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Les recherches sont copieuses pour les deux derniers spectacles (Kant et Pilletta) et vos navigations web ont l'air fructueuses. Mais ces recherches restent toutes assez identiques et ne portent que sur les spectacles eux-mêmes : ne pouvez-vous pas envisager d'entamer des recherches sur les thématiques reliées aux spectacles ou sur leurs formes par exemple ? Cela vous aidera également pour les prochaines analyses

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Les recherches personnelles sont effectuées sérieusement. Il manque toutefois le média libre et les compte-rendus des rencontres. Rosas dans rosas ne faisait pas partir de la programmation de ce cours.

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OUR DAILY PERFORMANCE - Giuseppe Chico & Barbara Matijevic - captation intégrale VOSTFR

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Une captation des films de l'éphémère, www.ephemere.eu

Création de Giuseppe Chico et Barbara Matijevic

Avec Camila Hernandez, Nicolas Maloufi, Marie Nédélec, Shihya Peng, Pietro Quadrino.

Collaboration dramaturgique​ Julie Valéro
Son et lumière Stéphane Leclercq
Production et diffusion Marion Gauvent
Administration et production Dantès Pigeard
-
Production Premier Stratagème

Coproduction Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, ICI-Centre Chorégraphique National Montpellier-Occitanie/direction Christian Rizzo, Le Pacifique, CDCN-Grenoble, L’avant-Scène Cognac, scène conventionnée danse, La Villette - Résidence d’artiste 2017, La Place de la Danse – CDCN Toulouse-Occitanie, MA scène nationale - Pays de Montbéliard, Le Granit de Belfort

Avec le soutien de DRAC Ile-de-France, ARCADI, Fondation Beaumarchais-SACD, ADAMI, Nouveau théâtre de Montreuil, MC93 — Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, La Briqueterie CDCN du Val-de-Marne, Le Carreau du Temple-Paris

Giuseppe Chico et Barbara Matijevic ont bénéficié de l’aide à l’écriture de la fondation Beaumarchais-SACD en janvier 2017.

OUR DAILY PERFORMANCE
Giuseppe Chico & Barbara Matijevic

Giuseppe Chico et Barbara Matijević confrontent le matériel trouvé dans le monde virtuel d'Internet et la physicalité du théâtre. La pièce se concentre sur les tutoriels YouTube basés sur les pratiques corporelles que les gens développent afin d'entraîner, de protéger, d'enseigner, de soigner et de défendre leurs corps.

Ces tutoriels sont utilisés comme des actes performatifs en soi, tels des samples linguistiques et corporels tournant sur les platines de la réalité, créant de nouvelles métaphores du corps social contemporain.

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Par Wilson Le Personnic. Publié le 18/06/2018

Depuis dix ans, le couple italo-croate Giuseppe Chico et Barbara Matijevic développe un travail qui met en exergue des connexions troubles entre le réel et la fiction, revendiquant les nouvelles technologies et Internet comme un creuset fertile dans lequel ils puisent les matériaux de leurs recherche. Leur pièce Forecasting (2014) explorait les possibles fictions entre l'écran d'ordinateur et le corps réel de l'interprète. " Nous aimons travailler avec le quotidien, transformer des documents et des archives, faire dialoguer ironie et tragédie. Notre travail est une sorte de slapstick de science fiction, nous essayons de faire surgir de nouvelles formes à partir de celles qui sont à première vue reconnaissables..." déclare Giuseppe Chico, avant de conclure " On ne fait pas un travail analytique, nous aimons inventer de la réalité ".

Dans leur précédente pièce I've never done this before, le duo s'attelait déjà à la mise en scène de pratiques amateurs DIY ( do it yourself) à partir de vidéos postées sur YouTube dans lesquelles des anonymes - des bricoleurs du dimanche, précise Giuseppe Chico - réalisent des tutoriels d'objets bidouillés dans leur salon. Devenue en moins d'une décennie un temple du savoir 2.0 en accès libre, la plateforme en ligne Youtube héberge désormais plusieurs milliards de vidéos. C'est dans ce terrain de jeu universel que Giuseppe Chico et Barbara Matijevic puisent les matières premières de leurs recherches, construisant les charpentes de leurs performances.

Aujourd'hui, des millions de personnes se servent de Youtube pour partager, diffuser et mettre en représentation leurs savoirs et leurs pratiques à travers des tutoriels. Qu'elles soient visionnées par des centaines ou des millions de personnes, ces vidéos abondent et se généralisent en ligne. Si Youtube est désormais un média intimement intégré à notre vie, son caractère mainstream refroidi encore les artistes, constate Barbara Matijevic : " Il y a toujours une sorte de tabou autour de Youtube de la part des artistes, comme si Youtube était encore considéré comme quelque chose de banal, une plateforme ne contenant que des vidéos futiles ou divertissantes... C'est comme si la navigation sur Youtube banalisait la recherche et restait beaucoup moins noble que de faire des recherches dans des archives ".

Dans la continuité de leur précédente création qui puisait déjà dans ce grand catalogue en ligne, le duo continue d'explorer le dédale que représente Youtube. Si le rapport à la technologie et à l'objet était central dans leur deux précédentes performances, leur nouvelle création Our Daily Performance se recentre principalement autour du geste et de la parole. Le duo déclare d'ailleurs avoir eu besoin de revenir à une forme plus simple, de vider le plateau et de ne travailler qu'" avec des corps ". Alors que les précédentes performances mettaient systématiquement Barbara Matijevic seule en scène, cette nouvelle création réunit pour la première fois plusieurs interprètes au plateau. " Nous n'avons toujours travaillé qu'en duo, ce projet nous a également permis de sentir comment notre univers était partageable " souligne la performeuse. Le duo s'est donc entouré d'une équipe de jeune artistes aux pratiques artistiques très diverses qu'ils ont " déplacé de leur domaine d'expertise ".

À l'instar d'une playlist de tutoriels vidéos en ligne, les performeurs enchaînent de multiples séquences les unes après les autres dans une mise en scène brute, proche du talk-show. Pour créer chacune les vignettes qui composent cette dérive raisonnée sur Youtube, les deux artistes expliquent avoir collecté, regardé et compilé de nombreuses vidéos autour d'un même sujet, élaborant ainsi de multiples tutoriels fictionnels et composites. Le duo raconte d'ailleurs avoir demandé également aux comédiens de " tutorialiser " leurs propres savoirs à destination des autres interprètes pendant les répétitions, pour permettre un partage des compétences et des savoir-faire, comme si la méthode de travail devait aussi se penser à l'ère des pratiques numériques.

Savamment orchestrée, la sélection réunit des micro-récits stupéfiant ( Kick for Jesus, arts martiaux pour chrétiens), plus tragiques (S'enfuir en cas de viol), insistant sur l'esprit de communauté (Exercices de percussions corporelles en entreprise), créatifs (Comment écrire un rap à partir d'une collection de tweet), cocasses (Fitness en couple, spécial saint Valentin) ou astucieux (Chute à domicile, ou comment bien tomber à domicile), etc. Entre humour et gravité, sérieux et ironie, les vignettes - toutes saisies avec justesse au fil de cet exercice de distanciation teinté d'humour - s'enchaînent et sont, par frottement, productrices de nouveaux sens. Loin de l'idée d'envisager cette playlist comme un protocole strict à suivre, les deux artistes tentent en effet de déplacer - de tordre - les micro-récits qui en émanent pour en forger de nouveaux. En agençant brillamment ces différents tableaux, en jouant des accords et des contrastes par leur sujets et leurs (op)positions, Giuseppe Chico et Barbara Matijevic portent un regard singulier sur l'absurde du quotidien et révèlent avec brio une inframince profondeur tragique et une certaine poétique de la banalité.
Vu à la MC93 Bobigny dans le cadre des Rencontres chorégraphiques. Création de Giuseppe Chico et Barbara Matijevic, avec Camila Hernandez, Nicolas Maloufi, Marie Nédélec, Shihya Peng, Pietro Quadrino. Son et lumière : Stéphane Leclercq. Photo © Matthieu Edet. 10 janvier 2019, MA Scene Nationale, Montbéliard
15 et 16 janvier 2019, Hexagone, Scène Nationale Arts Sciences, Meylan
26 mars 2019, L'Avant-Scène Cognac

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Barbara Matijevic & Giuseppe Chico, Our daily performance - MA CULTURE

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Depuis dix ans, le couple italo-croate Giuseppe Chico et Barbara Matijevic développe un travail qui met en exergue des connexions troubles entre le réel et la fiction, revendiquant les nouvelles technologies et Internet comme un creuset fertile dans lequel ils puisent les matériaux de leurs recherche.

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Par Céline Gauthier. Publié le 13/11/2017

Véritable monument de la danse flamande, créée à Bruxelles en 1983, Rosas Danst Rosas fut considéré comme l'acte fondateur de l'imaginaire gestuel de la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker. La pièce, composée pour quatre danseuses qui répètent sans relâche pendant près de deux heures des séquences de gestes élémentaires, atteste de l'influence minimaliste sur sa composition et ses harmonies rythmiques, ici soulignées par la musique sérielle de Thierry De Mey.

Dans le faible éclat d'une lumière en contre-plongée un panneau de lames argentées miroite d'un reflet métallique. De part et d'autre du plateau aux cintres apparents, seulement habité d'un amas de chaises retournées, deux rangées de rideaux noirs, des miroirs apposés au ras du sol : une mise en scène sobre et dépouillée pour la danse délicate de Rosas Danst Rosas.

La danse est régie par une composition rigoureuse de lignes et de figures géométriques qui permet au quatuor de développer des jeux d'unissons et de contrepoint d'une absolue clarté, au fil d'une chorégraphie ciselée en quatre parties, comme autant de manières d'occuper l'espace scénique et d'éprouver différents registres de gestes. À un long prologue au sol, en fond de plateau, succèdent trois tableaux : l'un est orchestré par des alignements de chaises, les suivants dessinent sur la scène des lignes orthogonales, méthodiquement tracées par les pas des danseuses et rehaussées par les boucles rythmiques d'une partition musicale aussi entrecoupée d'un silence épais, sous lequel pourtant affleure une musicalité toujours latente.

La partition dansée, abstraite en apparence, est pourtant constituée d'une succession de petits gestes, de brèves postures directement puisées dans nos gestes les plus quotidiens : un port de tête, une main qui effleure le menton, mais ici tant répétées qu'elles abolissent leurs fonction usuelle pour n'appeler qu'à la seule contemplation de l'étrange qualité des gestes que les danseuses déploient, où l'harmonie rythmique se mâtine de fugaces contretemps. Leurs gestes, initiés par de petites touches très électriques - un brusque hochement de tête, une oscillation fluide du dos - semblent ne jamais complètement s'arrêter mais demeurent toujours un instant suspendus : elles roulent au sol et se redressent d'un élan brusque, pourtant sans saccades, comme elles-mêmes happées par le long souffle qu'elles expirent à cet instant ; elles marquent d'une suspension l'équilibre qu'elles atteignent puis plongent de nouveau.

Ici affleure un travail singulier de l'amorce du geste et de sa chute pour que dans l'intervalle le mouvement s'étire, dans un continuum linéaire ou un doux balancier qui parfois se dérobe dans un bref tournoiement. Les séquences se succèdent, hypnotiques car les gestes apparaissent légers, aériens, précisément à l'instant où ils semblent appeler un appui.

D'une simple ligne tracée au sol par un faisceau lumineux les danseuses virevoltent d'un demi-tour initié par le fléchissement du genou et l'engagement de la hanche sous le bassin ; la pointe du pied devient le pivot d'une rotation où l'axe gravitaire défie sans relâche la force centrifuge. Cependant la rigueur de leurs gestes et la précision de leur orientation spatiale sont adoucies par les tuniques fluides dont elles sont vêtues, qui lissent le relief des corps, tandis que les plis du tissu soulignent la puissance des torsions qui les traversent.

Rosas Danst Rosas est orchestrée à la manière d'une imposante mécanique, fine et implacable. L'esthétisme des lignes et la pureté figurale des danseuses se conjugue dans l'harmonie visuelle autant que musicale d'une danse lisse et sans accrocs. Le regard s'y fond avec torpeur, parfois contemplatif, happé par une écriture scénique resserrée autour de quelques gestes.
Vu au Théâtre de l'Agora, scène nationale d'Évry et de l'Essonne. Chorégraphie Anne Teresa De Keersmaeker. Avec Laura Bachman, Léa Dubois, Anika Edström Kawaji, So Ratsifandrihana. Photo © Anne Van Aerschot.

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Rosas danst Rosas, Anne Teresa De Keersmaeker - MA CULTURE

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Véritable monument de la danse flamande, créée à Bruxelles en 1983, Rosas Danst Rosas fut considéré comme l'acte fondateur de l'imaginaire gestuel de la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker. La pièce, composée pour quatre danseuses qui répètent sans relâche pendant près de deux heures des séquences de gestes élémentaires, atteste de l'influence minimaliste sur sa composition ...

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Spectacle de danse / vidéo / burlesque

Fatigue, stress, mauvaises postures, notre corps est malmené au quotidien, dans notre manière de travailler ou de nous déplacer. Mais pour y remédier, l'entreprise Ergonomics a des solutions. Elle nous promet un maximum de confort, de sécurité et d'efficacité pour nos corps dans le futur pour peu que nous mettions en pratique ses conseils...

Ergonomics est une fausse " entreprise innovante " qui reprend et détourne les codes du discours " start-up " et " innovation ". Au cours d'une conférence dansée et burlesque, où les spectateurs sont invités à participer, l'étrange équipe d' Ergonomics vend ses services, avec un goût certain pour l'absurde et l'ironie.

Vidéo : Cie Pulso

Ergonomics est un spectacle " l'Ergoconference ", une conférence dansée qui met en scène le corps urbain et une installation vidéo " Le Guide pratique des usages du corps dans l'espace public ".

L'enjeu formel de Ergonomics, est comme celui de nombreuses œuvres d'art contemporain, celui d' " exhiber ", en prenant part à l'inquiétude contemporaine le monde tel qu'il est. Dans cette sorte de "réalisme" naturalisé en pleine évolution des technosciences et des nouveaux modes de marketing, réside une fonction élémentaire de l'art, une fonction amorale - s'il en est - incontestablement nécessaire au corps social. Ergonomics est un projet transmedia qui dans son processus de recherche/création prend la forme d'un laboratoire de recherche participatif " Ergolab ". Avec Ergonomics nous souhaitons soulever la problématique de l'avenir de nos corps et de nos villes à l'ère numérique. Rocio Berenguer cherche parmi cette esthétique burlesque, à rendre visible l'absurde, notre absurde, apprendre à l'identifier et à en rire pour le transformer ou l'accepter, mais au moins, le partager.

///Ergonomics, une exploration du Corpsurbain

Ergonomics est tout d'abord un laboratoire de recherche participatif nourri des expériences de terrain, des travaux avec les chercheurs, urbanistes, architectes et des échanges avec le public. Il prend la forme d'une installation vidéo "Le guide pratique des usages du corps dans l'espace public" et d'une conférence dansée qui met en scène le corps urbain.
L'Ergoconference est une conférence dansée qui met en scène le "corps urbain", et qui invite les spectateurs à participer activement au déroulement du spectacle. Chorégraphier le corps du public pour mettre en jeu la normalisation des corps. Tout un travail qui cherche à définir le "corps urbain" actuel : un corps-anonyme, un corps-discours , un corps-objet, un corps-social, un corps-cyborg, un corps-symbole, un corps-protocole...

Crédit photos : Cie Pulso

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Spectacle de danse / vidéo / burlesque Fatigue, stress, mauvaises postures, notre corps est malmené au quotidien, dans notre manière de travailler ou de nous déplacer. Mais pour y remédier, l'entreprise Ergonomics a des solutions. Elle nous promet un maximum de confort, de sécurité et d'efficacité pour nos corps dans le futur pour peu que nous mettions en pratique ses conseils...

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Ergonomics : une réflexion artistique autour du smart body

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Ergonomics : une réflexion artistique autour du smart body

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La révolution numérique modifie notre environnement. Et si elle pouvait aussi faire évoluer notre corps, pour nous rendre plus adaptés au monde d'aujourd'hui ? C'est le pari d'Ergonomics, une start-up engagée dans l'émancipation des générations futures, numéro 1 du marché de l'innovation sociale et du design humain. C'est du moins ce qu'on peut lire sur son site. En réalité, Ergonomics est un projet artistique qui vise à réfléchir à l'adaptation de nos corps face à l'urbanisme connecté et aux dérives du phénomène.
" Ergonomics est une prise en main consciente et proactive de l'évolution de notre espèce ". Étalée en lettres capitales sur le site de la start-up, la phrase aurait été prononcée par Jos Valiente, CEO. Il s'agit en réalité d'un pseudonyme adopté par Rocio Berenguer, co-créatrice du projet avec Marja Christians. Elle explique avoir créé ce personnage " comme interface de communication "afin d'être conviées à " des rencontres qui traitent de la Smart City et toucher ce public particulier ", comme le rapportent nos confrères de Digital-Arti Mag. Après avoir participé à certains événements de ce type, le projet a évolué : " ce n'est pas une économie viable. Nous avons dû faire des compromis et nous produire en tant que spectacle. "
Vers l'optimisation personnelle
Les 10 et 11 février derniers, Ergonomics a ainsi participé au Festival " Sors de ce corps ! " à la Gaîté Lyrique. Ce spectacle-conférence prend la forme d'une présentation marketing des innovations de la fausse start-up. Pour s'adapter aux nouveaux environnements urbains et technologiques, une évolution biologique serait nécessaire. Ergonomics propose donc un " S mart Body Training Protocol ", en reprenant les codes de beaucoup de projets actuels liés au numérique. Le smartphone est ainsi omniprésent et le discours encourage la rentabilisation de son être, la gestion de son image, l'optimisation personnelle.
Dénoncer les dérives des nouvelles technologies
La conférence est animée par deux hôtesses (les fondatrices du projet) et accompagnées d'un danseur de talent, Patric Sean Gee-Hou Kuo. Ensemble, ils incarnent leur conception du smart body : rigidité des gestes, sourire en coin, poses artificielles, etc. " L'urbanisme chorégraphie le corps des citoyens, les objets technologiques chorégraphient notre gestuelle quotidienne. J'ai eu envie de chorégraphier le corps de spectateurs pour mettre en évidence cette relation ", précise Rocio Berenguer. Ce spectacle à la croisée des genres a donc pour but de pointer les dérives et l'absurdité de certains comportements humains, dictés par le progrès technologique et l'ère numérique.
Les technologies changent notre vision du monde
Au-delà des comportements, Ergonomics dénonce aussi les entreprises du numérique qui diffusent une certaine conception du monde. Selon Rocio Berenguer, " [l]es outils technologiques, comme Google par exemple, transmettent des valeurs. Ils nous montrent une façon de voir le monde, de s'y relier. Ils changent aussi notre vision de nous-mêmes. " Le spectacle s'adresse donc au public comme à des clients potentiels, susceptibles d'être séduits par ce que vantent les hôtesses qui animent le show.

Pour mettre le projet sur pied, Rocio Berenguer et Marja Christians ont commencé par analyser les corps en milieu urbain, à travers des enquêtes, des entretiens et d'autres observations. Elles ont ainsi peu à peu constitué un catalogue de postures pour nourrir leur spectacle. Leurs recherches vont être rassemblées dans un Guide pratique du corps dans l'espace public, réalisé en collaboration avec d'autres chercheurs. Le recueil ainsi formé sera publié au format papier ainsi que sous forme d'une interface numérique à l'automne 2018. D'ici là, vous pouvez retrouver l'agenda des prochaines représentations de ce spectacle à la croisée des genres via la page dédiée du site d'Ergonomics.

- Raphaël Dahl

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Ergonomics : une réflexion artistique autour du smart body

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La révolution numérique modifie notre environnement. Et si elle pouvait aussi faire évoluer notre corps, pour nous rendre plus adaptés au monde d'aujourd'hui ? C'est le pari d'Ergonomics, une start-up engagée dans l'émancipation des générations futures, numéro 1 du marché de l'innovation sociale et du design humain.

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Une conférence dansée participative

www.ergonomicscorporate.com

Ergonomics, interroge les caractéristiques actuelles du corps urbain afin de proposer des solutions pour le corps futur. Quelles adaptations et quels usages du corps se projettent dans l'espace d'une ville intelligente du futur? L'équipe d'Ergonomics imagine une fiction chorégraphique qu'elle inscrit dans le contexte de l'innovation en entreprise, questionnant les nouvelles stratégies du marketing, détournant le discours des start-up... un spectacle de danse-théâtre particulier.

Avec ERGONOMICS, Rocio Berenguer propose une exploration décalée et critique des thématique contemporaine du corps futur, du corps urbain, de la Smart City et des clichés de l'innovation à l'heure du tout numérique.

Direction, Auteur et Chorégraphe -Rocio Berenguer, Mise en scène et danseuse - Marja Christians, Danseur - Patric Sean Gee-Hou Kuo et Kevin Table, Graphisme -Gregoire Bellot, Chercheuse et Danseuse -Sarah Fdili Alaoui, Chercheur, développement et interprète - Ignacio Avellino, Cameraman -Hector di Napoli et Nayan Ducruet, Composition musicale et régie - Léopold Frey, Sound design / vidéo Smartbody - Cubenx, Régie - Sylvain Delbart . Collaborateurs : Frédéric Bechet, Benoît Favre, Marc-Williams Debono, Isabel Schwenk, Lucie Brochard et Mathilde Ramadier .

Soutien de L'ADAMI, La ville de Marseille, DRAC et Région Paca, le CAC Danse Région PACA, La Diagonale, Saclay, Décalab et le CDA, D'Enghien-les-Bains, Paris. CobraCobra Theater. n+n Corsino, scene44.

A participativedanse conference

Ergonomics, question the current characteristics of the urban body to propose solutions for the future body. What adaptations and which uses of the body in the future smartcity? The team of Ergonomics imagines a choreographic fiction, in the context of an innovation company, questioning the new strategies of the marketing, replaying the discourse of start-up ... a particular show of dance-theater.

With ERGONOMICS, Rocio Berenguer proposes a shifted and critical exploration of the contemporary themes of the future body, the urban body, the Smart City and the clichés of the innovation at the time of the all-digital.

Direction, Author and Choreographer - Rocio Berenguer , Staging and dancer - Marja Christians , Dancer - Patric Sean Gee-Hou Kuo and Kevin Table , Graphic design - Gregoire Bellot , Researcher and Dancer - Sarah Fdili Alaoui , Researcher, development and interpreter - Ignacio Avellino , Cameraman - Hector di Napoli andNayan Ducruet , Music and composition - Léopold Frey , Sound/video Smartbody - Cubenx , Stage manager - Sylvain Delbart . Collaborators: Frédéric Bechet, Benoît Favre, Marc-Williams Debono, Isabel Schwenk, Lucie Brochard and Mathilde Ramadier.

ADAMI, La ville de Marseille, DRAC et Région Paca, le CAC Danse Région PACA, La Diagonale, Saclay, Décalab et le CDA, D'Enghien-les-Bains, Paris. CobraCobra Theater. n+n Corsino, scene44.

Video du spectacle / Ergonomics

Article Danse Canal Historique /E

Article Lettres numériques / Ergonomics

Article Digitalarti / Ergonomics
twitter / @ergonomics2017 Facebook / @ergonomics2017

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FR ERGONOMICS Une conférence dansée participative Création 2017/18 www.ergonomicscorporate.com Ergonomics, interroge les caractéristiques actuelles du corps urbain afin de proposer des solutions pour le corps futur. Quelles adaptations et quels usages du corps se projettent dans l'espace d'une ville intelligente du futur? L'équipe d'Ergonomics imagine une fiction chorégraphique qu'elle inscrit dans le contexte de l'innovation...

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Titre de la représentation : ErgonomicsL’auteur : ROCIO BERENGUER

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Titre de la représentation : ErgonomicsL’auteur : ROCIO BERENGUER

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N'oubliez pas d'écrire sous format word ou ont la prochaine fois pour que je puisse VOUS CORRIGER

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Commentaires sur les recherches personnelles

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Commentaires sur les recherches personnelles

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Elles ne sont clairement ni assez nombreuses ni assez pertinentes. J'attends un effort conséquent de ce côté là pour la prochaine session

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Our Daily Performance - Notre performance quotidienne

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Notre performance quotidienne | Lycée Polyvalent Vaucanson - Grenoble

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Les lycéens des classes UPE2A et de première BAC PRO SN (Systèmes Numériques) ont assisté, le 15 janvier/2019, à la pièce de théâtre "Notre performance quotidienne" de Giuseppe Chico et Barbara Matijevic, au théâtre de l'Hexagone (scène nationale d'arts et sciences).

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Notre performance quotidienne organisé par HEXAGONE SCÈNE NATIONALE ARTS SCIENCES

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Notre performance quotidienne organisé le mardi 15 janvier par HEXAGONE SCÈNE NATIONALE ARTS SCIENCES à Meylan, Hexagone scène nationale arts sciences

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La création en cours de Giuseppe Chico et Barbara Matijevic a changé de nom depuis la parution de la plaquette janvier-juin du Pacifique. How to perform a nation devient Our Daily Performance.
L'anthropologie nous a appris combien les êtres humains ont développé depuis toujours des habitudes et des rituels particuliers qui ont permis de créer du lien entre des personnes qui n'avaient pas grand-chose en commun. Au sommet de cette liste, il y a le fait de chanter, de danser et de partager un repas ensemble.

Aujourd'hui, des millions de personnes partagent leur façon de chanter, de danser mais aussi de construire, de guérir, de faire de l'exercice, d'apprendre à se défendre, de décorer leur maison ou de jouer d'un instrument à travers des vidéos en ligne appelées tutoriels.

Dans leur nouvelle création, Giuseppe Chico et Barbara Matijevic abordent les tutoriels en ligne comme le nouveau rituel social permettant la formation de communautés virtuelles, de tribus à grande échelle basées sur un intérêt partagé pour une activité humaine particulière. Elles peuvent se former autour des pratiques les plus banales comme les plus sublimes, évoluant sans cesse selon les histoires que les individus se racontent sur eux-mêmes.

Au centre de ce storytelling aux proportions épiques, Barbara Matijevic et Giuseppe Chico placent le corps humain, - le corps pris dans des rituels d'apprentissage rythmés par la parole : ses cadences, ses chutes, ses ouvertures métaphoriques et ses fictions sous-jacentes.

Dans cette nouvelle création, cinq performers d'horizons très divers vont mettre en scène leurs expériences de vie et leur corps au service de tutoriels. En jouant sur les effets de fragmentation, de mélange, d'assortiment et de simultanéité, Barbara Matijevic et Giuseppe Chico vont explorer l'interface entre le rituel et le théâtre, entre le drame social et l'esthétique, entre l'anthropologie numérique et la poésie.
Barbara Matijevic et Giuseppe Chico s'amarrent au Pacifique pour une résidence immersion. Pour en découvrir plus sur leur travail et leurs différents rendez-vous au Pacifique c'est ici.
Bien que les racines artistiques se situent dans la danse pour Barbara Matijevic et le théâtre pour Giuseppe Chico, leur collaboration artistique naît de leur intérêt commun pour la performance et les arts plastiques. Leur démarche s'articule autour d'un processus de réappropriation des événements historiques et contemporains, à partir de documents publiés, créés, détournés et décontextualisés, établissant une relation ambiguë avec la réalité. Puisant dans la culture populaire, l'art, la science, les jeux vidéo, le cinéma et la musique, ils construisent de nouveaux modes narratifs entre le documentaire et la fiction tels deux ethnologues de la toile internet.

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La création en cours de Giuseppe Chico et Barbara Matijevic a changé de nom depuis la parution de la plaquette janvier-juin du Pacifique. How to perform a nation devient Our Daily Performance. L'anthropologie nous a appris combien les êtres humains ont développé depuis toujours des habitudes et des rituels particuliers qui ont permis de créer ...

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Our Daily Performance
De Giuseppe Chico et Barbara Matijevic
Création juin 2018 à la MC93 dans le cadre des Rencontres chorégraphiques de Seine-Saint-Denis
Avec Camila Hernandez, Nicolas Maloufi, Marie Nédélec, Shihya Peng et Pietro Quadrino
Assistante dramaturgie : Julie Valéro
Lumière : Stéphane Leclercq
Administration et production : Marion Gauvent et Dantès Pigeard

# data[].attributes.attachment_link.title
Our Daily Performance | Matthieu Edet Photographie

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Our Daily Performance De Giuseppe Chico et Barbara Matijevic Création juin 2018 à la MC93 dans le cadre des Rencontres chorégraphiques de Seine-Saint-Denis Avec Camila Hernandez, Nicolas Maloufi, Marie Nédélec, Shihya Peng et Pietro Quadrino Assistante dramaturgie : Julie Valéro Lumière : Stéphane Leclercq Administration et production : Marion Gauvent et Dantès Pigeard

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Pour faire entendre ce texte et ses questionnements face à l'univers infini, Émilie Anna Maillet a imaginé un dispositif immersif sous la forme d'un triptyque, mêlant procédé holographique de magie nouvelle et vidéo 3D.

Plus d'infos

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Kristoffer a huit ans, un pyjama rouge et une fusée dessinée sur le mur de sa chambre, et il sait bien qu'il devrait être en train de dormir. Mais au lieu de s'endormir ou de se laisser aller à lire le magazine de Mickey, il est pris de vertiges face à l'immensité de l'univers et à l'infini des questionnements.

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#Constellation transmédia #La Chambre de Kristoffer #Le Labyrinthe cosmogonique #Le Rêve du géant
Texte de Jon Fosse
Mise en scène Emilie Anna Maillet

→ Spectacle en salle, Théâtre, Arts Numériques & Hologrammes, à partir de 8 ans

Kant est le volet central de notre Constellation transmedia. Il s'agit d'une expérience collective.
Kant de Jon fosse est un conte philosophique qui aborde les peurs d'un garçon face à l'immensité de l'univers. L'enfant invente alors sa propre cosmogonie, une origine du monde, une explication. Pourtant, le vertige demeure. Son père lui parle alors de Kant et de notre impossibilité à tout comprendre. Grandir n'est-ce pas apprivoiser ses peurs et ses doutes ?

Mêlant astronomie, cosmologie, rêves et cauchemars, la pièce de Jon Fosse aborde dans une grande simplicité les questions philosophiques et les doutes existentiels qui surgissent dans l'enfance.
Pour éprouver ces questionnements, nous utilisons un dispositif holographique et la création 3D qui suscitent des troubles optiques et plongent le spectateur dans un univers métaphorique et pictural semant le doute quant au réel.

La poésie visuelle immersive prend alors tout son sens, en résonance avec la musicalité des mots de Jon Fosse et la création sonore. L'écriture de Fosse devient la structure musicale et rythmique des interrogations métaphysiques de l'enfant.

É quipe
Texte : JON FOSSE - Traduction : TERJE SINDING, L'Arche Editeur - Mise en scène, conception & scénographie: EMILIE ANNA MAILLET - Acteur : RÉGIS ROYER ou Guillaume HINCKY - Compositeur : DAYAN KOROLIC - Création vidéo : MAXIME LETHELIER - Régie vidéo : MAXIME LETHELIER ou CAMILLE COTINEAU - Création lumière et régie générale : LAURENT BEUCHER - Régie et spatialisation son : JEAN-FRANCOIS DOMINGUES - Construction : SIMON MAURICE - Régie plateau : CLARISSE SELLIER et SIMON MAURICE ou MICKY JACK - Création graphique 3D : ADRIEN GENTILS, JOSEPH SAJOUS, RAPHAËL DE PARIS, THÉO RAMBUR - Assistantes à la mise en scène : LÉA CARTON DE GRAMMONT et CLARISSE SELLIER

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Constellation transmédia #La Chambre de Kristoffer #Le Labyrinthe cosmogonique #Le Rêve du géant Texte de Jon Fosse Mise en scène Emilie Anna Maillet → Spectacle en salle, Théâtre, Arts Numériques & Hologrammes, à partir de 8 ans Kant est le volet central de notre Constellation transmedia. Il s'agit d'une expérience collective.

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Le Grand Bleu en collaboration avec la maison Folie Beaulieu de Lomme
accueille la compagnie Ex Voto a la Lune.

Grandir, c'est peut-être savoir se confronter aux questions philosophiques et existentielles. Pour remuer ces interrogations, Émilie Anna Maillet a créé trois formes (un spectacle et deux installations interactives) pour mieux nous immerger dans une expérience multisensorielle croisant le réel et le virtuel. Le spectateur plonge dans un univers métaphorique, pictural et musical qui sème le doute quant à ce qui est réel et ce qui ne l'est pas... pour s'initier à la philosophie grâce à des outils technologiques - comme autant de machines à rêver.

kant
jon fosse, émilie anna maillet

Théâtre, Arts numériques - Dès 8 ans - Durée : 50 minutes

Un conte philosophique sur l'immensité de l'univers et le vertige de l'infini.

Le soir, quand il est seul dans sa chambre, Kristoffer reste éveillé et il pense. Des fois, il pense à l'univers. Mais c'est quelque chose qu'il n'arrive pas à comprendre. Comment l'univers pourrait-il être infini ? Pourtant, tout a une fin, tout a un bord, à un endroit ou à un autre. Non ? Et si l'univers a une fin... alors, qu'est-ce qu'il y a après ? Ces questions simples deviennent existentielles pour le garçon et sèment le doute, la confusion, lui donnent le vertige. Il s'invente des explications, sa propre origine du monde. Mais le trouble demeure.

À travers un texte énigmatique de Jon Fosse, des hologrammes, des projections vidéo et des procédés magiques, le réel et l'imaginaire s'enchevêtrent, pour le garçon comme pour le spectateur.

la chambre de kristoffer
judith guez, emilie anna maillet

Installation, réalité virtuelle - Entrée libre - Tout public - Durée : 4min30 par personne.

Une expérience individuelle vertigineuse, utilisant des images 3D et un casque immersif Occulus Rift. Avec La chambre de Kristoffer, plongez-vous dans une réalité virtuelle - comme si vous étiez véritablement à la place du garçon, dans sa chambre, dans sa tête - au milieu de l'univers. Un voyage à travers le mur de la fiction.

Installation accessible le mercredi 15 mars de 10h à 19h et le samedi 18 mars de 16h à 20h. Inscription sur place par ordre d'arrivée. Pour les groupes, merci de nous contacter au 03 20 09 88 44 ou à billetterie@legrandbleu.com.

labyrinthe cosmogonique
judith guez, emilie anna maillet

Parcours QR code - Gratuit - Tout public.

Le Labyrinthe Cosmogonique est un parcours QR code au sein du Grand Bleu. Le spectateur découvre, cherche, se perd dans les rêves et les métaphores de nos origines (cosmogoniques, cosmologiques, philosophiques...). De quoi continuer à alimenter les questionnements et peut-être même à trouver quelques réponses...

Le parcours QR code est accessible le mercredi 15 mars de 10h à 19h, les jeudi 16 et vendredi 17 mars de 14h à 18h et le samedi 18 mars de 16h à 20h et pendant les représentations du spectacle Kant.

www.exvotoalalune.com
Production Cie EX VOTO A LA LUNE. Avec l'aide à la création de la DRAC Île-de-France, le soutien d'Arcadi Île-de-France, l'aide au développement et à la création du DICREAM, l'aide de la SPEDIDAM et du Conseil départemental du Val d'Oise. Coproduction CDA - SC Art numérique d'Enghien-les-Bains, Le Granit - SN de Belfort, et L-EST - Laboratoire Européen Spectacle vivant et Transmédia en préfiguration. Compagnie en résidence au CDA - SC Art numérique, au Granit - SN de Belfort, à la Gare Numérique, et à la Maison des Arts de Créteil.

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Le Grand Bleu en collaboration avec la maison Folie Beaulieu de Lomme accueille la compagnie Ex Voto a la Lune. Grandir, c'est peut-être savoir se confronter aux questions philosophiques et existentielles. Pour remuer ces interrogations, Émilie Anna Maillet a créé trois formes (un spectacle et deux installations interactives) pour mieux nous immerger dans une expérience multisensorielle croisant le réel et le virtuel.

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"Kant" de Jon Fosse : l'enfant face à l'univers dans un conte high-tech

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"Kant" de Jon Fosse : l'enfant face à l'univers dans un conte high-tech

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Vidéo 3 D, hologrammes... "Kant" a pris un coup de jeune sous la baguette numérique de la compagnie Ex Voto à la Lune. A ce spectacle pour enfants s'ajoutent deux ateliers interactifs. Un tryptique transmedia dont le thème est toujours l'infini.

Reportage : E.Rivallain / Y. Schmitt / P. Gomez

L'univers a-t-il une fin ?

Conte philosophique pour enfants, "Kant" écrit par l'auteur contemporain norvégien Jon Fosse aborde les peurs d'un garçon de 8 ans face à l'immensité et au vertige que celle-ci provoque. L'enfant, qui se prénomme Kristoffer, s'interroge sur l'univers. A-t-il une fin ? Si oui, que se passe-t-il après ?

Du spectacle au labyrinthe cosmogonique

A ces questions métaphysiques, la compagnie francilienne Ex Voto à la Lune répond par un spectacle. Cinquante minutes de vidéo 3 D, d'hologrammes à partir du texte de Jon Fosse. A la fin de la pièce, ce voyage entre réalité et fiction se poursuit. Le spectateur est invité à une séquence de 5 minutes dans la chambre de Kristoffer. Une immersion au cœur des doutes existentiels de l'enfant via un casque de réalité virtuelle. Et pour terminer, le jeune public a enfin quelques réponses à la question de la formation de l'univers. Armé de tablettes qui déchiffrent des QR codes, le spectateur parcoure un labyrinthe cosmogonique.

La compagnie Ex Voto à la Lune

La compagnie Ex voto à la Lune a été créée en 2000. Emilie-Anna Maillet en est la directrice artistique. La compagnie est depuis sa création dans une réflexion des formes théâtrales, de la rencontre entre les arts et des différentes relations au public. Le désir de créer une poésie scénographique et une abstraction issue des textes théâtraux pousse la compagnie, depuis 2008, à chercher des outils, des machines à rêver comme l'art numérique, la magie nouvelle, la spatialisation du son.

Lieux et dates des représentations à venir :
Le 29 janvier au Momix Festival (CREA, Kingersheim)
Du 1er au 7 février, AM STRAM GRAM Théâtre (Genève)
Du 9 au 11 mars, Maison des Arts et de la Culture de Créteil

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"Kant" de Jon Fosse : l'enfant face à l'univers dans un conte high-tech

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Vidéo 3 D, hologrammes... "Kant" a pris un coup de jeune sous la baguette numérique de la compagnie Ex Voto à la Lune. A ce spectacle pour enfants s'ajoutent deux ateliers interactifs. Un tryptique transmedia dont le thème est toujours l'infini. Reportage : E.Rivallain / Y. Schmitt / P.

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Dans ce livre il se pose la question de ce que nous pouvons connaître.

" Il y a beaucoup de choses qu'on ne comprend pas. Mais je crois que j'ai compris pourquoi je ne comprends rien à l'univers. C'est parce que nous, les humains, nous avons une certaine manière de penser, et nous ne pouvons pas tout comprendre avec notre manière de penser. C'est parce que nous sommes des humains que nous ne comprenons pas, à mon avis. Et j'ai lu des livres d'un homme qui s'appelle Kant, et après les avoir lus j'ai un peu mieux compris pourquoi je n'arrivais pas à tout comprendre. Il y a des choses que nous ne comprenons pas à cause de notre manière de penser. " Extrait de " Kant ", de Jon Fosse.

Ces choses que l'on ne peut pas comprendre, Kant les appelle des antinomies. La première antinomie pose la question : L'univers est-il fini ou infini ?

Si l'univers à une fin, qu'est-ce qu'il y a après la fin de l'univers ? S'il y a quelque chose, c'est qu'il n'est pas fini. Et s'il y a du vide à l'infini, alors l'univers est dans quelque chose d'infini. Il est donc impossible que l'univers soit fini.

Si l'univers est infini, il existe depuis toujours. Ce qui est infini n'a ni début ni fin. Si l'univers est infini, il ne peut pas avoir commencé. Mais pour que l'univers existe, il faut qu'il ait commencé, sinon il n'existe pas. Il est donc impossible que l'univers soit infini.

" Ce n'est pas possible que l'univers continue à l'infini, et ce n'est pas possible non plus qu'il ait une fin. Les deux sont possibles, et ni l'un ni l'autre n'est possible. Et alors il y a beaucoup de choses qui sont possibles. " Extrait de " Kant ", de Jon Fosse.

La manière de penser des humains leur permet simplement de se poser la question : comment est l'univers dans lequel nous vivons ? D'où venons-nous ? Mais l'esprit humain ne peut pas y répondre. Il peut seulement imaginer des réponses possibles.

" Je pense souvent qu'il y a un géant là-bas dans l'univers. Il est si gros que personne ne voit qu'il est là, personne ne sait que le géant est là. [...] Et moi j'existe seulement dans le rêve du géant. " Extrait de " Kant ", de Jon Fosse.

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Dans ce livre il se pose la question de ce que nous pouvons connaître. " Il y a beaucoup de choses qu'on ne comprend pas. Mais je crois que j'ai compris pourquoi je ne comprends rien à l'univers.

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TV CITÉ ROUGE, PARIS 19E
Critique 3'37
Production : Labomatique ©2017

Critique réalisée par les jeunes pour la télévision de quartier TV Cité Rouge.
Nos jeunes reporters de TV Cité Rouge ont été voir la pièce " KANT " par Emilie Anna Maillet & la Cie Ex Voto à la lune. Ils ont interviewé la metteuse en scène du spectacle, l'acteur principal et réalisé une critique du spectacle au théâtre Paris-Villette le samedi 25 février 2017.

Vous retrouverez prochainement l'interview, maintenant place à la critique!

Une initiative proposée par les associations APSV dans le cadre du dispositif Parcourir la Villette, LABOmatique et l'association MSC.

TV Cité Rouge, un projet soutenu par la région Île-de-France, Paris Habitat, la Mairie de Paris, le CGET, la CAF et la Mairie du 19e.

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PARCOURIR LA VILLETTE - KANT - Critique du spectacle

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TV CITÉ ROUGE, PARIS 19E Critique 3'37 Production : Labomatique ©2017 Critique réalisée par les jeunes pour la télévision de quartier TV Cité Rouge. Nos jeunes reporters de TV Cité Rouge ont été voir la pièce " KANT " par Emilie Anna Maillet & la Cie Ex Voto à la lune.

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Le Granit, scéne nationale, Belfort, fiche spectacle

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La Chambre de Kristoffer La Chambre de Kristoffer présentée dans la petite salle est une installation interactive au casque Occulus Rift (casque immersif) et capteur. Une métaphore des doutes existentiels de l'enfant de Kant éprouvés par le spectateur, qui, installé dans un décor de chambre d'enfant, se retrouve immergé dans le même environnement, mais modélisé en trois dimensions.

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Kant de Jon Fosse par Émilie Anna Maillet

Philosophie jeune public pour adultes avertis

Jusqu'au 26/02/2017 au Théâtre Paris Villette | Durée : 1h00 | Pour y aller

Kant est un spectacle philosophique pour enfants à partir de huit ans. Le héros, un homme-enfant en combinaison rouge, essaie de dormir, mais voila, il n'y arrive pas. Le décor virtuel se construit et se déconstruit grâce à des images vidéos. La scénographie se résume à un lit une place. Malgré sa petitesse, cette chambre est encombrée des multiples visions imaginaires d'un enfant qui ne comprend pas. Qu'est ce que l'univers ? Qu'est ce que Kant ?

Pour faire entendre le texte de Jon Fosse, Émilie Anna Maillet a imaginé un dispositif immersif sous la forme d'un triptyque, mêlant procédé holographique de magie nouvelle et vidéo 3 D.

Qui est ce géant de la nuit qui vient, au moment du coucher, s'installer goulûment dans l'espace de sa chambre ? Il y a tout un univers manifeste sur ce tableau noir où sont dessinées à la craie des étoiles, des planètes et des fusées, imaginées par Christopher. Le lit est amovible et les idées de mise en scène pléthoriques et originales. Le plateau se meut de droite à gauche, en tournant. Le lit est rendu très mobile aussi, il est horizontal, vertical, de dos, de face... Il y a de la musique et beaucoup d'effets spéciaux. On est transporté dans plusieurs dimensions. Les personnages du magazine Mickey prennent vie et viennent combattre dans la chambre, c'est un jeu vidéo qui devient réalité.

Mais le jeune garçon ne comprends toujours pas tant de choses. Huit ans, c'est l'âge des questionnements, de la la remise en question de ce que disent les parents. Ici le père est omniprésent, même si, comme dans Godot, on ne le voit pas apparaître sur le plateau. On sent à quel point il est un référent important pour la construction de la personnalité de l'enfant. On parle peu de la mère, qui est de garde dans un hôpital auprès de personnes en phase terminale ; ils ont le cancer.

Une obscurité très présente pendant le spectacle.

Un peu comme des images arrêtées. On voit des étoiles, des constellations projetées sur le plateau qui nous transportent au milieu de l'univers et dans l'espace. On oublie presque le plateau de jeu pour se croire à la projection d'un film plein de stress et d'angoisse. Cela est appuyé par le choix des instrumentaux qui accompagnent le spectacle, qui est loin d'être drôle. Les enfants d'ailleurs ne rient pas : ils sont calmes, attentifs. Peut être ont-ils peur ? On ne sait pas trop. L'atmosphère est plutôt tendue, et Christopher tremble souvent, est stressé et renvoie du mal être. Il a peur de comprendre, de savoir, de dormir, des réactions de son papa, qu'il connaît déjà par cœur.

" Si l'univers a une fin, il y a peut être un géant qui vit derrière... et si on existait que dans le rêve du géant ? " Extrait de Kant de Jon Fosse.

Kant est évoqué à plusieurs reprises, comme quelque chose de compliqué et d'incompréhensible. " Kant ça veut dire mort en norvégien ! ". Voila la définition que l'on donnera de Kant pendant le spectacle. Peut-être les enfants en ressortiront-ils en se disant que Kant est inaccessible, qu'il concerne les adultes ou est synonyme de précipice.

À la fin du spectacle, les applaudissements sont plutôt timides. On se bouscule pour sortir de la salle. Est-ce le signe d'un spectacle qui n'a pas plu ?
Avec qui y aller ? Un cosmonaute, un ordinateur avec des ailes et une bande de questions sans réponses.
" Il y a beaucoup de choses que l'on ne comprend pas, donc ça ne sert a rien d'y penser." Jon Fosse.

Crédit photo : Emilie Anna Maillet

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Kant de Jon Fosse par Émilie Anna Maillet Philosophie jeune public pour adultes avertis

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Kant de Jon Fosse par Émilie Anna Maillet Philosophie jeune public pour adultes avertis Jusqu'au 26/02/2017 au Théâtre Paris Villette | Durée : 1h00 | Pour y aller Kant est un spectacle philosophique pour enfants à partir de huit ans. Le héros, un homme-enfant en combinaison rouge, essaie de dormir, mais voila, il n'y arrive pas.

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Installations autour de Kant - Les immersives 

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Installations autour de Kant - Les immersives 

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Installations autour de Kant - Les immersives 2

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Parcourir la Villette - KANT Rencontre avec la metteuse en scène et l'acteur

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Parcourir la Villette - KANT Rencontre avec la metteuse en scène et l'acteur

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Parcourir la Villette - KANT Rencontre avec la metteuse en scène et l'acteur

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KANT de Jon Fosse - Collectif La Cohorte

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KANT de Jon Fosse - Collectif La Cohorte

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KANT de Jon Fosse - Collectif La Cohorte

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Prix de La Culture et Coup de Coeur de la presse aux Rencontres Internationales de Théâtre Jeune Public de Huy 2016 - Nominé aux Prix de La Critique 2017
"Piletta ReMix" c'est la version live et électronique de "Piletta Louise"

"Piletta ReMix" c'est à la fois un "spectacle" et une invitation à venir découvrir la fabrication d'une fiction radiophonique en direct. Tout y est fait pour et par le son : les comédiens portent des casques, jouent pour et avec les micros. C'est une fiction à écouter/voir, pour découvrir l'envers du décor.
Alors que la version originale, radiodiffusée, comptait une dizaine de comédiens, des bruitages et habillages pré-enregistrés, le tout dans une ambiance musicale folk-rock (guitare, basse, batterie, clarinette...) ; ici, tout (ou presque) se fait à cinq et en direct : narration, chansons, ambiances, bruitages, effets et création musicale.
Pour ce "ReMix" nous avons opté pour une création musicale électronique : boites à rythmes, samplers et autres petites machines et logiciels nous permettant de fabriquer la musique en live en partant des voix, bruitages et ambiances créés sur scène.
C'est un procédé qui permet de montrer la "magie" de la création radiophonique et sonore.

Sur scène, 3 comédiens, 1 électromusicien et 1 ingénieur du son jouent, bruitent, chantent et électromusiquent.

Le synopsis

Piletta est une petite fille de neuf ans et demi qui vit dans une petite maison, au milieu d'une petite pinède, avec avec son père et sa grand-mère, Hannah.
Un soir, celle-ci tombe malade. Piletta, cachée derrière la porte de la cuisine, surprend une conversation qu'elle n'aurait jamais dû entendre, entre son père et le médecin du village. Elle ne saisit pas tout, mais assez pour comprendre que la situation est grave. Le médecin n'est pas très optimiste, et ne voit qu'un remède pour sauver la grand-mère : une fleur rare et éphémère. La fleur de Bibiscus. Cette fleur, comprend Piletta, on ne la trouve que sur les flancs d'une colline éloignée dont elle n'a jamais entendu parlé : la colline de Bilipolis. Et cette fleur, dira le docteur, il faut la ramener avant la prochaine pleine lune : dans trois jours.

Piletta s'étonne alors que, devant l'urgence de la situation, son père reporte son départ au lendemain. La petite fille, folle d'inquiétude et, surtout, de colère, décide de partir elle-même à la recherche de la fleur antidote.

L'équipe

Emilie Praneuf ou Amélie Lemonnier (Piletta)

Benoit Randaxhe ou Sylvain Daï ou Louis Devillers (Père, Tékitoi#1, Homme Fil De Fer, Mme Plomb, Luis, Banquier#1, Karim)

Florent Barat ou Arthur Oudar ou Gaspard Dadelsen (narrateur, Docteur, Tékitoi#2, Banquier#2, Hannah)

Sébastien Schmitz ou Thomas Forst (création musicale live)

Michel Bystranowski ou Jonathan Benquet (mise en ondes live)

Graphisme : Marine Vanhaesendonck / Élise Neirinck
Merci à
Amélie Géhin pour ses conseils lumineux
Le Skeleton Band pour leurs inspirations musicales

Durée : 45/50 minutes

Production/Diffusion : Anne Festraets
dossier de diffusion à télécharger
Email : info@lecollectifwow.be
GSM : +32 (0) 488 451 704

Presse

Photos

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Prix de La Culture et Coup de Coeur de la presse aux Rencontres Internationales de Théâtre Jeune Public de Huy 2016 - Nominé aux Prix de La Critique 2017 "Piletta ReMix" c'est la version live et électronique de "Piletta Louise" "Piletta ReMix" c'est à la fois un "spectacle" et une invitation à venir découvrir la fabrication d'une fiction radiophonique en direct.

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En partenariat avec Le Festival Longueur d'ondes
À partir de 7 ans
Sur le papier, Piletta est une petite héroïne de conte comme beaucoup d'autres. Remplie de peurs, mais prête à les affronter par amour. Sur scène, elle est tout autre chose. Dans Piletta ReMix du collectif belge Wow !, l'enfant qui brave les dangers du monde pour aller chercher la fleur susceptible de guérir sa grand-mère est la protagoniste principale d'une fiction radiophonique interprétée en live par cinq acteurs, bruiteurs, électro-musiciens et mixeurs. Venez découvrir l'envers du décor d'une création radiophonique. Tout y est fait pour et par le son : personnages, musiques, ambiances sonores et bruitages sont réalisés en direct et transmis dans les casques que portent les spectateurs. C'est du théâtre pour les oreilles, ou de la radio pour les yeux. Ou les deux. C'est un conte initiatique. C'est une histoire à écouter et à voir ; une fable noire et pourtant drôle qui se joue des peurs d'enfants et du monde des grands. C'est une performance d'artistes qui donnent vie à treize personnages sous les aléas du direct. Ludique, rare, épatant !

Séance scolaire
mardi 29 janvier à 14h30

Un voyage à faire en famille pour retomber en enfance. Le Monde

distribution

Création collective Collectif Wow !
Avec Emilie Praneuf ou Amélie Lemonnier, Florent Barat ou Arthur Oudar, Benoît Randaxhe ou Sylavin Daï
Musique Live Sebastien Schmitz ou Thomas Forst
Mise en ondes Michel Bystranowski ou Jonathan Benquet

Production : Collectif Wow ! en collaboration avec MoDul asbl - structure d'accompagnement.
Avec l'aide du Ministère la Fédération Wallonie-Bruxelles - direction du Théâtre et du Fonds d'Aide à la Création Radiophonique.

Avec le soutien du Centre culturel Jacques Franck, de Woluculture, de la Compagnie Victor B, de Wallonie-Bruxelles International.

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Piletta ReMix - Le Quartz - Scène nationale de Brest

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En partenariat avec Le Festival Longueur d'ondes À partir de 7 ans Sur le papier, Piletta est une petite héroïne de conte comme beaucoup d'autres. Remplie de peurs, mais prête à les affronter par amour. Sur scène, elle est tout autre chose.

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collectif wow !

Une fiction sonore ébouriffante, qui éveille les oreilles autant que l'imaginaire.

Découvrant que sa grand-mère est malade, une petite fille entame un long périple pour la sauver. En quête de la fleur de bibiscus, elle va surtout devoir affronter un monde inconnu : le monde des grands, et dépasser ses peurs d'enfant. Le scénario de ce conte initiatique, fable inquiétante et drôle à la fois, aurait pu conduire à une pièce de théâtre. Mais l'oralité du texte en a décidé autrement.

Avec Piletta Remix, le collectif belge Wow ! s'est lancé dans une fiction radiophonique live et choisit de mettre autrement le récit en voix et en mouvements. Du théâtre pour les oreilles ou de la radio pour les yeux, la forme n'est pas banale ; elle mêle allègrement narration, musique, chansons, ambiances sonores, bruitages, mixages. Ici, tout est fait par et pour le son, brouillant nos perceptions, donnant à entendre ce qu'on voit, mais aussi ce qu'on ne voit pas. Cette alchimie sur le fil, concoctée en direct pour des spectateurs équipés d'un casque, se réinvente chaque fois. Elle nous dévoile aussi sur scène l'envers du décor et les coulisses de la création sonore.

Piletta Remix est une production du Collectif Wow ! réalisée en collaboration avec MoDul asbl, structure d'accompagnement, avec l'aide du Ministère de la Fédération Wallonie-Bruxelles - direction du Théâtre et du Fonds d'Aide à la Création Radiophonique, mais également avec le soutien du Centre culturel Jacques Franck, de Woluculture, de la Compagnie Victor B et de WBI.

LABO DE CRÉATION PENDANTS LES VACANCES " CRÉATION SONORE ET RADIOPHONIQUE "
Du 18 au 22 février de 10h30 à 12h et de 13h30 à 16h30.
Une initiation de cinq jours à la création radiophonique (interviews, prises de sons, bruitages, mixage) avec deux membres du collectif WOW !

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Une fiction sonore ébouriffante, qui éveille les oreilles autant que l'imaginaire. Découvrant que sa grand-mère est malade, une petite fille entame un long périple pour la sauver. En quête de la fleur de bibiscus, elle va surtout devoir affronter un monde inconnu : le monde des grands, et dépasser ses peurs d'enfant.

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CARRÉ MAGIQUE pôle national des arts du cirque en Bretagne

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Quand la radio se donne en spectacle, ce qu'il y a de formidable, c'est qu'alors tout se voit. Absolument tout. Et c'est une expérience unique. Piletta Remix est un spectacle radiophonique qui s'exhibe en public et assume de montrer ses coutures, ce qui d'ordinaire est caché, les secrets de fabrication, les trucs et les astuces qui n'ont l'air de rien mais créent de grands effets spectaculaires. Cela va d'une voix spectrale qu'amplifie un écho de cathédrale à un bruitage aussi élémentaire que le sifflement d'un ballon à l'hélium dégonflé lentement tout près du micro. Cela va de l'obscurité qui nimbe la scène de mystère à des lumières de boîte de nuit. Rien n'échappe au regard mais ce qui prime, c'est l'oreille. Même si les comédiens, les preneurs de son, les bruiteurs sont là, chacun installé à son poste, on s'abandonne à l'écoute du récit sonore. Il vient se lover au creux de l'oreille pour y délivrer sa musique. Celle d'une petite fille de neuf ans, Piletta, qui décide de partir pour la Colline de Bilipolis où se trouve la plante rare qui soignera sa grandmère. Son chemin est pavé d'embûches mais elle traverse les écueils. Et nous - grands et petits - lui emboîtons hardiment le pas.

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PILETTA REMIX - CARRÉ MAGIQUE pôle national des arts du cirque en Bretagne

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Quand la radio se donne en spectacle, ce qu'il y a de formidable, c'est qu'alors tout se voit. Absolument tout. Et c'est une expérience unique. Piletta Remix est un spectacle radiophonique qui s'exhibe en public et assume de montrer ses coutures, ce qui d'ordinaire est caché, les secrets de fabrication, les trucs et les astuces qui n'ont l'air de rien mais créent de grands effets spectaculaires.

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À l'affiche, Critiques // Piletta Remix, mise en scène au Théâtre des Doms au Festival Off d'Avignon

Juil 26, 2017 | Commentaires fermés sur Piletta Remix, mise en scène au Théâtre des Doms au Festival Off d'Avignon

@ DR

Piletta a surpris une conversation d'adultes. Sa grand-mère, sa Nanette, est malade, et il faut la sauver. C'est décidé, elle va partir à la recherche d'une fleur de " bibiscus ", fameuse plante qui la guérira. La petite fille se lance alors dans un voyage onirique et initiatique, à la découverte du monde, des adultes, et d'elle-même.

Quelle expérience que ce Remix de petite fille. Équipés de casques, on pénètre cette fiction auditive tout doucement pas à pas, et en tendant l'oreille. Face à nous, ils sont cinq, à leurs micros, à leurs instruments, à leurs consoles. Il y aura des lumières intéressantes, à la fois faites pour notre perception du spectacle, mais aussi pour que les artistes puissent voir ce qu'ils créent, ce qu'ils jouent. Il y aura des bruitages, de la musique, et des voix. Il y aura, donc, les coulisses de l'enregistrement d'une fiction radiophonique, univers, que les enfants connaissent peu, et que les adultes ne connaissent pas forcément mieux. Sur scène, pas de mouvements, donc, mais une équipe en travail sonore, en direct, à laquelle on est suspendu. Il faut une telle concentration pour faire parvenir l'histoire bien sûr, mais aussi et surtout pour être ensemble, justes dans les temps et dans les volumes. C'est assez captivant et instructif à regarder, et il y a fort à parier qu'on a rarement vu un spectacle jeune public avec autant de fond.

L'écriture a elle aussi, quelque chose d'étonnant. Les acteurs-musiciens-bruiteurs racontent avec doigté et précision une histoire de voyage imaginaire à travers un monde où les adultes mentent, où tout se vend et où tout s'achète, où on parle d'amour, de mort et de travail d'équipe. En explorant à travers les yeux d'une enfant toutes ces notions, le spectacle devient un vrai conte initiatique, que l'on pourra peut-être trouver un peu ardu dans les thèmes abordés. Même adulte, on est troublé par la poésie insufflée à cette histoire, et par le sérieux avec lequel sont abordés certains thèmes, comme la peur de la mort, par exemple.

C'est très ambitieux, original, et fin dans l'écriture. Encore une fois, difficile de savoir si tout parvient aux petits à partir de 7 ans, à qui est adressé le spectacle. Mais Piletta et tous les autres personnages, parfaitement écrits parviennent complètement à nous emmener dans un univers poétique et exigeant, savant mélange d'électro et d'Émilie Jolie.

Piletta Remix
Texte : Florent Barat
Adaptation et interpretation : Florent Barat, Émilie Praneuf, Benoit Randaxhe, Sébastien Schmitz et Michel Bystranowski
Du 7 au 30 juillet à 13h.

Théâtre des Dom
3 place Pasteur 84000 Avignon
Réservation 04 90 83 28 17
www.collegedelasalle.fr

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Un Fauteuil Pour l'Orchestre - Le site de critiques théâtrales parisien " Piletta Remix, mise en scène au Théâtre des Doms au Festival Off d'Avignon

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À l'affiche, Critiques // Piletta Remix, mise en scène au Théâtre des Doms au Festival Off d'Avignon Juil 26, 2017 | Commentaires fermés sur Piletta Remix, mise en scène au Théâtre des Doms au Festival Off d'Avignon @ DR Piletta a surpris une conversation d'adultes.

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Retour Pilletta Remix + Mamie Traillette et la potion Rajeuniteuse

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Retour Pilletta Remix + Mamie Traillette et la potion Rajeuniteuse

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Retour Pilletta Remix + Mamie Traillette et la potion Rajeuniteuse

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Piletta Remix - Collectif Wow ! (Belgique)

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Par Natacha Gallandat

Une critique sur le spectacle :
Piletta Remix / Texte et mise en scène de la compagnie Le Collectif Wow ! / Théâtre Équilibre-Nuithonie / du 6 au 7 octobre 2018 / Plus d'infos

Piletta Remix est un conte radiophonique pour petits et grands, une histoire racont é e en sc è ne, o ù les effets sonores, cr éé s devant le public, produisent des images mentales qui se substituent à un d é cor mat é rialis é. Obligatoire pour ce voyage, le casque audio, remis au d é but de la repr é sentation, permet à chacun d'accompagner la jeune Piletta dans ses aventures.

Le collectif Wow !, une " tribu, une horde, une bande d'artistes " a imaginé raconter un conte en explorant le son. D'abord enregistrée sous le nom de Piletta Louise (et disponible sur le site internet du collectif), cette histoire destinée aux auditeurs de la Radio Télévision Belge Francophone n'en est pas restée là. Dans cette version recréée pour la scène, elle se love au creux des oreilles et se déroule sous les yeux des spectateurs.

L'intimité se crée dès que le public revêt son casque. Dans la salle, les petites lumières rouges indiquent que tout le monde est prêt. La scène est plongée dans la pénombre. Deux grandes tables pareilles à des tables de studio de mixage se présentent aux spectateurs. Derrière elles sont installés trois des membres du collectif. Au milieu se tiennent les deux comédiens qui prêtent leurs voix aux différents personnages. De petites liseuses éclairent chacun des cinq visages. Commence la magie. S'élève une voix chaude, celle du narrateur, interprété par Florent Barat. En quelques sons, l'histoire prend vie.

Piletta, une petite fille de neuf ans, surprend une conversation très inquiétante au travers d'une porte : sa grand-mère Nanette serait très malade. Seule la fleur, rare, de Bibiscus, poussant sur la colline de Bilipolis, pourrait la sauver. N'écoutant que son courage, la fillette décide de partir en quête de cette fleur inconnue.

Les effets sonores, créés en direct, font surgir objets, mouvements, décors. Un amas de trombones évoque des pièces de monnaies, une carafe vide sert de sourdine, un verre d'eau s'anime en instrument de musique. Cette substitution des sons aux objets ouvre sur un potentiel infini, celui de l'imagination. Le public est happé dans le monde de Piletta grâce à cette construction sonore. La pièce promettait " d'entendre ce qu'on ne voit pas mais aussi de voir ce qu'on n'entend pas " : promesse largement tenue.

Emilie Praneuf prête sa voix à Piletta mais l'incarne aussi entièrement. Derrière son micro, dans le faible halo de lumière, son visage affiche toute une palette d'émotions. Son costume, une salopette rose, est ingénieusement atemporel. A ses côtés se tient Sylvain Daï qui endosse une grande partie des personnages que rencontre Piletta. A chaque fois, il se métamorphose : visage, stature, tout change dans un investissement total à chaque fois renouvelé. Dans la salle, les enfants restent entièrement absorbés pendant les cinquantes minutes du spectacle. Pas un ne bouge, pas un ne s'impatiente.

Le son comme élément central de la pièce, comme moteur de l'imaginaire était un pari risqué à l'heure du " tout écran ", mais il est tenu merveilleusement. Le collectif Wow ! réalise ici une pièce pour tous, en explorant un média parfois oublié avec une créativité technique et un imaginaire onirique qui emportent l'adhésion. Pour ceux qui n'auraient pas eu la chance de vivre ce moment à Fribourg, le spectacle sera de retour pour une seule représentation à Morges le 3 novembre au Théâtre de Beausobre. Courrez-y, avec ou sans enfants.

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Par Natacha Gallandat Une critique sur le spectacle : Piletta Remix / Texte et mise en scène de la compagnie Le Collectif Wow !

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« Les adultes, c’est vraiment des trouillards ! »

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« Les adultes, c’est vraiment des trouillards ! »

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C'est un conte comme bien d'autres : une petite fille découvre le monde, mais pas de la manière la plus facile qui soit. Piletta Louise cherche à sauver sa grand-mère, et elle s'en va comme ça, se battre toute seule contre la mort, en quête d'une fleur rare et vitale. Et pour partir en exploration avec elle, le Collectif Wow ! dévoile l'épopée de Piletta Louise par le biais d'un univers sonore riche et sensible.

La fiction, remixée sur le mode radiophonique, emmène le spectateur dans une expérience délicate et puissante. Les artistes et techniciens jouent du grain de la voix et des possibilités des machines (boîtes à rythmes, samplers et autres logiciels) pour donner vie à ce périple. Ciselé au rythme d'une vocalité ainsi que d'une bande-son très travaillées, le chemin de Piletta Louise est empli de sensations simples et d'émotions complexes qui font mouche.

Le son, cette matière texturée mais invisible, remet en question la mise en scène de cette performance radiophonique en live. Pour donner naissance à ce conte initiatique, il faut baisser les projecteurs, jouer des ombres qui projettent autant d'images que l'imagination en crée, seule, au contact de cette épopée auditive. C'est un feu d'artifice qui se trame dans la pénombre, où se tapissent les artistes. Un spectacle qui pétille dans une semi-obscurité. Le Collectif Wow ! joue de la simplicité de son récit et de l'ingéniosité de sa mise en scène pour se resserrer sur l'essentiel : les sentiments divergents, virevoltants, les impressions diverses et variées par lesquelles passe la petite fille dans sa quête extraordinaire. Un univers d'enfant loin d'être enfantin, où l'on apprend que les adultes, eux, sont des trouillards.

" Piletta remix " est une invitation tendue par les artistes au public ; créer par le son, pour la beauté du son, en se soumettant aux aléas du direct. C'est une pièce qui joue d'une sensibilité toute lyrique, grattant la corde fine des sentiments et des perceptions. Un petit bijou sincère et technique, où la machine vient au secours du récit et illumine la voix ; où la voix n'est qu'un instrument comme un autre, au service du texte.

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" Les adultes, c'est vraiment des trouillards ! " - I/O Gazette

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C'est un conte comme bien d'autres : une petite fille découvre le monde, mais pas de la manière la plus facile qui soit. Piletta Louise cherche à sauver sa grand-mère, et elle s'en va comme ça, se battre toute seule contre la mort, en quête d'une fleur rare et vitale.

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le - Gallia VALETTE-PILENKO - Spectacle vivant

Anthony Abbeloos - Piletta remix par le collectif Wow

Piletta Remix, du collectif belge Wow qui porte bien son nom, est sur la scène du théâtre de Vénissieux. Un spectacle étonnant qui tient à la fois de la performance, du concert et du théâtre.

Sorte de d'OTNI (objet théâtral non identifié), Piletta remix est une " fiction radiophonique live ".

Adaptée de la pièce radiophonique Piletta Louise, cette expérience propose de plonger dans les arcanes de la création sonore. Muni d'un casque et d'un émetteur-récepteur, le public se laisse porter par l'histoire que racontent 4 interprètes qui incarnent pas moins de 13 personnages différents.

En effet, Piletta est une petite fille qui part à la recherche d'une fleur miraculeuse, le bibiscus, qui pourra sauver sa grand-mère d'une mort certaine. Mais pour cela, elle devra affronter de singuliers personnages, la triste madame Plomb, l'inquiétant homme de fer et le charmant Luis Plata aux yeux de feu, et surtout la haine et la noirceur du monde des adultes dans la ville imaginaire de Bilipolis.

Sous couvert de conte loufoque, Piletta remix est aussi un constat sévère sur les affres de la civilisation d'aujourd'hui. Mais ce qui rend la chose vraiment excitante, c'est son traitement. Ici tout se fait à vue et le public peut découvrir les coulisses de la création sonore, et la puissance de son imagination.

Sur le plateau, les comédiens-bruiteurs-électro-musiciens jouent du ballon, d'instruments de musique, de caisses en métal, de bouteilles d'eau, de clés, enfin tout ce qui peut faire du bruit ! tous ces objets s'animent pour raconter l'histoire par les sons.

On en ressort les oreilles toutes étourdies et l'imaginaire tout ébouriffé. Et comme l'écrit joliment le collectif Wow, " Piletta remix est un conte lumineux malgré la noirceur de ses personnages, un conte comme un tour du monde, où l'on rit et frémit, qui réveille le réel pour le rendre plus juste ". On ne saurait mieux dire !

Théâtre de Vénissieux, 24 octobre, www.theatre-venissieux.fr

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Un drôle de conte radiophonique à découvrir au théâtre de Vénissieux

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le - Gallia VALETTE-PILENKO - Spectacle vivant Piletta Remix, du collectif belge Wow qui porte bien son nom, est sur la scène du théâtre de Vénissieux. Un spectacle étonnant qui tient à la fois de la performance, du concert et du théâtre. Sorte de d'OTNI (objet théâtral non identifié), Piletta remix est une " fiction radiophonique live ".

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rue du théâtre piletta remix mise en ondes florent barat collectif création collective :emilie praneuf

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michel bystranowskirégie : michel bystranowski emilie praneuf

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Rue du théâtre - Mise en ondes - Piletta Remix

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Rue du théâtre Piletta Remix Mise en ondes Florent Barat Collectif Création collective :Emilie Praneuf, Florent Barat, Benoît Randaxhe, Sébastien Schmitz, Michel BystranowskiRégie : Michel Bystranowski Emilie Praneuf, Florent Barat, Benoît Randaxhe, Sébastien Schmitz, Michel Bystranowski

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la rampe ponatière salle spectacles échirolles danse musique

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La Rampe La Ponatière, Échirolles, salles de spectacles

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Chorégraphie
Anne Teresa De Keersmaeker

Créé par
Adriana Borriello, Anne Teresa De Keersmaeker, Michèle Anne De Mey, Fumiyo Ikeda

Dansé par
Laura Bachman, Amanda Barrio Charmelo, Léa Dubois, Anika Edström Kawaji, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana, Jara Vlaeminckx

Musique
Thierry De Mey, Peter Vermeersch

Musiciens
Thierry De Mey, Walter Hus, Eric Sleichim, Peter Vermeersch

Décors
Anne Teresa De Keersmaeker

Coproduction Early Works
La Monnaie / De Munt, Sadler's Wells (London), Les Théâtres de la Ville de Luxembourg

Première
6 May 1983, Théâtre de la Balsamine (Bruxelles)
Présentation Kaaitheaterfestival

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Rosas danst Rosas - Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas | Rosas

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Chorégraphie Anne Teresa De Keersmaeker Créé par Adriana Borriello, Anne Teresa De Keersmaeker, Michèle Anne De Mey, Fumiyo Ikeda Dansé par Laura Bachman, Amanda Barrio Charmelo, Léa Dubois, Anika Edström Kawaji, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana, Jara Vlaeminckx Musique Thierry De Mey, Peter Vermeersch Musiciens Thierry De Mey, Walter Hus, Eric Sleichim, Peter Vermeersch Décors Anne Teresa De Keersmaeker Coproduction Early Works La Monnaie / De Munt, Sadler's Wells (London), Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Première 6 May 1983, Théâtre de la Balsamine (Bruxelles) Présentation Kaaitheaterfestival

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La féminité dans Rosas danst Rosas | Actualités | Rosas

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La féminité dans Rosas danst Rosas | Écrit par Floor Keersmaekers | Actualités | Rosas

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Sans jamais se lasser
de la répétition

Par Fatima Miloudi

Pour la deuxième représentation de " Rosas danst rosas " d'Anne Teresa De Keersmaeker, il n'y avait pas foule au Théâtre de Nîmes. Peut-être le public nîmois avait-il goûté le spectacle au festival de Montpellier danse.10, en juin dernier ? Quel dommage que la salle ne fût pas comble, les quatre danseuses méritaient une véritable ovation. " Rosas danst rosas " est une œuvre de jeunesse... Mais quel chef-d'œuvre !

" Rosas danst rosas " | © Herman Sorgeloos

Le plateau est nu, hormis, au fond, un empilement de chaises de bistrot et quatre paires de chaussures, en attente. Une toile en aluminium dessine en accordéon des diagonales d'ombre et de lumière. En somme, le signe de la simplicité et celui du rythme issu des lignes. Quatre danseuses, une à une, se placent dos aux spectateurs et, de concert, s'effondrent vers l'arrière. Dans le plus grand silence, les respirations, à l'unisson, commandent les brusques revirements des corps allongés. Les gestes - bras repliés sur le sol, pointes des doigts l'effleurant, lent mouvement de la tête... - gardent le contact avec la terre. Gravité et respiration structurent le premier mouvement. Gestes répétés jusqu'à être happé. Vingt minutes dans un silence fracassant, où le corps se lit comme une partition de musique répétitive avec motifs et formules repris à l'envi.

La pièce est structurée en quatre mouvements ; une formule de fin reprend le geste brusque de la main qui dénude l'épaule, geste modulé dans les soli du troisième acte. Le propos de la chorégraphe ne peut échapper à quiconque. À partir de gestes simples et quotidiens - comme passer la main dans ses cheveux ou poser son bras sur le dossier d'une chaise -, la répétition, dans son exacerbation, ouvre tout le champ des possibles. Les formations changent : ensemble, par groupes différenciés ou en solo, tout se décompose et se recompose en empruntant des configurations différentes dans lesquelles le même continue d'être. La répétition du motif dans des agencements multiples : une écriture à la fois mimétique et mathématique.

Que de beauté dans toute cette précision ! On s'émerveille devant l'étrangeté que provoque l'étourdissante et changeante ritournelle des gestes les plus connus. Croiser ou décroiser les jambes, laisser une main pendre, poser une main sous un sein. Le rythme, l'élégance, parfois la douceur, toujours la netteté des gestes, rehaussés par la musique de Thierry De Mey et de Peter Vermeersch, ne peuvent qu'envoûter. Il y a une telle fluidité dans l'association des contraires - nonchalance et fermeté - et dans l'agencement de l'espace que cela tient de la virtuosité. Les danseuses - petite chemise bleue assortie à une jupe légèrement plissée épousant la rapidité des mouvements - nous dévoilent chacune, même dans la répétition, leur part de féminité. Qui semble plus frondeuse ou plus mutine. Et, dans le jeu final de création des diagonales, elles dépensent une énergie, cheveux détachés projetés au sol, qui confine à la transe. ¶

Rosas danst rosas , d'Anne Teresa De Keersmaeker

Danseuses : Tale Dolven, Sandra Ortega Bejarano, Elizaveta Penkova, Sue-Yeon Youn

Musique : Thierry De Mey, Peter Vermeersch

Enregistrement : Thierry De Mey, Walter Hus, Éric Sleichim, Peter Vermeersch

Éclairages : Remon Fromont

Décors : Anne Teresa De Keersmaeker

Costumes : Cie Rosas

Directrice des répétitions : Femke Gyselinck

Techniciens : Wannes De Rydt et Pierre Willems

Créé le 6 mai 1983 au Théâtre de la Balsamine à Bruxelles

Présentation Kaaitheaterfestival

Théâtre de Nîmes * 1, place de la Calade * B.P. 1463 * 30017 Nîmes cedex 1

Réservations : 04 66 36 65 10

Mercredi 20 octobre 2010 à 19 heures, jeudi 21 octobre 2010 à 20 heures

Durée : 1 h 45

22 € | 20 € | 13 € | 9 €

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" Rosas danst rosas ", d'Anne Teresa De Keersmaeker (critique), Théâtre de Nîmes - Les Trois Coups

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Sans jamais se lasser de la répétition Par Fatima Miloudi Les Trois Coups.com Pour la deuxième représentation de " Rosas danst rosas " d'Anne Teresa De Keersmaeker, il n'y avait pas foule au Théâtre de Nîmes. Peut-être le public nîmois avait-il goûté...

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Réception du spectacle chorégraphique : d'une description fonctionnelle à l'analyse esthétique

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Réception du spectacle chorégraphique : d'une description fonctionnelle à l'analyse esthétique

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On ne la présente plus, son spectacle non plus. Rosas Danst Rosas a été créé il y a 30 ans, a tourné dans le monde entier, Thierry De Mey en a fait un film, dont Beyonce s'est largement inspiré pour son clip Countdown. Alors pourquoi continuer à représenter ce monument de la danse contemporaine créé et encore interprété par la chorégraphe flamande Anna Teresa de Keersmaecker ?

C'est toute une question sur la mémoire de la danse qui est posée : comment ce spectacle a-t-il été perçu à sa création en 1983, comment est-il perçu aujourd'hui ? Comment un corps qui l'a dansé trente ans plus tôt le danse-t-il aujourd'hui ? Spectacle vivant ou répertoire figé : qu'est-ce qui a évolué ?

Rosas Danst Rosas

Rosas Danst Rosas, pièce d'1h40, a été créé pour 4 danseuses, dont Anna Teresa de Keersmaecker. Le rythme est lent, les mouvements sont très répétitifs, l'esthétique est à la fois épurée et intrigante. Un fond fait de film plastique (ou quelque chose qui y paraît), un long miroir formant une bande de chaque côté de la scène et des chaises empilées dans un coin de la scène, comme dans un bar qui viendrait d'être nettoyé. Des écolières, des jeunes filles pensives, des jeunes femmes qui travaillent dans une usine (en témoignent la musique de bruit de machines, un peu à la manière de celle que l'on peut entendre dans Dancer in the dark, de Lars Von Trier)... on peut imaginer plusieurs interprétations. Elles sont vêtues d'un tee-shirt trop large pour elles. Se qui permet à certaines de nous suggérer coquinement une épaule, puis deux, puis de se rhabiller et à d'autres de nous faire ressentir leur gêne, voire leur honte de se dévêtir et revêtir systématiquement. Beaucoup d'attente, d'ennui : il se passe quelque chose et rien à la fois. A quoi pensent-elles ? Qu'attendent-elles ?

Le plus surprenant et l'un des moments les plus vivants du spectacle surgit comme un éclat de vie quand la pièce est terminée. Un groupe de petites filles avec des robes aux couleurs vives, qui tranchent complètement avec les costumes ternes des danseuses, arrivent sur scène, rieuses, en courant et s'installent sur les chaises. Elles reprennent la chorégraphie sur les chaises en y ajoutant des sons qui font rire la salle. La jeunesse reprend le flambeau mais pas de la même façon que leurs aînées : il y a plus de recul et d'humour. Elles moquent la répétition et le souffle musical, rythmique très présent dans le spectacle, ainsi que dans la majeure partie du travail de la chorégraphe flamande. C'est un souffle de vie, une bouffée d'humour, de joie, d'espoir pour la relève de cette chorégraphie baignant dans son histoire.

Re : Rosas

Pour fêter les 30 ans de son œuvre, la chorégraphe a eu l'idée de lancer un tutoriel en ligne pour apprendre à qui le souhaite une partie de la chorégraphie. Inspirée des mouvements de la vie quotidienne et sur une base très répétitive, sa danse devient à la portée de n'importe qui. Le projet Re :Rosas est développé : le monde entier est invité à se filmer en train de reprendre les mêmes mouvements, dans des lieux ou des situations plus ou moins incongrus. A l'origine une danse interprétée uniquement par des femmes, beaucoup d'hommes se sont essayés au projet et on peut en voir un grand nombre dans les vidéos envoyées à la compagnie Rosas. Le succès du projet dépasse toutes les frontières : du Mexique à l'Inde, en passant bien évidemment par la Belgique, ce sont plus de 250 vidéos que la compagnie a reçu en l'espace de 3 mois. Toutes les vidéos sont visibles sur le site internet du projet Re :Rosas : http://www.rosasdanstrosas.be/accueil/

La pièce était jouée mi-octobre au Kaaitheater, à Bruxelles, le lieu de sa création et sera en tournée en Belgique, en France et en Espagne. Toutes les dates sont consultables au lien suivant : http://www.rosas.be/fr/production/rosas-danst-rosas

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Rosas Danst Rosas - Anna Teresa de Keersmaecker | EnvrAk

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On ne la présente plus, son spectacle non plus. Rosas Danst Rosas a été créé il y a 30 ans, a tourné dans le monde entier, Thierry De Mey en a fait un film, dont Beyonce s'est largement inspiré pour son clip Countdown.

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Early Works - Films and documentaries | Rosas

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Early Works - Films and documentaries | 4 DVDs / Cinéart | Rosas

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Le vide poches du directeur de creation édité par jérémy dumont. Un blog de veille PSST www.PSST.fr

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Le 24 juin 2013, nous lancions un appel au monde entier pour réaliser des versions remixées de Rosas danst Rosas. Nous avons reçu 250 vidéos réalisées aux quatre coins de la terre: de l'Australie ou du Mexique, en passant par Shangai et le Burkina Faso. 30 ans après la première représentation de la fameuse scène des chaises, nous avons reçu des remix réalisés par des (très) petits et des plus vieux, mais aussi des majorettes, des sportifs, des circassiens et des femmes enceintes, à 80 ou en solo, en images de synthèse, au bureau, dans le métro, en ville ou dans les bois, les montagnes et même dans l'eau! http://www.rosasdanstrosas.be/rerosasmix-5/ Mais Re:Rosas ne s'arrête pas là! Continuez à nous envoyer vos Remix, Re:Rosas goes on! Toutes les vidéos étaient présentées pendant la représentation de Rosas danst Rosas au Kaaitheater du 8 au 12 octobre sur un video wall of fame au Kaaitheater. Cette installation a attiré beaucoup des regards admiratifs.
Il y a exactement 30 ans la compagnie Rosas s'est fait un nom avec le spectacle Rosas danst Rosas. Entre-temps, la chorégraphie a été présentée dans le monde entier. Maintenant, c'est à vous de jouer!

Dansez votre propre Rosas danst Rosas, faites-en un petit film et postez votre vidéo sur ce site. Dans les vidéos que vous trouverez ci-dessous, la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker et la danseuse Samantha van Wissen vous enseignent pas à pas les mouvements de la deuxième partie du spectacle. Ensuite, c'est à votre tour : dansez Rosas.

La distribution originale © Michiel Hendryckx

La distribution originale

Première de Rosas danst Rosas le 6 mai 1983. Dans la version d'origine, les danseurs sont (de gauche à droite) : Fumiyo Ikeda, Michèle Anne De Mey, Anne Teresa De Keersmaeker et Adriana Borriello.
La structure de Rosas danst Rosas
En 1997, Thierry De Mey filme Rosas danst Rosas dans une ancienne école technique à Louvain.

Du livre 'Carnets d'une Chorégraphe
La chorégraphie originale
Le spectacle original Rosas danst Rosas dure 1h40′ et est construit en 4 parties. Dans le premier mouvement, les danseuses sont couchées au sol. Dans le deuxième mouvement, elles sont assises sur des chaises. Dans le troisième mouvement, elles sont en ligne. Et enfin, elles occupent tout l'espace.

Pour Re:Rosas! Anne Teresa De Keersmaeker et Samantha van Wissen ont fait une version simplifiée de la scène des chaises. Dans le spectacle, le deuxième mouvement dure 15 minutes. Dans cette video Anne Teresa explique comment la choréographie originale est construite.

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Re:Rosas. Dansez votre propre Rosas danst Rosas, faites-en un petit film sur youtube et postez votre vidéo sur ce site.

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Le 24 juin 2013, nous lancions un appel au monde entier pour réaliser des versions remixées de Rosas danst Rosas. Nous avons reçu 250 vidéos réalisées aux quatre coins de la terre: de l'Australie ou du Mexique, en passant par...

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L'empreinte, Scène nationale Brive -Tulle

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Rosas Danst Rosas - L'empreinte, Scène nationale Brive -Tulle

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Déjà vu aux Treize Arches Verklarte Nacht (DanSe En Mai 2016) et Rain (2017)

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Si Rosas danst Rosas a marqué l'histoire de la danse, c'est dû pour une large part à cette nouvelle façon de traiter la présence scénique des danseuses.
Créé en 1983, ce spectacle amplifiait le langage dont la chorégraphe avait posé les bases un an plus tôt dans Fase. Les deux pièces ont ceci en commun qu'elles se basent sur une transformation de mouvements minimaux et répétitifs, plutôt abstraits, combinés avec une forte rigidité structurelle. En un saisissant contraste, pourtant, la chorégraphie révèle l'engagement physique des danseuses jusqu'à leur complet épuisement. L'intensité de la tension corporelle résiste à la logique de l'écriture, logique implacable et presque mathématisée. Par ailleurs, l'espace scénique est découpé selon des motifs géométriques - précoce signature des spectacles de la chorégraphe, qui demeurera sienne jusqu'à aujourd'hui.

Inspiré en partie par le vocabulaire de Fase, Rosas danst Rosas s'en distingue par l'introduction de mouvements triviaux issus de la vie quotidienne : s'allonger, s'asseoir, courir, tourner... La structure dramaturgique, de manière comparable, s'appuie sur les rituels de la journée : " dormir " (premier mouvement) ou " travailler " (deuxième mouvement). On pourrait citer bien d'autres exemples de petits gestes intégrés au lexique du spectacle, comme s'accouder, s'affaisser sur une chaise, croiser les jambes... - autant de mouvements que le spectateur identifie immédiatement mais que l'étrange séquençage auquel ils sont soumis arrache à leur quotidienneté.

Rosas danst Rosas déploie en outre un vocabulaire délibérément prélevé sur le versant féminin, pour son adéquation au corps des femmes. L'image d'une " femme forte " dégagée par ce spectacle a contribué à en faire dès sa création une sorte d'étendard du courant féministe au sein de la danse post-moderne. Interrogée à ce sujet, De Keersmaeker a quant à elle toujours rejeté résolument cette interprétation : " Nous n'avons jamais eu l'intention d'adopter une position globale ou d'éditer un manifeste. " Et, faisant allusion au titre de la pièce : " Nous nous ''dansions nous-mêmes", en nous ancrant dans notre propre expérience. J'ai bien du mal à généraliser cette expérience ou à admettre qu'elle soit idéologiquement récupérée. "

Rosas danst Rosas, en effet, ne valorise pas le général. Contrairement aux apparences, l'uniformisation des mouvements n'empêche pas que se crée un espace personnel autour de chaque danseuse. Ceci concerne bien entendu les solos du troisième mouvement, mais l'individualisation affleure même dans les passages strictement répétitifs. " La distinction du ''même" et de ''l'autre" est l'enjeu crucial de ce spectacle ", affirme De Keersmaeker. En d'autres termes, la répétition obstinée de quelques gestes simples convoque inévitablement le spectateur à repérer les différences entre les danseuses et à apprécier la singularité de leurs interprétations. La tenue de scène est calibrée pour le même effet : on pourrait presque parler d'un " uniforme ", que chaque danseuse porte néanmoins selon son caractère propre. Outre son refus d'indexer sa recherche artistique à des généralisations idéologiques, la chorégraphe rechignait pour de tout autres raisons à accrocher le label féministe à Rosas danst Rosas : " Au début des années 1980, le féminisme revêtait à mes yeux un caractère pamphlétaire, il dégageait une dureté. La seule façon de s'imposer comme femme était de " jouer au petit mec ", de manier la bravade et d'arborer une certaine raideur. On se battait moins pour valoriser égalitairement les traits typiquement féminins que pour les nier. Enfin, je n'admettais pas que Rosas danst Rosas soit désigné comme emblème féministe du fait même de son minimalisme. À l'époque, en effet ce minimalisme était facilement associé à la réserve, la sévérité et la froideur. "

Si le lien entre danse minimaliste et féminisme dur apparaît dans les discours au début des années 80, il témoigne d'une problématique bien antérieure à Rosas danst Rosas. Aucune chorégraphie ne peut être réduite à son contenu social, mais aucune ne s'affranchit totalement du contexte dans lequel elle a émergé. Près de quatre-vingts ans avant la création de Rosas danst Rosas, au passage du XIX e au XX e siècle, certaines femmes avaient déjà voulu s'approprier l'art de la danse, après une longue période dominée par des chorégraphes hommes, qui façonnaient leurs ballerines selon les normes victoriennes. Au moment même où les suffragettes revendiquaient le droit de vote pour les femmes, Isadora Duncan et Loie Fuller s'emparaient de la scène pour y danser leurs propres créations. Vêtues de costumes qui libéraient leurs mouvements, elles s'autorisaient à mettre leur corps en avant et conquéraient la liberté d'exposer leur sensualité. La danse moderne rompait avec l'image de la sylphide virginale, d'allure quasi immatérielle. Plus tard, la force et l'indépendance des héroïnes mythiques de Martha Graham ont contribué à faire rayonner la même rébellion. Mais avec la deuxième vague féministe des années 1960 et 1970, le noyau dur de la pensée féministe s'est déplacé. Les tentatives de donner forme à la féminité se sont exaspérées, conformément à l'époque, au risque de réduire la femme à un objet de désir plutôt que de la libérer. En prenant appui sur l'héritage de Merce Cunningham, des chorégraphes comme Yvonne Rainer et Lucinda Childs ont alors préféré valoriser, plutôt que la volupté du corps selon Duncan ou les tourments du corps selon Graham, l'axe de la netteté conceptuelle. Dans cet épisode post-moderne, le débat sur le genre n'était pas prioritaire. Rainer et Childs ont introduit un formalisme abstrait, la possibilité d'une réflexion créative, intellectuelle et formelle désormais exigée par les femmes. Si elle n'a jamais nié sa dette envers la minimal dance de Lucinda Childs, Yvonne Rainer et Trisha Brown, Anne Teresa De Keersmaeker a pourtant fait remarquer qu'elle n'avait pas encore éprouvé cette influence à l'époque de Rosas danst Rosas. Elle prenait plus volontiers Pina Bausch en modèle, dont les spectacles restaient à l'écart de la sensibilité américaine et creusaient la veine expressionniste allemande.
" De mon point de vue, la polarité masculin/féminin est un des axes essentiels du travail de Pina ".

Rien de surprenant, donc, à ce que De Keersmaeker n'ait pas tenu à associer l'idéologie féministe, en pleine ascension, au minimalisme et au formalisme de Rosas danst Rosas. Sur bien des plans, ce spectacle prend d'ailleurs ses distances avec la réserve ordinairement associée à la danse conceptuelle, où il est d'usage de dissimuler l'effort autant que le plaisir de l'acte de danser. Ici, le spectateur est convoqué à être témoin d'un plaisir et d'un épuisement toujours plus intenses - voire d'un plaisir de l'épuisement comme tel. Cela explique l'impact de cette œuvre dès sa création, et le succès qu'elle rencontre encore aujourd'hui. Si Rosas danst Rosas a marqué l'histoire de la danse, c'est dû pour une large part à cette nouvelle façon de traiter la présence scénique des danseuses. De Keersmaeker, pour dire bref, a su synthétiser l'attrait pour le formalisme et le concept avec un lexique dansé explorant ostensiblement le registre du féminin. Elle-même décrit son spectacle en ces termes : " Vous avez d'une part un minimalisme et un conceptualisme consentis et assumés, qui créent une distanciation ; d'autre part, un investissement physique spécifiquement féminin qui ne touche en aucune manière à l'exhibitionnisme, mais revendique tout simplement le droit d'être. Rosas danst Rosas célèbre la féminité sans la nier par la masculinisation, et sans en faire un objet d'exploitation. " L'axe de lecture féministe n'est qu'une des nombreuses approches possibles de Rosas danst Rosas. Mais lorsqu'aujourd'hui Chimamanda Ngozi Adichie écrit dans un essai fameux, " We Should All Be Feminists ", qu'elle entend être respectée dans toute l'étendue de sa féminité sans avoir à s'en excuser, qu'elle veut pouvoir affirmer son amour du rouge à lèvres, et des talons hauts autant que de la politique et de l'histoire, il nous semble que Rosas danst Rosas n'a rien perdu de son actualité. Le succès s'explique très certainement par la forte adhésion du public à une chorégraphie qui mobilise sans crainte les jeux de la séduction, tout en étant capable de s'en distancier. Car les gestes de la séduction exécutés avec une exactitude mathématique tout au long du spectacle finissent évidemment par se teinter d'ironie : le cliché est dévitalisé. Trente-quatre ans après sa création, Rosas danst Rosas donne toujours à voir une femme nouvelle.

- Floor Keersmaekers, juin 2017 | Ce texte s'appuie en partie sur l'article " Why Women Dominate Modern Dance " de Roger Copeland (The New York Times, 18 avril 1982).
Traduction d'Émilie Syssau, revue par Jean-Luc Plouvier.

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Si Rosas danst Rosas a marqué l'histoire de la danse, c'est dû pour une large part à cette nouvelle façon de traiter la présence scénique des danseuses. Créé en 1983, ce spectacle amplifiait le langage dont la chorégraphe avait posé les bases un an plus tôt dans Fase.

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Ici, j'ai rajouté un format word, j'espère que vous aurez le temps pour corriger. Merci beaucoup.

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Après avoir été porté à l'écran par Sofia Coppola en 1999, Katia Ferreira propose une adaptation théâtrale de Virgin Suicides, le roman de Jeffrey Eugenides.

Milieu des années 1970, dans la banlieue tranquille de Détroit, cinq adolescentes se donnent la mort. La sidération est totale. Rien dans l'apparente normalité de la famille Lisbon ne laissait présager le suicide de ces soeurs. Vingt ans après, leurs jeunes voisins, devenus pères de famille, n'ont rien oublié de ce drame dont l'énigme reste entière. Ils ré-ouvrent l'enquête et tentent de donner un sens aux faits, aux témoignages et à toutes les pièces à conviction collectés au fil du temps.

Comme dans le roman, Katia Ferreira choisit de raconter l'histoire des filles Lisbon du point de vue de ce groupe de garçons. Aux confins de l'enquête et de leur mémoire, ils recomposent leur souvenir de ces figures fascinantes et fantasmées, qu'ils ont aimées adolescents, et qui ne cessent de les hanter.

Avec Laurie Barthélémy, Evelyne Didi, Florent Dupuis, Frédérique Dufour, Dag Jeanneret, Mathias Labelle, Laureline Le Bris-Cep, Margot Madec, Lou Martin-Fernet, Audrey Montpied, Valentin Rolland, Sylvère Santin, Vincent Steinebach, Charles-Henri Wolff

et

Henri Ardisson, Antonin Arnoux, Lucine Bastard Rosset, Yanis Bertry , Clément Bonhomme, Margot Brard, Ronan Briot, Maylisse Caussé, Zian Charron, Alister Debrosse , Clémence Dereuddre, Victorine Durmort , Benjamin Garcia, Ema Hayoune , Yohan Laffile , Charlotte Masier , Chloé Michallet , Anaïs Moura, Noémie Piolat, Anthonin Richetti, Alyssa Sylvestri, Salomé Tostain

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Après avoir été porté à l'écran par Sofia Coppola en 1999, Katia Ferreira propose une adaptation théâtrale de Virgin Suicides, le roman de Jeffrey Eugenides. Milieu des années 1970, dans la banlieue tranquille de Détroit, cinq adolescentes se donnent la mort. La sidération est totale.

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Avoir Alire - Critiques et news films, Livres, BD, musique, séries TV, Spectacles

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L'argument : Une ville américaine tranquille et puritaine des années soixante-dix. Cecilia Lisbon, treize ans, se suicide dans l'incompréhension générale. Elle a quatre sœurs, de jolies adolescentes, qui obsèdent les garçons du voisinage. Petit à petit, la famille se referme et les filles reçoivent l'interdiction de sortir. Les garçons envisagent de les secourir. Ils n'y parviendront pas.

Notre avis : On l'attendait au virage, l'éclectique cadette du clan Coppola. A vingt-huit ans, déjà comédienne, directrice photo, scénariste, productrice, elle n'a à son actif qu'un court métrage lorsqu'elle décide de passer à la réalisation. D'emblée elle tape dans le mille et prouve qu'elle possède son propre univers, attachant, touchant : celui des paumés, des écorchés de la vie, des personnages en décalage, mal à leur place dans leur existence et dans la société. Cette inspiration aboutira plus tard aux deux esseulés de Lost in translation et à une Marie-Antoinette sans repères dans la cour de Versailles. Pour l'heure, c'est un roman de Jeffrey Eugenides que Sofia Coppola adapte, un best-seller qu'elle va mitonner à sa propre sauce (moins de noirceur, moins de critique sociale).

L'histoire tragique des sœurs Lisbon, racontée par les garçons - aujourd'hui adultes - qui les admiraient, est toute entière nimbée dans les brumes du souvenir. Les quatre jeunes filles traversent le film, telle une entité blonde et lumineuse, irréelle, inatteignable, désespérée. Encore assez proche de l'adolescence pour se rappeler sans le travestir le mal-être qu'elle a dû ressentir elle-même, la réalisatrice s'attache au mystère que représentent ces adolescentes pour leur entourage - mais pour elles-mêmes aussi. Qui l'on est et où l'on va, on ne le sait pas à quinze ans, tout ce que l'on désir, c'est de l'amour, encore de l'amour, toujours plus d'amour. D'amour, cependant, il n'y a pas la moindre trace dans un monde fait d'obligations (scolaires, familiales, religieuses) où les désirs et les aspirations ne sont jamais pris en compte. La violence qui est faite à ces jeunes filles ne ressort pas d'une démonstration pesante. De toutes petites scènes, à peine dialoguées, viennent étayer le propos de la réalisatrice, qui sait magnifiquement montrer, sans avoir l'air d'y toucher, l'envers d'un décor policé à l'apparence parfaite. Père démissionnaire, mère égoïste et jalouse, garçons cyniques, prêtre et médecin à côté de la plaque, la vie des sœurs Lisbon a toutes les apparences d'un petit enfer quotidien. Leur capacité de rêve épuisée, elles n'auront d'autre solution que s'en aller.
Petit miracle de justesse, cruel, déchirant, tragique mais à la frange de la drôlerie, Virgin suicides est à marquer d'une pierre blanche en tant que premier film. Scénario en béton, technique sans faille, belle direction de comédiens (Kirsten Dunst en particulier), musique inoubliable (celle de Air), on assiste, ébloui, à l'avènement d'une réalisatrice capable de fouiller l'âme humaine dans ses moindres recoins. De nous surprendre et de nous bouleverser en nous racontant une histoire à sa façon. La preuve, si besoin est, que le cinéma a encore de beaux jours devant lui. Quel bonheur !

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L'argument : Une ville américaine tranquille et puritaine des années soixante-dix. Cecilia Lisbon, treize ans, se suicide dans l'incompréhension générale. Elle a quatre sœurs, de jolies adolescentes, qui obsèdent les garçons du voisinage. Petit à petit, la famille se referme et les filles reçoivent l'interdiction de sortir. Les garçons envisagent de les secourir.

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Virgin Suicides :: Film Culte Virgin Suicides :: FilmDeCulte

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Fin des années 70, banlieue austère du Michigan. Cecilia, Lux, Bonnie, Mary et Therese, les cinq sœurs Lisbon âgées de treize à dix-sept ans, se donnent la mort l'une après l'autre ...

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Par Juliette Nadal
Les Trois Coups

Katia Ferreira et Charly Breton sont deux jeunes artistes d'une trentaine d'années, à la fois metteurs en scène, comédiens et auteur. Ils sont membres co-fondateurs, avec Charles-Henri Wolff, du Cinquièmequart. Ils préparent actuellement la traduction scénique de " First Trip ", le roman de Jeffrey Eugenides adapté au cinéma par Sofia Coppola, qui évoque le suicide de cinq adolescentes américaines dans un quartier résidentiel des années soixante-dix.

Comment le théâtre est arrivé dans votre vie ?
Katia Ferreira : J'ai fait quelques stages de théâtre au collège et au lycée. Je voulais suivre une formation professionnelle après le bac, mais mes parents étaient contre. J'ai donc fait une prépa littéraire, puis des études de littérature et de philosophie esthétique à Paris. À la fin de mon cursus, j'ai commencé à prendre des cours privés de théâtre le soir, puis j'ai passé le concours de l'École supérieure d'art dramatique de Montpellier (ENSAD). Pour moi, le théâtre est un art de la synthèse, une pratique artistique qui permet la cohabitation des arts plastiques, de la littérature, de la philosophie, de l'histoire des arts.

Charly Breton : J'ai commencé le théâtre dans des ateliers au collège. Après le lycée, j'ai fait une prépa littéraire, puis des études de philosophie. En prépa, j'étais frustré par l'académisme, et j'ai eu la chance d'avoir un professeur qui avait été un élève de Roland Barthes. Il m'a conseillé de ne pas rester là, que ce n'était pas ma place. Puis, plus tard, alors que je préparais un master sur la question du trac, j'ai revu une amie qui étudiait à l'ENSAD et là je me suis demandé sérieusement où la pensée était la forte entre l'université et la pratique théâtrale. J'ai alors passé le concours de l'ENSAD.

Que pensez-vous avoir appris à l'ENSAD ?
Katia Ferreira : L'exigence de la chose collective. Le cursus de l'ENSAD dure trois ans. N'étant pas rattachée à un théâtre, cette école accorde une plus grande latitude dans l'exploitation de son espace et de ses rythmes. C'est avant tout un lieu de rencontre et d'expérimentation, où des artistes confirmés viennent partager leurs exigences et éprouver leurs pratiques avec les jeunes comédiens apprentis. Elle propose un apprentissage empirique, par la création de formes théâtrales et nous incite à essayer, à prendre des risques.

À l'époque, le directeur était Ariel Garcia Valdès. Il nous a transmis sa grande attention au texte, à la voix, à la langue, à la nécessité d'éprouver et de parler la langue de chaque auteur. Cette langue, c'est celle des mots, mais aussi celle du corps et du plateau.

On travaillait avec les intervenants mais aussi dans une grande autonomie. Comme il n'y a pas de sections techniques, on était confronté à des réalités qui dépasse l'actorat, et permettent d'envisager l'acte créatif non pas comme un cloisonnement des pratiques entre technique et jeu, mais comme un ensemble de gestes associés. On avait les clefs de l'école et on venait travailler quand on voulait, dans une grande liberté.

Qu'est-ce qui vous réunit sur " First Trip " ?
Katia Ferreira : C'est un projet qui mûrit en moi depuis la fin de l'école. J'avais vu le film quand j'étais adolescente. Puis j'ai découvert le roman grâce à Évelyne Didi, à l'ENSAD. J'ai été interpellée par l'ambivalence de son énonciation : l'œuvre n'est pas centrée sur ces filles qui se suicident, mais sur l'enquête que mènent, des années après, les garçons qui les ont connues. C'est une sorte de puzzle, lacunaire, qui cherche ses pièces manquantes.

Et au-delà de l'intrigue, c'est une œuvre qui interroge les mouvements de la mémoire. D'où une certaine théâtralité de la reconstitution. C'est cela qui m'a donné envie de l'adapter à la scène, de représenter les différentes strates de temporalités qui se chevauchent pendant l'enquête des garçons. J'ai l'impression que c'est ça le présent au théâtre, ce chevauchement des temporalités.

Que pensez-vous faire vivre au spectateur avec ce spectacle ?
Katia Ferreira et Charly Breton : Cette œuvre propose une expérience de la mémoire, qui se transforme, s'occulte, s'éloigne, se cherche à travers des objets fétichisés. Il s'agit aussi d'un moment de transformation, tant historique (le contexte est celui des années 70) qu'individuelle (l'adolescence). Les garçons qui enquêtent tentent de faire le deuil de ces filles-là et revivent une part de leur enfance.

Par exemple, la vidéo dans le spectacle permet de mettre en scène ces différentes modalités du temps et du souvenir. Quand les personnages font appel à leurs propres souvenirs pour reconstituer une scène, les comédiens se filment en direct. Ils sont intégrés aux scènes du passé qu'ils se remémorent au présent. Lorsque les personnages font appel à des témoignages ou récits extérieurs, il s'agit là de vidéos préenregistrées, qu'ils visionnent.

Pourquoi avez-vous choisi d'intégrer dans votre mise en scène une vingtaine d'adolescents amateurs ?

Katia Ferreira et Charly Breton : Pour l'ensemble de l'adaptation, la question des corps adolescents s'est posée. C'était une question de jeu pour les comédiens, mais très vite on a vu que leur faire jouer l'adolescent, ça ne fonctionnait pas. La présence de corps adolescents sur le plateau est plus forte.

On n'a pas cherché à établir des ressemblances entre les comédiens et les adolescents. On compte sur l'effet Koulechov et sur le fait que leur présence va laisser quelque chose de l'adolescence sur le plateau. En outre, nous voulions que les enquêteurs puissent être débordés par leur mémoire au point de replonger dans la foule adolescente de leurs années lycée. ¶

Propos recueillis par Juliette Nadal
First Trip, d'après le roman de Jeffrey Eugenides
Mise en scène de Katia Ferreira

Avec : Elsa Agnès, Laurie Barthélémy, Evelyne Didi, Florent Dupuis, Frédérique Dufour, Dag Jeanneret, Mathias Labelle, Laureline Le Bris-Cep, Lou Martin-Fernet, Audrey Montpied, Valentin Rolland, Sylvère Santin, Vincent Steinebach, Charles-Henri Wolff

Collaboration artistique et dramaturgie : Charly Breton

Réalisation vidéo : Christophe Gaultier

Collaboration vidéo : Marine Serles

Musique originale : Florent Dupuis

Scénographie et costumes : Katia Ferreira

Collaboration scénographie : Julien Boizard

Régie générale et plateau : Muriel Valat

Création et régie lumière : Mathilde Chamoux

Création et régie son : Hans Kunze

Régie vidéo : Paul Poncet

Regard extérieur : Charles-Henri Wolff

Avec le soutien de Cyril Teste et du Collectif MXM

Durée : environ 2 heures

MC2 de Grenoble * 4 rue Paul Claudel * 38100 Grenoble

Jeudi 21 mars à 19 h 30, vendredi 22 mars à 20 h 30, samedi 23 mars à 19 h 30

De 10 € à 27 €

Réservations : 04 76 00 79 00

Les 22 et 23 mai 2019, La Comète Scène Nationale, à Châlons-en-Champagne

En juin, Festival Printemps des comédiens à Montpellier

En juillet 2019, au Festival Paris l'été

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Entretien avec Katia Ferreira et Charly Breton, à propos de " First Trip ", MC2 de Grenoble

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Par Juliette Nadal Les Trois Coups Katia Ferreira et Charly Breton sont deux jeunes artistes d'une trentaine d'années, à la fois metteurs en scène, comédiens et auteur. Ils sont membres co-fondateurs, avec Charles-Henri Wolff, du Cinquièmequart.

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La mort de Cécilia répand le poison. Ce poison noir de mélancolie s'écoule tout d'abord dans les veines des protagonistes de l'histoire, englués dans une incapacité à faire le deuil de la jeune fille. Les parents, joués par Kathleen Turner et James Woods, n'en parlent jamais, ne communiquent pas, refoulent leur ressenti, ce qui va plonger la maison de la famille Lisbon dans une atmosphère pesante de silence et d'enfermement. Très religieux, ils ne se confessent pas même à leur prêtre et laisse la culpabilité les ronger silencieusement. Le manque total de communication du proche entourage de la jeune suicidée illustre ici un refus d'acceptation du deuil. L'entourage est alors contaminé par la mélancolie. Les garçons adolescents, voisins de la famille, sont fascinés par ces jeunes filles. Le narrateur du film Virgin Suicides est d'ailleurs un adolescent, qui nous offre leur point de vue, leur regard sur ces créatures qu'ils ne comprendront jamais. La mort de Cécilia va plonger ces garçons dans de légères bribes de mélancolie. Cécilia va réapparaitre. Le deuil n'ayant pas été accepté, son fantôme plane. Cette présence est matérialisée trois fois, sinon elle est tout simplement palpable dans l'atmosphère, dans les feuilles des arbres morts qui tressaillent ou encore à travers son journal intime. Nous pouvons parler d'une résurrection, issue de la mélancolie qui enveloppe les endeuillés. Le père est le premier à qui apparait Cécilia. Il rentre dans sa chambre, elle le regarde. La pièce est plongée dans une lumière bleue, c'est la nuit : tout semble irréel. La fenêtre, de laquelle Cécilia a sauté, est ouverte et le rideau blanc est vaporeusement agité par le vent qui s'engouffre. A chaque réapparition, elle porte la même robe blanche que le soir de sa mort et survient alors une puissante impression d'inquiétante étrangeté. Comme si Cécilia était l'autre : celui qui surgit dans un corps et provoque la mélancolie. Cet autre, normalement intérieur, est matérialisé par le personnage de la jeune fille. Ici, Cécilia est liée au vent, élément naturel. Ce lien avec la nature est présent dans une autre irruption de son fantôme. Un jeune garçon la voit sur un arbre, allongée comme une féline sur une branche. C'est le matin, la lumière est encore bleutée, pâle. Le fantôme apparait aussi un autre matin sur le lit d'un autre adolescent et s'adresse à lui, lui parle de façon légère et mutine. Cécilia s'est liée à la nature en mourant et reste donc présente, comme un songe, dans ces éléments : le vent, les arbres, l'aurore. Son savoir scientifique et son intérêt pour la nature accompagnent sa résurrection. Le journal intime, qui est entre les mains des adolescents, permet aussi de maintenir Cécilia en vie. Elle y dévoile sa fascination pour les arbres morts, que nous pouvons lier à la monotonie de sa vie. Les écrits de la jeune fille sont mis en scène comme des fantasias. Sa voix résonne, elle et ses sœurs sont dans une nature épicurienne, le soleil doré et les couleurs pastel font de ces visions des songes. Ces images sont des fantasmes des adolescents, des chimères : ils font revivre Cécilia à travers des images mentales, solaires et sensuelles. Mais, la beauté, la douceur, la musique se heurtent au fait qu'il s'agit du journal intime d'une suicidée. Les jeunes garçons imaginent des moments baignés dans une douceur de vivre, une extase alors que les écrits de Cécilia, bien que peu intimes, sont teintés de monotonie et liés à sa mélancolie, incurable.

Les sœurs de Cécilia, Lux, Mary, Bonnie et Therese, sont plongées dans une période d'intense immobilité et de mutisme, illustrations de leurs premiers symptômes mélancoliques. Elles tentent de reprendre leur vie la ou elles l'avaient laissé, et retournent au lycée. Ces quatre filles sont admirées et désirées par tout l'entourage fictif du film. Elles sont semblables à de créatures mystiques, irréelles donc inaccessibles. Une aura religieuse émane des sœurs Lisbon, dont la virginité et les traits angéliques les apparentent à des Madones. Pourtant, une sensualité se mêle à leur innocence. C'est principalement dans le personnage de Lux, jouée par Kristen Dunst, que s'incarne cette dualité entre une sexualité naissante et la rigueur imposée par la religion. Lux tente de soigner sa mélancolie par la sensualité, l'érotisme puis par l'acte charnel. Elle incarne une bipolarité mais aussi une révolte plus puissante que celle de ses sœurs. Son premier baiser, avec Trip Fontaine, a lieu dans une voiture et nous pouvons palper une bipolarité dans ces images. En effet, elle porte une chemise de nuit rose et l'embrasse violemment : une autre semble surgir de son corps. La chemise de nuit rose, longue, virginale, symbole d'une protection de la chasteté n'empêche pas les pulsions sexuelles qui animent Lux. Lorsqu'elle sort de la voiture, Trip Fontaine tend la main pour la rattraper mais elle a déjà disparu : Lux apparait comme un rêve, comme une brève manifestation du fantasme du jeune homme. L'autre a surgit en elle et a fait tomber le masque. Cette scène dévoile comment Lux va tenter de lutter contre sa mélancolie : elle se sert de l'amour (qu'elle ressent réellement), qui va mener au sexe, comme outil salvateur, comme remède contre sa condition. Les autres sœurs ressentent beaucoup moins intensément ce besoin d'amour, ce désir charnel. Mary, tout comme Lux, fait du pied sous la table à un jeune garçon mais c'est la seule manifestation érotique de la jeune fille. Bonnie n'apprécie pas le baiser qu'elle échange au bal avec un garçon. Elles sont toutes plus innocentes que Lux et resteront vierges.

Nous pouvons d'ailleurs interpréter la perte de la virginité de Lux comme un symbole de la condamnation de toutes les filles Lisbon. Trip Fontaine est amoureux d'elle, l'invite au bal, fait d'elle une reine le temps d'une soirée, une reine qui sera déchue dés le lendemain. Lux découche et perd sa virginité. Elle se réveille, dans la lumière bleue de l'aurore, seule. Trip Fontaine l'a laissé, peut-être l'a-t-il désiré trop intensément. Mélanie Klein[1] explique que lorsqu'un objet est trop idéalisé, trop désiré, on a envie de ne plus l'envier. L'acte charnel condamne Lux et ses sœurs à une sentence aux aspects religieux : l'enfermement. On pense aux martyres qui étaient emmurés vivants. Elles ne vont plus au lycée, ne sortent plus, le temps passe, elles restent dans leur chambre. La mère, que la culpabilité anime, sacrifie et étouffe ses filles, à la fois par amour et par foi religieuse.

Une atmosphère mélancolique enveloppe le film plus intensément à partir du moment où les filles sont enfermées par leur mère. Beaucoup d'images illustrent les journées qui passent : le soleil qui se déplace dans le ciel, accéléré au montage, les objets qui s'empilent dans la chambre des filles. La musique du groupe Air transforme cette maison en bulle, en sphère dans laquelle la mélancolie se répand, s'étale jusque dans le sang noirci des filles, de plus en plus proches de leur triste destin. Ces images mouvantes nous procurent alors une sensation de douce mélancolie. Les filles sont comme paralysées, lisent des catalogues et rêvent de voyage. Les rideaux blancs sont à moitié fermés mais Lux capte un rayon de soleil, vital pour elle : en effet, son prénom renvoie à la lumière. Therese est immobile sur le lit, le visage sans expression comme si elle portait déjà le masque de la mort. Une lumière bleue pâle envahit la pièce pour ne plus la quitter : les filles sont engluées dans une mélancolie destructrice. La mélancolie qui s'attaque aux jeunes filles est ici liée à leur passé mais aussi à la condamnation de la mère. Elles seraient comme forcées, poussées dans le vide de cette mélancolie. Le bleu renvoie aussi à la première tentative de suicide de Cécilia : ici, ses sœurs se noient, dans une pièce sans oxygène semblable à la baignoire qui symbolisait le cercueil.

Puis, parce que trop fanées sans soleil, les sœurs Lisbon se suicident et s'éteignent. Mary, Lux, Therese et Bonnie se sacrifient silencieusement et rejoignent leur sœur Cécilia. Leur suicide collectif est placé, comme celui de leur plus jeune sœur, sous le signe du silence, du mutisme, donc de la mélancolie. La joie des garçons qui viennent les sauver se heurte, au sens premier du terme, aux corps sans vie, suicidés, sacrifiés des jeunes filles.

La fin du film Virgin Suicides nous proposerait une vision mystique de la mélancolie. Les sœurs Lisbon deviennent des icônes sacralisées par le mystère de leur suicide. Leur pureté se heurte à l'horreur du suicide mais leur aura perdure et elles deviennent des créatures mythologiques ou des saintes sacrifiées. En appartenant au passé, Cécilia, Lux, Mary, Therese et Bonnie deviennent encore plus belles par leur mystification et manqueront à jamais. Sofia Coppola magnifie la mélancolie sans en cacher les capacités de destruction : c'est en cela que réside la bipolarité des images mouvantes de Virgin Suicides. Le film met aussi en scène le surgissement d'un autre au sein d'une mélancolie initiale. On pense alors au symptôme premier du mélancolique, victime d'un surgissement, porteur d'une inquiétante étrangeté. Le film serait alors une mise en abyme des symptômes et des ressentis du mélancolique, comme si Virgin Suicides était lui-même contaminé par ce mal lié à la condition humaine.

[1] KLEIN Mélanie, Envie et gratitude et autres essais, Ed. Gallimard, 1978, 230 p.

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Virgin Suicides: une bulle de Mélancolie - Marcel & Simone - Blog Culture

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La mort de Cécilia répand le poison. Ce poison noir de mélancolie s'écoule tout d'abord dans les veines des protagonistes de l'histoire, englués dans une incapacité à faire le deuil de la jeune fille.

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Pourquoi Virgin Suicides a marqué toute une génération

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Pourquoi Virgin Suicides a marqué toute une génération

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En 1999, la jeune Sofia Coppola fait sensation à la Quinzaine des réalisateurs du festival de Cannes en présentant son premier long métrage adapté du roman de Jeffrey Eugenides. Depuis, Virgin Suicides est devenu culte pour beaucoup d'entre nous et s'est enraciné dans le paysage cinématographique en tant que film générationnel. En mettant en scène le drame de cinq jeunes filles aussi belles que mystérieuses, la réalisatrice fait une déclaration d'amour à l'adolescence qui ne laisse personne indemne.

Dès le début du film, on connaît la fin de l'histoire : les héroïnes sont mortes. Et pas de n'importe quelle façon puisqu'elles se sont suicidées. Objet de fantasme d'un groupe d'adolescents depuis devenus adultes, le mystère qui entoure la mort des jeunes filles les hante encore. Un flashback nous ramène dans les années 70, dans une petite bourgade du Nord-Est des Etats-Unis où vivent les cinq sublimes soeurs Lisbon.

La première note dramatique intervient presque immédiatement lorsque Cecilia, la cadette, se donne la mort. Cet évènement bouleversera l'équilibre déjà fragile de la famille.

La complexité de l'adolescence

Au fur et à mesure que l'intrigue s'installe, on découvre ce qui se cache véritablement derrière le vernis de la tribu Lisbon : des parents obsédés par la morale et le puritanisme, des adolescentes étouffées par une mère autoritaire et un père complètement dépassé. Et c'est là l'une des premières clés du film : les filles ne peuvent pas s'épanouir correctement. Et plus le film avance, plus elles sont privées de liberté à un âge où la construction identitaire passe par les interactions sociales.

La complexité de l'adolescence est donc l'un des pivots du long métrage, et c'est la jeune Cécilia qui dès les premières minutes du film le verbalise le mieux. Elle est à l'hôpital et vient d'échapper à une première tentative de suicide lorsqu'elle dit à son médecin : " Vous n'avez vraisemblablement jamais été une jeune fille de 13 ans". Plus tout à fait enfant mais pas encore adulte, on s'est tous déjà senti incompris face à des parents qui cherchent à nous protéger.

La cadette est la première à vouloir échapper à sa condition, tant les perspectives d'évoluer au sein de cette famille lui semblent impossibles.

L'âge des premières fois

Tout au long du film, Coppola s'emploie à nous faire tomber amoureux de ses héroïnes. Une tension sexuelle sous-jacente s'installe petit à petit, et la caméra de la réalisatrice caresse la peau, les cheveux et les lèvres de ces femmes-enfants au teint diaphane. Leur filiation est caractérisée par un physique semblable (blondes aux yeux bleus, souvent vêtues de tenues blanches immaculées) : elles sont quasiment indissociables. Elles sont présentées en tant qu'unité, bien que leurs caractères varient.

Cela permet à la réalisatrice de raconter leur histoire tout en faisant sortir du lot la jeune Lux interprétée par Kirsten Dunst. C'est d'ailleurs à elle que l'on s'identifie le plus aisément car elle est la rebelle de la fratrie, la plus insouciante, celle qui finalement représente le mieux l'adolescente en opposition à ses parents.

Malgré toutes les interdictions dont sont victimes les jeunes filles, le film les entraîne dans les nombreuses étapes du passage de l'enfance à l'adolescence : les premières cigarettes - voir les premiers joints pour les garçons, les premières gouttes d'alcool, les premières danses au bal mais également les premiers émois amoureux et la découverte de la sexualité.

Parmi ces soeurs, objets de toutes les convoitises, c'est à travers Lux et sa relation - interdite - avec Trip Fontaine (Josh Hartnett) que la réalisatrice explore l'amour juvénile. Un amour exacerbé par la fougue qui nous rappelle à tous nos premiers sentiments.

La touche Sofia Coppola

Ces jeunes filles pleines de vie vont peu à peu s'assombrir avec l'isolement imposé par leur mère. Même le feu intérieur de Lux - qui signifie "lumière" en latin - va s'éteindre pour laisser place à une mélancolie asphyxiante. Une descente aux enfers que la réalisatrice capture avec une justesse désarmante.

Dès ce premier film, Sofia Coppola crée un univers et une esthétique que l'on retrouvera par la suite dans toutes ses réalisations. Ses héroïnes sont constamment accompagnées par un halo de lumière - presque angélique - et chaque plan est parfaitement maîtrisé. Toutes les images sont imbibées d'un mélange de charme et de nostalgie, toujours dans un style minimaliste et épuré. Et bien que le dénouement du film soit dramatique, Coppola préfère promener son regard tendre et parfois amusé sur ces adolescentes.

La bande originale du long métrage est un élément clé de sa réussite. Le film est hanté par la mélodie composée par Air et avec la voix de Thomas Mars (Phoenix), "Playground Love", une chanson qui a bercé des milliers d'amoureux au début des années 2000. Le groupe signe aussi quasiment tous les titres de Virgin Suicides. Il permet à la réalisatrice de transposer en musique l'atmosphère onirique et envoûtante de son histoire.

Lorsque l'on a fini de visionner le film, on en est imprégné. Car à aucun moment Sofia Coppola n'essaie de percer réellement le mystère qui entoure le passage à l'acte des jeunes filles. A travers certains éléments de réponse, la réalisatrice va au contraire intensifier son opacité, laissant au spectateur le choix de sa propre interprétation. Elle ne tente pas de nous expliquer : elle nous montre.

" Les questions restant sans réponses au cinéma sont celles qui ont le plus d'effets sur nous". Sans le savoir, c'est certainement le réalisateur Atom Egoyan qui explique le mieux l'empreinte laissée par Sofia Coppola sur toute une génération d'adolescents.

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Pourquoi Virgin Suicides a marqué toute une génération

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En 1999, la jeune Sofia Coppola fait sensation à la Quinzaine des réalisateurs du festival de Cannes en présentant son premier long métrage adapté du roman de Jeffrey Eugenides. Depuis, Virgin Suicides est devenu culte pour beaucoup d'entre nous et s'est enraciné dans le paysage cinématographique en tant que film générationnel.

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Sofia Coppola on making The Virgin Suicides: 'When I saw the rough cut I thought: Oh no, what have I done?'

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The director relives the creation of her debut film, from the family tragedy that drew her to the story of five sisters taking their lives - to its terrifying Cannes premiere

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On connaît tous des exemples de pièces de théâtre à succès qui ont été adaptées au cinéma. Quel que soit le genre (classique, drame, boulevard, seul-en-scène...) ou le pays (Etats-Unis, France, Royaume-Uni, Italie...), la liste (ici non exhaustive) ne finit pas de s'allonger : Boudu sauvé des eaux (1932), Mon Père avait raison (1936), Volpone (1941), Arsenic and Old Lace (1944), Hamlet (1948), A Streetcar Named Desire (1951), Othello (1952) Twelve Angry Men (1957), Cat On a Hot Tin Roof (1958), Château en Suède (1963), Becket (1964), La Cage aux Folles (1978), L'Avare (1980), Le Père Noël est une ordure (1982), Cyrano (1990), Le Souper (1992), Un air de famille (1996), Romeo+Juliet (1996), Le Dîner de cons (1998), Closer (2004), A Dangerous Method (2010), Incendies (2010), Carnage (2011), Le Prénom (2012), Guillaume et les garçons à table (2013), Le Jeu de la vérité (2013), Nos Femmes (2015)...

Mais, à l'inverse, est-ce que de nombreux films ont été adaptés au théâtre ? Je me suis posé cette question l'autre jour en regardant The Man From Earth, un film indépendant américain de 2007, plutôt bien fait et bien joué, qui ressemble diablement à une pièce de théâtre. Et je ne suis apparemment pas le premier à m'être fait cette remarque puisque j'ai trouvé une adaptation théâtrale du film sur la toile (je vous conseille de regarder le film avant).

Néanmoins, les adaptations de films (on parle ici de scénarios originaux et éventuellement d'adaptation de romans ou de nouvelles) sur les planches sont plus rares que les pièces adaptées au cinéma. En voici quelques-unes :

Adam Bertocci s'est posé la question : " et si William Shakespeare avait écrit The Big Lebowski ? ". En 2010, il transforme le film des frères Coen en une comédie pseudo-shakespearienne écrite dans un anglais qui parodie le style du Barde : The Two Gentlemen of Lebowski ( Les Deux Gentilshommes de Lebowski, cf. Les Deux Gentilshommes de Vérone). Un mélange qui rappelle un peu le spectacle de Pierre-Emmanuel Barré Full Metal Molière ... Voici ce que ça donne dans le texte :

BLANCHE : Whither the money, Lebowski? Faith, we are as servants to Bon nie; promised by the lady good that thou in turn were good for't.

WOO : Bound in honour, we must have our bond; cursed be our tribe if we forgive thee.

BLANCHE : Let us soak him in the chamber-pot, so as to turn his head.

WOO : Aye, and see what vapourises; then he will see what is foul.

They insert his head into the chamber-pot.

Et voici ce que ça donne dans un extrait (mal) filmé : ici.

Le Mariage de Maria Braun de Rainer Werner Fassbinder (1979)

Thomas Ostermeier a transporté la solitude de la Maria Braun de Fassbinder sur scène. Il nous plonge dans cette Allemagne d'après-guerre qui noie son chagrin dans le confort matériel. Du 25 juin au 3 juillet 2015 au Théâtre de la Ville.

Le scénario du poète Jacques Prévert a été repris au Théâtre du Lucernaire cette saison, dans une adaptation de Philippe Honoré mise en scène par Philippe Person.

Extrait vidéo ici.

En 2003, Daniel Benoin monte une adaptation théâtrale de ce film qui a reçu le Prix du Jury au Festival de Cannes en 1998. Il installe sa réunion de famille au milieu des gradins du Théâtre du Rond-Point. Dix ans plus tard, Vinterberg écrit une suite théâtrale à son film : L'Enterrement, Festen... la suite. L'occasion pour Benoin de s'offrir une deuxième adaptation (cette fois du théâtre au théâtre) en 2012, toujours au Rond-Point.

A l'origine inspiré du roman de Jean Giono Un de Baumugnes, Angèle de Marcel Pagnol a été adapté pour la scène en 2014 par Louis Feyrabend. L'histoire qui agite un petit village provençal est mise en scène par Yves Pignot et interprétée par Patrick Préjean, Didier Constant et Émilie Casenave. Bande-annonce ici.

En 2007, Patrice Leconte a transposé lui-même son film Confidences trop intimes à la scène, en confiant la réécriture du texte à Jérôme Tonnerre, l'auteur du scénario qui l'avait accompagné sur le tournage. Au Théâtre de l'Atelier, les rôles de Fabrice Luchini et Sandrine Bonnaire sont d'abord repris par Jacques Gamblin et Mélanie Doutey, puis par Christophe Malavoy et Florence Darel.

La Compagnie L'In-quarto s'est très librement inspirée de ce film de Jean Eustache. Le " scénario " a été réécrit à quatre mains par Julie Duclos et Guy-Patrick Sainderichin. Voilà une petite vidéo dans laquelle Julie Duclos explique le cheminement de la réécriture scénique ici.

En 2007, Alain Delon et Mireille Darc se substituent à Clint Eastwood et Meryl Streep au Théâtre Marigny. Didier Caron et Dominique Deschamps signent l'adaptation du texte et Anne Bourgeois la mise en scène.

Tirée du roman de Marc Blondin et de son adaptation cinématographique dialoguée par Michel Audiard, Un Singe en hiver est jouée au Théâtre de Paris. Dans cette mise en scène de Stéphane Hillel, Eddy Mitchell et Fred Testot remplacent Jean Gabin et Jean-Paul Belmondo.

Fort de son succès dans les salles obscures, le film d'Eric Toledano et Olivier Nakache a été adapté pour le théâtre par le scénariste et acteur québécois Emmanuel Reichenbach et mis en scène par René Richard Cyr. Dans cette version théâtrale, Antoine Bertrand reprend le rôle tenu par Omar Sy, et Luc Guérin celui de François Cluzet. La pièce Intouchables a été jouée début 2015 au Théâtre du Rideau Vert à Montréal, avant une tournée.

En 2013, le film tiré du roman de Truman Capote est adapté à la scène. C'est Emilia Clarke qui remplace Audrey Hepburn. Difficile de rivaliser avec le sex symbol hollywoodien... La pièce fait un flop à Broadway.

Extrait vidéo ici.

Le film est porté à la scène en 2002. Dans la version de Broadway, c'est l'acteur d' American Pie Jason Biggs qui reprend le rôle du jeune étudiant joué à l'origine par Dustin Hoffman. Et c'est Kathleen Turner ( The Virgin Suicides, Roger Rabbit, A la poursuite du diamant vert ...) qui joue les cougars.

Le film aux 7 Oscars a été adapté en 2014 sur la scène londonienne. Ralph Fiennes et Gwyneth Paltrow sont remplacés par Tom Bateman et Lucy Briggs-Owen dans la version présentée au Noel Coward Theatre. Extrait vidéo ici.

Ces derniers temps, on observe une recrudescence dans l'adaptation de films en comédies musicales, ce que les américains appellent les movicals ( ndlr : movie-musical). Hollywood investit de plus en plus dans ce genre théâtral, après avoir constaté la rentabilité des shows de Broadway (Universal est le principal investisseur de Wicked, une comédie musicale qui a rapporté plus de 3 milliards de dollars de recettes depuis 2003, et qui est en train de devenir la production la plus lucrative des studios, devant E.T et Jurassic Park...). Là aussi la liste est longue : 42nd Street, Otto e Mezzo de Fellini ( Nine à Broadway), The Fearless Vampire Killers de Roman Polanski ( Le Bal des Vampires joué au Théâtre Mogador), Zorba the Greek, Some Like It Hot, Rocky, Saturday Night Fever, Ghost, The Producers de Mel Brooks (un carton de 2001 à 2007), Billy Elliott (s'arrête plus tôt que prévu après 3 saisons), Big Fish de Tim Burton (gros flop en 2013), Legally Blonde, Finding Neverland, American Psycho, Groundhog Day, Back to The Future... Sans oublier les dessins animés et les comics : Beauty and the Beast, Snow White and the Seven Dwarfs, Tarzan, The Little Mermaid, Aladdin, The Jungle Book, The Lion King, Toy Story, Nemo, Shrek, Spider-Man: Turn Off the Dark (obligé de s'arrêter à cause des coûts d'exploitation immenses)...

Autres infos intéressantes :

- Spamalot, tirée de Sacré Graal ! des Monty Pythons, a été adaptée en France par Pef - alias Pierre-François Martin Laval des Robins des Bois.

- La Mouche de David Cronenberg (1986) a été transformé en opéra au Théâtre du Châtelet en 2008.

- Depuis 2011, l'acteur-réalisateur-scénariste-producteur Jason Reitman ( Thank You for Smoking, Juno, The Office...) organise tous les mois des lectures scéniques de scripts de films : The Big Lebowski (encore lui !), The Princess Bride, Reservoir Dogs, American Beauty, The Usual Suspects... Extrait vidéo

- Les Cartes du Pouvoir de Beau Willimon (Molière 2015 du Comédien dans un second rôle pour Thierry Frémont) n'est pas une adaptation théâtrale de la série House of Cards, mais c'est l'adaptation française de sa pièce Farragut North (2008).

- France 2 avait pour projet d'adapter Les Tontons Flingueurs de Georges Lautner au théâtre, mais le projet est malheureusement tombé à l'eau...

- Fabrice Luchini avait manifesté son souhait d'adapter Alceste à bicyclette pour les planches. Verra-t-on le retour du Misanthrope sur scène ?

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On connaît tous des exemples de pièces de théâtre à succès qui ont été adaptées au cinéma. Quel que soit le genre (classique, drame, boulevard, seul-en-scène...) ou le pays (Etats-Unis, France, Royaume-Uni, Italie...), la liste (ici non exhaustive) ne finit pas de s'allonger : Boudu sauvé des eaux (1932), Mon Père avait raison (1936), Volpone (1941), Arsenic and Old Lace...

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Adaptation, réécriture et transposition en littérature

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Adaptation, réécriture et transposition en littérature

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Romans et récits source d'inspiration pour le théâtre

Les contes, les récits populaires, les épopées, la Bible ont été des sources permanentes pour les auteurs de théâtre. Et la tragédie grecque a largement puisé dans les récits d'Homère, le théâtre classique dans la littérature antique.
La réécriture, pratiquée dès l'antiquité n'a cessé de se développer. Au 20ème siècle, nombreux sont ceux qui s'en sont faits les champions comme Charles Dullin, Jean-Louis Barrault qui ont adapté au théâtre nombre de nouvelles et de romans.

Pourquoi adapter, pourquoi réécrire ?

Trahison, mésinterprétation, pour beaucoup il est souvent de " mauvais ton " de s'attaquer à des œuvres originales pour les transposer. Sans doute parce que, comme l'évoquait Duras, chaque écrit dans sa forme initiale évoque "un espace imaginaire propre".
Mais n'est-il pas beau de ressusciter sans cesse un texte à l'éclairage de son époque et de son actualité ? Antigone, pièce en un acte d'Anouilh, est une réécriture transcendée de la pièce de Sophocle. En parfaite opposition avec les règles de la tragédie grecque, elle est conduite à l'éclairage de l'actualité du moment (la fin de la seconde guerre) sur le pouvoir et la révolte. Une grande pièce qui révèle l'ambiguïté des chefs d'œuvre, et la richesse de leur signification. .

Adapter, c'est aussi montrer l'actualité et la contemporanéité d'une œuvre

C'est lui donner une fulgurance nouvelle, donner à voir sa modernité. Et surtout rallier de nouveaux lecteurs, de nouveaux spectateurs à la cause de l'écrit et de la culture.
Et si l'on peut sourire des comédies musicales du moment, sur Mozart ou sur Notre Dame de Paris, ou les trois Mousquetaires, vaut-il mieux (à un public qui ne les lirait pas ?) ne pas savoir qui est Cosette, ignorer le grand musicien du 18ème et ne pas connaître le nom de Dartagnan ?

Comment adapter une œuvre : transposer, compléter, créer, sacrifier...

C'est combler les espaces imaginaires indispensables comme se plait à l'évoquer Marguerite Duras. D'ou sa défiance pour le cinéma. Le cinéma dit la messe et " fixe les représentations pour toujours. ". Sans espace d'interprétation.
Allons plus loin. Pour le théâtre, la mise en scène d'un auteur est une forme de traduction et d'adaptation. La propre imagination du metteur en scène ou du réalisateur sculpte le texte originel et le fait vivre par extension. Deux auteurs compilent leurs talents et leurs visions pour donner naissance à une autre œuvre.
Et que dire de l'œil du lecteur ou du spectateur, si l'on pousse le paradoxe. Un texte s'apprécie de façon subjective, c'est aussi une déviation de la pensée originale de l'auteur.

Comment adapter un roman au cinéma ou au théâtre ?

Du roman au cinéma, du roman au théâtre... : adapter c'est passer d'une langue à une autre. C'est adopter de nouveaux codes, une nouvelle façon de raconter.
L'adaptation est un genre particulier disait Malraux... Elle a un sens unique. On transforme par exemple un roman en film mais jamais l'inverse. Pourquoi ?
Peut-être l'écrivain a besoin de créer de toutes pièces alors que le cinéma fait appel a des techniques normées, son expression circonscrite, une fois réalisé, ne propose pas un champ possible d'imaginaire... Les rares exemples (de l'adaptation de film en roman) sont lamentables, précisait-il.

Mais attention, un film peut révéler un roman voire devenir un chef d'œuvre alors que l'écrit référent ne l'est pas. Citons Jeux interdits (Clément), Le fleuve (Renoir).
L'adaptation présuppose que l'œuvre initiale soit connue du public (sinon personne ne sait que c'en est une !).
Plus une œuvre est irréelle, selon Malraux, plus elle est facile à adapter. Simplement parce qu'à partir de son " irréalité ", on pourra " créer ", et son champ imaginaire devient sans limite.

Adapter un écrit ou un roman, c'est choisir un nouveau langage.

Le langage des images n'est pas le langage du dialogue, n'est pas le langage de la narration.
Toute forme d'adaptation implique une sélection, un choix. Le format, le support exigent des sacrifices. Au cinéma par exemple, synthétiser le drame, l'intrigue, est essentiel car l'espace n'est plus le même.
Un amour de Swann de Volker Schlöndorff (1984) l'atteste. Le scénario lui-même résume en 24 heures la passion jalouse de Swann pour la cocotte Odette, avant un épilogue amer qui les projette dans le futur. L'adaptation requiert donc l'abandon de dizaines, voire de centaines de pages.

Adapter ce n'est pas nécessairement être fidèle.

Un réalisateur ou un scénariste peut recouvrer toute sa liberté dans l'écriture de son scénario, et dans son interprétation de l'œuvre. Carné et Pagnol, Fellini et son Casanova.
Sa vision de l'œuvre, sa lecture, son interprétation doublée de sa technique et son talent de cinéaste s'écartent souvent d'une adaptation fidèle pour devenir parfois une simple source d'inspiration.
Chaque lecteur est le propre lecteur de soi-même disait Proust. C'est vrai.

Transposition et adaptation libre.

C'est le cas où la transposition d'un roman passe par un système de filtre. Le cinéaste écrit un scénario de roman, pour écrire ou en faire écrire par un romancier une version romanesque contemporaine ou transposée dans un autre espace temps ou un autre espace lieu. Il la réadapte alors en un scénario original. La latitude, l'élasticité affichée des auteurs par rapport à l'œuvre initiale reconstruit une œuvre différente, autonome. Parfois pour de bons résultats comme le Madame Bovary de Manuel de Oliveira dans un Portugal contemporain.
Mais il faut compter aussi avec les chefs d'œuvre du cinéma inspirés d'écrits secondaires comme le fameux Barry Lindon de Stanley Kubrick, car les artistes brillants évoluent aussi dans leurs propres arts, dépassant parfois les œuvres originales auxquelles ils se réfèrent.

Adaptation de films au théâtre.

Certains fims semblent être parfois du théâtre filmé. Le Huis Clos de Hitchcock dans Fenêtre sur Cour, l'atmosphère étouffante de Garde à vue de Claude Miller, et bien d'autres.
Nombre de films ont donné lieu à des adaptations de théâtre. Le mariage de Maria Braun de Fassbinder transporté sur les planches montre une Allemagne atypique qui compense sa douleur dans la surabondance de confort matériel, Les Enfants du paradis ", fameux scénario de Jacques Prévert a également été repris au théâtre avec succès.

Le travail d'adaptation est un long chemin. Au-delà d'un récit, il est bon de s'interroger sur l'" adaptabilité ", c'est à dire sur la "plausibilité" du mode de transposition. La densité d'une œuvre, la dimension romanesque ou historique, la dimension émotionnelle des personnages, la chronologie, la poésie nécessitent de repenser, de réorganiser, de sacrifier une partie de l'œuvre pour en exalter d'autres aspects.
Peter Jackson pour Le Seigneur des anneaux a entrepris l'impossible en s'attaquant à l'adaptation du millier de pages de Tolkien, réussissant la performance de faire perdre au public la notion d'original.

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Adaptation, réécriture et transposition en littérature

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Romans et récits source d'inspiration pour le théâtre Les contes, les récits populaires, les épopées, la Bible ont été des sources permanentes pour les auteurs de théâtre. Et la tragédie grecque a largement puisé dans les récits d'Homère, le théâtre classique dans la littérature antique. La réécriture, pratiquée dès l'antiquité n'a cessé de se développer.

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La frontière entre théâtre et cinéma va-t-elle disparaître ?

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La frontière entre théâtre et cinéma va-t-elle disparaître ?

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La frontière entre théâtre et cinéma va-t-elle disparaître ?

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Le théâtre se rapproche du cinéma en transformant les spectacles en réelle expérience immersive en utilisant notamment la 3D et la réalité virtuelle.

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La Règle du jeu, le chef-d'œuvre de Jean Renoir tourné en 1939, vient d'entrer au répertoire de la Comédie-Française. Le film ? Non, le script, coécrit par Renoir et Carl Koch et édité par l'Avant-Scène. C'est Christiane Jatahy, associée au Théâtre de l'Odéon, qui sera aux manettes salle Richelieu, avec les acteurs du Français à partir du 4 février. En janvier, au Théâtre de la Bastille, ce sont les Nuits de la pleine lune et le Rayon vert, parmi les Rohmer les plus vus et connus, que les spectateurs pourront voir avec des acteurs en chair et en os, dans un diptyque intitulé Où les cœurs s'éprennent, et c'est Thomas Quillardet qui opérera la synthèse.

Peu de temps auparavant, le public aura vu à la Maison des arts de Créteil (Val-de-Marne) puis au Théâtre Paris-Villette (XIX e) un autre film adulé, Voyage à Tokyo, de Ozu, adapté pour la scène par Dorian Rossel. L'année dernière au Rond-Point, certains se souviennent, par le même metteur en scène, de Je me mets au milieu mais laissez-moi dormir, adaptation de la Maman et la Putain en une heure et demie, dialogues et didascalies compris, mais sans silence. Le grand œuvre de Jean Eustache est d'ailleurs le blockbuster de la compagnie du Suisse, STT, puisque le spectacle tourne depuis une dizaine d'années. On pourrait citer Thomas Ostermeier, qui fit escale une poignée de soirs au Théâtre de la Ville, l'année dernière, avec le Mariage de Maria Braun, et un Mépris oubliable à la Colline. Mais le précurseur en la matière, c'est bien sûr Ivo Van Hove qui, depuis ses débuts aux Pays-Bas, fait des détours par le cinéma, d' India Song à Opening Night, de Husbands à Rocco et ses frères, de Scènes de la vie conjugale à Cris et Chuchotements. Jusqu'aux Damnés, qui a ouvert le Festival d'Avignon cette année dans la cour d'honneur avec les comédiens du Français et qu'on peut voir dans une scénographie réduite jusqu'au 13 janvier, salle Richelieu.

Mémoire imaginaire

Les adaptations de films sur une scène de théâtre ne sont pas une nouveauté. Ce qui frappe en revanche, c'est la banalisation du phénomène. Pourquoi donc tant de scénarios sur un plateau, alors même que les auteurs dramatiques persistent à exister et que nombre de leurs pièces ne sont pas jouées ? Tout se passe comme si le scénario, considéré en France depuis la Nouvelle Vague comme un outil à sacrifier au tournage et à détruire au montage, acquérait sur le plateau des théâtres une nouvelle dignité, tandis que les scénaristes, du moins en France, s'éprouvent majoritairement, hormis quelques stars du métier, comme la vieille tante indigente du cinéma, dès lors qu'ils ne réalisent pas eux-mêmes.

Les metteurs en scène choisissent cependant rarement de faire découvrir une pépite cinématographique choyée qu'ils seraient les seuls à connaître, ou un scénario inédit, mais misent sur des œuvres du patrimoine. Que le film ait été vu ou non par le public, ils travaillent sur une mémoire imaginaire et parcellaire, constituée autant par la mythologie que suscite le titre que par leur souvenir effectif. Ivo van Hove, par exemple, dit beaucoup qu'il ne revoit jamais le film sur lequel il a jeté son dévolu et qu'il n'invite pas les acteurs à le visionner. Pour autant, le script des Damnés est celui du film de Visconti - avec des coupes - et la transposition théâtrale place le texte en première ligne. Les acteurs ont chacun leur tirade. Le problème est moins la trivialité du texte en contraste avec l'immensité des enjeux - rien de moins que la destruction d'une civilisation - que la manière dont son passage à la scène le projette et le met en avant, comme s'il s'agissait de Macbeth.

Dans la collection "Mettre en scène" parue chez Actes Sud Papiers, Ivo Van Hove explique sa démarche : "Le choix d'un scénario vient de ce que je ne trouve pas dans la littérature dramatique l'expression aussi développée d'un thème, d'une situation de rapports ou de sentiments humains que j'ai envie d'explorer au théâtre par les moyens du théâtre. J'ai retenu Cris et Chuchotements de Bergman pour traiter radicalement de la mort, Husbands pour parler de la crise de la quarantaine à un moment où trois hommes confrontés au vide de leur existence passent par une remise en cause qui aiguise leur appétit de vivre." Le plaisir est alors de donner une seconde vie, dans une autre expression, à une œuvre déjà connue. Ivo Van Hove : " C'est comme si j'étais le premier à affronter, disons, Hamlet." Il y a un double avantage d'habitude antagoniste : être face à l'inédit et à l'hyper connu à la fois. Avec un défi suprême, poursuit le metteur en scène : inventer au film un mode d'expression spécifiquement théâtral. Autrement dit : comment faire pour que le bénéfice de la notoriété cinématographique ne tourne pas en pari perdu d'avance ?

Fenêtres coulissantes

En optant pour une mise sur le plateau de la Maman et la Putain, Dorian Rossel chassait tout risque de répliques quelconques, tant les dialogues d'Eustache rivalisent avec un texte grand siècle. Le cinéaste exigeait du reste que ses dialogues soient respectés à la virgule près et avait le sentiment, en tournant, d'être face à une scène théâtrale. Ce qui intéresse Dorian Rossel avec ce film par ailleurs quasi invisible, est que le flot de paroles (3 h 50) qui nous plonge dans le noyau de la vie des trois protagonistes puisse devenir, par la magie de la représentation, une fulgurance. Deux chaises sur scène : l'objectif n'est pas de restituer le Paris des années 70, mais d'extraire au contraire le texte de son écrin historique. Qu'est-ce qu'on perd, qu'est-ce qu'on gagne ? Le spectateur ne peut s'empêcher de comparer les acteurs avec ceux du film. Et les jeunes comédiens jouent avec des gestuelles, intonations et mimiques de Jean-Pierre Léaud, Bernadette Lafont ou Françoise Lebrun. Ils deviennent à leur insu des rôles à interpréter, qui se superposent à leur personnage. Voyage à Tokyo sur scène ne nous transporte pas plus dans un Japon des années 50, de toute manière inaccessible, que Je me mets au milieu... nous baladait sur le boulevard Saint-Michel du café Mahieu. Mais Dorian Rossel, par un jeu de fenêtres coulissantes, joue avec les cadrages du film d'Ozu : "Au théâtre, c'est le déplacement de l'acteur qui tient lieu de travelling." Le regard du spectateur opère - à l'occasion et sans obligation aucune - un gros plan, ici sur les expressions de l'acteur fétiche de Brooks, Yoshi Oïda. A l'inverse d'Ivo Van Hove, Dorian Rossel a vu et revu le film d'Ozu sans craindre d'être inhibé par l'œuvre et a continué à y faire appel dès qu'il butait sur un caillou : "On revoyait précisément une scène afin de comprendre comment Ozu avait résolu tel problème." L'apport du plateau ? "La métaphysique. Au cinéma, on est toujours ramené à la question du réalisme. Au théâtre, on peut faire jouer une vieille dame par une jeune fille, le temps s'épaissit d'une autre manière. Les spectateurs savent bien que ce qu'ils voient n'a pas l'ambition de se présenter comme réel."

Image manquante

Revenons à la Comédie-Française, où l'administrateur vient d'inaugurer non pas le cinéma sur le plateau mais la représentation théâtrale en direct de la salle Richelieu retransmise dans des salles Pathé. Ainsi pourra-t-on voir Roméo et Juliette, le Misanthrope et Cyrano de Bergerac en même temps que les spectateurs dans la salle. Le contrat est l'absence de différé. Mais comment filmer une pièce ? Eric Ruf a-t-il donné des consignes ? L'administrateur botte en touche. "Le cinéma et le théâtre sont deux lignes parallèles qui se poursuivent tout en ne se rejoignant jamais. Je suis d'autant plus tranquille que je sais que filmer le théâtre est une gageure impossible." Le passage par l'écran l'oblige cependant à inventer une autre entrée en scène pour Roméo et Juliette, modifier légèrement certains passages : "Ce que je constate, c'est que par ailleurs, le cinéma s'invite sur le plateau de plus en plus souvent. Peut-être parce que les scripts sont un matériau plus meuble qu'un texte du répertoire." Pour Eric Ruf, la référence au cinéma n'est pas une nouveauté. Quand ce dernier jouait Hippolyte, Patrice Chéreau demandait aux comédiens de superposer ou "tuiler" leur réplique, une habitude de diction induite par le cinéma, alors rare quand il s'agit d'un texte sacralisé comme celui de Racine.

Pour Christiane Jatahy, l'invention du cinéma a changé le regard du spectateur et il est impossible aujourd'hui d'en faire abstraction. Tout son travail porte donc sur l'interstice entre scène et cinéma, transformer cet espace en lieu conflictuel et fécond, sur ce qu'on voit ou croit voir, et comment le spectateur participe au spectacle. Elle sait déjà qu'elle travaillera avec les dialogues de Jean Renoir sans montrer aucune image du film, qui sera donc, comme dans toutes les adaptations de scénarios au théâtre, l'image manquante. "Ce que les spectateurs connaissent de la Règle du jeu construira le spectacle." A eux de s'en souvenir plutôt comme une libre adaptation des Caprices de Marianne - une inspiration que revendiquait Jean Renoir - ou d'y voir une représentation d'une lutte des classes qui n'a rien perdu de sa ferveur. Des images filmiques sur scène, il y en aura, dans un ton qui rappellera le noir et blanc de la Règle du jeu. N'y a-t-il pas un risque que le regard du spectateur oublie l'incarnation pour se centrer sur les écrans ? Pour la metteure en scène brésilienne, "rien ne se substitue jamais à l'instant présent au théâtre".

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La Règle du jeu, le chef-d'œuvre de Jean Renoir tourné en 1939, vient d'entrer au répertoire de la Comédie-Française. Le film ? Non, le script, coécrit par Renoir et Carl Koch et édité par l'Avant-Scène. C'est Christiane Jatahy, associée au Théâtre de l'Odéon, qui sera aux manettes salle Richelieu, avec les acteurs du Français à partir du 4 février.

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Ils sont comme la poule et l'œuf : Le roman est-il né du théâtre ou le théâtre du roman ? Avant de se cloisonner, la littérature procédait des deux : le récit homérique alternait l'épique et le dramatique, les Métamorphoses d'Ovide mirent en scène la fable au cœur du poème... Plus tard, distinctes, les formes sont restées poreuses, chaque roman procédant d'une théâtralité, chaque pièce pouvant amener un moment romanesque.

Le théâtre de Shakespeare, qui naît du croisement du poème épique et de la chronique historique, peut d'ailleurs se lire comme un long roman - les premières éditions ne présentaient pas de divisions en actes ni en scènes. Au XIXe siècle, le roman marqué par les descriptions et le réel historique s'est éloigné du théâtre, le cinéma récupérant la théâtralité avant de s'en détourner à son tour.

À l'époque, les romans naturalistes sont pourtant portés en scène, parfois adaptés par les écrivains : Paul Féval avec " Le Bossu ", Zola avec " Thérèse Raquin ", qui expliqua : " J'ai suivi le roman pas à pas, j'ai enfermé le drame dans la même chambre (...) tenté de ramener continuellement la mise en scène aux occupations ordinaires de mes personnages, de façon à ce qu'ils ne " jouent " pas mais à ce qu'ils " vivent " devant le public. "

" Il n'y a pas de règles, sinon l'honnêteté d'une transmission "

Les metteurs en scène contemporains s'emparant d'un roman font sensiblement de même. Multiples sont les chemins : en tirer un instantané, un ressenti, ou porter plus directement le texte, reconstruire des scènes, faire prendre en charge des éléments narratifs à des personnages. Jean Bellorini a adapté en 2009 " Les Misérables " (" Tempête sous un crâne "), où les acteurs restituaient les passages dialogués.

Pour " Karamazov ", cette année, il s'est plus intéressé aux passages de narration. " C'est un des personnages, Madame Khokhlakova, qui endosse ce rôle de narrateur, sans modification du texte original ", explique-t-il, " Le " Il était une fois " autorise tout, et la structure malléable d'un roman permet d'investir les acteurs dans la conception. Il n'y a pas de règles, sinon l'honnêteté d'une transmission. Tout ce que l'on fait sur un plateau de théâtre est un récit qui ouvre l'imaginaire, de la même manière qu'un lecteur dans son lit a la liberté d'inventer sa propre représentation d'un roman ".

Des associations qui vont créer l'œuvre théâtrale

Les Frères Karamazov ont aussi été adaptés au printemps par l'Allemand Frank Castorf, metteur en scène qui sera l'invité du prochain festival d'Avignon avec une adaptation de Boulgakov. Du même Boulgakov, " Le Maître et Marguerite " par le Britannique Simon McBurney, en 2012, a été l'une des plus époustouflantes représentations d'un roman ces dernières années. D'autant plus prodigieuse qu'elle restituait sur scène, de cette fiction extrêmement complexe, toutes les strates et temporalités simultanément. Également impressionnant : le monstre " 2666 " porté par Julien Gosselin en un spectacle de onze heures.

Parfois, ce sont des associations qui vont créer l'œuvre théâtrale, telle celle conçue en 2014 par Georges Lavaudant à partir de différents textes de Marie NDiaye, ou les créations récentes de Krzysztof Warlikowski. Le metteur en scène polonais s'est peu à peu détourné des textes dramatiques pour se concentrer sur le romanesque : Jonathan Littell et JM Coetzee lui ont inspiré " (A) pollonia " en 2009, et " Les Bienveillantes " du même Littell " Cabaret Varsovie " en 2013, autre montage littéraire où s'exprimait son intérêt pour l'histoire européenne.

" Évoquer l'époque crépusculaire vécue par Proust "

C'est ce prisme politique et historique qui ramènera Warlikowski à l'œuvre de Proust. Sa vision très personnelle de " La Recherche " se dévoile à Chaillot vendredi 18 novembre. " Il ne s'agit pas d'une adaptation d'" À la recherche du temps perdu ", qui serait impossible ", insiste-t-il. " Ce sont des tableaux, nés d'une investigation personnelle sur l'univers de Proust, au fil de découvertes : le Musée Nissim-de-Camondo, les ballets russes, " La mémoire retrouvée " d'Edmund de Waal, sur la collection du banquier juif Charles Ephrussi qui inspira le personnage de Swann... "

Si 90 % du texte du spectacle est issu de " La Recherche ", il ne faut pas s'attendre à une restitution littérale du roman, mais à un documentaire jouant sur des atmosphères encore vivaces pour les Français aujourd'hui. " Mettre en scène cela ", précise Warlikowski, " c'est évoquer l'époque crépusculaire vécue par Proust. Thomas Mann ou Kafka éprouveront eux aussi une fin de l'Occident et la raconteront. De même que nous vivons un autre crépuscule ".

Plus directement fidèle au roman, jouant aussi sur les évocations, le Belge Guy Cassiers a réalisé de 2002 à 2004 un cycle consacré à " La Recherche ", mêlant technologies, musique, danse et jeu d'acteurs. Il adapta en 2009 " Au-dessous du volcan ", suivant la chronologie de Malcolm Lowry sans pour autant en rendre textuellement la narration, mais intégrant en vidéo les éléments clefs du contexte.

" Le théâtre a cette force d'amener la présence presque physique de la littérature "

Comment traduire le style et l'infini des sensations du roman ? Quand le cinéma vient se fracasser sur les représentations intimes du lecteur, le théâtre, moins enfermant, permet d'autres récits. Pour le comédien et metteur en scène Denis Podalydès, qui a joué deux spectacles adaptés de romans (" Ce que j'appelle oubli " de Laurent Mauvignier et " Le Cas Jekyll ", de Christine Montalbetti), " le théâtre est l'espace vide où toutes les formes sont possibles. Et le roman lui offre un moyen d'exalter l'art de la mise en scène. Je repense à " Guerre et Paix " de Piotr Fomenko, d'après Tolstoï : pure poésie théâtrale ; à la remarquable adaptation du " Piège " d'Emmanuel Bove par Didier Bezace... "

Denis Podalydès a adapté en 2011 " Dans la Foule " de Mauvignier pour ses élèves du Conservatoire : " Les acteurs commençaient livre en main et entraient peu à peu dans l'histoire, s'individualisaient, abandonnaient le livre, jouaient, puis le reprenaient, à la fois narrateurs et caractères ". Il empruntait là une idée d'Antoine Vitez pour " Les Cloches de Bâle " d'Aragon, en 1975, qui l'avait fasciné : " Le roman se déployait sur scène en tant que tel ", se souvient-il. " J'aime entendre et " voir " la littérature au théâtre, pas simplement qu'on me raconte une histoire. Je veux sentir la chair des mots vibrer dans l'espace de la scène. Vitez le disait : au théâtre, on vient entendre et voir la langue ".

Avec son adaptation de " La Mort à Venise " de Thomas Mann en 2013, l'Allemand Thomas Ostermeier plaçait précisément la littérature au cœur de son dispositif théâtral. Dans une scène finale onirique - la mort de l'écrivain - saturée d'une pluie de cendres où dansaient les Parques déchaînées, il allait jusqu'à inviter le spectateur dans l'enfer de l'esprit de l'écrivain, parvenant à représenter sur scène la pensée pure. Le metteur en scène Julien Gosselin le rappelle : " Le théâtre a cette force d'amener la présence presque physique de la littérature ".

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Sur scène en ce moment

* Les Français, d'après Marcel Proust, par Krzysztof Warlikowski (Théâtre
de Chaillot à Paris, du 18 au 25 novembre).

* 2666, de Roberto Bolaño, par Julien Gosselin (tournée à Toulouse du 26 novembre au 8 décembre ; à Brest le 7 janvier, Grenoble le 14 et 15, à Strasbourg du 11 au 26 mars... Rens. : www.lechermoncoeur.fr).

* Karamazov, d'après Dostoïevski, par Jean Bellorini (tournée à Genève du 1 er au 13 novembre, à Marseille du 18 au 27 novembre, à Caen du 14 au 16 décembre, à Saint-Denis du 5 au 29 janvier...Rens. : www.theatregerardphilipe.com).

* Disgrâce, de JM Coetzee, par Jean-Pierre Baro (Théâtre de la Colline à Paris, du 3 novembre au 3 décembre).

* The Fountainhead, d'Ayn Rand, par Ivo van Hove (Théâtre de l'Odéon-Ateliers Berthier, jusqu'au 17 novembre).

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Ils sont comme la poule et l'œuf : Le roman est-il né du théâtre ou le théâtre du roman ? Avant de se cloisonner, la littérature procédait des deux : le récit homérique alternait l'épique et le dramatique, les Métamorphoses d'Ovide mirent en scène la fable au cœur du poème...

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Ce projet (précédemment Projet Pop-up) est un parcours entre trois expériences :
Acqua Alta - Noir d'encre, un spectacle mêlant corps et images ;
Acqua Alta - La traversée du miroir, un livre en pop-up à regarder en réalité augmentée ;
Acqua Alta - Tête-à-tête, une expérience pour casque de réalité virtuelle.

On se souvient que la compagnie Adrien M & Claire B a été en résidence à l'Hexagone pendant plusieurs années. Vous avez peut-être vu Cinématique ou Hakanaï, ou encore l'exposition XYZT, Les Paysages abstraits, présentée dans le cadre de la Biennale Arts Sciences. L'équipe revient cette année avec Acqua Alta, une nouvelle création, un nouveau voyage extraordinaire dans les arts numériques entre poésie et univers ludique.

Acqua Alta veut témoigner du déploiement des dimensions multiples du programme présenté : un spectacle chorégraphique dans un environnement d'images, mais aussi une expérience pour casque de réalité virtuelle, une pratique en ateliers et un livre papier pop-up à regarder en réalité augmentée grâce à une application ! Ce projet global porte l'idée d'une forme d'animisme numérique.
Le spectacle : la danseuse Satchie Noro et l'artiste de cirque Dimitri Hatton évolueront au sein d'un espace numérique " vivant ", un environnement d'images dans lequel sera aussi intégré le public. Ce duo incarne la rencontre entre la délicatesse et l'accident, entre la fragilité et l'équilibre, entre la grâce et le rire. Une femme et un homme sont comme un irréductible échantillon d'humanité, qui poursuit coûte que coûte son chemin-épopée, où se mêlent le dérisoire et l'absurde, sur une musique signée Olivier Mellano.
- Rencontre avec les artistes - Retrouvez la librairie Les Modernes dans le hall du théâtre / MA 09 / ME 10 AVR à l'issue de la représentation / MA 09 AVR
- TÉLÉCHARGER LE DOSSIER PÉDAGOGIQUE

Pour poursuivre ce voyage entre réalité et fiction nous vous invitons à découvir et vivre deux expériences immersives. >>>>> LES IMMERSIVES 3

Production Adrien M & Claire B. Coproductions et soutiens (en cours) LUX, scène nationale de Valence (la compagnie est associée à LUX en 2018-2019), Hexagone Scène Nationale Arts Sciences - Meylan, Maison de la Danse, Lyon / Pôle européen de création - DRAC Auvergne Rhône-Alpes ministère de la Culture, Chaillot - Théâtre National de la Danse, Espace Jéliote, Scène conventionnée arts de la marionnette, Communauté de Communes du Haut-Béarn, Oloron-Sainte-Marie, Théâtre Paul Éluard, Scène Conventionnée Bezons, Theater Freiburg.
Aides et soutien :Soutien exceptionnel, Adami - Accueil studio, Les Subsistances, Lyon, 2018-19.
La compagnie Adrien M & Claire B est conventionnée par la DRAC Auvergne-Rhône-Alpes, la Région Auvergne-Rhône-Alpes et soutenue par la ville de Lyon.

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Ce projet (précédemment Projet Pop-up) est un parcours entre trois expériences : Acqua Alta - Noir d'encre , un spectacle mêlant corps et images ; Acqua Alta - La traversée du miroir , un livre en pop-up à regarder en réalité augmentée ; Acqua Alta - Tête-à-tête , une expérience pour casque de réalité virtuelle.

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Acqua Alta

Un parcours dans l'imaginaire de l'eau, avec un spectacle, un livre pop-up augmenté et une expérience en réalité virtuelle.

Acqua Alta raconte une histoire. Une femme, un homme, une maison. Un quotidien absurde et cousu de discorde. Mais un jour de pluie, la vie chavire : la montée des eaux engloutit la maison dans une mer d'encre. La femme glisse et disparaît. D'elle il ne reste que les cheveux. Vivants. C'est l'histoire d'une catastrophe, particulière et universelle. C'est l'histoire d'une perte et d'une quête. C'est l'histoire de la peur de l'étrange et de l'altérité, et de son apprivoisement.

Nous avons imaginé trois variations de cette histoire, en utilisant trois formats singuliers :
Acqua Alta - Noir d'encre : un spectacle de théâtre visuel, mêlant danse et images numériques vivantes ; Acqua Alta - La traversée du miroir : un livre dont les dessins et les volumes en papier forment les décors de l'histoire visible en réalité augmentée ; Acqua Alta - Tête-à-tête : une expérience en réalité virtuelle où l'une des scènes est vécue de façon immersive dans un casque individuel.

Le parcours proposé au spectateur est fait de ces trois expériences qui entrent en résonance.

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Acqua Alta Un parcours dans l'imaginaire de l'eau, avec un spectacle, un livre pop-up augmenté et une expérience en réalité virtuelle. Acqua Alta raconte une histoire. Une femme, un homme, une maison. Un quotidien absurde et cousu de discorde. Mais un jour de pluie, la vie chavire : la montée des eaux engloutit la maison dans une mer d'encre.

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Acqua Alta : une création numérique en plusieurs temps - Auvergne-Rhône-Alpes - Livre et lecture

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Acqua Alta : une création numérique en plusieurs temps, Auvergne-Rhône-Alpes - Livre et lecture

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Art et technologie, deux notions antinomiques ? Que nenni ! Les codes informatiques peuvent donner naissance à des oeuvres étonnantes, provoquer de puissantes émotions. Il suffit pour s'en convaincre de découvrir "Digital Art Works. The challenges of conservation" (1), la nouvelle exposition de l'Espace multimédia Gantner de Bourogne. Dirigé par l'énergique Valérie Perrin, ce lieu, qui vient de recevoir l'appellation centre d'art contemporain, est le premier collectionneur d'art numérique en France avec 43 oeuvres et 9.000 documents de référence sur le sujet. Dix oeuvres sont ici présentées sur un écran plasma, un PC, un Mac, un écran d'ordinateur géant, une vidéo en 3D ou encore 10 écrans de télévision.

Comme un pinceau

Avec "Still Living", d'Antoine Schmitt, pour qui la programmation est "un matériau comme le seraient pour le peintre à la fois le pinceau, le pigment, le liant et le support", le spectateur fait face à trois écrans sur lesquels des graphiques financiers sont en action constante. Les courbes, les camemberts, les abscisses et les ordonnées semblent animés par des forces intrinsèques et proposent un regard critique sur la quantification généralisée induite par le capitalisme. "Je travaille sur les processus systémiques humains", explique l'artiste, l'un des plus primés de l'art numérique. Autre oeuvre présentée, l'incroyable "OSS/****" sur CD-Rom, de Jodi. Une fois installé, il brouille totalement l'écran de l'ordi, des fenêtres apparaissent et se referment. On croit à un gros virus, on se retrouve impuissant. Belle métaphore de la dépendance des hommes aux machines.

Un art en marche

Défricheur, le centre Gantner pose déjà la question de la conservation des oeuvres numériques. Que deviendront ces travaux lorsque les logiciels, les ordinateurs ou les langages de programmation du web avec lesquels ils ont été conçus seront obsolètes ? Peut-on montrer sur un iPad un travail initialement conçu pour un PC ? Mais l'exposition permet également de prendre la mesure de l'inventivité de l'art digital, miroir de notre époque. Cet art est en marche. Il s'expose d'ailleurs aussi, régulièrement, au centre de création numérique du Cube à Issy-les-Moulineaux, à la Gaîté-Lyrique, à la galerie RX à Paris et chez Digitalarti, un centre de promotion parisien des artistes numériques. Les pionniers comme Fred Forest, avec ses vidéos télévisuelles interactives en circuit fermé, et Miguel Chevalier avec ses serres virtuelles ont fait des algorithmes informatiques leur matière première dès la fin des années 1970. Aujourd'hui, alors que nos vies se déclinent en high-tech, les artistes numériques sortent de l'ombre, même si le marché est toujours balbutiant.

Figure du Christ

"Il n'y a pas encore de cote pour ces arts de l'écran ou arts "écraniques"", confirme Anne-Cécile Worms, la fondatrice de Digitalarti. Elle ajoute : "Il faut arrêter de réduire ces talents à l'aspect numérique de leur création. Ce sont des artistes contemporains tout comme ceux qui n'utilisent pas les nouvelles technologies. Tenons-nous en à leurs oeuvres !"

"Le Christ mourant" (photo ci-contre), d'Antoine Schmitt, artiste de la galerie Charlot (2), est l'une des plus émouvantes qui soit. Un Christ en croix grandeur nature est programmé pour relever imperceptiblement la tête, tenter de se redresser, ne pas y parvenir puis s'affaisser légèrement et ce, ad vitam aeternam. Le Christ, ici, ne meurt jamais ; sa souffrance est sans fin. Figure impressionnante, autant, par exemple, que le Christ en croix du retable d'Issenheim de Matthias Grünewald (XVIe siècle). On doit aussi à Schmitt, décidément très doué, l'enchanteur "Pixel blanc", soit la balade aléatoire d'un pixel blanc dans un carré. "Il doit être projeté parce que la lumière projetée fonctionne bien avec le grain du mur et que l'on perçoit mieux mon intention de restituer la découverte de l'inconscient par Freud, décrypte l'artiste. Deux programmes contradictoires animent ce pixel. L'un représente le conscient, l'autre l'inconscient et le second contrecarre souvent le premier dans son trajet, qui n'est jamais le même."

Des anges et des sons

Les créations numériques sont bel et bien organiques. Elles s'inventent souvent sur le Net avec des artistes comme Art of Failure, pseudonyme du duo Nicolas Maigret et Nicolas Montgermont. Dans "Internet Topography" (photo ci-contre), l'une des plus poétiques de leurs installations, ils démontrent comment internet crée sa propre matière grâce à la matérialisation visuelle de bugs du réseau. Ainsi, ils envoient un son en temps réel depuis Tokyo jusqu'au lieu de l'exposition. Alors, comme des hologrammes, un tapis fait de lignes blanches ondule dans la salle au fur et à mesure que le son rencontre des erreurs de transmission. "Nous voulons matérialiser le médium qu'est le son produit par les altérations et les variations de la géographie du réseau", dit Nicolas Montgermont. C'est aussi à partir du réseau conçu comme matériau qu'Albertine Meunier crée ses charmants "Angelino", extraordinaires de sensibilité. Connectée à internet, une petite danseuse dans une bouteille de verre tourne sur elle-même dès que le mot "ange" est mentionné sur Twitter. "Il y a un prime time de l'ange !, s'enthousiasme Anne-Cécile Worms, soutien inconditionnel de la créatrice. Vers 18 heures, à la sortie des bureaux, la danseuse n'arrête pas !" Comme tous ses "confrères", Albertine Meunier réfute l'appellation d'artiste numérique ou de "Net artiste". "Je fais de l'art, insiste-t-elle. Internet est juste ma matière de prédilection."

Marseille est acheteuse

"De l'art et basta !", s'exclame aussi Miguel Chevalier dont les fleurs fractales, éclatantes, se régénèrent à l'infini. Dans les expositions, les spectateurs deviennent le vent en bougeant devant le mur où sont projetés les végétaux qui se mettent à se balancer gracieusement. L'artiste a trouvé son public. Ce sont des villes, comme Marseille où un jardin virtuel, inspiré de la fore méditerranéenne, se renouvelle sans cesse sur l'une des façades des docks ; c'est le métro d'Oslo mais aussi des particuliers. Pour 25 000 euros, ils peuvent acheter des graines virtuelles qui vont croître et mourir, puis se régénérer. L'oeuvre est livrée avec un écran plat, un ordinateur, son code informatique et un certificat d'authenticité. Toujours du même artiste, le livre virtuel de botanique. Des pages, comme autant de tablettes numériques, renferment, d'un côté une plante en mutation constante, de l'autre un générateur de texte fait de morceaux de phrases, de noms, de verbes, d'adjectifs, de proverbes. Et voilà que l'histoire virtuelle de plantes virtuelles s'écrit dans ce drôle d'herbier virtuel dont le prix s'élève à 50 000 euros. Pour faire bonne mesure, de petites "Fractal Flowers" sont aussi disponibles en appli sur iPad et sur iPhone. Il y a fort à parier que les tablettes et les smartphones démocratiseront, dans les années à venir, cet art contemporain qu'est la pratique numérique, au même titre que l'art vidéo en son temps.
(1) Jusqu'au 28 avril.
(2) 47, rue Charlot, Paris (3è)

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Art et technologie, deux notions antinomiques ? Que nenni ! Les codes informatiques peuvent donner naissance à des oeuvres étonnantes, provoquer de puissantes émotions. Il suffit pour s'en convaincre de découvrir "Digital Art Works. The challenges of conservation" (1), la nouvelle exposition de l'Espace multimédia Gantner de Bourogne.

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La scénographie numérique : une révolution pour votre mise en scène ?

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La scénographie numérique : une révolution pour votre mise en scène ?

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La scénographie numérique : une révolution pour votre mise en scène ?

Faire voler un rocher sur scène, créer un décor qui réagit à la présence des artistes... vous en rêvez ? Révolutionnaire en l'an 2000, largement démocratisée en 2016, la scénographie numérique a profondément bouleversé notre approche de la scène. Aujourd'hui, des technologies accessibles, permettent de créer des décors sans limites. À l'heure où on met du " numérique " partout, nous avons demandé à Serge Meyer, artiste scénographe et formateur, de nous éclairer sur le sujet et de nous donner quelques exemples des possibilités qu'elle offre. Entretien...

Nouvelles technologies, prolifération des supports, accès à la connaissance... la révolution numérique a profondément changé notre rapport au monde. Le spectacle vivant n'est pas en reste et a donné, dans ce contexte, une place nouvelle à ceux qui travaillent, non plus pour, mais avec les artistes.

Serge Meyer est artiste scénographe d'images pour le théâtre, la danse et l'opéra. Selon lui, " il convient de dissocier décor et scénographie, dans le spectacle vivant. Là où le décor a une fonction ornementale, la scénographie lie intimement l'artistique et l'espace dans lequel se déroule la création ". À propos de scénographie numérique, il précise : " À la fin des années 90, nous utilisions le terme " numérique " en prédisant que toutes les technologies à venir allaient l'être. "

Mais la réalité est bien plus complexe : " On utilisait ce terme parce qu'à cette époque on voulait voir de l'image numérique sur scène. Mais hors du contexte des nouvelles technologies, ça ne veut pas dire grand chose. " En effet, S erge nous décrit un changement de rapport au métier dont on trouve les balbutiements dès les années 60, dans le travail de Josef Svoboda.

Interview du commissaire de l'exposition " Joseph Svoboda "
pour l'émission " Bretagne actualités " (28 déc 1966)

C'est donc plutôt de " scénographie à l'ère numérique " qu'il convient de parler : une approche de la mise en scène " en phase avec son temps ", faisant appel à la fois à des techniques traditionnelles et des technologies nouvelles et se nourrissant de la capacité des créateurs à se renouveler sans cesse. Serge voit d'ailleurs plus le scénographe comme " un chercheur qui traduit la pensée d'un auteur sous forme scénique " que comme un technicien audiovisuel. " Dans certains projets, le média numérique peut d'ailleurs être complètement absent. En fait, ce que la scénographie a de numérique, c'est ce qu'elle génère comme moyens d'écriture, la manière dont elle s'adapte aux différents publics et leur propose une expérience nouvelle du spectacle. "

Nous avons demandé à Serge Meyer de nous donner, à travers une sélection de photos et de vidéos, une idée des possibilités infinies qu'elle offre. Immersion...

Faire de la 3D avec... du polystyrène
" Cet exemple montre qu'on peut faire tout, absolument tout avec la scénographie numérique. Il n'y a plus aucune limite à votre imagination.

" 3 rêves non valides " - Art Zoyd (rêve n°2, Serge Meyer)
Le rêve n°2 montre un écran de 8000 sphères qui permet de projeter des images en trois dimensions sans avoir besoin de lunettes. Les images projetées sont travaillées pour sculpter l'écran dans sa profondeur. "
Sortir de la scène - Travailler in situ
" Voici un exemple de ce que nous produisons pour le festival Musique sur Ciel de Cordes-sur-ciel.
Festival Musique sur Ciel - Scénographie : Serge Meyer
Pour accompagner les concerts qui ont lieu dans cette église, nous projetons un vidéomapping dans le choeur" La scénographie numérique Ici, il se passe des choses sur scène. Et l'absence de décor laisse toute la place au 0, au 1 et au bruit vidéo, qui sont les éléments centraux " Chez Hiroaki Umeda, pas de décor physique non plus. Le corps devient lui même support de projection et un jeu s'établit avec le sol et le mur du lointain, jusqu'à une saturation de l'espace. Une expérience très immersive pour le spectateur, proche de la transe. " du travail de Ikeda, et qui peuvent remplir la scène sans aucun obstacle. " " Chez Ikeda et Umeda, nous sommes dans une esthétique minimaliste à l'extrémité de l'expérience sensorielle. L'univers de Castellucci, lui, est plus rempli (couleur, fumée, lumières...) et manie des textures. On est dans quelque chose de plus théâtral qui nous raconte des situations contemporaines. On est aussi dans un mélange et une rencontre parfaite entre les anciennes techniques scénographiques et le numérique. " et l'informatique permettent d'évidence une écriture minimaliste. Mais attention, qui dit minimalisme ne dit pas rien. et sur un décor de scène composé de deux disques en bois. La scénographie imaginée pour ce lieu a deux objectifs : le premier est d'utiliser l'habillage vidéo pour raconter quelque chose en situation réelle, à partir du lieu; le second est d'apporter une vraie signature artistique sur la scène. Les deux disques en bois sont à la fois un objet esthétique et un écran acoustique qui a permis de résoudre les problématiques " Je suis scénographe, mais c'est aussi mon profil de plasticien que je mets à profit pour apprendre aux stagiaires de cette formation à comprendre le propos d'un artiste et travailler main dans la main avec lui. " sonores que nous pouvons rencontrer dans ce genre de lieu. "
Laisser la place au minimalisme

Proposer des expériences immersives au public

" Holistic Strata " - Hiroaki Umeda

Travailler les matières et les volumes

" Marseille " - Roméo Castellucci

Créer de l'interactivité

" La scénographie peut participer à l'écriture au plateau quand elle propose des dispositifs interactifs. C'est à dire quand elle est capable d'influencer l'interprétation d'un comédien ou d'un danseur. Dans " L'ombre blanche ", les danseurs plongés dans le noir, ne sont éclairés que par leur ombre. On peut voir dans cette vidéo comment on travaille le dispositif sur maquette.

Se former à la scénographie numérique

Pour illusion & macadam, Serge Meyer anime, du 10 au 13 octobre, une formation de 4 jours pour apprendre les bases et concrétiser un projet de scénographie.

Dans ce stage de niveau I, Serge apprend aux stagiaires à maquetter leur projet : " c'est une étape fondamentale avant de passer à la production en taille réelle. La réalisation d'une maquette permet d'anticiper les besoins techniques et les coûts ".

Le stage complémentaire " Scénographie numérique, niveau II " est programmé régulièrement par notre centre de formation.

Prochaines sessions :

Scénographie numérique, niveau I : 10-13 octobre 2016 à l' ENSATT de Lyon

Scénographie numérique, niveau II : 16-19 janvier 2017 à l' ENSATT de Lyon

Pour plus d'informations, contactez le centre de formation :

Claire de Joybert et Elodie Boyer : 04 67 84 29 89 / formation@illusion-macadam.fr

Cette formation est proposée en partenariat avec et même si et l' ENSATT de Lyon

Serge Meyer

Serge Meyer est un artiste scénographe d'images pour le théâtre, la danse et l'opéra. Issu des arts plastiques, il conçoit ensemble la création des images et leur dispositif de présentation. Il signe cette année sa 38ème scénographie numérique et travaille notamment avec les metteurs en scène David Lescot, Yasmin Reza, le chorégraphe Paco Décina... Il dirige depuis 2008 le studio de création " Et même si " ( www.etmemesi.com ), spécialisé dans la création numérique, présent en moyenne chaque année sur quatre-vingt dix représentations de spectacle.

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Scénographie numérique : une révolution pour votre mise en scène ?

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Faire voler un rocher sur scène, créer un décor qui réagit à la présence des artistes... vous en rêvez ? Révolutionnaire en l'an 2000, largement démocratisée en 2016, la scénographie numérique a profondément bouleversé notre approche de la scène. Aujourd'hui, des technologies accessibles, permettent de créer des décors sans limites.

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Le théâtre, lieu de résistance face au tout numérique?

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Le théâtre, lieu de résistance face au tout numérique?

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Théâtre et spectacle vivant: Les architectes Ces spectacles se présentent le plus souvent comme des étapes de recherche et d'expérimentation plutôt que comme des produits finalisés.

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Vous documentez avec efficacité le spectacle à travers les photos et les différentes parties portant sur les composantes scéniques. Il faut maintenant gagner en densité sur le volet plus analytique et proposer la prochaine fois un plan en 3 parties guidé par une question problématique

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Après regarder l'Acqua Alta, J'ai dessiné ces deux peintures,La première paire était avant la catastrophe, il faisait beau, tout était calme.

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La deuxième est le même tableau, mais la couleur a changé, tout comme la fin de l’histoire, les cheveux de la femme sont restés et ont accompagné l’homme. Ses cheveux sont comme la marque sombre dans le ciel, tout n'a pas changé, à la fin, rien que de la mémoire. Après la catastrophe, tout est calme.