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KUI * Fantastische Blattwesen * Die Frottage-Technik im Kunstunterricht

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Das Durchreibeverfahren (Frottage) im Kunstunterricht. Eine Unterrichseinheit für die Grundschule und Sekundarstufe mit Unterrichtsbeispielen

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Einfache Kunstaufgaben für die Schüler zum selber gestalten

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Museen versuchen zunehmend mit digitalen Formaten Schulen zu erreichen. Für viele Institutionen waren Schüler*innen vor Covid-19 das zentrale Zielpublikum für ihren Bildungsauftrag. Das soll auch während der Pandemie und erschwerten Zugangsmöglichkeiten zum analogen Museumsraum so bleiben. Die Bandbreite digitaler Kulturvermittung und der Kunstvermittlung hat sich dabei während der vergangenen Monate erweitert und umfasst neben aufgezeichneten Videotouren auch buchbare Führungen und Workshops, die live stattfinden. Durch die individuelle Betreuung der Schulgruppen in Echtzeit können viele Stärken personaler Kulturvermittlung ins digitale übersetzt werden. Wir haben für Euch einen Überblick der Angebote zusammengestellt.

Digitale Workshops

Das British Museum hat aufgrund der Covid-19 Pandemie sein Angebot digitaler Workshops stark ausgebaut. Im Oktober 2020 nehmen 900 statt bisher 163 Schüler*innen an den Samsung Virtual Visits teil (Museums+Heritage Advisor 2020). Die Kulturvermittlungs-Workshops finden über die Videokonferenz-Plattform ZOOM statt. Ein*e Expert*in des Museums leitet das Vermittlungsformat live für eine Schulklasse. Aktivitäten umfassen Quizze, Diskussionen und Arbeitsblätter. Auf der Museumswebsite werden alle buchbaren Angebote, der Ablauf und die technischen Voraussetzungen sehr gut beschrieben. Dank einem Sponsoring sind die Formate kostenfrei.

Das Scottish Maritime Museum bietet mit Ship to Shore ein kostenfreies Online-Programm aus dem STEM Bereich an. Teilnehmende erhalten Live-Links zum Vermittlungsteam im Museum und ein digitales Kit mit Informationen, Aktivitäten und Aufgaben.

"We're thrilled to launch our new 'Ship to Shore Online Learning Workshops'. (...) We have a well-established education programme at the Museum so it has been a natural and exciting step for us to translate some of our most popular workshops into a live learning experience for schools and support them as they look for new ways to educate during these challenging times." Claire Munro, Learning and Access Officer at the Scottish Maritime Museum (www.scottishmaritimemuseum.org)

Die National Gallery in London realisiert im Wintersemester 2020/21 alle Schulangebote als digitale Kunstvermittlungs-Formate über ZOOM. Die Angebote für alle Altersgruppen umfassen Thementouren, praktische Workshops oder in-depth sessions (z.B. Myths and Legends, Every Picture Tells a Story, Sculpting stories). Es gibt auch Fomate für Gruppen mit besonderen Bedürfnissen (SEND Special Educational Needs & Disabilities). Für Schulen aus dem United Kingdom sind die Formate frei, für Gruppen aus anderen Ländern fallen Kosten von £75-100 an.

www. nationalgallery.org.uk (Screenshot vom 25.10.2020)

Zum ersten Mal bietet auch das J. Paul Getty Museum virtuelle Kunsterlebnisse über ZOOM an. In den 30- bis 45-minütigen Art Explorations führen zwei Vermittler*innen Bildanalysen und Bildgespräche mit max. 45 Schüler*innen durch. Das Museum stellt Materialien zur Vor- und Nachbereitung bereit.

The Frick Collection bietet ebenfalls online Touren via Zoom an. Vermittler*innen laden Teilnehmende in dem 45-minütigen Format ein, sich mit zwei bis drei Kunstwerken genau auseinanderzusetzen. Die Teilnahme an diesem digitalen Format der Kunstvermittlung ist kostenfrei.

Interaktive virtuelle Workshops können auch im Spy Museum in Washington DC gebucht werden. Die Live-Workshops für bis zu 40 Teilnehmende inkludieren ein PDF-Paket mit Materialen und kosten ab $105 pro Workshop.

Digitale Workshops und Planetarium-Vorführungen für verschiedene Schulstufen sowie Gruppen mit besonderen Bedürfnissen (SEND) bieten auch die Royal Museums Greenwich in London an. Sie werden über Zoom oder Microsoft Teams durchgeführt, dauern 45 Minuten und beinhalten eine Q&A Session.

Das Jewish Museum in London hat für das Wintersemester 2020/21 ebenfalls auf digitale Vermittlung für Schulen umgestellt.

Das Durheim Museum bietet mit wöchentlichen digitalen Learning-Sessions eine Mischform aus passivem und interaktivem Format. Jede Woche gibt es 30-minütige Ausstrahlungen, in denen neben dem Museumspersonal auch externe Expert*innen zu Wort kommen. Lehrende können hier auch Fragen stellen und erhalten ein Informationspaket zur Nachbereitung in der Klasse. In einem Archiv sind vergangenen Episoden (gegen Anmeldung) zugänglich.

Auch das Museum of the City of New York bietet Schulen virutelle Formate an. Die Formate sind 45-60 Min. lang, finden über Zoom statt und kosten $120 für max. 35 Teilnehmende.

Kostenfreie Live-Shows für verschiedene Schulstufen bietet ebenfalls die Barnes Collection an. Eine Live-Session kann dabei bis zu 180 Teilnehmende umfassen. Dadurch wird trotz Live-Format die Dialogmöglichkeit sehr eingeschränkt, ist aber prinzipiell im Verleich zu aufgezeichneten Angeboten der Kunstvermittlung gegeben.

Virtuelle Museumstouren

Das New Children's Museum in San Diego kombiniert eine aufgezeichnete 25-minütige Rundgänge mit einem Art Kit (enthält Activity Booklet und weitere Materialien) für die Schüler*innen. Lehrende erhalten eine Anleitung, wie sie die Stunde in der Schule gestalten sollen. Das Set ist für $135 zu haben.

Digitale Workshops und Live-Streams können auch im Bakken Museum in Minneapolis absolviert werden. Live-Touren bietet auch das Vanderbilt Museum in NY an. In Finnland haben die Finnish Museums ein Digital Museum gelaunched, in dem ebenfalls Touren gebucht werden können. Das Van Gogh Museum in Amsterdam hat Angebote für Kinder im Homeschooling.

www.vangoghmuseum.nl (Screenshot vom 26.10.2020)

Fazit

Digitale Schulformate lassen sich grob in zwei Kategorien unterteilen:

1. Interaktive Workshops, die für eine Schulklasse live durchgeführt werden. Lehrende und Schüler*innen haben die Möglichkeit mit den Vermittler*innen in Interkation zu treten und Fragen zu stellen. Bei manchen Formaten wird in den Klassenraum übertragen, bei anderen ist jede*r Teilnehmende als Individuum zugeschaltet.

2. Virtuelle Formate, die wie Massenmedien gestreamt werden und sich an eine große Gruppe von Teilnehmenden richten können. Der Stream ist entweder live oder es handelt sich um eine Aufzeichnung. Bei einem Live-Stream besteht prinzipiell die Möglichkeit, sich direkt an die Vermittler*innen zu wenden. Bei einer Aufzeichnung gibt es keinerlei Interaktion und Feedback zwischen Museum und Schule.

Fast alle Formate inkludieren Informationspackes mit Materialien zur Vor- und Nachbereitung sowie Instruktionen zum Ablauf und zur Durchführung. Die Preisgestaltung ist sehr divers: viele Formate sind frei, für einige fallen Kosten von bis zu $140 pro Gruppe an. Geographisch finden sich die meisten Angebote im angloamerikanischen und englischen Raum.

Museo del 900, Mestre

Links

Bakken Museum, Minneapolis / MN

Barnes Foundation, Philadelphia / PA

British Museum, London / UK

Durham Museum, Omaha / NE

Finnish Museum - Digital Museum

Frick Collection, New York / NY

Jewish Museum, London / UK

J. Paul Getty Museum, Los Angeles / CA

Lehrer Online: Das Museum als (virtueller) außerschulischer Lernort

Museum+Heritage Advisor (2020): British Museum scales up virtual school visits programme after 'huge demand'

Museum of the City of New York, New York / NY

National Gallery, London / UK

Royal Museums Greenwich, London / UK

Scottish Maritime Museum, Irvine / UK

Spy Museum, Washington / DC

Vanderbilt Museum, Centerport / NY

The New Children's Museum, San Diego / CA

Van Gogh Museum, Amsterdam / NL

WeAre Teachers: 17 Famous Art Museums You Can Visit from Your Living Room. Art from around the world has never been closer to home

Young Science: Digitale Angebote internationaler Museen und Institutionen

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Alle Beiträge von Isabell Fiedler anzeigen

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Museen versuchen zunehmend mit digitaler Kulturvermittlung Schulen zu erreichen. Für viele Institutionen waren Schüler*innen vor Covid-19 das zentrale Zielpublikum für ihren Bildungsauftrag. Das soll auch während der Pandemie und erschwerten Zugangsmöglichkeiten zum analogen Museumsraum so bleiben. Die Bandbreite des Angebotes im Bereich Kulturvermittlung und Kunstvermittlung umfasst neben aufgezeichneten Videotouren auch buchbare virtuelle Fürhugnen und Workshops,...

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Jean-Michel Basquiat wurde im New York City der 1980er Jahre als raffinierter Graffiti-Künstler bekannt, der von seinen Anfängen als Street Artist erfolgreich in die internationale Kunstszene vordrang.

In seiner kurzen künstlerischen Laufbahn schuf Basquiat ein beeindruckendes Werk an Gemälden und Zeichnungen, von denen einige heute zu den wertvollsten Arbeiten der zeitgenössischen Kunst zählen.

Kernideen von und über Basquiat

Basquiats Werk ist eines der wenigen Beispiele dafür, wie ein amerikanischer Punk aus der Graffiti-Szene zu einem anerkannten und in der Populärkultur gefeierten künstlerischen Phänomen wurde.

Trotz des unstrukturierten Erscheinungsbildes seines Werkes brachte Basquiat in seiner Kunst sehr geschickt und zielgerichtet eine Vielzahl unterschiedlicher Traditionen, Praktiken und Stile zusammen, um eine einzigartige Bildsprache zu schaffen, die von seinen Street Art Ursprüngen und seinen karibischen Vorfahren inspiriert ist.

Für Einige verkörpert Basquiats rascher Aufstieg zum Ruhm und sein ebenso schneller wie tragischer Tod durch eine Heroinüberdosis die zu kommerziell ausgerichtete Kunstszene der 1980er Jahre.

Basquiats Schaffen ist beispielhaft dafür, wie amerikanische Künstler der 1980er Jahre nach dem großen Erfolg des Minimalismus und der Konzeptkunst die menschliche Figur erneut in ihre Arbeit integrierten und so einen Dialog mit der Tradition des abstrakten Expressionismus der 1950er Jahre aufnehmen konnten.

Bücher zu Jean-Michel Basquiat

Bevor wir uns unserer Biografie widmen, findest du nachfolgend eine Übersicht jener Bücher, die Basquiat-Fans für einen noch umfangreicheren Einblick in das Leben und Werk des Künstlers lesen sollten.

Die umfassende Monografie von Holzwarth und Nairne (erschienen im Taschen Verlag) ist sicherlich der heilige Gral der Jean-Michel Basquiat Bücher, doch gibt es auch preiswertere Optionen, die einen Großteil der Informationen ebenfalls eindrucksvoll vermitteln.
Hier nun die Buchempfehlungen:
Jean-Michel Basquiat Biografie

Kindheit und erste Kontakte mit der Kunst

Obwohl Jean-Michel Basquiat seit jeher als Straßenkünstler gilt, ist er nicht in den schmalen Straßen von Manhattan aufgewachsen, sondern in einem Reihenhaus in Brooklyn.

Der gebürtige New Yorker wurde am 22. Dezember 1960 als Sohn einer puertorikanischen Mutter und eines haitianisch-amerikanischen Vaters geboren. Dank des multikulturellen Erbes seiner Eltern sprach Basquiat Französisch, Spanisch und Englisch.

Als eines von vier Kindern des Paares wuchs Jean-Michel in einem dreistöckigen Reihenhaus im Boerum Hill Viertel im Nordwesten von Brooklyn auf. Sein Bruder Max starb kurz vor Jean-Michels Geburt. Jean-Michel war damit das älteste Geschwisterkind von Lisane und Jeanine, geboren 1964 und 1967.

Im Alter von 7 Jahren erlitt der junge Jean-Michel ein dramatisches Schicksal, als er beim Spielen auf der Straße von einem Auto angefahren wurde und in Folge dessen seine Milz verlor. Als er sich während eines einmonatigen Krankenhausaufenthaltes erholte, war der Junge fasziniert von dem berühmten Lehrbuch " Gray's Anatomy", das ihm seine Mutter geschenkt hatte. Das Buch wurde auch als Einfluss bei der Entstehung seiner experimentellen Rockband Gray gewertet. Aber nicht nur in der Musik, sondern auch in der bildenden Kunst prägten ihn die anatomischen Darstellungen.

Der verheerende Verkehrsunfall war jedoch nicht das einzige traumatische Ereignis, das die Kindheit von Basquiat beeinflusste. Nicht lange nach dem Autounfall trennten sich seine Eltern. Matilde litt fortwährend unter psychischen Problemen, die eine regelmäßige therapeutische Betreuung erforderten, so dass der Vater das Sorgerecht für die Kinder erhielt.

Der Künstler und sein Vater entwickelten eine turbulente Beziehung. Als Teenager lebte Basquiat zeitweise allein oder mit Freunden, während zu Hause die Spannungen zunahmen.

Gérard Basquiat soll seinen Sohn rausgeworfen haben, als der Teenager die Edward R. Murrow High School verließ. Invielerlei Hinsicht war diese erzwungene Unabhängigkeit für die Entwicklung Jean-Michels als Künstler und Mann ausschlaggebend.

Frühwerk und Bekanntheit als Street Artist

Allein auf seinen Verstand und seine persönlichen Mittel angewiesen zu sein, beflügelte Basquiat, seinen Lebensunterhalt selbst zu bestreiten und sich als Künstler einen Namen zu machen. Der Teenager versuchte Postkarten und T-Shirts zu verkaufen, um sich selbst zu versorgen.

In dieser Zeit erregte er aber auch als Graffitikünstler Aufmerksamkeit. Unter dem Pseudonym SAMO - häufig als Abkürzung für "Same Old Shit" gedeutet - malten Basquiat und sein Freund Al Diaz an Gebäuden in Manhattan Botschaften gegen das Establishment.

Bald darauf wurde die Gegenkultur auf das Duo aufmerksam, was zu einem erhöhten Bewusstsein für ihren künstlerischen sozialen Kommentar führte.

Eine Meinungsverschiedenheit führte schließlich dazu, dass Basquiat und Diaz ihre Zusammenarbeit beendeten. Ihre letzte gemeinsame Graffiti-Botschaft, "SAMO is dead", wurde an unzähligen Fassaden der New Yorker Innenstadt entdeckt.

Künstlerischer Erfolg und mittleres Werk

1980 wurde Jean-Michel Basquiat zu einem angesehenen Künstler. In diesem Jahr nahm er an seiner ersten Gruppenausstellung " Times Square Show" teil.

Eine zweite Gruppenausstellung im PS1/Institute for Art and Urban Resources Inc. im Jahr 1981 gilt als sein endgültiger künstlerischer Durchbruch. Während die Ausstellung die Werke von mehr als 20 Künstlern zeigte, stach vor allem Basquiat mit seinen Arbeiten hervor, was dazu führte, dass über ihn ein Artikel mit dem Titel "The Radiant Child" im Artforum Magazine geschrieben wurde.

Seine künstlerischen Inspirationen erhielt Basquiat unter anderem vom Punk, Hip-Hop, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci und Robert Rauschenberg sowie seinen eigenen haitianischen Vorfahren.

In dieser Schaffensphase konzentrierte sich Basquiats Botschaft vor allem auf die soziale Zweiteilung zwischen schwarzer und weißer Bevölkerung. In seinen Werken stellte er sowohl den transatlantischen Sklavenhandel als auch den Sklavenhandel in Ägypten dar.

Basquiat beklagte die Tatsache, dass er als Schwarzer trotz seines Erfolgs nicht in der Lage war, ein Taxi in Manhattan anzuhalten. Er scheute sich nie, explizit und aggressiv über rassistische Ungerechtigkeiten in Amerika zu sprechen.

Mitte der 80er Jahre arbeitete Basquiat mit Andy Warhol an mehreren Ausstellungen zusammen. 1986 wurde er zum jüngsten Künstler, der in der Galerie der deutschen Kestner Gesellschaft ausstellte, wo etwa 60 seiner Gemälde gezeigt wurden. Aber der Künstler hatte nicht nur Anhänger, sondern auch Gegner, die seine Kunst für einen Marketing-Scherz hielten und die ästhetische Armut seiner Bildsprache kritisierten.

Tod

In seinen späten Zwanzigern war Basquiat wahrscheinlich schon an der Spitze der Kunstwelt angekommen, aber sein Privatleben lag in Trümmern. Er war heroinabhängig, zog sich gegen Ende seines Lebens aus der Gesellschaft zurück.

Nachdem er einen erfolglosen Versuch unternommen hatte, mit dem Heroinmissbrauch aufzuhören, als er eine Reise nach Hawaii unternahm, kehrte er nach New York zurück und starb am 12. August 1988 im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis in seinem Studio in der Great Jones Street.

Basquiats Tod brachte ihm einen Platz im zweifelhaften "Club 27" ein, zu dessen Mitgliedern künstlerische Legenden wie Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison und später auch Kurt Cobain und Amy Winehouse gehören, die allesamt im Alter von 27 Jahren starben.

Künstlerisches Vermächtnis

Achtzehn Jahre nach seinem Tod stellte die filmische Biografie " Basquiat" mit Jeffrey Wright und Benicio del Toro Jean-Michel Basquiats beachtliches Werk einer neuen Generation vor. Julian Schnabel, der zur gleichen Zeit wie Basquiat als Künstler in New York City bekannt wurde, übernahm die Regie des Films. Neben Schnabels Film war Basquiat Thema des 2010 erschienenen Dokumentarfilms "Jean-Michel Basquiat - The radiant Child" von Tamra Davis.

Das Werk von Basquiat umfasst rund 1.000 Gemälde und 2.000 Zeichnungen. Sammlungen von Basquiats Werken wurden in mehreren Museen ausgestellt, darunter das Whitney Museum of American Art, das Brooklyn Museum, das Guggenheim Museum Bilbao in Spanien und das Barbican Centre in London.

Während Basquiat und sein Vater ihre Differenzen hatten, wurde Gérard Basquiat zugeschrieben, dass er die Integrität des Werkes seines Sohnes bewahrt und seinen Wert gesteigert hat. Sein Vater soll nach dem Tod seines Sohns streng die Urheberrechte kontrolliert haben, indem er systematisch nach Drehbüchern, Biographien oder Galerieausstellungen suchte. Er war auch Teil eines Expertenausschusses, der sch mit potenziellen Fälschungen von Kunstwerken beschäftigte, die als echte Basquiats beworben wurden. Die gesamte Kunst, die auf dem heutigen Markt angeboten wird, ist authentisch und sind Schöpfungen von Jean-Michel Basquiat.

Als Basquiat das Alter von 20 Jahren erreichte, wurden seine Kunstwerke für Zehntausende von Dollar verkauft. Stücke, die während seines Lebens für bis zu 50.000 Dollar verkauft wurden, stiegen nach seinem Tod beinahe über Nacht auf etwa 500.000 Dollar. Diese Entwicklung setzt sich seitdem weiter fort und zeigt ausschließlich in eine Richtung: Nach Oben.

Im Mai 2017 kaufte der japanische Milliardär Yusaku Maezawa Basquiats Totenkopfgemälde "Untitled" von 1982 für 110,5 Millionen Dollar bei einer Sotheby's-Auktion. Kein Gemälde eines Amerikaners, geschweige denn eines Afroamerikaners, hatte bis dato einen so hohen Verkaufspreis erzielt.

Basquiats Werk und sein Lebensweg inspirieren weiterhin Kreative in einer Vielzahl von Genres, darunter der Musik, Literatur, Kunst, Mode und mehr.

Bekannte Werke von Jean-Michel Basquiat

SAMO is dead Graffiti, 1980

Beschreibung des Kunstwerks: Al Diaz und Basquiat entschlossen sich unter Verweis auf künstlerische Unterschiede, ihre Zusammenarbeit unter dem Namen SAMO mit der Ankündigung "SAMO is dead" zu beenden.

Der Satz, der an verschiedenen Orten tauchte mehrfach auf Gebäuden in ganz Lower Manhattan auf. Einst ein Zeichen von Hausfriedensbruch und Vandalismus, wurden Graffitis in den Händen von Diaz und Basquiat zu einem Werkzeug des künstlerischen Markenauftritts.

Untitled, 1981 (Totenkopf-Gemälde)

Beschreibung des Kunstwerks: Untitled (Skull) ist ein Beispiel für Basquiats frühe Leinwandkunst und zeigt einen Schädel, der das malerische Pendant zu Mary Shelleys Frankenstein zu sein scheint - Er wirkt wie eine Summe aus nicht zueinander passenden Bestandteilen.

Basquiats jüngere Vergangenheit als mutiger Straßenhändler, beinahe Obdachloser und gelegentlicher Nachtclub-Besucher ist in diesem unruhigen Dreiviertelprofil gleichermaßen enthalten.

Beschreibung des Kunstwerks: Flexible zeigt eins der beliebtesten Motive von Jean-Michel Basquiat: Den Griot. Eine einzige schwarze Figur starrt den Betrachter an, während seine Arme einen geschlossenen Kreislauf bilden.

Da der Griot traditionell eine Art wandernder Philosoph, Straßenkünstler und sozialer Kommentator in einem ist, ist es wahrscheinlich, dass Basquiat sich in dieser Rolle in der New Yorker Kunstwelt verkörpert sah. Er war sich bewusst, dass diese Rolle seinen künstlerischen Erfolg förderte, ihn aber auch schnell für materielle Zwecke ausschöpfte.

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Jean-Michel Basquiat: Biografie, Vermächtnis und Kunstwerke

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Jean-Michel Basquiat wurde im New York City der 1980er Jahre als raffinierter Graffiti-Künstler bekannt, der von seinen Anfängen als Street Artist erfolgreich in die internationale Kunstszene vordrang. In seiner kurzen künstlerischen Laufbahn schuf Basquiat ein beeindruckendes Werk an Gemälden und Zeichnungen, von denen einige heute zu den wertvollsten Arbeiten der zeitgenössischen Kunst zählen.

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Arbeitsblatt

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Löwenkopf von der Seite. Zeichnen für Kinder... und jedem, dem es Spaß macht.

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Mixed media 2017 Performed by the public Austrian Pavilion, 57th International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, Venice, Italy, 2017 Photo credit Eva Würdinger

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(amerikanisch, 1923 - 1997)

Roy Lichtenstein war ein amerikanischer Maler, Grafiker und Pionier der Pop Art. Wie Andy Warhol, James Rosenquist und Jasper Johns wurde Lichtenstein in den späten 1950er Jahren künstlerisch von der Populärkultur inspiriert und entfernte sich vom abstrakten Expressionismus. Seine Gemälde eigneten sich die Bildsprache der Werbung an. Die vielleicht größte Bekanntheit erlangte er für die großflächige Verwendung von Benday Dots, jene charakteristischen Pünktchen, die in Zeitungen und Comic-Strips Schattierungen und Struktur erzeugen. Sein von starken Pinselstrichen und Primärfarben geprägter Stil eignete sich für die Reproduktion einiger Werke von Cézanne, Mondrian und Picasso. In seiner Serie Brushstrokes zitierte Lichtenstein in den 1960er Jahren abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock. Geboren am 27. Oktober 1923 unter dem Namen Roy Fox Lichtenstein in New York, begann er seine Laufbahn nach Abschluss der Oberschule an der dort ansässigen Art Students League. Danach studierte er Kunst an der Ohio State State University. Lichtenstein unterbrach sein Studium für den Militärdienst und erwarb 1949 schließlich einen Master-Abschluss. Als Professor an der Rutgers University in New Jersey lernte er Anfang der 1960er Jahre den Künstler Allan Kaprow kennen, der ihn inspirierte, die Pop-Bildsprache nochmals aufzugreifen. Lichtenstein kehrte schließlich wieder nach New York zurück, wo er bis zu seinem Tod lebte und arbeitete. Er starb am 29. September 1997 im Alter von 73 Jahren.

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(amerikanisch, 1923 - 1997) Roy Lichtenstein war ein amerikanischer Maler, Grafiker und Pionier der Pop Art. Wie Andy Warhol, James Rosenquist und Jasper Johns wurde Lichtenstein in den späten 1950er Jahren künstlerisch von der Populärkultur inspiriert und entfernte sich vom abstrakten Expressionismus. Seine Gemälde eigneten sich die Bildsprache der Werbung an.

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Stilprägendes Porzellan zwischen Tradition und Moderne. Handmade in Berlin since 1763.

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Raul Walch | Institut für Raumexperimente

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Alicja Kwade. Die bewegte Leere des Moments - Schirn Kunsthalle Frankfurt

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Ai Weiwei (geb. 28. August 1957 in Peking) ist ein chinesischer Künstler und Aktivist, der eine vielfältige Auswahl kreativer Arbeiten geschaffen hat, die internationale Aufmerksamkeit erregt haben.

Ein Großteil seines Werks sind skulpturale Installationen, Architekturprojekte, Fotografien und Videokunst.

Während Ai Weiweis Kunst international gelobt wurde, löste die provokative Ebene seiner Kunst und seine politische Offenheit unterschiedliche Formen der Unterdrückung durch die chinesischen Behörden aus.

Zusammenfassung von Ai Weiweis Schaffen

Ai Weiwei ist der wohl bekannteste zeitgenössische chinesische Künstler. Als Aktivist lenkt er die Aufmerksamkeit auf Menschenrechtsverletzungen. Als Künstler erweitert er die Definition von Kunst um neue Formen des sozialen Engagements.

In einem Land, in dem die Meinungsfreiheit nicht als Recht anerkannt wird, hat ihn die Polizei verprügelt, unter Hausarrest gestellt, sein neu gebautes Atelier mit einer Planierraupe dem Erdboden gleichgemacht und ihn der Überwachung unterworfen. Er wird sogar als Bedrohung für die Harmonie der Gesellschaft angesehen.

Ai Weiwei selbst gehört zu einer langen Reihe von chinesischen Freidenkern und Schriftstellern, die sowohl von der Rechten als auch von der Linken marginalisiert werden. Ai Weiweis dramatische Kunstwerke zeigen die wachsende Kluft zwischen dem Ideal und der Realität der chinesischen Gesellschaft.

Er ist auch einer der frühesten Konzeptkünstler, der soziale Medien - insbesondere Instagram und Twitter - als eines seiner Hauptmedien nutzt.

Bücher zum Künstler und der Person Ai Weiwei

Bevor wir uns unserer Biografie widmen, findest du hier eine Übersicht lesenswerter Bücher zum facettenreichen Schaffen des Künstlers.

Biografie von Ai Weiwei

Kindheit

Ai Weiwei ist der Sohn der Schriftstellerin Gao Ying und des Dichters Ai Qing. Sein Vater war in China sehr bekannt und war vor seiner Geburt von der nationalistischen Regierung wegen des Verdacht linksradikal zu sein inhaftiert worden.

Nach der Gründung der Volksrepublik China wurde Ai Qing während der anti-intellektuellen Kampagne Maos erneut beschuldigt, rechts zu sein. Die Familie wurde ins Exil verbannt, als Ai gerade einmal ein Jahr alt war. Die poetische Kunst seines Vaters und die politische Situation der Familie beeinflussten die Einstellung des Künstlers schon früh.

Die Familie lebte zwanzig Jahre lang im Exil, in kleinen Dörfern nahe der nordkoreanischen Grenze in der Provinz Xinjiang, wo sein Vater zu schwerer Arbeit gezwungen wurde, unter anderem zur Reinigung der Gemeinschaftstoiletten.

Um als Kind zu überleben, lernte Ai viele der praktischen Fähigkeiten, die er später in seiner Kunst anwenden würde - wie etwa die Herstellung von Möbeln. Über seine Kindheit berichtete er später, dass "die Lebensbedingungen extrem hart waren und es kaum Bildung gab."

Frühe Ausbildung

Ai Qing und seine Familie durften nach dem Tod Maos 1976 aus dem Exil zurückkehren. Dies ermöglichte es dem 19-jährigen Ai, sich an der Filmakademie in Peking zum Studium der Animation einzuschreiben.

Innerhalb weniger Jahre hatte er begonnen, sich in der inoffiziellen Pekinger Kunstszene zu engagieren und wurde zu einem der ersten Mitglieder von The Stars. Dabei handelte es sich um eine subversive politische Gruppe von Künstlern, die die Idee der Kunst als Selbstdarstellung in China wieder einführen wollten, nachdem Mao jahrzehntelang die Politik der Kunst im Dienste der kommunalen Interessen des Staates verfolgt hatte. Er nahm auch an einer Reihe von pro-demokratischen Märschen und Kundgebungen teil.

1981 zog er in die USA, wo er an verschiedenen Einrichtungen studierte und versuchte, sein Englisch zu verbessern. Schließlich zog er 1982 nach New York, wo er an der Parsons School for Design unter Sean Scully studierte. Er brach das Studium nach sechs Monaten ab und versuchte stattdessen, seinen Lebensunterhalt als Straßenkünstler und Gelegenheitsarbeiter zu verdienen.

Ai blieb 11 Jahre lang in New York, tauchte in die zeitgenössische Kunstszene ein und fotografierte die Stadt in einer Sammlung, die später als "New York Photographs" (1983-1993) bekannt werden sollte. Dort lernte er auch den Dichter der Beat Generation Allen Ginsberg kennen und freundete sich mit ihm an, der einst nach China gereist war und Ais Vater kennen gelernt hatte.

Während dieser Zeit reiste er auch durch die USA und interessierte sich für das Blackjack, das in den Casinos von Atlantic City gespielt wurde. Er wurde so versiert in diesem Spiel, dass die amerikanischen Blackjack-Spieler ihn als professionellen Zocker kennengelernt haben und nicht als Künstler.

Künstlerische Reife

Ai's erste Einzelausstellung mit dem Titel " Old Shoes, Safe Sex" fand 1988 in New York in der Art Waves/Ethan Cohen Gallery statt. Fünf Jahre später wurde sein Vater krank, woraufhin er nach Peking zurückkehrte. Dort produzierte er drei Bücher über Interviews mit einigen seiner Lieblingskünstler aus dem Westen, darunter Marcel Duchamp, Andy Warhol und Jeff Koons, und stellte Verbindungen zwischen dieser älteren Künstlergeneration und einer aufstrebenden Generation von Ikonoklasten (zu der auch er selbst gehörte) in Peking her.

1996 verstarb sein Vater. Ai hat seinen Vater als den wichtigsten Einfluss auf sein Leben identifiziert. Er vertiefte sich in den chinesischen Traditionen und verbrachte die letzte Hälfte dieses Jahrzehnts mit der Herstellung von Möbeln. Obwohl er keine formale Ausbildung in der Architektur hatte, baute er sich 1999 ein Haus und ein Atelier im Norden Pekings. Einige Jahre darauf gründete er das Architekturbüro namens FAKE Design.

Das Jahr 1999 war ein Wendepunkt im Leben und in der Karriere von Ai. Er wurde ausgewählt, um China auf der Biennale in Venedig zu vertreten, eine Entwicklung, die seinen Ruf im internationalen Kunstgeschehen auf ungeahnte Höhen katapultierte.

Im selben Jahr half er beim Kuratieren einer Ausstellung in Shanghai mit dem Titel "F**k off". Dies erweckte die Aufmerksamkeit der chinesischen Regierung, allerdings nicht auf eine erfreuliche Art und Weise. Um die Tragweite dieser Ausstellung zu verstehen, ist es entscheidend, ein wenig über die staatlich sanktionierte Kunst Chinas zu wissen, die seit den 1970er Jahren gefördert wird. Die unausgesprochenen, aber relativ strikt durchgesetzten Richtlinien bestimmten, dass die Kunst gegenständlich und respektvoll sein muss und das blühende Leben im Kommunismus feiern soll.

Es ist daher unmöglich, die revolutionäre Wirkung dieser Ausstellung zu überbewerten, die Werke des Künstlers zeigt, der kürzlich eingeladen worden war, das Land auf der Biennale von Venedig zu vertreten. Um ihn herum stellte eine Gruppierung befreundeter und systemkritischer Künstler aus China ihre Werke aus. Die Botschaft der Ausstellung hätte nicht deutlicher sein können, wobei der Titel genau das erahnen lässt, worum es ging.

Gegenwärtige Arbeit

Ai war schon immer ein politischer Aktivist. Seit 1999 wird seine Sichtbarkeit in der Öffentlichkeit, sowohl im Westen als auch in China, von chinesischen Regierungsvertretern jedoch als aktive Bedrohung angesehen. Drastische Bemühungen seitens der Regierung, seine Kommunikation mit einem breiten Publikum einzuschränken, haben ihn paradoxerweise zu einer Reihe ehrgeiziger Projekte motiviert, die sich direkt mit politischen Themen in China befassen, wie z.B. der Einschränkung des Internets.

Im Jahr 2005 begann er, sich über einen Blog auszudrücken, zu dessen Gründung er von der chinesischen Internetfirma Sina eingeladen wurde. Im Jahr 2009 schaltete die chinesische Regierung den Blog ab, der zu dieser Zeit 100.000 Aufrufe pro Tag erhielt. Als Folge begann Ai, auf Twitter zu posten, was ihm weltweite Bekanntheit und eine Online-Präsenz einbrachte, die seine persönliche Überzeugung unterstützte, dass Künstler mit ihrem Publikum in Kontakt bleiben müssen: "Als Künstler hat man die Pflicht, die Menschen wissen zu lassen, was man auf dem Herzen hat und warum man dies tut.

Eines der berühmtesten Projekte von Ai, häufig als Vogelnest bekannt, war sein Entwurf für das Stadion der Olympischen Sommerspiele 2008 in Peking. Beim Entwurf des Bauwerks, das in Zusammenarbeit mit den Schweizer Architekten Herzog & de Meuron entstand, drückte Ai seine Hoffnung aus, dass es "ein Gefühl von Gerechtigkeit und Fairness" vermitteln würde. In der internationalen Presse kritisierte er offen die chinesische Regierung und nannte die Befürchtung, dass die Olympischen Spiele ihren Machtmissbrauch nur noch verstärken würden.

Dieses Projekt brachte dem Künstler große internationale Bekanntheit und eine Beeinträchtigung seiner Beziehung zu den chinesischen Behörden. Ai war als so etwas wie ein Problemkind aufgetaucht. Andererseits war er mit Abstand der bekannteste zeitgenössische chinesische Künstler, der im Westen akzeptiert und von der Presse gefeiert wurde.

Die anhaltenden Versuche der Regierung, trotz einiger wachsender Spannungen positive Beziehungen zum Westen zu unterhalten, sind für Chinas Wachstums- und Erfolgsziele nach wie vor entscheidend.

In einer Reihe leidenschaftlicher Twitter-Posts nach dem Erdbeben in Sichuan im Mai 2008 drückte er seine Wut über den Tod von Tausenden Schulkindern aus, der auf den schlampigen Bau von Schulgebäuden in der Gegend zurückzuführen ist, was er als Beweis für die staatliche Korruption ansieht. In der Hoffnung, diese nationale Empörung unter den Teppich zu kehren, versäumten es Regierungsbeamte, die Zahlen (nach der jüngsten Schätzung über 5.000 Tote) bekannt zu geben, und Ai leitete eine unabhängige Untersuchung ein, die die Fakten und Beweise ans Licht brachte. Diese Untersuchung wurde 2008 unterbrochen, als die Polizei in sein Hotelzimmer in Chengdu einbrach und ihn so schwer misshandelte, dass er mit einer Hirnblutung ins Krankenhaus eingeliefert werden musste.

Seitdem hat die chinesische Regierung weitere Maßnahmen ergriffen, um die Bewegungs- und Kommunikationsfreiheit von Ai sowohl innerhalb als auch außerhalb des Landes einzuschränken.

Im Jahr 2010 wurde er für mehrere Wochen unter Hausarrest gestellt.

2011 wurde ihm die Nutzung von Twitter verboten, und in seinem Haus wurden Überwachungskameras der Regierung installiert. Im selben Jahr wurde er auf dem internationalen Flughafen von Peking verhaftet und ohne offizielle Anklage inhaftiert (angeblich wegen Finanzkriminalität).

Während all dies geschah, sah die westliche Kunstwelt entsetzt zu und mobilisierte mit Hilfe internationaler Menschenrechtsgruppen zu seiner Freilassung. Nach 81 Tagen wurde Ai aus der Haft entlassen und mit einer Geldstrafe von über 12 Millionen Yuan (1,85 Millionen USD) bestraft. Chinesische und internationale Unterstützer brachten die Gelder auf, um das zurückzuzahlen, was die chinesische Regierung von ihm verlangte. Im Juli 2015 erhielt er einen internationalen Reisepass.

Sein internationales Ansehen schützte ihn zwar letztlich nicht vor harter Bestrafung, doch führte das weltweite Bewusstsein für seine Situation und der zunehmende diplomatische Druck seitens einiger Länder zu seiner Freilassung und einer Erhöhung des Bewusstseins über die Missstände in China. Bis 2019 lebte er in Berlin und veranstaltete Ausstellungen in Helsinki, Paris und anderen westlichen Metropolen. Seit 2019 lebt er in Cambridge.

Künstlerisches Vermächtnis von Ai Weiwei

Der Einfluss von Ai auf den Westen ist wohl größer als in China, wo er nach wie vor ein äußerst umstrittener Charakter ist. In den USA und in Europa wird er fast durchgängig bewundert, sowohl als Künstler als auch als politischer Aktivist. Ai Weiwei hat den Weg zu einem ausgewogeneren Bewusstsein für die zeitgenössische chinesische Kultur in der internationalen Gemeinschaft geebnet.

Einige seiner jüngsten Werke sind einfache Aktionen, die die Aufmerksamkeit auf gegenwärtige soziale Krisen lenken sollen. In einer beeindruckenden Performance im Jahr 2015 posierte er als lebloses Kleinkind, das in der Türkei an Land gespült wurde. Als eine Syrerin in einem griechischen Lager erwähnte, dass sie ihr Klavier vermisse, ließ er eines zu ihr bringen und filmte ihre Aufführung.

Auf zunehmend globaler Ebene konzentrieren sich die humanitären Bemühungen von Ai auf diejenigen, die in Armut und Unterdrückung leben und die sonst vielleicht keine Möglichkeit haben, ihre Stimme zu äußern.

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Ai Weiwei - Biografie, Lebenslauf, bekannte Werke & Einfluss

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Ai Weiwei (geb. 28. August 1957 in Peking) ist ein chinesischer Künstler und Aktivist, der eine vielfältige Auswahl kreativer Arbeiten geschaffen hat, die internationale Aufmerksamkeit erregt haben. Ein Großteil seines Werks sind skulpturale Installationen, Architekturprojekte, Fotografien und Videokunst.

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Andy Warhol war der am besten bezahlte kommerzielle Illustrator in New York - und das, bevor er sich entschied, Kunst für Galerien und Sammler zu gestalten.

Seine im Siebdruckverfahren gedruckten Bilder von Marilyn Monroe, der berühmten Campbell-Dose und seine Banane wurden schnell zum Synonym der Pop-Art.

In Pittsburgh aufgewachsen, stieg er in New York zu einem der charismatischsten Künstler seiner Zeit auf und rangierte in den höchsten Kreisen der New Yorker High Society.

Viele Kunsthistoriker betrachten den Aufstieg Warhols als gleichbedeutend mit dem Aufstieg der Pop Art in die Galerien dieser Welt. Als moderne Ikone hat er einen bis dato unerreichten Bekanntheitsgrad für einen Künstler erreicht, das weit über die Grenzen der Kunst reichte.

In diesem Artikel sehen wir uns die Ikone Andy Warhol einmal genauer an. Von seinen bescheidenen Anfängen bis hin zu seinem Höhepunkt seiner Karriere in New York. Wir betrachten die wichtigsten Werke und schätzen sein künstlerisches Vermächtnis für die Kunstwelt ein.

Kernideen zu und von Warhol

Warhols frühe kommerzielle Illustration wird als das Gebiet bezeichnet, in dem er zum ersten Mal lernte, wie man die Geschmäcker manipulieren kann. Seine Zeichnungen waren oft komisch und dekorativ, und unterschieden sich völlig von der häufig unpersönlichen Stimmung seiner Pop-Art.

Nach wie vor wird viel über die ikonischen Siebdrucke diskutiert, mit denen Warhol in den frühen 1960er Jahren seinen Ruf als Pop-Artist aufbaute. Einige betrachten seine Serie Death and Disaster und seine Marilyn-Bilder als offenen Ausdruck seiner Trauer im öffentlichen Leben. Andere betrachten sie als einige der ersten Ausdrücke der "Mitleidsmüdigkeit". Gemeint ist die Art und Weise, wie die Öffentlichkeit die Fähigkeit verlor, mit Ereignissen zu sympathisieren, von denen sie sich distanziert fühlt.

Obwohl Künstler im Laufe des 20. Jahrhunderts auf die Popkultur zurückgegriffen hatten, markierte die Pop-Art eine wichtige neue Etappe im Übergang zwischen verschiedenen Kunstformen. Warhols Gemälde aus den frühen 1960er Jahren waren wichtig, um diese Entwicklungen voranzutreiben, aber es ist anzunehmen, dass die vielfältigen Aktivitäten seiner späteren Jahre ebenso einflussreich waren, um die Implikationen der Pop-Art auf andere Bereiche auszudehnen und die Grenzen zwischen der Welt der vermeintlich hohen Kunst und der Populärkultur weiter abzubauen.

Obwohl Warhol während seiner Karriere weiterhin unregelmäßig Gemälde schuf, zog er sich 1965 weitestgehend aus dem Malmedien zurück, um sich auf die Herstellung von Experimentalfilmen zu konzentrieren. Trotz jahrelanger Missachtung haben diese Filme in jüngster Vergangenheit großes Interesse geweckt, und Warhol gilt heute als einer der bedeutendsten Filmemacher seiner Zeit.

Kritiker sehen Warhols Karriere ab 1968 als rückgängig, nachdem er von Valerie Solanas angeschossen wurde. Vor allem seine frühen Gemälde werden von den meisten Kunsthistorikern und von der gesamten Öffentlichkeit heutzutage wertgeschätzt. Sein Dasein als Verleger, Kunstsammler, Fotograf und Veranstalter wird häufig in den Hintergrund verdrängt. Dabei waren es genau diese Dinge, die vielen Künstlern einen Weg gezeigt haben, sich nicht nur auf eine einzige Sache innerhalb der Kunst beschränken zu müssen.

Andy Warhol Biografie

Kindheit

Andy Warhol war das dritte Kind tschechoslowakischer Immigranten der USA und wurde in einem Arbeiterviertel von Pittsburgh geboren wurde. Er hatte zwei ältere Brüder, John und Paul.

Schon als Kind galt Andy als klug und kreativ. Seine Mutter, selbst eine Gelegenheitskünstlerin, ermutigte seinen künstlerischen Drang, indem sie ihm im Alter von neun Jahren seine erste Kamera gab. Warhol war bekannt dafür, an einer Nervenkrankheit zu leiden, die ihn häufig zu Hause hielt. In dieser Zeit hörte der Junge sehr viel Radio und sammelte Bilder von Filmstars um sein Bett herum.

Als er 14 Jahre alt war, starb sein Vater und überließ einen Teil des Geldes, damit einer der Jungen eine Universität besuchen konnte. Die Familie entschied, dass Andy sich an einer Hochschule am besten zurechtfinden würde und den größten Nutzen aus dem dort vermittelten Wissen ziehen könnte.

Frühzeitige Ausbildung

Nach dem High School Abschluss im Jahr 1945 besuchte Warhol das Carnegie Institute of Technology, wo er eine formelle Ausbildung in Bildgestaltung durchlief.

Kurz nach seinem Abschluss 1949 zog er nach New York City, wo er als Illustrator arbeitete. Sein erstes Projekt gestaltete er für den Artikel "Success is a Job in New York" des Glamour Magazines.

In den 1950er Jahren setzte Warhol seine erfolgreiche Karriere in der Illustration fort und arbeitete für mehrere bekannte Zeitungen und Magazine wie Vogue, Harper's Bazaar und The New Yorker.

Abseits dessen produzierte er Werbe- und Schaufensterdekorationen für lokale Einzelhändler. Seine Zusammenarbeit mit I. Miller & Sons, bei denen seine eigentümlichen Werbeanzeigen besonders auffielen, machte ihn vor Ort bekannt und gewann sogar mehrere Auszeichnungen vom Art Director's Club und dem American Institute of Graphic Arts.

In den frühen 1950er Jahren beschloss Andy Warhol, sich als Künstler selbstständig zu machen. Seine Erfahrung und sein Fachwissen in der kommerziellen Kunst, kombiniert mit seinem fundierten Verständnis für die amerikanische Populärkultur beeinflussten sein bemerkenswertestes Werk.

1952 stellte er in seiner ersten Einzelausstellung in der Hugo Gallery in New York fünfzehn Zeichnungen basierend auf den Schriften von Truman Capote aus.

Während er seine Arbeiten an mehreren Orten in New York City ausstellte, nahm er 1956 an seiner ersten Gruppenausstellung im MoMA teil. Warhol wurde auf andere aufstrebende Künstler aufmerksam und bewunderte die Werke von Robert Rauschenberg und Jasper Johns, die ihn dazu inspirierten, seine eigenen künstlerischen Experimente zu erweitern.

1960 war das Jahr, in dem Warhol damit begann, in seinen Gemälden Werbung und Comics zu integrieren. Diese Werke, Beispiele der frühen Pop-Art, waren durch expressivere und malerischere Stile mit deutlich erkennbaren Pinselstrichen gekennzeichnet und wurden lose vom abstrakten Expressionismus beeinflusst.

Spätere Werke, wie seine Brillo-Boxen, stellten jedoch eine direkte Rebellion gegen den Abstrakten Expressionismus dar, indem sie fast vollständig jeden Hinweis auf die Handschrift des Künstlers beseitigten.

Künstlerischer Erfolg und Etablierung als Ikone

Im September 1960 , nachdem er in ein Stadthaus an der Lexington Avenue 1342 an der Upper East Side von Manhattan gezogen war, begann Andy Warhol seine produktivste Zeit. In seiner vorherigen Wohnung, in der er gemeinsam mit seiner Mutter lebte, hatte er sich keinen Raum als Atelier einrichten können - das änderte sich mit dem Umzug.

Darüber hinaus mietete Warhol für 150 Dollar pro Monat ein verlassenes Feuerwehrhaus an, das er in Verbindung mit seinem Apartment in der Lexington Avenue bis 1964 als Kreativräumlichkeiten nutzte.

In Weiterführung der Werbe- und Comic-Thematik basierten seine Gemälde in den frühen 1960er Jahren vor allem auf illustrierten Bildern aus Printmedien und Grafikdesign. Um seine großformatigen grafischen Leinwände zu gestalten, verwendete Warhol einen Projektor, um die Bilder auf eine große Leinwand an der Wand zu vergrößern. Anschließend malte er das Bild direkt auf die Leinwand, ohne eine zusätzliche Bleistiftskizze anzufertigen.

Ende 1961 begann Warhol schließlich mit den Gemälden der Suppendosen von Campbell. Die Serie verwendete viele verschiedene Techniken, aber die meisten wurden mit Warhols Projektormethode gemalt.

Im Jahr 1962 widmete er sich vermehrt dem Siebdruck. Diese Technik ist ein weiteres Werkzeug in seinem künstlerischen Repertoire, mit dem er seine Kunstwerke von seiner individuellen Pinselführung lösen konnte. Durch den Siebdruck konnte er das Motiv auch mehrmals wiederholen, um eine Serie des gleichen Motivs in verschiedenen Farbkonstellationen zu erstellen.

Ab Herbst 1962 begann er auch mit der Produktion von Fotosiebdruckarbeiten, bei denen ein fotografisches Bild auf die Siebdrucke übertragen wurde. Das erste bekannte Beispiel dieser Technik war Baseball (1962), wohingegen sich die folgenden Motive teils schockierender Bilder bedienten, die sich aus Zeitungsfotos von Autounfällen, Unruhen oder Geld und Haushaltsprodukten der Verbraucher zusammensetzten.

The Factory als Zentrum seines Schaffens

1964 zog Warhol in die 231 East 47th Street und nannte das Gebäude "The Factory". Da er zu diesem Zeitpunkt als Künstler einen gewissen Erfolg erzielt hatte, konnte er mehrere Assistenten einstellen, die ihm bei seiner Arbeit halfen. Dies markierte einen Wendepunkt in seiner Karriere.

Jetzt konnte er seine Handschrift gänzlich von der Bildfläche verschwinden lassen und wiederkehrende, massenproduzierte Bilder schaffen, die die Frage "Was macht Kunst zur Kunst" aufwarfen. Dies war eine Idee, die erstmals von Marcel Duchamp präsentiert wurde, den Warhol bewunderte.

Warhol war ein Leben lang von Hollywood fasziniert, wie seine Serie von ikonischen Bildern der Marilyn Monroe oder Elizabeth Taylor zeigt. In der Stable Gallery in NYC experimentierte er überdies 1964 das erste mal mit Installationen, vor allem mit seinen Brillo-Boxen.

Warhol mit Kamera

Zwischen 1963 und 1976 schuf er etwa 600 Filme mit einer Länge von wenigen Minuten bis zu einer Länge von 24 Stunden.

Hier findest du eine Auswahl bekannter Andy Warhol Filme

Sonstige Einflüsse und Attentat

Warhol hatte seit den 1950er Jahren auch Kunstbücher eigenständig publiziert, aber sein erstes massenproduziertes Buch Andy Warhols Index wurde veröffentlicht. Später veröffentlichte er mehrere weitere Bücher und gründete 1969 mit seinem Freund Gerard Malanga das Interview Magazine. Das Magazin ist Prominenten gewidmet und befindet sich auch heute noch in Produktion.

Nach einem Attentat auf ihn im Jahr 1968, durch die Feministin Valerie Solanas, beschloss er, sich von seinem Umfeld zu distanzieren. Dies markierte das Ende der Factory-Szene der 1960er Jahre. Warhol suchte anschließend Gesellschaft in der New Yorker High Society. Dieser Wandel erklärt auch, wieso seine späten Werke vor allem Auftragsporträts waren, die von gedruckten Polaroidfotografien stammen.

Die bemerkenswerteste Ausnahme bildet seine berühmte Mao-Serie, die als Kommentar zu Präsident Richard Nixons Besuch in China geschaffen wurde. Ohne die kommerzielle Anziehungskraft seiner früheren Porträts sahen die Kritiker Warhol nur noch als Schein seines eigentlichen künstlerischen Potenzials. Dennoch machte Andy Warhol wahrscheinlich in dieser Zeit die größten wirtschaftlichen Sprünge, indem er Kunst für ausschließlich gut betuchte Menschen kreierte, die für seinen Namen viele Geld bezahlten.

Späte Jahre und Tod

In den späten 1970er und 1980er Jahren kehrte Warhol zur Malerei zurück und schuf Werke, die häufig an die Abstraktion grenzten. In den 1980er Jahren hatte Warhol einen Großteil seiner Berühmtheit wiedererlangt, was zum Teil auf seine Zusammenarbeit mit Jean-Michel Basquiat und Francesco Clemente zurückzuführen ist, den beiden deutlich jüngeren und innovativeren Künstlern dieser Zeit.

In seinen letzten Lebensjahren wandte sich Andy Warhol religiösen Themen zu. Seine Version von Leonardo da Vincis Abendmahl ist besonders bekannt. In diesen Werken verschmolz Warhol das Heilige mit der Respektlosigkeit, indem er vergrößerte Logos von Marken den Bildern Christi und seiner Apostel gegenüber stellte.

Nach postoperativen Komplikationen bei einer routinemäßigen Gallenblasenoperation starb Warhol am 22. Februar 1987 im Alter von 58 Jahren. Er wurde in seiner Heimatstadt Pittsburgh bestattet.

Vermächtnis

Andy Warhol war einer der einflussreichsten Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und schuf einige der bekanntesten Bilder, die je produziert wurden.

Warhol stellte die idealistischen Visionen und persönlichen Emotionen, die durch die Abstraktion vermittelt wurden, in Frage. Stattdessen integrierte er die Populärkultur und die kommerziellen Prozesse in seine Arbeiten, die die breite Öffentlichkeit ansprachen.

Er war einer der Pioniere der Pop-Art-Bewegung und erweiterte die Ideen von Duchamp, indem er die Definition der Kunst selbst in Frage stellte. Seine künstlerischen Risiken und seine ständige Auseinandersetzung mit Themen und Medien machten ihn zu einem Pionier in fast allen Facetten der bildenden Kunst.

Sein unkonventioneller Stil und sein einflussreiches Umfeld halfen ihm, den von ihm angestrebten Ikonen-Status zu erreichen.

8 Andy Warhol Werke im Überblick

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks:

Ich male nur Dinge, die ich schon immer für schön hielt, die man jeden Tag benutzt und an die man nie denkt.

Warhols Aussage verkörpert sein Leitbild, gewöhnliche Alltagsgegenstände in den Mittelpunkt seiner Kunst zu stellen. Eine weitere Ansage an den Abstrakten Expressionismus war das Format der Coca-Cola-Dose. Mit 176.2 x 137.2 cm hatte die Coca-Cola (3) ähnliche Maße wie viele bekannte expressionistische Werke dieser Zeit.

Coca-Cola (3) wurde bei Christie's für die stolze Summe von 57,285,000
US-Dollar verkauft. Gemalt wurde das Bild in Kaseinfarbe auf Baumwolle.

Gold Marilyn Monroe, 1962

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Nach ihrem plötzlichen Tod an einer Überdosis Schlaftabletten im August 1962 wurden Leben, Karriere und Tragödie von Superstar Marilyn Monroe zu einer weltweiten Angelegenheit.

Warhol, der schon seit seiner Kindheit in Ruhm und Popkultur vernarrt war, erhielt ein Schwarz-Weiß-Werbefoto von ihr und nutzte das Foto, um mehrere Bildserien zu erstellen.

Allen Werken Marilyns war gemeinsam, dass ihr Bild immer wieder reproduziert wurde, wie man es damals in Zeitungen und Zeitschriften finden würde. Nach dem Betrachten von Dutzenden solcher Bilder hört der Betrachter auf, eine abgebildete Person zu sehen, bleibt aber mit einem Symbol der populären Konsumkultur stehen.

In Gold Marilyn Monroe spielt Andy Warhol weiter mit der Ideenikonographie und setzt Marilyns Gesicht auf einen goldenen Hintergrund. Der Hintergrund erinnert an byzantinische religiöse Symbole, die bis heute im Mittelpunkt des orthodoxen Glaubens stehen. Nur anstelle eines Gottes betrachten wir ein Bild von einer Frau, die zum Ruhm aufstieg und in einer schrecklichen Tragödie starb.

Warhol kommentiert mit diesem Werk auf unterschwellige Art und Weise unsere Gesellschaft und ihre Verherrlichung von Prominenten, die beinahe ins Göttliche reicht.

Sleep, 1963

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: In den frühen 60er Jahren, in einer Zeit immenser Kreativität, stellte Warhol den Ist-Zustand durch das Medium des Films in Frage. Im Laufe seiner Karriere drehte Warhol über 650 Filme zu den verschiedensten Themen. Seine Filme wurden von der Kunstwelt gelobt, und ihr Einfluss zeigt sich in der Performance-Kunst und im experimentellen Filmschaffen bis heute.

Im Jahr 2013 nahm die Schauspielerin Tilda Swinton an einer Installation teil, bei der sie in einem Glaskasten im MoMA schlief, und die Schriftstellerin, Schauspielerin und Regisseurin Lena Dunham äußerte kürzlich den Wunsch, Warhols Sleep mit sich selbst als Hauptdarstellerin neu zu filmen.

Dieser sechsstündige Film ist eine detaillierte Erkundung des Schlafes von John Giorno. Der Betrachter sieht Warhols damaligen Partner durch die Augen des Künstler. Giornos nackter Körper ist dabei in jeder Szene zu sehen.

Obwohl es sich hierbei um eine Serie von fortlaufenden Bildern zu handeln scheint, handelt es sich eigentlich um Wiederholung der gleichen Szenen nach einer bestimmten Zeitperiode. Die Wiederholung stand im Mittelpunkt von Warhols Werk, ebenso wie seine Faszination für das Alltägliche. Alle Menschen müssen schlafen; Warhol verwandelte erneut die Banalität in eine künstlerische Ausdrucksform, wie man sie zu der Zeit noch nicht gewohnt war.

Die Filme "Empire" und "Eat" folgten auf den Film Sleep. Bei Empire handelt es sich um einen achtstündigen Film des Empire State Buildings in der Abenddämmerung.

Eat ist ein 45-minütiger Film über einen Mann, der einen Pilz isst.

Warhols Themen waren so umfangreich wie seine Filmografie. Ein weiterer bekannter Film war "Blow Job", in dem DeVeren Bookwalters Gesicht 35 Minuten lang zu sehen ist. Es bleibt offen, ob er während der Aufnahme tatsächlich Oralsex an sich praktizieren ließ, oder ob es sich dabei nur um künstlerischen Titel Warhols handelte.

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Orange Car Crash Fourteen Times stammt aus der Serie Death and Disaster, die zur Zeit ihrer Veröffentlichung viel Aufmerksamkeit um Andy Warhol erzeugte.

Kunstkritiker Christopher Knight aus der Los Angeles Times vorgeschlagen wurde. Der abgebildete Autounfall ist dem Foto des Autounfalls in Long Island sehr ähnlich, bei dem Jackson Pollock 1956 starb.

Andy Warhol erinnert die Zuschauer daran, dass der Abstrakte Expressionismus (für den Pollock eintritt) nun tot ist. Vielleicht ist Warhol also nicht so sehr in der Populärkunst engagiert, sondern liefert sehr spezifische und elitäre Kommentare aus der Kunstwelt.

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Warhol präsentierte dem Betrachter im Siebdruckverfahren auf Sperrholz exakte Nachbildungen von häufig verwendeten Produkten aus Haus und Supermarkt.

Die Brillo Boxen lassen sich übereinander stapeln, sind auf gewisse Art und Weise Skulpturen. So können sie in verschiedenen Konstellationen in ihren Ausstellungsräumen angeordnet werden. Trotzdem ist jede Box genau gleich, die eine ist nicht besser als die andere.

Anstelle einer Serie desselben Motivs auf immer unterschiedliche Darstellungsweise, macht Andy Warhol mit seinen Brillo Boxen, dass all Produkte gleich sind und keines besser ist, als das andere. Warhol macht sich bei der Herstellung dieser Gegenstände in The Factory wieder über die Kunstwelt und den künstlerischen Schöpfer lustig und provoziert sie auf brillante Art und Weise.

Mit den Boxen hat Warhol vermutlich aber auch eine persönliche Verbindung. Er stammt aus Pittsburgh, einer Stadt, die durch die Stahlindustrie reich geworden ist und anschließend ihren einstigen Wohlstand wieder verloren hat. Brillo besteht aus Stahlwolle und wurde häufig von Hausfrauen verwendet, um Töpfe und Pfannen zu reinigen.

Mao, 1973

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Warhol kombiniert Farbe und Siebdruck in diesem Bildnis von Mao Zedong, einer Serie, die er in direkter Reaktion auf den Besuch von Präsident Richard Nixon 1972 in China schuf.

Warhol nahm das Schwarz-Weiß-Bild von Mao aus seinem Roten Buch und schuf Hunderte von unterschiedlich großen Leinwänden des totalitären Herrschers. Einige dieser Gemälde messen mehrere Meter in Höhe und Breite, eine Skala, die an die dominante Natur von Maos Herrschaft über China und den gewaltigen Kult seiner Persönlichkeit erinnert, den Mao in der Bevölkerung ausübte. Diese monumentale Größe spiegelt auch die gewaltigen propagandistischen Darstellungen wider, die während der Kulturrevolution in ganz China präsentiert wurden.

Aber indem Warhol Hunderte solcher Bilder schuf und sie wie in einem Supermarktregal ausrichtete, kritisierte er genau dieses vermittelte Bild des Herrschers. Warhols Mao erscheint wie ein Konsumprodukt, was wiederum genau den Ideen kommunistischen Ideen Maos widerspricht.

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Obwohl Warhols Frühwerk einen dramatischen Bruch mit dem Abstrakten Expressionismus markierte, blieb er während seiner gesamten Karriere an den Möglichkeiten der Abstraktion interessier. Im Jahr 1984 konzentrierte er seine abstrakten Ideen auf eine Serie, die er Rorschach nannte.

Inspiriert wurden sie durch den so genannten Rorschach-Test, der vom Schweizer Psychologen Hermann Rorschach entwickelt wurde.

Self Portrait, 1986

Beschreibung und Analyse des Kunstwerks: Warhols Selbstporträts, die er im Laufe seiner Karriere schuf, zeigen dasselbe Motiv im Wandle seiner künstlerischen Entwicklung. Man denke nur an die Tatsache, dass Warhol seine künstlerische Karriere als nerdiger, schüchterner Illustrator begann und sie als globale Ikone beendete, dessen Popularität mit seinen größten Darstellungen mithalten konnte.

In dieser speziellen Arbeit liegt der Schwerpunkt auf Warhols Kopf und seiner Perücke. Durch die Verwendung von sich wiederholenden Bildern, die sich jeweils leicht voneinander unterscheiden und die er im Anschluss übereinanderlegte, erzeugt er in dem Werk einen Eindruck der Bewegung.

Das Selbstporträt, das gegen Ende seines Lebens entstanden ist, zeigt den Künstler mit seiner charakteristischen Perücke und nutzt Schatten und Licht auf dramatische Weise.

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Andy Warhol war der am besten bezahlte kommerzielle Illustrator in New York - und das, bevor er sich entschied, Kunst für Galerien und Sammler zu gestalten. Seine im Siebdruckverfahren gedruckten Bilder von Marilyn Monroe, der berühmten Campbell-Dose und seine Banane wurden schnell zum Synonym der Pop-Art.

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Arbeitsblatt

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Zum Glück hält Opa Blümle die kleine Linnéa fest. Sonst wäre sie mitsamt ihrem Fotoapparat noch in Claude Monets Seerosenteich geplumpst. Den echten. Die beiden haben sich in den Zug nach Paris gesetzt, um zu schauen, wo dieser Maler damals eigentlich gelebt und gearbeitet hat. So landen sie auch im Garten von Monet, entdecken die japanische Brücke, all die Seerosen, die sie von Monets Gemälden kennen.

Linnéa im Garten des Malers ist mittlerweile ein Klassiker: 1987 erschien das Buch zum ersten Mal auf Deutsch. Dass die Geschichte von Christina und die mitreißenden Aquarelle von Lena Anderson so zeitlos sind, liegt auch an der Aufbereitung. Das Buch gleicht einer Tagebuch-Collage aus Fotos, Zeichungen, getrockneten Blättern, Schreibschriftkommentaren. Als Linnéa auf den Markt kam, waren Bücher, die Kindern Kunst erklären, eher dünn gesät. Inzwischen haben manche Verlage zwar die Programmlücke erkannt, aber wirklich gute Exemplare sind rar.

Eines, das wie Linnéa auf eine Protagonistin setzt, um die Kinder in die Geschichte hineinzuziehen, gehört zu einer ganzen Reihe des kleinen, feinen Berliner Kinderbuchverlags Edition Saba, Spezialität: die Zeichnungen. In Maria besucht Max Liebermann macht sich eine kleine Rothaarige auf zum Haus des Impressionisten am Wannsee - bei Albert Einstein und der Nofretete war sie schon. Der Trick des Buchs: Maria trifft tatsächlich auf Liebermann , kann ihn mit Fragen löchern zu seinen Werken und seinem Leben.

Den Kniff, dass Kinder wie Linnéa und Maria Kunst selbst erforschen, nutzen einige Verlage. Ganz spielerisch etwa das großformatige Kinder Künstler Kritzelbuch von Beltz&Gelberg, das mit fantasievollen, teils kuriosen Zeichnungen zum Weiterdenken und Selbermalen anregt. Der Kunstbuchverlag Prestel hat sich für die Jüngeren etwa die Reihe der Kunst-Stickerbücher ausgedacht: Werke von Arcimboldo über Picasso bis hin zu Andy Warhol sind in einzelne Formen zerlegt und finden sich als Aufkleber wieder. Besonders schön, wenn Kinder die Sticker zu neuen Bildern fügen, statt an die vorgegebenen Punkte zu pappen. Wer schon besser lesen kann und bereit ist, Kunstwerke zu hinterfragen, dem gefällt die Reihe "Kinder entdecken Kunst" (Kindermann) oder das frisch erschienene 365 Tage Kunst entdecken (Prestel). In beiden Büchern provozieren simple Fragen über Orangen oder zackige Pinselstriche zum Nachdenken. Schön auch, dass bei 365 Tage auch afrikanische Skulpturen auftauchen. Ebenfalls aufs Erforschen ausgelegt sind die preisgekrönten Pop-up-Bücher von David A. Carter wie Ein roter Punkt oder Die blaue Zwei . Sie stehen zwar in der Kinderbuchabteilung, aber: Die Papierkunst ist so fragil, dass sie in den Händen von Kindern nicht lange überlebt, versprochen.

Jungs in der Pubertät interessieren sich nicht für Kunst - zu diesem Schluss müsste man zwangsläufig kommen, schaut man sich an, was für Jugendliche auf dem Markt ist. Das sind nun einmal vor allem Biographien von Künstlerinnen. Der Kuss der Französin Anne Delbée über die lange unterschätzte Bildhauerin Camille Claudel ist zwar fast 30 Jahre alt, aber packt auch Mädchen von Heute: Es erzählt von Camilles Kampf um Anerkennung und - zentral - der Liebe zu Auguste Rodin. Etwas distanzierter ist da die neue Biographie über Frida Kahlo vom Kinderbuchverlag Beltz&Gelberg. Der Titel ist mit Die Farben meiner Seele etwas schmalzig geraten, aber die Geschichte trägt, auch dank Kahlos eingebauten Tagebuchsequenzen. Gleiches gilt übrigens für das Pendant über die Malerin Paula Modersohn-Becker vom gleichen Verlag. Wer denkt, die Comic-Biographien von über van Gogh und Henri Toulouse-Lautrec, seien doch definitiv Jungskram, sollte kurz reinblättern: Sonnenblumenbilder für Halbstarke? Oder etwa leichtbekleidete Damen aus der Rotlichtszene? Die Comics von Gradimir Smudja machen zwar Spaß, vor allem Erwachsenen. Am ehesten für junge Männer ist wohl noch Augentäuschung: Die Tricks der Künstler , das auf physikalische und technische Details von Parthenon, Deckenfresken und Banksy-Graffiti setzt.

Weg vom Fokus auf einzelne Künstler hin zu einem Überblick über Kunstgenres, Entwicklungen und Gruppen. Allen voran Das kleine Museum (unter anderem ausgezeichnet mit dem Luchs, dem Kinderbuchpreis der ZEIT). Der Band zeigt Ausschnitte aus Meisterwerken, mit Fokus auf Dinglichem, alphabetisch geordnet. Nicht nur für Kinder ab vier, wie der Verlag empfiehlt. Geeignet für Kinder ab zehn sind zum einen eine Reihe von Prestel, die immer 13 Künstlerinnen, Skulpturen, Bauwerke vorstellt, " die du kennen solltest ". Hier stimmt alles. Zum anderen eine Art Kunstbibel für Anfänger: Meine erste Geschichte der Kunst erklärt mit Liebe zum Detail Epochen, beleuchtet einzelne Werke und hilft bei der Orientierung mit einem durchgehenden Zeitstrahl. Ganz bestimmt: Mit diesem Bücherwissen im Kopf läuft jedes Kind mit sperrangelweit offenen Augen durch die nächste Kunstausstellung.

Die Bücher

Britta Benke: Wer ist eigentlich dieser Matisse?, Reihe: Kinder entdecken Kunst (ebenfalls erschienen: Kandinsky, Miró, Picasso), Kindermann, 2007; 44 S., 15,50 €. Ab 6.

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Zum Glück hält Opa Blümle die kleine Linnéa fest. Sonst wäre sie mitsamt ihrem Fotoapparat noch in Claude Monets Seerosenteich geplumpst. Den echten. Die beiden haben sich in den Zug nach Paris gesetzt, um zu schauen, wo dieser Maler damals eigentlich gelebt und gearbeitet hat.

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Liebe Lehrer*innen
Hier findet ihr ein buntes Sammelsurium für den Kunstunterricht - digital oder normal.
Verschiedene Künstler*innen.Kunstwerke von Künstler*innen. Kunsttheorie. Kunstwerke zum nachmachen und vieles mehr.
Viel Spaß!

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MACH'S WIE... Max Ernst (für Kinder ab 6 Jahren) #5

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MACH'S WIE... Paul Klee II (für Kinder ab 6 Jahren) #7

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MACH'S WIE... Piet Mondrian (für Kinder ab 6 Jahren) #1

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MACH'S WIE... Paul Klee (für Kinder ab 6 Jahren) #3

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MACH'S WIE... Jean Dubuffet (für Kinder ab 6 Jahren) #4

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MACH'S WIE... Katharina Fritsch (für Kinder ab 6 Jahren) #9

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MACH'S WIE... Rosemarie Trockel (für Kinder ab 6 Jahren) #10

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Imagoras - Die Rückkehr der Bilder
Ein Städel Game für Kinder

In einer Welt, in der eine unheimliche Finsternis den Menschen ihre Fantasie gestohlen hat, triffst Du auf einen unerwarteten Freund: Flux. Neugierig folgst Du dem quirligen Begleiter in die Welt der Bilder, wo Ihr spannende Rätsel löst. Natürlich ist das nicht ganz einfach! Es muss um die Ecke gedacht, gekippt und gewischt werden. Das genaue Betrachten der Bilder hilft Dir dabei, ganz nebenbei etwas über Malerei aus verschiedenen Epochen zu lernen.

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In einer Welt, in der eine unheimliche Finsternis den Menschen ihre Fantasie gestohlen hat, triffst Du auf einen unerwarteten Freund: Flux. Neugierig folgst Du dem quirligen Begleiter in die Welt der Bilder, wo Ihr spannende Rätsel löst. Natürlich ist das nicht ganz einfach! Es muss um die Ecke gedacht, gekippt und gewischt werden.

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Rothko

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Kunst für Kinder zu Hause: Malen wie die großen Künstler: Marc Rothko Farbe und Struktur

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ZEICHNEN & MALEN Schritt für Schritt – Pflanzen und kleine Tiere kolorieren

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Kandinsky

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Kinder Kunstkurs: Malen wie Kandinsky – Abstrakte Kunst

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Hundertwasser

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Franz Marc

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Kunst für Kinder zuhause  – malen wie die großen Künstler: Franz Marc – Tiere

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Collage - Kunst mit Kathrin | Fräulein K.

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Décalcomanie - Kunst mit Kathrin | Fräulein K.

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Frottage - Kunst mit Kathrin  | Fräulein K.

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Kunst mit Struktur: Arbeiten wie der Künstler Max Ernst

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(amerikanisch, 1958 - 1990) Keith Haring war ein amerikanischer Graffiti-Künstler und gesellschaftlicher Aktivist. Harings plakative, linienförmigen Zeichnungen fanden sich häufig in den öffentlichen Räumen New Yorks, sowohl überirdisch als auch den Gängen der U-Bahn. Sein Wandbild Crack is Wack (1986) ziert bis heute die Mauer eines Spielplatzes in Harlem, gleich neben der Stadtautobahn FDR Drive.

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Camille Pissarro - "Der Boulevard Montmartre an einem Wintermorgen" | ars mundi

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August Macke - "Spielende Kinder am Wasser" | ars mundi

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Gustav Klimt - "Malcesine am Gardasee" | ars mundi

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Spaß & Kunst: Ein cooles Graffiti zeichnen

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Georgia O’Keeffe - Biografie, Kunstwerke & Vermächtnis

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In dieser Georgia O’Keeffe Biografie findest du einen ausführlichen Lebenslauf, ihre bedeutendsten Kunstwerke sowie eine Einschätzung ihres Vermächtnisses.

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David Hockney - Biografie, bekannte Werke und Einfluss

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In dieser David Hockney Biografie findest du einen Steckbrief des britischen Künstlers. Wichtige Daten, Kunstwerke und sein Einfluss auf Kunst und Kultur.

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Kunstgalerie der rote Hahn, hier findest du zahlreiche Beispiele für den Kunstunterricht der Klassen 1-6

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Animieren wie im Videospiel "Limbo" – Zeichnerische Animation

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Grundlagen der Farbenlehre | Profi, 2. Preis 2014

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Kunstunterricht Grundschule - Farbkreis - Farben mischen mit Kindern

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14.06.2020 bis 10.01.2021
Hamburger Bahnhof - Nationalgalerie der Gegenwart
Die Malerei von Katharina Grosse kann überall auftauchen. Ihre raumgreifenden Arbeiten sind multidimensionale Bildwelten, in denen Wände, Decken, Objekte und ganze Gebäude und Landschaften mit leuchtenden Farben überzogen sind. Für die Ausstellung „Katharina Grosse. It Wasn't Us" hat die Künstlerin die Historische Halle des Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - Berlin sowie den Außenbereich hinter dem Gebäude in ein expansives Bild verwandelt, das die bestehende Ordnung des musealen Raums radikal destabilisiert.
Entgrenzte Malerei

Für ihre ortsbezogene Malerei hat sich Katharina Grosse mit großer Geste und leuchtenden Farben über die Begrenzungen des Gebäudes hinweggesetzt: „Ich male mich aus dem Gebäude heraus", so beschreibt die Künstlerin ihre Arbeit. In einem wochenlangen Prozess ist ein expansives Bild entstanden, das sich über die Historische Halle hinaus in den öffentlichen Raum erstreckt, sich über das weitläufige Gelände hinter dem Museum ausbreitet und schließlich auf der Fassade der 2004 dem Museum angegliederten sogenannten Rieckhallen landet. Diese kaleidoskopische, multidimensionale Bildwelt bringt die von der Künstlerin gestalteten Farben und Formen, die von Natur gegebenen und von Menschen gebauten Umgebungen sowie die Besucher*innen als Mitwirkende in einem allumfassenden, pulsierenden Farbgeschehen zusammen. Dabei verflüssigen sich die Grenzen zwischen einzelnen Gegenständen, zwischen horizontaler und vertikaler Ausrichtung, und je nach Standpunkt ändern sich die Größenverhältnisse. In der Bewegung durch das Bild eröffnen sich artifizielle assoziationsreiche und doch gänzlich reale Räume, die unsere Sehgewohnheiten, Denk- und Wahrnehmungsformen neu verhandeln.

So wie die Wahl des Ortes und verschiedenste Bedingungen und Faktoren auf den Entstehungsprozess des Gemäldes Einfluss nehmen, so bestimmen auch permanent wechselnde Blickrichtungen und unvorhersehbare Ereignisse den Wahrnehmungsprozess. Der Titel des Werks „ItWasn't Us" lässt sich in diesem Sinne als Verweis auf die immer gegebene Komplexität und Unberechenbarkeit einer Situation lesen; einer Situation, in der die Künstlerin ihr Werk schafft, wie einer Situation, in der Besucher*innen das Werk erfahren. So kann es unkalkulierbare Momente, Geschehnisse oder auch blinde Flecken geben, die das Ergebnis einer Handlung mitbestimmen, die für eine Situation ausschlaggebend sind. Nicht alle Folgen einer Handlung und nicht alle Aspekte einer herbeigeführten Situation lassen sich vorhersehen, und doch ist die Verantwortung dafür zu übernehmen.

Die nur für die Dauer der Ausstellung existierende Malerei verbindet übergangslos den Innenraum des Museums und den Außenraum des Platzes und überführt die vorgefundene Situation in einen Imaginations- und Möglichkeitsraum der Kunst.

Kurator*innen: Udo Kittelmann, Gabriele Knapstein

Katharina Grosse

Die Künstlerin Katharina Grosse (*1961, Freiburg im Breisgau) hat in den vergangenen zwanzig Jahren zahlreiche Einzelausstellungen präsentiert. Zu ihren jüngsten institutionellen Ausstellungen und ortsbezogenen Malereien gehören unter anderem „psychylustro" im Rahmen des Philadelphia Mural Arts Programme (2014); „yes no why later" im Garage Museum of Contemporary Art, Moskau (2015); „Seven Hours, Eight Voices, Three Trees" im Museum Wiesbaden (2015); „Untitled Trumpet" im Rahmen der 56.Biennale di Venezia (2015); „Katharina Grosse" im Museum Frieder Burda, Baden-Baden (2016); „Rockaway" im Rahmen des MoMA PS1-Programm "Rockaway!" in Fort Tilden, New York (2016); „Asphalt Air and Hair" im Rahmen der ARoS Triennale, Aarhus (2017); "This Drove My Mother up the Wall" in der South London Gallery (2017); „The Horse Trotted Another Couple of Metres, Then It Stopped" im Carriageworks, Sydney (2018); „Wunderbild" in der Nationalgalerie in Prag (2018/2019); „Mumbling Mud" im chi K11 art museum in Shanghai (2018/2019) sowie im chi K11 art space in Guangzhou (2019); „Mural: Jackson Pollock I Katharina Grosse" im Museum of Fine Arts, Boston (2019/2020). Aktuell ist ihre Ausstellung „Is It You?" im Baltimore Museum of Art zu sehen. Von 2000 bis 2010 hatte sie eine Professur für Malerei an der Weißensee Kunsthochschule in Berlin inne, von 2010 bis 2018 war sie Professorin an der Kunstakademie Düsseldorf.

Der Katalog zur Ausstellung

Zur Ausstellung ist eine Publikation im Hatje Cantz Verlag mit einem Vorwort von Udo Kittelmann und Gabriele Knapstein sowie Texten von Julia Eckert, Doris Kolesch, Martina Löw, Daniel Milnes und Heather I. Sullivan erschienen. Zusammen mit der Autorin Annika Reich hat Katharina Grosse den Text „Die Malerei ist eine Zumutung" eigens für die Publikation verfasst.

Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie und Volkswagen.

Adresse / Verkehrsverbindungen

Besuchereingang

Invalidenstraße 50 - 51
10557 Berlin

S+U-Bahn, Tram und Bus: Hauptbahnhof

Information / Buchung / Feedback

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Die Künstlerin Katharina Grosse hat den Hamburger Bahnhofs sowie Teile des Außenbereichs für ein neues Bild mit skulpturalen Elementen verwendet.

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RÉNE MAGRITTE – Der Magier der verrätselten Bilder | SCHIRN

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Jean-Michel Basquiat – Vom Tag auf den Straßen zum angesagtesten Namen der Kunstszene | SCHIRN

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Finden Sie Kunstwerke und Informationen zu Amy Sillman (amerikanisch, 1955) auf artnet. Erfahren Sie mehr zu Kunstwerken in Galerien, Auktionslosen, Kunstmessen, Events, Biografiedetails, News und vieles mehr von Amy Sillman.

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Die beiden deutschen Künstler Matthias Wermke und Mischa Leinkauf klettern auf Hochhäuser oder surfen in U-Bahn-Schächten und halten dies in Videos und Fotografien fest. Riskante Aktionen, für die sie schon mit renommierten Kunstpreisen ausgezeichnet wurden. Die Galerie Senn in Wien zeigt Arbeiten des Künstlerduos in einer neuen Ausstellung. Mehr unter http://www.dw.de/programm/euromaxx/s-7553-9801

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Illegale Poesie: Kunst von Wermke/Leinkauf | Euromaxx

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Die beiden deutschen Künstler Matthias Wermke und Mischa Leinkauf klettern auf Hochhäuser oder surfen in U-Bahn-Schächten und halten dies in Videos und Fotografien fest. Riskante Aktionen, für die sie schon mit renommierten Kunstpreisen ausgezeichnet wurden. Die Galerie Senn in Wien zeigt Arbeiten des Künstlerduos in einer neuen Ausstellung.

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Barbara Hepworth was a key figure in the British abstract art movement in the 20th century. She often created sculptures which were inspired by nature. She lived near the seaside in St Ives, Cornwall and often used the shapes of shells and rocks to inspire her work.

She loved to work with wood and stone and, later on, in bronze. Her sculptures seem to be growing and look very natural.

Take a look at her sculptures! Can you see all the different shapes and forms Hepworth uses? Which one would you like to make?

Let's make a soap carving

You will need:

Some cheap bars of white soap

A pencil

Scrapers and peelers - use teaspoons, potato peelers, scissors, a paperclip and similar objects

Ready? Let's start ...

Why not try other shapes?

Or design a background?

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Barbara Hepworth was a key figure in the British abstract art movement in the 20th century. She often created sculptures which were inspired by nature. She lived near the seaside in St Ives, Cornwall and often used the shapes of shells and rocks to inspire her work.

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Autenrieths Linkbibliothek für Lehrer und Schüler

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In dieser Sammlung findet ihr ca. 520 Lesezeichen / Linkhinweise zu Informationen und Materialien für Bildende Kunst, Kunstunterricht + SCHULKUNST. Gesammelt sind Hinweise und Anregungen zu den verschiedenen künstlerischen Techniken, zu Beispielen aus dem Kunstunterricht sowie zu Differenzierungsaufgaben nach dem Motto: 'Ich habe fertig!' Am Ende der Seite sind Verweise zu den Lehrplänen / Bildungsplänen der Bundesländer und zu Ausstattung + Materiallisten im Kunstraum. Unterkapitel:

Vorbemerkung: Was ist Kunst?

Kunst ist die Herstellung qualitativ hochwertiger, sich in der Regel in dauerhafter Darstellung objektivierenden Manifestationen geistiger, philosophischer, moralischer oder ästhetischer Ideen. Dies kann unter Verwendung verschiedenster Materialien und Techniken geschehen. Die Entscheidung, ob es sich dabei letztendlich um Kunst handelt, treffen Sachverstand und Markt.
BTW: Diese Definition habe ich gerade frei Schnauze in die Tastatur gehämmert und ich stelle sie hiermit als 'gemeinfrei' (CC-BY) ins WWW.

Präsentation / Ausstellung + Brandschutz

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Eine Schule sollte als solche erkennbar sein. Lebendig. Bunt.
Für Kinder ist es wichtig, ihre Arbeitsprodukte zu präsentieren. Bilder, die nur für die Benotung in der Sammelmappe abgelegt werden, sind sinnfrei.

Rechtliches

Ohne Einwilligung der Schüler / ihrer gesetzlichen Vertreter dürfen Arbeiten gem. Urheberrecht nicht ausgestellt oder in Medien veröffentlicht werden.
❱ 22Q1 ❱ ➜ lis-zkis-de-Formulare_Schulkunst-Formular-Übertrag-Nutzungsrechte-docx
Für das SCHULKUNST-Programm des Landes Baden-Württemberg wurde von den Justiziaren des Kumi ein Formular entwickelt, das man als Vorlage für eine eigene Gestaltung verwenden könnte.

❱ 22Q1 ❱ ➜ duckduckgo-com-?q=Fotos+schule+formular+einwilligung
Suchergebnis auf Duckduckgo nach Einwilligungserklärungen für die veröffentlichung von Fotos. Diese können auch für die veröffentlichung von Kunstwerken abgeändert/angepasst werden

Tipps zur Präsentation flächiger Schülerarbeiten

Oft wird die gestalterische Leistung der Schüler nicht entsprechend gewürdigt. Bilder werden vom Lehrer benotet, abgezeichnet, den Schülern ausgeteilt und ... wandern anschließend entweder bereits in der Schule oder Zuhause in den Papierkorb. Dabei sind gerade die Schülerarbeiten in den Schulfluren DAS Mittel, um die Sterilität des Schulgebäudes zu brechen und Schule zu einem "Aufenthalts- und Lebensort" zu machen. Kleber

Bilder kann mit 🛒 ➜ "Fixogum"-Montagekleber auf Fotokarton oder Fensterscheiben / glatten Flächen festkleben.
Das ist ein flüssiger Kleber auf Gummibasis. Damit kann man die Bilder später rückstandsfrei abziehen und die Fotokartons wieder verwenden. Kleberreste werden einfach abgerubbelt. Ganz "schlimme" Schwaben sammeln das "Abgerubbelte" und verwenden es als Radiergummi 😉
🛒 ➜ 🛒

Bilder am Fenster? Ich mache das so:
Normaler "Tesa" (besser jedoch ablösbarer Tesa), beim Festkleben knicke ich jedoch den Klebestreifen an einem Ende um. Damit entsteht eine Lasche, an der ich den Klebestreifen zum Abziehen festhalten kann. Reste entferne ich mit einem Cerankochfeld-Schaber von der Scheibe.

Bilder mit 🛒 ➜ "Removable Scotch" - Klebeband an die Scheibe / auf Karton kleben

Klebebandröllchen formen: Ein Stück Klebefilm als Röllchen zusammenkleben und auf die Bilderrückseite kleben. Das geht rückstandslos ab solange es nicht jahrelang am Fenster hängt.

Brandschutz

Leider haben Kreisbrandmeister die Bilder an den Wänden von Schulen als "Brandlast" und "Brandursache" entdeckt und die Präsentation untersagt. Es gibt immer mehr Brandschutzbeauftragte, die ihre Arbeit sehr ernst nehmen und das Hängen von Bildern in den Schulfluren nicht tolerieren. Gleichzeitig dürfen die Nylon-Winterjacken der Schüler, die im Fall der Fälle eine viel höhere Brandlast (mit Abgabe giftiger Gase) darstellen, im Flur hängen.

Wie kann man dem Dilemma entkommen und die Brandschutzvorschriften einhalten?

Präsentation dreidimensionaler Objekte

Je nach Größe und Gewicht der Objekte können diese auf verschiedene Art präsentiert werden.

Techniken der Radierung & Edeldruckverfahren - als Buch und "Onlinekurs" (kostenlos und ohne Anmeldung)

Kunst nach Kunst / Differenzierungsaufgaben / Ausmalbilder / Titelblätter

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"Ich bin fertig!"

Diesen Satz möchte man als Lehrer oft genug ausrufen, bekommt ihn jedoch meist von den Schülern im Kunstunterricht zu hören. Was tun?
Vorschläge:

Jeder Schüler hat ein unliniertes Skizzenheft ("Kreativheft"), in dem er/sie Comix, Muster, Pausarbeiten, 3D-Zeichnungen usw. erstellen kann.
Wenn man als Lehrer eine Mappe mit Bildern aus Zeitschriften anlegt, können die Schüler diese auch abzeichnen

Ordner für jeden Schüler: "Ich bin fertig, was soll ich jetzt machen?!" mit Zusatzaufgaben

Ausschnitte aus Zeitschriften auf ein Blatt Papier (A4 oder Postkarte) kleben - Kinder sollen den Ausschnitt sinnvoll ergänzen.
- Sprungbrett in der linken oberen Ecke - Thema: Freibad
- Hinterlauf / Teil eines Tieres - Thema: Wolpertinger
- Fenster mit herausschauender Oma - Thema: Was sieht die Oma ... usw...

"Bin-fertig-Karten"
Karten in drei Farben: "Subjekt-Prädikat-Objekt" - als Zeichenaufgabe
- Subjekte: Ein Mann - ein Hund - eine Oma - ein Monster - ein Drache - eine Frau - ein Vogel - ein Geist - ein Vampir - eine Katze - eine Blume ....
- Prädikat: steht - läuft - springt - schwimmt - hüpft - singt - tanzt - spielt - weint - putzt - fegt - ...
- im Zimmer - im Wald - auf einer Wolke - im Bahnhof - vor einem Baum - am Bach - in der Höhle - auf dem Dach - auf der Straße - mit einem Hut - unter der Dusche - unterm Regenschirm - auf einem Berg - in der Badewanne - auf einem fliegenden Teppich ....
mischen - austeilen

Heft für jeden Schüler und Bleistifte in verschiedenen Härten: Zeichnen/Porträtieren von Mitschülern bzw Abzeichnen von Gegenständen aus dem Klassenraum und Etui

Blätter für einen Kalender gestalten. Mit meiner Excel-Datei könnt ihr ein "ewiges Kalendarium" für Kunstkalender ausdrucken. Für A3-Kalender die Druckereinstellung verändern

siehe auch Ausmalbilder und Mandala

siehe auch Facebook-Gruppe: "Ideen für den Kunstunterricht"
Mappe:"Ich bin fertig! - Damit diese Gruppe sichtbar ist, muss man angemeldet sein. Lohnt sich

siehe auch Tipps von Kunstlehrer.blogspot (auf archive.org, daher längere Ladezeit)

Frottage
Materialien: Tapetenbücher, Holzbrett, Gullideckel, Schriftblock aus Bleisatz, Holzschnitt, Linolschnitt, Spaltschnitt, ...

Inchies
siehe auch ➜ Anleitung

🛒 ➜ 🛒 Kinder Künstler Kritzelbuch: Anmalen Weitermalen Selbermalen

Klebebandbilder
Mit Abklebeband diagonale Muster auf das Bild kleben. Entstandene Restflächen ausmalen. Klebeband wieder abziehen

Kunstbox / Artbook
Eine Box / ein Buch über eine Kunstrichtung, einen Künstler oder ein Kunstwerk gestalten und füllen, ähnlich wie bei einer Collage - als Aufgabe über einen längeren Zeitraum

Murmelbilder
Auf dem Boden eines Pappkartons ein Zeichenpapier befestigen. Nasse Farbe aufträufeln. Murmeln hinzugeben - durch Schrägstellen den Murmelverlauf beeinflussen und die Farbe verteilen

🛒 ➜ 🛒 Die kreative Lückenfüller-Kartei für den Kunstunterricht

Ein Monster anhand einer Textbeschreibung zeichnen. Beispiel: ➜ Das Schmunzelmonster (längere Ladezeit, da aus archive-org eingebunden)
Weitere Monster: Schreckmonster, Faulmonster, Wutmonster, Frechmonster, Pupsmonster, Hungermonster, Schlechte-Laune-Monster, Miesepetermonster, Klecksmonster...
Anregungen dazu findet man/frau im Bilderbuch von ➜ Catarina Knüvener: Mein MonsterIch
Mehr Texte zum ➜ "Malen durch Lesen" (längere Ladezeit, da aus archive-org eingebunden)

Kunst nach Kunst

❱ 21 ❱ ➜ zebis-unterrichtsmaterial-malen-wie-gustav-klimt
Malen wie Klimt - Vorlage mit Ornamenten gestalten

❱ 21 ❱ ➜ zebis-unterrichtsmaterial-mona-lisa-der-heutigen-zeit
Mona Lisa umgestalten

❱ 21 ❱ ➜ zebis-unterrichtsmaterial-positiv-negativ-bilder
Klapp-Bilder positiv-negativ

Differenzierungsaufgaben - Schnelle Techniken "in abstrakt"

❱ 22Q2 ❱ ➜ youtube-com-v=cDXn-Ap4JTY
Luftballonstupstechnik mit Acryl / Fingerfarbe

❱ 22Q2 ❱ ➜ youtube-com-v=EPyXdDuv1Y4
"Malen" mit Maisstärke und Leim

❱ 22Q2 ❱ ➜ youtube-com-v=4bmLytWM-wk
"Malen" mit Trinkhalmen - Acrylgießen mit Strohhalmen & schillernden Farben & Epoxidharz

❱ 22Q2 ❱ ➜ youtube-com-v=dP8c6v6XX9U
Regenbogentupfpild mit Klebestreifen und Acrylfarben

❱ 22Q2 ❱ ➜ youtube-com-v=0rOQj0AcmhY
Zufallstechnik mit Salatsieb

❱ 22Q2 ❱ ➜ youtube-com-v=IVNuy9kxprc
Zufallstechnik mit Salatsieb II und Rotation

Differenzierungsaufgaben - Linktipps. Kunstwerke als Ausmalbilder

➜ siehe auch Malvorlagen, Wimmelbilder, Ausmalbilder ...

❱ 21 ❱ ➜ archiv-schulkunst-bw-itemId=18052
Archiv Schulkunst Baden-Württemberg (Alben mit Abbildungen - Klick auf das Bild öffnet Album, am unteren Rand kann man weiter durch die Seiten blättern)

❱ 21 ❱ ➜ web-archive-vskrems-kunstkiste
Ausmalbilder

❱ 21 ❱ ➜ artprojectsforkids-org
Artprojects - Kunstideen

❱ 21 ❱ ➜ artsmia-coloringbook
Verschiedene Kunstwerke als Ausmalbilder - Original ist mit anklickbar

❱ 21 ❱ ➜ enchantedlearning-com-artists/
Malvorlagen/Ausmalbilder nach Kunstwerken

❱ 21 ❱ ➜ google-de-search?q=Berühmte-Gemälde-zum-ausmalen
Google-Bildersuche: Berühmte Gemälde zum Ausmalen

❱ 21 ❱ ➜ google-de-search?q=Art-Masterpiece-coloring
Google-Bildersuche: Meisterwerke zum Ausmalen

❱ 21 ❱ ➜ krokotak-com
Vorlagen für Ideen und Ausmalbilder

❱ 21 ❱ ➜ momes-net-Coloriages-de-peintres
Malvorlagen/Ausmalbilder nach Kunstwerken

❱ 21 ❱ ➜ schoolplaten-nl-kleurplaten-kleurplaat-foto-kunst
Ausmalbilder von Kunstwerken

❱ 21 ❱ ➜ schulbilder-malvorlagen-ausmalbilder-foto-kunst-c110
Qualitativ hochwertige Ausmalbilder von Kunstwerken: Cezanne, Monet, Munch, Delaunay, Ensor, Dubuffet..

❱ 22Q4 ❱ ➜ supercoloring-com-coloring-pages-arts-culture-famous-paintings
Ausmalbilder Kunstwerke

❱ 21 ❱ ➜ pinterest-de-ingerliseboigaa-colouring-pages-art
Kunst - Ausmalbilder

❱ 21 ❱ ➜ web.archive-vskrems-lerchenfeld-kunstkiste-projekt-kikuki01
Bilder von Künstlern zum Ausmalen: Gaugin, Klee, Chagall, Kandinsky, Hundertwasser, Klimt, Picasso, Chagall, Delaunay, Dali, Munch, Münter .. als PDF

Differenzierung - schnelle Arbeitsblätter

❱ 21 ❱ ➜ pinterest-drawing-projects
Schritt-für-Schritt-Ausmalvorlagen

Literatur

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Kreative Zwischenaufgaben für den Kunstunterricht
60 Kopiervorlagen für schnelle Schüler (Bergedorfer Unterrichtsideen)

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Interaktiver Kunstunterricht
(auch für das Whiteboard / Schwabenboard)

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177 Seiten mit Anleitungen, Rezepturen, Tipps & Tricks zu den

Techniken der Radierung (Ätzradierung etc.) und der historischen Edeldruckverfahren (Cyanotypie etc.)
Online und gratis

UnterrichtsbeispieleAnregungen für Kunstunterricht / Kunsterziehung

Links zu Bildnerischer Erziehung, Unterrichtsbeispiele, Anleitungen für den Kunstunterricht ...

SCHULKUNST: Bildbeispiele und MaterialienPublikationen vom Zentrum für Schulkunst Baden-Württemberg

Das Archiv Schulkunst-BW der Jahresthemen mit hunderten Schülerarbeiten als Anregungen, gruppiert nach Themen und Techniken

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Architektur und Stadtplanung

Comics, Grafik & Graffiti

Collage

Druckgrafik

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Hochdruck, Tiefdruck, Flachdruck, Siebdruck ...Beispiele für Techniken und Umsetzung im Unterricht

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw-itemId=100
Archiv Schulkunst Baden-Württemberg (Alben mit Abbildungen - Klick auf das Bild öffnet Album, am unteren Rand kann man weiter durch die Seiten blättern)

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw-itemId=6707
Abbildungen Kalender SCHULKUNST Druckgrafik/Schrift

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw-itemId=8844
Beispiele für Kartondruck (1966)

Literatur

❱ 21 🛒 ➜ radiertechniken-de-bestellen
Hier findet ihr die Online-Ausgabe meines Buches: "Neue und alte Techniken der Radierung" - Anleitungen, Rezepte, Tipps und Tricks aus fünf Jahrhunderten - ein alchemistisches Werkstattbuch. Ich habe 20 Jahre lang gelesen, ausprobiert, gesammelt und das Ganze nun zwischen Buchdeckel gepackt (232 Seiten A4)

Sagen, Mythen und Gebräuche - Orten in Oberschwaben zugeordnet
Die "etwas andere" Oberschwabenschau

Erde - Land Art
SCHULKUNST-Jahresthema 2008 / 2009

EXPERIMENT + Zufall - Zufallsgrafik, Aleatorik
SCHULKUNST-Jahresthema 2011 / 2012

Farbe - Licht - Malerei
SCHULKUNST-Jahresthema 2013 / 2014

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Tipps vorneweg

Malen mit Wasserfarben

Zwei kleine Gießkannen und zwei Wassereimer im Raum erleichtern das Problem des Gedränges am Waschbecken. Der "Wasserdienst" teilt mit der Gießkanne zu Beginn der Stunde das Wassder in die Malbecher aus.
Der "Wassersammlerdienst" läuft am Ende der Stunde mit den Eimern durch die Reihen und sammelt das Wasser wieder ein.

"Unkippbare Wasserbecher" stellt man durch Upcycling her. (Stabilere) Kunststoffbecher klebt man dazu mit Heißkleber auf alte CDs/DVDs.

Das Auswaschen der Pinsel erfolgt im Wasserbecher am Platz.

Zum Malen von Acryl- oder Tempera werden die Pinsel von der Schule gestellt, ebenso die Kunststoff-Farbmischpaletten. Im Idealfall befindet sich im Kunstraum eine kleine Geschirrspülmaschine zur Reinigung.

Zum Anmischen von Farben kann man aus Flaschendeckeln und einem Stück Karton leicht eine Malerpalette herstellen:

Linktipps

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw-itemId=22
Archiv Schulkunst Baden-Württemberg (Alben mit Abbildungen - Klick auf das Bild öffnet Album, am unteren Rand kann man weiter durch die Seiten blättern)

❱ 21 ❱ ➜ kunstlinks-material-wuttke-rotgelbblau.
Entwurf für eine Unterrichtsstunde im Fach Kunst: „Wir experimentieren auf unseren Portraitfotos mit der Wirkung von Farben wie Andy Warhol"

❱ 21 ❱ ➜ kunstlinks-de-material-vtuempling-farbe4
Zahlreiche gute Ideen zur Behandlung des Themas "Farbe" im Kunstunterricht

❱ 21 ❱ ➜ wp.radiertechniken-werkzeuge-papier
Möglichkeiten Papier zu aschöpfen und mit Naturmaterialien zu färben habe ich hier beschrieben

❱ 21 ❱ ➜ archiv-schulkunst-bw
Unterrichtsbeispiele zum Farbkontrast / Formkontrast

❱ 21 ❱ ➜ archiv-schulkunst-bw
Unterrichtsbeispiele zu Farbaufhellung / Farbtrübung

❱ 21 ❱ ➜ archiv-schulkunst-bw
Unterrichtsbeispiele zur Farbperspektive

❱ 21 ❱ ➜ archiv-schulkunst-bw
Unterrichtsbeispiele zum Kalt- Warmkontrast

❱ 21 ❱ ➜ archiv-schulkunst-bw
Unterrichtsbeispiele zum Komplementärkontrast

❱ 21 ❱ ➜ archiv-schulkunst-bw
Unterrichtsbeispiele zu Zeichen und Signalfarbe

❱ 21 ❱ ➜ archiv-schulkunst-bw
Unterrichtsbeispiele zu "Kunst nach Kunst" - Malerei

Filme

❱ 21 ❱ ➜ youtube.-com-watch?v=e8LCgA8vxVM
Malen mit Pastell - mnit etwas Farbenlehre und Farbenkreis

Literatur

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Himmel und Meer
Studienreihe Illusionsmalerei - Die beliebtesten Motive der dekorativen Wandmalerei Umsetzung Schritt für Schritt Praxis-Handbuch für Profis und ambitionierte Laien

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Illusionsmalerei
Unterschiedlichste traditionelle und moderne Maltechniken - Mehr als 35 Projekte in allen Stilen: Antike, Renaissance, Barock, Ethno, Zukunftsutopien - Motive für Privathäuser, Cafes, Hotels, Discos, Cabarets, Kinos - Hilfreiche Texte und Konstruktionszeichnungen zur Perspektiv- und Schattenkonstruktion

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Die Kunst der Augentäuschung

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Illusionsmalerei heute

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Illusionsmalerei im Detail
Vorlagen, Techniken, Effekte

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Pastell
Pastellmalerei für Einsteiger

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Geheimes Wissen
Die Veröffentlichung von David Hockneys Geheimes Wissen war eine kunsthistorische Sensation. Seine Theorie, wonach berühmte Maler wie Leonardo, van Eyck, Holbein oder Caravaggio beim Skizzieren optische Hilfsmittel eingesetzt hätten, bewegte die Gemüter von Kunsthistorikern und Kunstliebhabern gleichermaßen.

Farbenlehre, Farbenmischung und Farbherstellung

Fotografie und Film

HOLZ
SCHULKUNST-Jahresthema 2010 / 2011

Kombination Grafik / Malerei

Mode / Design / Werbung

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Plakat

Plastik + Bild - Material - Objekt
SCHULKUNST-Jahresthema 2010 / 2011 und 2016/2017
Marionetten, Stabpuppen + Handpuppen

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Styropor-Collage

Ich hatte mit den Schülern Styropor-Plastiken gebaut. Im Elektronikmarkt dazu Styroporverpackungen von Waschmaschinen, Bildschirmen, Kühlschränken... geholt und selbst in handlichere Stücke geschnitten.

Zum Schneiden habe ich den Styroporschneider aus dem Technikunterricht verwendet und noch selbst mehrere Styroporschneider gebaut. Das ist relativ einfach: Man wickelt die Heizspirale aus einem alten Fön ab, die aus Konstantandraht besteht. Den Konstantandraht kann man/frau natürlich auch kaufen. Dann nimmt man/frau zwei Holzstäbe als Handgriffe, schraubt an jeden eine Ringöse und kannt somit den Konstantandraht dazwischen spannen.
An die Ringösen werden nun Stromkabel entweder verlötet oder mit Krokodilklemmen angeschlossen und (im Idealfall) mit einem regelbaren Eisenbahntrafo 8-12 Volt angelegt.

Der Draht muss nicht glühen, es genügt, wenn er heiß genug zum Schmelzen des Styropors wird. Zum Verkleben der Teile habe ich Teppichbodenkleber verwendet. Handelsüblicher Styroporkleber war mir zu teuer. Den Teppichkleber gibt es im Baumarkt. Die zusammengeklebten Figuren wurden dann mit Dispersion schwarz-weiß ausgestaltet.

Puppenköpfe aus Sägemehl

Eine billige, gut zu bearbeitende Modelliermasse, die man nicht brennen muss, kann man/frau aus einer Sägemehl - Kleister - Leimmischung herstellen. Das Rezept findet ihr hier: Technikunterricht: Werken mit Ton

Als Basis für die Puppenköpfe dient zusammengerolltes Zeitungspapier, das mit Klebeband zu einer Rolle geformt wird. Damit hat man die "Halterung" für den Finger beim Spielen und zudem die Möglichkeit, den Kopf zum Modellieren auf einem Holzstab zu befestigen.

Marionetten und Stabpuppen

Einfache Stabpuppen lassen sich herstellen, indem man eine große Kartoffel auf einen Holzstab spießt, verschiedene Accecoires mit Zahnstochern am Kopf befestigt, das Ganze mit Dispersion oder Fingerfarbe bemalt. Wenn diese Puppen einige Zeit im Trockenen stehen, beginnen sie zu "schrumpeln" und erhalten interessante, Knittergesichter.

Handpuppen

Paul Klee hatte - nachdem er in die Schweiz fliehen musste - in Zürich für seinen Sohn aus verschiedenen Fund- und Abfallmaterialien Handpuppen hergestellt. Diese "Puppen für Felix" sind eine gute Anregung für den Kunstunterricht. Anekdote am Rande: Felix Klee war mit 14 Jahren der jüngste Schüler am Bauhaus - und wurde anschließend Theater- und Opernregisseur.

Raster und Muster

Relief / Scherenschnitt / Cutout

Schrift / Typographie

Spuren

Verpackung, Werbung & Design

Wohnen - Raum erfahren
SCHULKUNST-Jahresthema 2012/2013

Zeichnen / Zeichnung
SCHULKUNST-Jahresthema 2014-2016

aufklappen / ausblenden

Ideen

Arbeitspass zum Thema Zeichnen: In einem unlinierten Heft mit freier Reihenfolge:
Schraffuren, Muster, Parallelen ohne Lineal zeichnen
2D Bilder zeichnen
3D Objekte zeichnen (Pyramide, Muschel, Apfel, Coladose)
Zeichnen mit Zirkel und Lineal und Zirkel

Handreichungen / Ideen

❱ 21 ❱ ➜ issuu-com-studiopanorama-150304-zeichnen_edition_inhalt_issu
Handreichung "Zeichnen" Schulkunst 2015/2016, 225 Seiten

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw-itemId=32999
Abbildungen der Schulkunstausstellungen 2015-2017 Ba-Wü zum Thema "Zeichnen"

Literatur

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Notizen zur Zeichentechnik
22 leichtsinnige Übungsanleitungen wider das Vergessen des Zeichnens

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Ideen visualisieren
Scribble - Layout - Storyboard

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Das neue Garantiert zeichnen lernen

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Die große Zeichenschule
Ravensburger Hobby / Malen und Zeichnen

❱ 21 🛒 ➜ 🛒 Zeichnen
Die neue große Schule: Grundlagen. Techniken. Motive

Farbige Zeichnung

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw-itemId=2673
Archiv Schulkunst Baden-Württemberg (Alben mit Abbildungen - Klick auf das Bild öffnet Album, am unteren Rand kann man weiter durch die Seiten blättern)

Gegenständliche Zeichnung

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw-itemId=410
Archiv Schulkunst Baden-Württemberg (Alben mit Abbildungen - Klick auf das Bild öffnet Album, am unteren Rand kann man weiter durch die Seiten blättern)

Grafik

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw.-itemId=119
Archiv Schulkunst Baden-Württemberg (Alben mit Abbildungen - Klick auf das Bild öffnet Album, am unteren Rand kann man weiter durch die Seiten blättern)

Malen mit Nichtfarben

❱ 21 ❱ ➜ archiv.schulkunst-bw-itemId=408
Archiv Schulkunst Baden-Württemberg (Alben mit Abbildungen - Klick auf das Bild öffnet Album, am unteren Rand kann man weiter durch die Seiten blättern)

Literatur

❱ 21 🛒 ➜ Krickel-Krakel-Buch
Bilder zum Weitermalen

❱ 21 🛒 ➜ Fundgrube - Sekundarstufe I und II
Die Fundgrube für den Kunst-Unterricht ab Klasse 5

❱ 21 🛒 ➜ 30 x Kunst für 45 Minuten
Klasse 3/4: Kurze Projekte für schnelle Erfolge

❱ 21 🛒 ➜ Die schnelle Stunde Kunst
30 originelle Unterrichtsstunden ganz ohne Vorbereitung (5. bis 10. Klasse) (Die schnelle Stunde Sekundarstufe)

❱ 21 🛒 ➜ Fundgrube - Sekundarstufe I und II
Fundgrube Kunst

Zeichenmaschinen
Pantograph bzw. Storchenschnabel, Harmonograph, Spirograph, Ellipsograph usw...

Lissajous-Figuren

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IMTA Bodensee - Internationale Musische TAgung

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Seit 1957 findet jährlich an einem Ort im Bodenseeraum - im Turnus wechselnd in Deutschland-Österreich-Schweiz-Liechtenstein die Internationale Musische Tagung als Fortbildungsveranstaltung für Lehrer in den musischen Fächern Kunst-Musik-Sport und Technik statt.

Diese Veranstaltung als "Fortbildung" zu bezeichnen ist gleichzeitig richtig - wie untertrieben. In den Schulen in und um den Veranstaltungsort bereiten sich die Kollegen darauf vor, ihre Ergebnisse aus dem Unterricht in verschiedensten Räumen der Stadt den 3000-5000 Gästen aus den Lehrerkollegien des Bodenseeraumes als Ausstellung UND in Form von Workshops zu präsentieren. Ausstellungsorte sind neben unzähligen Klassenzimmern und Werkstätten in der Regel auch die Stadthalle und weitere öffentliche Gebäude, sowie Parks und Gärten. Involviert sind neben sämtlichen Schularten die Theater, Musikschulen und Jugendkunstschulen des Veranstaltungsortes. Ausrichter der "Tagung" - die genau einen Tag dauert - sind der "Serenadenkreis" und das jeweilige Schulamt der Region.
Die IMTA hat zum Ziel, in den Schulen das Bewusstsein für einen musisch-kreativen Unterricht zu fördern und beispielhaft Anregungen zu geben. Die IMTA ist eine Werkschau, welche aus der täglichen Arbeit von Lehrpersonen und ihren Schulklassen entsteht. Sie ist eine Ideenbörse für Musik, Theater, Kunst, Sport, Werken, Zeichnen und Gestalten, fächerübergreifend für alle Schulstufen, vom Kindergarten bis zur Pädagogischen Hochschule.
Zu sehen, zu hören und zu fühlen sind Ergebnisse aus allen Bereichen der musischen Erziehung. Einen Einblick - und Anregungen für die eigene Unterrichtsarbeit bieten die Bildergalerien, die ich nachfolgend verlinkt habe.

Ein Besuch dieser "Mammutveranstaltung" lohnt sich. Jedes Jahr steht eine andere Stadt Kopf und wird gleichzeitig musisch-künstlerisch auf die Beine gestellt.

Perspektive

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Tipps zur Unterrichtspraxis

Auf dem Schulflur sollen sich die Schüler im Haus verteilen und auf den Boden setzen. Dann den Flur zeichnen.
Dreiergruppen mit einer Folie losschicken, wobei immer zwei Kinder die Folie halten und einer mit einem Folienstift darauf die sichtbaren Fluchtlinien der Decken, Wände und des Bodens nachzeichnet, evtl auch die seitlichen Türen und Deckenlampen. Im Klassenzimmmer werden anschließend auf dem Tageslichtprojektor die verschiedenen Ergebnisse betrachtet und besprochen

Mit ausgestrecktem Arm messen, wie viele Daumenlängen der Kopf des Banknachbarn hat und dann wie viele Daumenlängen der Kopf des Schülers hat, der am weitesten entfernt sitzt

Mit ausgestrecktem Arm messen lassen, wie viele Bleistiftlängen das Fenster in der Höhe hat - und zum Vergleich das Haus (oder der Baum) in der Nachbarschaft

Dasselbe mit einer geeigneten Breite (Fenster-- → --Haus)

Fotos zeigen auf denen man die Linien, die auf den Fluchtpunkt zulaufen, gut erkennen kann

Einführung mit Bildern von M.C.Escher und/oder William Hogarth

Gestaltungsideen

(Ziegelstein-)Mauer mit Loch in der Mitte zeichnen (auf Würfel-/Zentralperspektive beim Loch achten). In das Loch passend ein Foto einer Landschaft kleben
Tipp zur Mauergestaltung in Frottagetechnik: Eine Zeichenblockpappe mit Papp-Quadern als Mauersteine bekleben (kann auch in Partnerarbeit geschehen, da mehrfach verwendbar). Anschließend Zeichenpapier auflegen und die Mauer in Frottagetechnik auf das Papier „durchrubbeln"

Oder: Im Vordergrund eine Wand malen lassen, die mit Graffiti besprüht ist und die einen Durchbruch hat. Diesen Durchbruch zentralperspektivisch gestalten. Als Hintergrund eine Fotografie einkleben

Facebookgruppe "Ideen für den Kunstunterricht" - Album "Perspektive" (Zum Betracjhten ist eine kostenlose Anmeldung bei Facebook und der Beitritt zur Gruppe erforderlich)

Lakritzbonbon-Stilleben - mit Verkostung ;-)

Blockbuchstabenschrift, die auf einen Punkt zuläuft

Liegend auf der 5th Avenue in Manhattan mit Blick nach oben - die Hochhäuser verkürzen sich gen Himmel

Themen: Allee, Häuserschlucht, Straße, 'Mein Traumzimmer',Glastunnel durchs Aquarium, Westerneisenbahn

Tipps + Tricks

Gestaltet man eine Zentralperspektive mit Fußbodenkacheln, dann erzeugt man die Verkürzung der Kacheln in die Tiefe, indem man von vorne links nach hinten rechts eine Diagonale zieht und an den Schnittpunkten der Kachelbreiten die Tiefenlinien einzieht. Dadurch entsteht noch mehr optische Tiefenwirkung. Videoanlaitung auf Youtube

Foto einer Straßenschlucht als Kopie ausgeben, die Schüler zeichnen die Hauprlinien auf Tageslichtfolie nach

Ausstattung - was braucht der Kunstraum?

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Nun... der Kunstraum braucht vielleicht nicht alles, was hier gelistet ist - aber "guat wär's scho"

Verbrauchsmaterial

Papier

Collagematerial / Modezeitschriften
Faltpapier / Origamipapier
Fotokarton (versch. Farben)
Geschenkpapier
Glitzerpapier
Ingrespapier
Karton
Kohlepapier
Kupferdruckbütten
Packpapierrollen (50cm und 100 cm breit)
Papier
Papierservietten mit verschiedenen Aufdrucken
Papiertüten
Pappe
Passepartoutkarton
Pergamentpapier
Schrenzpapier
Seidenpapier
Tonpapier
Transparentpapier
Tüten
Wellkarton
Wellpappe
Zeichenblock
Zeitungen
Zeitschriften

Holz

Eisstäbchen
Holz
Holzleisten, versch. Stärken
Holzstäbe
Schaschlikstäbe
Streichholz
Zahnstocher

Metall

Alufolie
Aluplast-Metallfolie
Draht, verschiedene Stärken
Drahtgeflecht
Formdraht
Golddraht
Hasendraht
Metalldrückfolie
Nadeln
Silberdraht
Stahlwolle

Stoff

Faden / Garn
Filzwolle
Hanfseil/-schnur
Leinwand
Nessel
Sisalschnur
Stoffreste
Wolle
Wollreste

Naturmaterialien

Bast
Glasuren für Ton
Korken
Lehm (evtl. ungebrannte Ziegel)
Mosaiksteine
Muscheln
Speckstein
Strohhalme
Ton
Watte
Ytong

Kunststoff

Polystyrolplatten
Styropor (Kugeln, Platten)
Tageslichtfolien (Kunststoffradierung)
Trinkhalme
Wackelaugen

Sonstiges

Bierdeckel
CDs / DVDs als Bastelmaterial / für Radierung
Einmalhandschuhe
Gipsbinden
Kunststoffplatten
Linoleumplatten
Perlen
Pfeifenreiniger
Radiergummi
Schnur / Faden
Schleifpapier
Staubmasken (Einweg)
Teppichreste
Wattepads

Farben, Kreiden, Stifte

Abtönfarben
Acrylfarben (flüssig und in Näpfchen)
Aquarellfarben
Bleistifte (versch.Härtegrade)
Buntstifte (versch.Breiten)
Edding (versch. Stärken)
Fingerfarbe
Filzstifte
Goldspray (Bronze)
Goldstifte
Gouache
Grafitstifte
Jaxon-Kreide
Kohle
Kreide
Linoldruckfarbe
Ölkreide
Pastellkreiden farbig
Pastellkreiden Graustufen
Schultempera
Siebdruckfarbe
Silberspray
Straßenkreide (für Zuckerkreide)
Textilfarben
Tinten (versch. Farben)
Tusche
Wachskreiden
Wachsmalstifte
Wachspastellkreiden
Wasserfarben
Zeichenkohle

Klebstoffe / Verbindungsmittel

Bindedraht
Bindfaden
Doppelseitiges Klebeband
Gummikleber
Holzleim
Klebstoff / Uhu
Klebestifte
Kleister
Kreppband
Musterbeutelklammern
Nägel
Nylonschnur
Packband
Paketschnur
Pinnadeln
Reißzwecken
Schrauben
Sprühkleber
Tapetenkleister
Tesakrepp

Chemikalien / Reinigungsmittel / Lösungsmittel / Spray

Aceton / Nagelreiniger (Vorsicht!!)
Bohnerwachs
Destilliertes Wasser
Eisen(III)Chlorid für Kupferätzung
Etikettenentferner
Fixativspray
Handwaschpaste mit Sägemehl
Leinöl
Pinselreiniger
Salatöl (zum Herstellen transparenter Papiere und als Bindemittel)
Schlussfirnis (Spray)
Sicherheitsätzmittel (für Kupferätzung)
Spiritus
Spülmittel
Terpentinöl
Terpentinersatz
Universalverdünnung (Vorsicht!!)
Waschbenzin

Werkzeuge

A Abisolierzange
Akkubohrmaschine / Akkuschrauber
Anreißnadeln
Anreißnadelblock
Anspitzer

B
🛒 Blechscheren
Blindnietzange
Borstenpinsel
Borstenpinselblock
Buchstabenstempel
Bügeleisen
Bürsten

C
Cuttermesser
Cuttermesserblock

F
🛒 Falzbein
Farbwalzen
🛒 Federhalter
Federhalterblock
🛒 Federzwingen
Filznadeln
Fön

G
Gänsekiele
Geodreiecke
Glasplatten (Farbe auswalzen)
🛒 Gravurstifte (Ersatz für Radiernadeln)

H
Haarpinsel
Haarpinselblock
Hammer
Handbohrer
🛒 Handbohrmaschine
Haushaltstücher
Heißklebepistole(n)
Holzsägen

I
Inbus-Schlüsselsatz
K
Kamm
🛒 Kinderscheren
Klammern
🛒 Kreisschneider

L
Lange Lineale
Laubsägen
Leimzwingen
Lineale (30cm / 80 cm)
🛒 Linolmesser
Linolschnittbesteck
Linolschnittmesser
Linolwalzen, Linolmesser, Linolfarben,
Lochzange
Lupen

M
Messbecher
Messer
Messerblock
Metalllineale
Metallsägen
Metallschere
Meterstäbe
🛒 Modellierwerkzeug für Ton

M
Nähnadeln
🛒 Nietenzange

P
Papierscheren
Pinsel
🛒 Pinselreiniger
🛒 Prickelnadeln und Prickelfilz

R
🛒 Radiernadeln
Radiernadelblock
🛒 Redisfedern / Bandzugfedern
Reißnadeln
Rohrfedern (aus Schilfrohr selbst herstellbar)
Rundzangen

S
Scheren
🛒 Scherenschnittscheren / Silhouetten-Scheren
Scherenblock
Schleifpapier
Schneidplatten
Schneidefedern
Schöpfrahmen
Schraubendreher
Schwämmchen / Schwämme
Schwammtücher
🛒 Seitenschneider Zange
Siebdruckrahmen / -gaze
Spanngurte
Sperrholzplatten / Hartfaserplatten mit Anschlag als Unterlage
Sperrholzplatten / Hartfaserplatten ohne Anschlag als Unterlage
Spiegelfliesen
Spitzer
Spritzgitter / Spritzsieb
Stoffscheren
🛒 Styroporschneider

T
Teppichmesser
Tonschneidedraht

W
Walzen
🛒 Webrahmen
Werkzeuge zum Tonen

Z
Zahnbürsten / Spritzbürsten
Zirkel

Hilfsmittel

A
Abdeckmaterial (PVC-Tischdecken, Zeitungen ...)
Alte Zeitungen
Aufbewahrungsboxen
Autofußmatten zum Nassfilzen

B
Backpapier

D
Döschen
Dosen

F
Farbkreis als Plakat
Fensterfolie
Fotoschalen / Entwicklerschalen

G
Gläser
Glasplatten

H
Handtücher

K
Keilrahmen
Kleinteilboxen
Küchenkrepp
Kunstdrucke
Kunstmappen (aus gefaltetem A2-Zeichenkarton)
Kunststofflöffel (klein/groß)
Kunststoffboxen
Kunststoffteller

M
Magnete / Magnetstreifen (siehe dazu meine Tipps)
Malkittel (alte Herrenhemden)
Musik

P
Pappteller

S
Schürzen
Schutzkittel / alte Hemden
Spiegelfliesen

R
Rahmenspanner
Rundstäbe aus Holz, versch. Stärken

T
Trichter

V
Vlies

W
Wäscheklammern
Wasserbecher

Z
Zeichenfedern
Zeichenplatten
Zirkel

Geräte / Großgeräte / Ausstattung

B
Batterieladegerät
Brennofen (für Emaille)
Brennofen (für Ton)
Buchdrucklettern
Bügelbrett
Bügeleisen
C
CD-Player / CDs mit klassischer Musik / Entspannungsmusik
Computer / Laptops / Tablets / Beamer
D
3D-Drucker
Dokumentenkamera
🛒 Druckpresse für Hoch- und Tiefdruck
DVD-Player
E
Erste-Hilfe-Koffer / Pflaster
F
Flipchart
G
🛒 Gliederpuppe
H
Handhebelschere
Hocker
I
Interaktive Tafel / Whiteboard
L
Laptops mit Bildbearbeitung / Fotobearbeitungssoftware
Laserdrucker
🛒 Lötstationen (mit Absaugvorrichtung)
🛒 Lötzinn (bleifrei)
O
Overheadprojektor (für Folienradierung oder Belichtung von Cyanotypien)
P
Pinwand
Plakatstempel
Planschrank
Plexiglasplatten mit Aufstellern als "Umzeichner" zum kopieren
Podeste
R
🛒 Radierdruckpresse für Tiefdruck
Regale
S
🛒 Schneidemaschine / Schlagschere / Papierschneider
Siebdruckanlage mit Belichtungseinheit
Siebe zum Papierschöpfen ( Tipps dazu sind hier notiert)
Spülmaschine für Wassergefäße, Werkzeuge und Pinsel
Standmixer
Staffeleien
T
Tageslichtprojektor / Overheadprojektor (immer noch!)
Tische
Trockenpresse (elektrisch)
Trockenschrank
Trockenständer / Trockengitter / Trockenwagen
U
UV-Belichter / Gesichtsbräuner für Siebdruck und Cyanotypie
V
Visualizer
W
WLAN

Basisausstattung im Raum

Internetanschluss + Beamer
Mehrere große, tiefe (Schmutz-)Wasserbecken
Planschränke zur Lagerung/Aufbewahrung der Schülerarbeiten
Wasseranschluss
IKEA-Kallax-Regal, 182x182 cm (o.ä.) mit 25 Fächern zur Ablage der Schülertaschen)
Für jede Klasse ein "Mappenfach", Breite größer A2 zur Ablage der Schülerarbeiten

Organisationshilfen

Pro Klasse eine große Plastikbox mit je einer Stofftragetasche pro Schüler. Diese kann individuell mit Textilfarbe bedruckt werden. Jeder Schüler sammelt in dieser Tüte Wasserfarbenkasten, Wasserbecher, Pinsel, Stifte, Klebestift, Spitzer ...
Gießkanne zum Wasserverteilen
Eimer zum Wassereinsammeln

Kriterienkataloge

❱ 21Q4 ❱ ➜ arnostern-com-kriterien-arno-stern-malort-kriterien
Kriterien und Anregungen nach Arno Stern für einen "Malort" und das "Malspiel"

Arbeitsorganisation

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Zeichen- / Malunterlagen

Als Unterlage nutze ich die Böden von großen Obstkartons aus dem Supermarkt. Beim Einkaufen habe ich mein Opinel-Messer in der Hosentasche. Dann frage ich nach solchen Kartons, schneide den Boden ab. Win-Win 😉 Vorteil: Auf diese Kartons kann man das A3-Papier mit Kreppband verkleben und beim Malen mit Wasserfarben zieht es sich wieder gerade. Wenn die Kartons farbig werden, ist das egal. Es gibt genügend kostenlosen Nachschub und das Lagern und Entsorgen bereitet ebenfalls keine Probleme.

Auch Zeitung nutze ich - besonders, wenn in Klasse 8 oder 9 mal wieder ein Zeitungsprojekt durchgeführt wird, kommen täglich 2 Klassensätze Tageszeitungen zu uns. Wichtig dabei ist es, den Schülern das Zeit sparende Aufräumen und Verstauen beizubringen:
- Verwendet werden nur Doppelseiten. Diese werden NICHT komplett entfaltet.
- Der waagrechte Knick wird immer mit der Falzkante nach oben auf den Tisch gelegt.
- Beim Aufräumen läuft in jeder Reihe ein Schüler durch, fasst den Knick - wodurch sich die Zeitung beim Hochheben von selbst zusammen legt.
- habe fertig in wenigen Minuten.

Wasser

Beim Malen mit Wasserfarben gibt es am Ende der Stunde regelmäßig Stau am Waschbecken. Das lässt sich vermeiden:
- Es gibt einen "Wasserdienst". Dieser hat eine Gießkanne und einen Eimer. Im Eimer wird das "verbrauchte" Wasser eingesammelt, mit der Gießkanne wird Wasser ausgegeben.
- Die Reinigung der Farbkästen erfolgt nicht unter Wasser. Die Deckel der Farbkästen werden mit Haushaltstuch aus Papier ausgewischt.
- Zum Mischen von Farben kann man die Flaschendeckel von PET-Flaschen verwenden. Perfektionisten kleben 2x5 Stück mit Heißkleber auf Plastikteller oder -scheiben.
- Idealerweise befindet sich im Kunstraum eine Spülmaschine. Was den Chemikern Recht ist, sollte den Künstlern ebenfalls zustehen

Malkittel

Beim Elternabend bitte ich um ausgemusterte Herrenhemden. Die Schüler ziehen diese "verkehrt herum" über. Habe fertig Schutzkittel. Im Kunstraum gibt es eine Leiste mit Haken, an denen die Kittel aufgehängt werden. Ab und an kommen die Kittel in die Waschmaschine.

Kunstmappe

Die erste Aufgabe im Schuljahr ist die Gestaltung der eigenen Kunstmappe. Über den Kunst- und Schuletat gibt es ein Papierlager für Plakatkartons im Format A2. Jeder Schüler erhält von mir einen bereits gefalteten Karton, der als Umschlag dient. Die Frontseite wird vom Schüler gestaltet, der Name und die Klasse müssen dabei lesbar sein. Jede Klasse erhält von mir Papier in ihrer eigenen Umschlagfarbe - vor den Zeugnisterminen nehme ich den Mappenstapel mit Nachhause oder in ein leeres Klassenzimmer und mache mein "Notenfeintuning".

Zeichen- und Malkurse online

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Techniken der Radierung & Edeldruckverfahren - als Buch und "Onlinekurs" (kostenlos und ohne Anmeldung)

Linklisten, Nachschlagewerke

Interaktive Angebote der Schulbuchverlage

Sagen, Mythen und Gebräuche - Orten in Oberschwaben zugeordnet
Die "etwas andere" Oberschwabenschau

Bildungsplan (2016) Ba-Wü

Lehrpläne / Bildungspläne

Neue und alte Techniken der Radierung und Edeldruckverfahren
Vom Hexenmehl und Drachenblut zur Fotopolymerschicht
1001 Tipps, Tricks und Rezepturen für Radierer, Künstler, Ätzer, Drucker, Kunsthistoriker, Alchemisten, Photographen und alle, die mehr wissen wollen¹
Erweiterte 7. Auflage 2020, Edition Autenrieth, ISBN 978-3-98217650-5, portofrei in der BRD für 35 € (Auslandsversand gegen Erstattung der Mehrkosten)

Das Buch enthält auf 232 großformatigen Seiten Anleitungen und Rezepturen aus der Praxis.
Zu entdecken sind Anleitungen in 'Kochbuchmanier' zu Radiertechniken wie Ätzradierung, Kupferdruck, Fotoradierung etc. sowie zu Edeldruckverfahren wie Heliogravur, Gummidruck, Cyanotypie, Lichtdruck uvam.

Das Buch ist ➜ in jeder Buchhandlung bestellbar, ➜ portofrei direkt erhältlich ², bestellbar über ➜ Booklooker, ➜ Ebay, ➜ Paypal und ➜ mehr - jedoch aus Prinzip nicht bei Amazon™³

180 Webseiten der Urversion mit zahlreichen, zusätzlichen Bildbeispielen sind hier kostenfrei abrufbar: ➜ https://wp.radiertechniken.de
Auszüge (PDF): ➜ Inhalt // ➜ Intro // ➜ Ätzung // ➜ Pigmentdruck // ➜ Chemie
Rezensionen / Kommentare zum Buch: ➜ https://wp.radiertechniken.de/info/ruckmeldungen-kommentare/

¹Ob es 1001 sind, hab' ich nicht abgezählt - aber es sind viele ;-)
²Kostenloser Versand innerhalb der BRD, Auslandsversand gegen Erstattung der Mehrkosten
³Der örtliche Buchhandel bezahlt lokale Steuern und finanziert damit Schulen und Kindergärten - und keine Weltraumflüge

➜ mailing @ autenrieths.de ➜ Kontakt & Impressum ➜ Farbcodes ➜ Datenschutzerklärung ➜ Info zum Autor
1001 LiebLinks für Lehrer und Schüler - Tipps für kostenlose Arbeitsblätter, Kopiervorlagen, Unterrichtsmaterial, Unterrichtsmedien oder Unterrichtsplanungen. Der besseren Lesbarkeit zuliebe verzichte ich auf die gleichzeitige Verwendung männlicher und weiblicher Sprachformen. Sämtliche Personenbezeichnungen gelten natürlich für beide Geschlechter. Durch Werbepartner erhalte ich eine Provision für qualifizierte Käufe. Amazon und das Amazon-Logo sind Warenzeichen von Amazon.com, Inc. oder eines seiner verbundenen Unternehmen. Entsprechende Links sind mit einem Einkaufswagen gekennzeichnet 🛒. Wenn ihr auf einen Amazon-Link klickt, verwendet Amazon Cookies, speichert IP und Zugriffsdaten. Siehe ➜ Datenschutzerklärung
Viel Erfolg beim Stöbern und ... "don't judge a book by its cover"! © Wolfgang Autenrieth 2001 / 2022

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Bildende Kunst, Kunstunterricht + SCHULKUNST

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Unterrichtsbeispiele für Kunstunterricht + Schulkunst. Bildnerisches Gestalten / Bildnerische Erziehung, Farbenlehre, Goldener Schnitt + Zeichenmaschinen

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Der Farbkreis - Johannes Itten und Harald Küppers in Kombination

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Arbeitsanweisungen

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Besser als ihr kriegt das mit den Schäfchenwolken auch kein Himmel hin, wetten? Und falls ihr abends mal nicht schlafen könnt... Bitte sehr: einfach Wimme...

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Alle Videos aus dem Youtube-Kanal "Der Kunsterklärer" nach Themen sortiert.

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Stefan Marx

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Schnell und überall: Stefan Marx im Portrait

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Katsushika Hokusai - "Die große Welle vor Kanagawa" | ars mundi

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Piet Mondrian - "Komposition in Rot, Blau und Gelb"

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Der Trailer zum Dokumentarfilm "Kusama - Infinity" von Heather Lenz.

Die Japanerin Yayoi Kusama ist einer der erfolgreichsten Künstlerinnen unserer Zeit. Ihre Karriere umspannt über sieben Jahrzehnte. Mit ihren Malereien, Skulpturen, Modearbeiten und raumfüllenden Kunstinstallationen hat sie die Pop-Art- und Minimalismus-Kunst entscheidend geprägt. Ihre farbig gepunkteten Kürbisse und die Infinity-Spiegelräume sind weltweit bekannte Markenzeichen und Lieblinge des Instagram-Zeitalters. Bis heute ist die 90-Jährige täglich an der Arbeit.

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Yayoi Kusamas Weg zum Erfolg, der über New York führte, war steinig. Lange wurde ihre Arbeit von der Öffentlichkeit ignoriert. Das Trauma der Kriegsjahre, Widerstände in der Familie, Sexismus und Rassismus in der Kunstwelt sowie eine psychische Krankheit hielten die Aussenseiterin jedoch nicht auf, ihre künstlerische Vision kompromisslos umzusetzen. Tate Modern, Centre Georges Pompidou, Whitney Museum of American Art, Tokyo National Art Center oder das Smithsonian Hirshhorn Museum: Alle grossen Museen dieser Welt haben ihre Werke ausgestellt. In Tokio, wo sie heute lebt, hat sie 2017 sogar ihr eigenes Museum eröffnet. Ihr gelben Kürbis sind schon lange das Wahrzeichen der Kunstinsel Naoshima und auch des Towada Art Center. Ihre Ausstellungen verzeichnen regelmässig Rekordzahlen. Mehrfach wurde die Künstlerin ausgezeichnet.

Der Dokumentarfilm

Der Dokumentarfilm "Kusama - Infinity" von Regisseurin Heather Lenz blickt in dieses bewegte Leben. Der Dokumentarfilm deckt dabei nicht nur die bunten Jahre ab, sondern auch die andere persönliche Seite von Yayoi Kusama. "Kusama - Infinity" zeigt die Geschichte einer Pionierin der Kunstwelt, die aufgrund ihres Geschlechts und ihrer Herkunft lange ignoriert wurde und trotzdem beharrlich weiterarbeitete.
Wir zeigen den Film "Kusama - Infinity" am 25. Januar 2019, um 13:15 Uhr, als Zürcher Premiere im Alternativkino ℅ Xenix Kino. Es handelt sich um eine einmalige Vorstellung. " Infos & Tickets.

"Kusama - Infinity" läuft am 25. Januar 2020 einmalig im Alternativkino in Zürich. Bild: Dogwoof

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Yayoi Kusama: Von der Aussenseiterin zum Superstar | Asienspiegel

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Die Japa­ne­rin Yayoi Kusa­ma ist einer der erfolg­reichs­ten Künst­le­rin­nen unse­rer Zeit. Ihre Kar­rie­re umspannt über sie­ben Jahr­zehn­te. Mit ihren Male­rei­en, Skulp­tu­ren, Mode­ar­bei­ten und raum­fül­len­den Kunst­in­stal­la­tio­nen hat sie die Pop-Art- und Mini­ma­lis­mus-Kunst ent­schei­dend geprägt. Ihre far­big gepunk­te­ten Kür­bis­se und die Infi­ni­ty-Spie­gel­räu­me sind welt­weit bekann­te Mar­ken­zei­chen und Lieb­lin­ge des Insta­gram-Zeit­al­ters.

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Berlinische Galerie: Michael Sailstorfer. Forst - Vattenfall Contemporary 2012

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Angebote für zu Hause - Bauhaus-Archiv | Museum für Gestaltung, Berlin

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Mit diesen Angeboten könnt ihr das Bauhaus von zu Hause aus entdecken: