, cómicos y bailes españoles. Algunos músicos respetados de esta época son Emilio Arrieta, Federico Chueca, Fernández Caballero, Tomás Bretón y Ruperto Chapí.

Después de la Revolución de 1868, el país entró en una profunda crisis (sobre todo económica) que se reflejó también en el teatro. El espectáculo teatral era caro y ya no se podían pagar aquellos precios. Fue entonces cuando el Teatro Variedades de Madrid tuvo la idea de reducir el precio del espectáculo y, al mismo tiempo, la duración de la representación. Una función teatral duraba, por aquel entonces, cuatro horas y se redujo a una hora. Fue lo que se llamó teatro por horas. La innovación tuvo un gran éxito y los compositores de zarzuelas se acomodaron al nuevo formato creando obras mucho más cortas pero el verdadero triunfo tardó diez años hasta 1879. A las zarzuelas de un solo acto se las clasificó como Género chico y Género grande a las zarzuelas de dos, tres actos o más. La zarzuela grande fue batallando en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, pero con poco éxito y poco público. A pesar de esto, en 1873 se abrió un nuevo teatro Apolo de Madrid, que compartió los fracasos con el anterior, por querer hacerle un lugar para el drama y la comedia, hasta que no tuvo más remedio que cambiar el espectáculo al género chico en el que triunfó durante décadas.

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La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España que se distingue principalmente por contener partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas, aunque existen excepciones en las que estas últimas, las partes habladas, están completamente ausentes. El término «zarzuela», aplicado al género musical y teatral, procede del Palacio de la Zarzuela, palacio real español situado en las proximidades de Madrid y en el que se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

De una manera reductora y errónea se ha asimilado la zarzuela a la opereta, género de origen francés, principalmente por contener partes habladas o declamadas, pretendiendo así que «la zarzuela es la opereta española». Pero la zarzuela es históricamente muy anterior y esa característica ya se encontraba en otros géneros europeos, también muy anteriores a la opereta y no necesariamente anteriores a la zarzuela. En realidad en ese sentido la zarzuela sería más bien el equivalente español del opéra-comique francés o del singspiel alemán. Dichos géneros de Francia y del mundo germánico se caracterizan por producir representaciones teatrales y musicales en las que, a diferencia de la ópera propiamente dicha, se alterna música con partes habladas o declamadas. La flauta mágica de Mozart, por ejemplo, no es una ópera sino un singspiel y, por consiguiente, tanto sentido tiene decir que «la zarzuela es la opereta española» como decir que «el singspiel es la zarzuela vienesa». A pesar de todo, ha habido zarzuelas del género grande que por no tener partes habladas son parecidas al grand opéra francés o a la ópera seria italiana. Por lo tanto la zarzuela se definiría de una manera más adecuada, y más simple, como el arte lírico y escénico propiamente hispánico, pues aunque naciera en España, al poco tiempo de su aparición se extendió a la casi totalidad del mundo hispánico.

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A fines del siglo XIX, una nueva y ligera forma de ópera, la opereta, se tornó popular en Viena. Las operetas tenían melodías inmediatamente atractivas, tramas cómicas (y a veces frívolas) y utilizaban diálogo hablado entre los «números musicales». La opereta vienesa estaba inspirada en las formas de las operetas francesas de Jacques Offenbach.

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Otros compositores conocidos como «últimos románticos», tales como Franz Schreker (Der ferne Klang, 1912; Der Schatzgräber, 1920), Alexander von Zemlinsky (Eine florentinische Tragödie, 1917; Der Zwerg, 1922) y Erich Korngold (Die tote Stadt, 1920) exploraron territorios similares a los de Salome y Elektra de Strauss

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Richard Strauss fue fuertemente influenciado por Wagner, a pesar de los esfuerzos de su padre en contrario. A los diecisiete años, no mostró mayor interés por Tannhäuser, Lohengrin y Siegfried, pero resultó absolutamente encantado con las otras tres piezas de la Tetralogía y Tristan und Isolde.

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Las innovaciones de Wagner cayeron como una inmensa sombra sobre los compositores siguientes, que intentaban absorber sus influencias sin perder su propia individualidad.

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Richard Wagner fue uno de los más revolucionarios y controvertidos compositores en la historia de la música, y la influencia de sus innovaciones cambiaron el curso de la ópera, no sólo en Alemania y Austria, sino a través de toda Europa.

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El sucesor más importante de Weber en el campo de la ópera romántica fue Heinrich Marschner, quien además exploró el Arte gótico y lo sobrenatural en obras tales como Der Vampyr (1828) y Hans Heiling (1833).
Por otra parte, fue con la ópera cómica que Albert Lortzing logró su máximos éxitos. La popularidad de piezas como Zar und Zimmermann persiste aún en Alemania, aunque sus obras raramente sean representadas en el exterior.
Aunque sus comienzos se dieron en Alemania, Giacomo Meyerbeer fue más famoso por sus contribuciones a la ópera italiana y especialmente, a la francesa. Fusionó elementos de los tres estilos nacionales en su concepción de la Grand Opéra, el cual tuvo una importante influencia en el desarrollo de la música alemana, incluidos los primeros trabajos de Wagner.
Otras óperas notables de esta época son Die lustigen Weiber von Windsor (1849) de Carl Otto Nicolai y Martha (1847) de Friedrich von Flotow. Luego llegaron Peter Cornelius (Der Barbier von Bagdad, 1858), Hermann Goetz (Der Widerspänstigen Zähmung, 1874) y Karl Goldmark (Die Königin von Saba, 1875).
Deben mencionarse también dos grandes compositores de la era, que escribieron sus principales obras en otros géneros, pero también compusieron óperas: Franz Schubert y Robert Schumann. Schubert escribió alrededor de una docena de óperas, mayormente en el estilo del singspiel. Apenas algunas fueron representadas durante la vida del compositor. Schumann escribió solamente una ópera, Genoveva, representada por primera vez en Leipzig en 1850. Aún siendo elogiada por Liszt, no logró obtener éxito. El veredicto en las óperas de ambos compositores ha sido generalmente que, aunque contienen excelente música, poseen demasiadas debilidades dramáticas como para ser aclamadas como grandes obras en escena.

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La mayor brecha en la historia de la ópera romántica alemana fue Der Freischütz de Carl Maria von Weber, presentada por primera vez en Berlín el 18 de junio de 1821.
Weber resentía la dominación a nivel europeo de las óperas italianas de Rossini y buscó establecer un estilo de ópera únicamente alemana. Se volvió hacia las canciones populares y folclore alemán como fuente de inspiración; Der Freischütz está basada en una leyenda del Gespensterbuch (Libro de los fantasmas) de Johann August Apel y Friedrich Laun, referente a un cazador que hace un pacto con el diablo.
Der Freischütz fue su obra maestra, considerada por muchos como la primera ópera nacionalista, dado que utilizó temas musicales y dramáticos que provenían del folclore germano. Es también la primera ópera románticaalemana.
El punto fuerte de Weber fue su llamativa capacidad de evocar atmósferas con el color orquestal. Desde las primeras barras de la obertura es claro que se sitúa en los primitivos bosques de Alemania. El punto culminante de la ópera es la escena de la cañada del lobo, en la cual el héroe Max hace su trato con el diablo. Der Freischütz fue inmensamente popular, no sólo en Alemania, sino a lo largo de toda Europa. Weber nunca alcanzó su capacidad máxima como compositor de ópera, debido a su prematura muerte por tuberculosis y por la pobre opción de libretos, y por tanto, tampoco aportó más progresos al género.
Su principal ópera alemana después de Der Freischütz, Euryanthe (1823), sufre de un texto particularmente débil y es raramente presentada en la actualidad. Aun así Euryanthe marca otra etapa importante en el desarrollo de la ópera alemana seria. Weber realmente logró avanzar en el campo, alejándose ligeramente del singspiel, al iniciar el proceso de diluir las arias y los recitativos hasta eliminarlos por completo, implementando el concepto de la unificación musical. Además, utilizó motivos musicales reiteradamente. Sus lecciones influyeron notablemente en la siguiente generación de compositores.

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En los primeros años del siglo XIX, un vasto movimiento cultural, conocido como Romanticismo, comenzó a ejercer sus influencias sobre los compositores alemanes. Los románticos mostraron un afilado interés en la Edad Media así como también en el folclore alemán. Las colecciones de cuentos de hadas de los hermanos Grimm y el material redescubierto de la épica medieval alemana, el Nibelungenlied, fueron las mayores fuentes de inspiración de este movimiento. Existió también a veces una búsqueda de una identidad alemana distintiva, influenciada por el nuevo nacionalismo, que se presentó en la estela de las invasiones napoleónicas.

El romanticismo ya estaba firmemente establecido en la literatura alemana con escritores como Ludwig Tieck, Novalis, Joseph von Eichendorff y Clemens Brentano. Uno de los más famosos autores alemanes románticos, E.T.A. Hoffmann, fue también músico teórico y compositor en su propio derecho y en 1816 produjo una ópera, Undine, en Berlín. Otra importante ópera romántica temprana fue Faust (1816) de Louis Spohr. Tanto Hoffmann como Spohr tomaron la forma básica del Singspiel como punto de partida pero comenzaron a agrupar los números individuales en escenas extendidas. También emplearon reminiscence motifs, recurriendo a temas musicales asociados con personajes o conceptos en la ópera, abriendo camino al uso del leitmotif de Wagner.

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Se denomina «ópera alemana» al desarrollo operístico de los países germanoparlantes, principalmente Alemania (o los estados históricos que actualmente conforman la República Federal Alemana) y Austria. En este artículo se mencionan brevemente los trabajos de compositores alemanes o austríacos que han sido escritos en otras lenguas. La misma expresión se utiliza también para designar el conjunto de obras escritas en lengua alemana, incluyendo obras escritas por compositores no nativos.

Tal como indican los nombres de Mozart, Weber, Richard Wagner, Richard Strauss y Berg, Alemania y Austria poseen una de las tradiciones operísticas más fuertes en la cultura europea. Esto se evidencia también en la gran cantidad de teatros de ópera (principalmente en Alemania, donde al menos todas las ciudades importantes tienen su propio teatro), así como también en los numerosos festivales operísticos tan renombrados mundialmente, por ejemplo, el Festival de Salzburgo.

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La fuerza de la ópera romántica decayó en una era más violenta: el «verismo».

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Fue Giuseppe Verdi quien transformó la naturaleza entera de la escritura operística durante el curso de su larga carrera. Su primera gran ópera exitosa, Nabucco (1842), cautivó al público con la vigorosa dinámica de su música y sus grandiosos coros. Va, pensiero, uno de los estribillos, fue reinterpretado y ganó un ventajoso significado para la lucha por la independencia italiana y para unificar a Italia.

Luego de Nabucco, Verdi basó sus óperas en temas patrióticos y en varias de las fuentes románticas usuales: Victor Hugo (Ernani, 1844); Lord Byron (I due Foscari, 1844); and Shakespeare (Macbeth, 1847). Verdi experimentó con las formas musicales y dramáticas, a fin de descubrir cosas que sólo la ópera podía lograr. En 1877, creó Otello que reemplazó por completo a la ópera homónima de Rossini, y que es descripta por los críticos como la más fina ópera romántica italiana, con los componentes tradicionales: las arias solistas, los duetos y los coros totalmente integrados dentro del fluir melódico y dramático.

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La ópera romántica, enfatizada en la imaginación y las emociones, comenzó a aparecer a principios del siglo XIX, y con sus arias y su música, le dio mayor dimensión a las emociones extremas, característica del teatro de esa era. Además, se dijo que la fina música a menudo excusaba las llamativas fallas en la definición de los personajes y las líneas argumentales.

Gioacchino Rossini (1792-1868) inició el período romántico. Su primer éxito fue una "opera buffa", La Cambiale di Matrimonio (1810). Su reputación subsiste hasta hoy gracias a El barbero de Sevilla y La Cenerentola. Pero también escribió ópera seria, Otello (1816) y Guillermo Tell (1829).

Los sucesores de Rossini en el «bel canto» italiano fueron Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1843) y Giuseppe Verdi (1813–1901).

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Durante el Renacimiento algunos compositores italianos, poetas e intelectuales trataron de crear drama musical. Fueron inspirados por el ejemplo del mundo antiguo, porque sabían que las tragedias griegas que habían llegado hasta ellos había tenido originalmente acompañamiento musical. Sin embargo, poca música griega había sobrevivido para servirles de guía. Emergió entonces en el Renacimiento Italiano el intermezzo, un suntuoso entretenimiento musical consistente en canto, danza y efectos en escena que se insertaban entre los actos de una obra. Otro experimento fue la comedia madrigal, en la cual una serie de madrigales se hallaban encadenados generando una narrativa, el ejemplo más famoso de este género se encuentra en L'Amfiparnaso de Orazio Vecchi (1594). Las desventajas de utilizar madrigales para el drama, con varias voces cantando a la vez, pronto resultaron obvias. Una dirección más fructuosa fue tomada cuando los músicos comenzaron a experimentar con la monodia, en la cual una voz solista declamaba los versos sobre una línea instrumental. Esta línea de experimentación fue liderada por un grupo de músicos y teóricos conocidos en Florencia con el nombre de "La Camerata". Entre ellos se contaban a Giovanni de Bardi, Vincenzo Galilei, el poeta Ottavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri. Peri, Mancilla y Rinuccini en conjunto fueron autores de lo que se considera la primera ópera, Dafne. Fue estrenada en una presentación semi-privada en 1598.

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Se llama ópera italiana al arte de la ópera desarrollado en Italia.

La ópera nació en Italia alrededor del año 1600, en donde continuó teniendo un rol dominante en la historia del género hasta el día de hoy. Las obras de compositores italianos del siglo XIX y principios del siglo XX, tales como Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi y Puccini, se encuentran entre las más famosas jamás escritas, y hasta el presente son representadas en los principales teatros de ópera de todo el mundo.

También, en ocasiones, se utiliza esta denominación para referirse a la totalidad de la ópera escrita en idioma italiano. Muchas óperas famosas escritas en italiano fueron creadas por compositores extranjeros, entre ellos, Handel, Gluck y Mozart.