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Jules Émile Frédéric Massenet, compositore francese, nacque a Montaud, St Etienne il 12 maggio 1842

Per favorire la sua predisposizione alla musica, la sua famiglia si trasferì a Parigi, in modo che potesse studiare al Conservatorio della capitale dove cominciò gli studi nel 1851 e quando, tre anni dopo la sua famiglia, per ragioni economiche, lasciò Parigi, scappò per continuare i suoi studi.

Per mantenersi agli studi suonò nei locali il pianoforte e la batteria, diede lezioni di musica, mentre perfezionava con studi accurati la sua formazione.

Il suo duro lavoro è stato ripagato pagato quando ha vinto il Prix de Rome nel 1863, che lo ha portato per tre anni a studiare a Roma e ha iniziato a scrivere opere.

La sua prima opera fu un atto unico eseguita all'Opéra-Comique nel 1867, ma il giovane compositore fu costretto a lasciare momentaneamente la musica per servire come soldato nella guerra franco-prussiana.

Tornato alla sua arte dopo la fine del conflitto nel 1871 ritornò in pubblico con il dramma oratorio Marie-Madeleine nel 1873 che ottennero l'elogio di musicisti del calibro di Tchaikovsky e Gounod e una larga fama di pubblico.

Nel 1877 all'Opéra di Parigi Massenet rapprese Le Roi de Lahore e l'anno dopo ottenne la cattedra di composizione al Conservatorio di Parigi dove ebbe fra i suoi allievi Gustave Charpentier, Reynaldo Hahn e Charles Koechlin.

Jules Massenet continuò a comporre per il teatro lirico riscuotendo un certo successo con Erodiade nel 1881, Manon nel 1884, Le Cid nel 1885, Esclarmonde nel 1889, Werther nel 1892, e Thaïs nel 1894.

L'opera più famosa del compositore fu Manon che è ancora presente nei programmi dei teatri lirici di tutto il mondo, con l'opera Don Chisciotte, composta dal compositore a Monte Carlo nel 1910, con il leggendario basso russo Feodor Chaliapin.

Massenet oltre alle opere liriche ha composto anche musica per balletto, oratori e cantate, opere per sola orchestra e circa 200 canzoni prima di morire il 13 Agosto 1912.
L'opera che ho scelto è Le Roi de Lahore andata in scena nel 1877 all'Opera di Parigi. E' formato da continui crescendo molto potenti.

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Il compositore e violoncellista tedesco naturalizzato francese, Jacques (Jacob) Offenbach nasce a Colonia il 20 giugno 1819.

È considerato il padre dell’operetta oltre che uno dei più famosi compositori di musica popolare nell’Europa del milleottocento.

Il padre di Offenbach, l'ebreo Isaac Eberst nacque verso il 1780 a Offenbach am Main, località sul fiume Meno in Germania.

Il suo nome viene cambiato in Offenbach nel 1802 quando si stabilisce a Deutz.

Compositore, insegnante di musica e uomo dalle tante virtù, si trasferisce a Colonia e nel 1819 nasce Jacob.

È il 1833 quando il giovane Jacob si sposta a Parigi per volere del padre ottenendo l'ammissione al Conservatorio come studente di violoncello ma purtroppo gli studi durano poco per difficoltà economiche e Jacob si trova costretto ad abbandonare il conservatorio verso l'anno successivo per dedicarsi a vari lavori tra i quali violoncellista nell'orchesta dell'Opera-Comique.

La sua abilità nel suonare lo strumento si distingue da subito tanto da collaborare con importanti pianisti, come Anton Rubinstein, Liszt, Mendelssohn e Flotow.

Nel 1844 sposa Herminie d’Alcain e qualche anno dopo si trasferisce in Germania per evitare la situazione violenta creatasi in Francia.

Nel 1850 ottiene il ruolo di direttore d’orchestra al Théâtre Français senza riscuotere però grandi simpatie, tanto che si sposta in un piccolo teatro negli Champs-Élysées, Bouffes Parisiens, e poi in un teatro più grande in rue Monsigny/Passage Choiseul. È qui che ha inizio la sua grande carriera.

Inizialmente si trova a comporre opere minori, di un solo atto e con pochi cantanti, mentre nel 1858 realizza la sua prima opera grande opera: Orfeo all’inferno.

Sono almeno centro le operette firmate da Offenbach, come La bella Elena, La Vie Parisienne, La Grande-duchesse de Gerolstein e Barba Blu, molto famose ieri come altrettanto famose oggi.

Le sue opere sono un insieme di satira politica e culturale.

Molto affezionato alla Francia, Offenbach si trovò però accusato di tradimento nel 1870 con lo scoppio della guerra tra Francia e Germania, tanto che si deve trasferire in Spagna.

Al suo rientro a Parigi le sue opere riscuotono grande successo come denuncia contro l'impero napoleonico.

Nel 1876 per motivi economici va in America dove tiene diversi concerti, circa una quarantina, tra New York e Filadelfia.

Una delle opere di maggior successo e popolarità è Madame Favart del 1878, che racconta la vita dell'attrice francese Marie Justine Favart.

La sua carriera e vita si concludono con quello che è considerato il migliore dei suoi lavori, I racconti di Hoffmann, opera purtroppo non conclusa a causa della sua morte che lo sorprende nel 1880.
Ho scelto "Barcarola" perché è  un brano tranquillo e che sembra proprio riprendere il movimento di un barca.

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Johan Julius Christian Sibelius, noto come Jean Sibelius (8 dicembre 1865 - 20 settembre 1957), è un compositore e violinista finlandese di lingua svedese. Insieme a quella di Johan Ludvig Runeberg, la sua figura è il simbolo musicale dell'identità nazionale finlandese.

Jean Sibelius nacque nel 1865 a Hämeenlinna nel Granducato di Finlandia, sotto il dominio russo. La sua famiglia, per metà svedese, decise consapevolmente di mandare Jean in una importante scuola di lingua finlandese. Ciò deve vedersi come parte della più ampia crescita del movimento dei Fennomani, un espressione del nazionalismo romantico che sarebbe diventata una parte cruciale della produzione artistica e delle idee politiche di Sibelius.

Le sue composizioni più note sono "Finlandia", "Valse Triste", il "Concerto per violino e orchestra", la suite "Karelia" e "Il cigno di Tuonela" (un movimento della suite Lemminkäinen), ma egli scrisse molta altra musica, tra cui altri pezzi ispirati a Kalevala, sette sinfonie, oltre cento canzoni per voce e pianoforte, musiche di scena per 13 drammi, un'opera (Jungfrun i tornet, inedita), musica da camera tra cui un quartetto d'archi, musica per pianoforte, musica corale e musica rituale massonica.

Il grafico finlandese Erik Bruun usò Jean Sibelius come tema per la banconota da 100 marchi dell'ultima serie di tale valuta.
Inserisco qui una parte della sua opera più nota: Finlandia.

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Sibelius - Finlandia op. 26 (Opening of the new Helsinki music hall)

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Antonin Dvorak nacque in Boemia nel 1841. Venne avviato presto allo studio del violino e, poi, del pianoforte e dell’organo. Trasferitosi a Praga, lavorò per un certo periodo come violinista e come organista; poi, dal 1873, dietro interessamento di Brahms ebbe dal governo austriaco una borsa di studio grazie alla quale poté perfezionarsi nella composizione; in questo campo divenne ben presto famoso in tutta Europa. Nel 1892 si trasferì negli Stati Uniti; qui, dopo aver diretto per tre anni il conservatorio di New York, compì diversi viaggi nel corso dei quali studiò la musica dei neri e degli indiani d’America: queste sue ricerche influirono decisamente sulla sua produzione di quel periodo, come è dimostrato nella famose Sinfonia del Nuovo Mondo.
Nel 1895 tornò a Praga, dove per qualche anno diresse il conservatorio della città. Morì nel 1904.
La produzione musicale di Dvorak è molto ricca e si estende ai più diversi generi: compose opere, ispirate a melodie popolari ma che in parte risentono anche dell’influenza di Wagner; fu molto apprezzato anche per le sue composizioni per coro e orchestra, sia religiose che profane; compose inoltre parecchi lieder, ma la sua fama è legata soprattutto alla musica strumentale.
In questo campo spiccano numerose composizioni per orchestra, per strumenti solisti accompagnati dall'orchestra e per piccoli insiemi strumentali.
Ed è soprattutto nelle composizioni strumentali che emerge la principale caratteristica dell’opera di Dvorak, cioè il forte richiamo alle tradizioni musicali della sua terra, che fa di lui uno dei più significativi esponenti delle scuole nazionali dell’Europa orientale.
La sua opera più nota è scuramente La sinfonia del nuovo mondo,anche se io lascio qui solamente il  4th movement. Quest'ultima è potente anche se molto profonda e cupa.

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Biografia:
Nato in Boemia (nell'attuale Cecoslovacchia) nel 1824, Smetana fu un bambino prodigio che all'età di quattro anni sapeva già suonare il violino e a sei fece la sua prima esibizione pubblica al pianoforte.
Recatosi a Praga per terminare gli studi di pianoforte e di violino, Smetana fece il suo primo importante incontro con il musicista Franz Liszt, che lo aiutò economicamente ed ebbe un grande influsso sul suo stile musicale. Grazie a questa amicizia, Smetana riuscì poi a fondare una sua scuola musicale a Praga.
Il suo primo lavoro orchestrale è l’Ouverture trionfale, scritta nel 1848 per commemorare la fallita rivolta popolare avvenuta a Praga. Preoccupato per il futuro della sua scuola, Smetana accettò l’incarico di maestro di musica presso l’imperatore austriaco Ferdinando I. In quegli anni scrisse la sinfonia Trionfale in occasione delle nozze di Francesco Giuseppe, successore di Ferdinando I. Dopo un periodo di crisi coinciso con la morte di sua figlia, Smetana si risollevò accettando l’incarico di direttore d’orchestra della Società Filarmonica di Goteborg, in Svezia. Qui Smetana compose i suoi primi poemi sinfonici e i Souvenirs de Bohème (Ricordi di Boemia) per pianoforte, ricchi di elementi desunti dal repertorio nazionale.
Tornato a Praga nel 1861 dopo la concessione della costituzione da parte di Vienna al popolo ceco, Smetana si impegnò per creare una forma di teatro nazionale. A questo scopo compose le opere i Brandeburghesi in Boemia e il suo capolavoro La sposa venduta. Accanto a questa opera, hanno raggiunto fama mondiale i sei poemi sinfonici composti tra il 1874 e il 1879 con il titolo La mia patria, ispirati a leggende, vicende storiche e paesaggi della sua terra.
Di questi, il più famoso è quello che porta il titolo La Moldava, dedicato al fiume che bagna Praga.
Ricoverato in ospedale per una grave malattia mentale, morì nel 1884.
L'opera che ho scelto è La Sposa venduta,in particolare il suo Overtoure. Il brano,qui eseguito da un' orchestra, "prende il volo"dopo il minuto 1.45, ma ci sono molti altri momenti in cui le note sembrano "salire verso l'altro" per poi esplodere in un suono molto vivace e potente.

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Bedrich Smetana－Overture from "The Bartered Bride"

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Nikolaj Andreevi Rimskij-Korsakov ( -), talvolta citato come Nikolai o Nicolai Rimsky-Korsakoff(18 marzo 1844 21 giugno 1908) fu un compositore russo e insegnante di musica classica particolarmente noto per la sua fine orchestrazione, che può esser stata influenzata dalla sinestesia. Le sue composizioni più famose sono: Il volo del Calabrone e Sheherazade.

Biografia

Nato a Tikhvin, vicino Novgorod, da una famiglia aristocratica, Rimskij-Korsakov mostrò doti musicali già in tenera età, ma fu avviato agli studi presso Collegio della Marina Imperiale Russa e, successivamente, si arruolò nella Marina Russa imbarcandosi sulla nave-scuola Almaz. Fu solo quando incontrò Mili Balakirev, nel 1861, che iniziò a dedicarsi seriamente alla musica. Quando fu sulla terra ferma e non in crociera, Balakirev l'incoraggiò e gli insegnò a comporre. Egli incontrò gli altri compositori del gruppo che sarebbero diventati famosi come il Gruppo dei Cinque (in russo: ). Durante gli anni trascorsi in Marina, Rimskij-Korsakov completò una sinfonia, la prima che sia mai stata composta da un russo, nonché completò alcune brani sinfonici Sadko (1867) e l'opera La fanciulla di Pskov (1872). Nel 1873 prese congedo dalla marina.

Rimskij-Korsakov e gli altri compositori del Gruppo dei Cinque collaboravano spesso tra loro modificando le loro opere. In particolare, dopo la morte di Modest Musorgskij nel 1881, Rimskij-Korsakov rivisitò diverse opere di Musorgskij prima che fossero pubblicate ed eseguite. Per esempio, l'arrangiamento di Rimskij-Korsakov della Notte sul Monte Calvo di Musorgskij è la versione attualmente più eseguita. Ad ogni modo, la critica musicale ha rivalutato lo stile di Musorgskij, precedentemente considerato sporco, apprezzandone l'originalità. Per questo motivo alcune rivisitazioni di Rimskij-Korsakov, come Boris Godunov, hanno perso popolarità e sono state sostitute dalle versioni dei manoscritti originali di Musorgskij.

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Nel 1871, sebbene fosse in gran parte autodidatta, Rimskij-Korsakov divenne docente di composizione ed orchestrazione al Conservatorio di San Pietroburgo. Lì insegnò a vari compositori che in seguito avrebbero conosciuto la fama: Glazunov, Prokofiev ed Stravinsky. Continuò ad essere un compositore molto prolifico, scrivendo diverse lavori orchestrali, compreso la famosa Sheherazade ed il Capriccio Spagnolo. Scrisse anche quindici opere tra cui: Kascej l'immortale e La favola dello Zar Saltan, l'ultima delle quali include il celeberrimo Volo del Calabrone che è stato arrangiato per tutti i tipi di strumenti musicali (reso noto anche dalla versione per pianoforte che appare nel film Shine). Compose anche musica liturgica a cappella per il culto ortodosso, tra le quali la Liturgia di San Giovanni Cristosomo.

Nel 1905 Rimskij-Korsakov fu rimosso dalla cattedra del Conservatorio di San Pietroburgo a causa di alcune opinioni politiche non condivise dalle autorità dell'epoca. Questo provocò una serie di dimissioni da parte dei membri della Facoltà, che costrinsero le autorità a reinsiedarlo nella sua carica. La controversia politica continuò con l'opera Il Gallo dOro (Le Coq dOr) del 1907, che costituiva un attacco alla Russia Imperiale e che fu censurata dopo la prima esecuzione pubblica.

Verso la fine della sua vita, Rimskij-Korsakov soffrì di angina. Morì a Lyubensk nel 1908 e fu sepolto nel cimitero di Tikhvin presso il monastero Alexander Nevsky a San Pietroburgo. Suo figlio, Andrey Nikolayevich Rimskij-Korsakov, fu un musicologo; suo nipote, Georgi Mikhaylovich Rimskij-Korsakov, fu un compositore.
L'opera che ho scelto è il volo del calabrone, perché è una composizione molto originale che ti sembra far percepire davvero il volo di un calabrone.

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Aleksandr Porfir'evič Borodin (in russo Алекса́ндр Порфи́рьевич Бороди́н; San Pietroburgo, 12 novembre 1833 – San Pietroburgo, 27 febbraio 1887) è stato un erudito e significativo compositore, medico e chimico russo.

Era figlio illegittimo del principe georgiano Luka Stepanovič Gedianov, un luogotenente in pensione dell'esercito russo che faceva risalire la sua origine alla casa regnante dei Gedevanišvili dell'ex regno georgiano di Imeretia.
La madre, Evdokija Konstantinovna Antonova, era l'amante 24enne del principe. Poiché il padre naturale era sposato, fece dichiarare il bambino figlio del suo servo Porfiri Borodin, tuttavia, poco prima della sua morte, lo riconobbe come suo figlio.
Borodin crebbe con sua madre a San Pietroburgo in un agiato ambiente familiare. Qui ricevette una buona istruzione generale e si rivelò eccezionalmente dotato e imparò oltre che diverse lingue, come il tedesco, il francese, l'italiano e l'inglese, anche a suonare il pianoforte, il flauto e il violoncello già a nove anni.
Nel 1850, poco più che sedicenne, si iscrisse alla facoltà universitaria di medicina a San Pietroburgo, uscendone laureato nel 1856. La sua vera passione però era la chimica sperimentale e quindi si trasferì a Heidelberg (in Germania) per continuare gli studi. Divenne medico eminente, professore universitario e scienziato di fama europea, però tutto il suo tempo libero, anche se poco, era dedicato alla musica.Muore il 27 febbraio 1887 a San Pietroburgo.
Ho scelto "Prince Igor" perchè inizia più lentamente per poi esplodere diventando molto più forte e vivace.

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Pietro Mascagni nasce a Livorno il 7 dicembre 1863. Il padre è proprietario di un forno sotto la casa dove abita.

Nel 1873 muore la madre, e Pietro, il più desideroso di apprendere tra i cinque figli, viene avviato agli studi ginnasiali.

In seguito, il giovane che sogna di fare il compositore, affianca agli studi umanistici quelli musicali: studia pianoforte e canta come contralto nella Schola Cantorum della chiesa di San Benedetto e, tre anni dopo, intraprende studi musicali più regolari e diviene allievo di Alfredo Soffredini, fondatore dell'Istituto Musicale Livornese.

Nel 1880 Mascagni compone le sue prime pagine sinfoniche e sacre, "Sinfonia in fa maggiore", "Elegia" per soprano, violino e pianoforte, "Ave Maria" per soprano e pianoforte, "Pater Noster" per soprano e quintetto d'archi.

Nel 1881 viene eseguita a Livorno la sua cantata "In filanda" a quattro voci soliste e a piena orchestra e scrive la cantata "Alla gioia" sul testo di Schiller tradotto da Andrea Maffei .

Nel 1882 supera l'esame d'ammissione al Conservatorio di Milano, conosce l'ambiente artistico milanese, stringe amicizia con

Giacomo Puccini, con Vittorio Gianfranceschi, ingegnere, appassionato conoscitore di musica, destinato a diventare suo fraterno amico per tutta la vita e frequenta il musicista Amilcare Ponchielli.

Nel 1885, dopo una polemica con il direttore del Conservatorio, Mascagni si ritira dall'Istituto, abbandona gli studi regolari e, per mantenersi, inizia una lunga peregrinazione in giro per l'Italia con compagnie d'operetta, in qualità di direttore d'orchestra.

Nel 1887 la città di Cerignola nomina Mascagni "Maestro di suono e canto" nella costituenda Filarmonica ed da quel momento oltre al comporre Mascagni si occupa anche di insegnamento.

Nel 1890 "Cavalleria Rusticana" debutta al Teatro Costanzi di Roma ottenendo un clamoroso successo di pubblico che si rinnovò ben presto in molti teatri italiani e stranieri, come "L'Amico Fritz", l'anno dopo.

Nel 1892, alla Pergola di Firenze, va in scena "I Rantzau" e nel 1895, alla Scala, si rappresenta "Guglielmo Ratcliff" tragedia in quattro atti di Heine, sul podio come direttore lo stesso Mascagni.

Negli anni seguenti Mascagni, che nel frattempo è stato nominato direttore al Liceo Rossini di Pesaro dirige varie opere e concerti alla Scala, dirigendo per la prima volta in Italia, "la Patetica" di

Tchaikovsky riscuotendo enorme successo.

Nel 1900, in marzo, Mascagni è a Pietroburgo. A giugno dirige a Pesaro "La Gavotta delle Bambole" per orchestra d'archi. Il 9 agosto è invece sul podio al Pantheon di Roma per i solenni funerali del Re Umberto I.

Da concerto a concerto, Mascagni, compone, dirige e rappresenta opere nei maggiori teatri d'Italia, d'Europa, negli Stati Uniti e nel Sud America.

Nel 1927 Mascagni viene delegato dal Governo a rappresentare l'Italia in occasione delle celebrazioni organizzate a Vienna per il centenario della morte di Beethoven.

Nel 1929 viene inaugurata la Reale Accademia d'Italia, fra le personalità insignite dell'ambito titolo, accanto a Guglielmo Marconi, a Luigi Pirandello, a Enrico Fermi, a Gabriele D'Annunzio c'è Pietro Mascagni.

Nel 1940 per il cinquantenario di "Cavalleria Rusticana" Mascagni utilizzando le nuove tecnologie, incide l'opera in disco aumentando la sua popolarità.

Nel 1945, il 2 agosto, nella camera del suo appartamento all'Hotel Plaza di Roma (sua residenza stabile dal 1927) Mascagni muore.

Come opera,ho scelto Ila Cavalleria Rusticana,composra nel 1890,per la sua masteosità.

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(HD 1080p) Intermezzo from Cavalleria Rusticana,  Pietro Mascagni

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Edvard Grieg, uno dei più grandi compositori del nord Europa, nacque a Bergen (Norvegia) il 15 giugno 1843. Si avvicinò alla musica grazie alla fortuna di avere come madre la migliore insegnante professionista di pianoforte della città.

Ammesso al Conservatorio di Lipsia, entrò in contatto con la tradizione musicale europea. Studiò le opere di Mozart e di Beethoven ma anche autori più moderni come Mendelsohn, Schumann e Wagner. Si diplomò nel 1862, a pieni voti, e il compositore Niels Gade l' incoraggiò a scrivere.

Grieg coltivava un particolare interesse per la musica popolare norvegese. Tra 1866 e 1876 insegnò ad Oslo e divenne capo della Philharmonic Society.

Le sue opere, imperniate sulla musica popolare, non piacquero alle critiche conservatrici dell' epoca e ciò gli impedì di acquisire notorietà in quest'ambiente.

Più tardi, Edvard fu fortemente incoraggiato dal compositore Franz Liszt. Il suo stile evocava bene l' atmosfera del suo paese e Grieg, che aveva come obiettivo quello di scrivere musica norvegese, comprese che doveva lasciare la patria per poter entrare in contatto con un ambiente che gli avrebbe dato la possibilità di svilupparsi come compositore.

Decise di recarsi a Copenhagen, ove vivevano altri grandi musicisti quali Niels W. Gade, Hornemann, Winding e Matthison-Hansen. In Danimarca conobbe molti personaggi che gli sarebbero rimasti amici per tutta la vita., come, ad esempio Rikard Nordraak, il cui entusiasmo per l’elemento norvegese contagiò rapidamente anche Edvard.

La persona più importante che conobbe in quella città fu una sua cugina, la cantante Nina Hagerup, di cui s’innamorò perdutamente. Era così preso di lei che i due si fidanzarono, in segreto, il giorno di Natale del 1864. La loro storia divenne pubblica nella primavera del 1865 e, come dono di fidanzamento, Grieg regalò alla futura moglie quattro canzoni che mettevano in musica i testi del loro comune amico, H.C. Andersen: “Le melodie del cuore Op. 5”. La coppia decise di trasferirsi a Kristiania, dove intendevano creare un ambiente musicale.

Gli introiti della famiglia giungevano dai lavori in qualità di direttore d’orchestra e di insegnante privato di pianoforte; rimaneva poco tempo da dedicare alla composizione.

Nel 1868 terminò il noto “Concerto in La minore per pianoforte e orchestra”. Questo capolavoro realizzò la sua affermazione definitiva come musicista e da quel momento venne considerato come uno dei maggiori compositori del suo tempo.

Grazie ad una borsa offerta dal governo norvegese nel 1874 poté dedicarsi interamente alla composizione. L' opera che contribuì più di tutte a farlo conoscere universalmente fu il "Peer Gynt" (1875), argomento preso in prestito da un dramma poetico di Henrik Ibsen.

Dopo la morte dei genitori, Grieg avvertì dentro di sé una stagnazione sia sul piano artistico che culturale e decise di dare un taglio al proprio stile di vita e, come conseguenza di questa presa d’atto, lasciò Nina. Uno degli amici, Frants Beyer, lo convinse a riconciliarsi con la moglie, riuscendo anche a fargli capire che aveva bisogno di un focolare a cui tornare dopo i viaggi all’estero e lo aiutò ad acquistare un terreno a Hop, alla periferia di Bergen. Nell’aprile 1885 Edvard e Nina poterono trasferirsi a Troldhaugen.

La dura vita quasi sempre passata in tournée aveva pesantemente minato il suo fisico. È incredibile pensare che avesse la forza di vivere in modo così stressante, se si pensa che aveva un solo polmone funzionante. La continua attività frenetica segnò la prematura fine della sua opera di compositore. Mentre, assieme alla moglie, aspettava la nave che li avrebbe condotti da Oslo in Inghilterra, “il maestro” si ammalò gravemente e venne ricoverato all’ospedale di Bergen, dove morì il 4 settembre 1907.
L'opera che ho scelto è Peer Gynt suite No.1,poichè alterna momenti più tranquilli ad alcuni vivaci e potenti. Scrisse quest'opera intorno al 1870.

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Il compositore russo Modest Mussorgsky nasce il 9 marzo 1839 a Karevo, Russia.

Mussorgsky, insieme con Aleksandr Borodin, Mily Balakirev, Nikolaj Rimskij-Korsakov e César Cui fu un membro del The Five , un gruppo di compositori russi legati dall' obiettivo comune di creare una scuola di musica nazionale russa.

Pur essendo figlio di un proprietario terriero, Mussorgsky ha sangue contadino essendo stata una sua bisnonna una serva della gleba.

Secondo una sua biografia del 1881, Mussorgsky conosce le fiabe russe dalla sua infermiera.

Riceve le prime lezioni di pianoforte dalla madre, una eccellente pianista, tanto che a soli sette anni è capace di suonare i pezzi più semplici di Franz Liszt.

Nel 1849 il padre porta il giovane Mussorgsky a San Pietroburgo, dove frequenta la scuola militare Peter-Paul e il Conservatorio di San Pietroburgo.

Nel 1852 entra nella scuola per i cadetti della Guardia Militare dove compone Podpraporshchik.

Nel 1856 diventa tenente e frequenta uno dei reggimenti più aristocratici della Russia. In questi ambienti conosce diversi agenti musicali.

Conosce la musica del compositore russo Mikhail Glinka, tre anni dopo, nel giugno 1859, va a Mosca al Cremlino e poco dopo conosce un altro compositore importante russo, Mily Balakirev che diventa suo maestro.

Dal 1863 lavora come funzionario presso il Ministero delle Comunicazioni ma si trova a dover affrontare delle gravi crisi economiche, tanto da rivolgersi ad usurai.

Raggiunge la sua maturità artistica nel 1866 con una serie di straordinarie canzoni basate su gente comune, come “Caro Savishna”, “Hopak,” e “The seminarista”.

Nel 1867 scrive il poema sinfonico Ivanova noch na Lysoy gore e nel 1868 scrive il primo brano del ciclo "La scuola materna".

Nel 1869 inizia la sua grande opera "Boris Godunov", con libretto basato sul dramma di Aleksandr Pushkin.

La prima versione, completata nel dicembre del 1869, è stata respinta dal comitato consultivo dei teatri imperiali perché mancava un ruolo da prima donna.

In risposta, il compositore rivede l'opera e nel 1872 aggiunge i ruoli di Marina e Rangoni.

La prima produzione di Borisha ha luogo l'8 febbraio 1874, a San Pietroburgo riscuotendo grande successo.

Nel 1865, dopo la morte di sua madre, vive con il fratello, e con il compositore russo Nikolaj Rimskij-Korsakov.

Rimasto poi solo inizia a bere troppo fino al momento in cui si affeziona ad un parente lontano pur restando ossessionato dalla morte.

La morte di un altro amico, il pittore Victor Hartmann, ispira Mussorgsky a scrivere l'opera per pianoforte Quadri di un'esposizione, orchestrata nel 1922 dal compositore francese Maurice Ravel.

Gli ultimi anni della sua vita sono dedicati all' alcolismo.

Malgrado il dolore e la solitudine inzia a comporre l'opera Sorochinskaya Yarmarka, ispirata ad un racconto di Gogol.

ll 24 febbraio 1881 subisce tre gravi attacchi di epilessia. Pur avendo un'importante ripresa morirà ancora giovane, al compimento del suo quarantaduesimo compleanno, nel 1881.

Ho scelto A tear,cioè una lacrima, perchè è molto lenta e malinconica. Venne scritta ne 1880.

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Ciaikovskij (Tchaikovsky), compositore russo, è nato il 7 maggio del 1840 a Kamsko-Votkinsk in Russia, il padre era un ingegnere minerario ucraino e la madre, una donna di nobili origini francesi.

Iniziò a studiare il pianoforte a soli sette anni e poi continuò gli studi musicali fino al 1865, al conservatorio di San Pietroburgo.

Nominato professore di teoria e armonia al conservatorio di Mosca, Piotr Ilic Tchaikovsky sposa una sua giovane ammiratrice, che gli aveva scritto dichiarandogli il suo amore.

L'unione è subito piena di contrasti dopo solo quattordici giorni il compositore tenta il suicidio, poi in piena crisi isterica fugge a San Pietroburgo, separandosi dalla moglie dopo appena sei settimane dal matrimonio.

La naturale predisposizione di Tchaikovsky a delicati stati d'animo, lo portano ad avvolgere il testo in una atmosfera musicale di malinconica tenerezza, dove la sensibilità decadente del compositore indulge un poco al sentimentalismo riuscendo a coniugare la tradizione musicale popolare russa con la sensibilità musicale e culturale francese e tedesca, nella realizzazione di un linguaggio sicuramente personale, ma non di portata  "nazionale". Piotr Ilic Tchaikovsky, instaura una intensa corrispondenza con una ricca e colta vedova che diventa la sua mecenate garantendogli 6000 rubli all'anno perchè il compositore fosse libero di dedicarsi completamente alla musica di cui lei è una appassionata ed esperta ammiratrice.

Tchaikovsky, oltre ad essere uno dei più stimati compositori dell'Ottocento, è anche uno dei padri (sotto l'aspetto musicale) del balletto classico:la musica da lui dedicata al balletto è sempre stata scritta tenendo ben presente le esigenze coreografiche, lasciandosi influenzare dalle necessità ritmiche dei ballerini.

"La bella addormentata", o "Lo schiaccianoci" costituiscono, a questo proposito, veri capisaldi donati dal compositore russo alla letteratura musicale per balletto; ma è senz'altro il "Lago dei cigni" che raccoglie, nelle sue immortali pagine, l'incanto di una drammatica favola romantica, lo struggente lirismo di uno dei più prolifici musicisti dell'Ottocento e, infine, alcune ardite risoluzioni coreografiche, che necessitano di una nuova fisicità e mimesi di grandissima efficacia da parte dei ballerini protagonisti.La vita privata di Tchaikovsky scorre sempre in modo complicato dalla sua tendenza all'omosessualità, che, nella società del tempo era ragione di scandalo.

Sembra addirittura che verso il 1890, la sua ammiratrice e mecenate, improvvisamente interruppe qualsiasi contatto con lui, forse dopo aver saputo delle sue tendenze sessuali, dato che avrebbe voluto dargli in moglie una delle sue figlie.

Fortunatamente proprio in questo periodo Tchaikovsky raccoglie i primi grandi successi in Europa e negli Stati Uniti.

Solo nove giorni dopo la prima della sua "Sesta Sinfonia (La Patetica)", Tchaikovsky muore a San Pietroburgo il 6 novembre del 1893.

E' opinione diffusa che Tchaikovsky si sia suicidato, anche se il modo e le circostanze sono ancora incerte: si è parlato di colera, contratto bevendo acqua infetta, anche se è più probabile l'avvelenamento da arsenico.

La tormentata vita del compositore russo è stata tradotta dalla scrittrice Nina N. Berberova in una più interessante biografia, orientata sull'aspetto psicologico della personalità del musicista, dal titolo "Il ragazzo di vetro", come era solita chiamarlo la sua governante Fanny e nel film di grande successo "L'altra faccia dell'amore" (The music lovers, 1970)di Ken Russell.
Ho scelto "Pas de deux" dal Lago dei cigni ,cioè un passo a due,  perché è molto fluido e veloce.

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P. Tchaikovsky - Pas de Deux ('The Nutcracker')

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Georges Bizet vita e biografia
Georges Bizet Alexandre César Léopold nasce il 25 ottobre 1838 a Parigi in una famiglia di musicisti, per questo sono probabilmente vere le supposizioni sulla sua precocità musicale.

L'educazione musicale di Georges fu inizialmente curata dalla madre che cominciò ad istruirlo da quando aveva solo quattro anni; a nove il padre cercò di farlo ammettere al Conservatoire de Musique di Parigi al quale non fu ammesso per la sua giovane età.

Affidato al pianista Antoine-François Marmontel, che riconosciuto l'enorme talento del piccolo Bizet, fece in modo che pochi giorni prima del suo decimo compleanno fosse finalmente ammesso a frequentare il Conservatorio.

Georges Bizet, resta in conservatorio per una decina d'anni, studiando prima, sotto la guida di Zimmerman e di Gounod, poi, alla morte dell'anziano Zimmerman, sotto la guida di Halévy, aggiudicandosi numerosi premi di eccellenza in teoria, pianoforte, organo e composizione.

Nel 1857 il giovane musicista partì per Roma: aveva vinto il "Prix de Rome per la composizione" che gli dava diritto ad una borsa di studio di tre anni, da trascorrere prima a Roma e poi in Germania.

Dopo l'euforia per il successo della frizzante operetta "Le Docteur Miracle", accolta favorevolmente anche dalla stampa, Bizet iniziò a soffrire di crisi depressive che lo portarono a nutrire dubbi sul proprio valore artistico, che ritardarono la sua maturità musicale, condannandolo ad incertezze autolesionistiche.
Georges Bizet utilizzò i tre anni del premio, certamente per studiare, ma anche per visitare l'Italia, affascinato da Roma, Napoli, Pompei, Firenze, e dal Capo Circeo, che ispirò alcune sue composizioni; al periodo romano risale l'opera di evidente ispirazione italiana "Don Procopio".

Nel 1860 terminato il soggiorno italiano, Bizet tornò a Parigi, dove lo aspettavano anni difficili.

Compose, dal 1863, una serie di opere che furono accolte da una critica raramente benevola, come "I pescatori di perle" (Les pêcheurs de perles) e "La bella fanciulla di Perth" ( La jolie fille de Perth).

Georges Bizet si manteneva con l'insegnamento, arrotondando con lavoretti musicali saltuari, come l'accompagnamento durante le prove di opere e altri lavori.

Pur essendo un pianista molto dotato, il musicista rifiutò sempre di suonare il pianoforte in pubblico per paura di compromettere l'attività di compositore, ma produsse la suite sinfonica "Roma" e "Jeux d'enfants", una raccolta di 12 pezzi per due pianoforti trascritti poi per orchestra.

Parallelamente al mancato successo da lui inutilmente inseguito, Bizet ha una vita sentimentale travagliata e, dopo tante avventure erotico-sentimentali di poco conto, incontra Geneviève Halévy, secondogenita del suo ex insegnante. Finalmente nel giugno del 1869, Bizet sposa Geneviève, ma l'unione si deteriorerà in fretta a causa dell'instabilità mentale della ragazza e, nonostante la nascita di un figlio, Bizet attraversa un periodo professionalmente dispersivo: i progetti si accavallano e sfumano nel nulla.

Nel 1872 Georges Bizet pubblica l'opéra-comique in un atto "Djamileh", per la quale il compositore viene tacciato di wagnerismo, e le musiche da lui composte per L'Arlesiana (L'Arlésienne) di A. Daudet, furono un clamoroso insuccesso.
L'indomabile musicista,dopo il susseguirsi di fallimenti, si concentra sul libretto scritto da Henri Meilhac e Ludovic Halévy, sulla base della novella di Prosper Mérimée: "Carmen", opera nella quale Georges Bizet ripone tutte le sue speranze e che doveva essere la sua ultima opera.

Nonostante tenesse molto a questo progetto, forse per ragioni economiche, una volta completato il primo atto interruppe la composizione, per creare il "Don Rodrigue", da rappresentarsi all'Opéra-Comique di Parigi.

La sfortuna di Bizet in questo caso si presentò sotto forma di un incendio del teatro che impedì che l'opera fosse messa in scena.

Nel 1874 "Carmen", l'opera con cui si era realizzata la maturità artistica dell'autore, fu terminata e il pubblico poté assistere alla sua prima a Parigi il 3 marzo 1875.

La reazione degli spettatori, sconvolti dal forte realismo che portava in scena il fumo delle sigarette e un sordido accoltellamento, fu talmente fredda che l'autore cadde in una crisi dalla quale non si riprese.

Infatti, il 3 giugno 1875, mentre si trovava nella sua residenza di campagna di Bougival, Georges Bizet morì per un attacco di cuore.

Ma "Carmen" era davvero un capolavoro,  in seguito, l'opera, affascinante per la ricchezza dell'invenzione musicale, le melodie morbide e sensuali, la duttilità dell'armonia, la leggerezza delle danze e degli elementi folkloristici, raccolse applausi in tutti i teatri del mondo.
L'opera che ho scelto è Farandole, perché è molto teatrale e potente.

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Bizet - L'Arlesienne Suite No. 2: Farandole

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Camille Saint - Saëns è nato a Parigi il 10 ottobre 1835. E' stato uno dei bambini prodigio più dotati musicalmente di tutti i tempi. A soli 2 anni inizia a suonare il pianoforte con la pro-zia Charlotte e compone un breve pezzo per pianoforte a soli 4 anni (prima di Mozart che lo compose a 6!!). Camille era un genio non solo nella musica: a 3 anni già scriveva e leggeva e a 7 anni sapeva già il latino! A 5 anni ha fatto il suo primo concerto pubblico, accompagnando un violinista in una sonata di Beethoven (incredibile!) e a 10 anni già si esibisce suonando il K450 di Mozart. Ovviamente aveva una memoria prodigiosa e suonava tutto senza leggere. Saint-Saëns comunque frequenta il Conservatorio di Parigi (= non basta essere dei geni, bisogna anche studiare!) e diventa grande amico di Franz Liszt(proprio di lui ci occuperemo nel nostro prossimo viaggio) e di Hector Berlioz. A 16 anni scrive la sua prima sinfonia. Per vivere faceva l'organista in chiesa e le sue improvvisazioni erano ammirate dal pubblico di Parigi. Da grande insegna anche al Conservatorio e tra i suoi allievi preferiti c'è un altro famoso compositore francese che si chiama Gabriel Fauré (che poi diventa anche suo amico). Non amava, anzi detestava Igor Stravinsky e pare che nel 1913 dopo aver assistito alla prima de La Sagra della primavera (che incontreremo presto...) se ne uscì infuriato per come l'autore aveva utilizzato il fagotto all'inizio dell'opera... (era un personaggio particolare!)

Saint-Saëns non amava solo la musica, era appassionato anche di geologia, archeologia, botanica, entomologia (la scienza che studia gli insetti, in particolare lo interessavano i lepidotteri cioè farfalle e falene), matematica, acustica, scienze occulte, filosofia, astronomia (possedeva un telescopio).... non possiamo che sentirci infinitamente piccoli dinanzi a lui!

Si sposa a 40 anni e ha due figli, che però muoiono entrambi piccolissimi.

Oltre al Carnevale degli Animali e alla Danza macabra, ha scritto Sinfonie, Concerti per pianoforte, violino, violoncello, musica per organo,  musica da camera, messe e composizioni sacre, opere liriche (la più famosa è Samson et Dalila).

Dopo la scomparsa di sua mamma, alla quale era molto attaccato, decide di andare alle Isole Canarie, dove assume lo pseudonimo di Sannois, con il quale raccoglie alcuni diari.

Muore di polmonite, a 81 anni, ad Algeri.
Il brano che ho scelto è "Danza Macabra" poichè è un brano molto noto e che ha uno stile molto particolare e tutto suo.

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Richard Wagner nasce a Lipsia il 22 Maggio 1813, nono figlio del giurista e attore dilettante Carl Friedrich Wagner che muore di tifo sei mesi dopo la sua nascita, a causa di ciò la famiglia si trasferisce a Dresda.

Durante l'infanzia Wagner ha un contatto assiduo con il mondo del palcoscenico, poichè sua madre aveva sposato, in seconde nozze, un attore il quale lo porta spesso con se alle prove, da qui l'amore per il teatro del musicista.

Nel 1828 Wagner torna a Lipsia dove completa gli studi. A 16 anni assiste ad una rappresentazione del "Fidelio", ne è tanto colpito che da quel momento decide di diventare musicista.

Dai disordinati studi musicali nascono le prime sonate, un quartetto d'archi e un tentativo mai completato dell'opera "Die Hochzeit".

Finalmente Wagner, nel 1830, intraprende studi più seri di musica, prende lezioni di composizione da Christian Theodor Weinlig (dirigente di un importante coro di Lipsia, Il Thomanerchor), al quale dedica la sua prima composizione "Klaviersonate in B-Dur" e, l'anno dopo, prosegue gli studi all'Università di Lipsia.Nel 1833 ottiene la nomina a direttore del coro del teatro di Würzburg, che gli offre la possibilità di ricoprire saltuariamente le cariche di direttore di scena, di suggeritore e, successivamente, di direttore d'orchestra.
A Würzburg compone la sua prima opera "Die FeenDall' e nel 1837 diviene direttore musicale a Königsberg (l'attuale Kaliningrad), ma il teatro, costretto a chiudere per eccesso di indebitamento, coinvolge Wagner stesso che finisce pieno di debiti.
Il 1842 vede il vero debutto teatrale di Wagner con l'esecuzione del "Rienzi", avvenuta a Dresda ed il successo ottenuto gli procura, l'anno seguente, la carica di Musikdirektor all'opera di corte.Nel 1852 Wagner comincia a lavorare al progetto "Der Ring des Nibelungen" ("L'anello del Nibelungo"), un immenso dramma teatrale suddiviso in un prologo e tre giornate, e compone "I maestri cantori di Norimberga".

Il re Ludwig II di Baviera, suo appassionato ammiratore, dal 1864, finanzia, con una cospicua rendita, il dispendioso stile di vita di Wagner e la costruzione del Festspielhauses di Bayreuth.

Il Festspielhauses fu il primo Teatro d'Opera come lo intendiamo noi oggi, con la buca per l'orchestra, la cura per i problemi dell'acustica corretta, frutto dell'attento studio architettonico e scenico di Wagner, dove ogni anno, da fine luglio fino a fine agosto, ha luogo il Festival Wagneriano.

Il "Tristano e Isotta", messo in scena non ottiene il successo sperato, la sua musica anticipa troppo i gusti musicali che si affermeranno nel Novecento.

Anche la vita affettiva di Wagner è piuttosto burrascosa, a causa di una sua relazione extraconiugale, la moglie, la cantante Minna Planner, ottiene la separazione. Rimasto solo, dopo la scandalosa relazione di Wagner con Cosima Liszt, figlia di Franz Liszt, e moglie del celebre direttore d'orchestra Hans Von Bulowdalla , la sposerà nel 1870, ed avrà tre figli Eva, Isolde e Siegfried.

Ormai famoso ed economicamente soddisfatto Richard Wagner si dedica ad un altro progetto: la stesura del "Parsifal", che inizierà nel 1877 per concluderlo nel 1882 a Palermo.

In seguito ad un attacco cardiaco Wagner muore a Venezia il 13 febbraio 1883 nel palazzo Vendramin, dove si era trasferito con la famiglia l'anno prima e viene sepolto a Bayreuth non lontano dal teatro a lui intitolato.
L'opera che ho scelto è Cavalcata delle Valchirie, perché è molto teatrale.

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Giuseppe Verdi - (Giuseppe Fortunino Francesco Verdi), uno dei massimi compositori italiani dell'Ottocento, autore di pagine musicali indimenticabili e di melodrammi molto amati che fanno parte stabilmente del repertorio operistico odierno, nacque da povera famiglia a Roncole di Busseto (ora Roncole Verdi), dell'allora Stato di Parma governato dalla Francia, il 10 Ottobre 1813.

Dotato di una precoce inclinazione musicale, ebbe come primo maestro l' organista del paese, Don Pietro Baistrocchi, Verdi, da ragazzo, si esercitava su una vecchia spinetta ed aiutava i genitori nella bottega, una modesta osteria di paese.

A dodici anni si recò a Busseto per aiutare negli affari il suo futuro protettore Barezzi, ed a Busseto frequentò il ginnasio, studiò musica con il maestro Ferdinando Provesi, direttore della Società Filarmonica e latino con il canonico Seletti.

Fu in seguito a Milano con una borsa di studio del Monte di Pietà e con un sussidio del Barezzi.

Nel 1828, a 15 anni, compose una sinfonia ispirata a “Il Barbiere di Siviglia” di Rossini, a diciannove anni tentò di entrare in Conservatorio, ma non vi fu ammesso perché non aveva più l’età adatta e decise di proseguire privatamente gli studi con il maestro al cembalo della Scala Vincenzo Lavigna, che era anche professore di solfeggio del Conservatorio.

Tornato a Busseto, venne nominato maestro di musica del Comune e Direttore della Banda.

Nel 1835 sposò la figlia del suo protettore Margherita Barezzi, da cui ebbe due figli e si trasferì a Milano dove, ottenuto nel 1838, un contratto con la casa di edizioni musicali Ricordi, Verdi esordì come compositore di opere.

La sua prima opera "Oberto Conte di San Bonifacio", commissionata dall’impresario del Teatro La Scala di Milano Bartolomeo Merelli, andò in scena con successo il 17 novembre del 1839, ma la seconda opera "Un giorno di regno", a soggetto comico, rappresentata il 5 settembre dell‘anno dopo, cadde rovinosamente, fu duramente fischiata e non ebbe neppure una replica, aggiungendo così sconforto a Verdì già provato per la scomparsa della moglie e dei due figli.
Ma si era solo agli inizi della instancabile e prodigiosa attività di Verdi che proseguì di successo in successo con “Nabucodonosor” (o Nabucco) rappresentata il 9 Marzo del 1842, seguita da “I Lombardi alla Prima Crociata“, andata in scena sempre alla Scala l'11 febbraio 1843, “Ernani” (Teatro La Fenice di Venezia, 9 marzo 1844), “I due Foscari” (Teatro Argentina di Roma, 3 novembre 1844),“Giovanna d'Arco” (Teatro alla Scala di Milano, 15 febbraio 1845), “Alzira” (Teatro San Carlo di Napoli, 12 agosto 1845), “Attila” (Teatro La Fenice di Venezia, 17 marzo 1846), “Macbeth” (Teatro della Pergola, 14 marzo 1847), “I Masnadieri“ (Teatro Her Majesty di Londra, 22 luglio 1847), “Il corsaro” (Teatro Grande di Trieste, 25 ottobre 1848), “La battaglia di Legnano” (Teatro Argentina di Roma, 27 gennaio 1849), “Luisa Miller” (Teatro San Carlo di Napoli, 8 dicembre 1849), “Stiffelio“, rappresentato al Teatro Grande di Trieste il 16 novembre 1850.
In quegli anni Verdi si dedicò anche alla politica : dal 1861 al 1865 fu deputato del primo Parlamento del Regno d’Italia, di questa esperienza ci resta l’”Inno delle Nazioni“, composto per l'Esposizione Universale di Londra nel 1862.

Dopo la rappresentazione de “La forza del destino” al Teatro Imperiale di Pietroburgo, il 10 novembre 1862, Verdi rallentò il ritmo della sua produzione e compose ancora “Don Carlos” (Teatro de l'Operà di Parigi, 11 marzo 1867), “Aida” (Teatro dell'Opera del Cairo, 24 dicembre 1871), commissionata per l'inaugurazione del canale di Suez e l'unica composizione di genere cameristico il “Quartetto in mi minore per archi” nel 1873.

Nel 1874, sebbene Verdi si fosse ormai allontanato (deluso) dalla politica venne nominato Senatore, scrisse una “Messa di Requiem” per la morte di Alessandro Manzoni, rappresentata nella Chiesa di San Marco a Milano il 22 maggio e, negli anni seguenti, le ultime opere “Otello” (5 febbraio 1887) e “Falstaff “(9 febbraio 1893) che furono rappresentate a Milano, dove si era trasferito, dove compose quattro pezzi di musica sacra “Ave Maria”, “Laudi alla Vergine”, “Te Deum” ed il “Pater noster”, e dove il 16 Dicembre 1899 istituì l'“Opera Pia Casa di Riposo per i Musicisti“ volendo generosamente assicurare una vita decorosa a coloro che si erano dedicati all' Arte Musicale e che si trovavano in condizioni precarie.

Giuseppe Verdi morì a Milano, nel compianto dei suoi tanti ammiratori, il 27 gennaio 1901 ed è sepolto nella Casa di Riposo dei Musicisti di Milano da lui fondata.
L'opera che ho scelto è "Il nabucco2, poichè si alternano momenti lenti ad alcuni veloci e vivaci.

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Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (Catania, 3 novembre 1801 - Puteaux, Francia, 23 settembre 1835), fu un compositore italiano, tra i più celebri operisti del primo Ottocento.

Le sue opere più famose e rappresentate sono "La sonnambula", "Norma" ed "I Puritani".

Dotato di una prodigiosa vena melodica, Bellini dedicò la sua breve vita alla composizione.

Il suo talento nel cesellare melodie della più limpida bellezza, conserva ancora oggi un'aura di magia, ma la sua originale personalità artistica non si lascia inquadrare entro correnti musicali o di costume.

Legato ad una concezione musicale antica, basata sul primato del canto, sia esso vocale o strumentale, il siciliano Bellini portò prima a Milano e poi a Parigi un'eco di quella cultura mediterranea che l'Europa romantica aveva idealizzato nel mito della classicità.Il giovane Wagner ne fu tanto abbagliato, da ambientare proprio in Sicilia la sua seconda opera, "Il divieto d'amare", presentando la purezza del canto belliniano a modello per gei musicisti tedeschi e tentando di seguirlo a sua volta.

Morì a meno di 34 anni a Puteaux, nei pressi di Parigi, fu sepolto nel cimitero Père Lachaise, vicino a Frédéric Chopin ed a Luigi Cherubini; nel 1876 la salma di Vincenzo Bellini fu traslata nel Duomo di Catania, sua città natale.
L'opera che ho scelto è Sinfonia in Re minore perché è molto allegra,vivace e veloce.

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Vincenzo Bellini - Sinfonia in re minore - II. Allegro con spirito

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Orchestra Sinfonica del Teatro Massimo (Palermo) Direttore: Diego Dini Ciacci Sony, 2009 BUY IT: http://bit.ly/Jr3di7

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Gioachino Rossini, nato a Pesaro il 29 Febbraio 1792, chiamato dagli ammiratori, il "Cigno di Pesaro" musicò decine di opere liriche senza limite di genere, dalle farse alle commedie, dalle tragedie alle opere serie e semiserie.

Era di semplici origini: il padre era suonatore nella banda cittadina e nelle orchestre locali, mentre la madre, Anna Guidarini, era una cantante di discreta bravura che trasmise al figlio la passione del canto e della musica.

Dopo la restaurazione del Governo Pontificio. il padre, sostenitore della Rivoluzione Francese, per sfuggire la cattura, è costretto a spostamenti fra Ravenna, Ferrara e Bologna dove il giovane Rossini studia canto (contralto e cantore all'Accademia filarmonica) e spinetta presso Giuseppe Prinetti, suo primo maestro.

A quattordici (1806), si iscrive al Liceo musicale bolognese, studia intensamente composizione, appassionandosi alle pagine di Haydn e di Mozart (è in questo periodo che si guadagna l'appellativo di "tedeschino") e scrive la sua prima opera "Demetrio e Polibio", che sarà rappresentata però solo nel 1812.

Per Rossini l'esordio ufficiale sulle scene avviene nel 1810 al Teatro San Moisé di Venezia con "La cambiale di matrimonio" ed il successo ottenuto lo incoraggia a scrivere altre 37 opere, nei successivi 9 anni: opere che vengono rappresentare nei maggiori teatri italiani ed a Parigi.La "Vita di Rossini" scritta da Stendhal suo principale biografo, quando il compositore aveva solo trentadue anni, ci dà la misura del livello di fama raggiunto dal compositore.

Fra le opere che ebbero il maggior successo e che ancora vengono rappresentate ricordiamo: "Il Barbiere di Siviglia" (1816), "La gazza ladra" (1817), "La Cenerentola" (1817), "Semiramide" (1923) ed il "Guglielmo Tell", rappresentato a Parigi il 3 agosto 1829 con il titolo di "Guillaume Tell" che fu l'ultima sua opera.

Rossini, a 37 anni, all'apice del successo quale compositore di opera lirica, smise di scrivere musica "profana" dedicandosi allo "Stabat Mater" scritto fra il 1832 e il 1839 nella pace della campagna parigina di Passy.

Il successo di quest'ultimo lavoro regge il confronto con i risultati ottenuti nell'opera lirica, ma è anche l'inizio dei lunghi anni di isolamento, durante i quali Rossini compone innumerevoli brani di musica da camera, sonate e composizioni per pianoforte, prima della sua morte avvenuta a Parigi il 13 Novembre 1868.

I capolavori di Gioachino Rossini, alcuni dei quali riportati in auge, con l'interpretazione di Maria Callas, sono ritornati ormai stabilmente nel repertorio e vengono rappresentati dai maggiori teatri lirici.

A Pesaro viene organizzato annualmente il Rossini Opera Festival e, da tutto il mondo, giungono appassionati per ascoltare le opere del Maestro eseguite filologicamente.
L'opera che ho scelto è "la gazza ladra" poichè è un brano molto noto ed allegro.

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Gioacchino Rossini - La gazza ladra - Overture

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Gaetano Donizetti, fu uno dei maggiori compositori di musica operistica italiana del primo Ottocento e precursore del dramma musicale alla Giuseppe Verdi.

Nato a Bergamo il 29 Novembre 1797, appartenente a una famiglia poverissima, Donizetti fu accolto, all’età di nove anni, nella Scuola Caritatevole di Musica di Bergamo, diretta da Simone Mayr, al quale Gaetano rimase legato tutta la vita, proseguendo gli studi musicali con il Mattei al Liceo Filarmonico di Bologna.

La rappresentazione "Enrico di Borgogna" a Venezia nel 1818, segnò il suo esordio teatrale, seguita da "Falegname di Livonia", ma solo con "Zoraide di Granata", rappresentato a Roma nel 1822, ottenne il meritato successo di pubblico e di critica.

Firmato nel 1827 un buon contratto con l’impresario Domenico Barbaya, che lo impegnava a produrre quattro opere l'anno, Donizetti si stabilì a Napoli e compose lavori prevalentemente comici e di satira, raggiungendo il grande successo con "Anna Bolena" (1830) ed "Elisir d’Amore" (1832).

Nel 1829 era stato nominato direttore dei Teatri Reali di Napoli e, nel 1834, accettò la Cattedra di Composizione al Conservatorio della stessa città.Nel 1832, alla morte di Vincenzo Bellini, nonostante l'antipatia dimostrata in vita nei confronti del musicista, Donizetti gli dedicò una Messa da Requem.

Nel 1835, Donizetti fece rappresentare a Napoli la "Lucia di Lammermoor" e, mentre la vita professionale del compositore andava a gonfie vele, venne colpito da una serie di lutti: in pochi mesi morirono il padre, la madre e la seconda figlia.

Donizetti interruppe ogni sua attività in Italia e, recatosi a Parigi, su consiglio di Gioachino Rossini, compose e rappresentò "Les Martyrs" (1840), "La Favorita" (1840) e "Rita ou le Mari Battu" (portata in scena a Parigi nel 1860).

Nonostante la sfortuna continuasse a perseguitare il musicista con la morte della moglie e di un'altra figlia, Gaetano Donizetti curò il dispiacere e la solitudine aumentando il ritmo del lavoro: in pochi anni scrisse  "Don Pasquale" e "Don Sebastiano del Portogallo", "Linda di Chamounix", "Maria di Rohanna" e il "Conte di Chalais".

A Vienna nel 1842, Gaetano Donizetti, ricevette l’ambita nomina di Maestro di Cappella di Corte, ma la sua salute, già gravemente compromessa dalla sifilide, peggiorò sempre di più ed alla fine, nel 1846, fu internato nel manicomio di Ivry-sur-Seine.

Nel 1847, Donizetti, trasportato a Bergamo, fu accolto dai baroni Basoni Scotti, che lo assistettero fino alla morte, sopravvenuta l'8 Aprile 1848.

La vasta produzione musicale del Donizetti, oltre a 73 melodrammi, alcuni dei quali ancora oggi vengono rappresentati nei Teatri Lirici di tutto il mondo, comprende 28 cantate, 19 quartetti, 3 quintetti, 13 sinfonie e ancora 115 composizioni sacre, molte liriche da camera e oratori.
Il brano che ho scelto è "Prendi per me sei libero",dall' Elisir d'amore, perché credo che sia un'opera molto simpatica.

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Prendi per me sei libero (L'elisir d'amore - G. Donizetti) Score Animation

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Frédéric François Chopin (Fryderyk Franciszek Chopin), compositore e pianista, nasce a Zelazowa-Wola (Varsavia) da padre francese e da madre polacca, il 22 febraio 1810.
Il suo nome era Fryderyk Franciszek Chopin, ma adottò la variante francese "Frédéric-François" quando a venti anni lasciò la Polonia, per non tornarvi mai più.

All'età di 6 anni fu iniziato agli studi musicali dal boemo Zivny e dopo tre anni era già in grado di esibirsi come pianista in una serata di beneficenza.
Già noto e ammirato nei migliori ambienti di Varsavia, Chopin fu affidato, per il suo perfezionamento nella composizione, ad Elsener, direttore del Conservatorio di Varsavia.

Nel 1829 Frédéric François Chopin aveva già composto abbastanza musica per esibirsi in alcuni concerti a Vienna.

Quando i russi occuparono la Polonia, Parigi divenne la residenza di Chopin il quale fin dai primi tempi, protetto dal principe Radzwill, vi ottiene quella piena comprensione che fuori dalla patria non aveva ancora trovato.
Chopin si riavvicina alla famiglia Wodzinski che l'aveva accolto adolescente quale maestro della piccola Maria e da questa frequentazione nasce l'amore tra i due giovani, ostacolato però dal padre che rompe il rapporto d'amicizia con Frédéric-François Chopin: questo duro colpo aggrava di più la fragile salute del musicista.

Nel 1838 conosce George Sand, più grande di lui di sei anni e si getta nelle braccia dell' "amore compiuto" (parole di George Sand), ma ben presto il rapporto diviene nervoso e caotico.

Per sfuggire al precedente amante di George, i due amanti si rifugiano a Maiorca, stabilendosi nella Cartuja di Valdemossa, nel Nord Ovest dell'Isola, mentre in Spagna continua la guerra.

Nel 1839 Frédéric-François Chopin e George Sand tornano in Francia per l'aggravarsi della tubercolosi di cui lui era affetto.Durante i sette anni del periodo vissuto con la scrittrice, Frédéric-François Chopin scrive le più belle Mazurche ed i più appassionati Notturni, ma l'incompatibilità dei due caratteri emerse quando Frédéric Chopin prese posizione sul matrimonio fallito di Solange, la figlia di George.

Dopo essersi lasciato con George Sand, nel 1845, Chopin cade in una terribile depressione e la sua vena di compositore sembrò esaurita.

Durante l'ultimo periodo della sua vita, Chopin fu assistito da una sua allieva scozzese, Jane Stirling, che insieme alla sorella Mrs. Erskine, convinse Chopin a trasferirsi in Inghilterra.
Ma il rigido clima inglese e la vita mondana in cui le sue giovani compagne scozzesi lo trascinano, fanno peggiorare la salute del compositore.

Rientrato a Parigi, muore il 17 ottobre del 1849, circondato dagli intimi e viene sepolto a Parigi nel cimitero di Père Lachaise.
L'opera che ho scelto è il notturno Op.9 No.3, perché è una forma musicale che mi piace molto,

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Chopin Nocturne Op. 9 No. 3 in B Major (Arthur Rubinstein)

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Robert Alexander Schumann, compositore e letterato tedesco, nasce l'8 giugno 1810 a Zwickau, in Sassonia.

Figlio di un editore, si accosta giovanissimo alla poesia, alla letteratura e alla musica. Conclusi gli studi liceali, nel 1828, dopo il suicidio della sorella e la morte del padre, si trasferisce a Lipsia, dove intraprende, senza portarli a termine, gli studi in giurisprudenza e si dedica al pianoforte sotto la guida di Friedrich Wieck, in casa del quale conosce Clara che sposerà nonostante l'opposizione paterna nel 1840.

Schumann inizia a comporre i suoi primi straordinari pezzi per pianoforte (la cui produzione si concentra soprattutto nel miracoloso decennio 1830-1840) e ottiene significativi risultati come esecutore al pianoforte, ma, nel 1832, tentando di migliorare l'indipendenza tra le dita con un complicato marchingegno di sua invenzione, si procura una distorsione e una temporanea paralisi della mano destra che compromette la carriera di pianista costringendolo a dedicarsi alla composizione.

Dopo essere stato licenziato dalla prestigiosa rivista musicale "Allgemeine Musikalische Zeitung" per aver recensito entusiasticamente l'ancora sconosciuto Fryderyk Chopin, fonda la rivista "Neue Zeitschrift fuer Musik" attraverso la quale esercita senza censure l'attività di critico musicale e da il via alle crociate, sia contro la musica ed i compositori, quali Liszt e Wagner, che hanno abbandonato i canoni del passato per esplorare nuove frontiere musicali anche attraverso il virtuosismo strumentale, che contro l'élite conservatrice della cultura tedesca. Pure il melodramma italiano, allora al massimo splendore, è visto e condannato da Schumann come una musica frivola e diabolica.Gli anni tra 1834 e il 1844 furono per Schumann anni di intenso lavoro: si occupava della rivista, scriveva saggi e componeva musica, seguiva la moglie Clara nelle sempre più fortunate tournées concertistiche, frequentava assiduamente il compositore Mendelssohn e tutta l'intellighenzia musicale e letteraria della città, ottenendo consensi crescenti.

Nel 1843 Robert Schumann diviene insegnante di pianoforte, composizione e lettura della partitura al Conservatorio di Lipsia, ma nel 1845, ceduta la direzione della rivista, decide di lasciare Lipsia, città per la quale ha perso ogni interesse e si trasferisce a Dresda, dove fonda il Chorgesangverein (Associazione di canto corale). I disturbi nervosi che con il passar del tempo vanno sempre più aggravandosi, dedito a pratiche spiritiche e in stato sempre più confusionale nel 1854 Robert Schumann tenta il suicidio gettandosi nel Reno e viene internato nella clinica di salute mentale di Endenich, vicino Bonn, dove trascorre i suoi ultimi anni, assistito dalla moglie e dagli amici Brahms e Joseph Joachim, fino alla sua morte avvenuta il 29 luglio 1856.

Schumann, nella sua breve vita, compose un'Opera, 4 Sinfonie, diverse Ouvertures per orchestra, Concerti per pianoforte, per violino, per violoncello, pezzi corali, pianistici e liederistici.

Coltissimo, profondamente legato alla poesia e alle concezioni filosofiche del suo tempo, Schumann subordinò spesso la sua ispirazione musicale a un movente letterario e fece della sua musica una delle più pure testimonianze dello spirito romantico, soprattutto attraverso il pianoforte.

Propugnatore dell'ideale della perfetta corrispondenza tra forma e intuizione fantastica, diede il meglio di sé negli innumerevoli brevi pezzi pianistici ("Carnaval", "Kinderszenen", "Kreisleriana", "Novellette" e negli oltre 250 Lieder, tra cui primeggiano i cicli dal titolo "Amore e vita di donna" e "Amor di poeta"
L'opera che ho scelto è Papillons, perché è molto leggera e poetica.

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Jörg Demus plays Schumann Papillons, Op.2

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Niccolò Paganini nacque a Genova il 27 ottobre del 1782 da una modesta famiglia originaria di Carro (nell’odierna provincia di Spezia). Fin dalla più giovane età Niccolò apprese dal padre le prime nozioni di musica sul mandolino e, in seguito, fu indirizzato, sempre dal padre, allo studio del violino. Paganini imitava i suoni naturali, il canto degli uccelli, i versi degli animali, i timbri degli strumenti, come il flauto, la tromba e il corno. In seguito diede dei concerti nell’Italia Settentrionale e in Toscana. Nel 1801, all’età di 19 anni, interruppe la propria attività di concertista e si dedicò per qualche tempo all’agricoltura e allo studio della chitarra. In breve tempo diventò virtuoso anche di chitarra e scrisse molte sonate e concerti non pubblicati; si mise a scrivere sonate per violino e chitarra, trii e quartetti in unione agli strumenti ad arco. Alla fine del 1804, all’età di 22 anni, riapparve a Genova, ma tornò a Lucca l’anno successivo, dove accettò il posto di primo violino solista alla corte della principessa Elisa Baciocchi, sorella di Napoleone. Quando la corte si trasferì a Firenze nel 1809, Paganini la seguì, ma se ne allontanò e non volle più tornarvi. Qui nel giro di diversi anni diede 37 concerti, in parte alla Scala e in parte al Carcano. Dopo aver dato 20 concerti a Vienna, si recò a Praga, dove sorsero aspre discussioni sul suo valore. Compose anche dal 1817 al 1830 sei concerti per violino e orchestra; ritornato a Genova nel 1832 iniziò la composizione dei famosi Capricci per violino. Paganini morì il 27 maggio 1840 a Nizza.
L'opera che ho scelto è "moto perpetuo", poichè in pochissimi secondi vengono suonate una quantità incredibile di note.

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PAGANINI - MOTO PERPETUO - Violino: S.Accardo (LP 1979)

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Antonio Vivaldi nacque a Venezia il 4 marzo 1678. probabilmente fu il padre violinista nell'orchestra della basilica di San Marco, che gli insegnò a suonare il violino, tanto bene che Antonio manifestò precocemente il suo talento e già all'età di dieci anni era in grado di sostituire occasionalmente il padre nell'orchestra.

A causa della fragile costituzione venne destinato alla carriera ecclesiastica che offriva qualche speranza di promozione sociale, entrò in seminario, ma gli fu concesso di completare la sua educazione musicale.

Nel 1703 Vivaldi fu ordinato sacerdote, più per convenienza sociale che per vocazione e, grazie al colore dei suoi capelli, divenne universalmente noto come il "Prete Rosso".

Dal 1703 è maestro di violino e di composizione, poi "maestro dei concerti" e "maestro di coro" al Seminario musicale dell'Ospedale della Pietà, una delle quattro famose scuole di musica veneziane, per ragazze orfane o abbandonate.

Queste giovani cantavano e suonavano con ogni strumento; facevano della musica la loro occupazione principale, disponevano dei migliori maestri e le loro esecuzioni erano quindi celebri in tutta Europa.

Abbandonata la vita clericale Vivaldi si dedica alla composizione di musica di una brillantezza senza pari e di un'invenzione melodica spesso squisita: è del 1705 la serie di “Dodici sonate a tre op. 1“, prima raccolta che Vivaldi diede alle stampe.

Nel 1708 Vivaldi iniziò a collaborare con Francesco Santurini, impresario di un teatro minore di Venezia, il Sant'Angelo, dove si esibiva anche come primo violino. Durante il carnevale di quell'anno venne dato all’Ospedale della Pietà un concerto di musica sacra in onore del re di Danimarca, Federico IV.

La notorietà di Vivaldi travalicò i confini dell'Italia, “L'estro armonico, op. 3“, raccolta di dodici concerti per violino del 1711, pubblicata, come il resto della produzione vivaldiana, ad Amsterdam, ottenne uno straordinario successo in tutta Europa. Bach ne trascrisse una parte per tastiere.

Nel 1713 Vivaldi succedette al Santurini alla direzione del Sant'Angelo e si recò a Vicenza per mettere in scena la sua prima opera, l'“Ottone in Villa“.

Nel 1716 divenne maestro di cappella alla Pietà, incarico che richiedeva l'impegno di comporre almeno un paio di messe e vespri ogni anno, un minimo di due mottetti al mese e brani d’occasione su richiesta: sfortunatamente quasi tutte le composizioni di quel periodo sono andate perse.

Vivaldi lascia Venezia dal 1718 al 1722 per dirigere la cappella del principe Filippo di Hasse Darmstadt a Mantova, nel 1723 e nel 1724 per far rappresentare delle opere a Roma (dove suona davanti al Papa).

Tra il 1724 e 1725 sparisce provvisoriamente dai registri dell'Ospedale della Pietà, visita numerose città italiane e straniere (soprattutto in Germania e Paesi Bassi), sia in qualità di violinista, che di impresario delle proprie opere, reclutando i cantanti, dirigendo le prove, controllando gli incassi, in quel periodo veniva richiesto dalle maggiori corti europee e la pubblicazione delle sue numerose partiture lo faranno diventare ricco.

Il momento di massima celebrità Vivaldi l'ebbe quando ritornò a Venezia per dedicarsi all'opera e pubblicare la raccolta di concerti intitolata “Il Cimento dell’Armonia e dell’ Invenzione“, di cui fa parte il suo lavoro più celebre: “Le quattro stagioni“.

Seguì un decennio costellato di viaggi a Mantova (1726), Trieste (1728), Vienna (1729), Praga (1730), Verona (1731), ancora Mantova (1732) e Vienna (1733).

Nella capitale austriaca Vivaldi suonò per l’Imperatore Carlo VI, già incontrato a Trieste nel 1728, e a cui aveva dedicato l'op. 10, “La Cetra“.

Nel 1740 decise di lasciare Venezia e giunse a Vienna, dove morì il 28 luglio dell'anno successivo, povero e solitario, rovinato, si disse, dalla sua eccessiva prodigalità.

La scoperta relativamente recente della musica sacra di Vivaldi ha rivelato qualche autentico capolavoro anche in questo campo, come ad esempio lo splendido "Gloria".

Non bisogna dimenticare che Haendel, Leclair e soprattutto Bach gli devono in gran parte la loro iniziazione alle forme più perfette della musica strumentale.

Bach, per citare l'esempio più famoso, ha trascritto ben nove concerti di Vivaldi (sei adattati al clavicembalo, uno per quattro clavicembali e due per organo), a testimonianza dell'ammirazione che il Kantor portava per il bizzarro e vulcanico veneziano.
Il brano che ho scelto è "La follia" perché alterna momenti struggenti a momenti di esaltazioni

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Johann Sebastian Bach nasce il 14/03/1685 a Eisenach da una famiglia di musicisti.

A 10 anni rimane orfano e viene educato dal fratello maggiore che gli impartisce lezioni di organo e clavicembalo.

Nel 1700 si trasferisce a Luneburg, dove entra a far parte del coro della Michaeliskirche (Chiesa di San Michele) come soprano.
Dopo essere stato per poco tempo violinista presso la corte di Sassonia-Weimar, nel 1703 diviene organista titolare di S. Bonifacio ad Arnstadt e, in breve tempo, diventa famoso.

Nel 1705 intraprende un viaggio a piedi, poi diventato leggendario (400 km), per andare a Lubecca ad ascoltare l'allora famoso organista D. Bextehude, che Sebastian ammirava particolarmente per le sue composizioni.

Bach si stabilisce a Weimar e qui compone un gran numero di pezzi per organo e le Cantate, poco apprezzate dai contemporanei, che lo apprezzano moltissimo come organista, seguendo in massa i concerti che tiene dal 1713 al 1717 a Dresda, Halle, Lipsia e in altri centri.

Nel 1717 assume la carica di maestro di cappella alla corte riformata del principe Leopoldo di Anhalt-Cothen a Kothen, con l'incarico di comporre Cantate d'occasione e musiche concertistiche.

Nel 1723 si trasferisce a Lipsia e accetta il posto di Kantor nella chiesa di S. Tommaso, compone un gran numero di Cantate Sacre e le celeberrime grandi Passioni, ritornando alla musica strumentale solo verso il 1726.

Dal 1729 al 1740 Bach è direttore del Collegium Musicum universitario per il quale continua la sua opera di compositore di musica per clavicembali e musica strumentale varia.

Nel 1747 il re Federico II di Prussia lo invita a Potsdam, riservandogli grandi onori e assistendo ammirato alle sue magistrali improvvisazioni.

Verso il 1749 la salute del compositore comincia a declinare, la vista si affievolisce sempre più e, diventato cieco, detta la sua ultima, immensa composizione (rimasta purtroppo incompiuta) l'"Arte della fuga".

Johann Sebastian Bach, grande compositore di Messe, Passioni e Oratori, Cantate sacre e profane, musica d'orchestra, musica da camera per vari strumenti, opere d'organo, opere per clavicembalo e per altri strumenti. muore a Lipsia il 28 luglio 1750 e la sua musica (pubblicata in 59 volumi), viene riscoperta solo nel 1829, grazie ad un'esecuzione di Mendelssohn della "Passione secondo Matteo.
Il brano che ho scelto è Air,perché è molto fluido e trasmette serenità.

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Georg Friedrich Haendel è uno dei compositori più rappresentativi del periodo barocco.
Haendel nasce il 23 febbraio 1685 (lo stesso anno di Bach) ad Halle, in Germania; dimostra un precoce talento musicale e a soli 12 anni è assistente organista presso il duomo della sua città.Dal 1706 al 1710 vive in Italia patria del melodramma e si dedica allo studio di questo genere musicale, detto anche comunemente opera lirica. Il melodramma è uno spettacolo teatrale in cui gli attori sono cantanti che, accompagnati dall’orchestra, raccontano una vicenda interamente in musica. Nel melodramma le arie (parti cantate da voci soliste) si alternano ai recitativi.

Il melodramma ha un successo senza precedenti e le corti fanno a gara nell’allestimento degli  spettacoli con costumi e scenografie sempre più fastosi e spettacolari. Si progettano macchine sceniche e trucchi teatrali per sorprendere e incantare gli spettatori. Anche in Europa il melodramma italiano è uno degli spettacoli più apprezzati e tutti i più grandi compositori scrivono opere in lingua italiana.
Nel 1711 Haendel si trasferisce a Londra (dove passerà il resto della sua vita) e nel febbraio di quell’anno viene rappresentato per la prima volta, al Teatro Reale di Londra, il melodramma Rinaldo. La vicenda è tratta dalla Gerusalemme Liberata di Torquato Tasso. Goffredo di Buglione, capo dei soldati crociati che si recano a conquistare Gerusalemme, promette in sposa al cavaliere Rinaldo sua figlia Armilena. La maga Armida, alleata dei nemici saraceni, rapisce la ragazza, che sarà liberata da Rinaldo dopo mille peripezie. I due innamorati potranno infine celebrare le sospirate nozze.
Il Rinaldo ottiene un successo notevole. Medesimo successo ottiene anche l’opera seria Giulio Cesare rappresentata nel 1724 al Teatro Reale di Londra. L’opera, ambientata in Egitto, narra la storia d’amore fra due dei più importanti personaggi dell’antichità: il romano Giulio Cesare console di Roma e la regina d’Egitto Cleopatra. Il Giulio Cesare di Haendel viene rappresentata innumerevoli volte.
Haendel è ormai da molti anni in Inghilterra e il pubblico inglese comincia a essere stanco dell’opera italiana. Così Haendel rivolge il suo interesse all’oratorio, le cui storie tratte dalla Bibbia sono più familiari agli spettatori comuni, rispetto alle vicende mitologiche o storiche conosciute soltanto dalle persone colte.
Per i testi invece dell’italiano, Haendel adotta la lingua inglese, che può essere compresa da tutti. In sole tre settimane Haendel compone l’oratorio Il Messia rappresentato per la prima volta a Dublino nel 1742. Il Messia è incentrato sulla figura di Cristo e sulla sua opera di redenzione nei confronti degli uomini.
L' opera che ho scelto è Sarabande.

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Claudio Monteverdi (15 maggio 1567 - 29 novembre 1643) è un compositore, violinista e cantante italiano. E 'generalmente considerato uno dei creatori (e principale) dell'opera. Era nato a Cremona nel nord Italia. Nel 1590 Monteverdi ha iniziato a lavorare alla corte di Mantova come cantante e violinista, e nel 1602 divenne direttore d'orchestra. Fino a quaranta anni, si dedica principalmente alla scrittura di madrigali, componendo otto libbre di questi. L'ottavo libro, pubblicato nel 1638, contiene i madrigali chiamati Madrigali d'amore e di guerra viste come una perfezione di questa forma. Nel loro insieme, i primi otto libri di madrigali mostrano l'enorme sviluppo della musica polifonica dal Rinascimento allo stile monodico tipico della musica barocca. Il nono libro, pubblicato nel 1651, dopo la sua morte, contiene brani più leggeri, probabilmente composti in momenti diversi della sua vita e rappresentativi di questi due stili. Dalla monodia, con l'obiettivo di "stupor fare" e un testo intelligibile, era logico fare il passo che conduce all'opera, soprattutto per un compositore portato al dramma e che amava i grandi effetti. Nel 1607, compose la sua prima opera, l'Orfeo. E 'stato al solito, al momento per i compositori per creare opere di ordinare per le occasioni speciali, e questa opera è stata progettata per aggiungere allo splendore del carnevale annuale di Mantova. E 'stato un grande successo, perché in perfetta sintonia con lo spirito dei tempi. L'Orfeo è caratterizzato dalla sua potenza drammatica e orchestrazione vivace. Per la prima volta, un compositore specificatamente indicato quale strumento dovrebbe rendersi conto che una parte. Questa è la prima grande composizione la cui strumentazione è necessaria per la creazione di raggiungere fino a noi. La trama è rappresentata attraverso scene musicali dal vivo. Con questa opera, Monteverdi, se non creato, almeno dato il suo pedigree di un nuovo stile di musica è stato chiamato il dramma per musica (dramma musicale). Probabilmente, il resto più importante TRASPORTO del Vespro della Beata Vergine di Monteverdi (Vespro della Vergine - 1610). C è una delle sue poche opere sacre, ma rimane uno degli esempi più importanti della musica religiosa. Ogni parte degli edifici incompiuti (che include 25 in totale) è pienamente sviluppato musicalmente e teatralmente francobolli da ogni strumento sono utilizzati per accentuare l'effetto drammatico ed emozionale di un'era completamente nuova per. Nel 1613 Monteverdi è stato pagato come direttore principale presso la chiesa di San Marco a Venezia. C'è anche qui che ha completato i suoi libri sesto, settimo e ottavo di madrigali. L'ottavo è il più grande, le opere contenenti scritte da oltre trent'anni, contenente anche la drammatica scena di Tancredi e Clorinda (1624), in cui l'orchestra e le voci formano due entità separate.L'originalità di questa composizione anche di utilizzo per la prima volta (per archi) tremolo (ripetizione rapida della stessa nota) e pizzicato (corde suonato con le dita invece che l'arco) per creare effetti speciali in alcune scene drammatiche. Durante gli ultimi anni della sua vita, Monteverdi si ammalò, ma ciò non ha impedito di comporre due opere più importanti, due opere liriche: Il ritorno d'Ulisse in patria (Il ritorno di Ulisse in patria) (1641) , e la storica opera Incoronazione di Poppea (L'Incoronazione di Poppea) (1642). L'Incoronazione in particolare è visto come il culmine della relativa maestro italiano. Esso contiene scene drammatiche e commedia (che è una novità per l'opera) e le descrizioni più realistici dei personaggi.Questo libro ha avuto una notevole influenza sulla musica sacra. Monteverdi compose almeno diciotto opere, di cui solo noi raggiunto, come Orfeo, l'Incoronazione di Poppea, Il ritorno di Ulisse in patria e al famoso Lamento della sua opera seconda Arianne. Claudio Monteverdi morì a Venezia.
Il brano che ho scelto è Cruda Amarilli perché mi trasmette un senso di pace.

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Monteverdi: Cruda Amarilli - Concerto Italiano

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Ludwig Van Beethoven, nasce a Bonn il 16 Dicembre del 1770

Nel marzo 1778 ha luogo la prima performance pubblica conosciuta di Ludwig a Colonia, nel 1782 pubblica la sua prima opera "Dressler Variations" ed a soli 14 anni, Ludwig è nominato organista alla corte del principe elettore di Colonia, Maximilian Franz.

Nel 1789 viene ingaggiato come violinista dall'Opera di Bonn con la quale lavora per quattro stagioni, mentre nel frattempo continua a comporre.

Nel 1792 si trasferisce a Vienna e compie studi musicali con Haydn e con Albrechtsberger.

Negli anni seguenti compone numerose opere e si esibisce in concerti a Praga, Dresda, Lipsia, Berlino e Budapest.
Nel 1799, istruito da Salieri, comincia la composizione della "Prima sinfonia" da cui il "Concerto" l'anno dopo a Vienna.

Seguono anni di intenso lavoro di composizione e di successi in cui Beethoven da vita alla" Sinfonia Eroica Opus 55", "Leonore", varie "sinfonie", fra le quali la "Sesta" detta "Pastorale", "Per Elisa" ed il "Fidelio".

Nel 1816, a soli 46 anni, per Beethoven incominciano i primi malanni che lo trasformeranno in pochi anni in un malato cronico, ma che non rallenteranno la sua creatività.

Del 1817 sono le prime partiture della "Nona sinfonia", la sua sordità ormai lo costringe a comunicare con "quaderni di conversazione" e, completamente bloccato a letto, compone i suoi ultimi quartetti per archi, e completa il finale dell'"Opus130".
Muore il 29 marzo 1827.
Come brano ho scelto Sonata al chiaro di luna:già la conoscevo,ma mi è sempre piaciuta.

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Beethoven Moonlight Sonata (Sonata al chiaro di luna)

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Wolfgang Amadeus Mozart nasce il 27 gennaio del 1756 nella “Casa Hagenauer” (Getreidegasse 9) a Salisburgo. Dei sette figli del “musicista da camera dei principi salisburghesi” Leopold Mozart e di Anna Maria Walpurga ne sopravvivono solo due: Wolfgang Amadeus e la sorella maggiore Maria Anna, detta “Nannerl”. Ambedue i figli dimostrano un enorme talento musicale, ragion per cui il padre decide di accantonare la sua propria carriera.A partire dal 1762 l’ambizioso padre comincia a presentare i propri figli alle corti principesche europee. Ad appena sei anni il piccolo Mozart intraprende già grandi viaggi attraverso l’Europa occidentale – dalla Germania, al Belgio, alla Francia fino a Londra. In Italia perfezionerà le sue conoscenze musicali. Mozart trascorre la sua gioventù come primo violino della musica da corte salisburghese. Solo a partire dal 1772 verrà anche retribuito. La sua ricerca vana di un impiego diverso lo porterà in Italia, a Vienna e a Monaco. Nell’autunno del 1773 la famiglia si trasferisce nell’edificio situato nella Hannibalplatz, vale a dire nella Casa d’abitazione dei Mozart nell’odierna Makartplatz 8.Con il cambiamento del governo a Salisburgo, nel 1772, Mozart comincia a trascorrere una vita più regolata. Nel 1779 ritorna alle dipendenze della corte e diviene organista di corte sotto il principe arcivescovo Hieronymus Graf Colloredo. Dopo la prima esecuzione dell’”Idomeneo”, avvenuta all’inizio di giugno del 1781 a Monaco, Mozart giunge alla rottura con l’arcivescovo.A Vienna vive come artista, compositore di opere e insegnante. Il 4 agosto del 1782 sposa Constanze Weber contro il volere del padre. La coppia viaggia a Salisburgo e a Praga. Dei sei figli sopravvivono l’età infantile solo Karl Thomas e Franz Xaver Wolfgang.

La morte precoce di Mozart

Uno degli ultimi successi operistici è “La Clemenza di Tito” (KV 621) eseguita per la prima volta a Praga il 6 settembre 1791. Mozart si ammala poco dopo la prima esecuzione del “Flauto magico” (KV 620) nel Freihaustheater di Vienna. Muore a Vienna il 5 dicembre del 1791, all’età di 35 anni, per una “febbre militare acuta”. Il suo “Requiem” (KV 626) resta incompiuto.
Il brano che ho scelto sono le 12 variazioni per pianoforte. Mi sono piaciute perchè Mozart ha modificato un brani così semplice rendendolo bellissimo.

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MOZART, 12 Variations on "Ah, vous dirai-je, Maman" K.265 (Alberto Lodoletti, piano)

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Nato a Rohrau in Austria nel 1732 da genitori poveri, entrò giovanissimo come cantore nella cattedrale di Vienna e fu avviato allo studio della musica da un parente. Studiò canto, violino, clavicembalo e composizione, adattandosi per i primi anni a qualche saltuario lavoro come insegnante o come orchestrale.
Una svolta decisiva nella sua vita si ebbe nel 1761, quando il ricchissimo principe Nicola Esterhazy lo assunse come compositore alla sua corte; qui Haydn rivestì l’incarico di maestro di cappella per circa trent'anni  fornendo musiche per le più svariati occasioni. Il numero delle sue composizioni è enorme e annovera più di cento sinfonie, circa ottanta quartetti, numerose sonate, concerti, trii e masse. Quando del 1790 morì il principe, Haydn fu licenziato, ma ricevette immediatamente l’incarico di recarsi a Londra per comporre e dirigere alcune sinfonie.
La fama e la fortuna di Haydn sono legate proprio alla musica strumentale, e in particolare ai quartetti per archi e alle sinfonie. A questi generi Haydn impresse un segno molto profondo, dando all'insieme strumentale quell'elegante perfezione stilistica e formale che conferirono alle sue opere tanta popolarità. Morì, famoso e colmo di onori, nel 1809 a Vienna.
L'opera che ho scelto è Sonata in C major.  Mi ha colpito per la sua allegria e vivacità, e per come i suoni si susseguono.

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Haydn: Sonata in C major Hob.XVI:35 -  New Version with Score →→  https://youtu.be/GR67k00qTbQ