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Coco Chanel: de la pobreza al glamour, la vida de un icono de la moda | BBC Extra

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Estudiantes de día y comerciantes de noche: así es Depop, la ‘app’ que enriquece a la generación Z

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Charlamos con María Raga, la CEO española de la aplicación favorita de los más jóvenes, donde se compra y vende moda de forma casi revolucionaria.

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Reportaje: Coco Chanel | La Aventura del Saber

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Recordando a Coco Channel audios indeditos

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Recordando a Coco Channel audios indeditos

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Fueron dos mujeres que se relacionaron con los grandes personajes de los primeros años del siglo XX. Ambas fueron amigas. Con motivo de la muerte de la modista francesa en 1971, la polifacética deportista española habla de la diseñadora de alta costura francesa y de los modelos que Lilí Álvarez lucía.

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Fueron dos mujeres que se relacionaron con los grandes personajes de los primeros años del siglo XX. Ambas fueron amigas. Con motivo de la muerte de la modista francesa en 1971, la polifacética deportista española habla de la diseñadora de alta costura francesa y de los modelos que Lilí Álvarez lucía.

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Emergence of Advertising in America: 1850-1920 / Digital Collections / Duke Digital Repository

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Over 3,300 advertising items and publications dating from 1850 to 1920, illustrating the rise of consumer culture and the birth of a professionalized advertising industry in the United States.

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Historia de los medios de comunicación I Versión 2021

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Historia de los medios de comunicación I Versión 2021

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Historia de los medios de comunicación I Versión 2021

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evolution de los medios de comunicación 

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evolution de los medios de comunicación 

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La comunicación dirigida a grandes sectores tiene sus manifestaciones iniciales en las comunidades primitivas. La horda, el clan y la tribu, sustentan los medios de comunicación de acuerdo a sus incipientes manifestaciones culturales y sociales, así mismo estaban "los heraldos" que eran personas que a nombre de las autoridades de gobierno (monarquía generalmente) anunciaban pueblo por pueblo las distintas órdenes del mismo. Por otro lado, el mester de la juglaría desempeñó también un punto de inicio en los medios. El juglar con poemas, comunicaba la información básica sobre el acontecer social de la comunidad.

LOS MEDIOS IMPRESOS

La idea de imprimir palabras con tipos móviles e intercambiables marca el primer paso hacia la comunicación moderna. La importancia del descubrimiento de la imprenta plantea una nueva dimensión en la relación humana: la letra impresa, al principio con una intención débil, después en torno de una operación, girarían las grandes transformaciones sociales en el devenir histórico.

Las muestras de impresión más antiguas que se conocen, datan de 1454 y 1456, que son, respectivamente una indulgencia Papal por Fust y Schoeffer y la Biblia por Gutemberg. A principios del Siglo XIX, la venta anual de periódicos era cerca de 24 millones y unos 580 libros eran publicados cada año, en ediciones corrientes de unos mil ejemplares, sin embargo, entre 1700 y 1820, repetidas veces se intentó utilizar nuevos métodos con el fin de controlar lo que se editaba.

Los antecesores de los periódicos actuales aparecieron en Italia con las "Gacetaz" por parte del gobierno en el Siglo XVI y surgen los primeros "Zeitung", que eran hojas impresas periódicas. Pero aún no eran los que hoy entendemos por medios de comunicación, por cuanto carecía de irregularidad, sus noticias consistían en la transmisión de novedades de otras regiones fundamentalmente, porque las estructuras Feudales sólo hacían posible un acceso restringido a ellos.

Posteriormente la información se volvió una industria sumamente costosa debido al encarecimiento de algunos productos como el papel, etc. Esto hizo posible que, desde el Siglo XIX se empezaran a producir síntomas de concentración informativa, que presentó dos aspectos importantes:

La concentración económica que llevó al monopolio a algunas empresas periodísticas y a otras al oligopolio, al tiempo que se produjo una disminución en el número de Títulos periodísticos y la preponderancia de unos cuantos.

La concentración política, la cual se tradujo en una subordinación de todos o parte de los medios de información, en un país determinado, a la dirección de un número reducido de personas fueren estos grupos privados o dirigentes de estado.

Estos dos aspectos hicieron posible la aparición de agencias internacionales de noticias, que surgieron a consecuencia de la creciente demanda de información de todo el mundo y la imposibilidad de cada periódico de mantener una red de corresponsales fijos en todas las zonas de interés. Los primeros medios de comunicación impresos son: Libros · Periódicos · Revistas · Historietas · Hojas volantes.

LOS MEDIOS ELECTRÓNICOS

Los medios electrónicos, las transmisiones de señales codificadas, voces o imágenes más allá del oído o de la vista de un individuo podríamos decir que nacieron a raíz de las señales de humo o las fogatas sobre las colinas, para descubrir que fueron las primeras en manifestarse a manera de ampliar los medios de comunicación, pero fue hasta que apareció la electricidad cuando se dio el fenómeno de los medios electrónicos.

Samuel Finlay Breese Morse, en 184 inventó el Morse y la Telegrafía. En 1872 se estableció la telegrafía doble. Thomas Alva Edison en 1874 inventó un sistema cuádruple y la Telegrafía se convirtió en un sistema comercial viable pudiendo alcanzar diferentes Continentes. El teléfono atribuido a Alexander Graham Bell, fue creado en el año de 1870.

TELEVISIÓN

Es así como también en el año de 1870 nace la Televisión al descubrirse que las variaciones de la conductividad eléctrica del selenio expuesto a la luz producía diferentes matices de color que permitían la transmisión de imágenes convirtiéndose en una realidad tecnológica avanzados en los años veinte, como cuando Vladimir K. Z. Worykin creó una máquina electrónica que permitía la transmisión de treinta imágenes por segundo, pudiendo así simular el movimiento.

La televisión es el más reciente de los principales Medios de Comunicación (Radio, Cine, Prensa) pero el demás rápido desarrollo y que incluso ha desplazado y disminuido el consumo de los otros. Varios factores hicieron posible este rápido desarrollo, primero su tecnología había alcanzado un alto grado de progreso antes de los receptores fabricados en serie fueran puestos a disposición del público; segundo no se vio precisada a elaborar de acuerdo con el sistema de gobierno un sistema de Control Federal de Comunicación y la Legislación vinculada sirvieron con éste fin. Posteriormente la base financiera a la que podía recurrir la televisión prometía ser el vínculo más eficaz para la propaganda comercial.

La Televisión pudo haber llegado a hogares mucho antes si no se hubiera estallado la Segunda Guerra Mundial. La tecnología electrónica de la Televisión fue desarrollada durante la década de 1920 y 1930. Con respecto a esto, Fátima Fernández en su texto "Los Medios de Difusión Masiva en México" cita que en 1939 se efectuaron transmisiones en los Estados Unidos. En 1941 en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, la Comisión Federal de Comunicaciones comenzó a elaborar planes para su desarrollo. En esa época había casi 5000 televisores en manos particulares (la mayoría en el Estado de Nueva York) y varias estaciones de escasa potencia que trasmitían regularmente dos a tres horas al día. Durante la Guerra no se hicieron nuevos progresos sino después de ella recuperando el "tiempo congelado" rápidamente.

En su inicio la Televisión se convirtió en un símbolo de staus al grado que algunas familias de escasos recursos llegaron a privarse de lo necesario con tal de adquirirse una. El deseo de ser identificado como poseedor de una aparato de Televisión era tan fuerte en ese período inicial que, según se afirma muchas familias adquirieren una antena y la hicieron instalar aparatosamente en el techo mucho antes de poseer el aparato receptor. Hoy en día el uso de la Televisión diaria es más normal que tener empleo, ya que parte importante de las personas con una alta injerencia de horas frente al televisor, son personas desempleadas.

RADIO

Es imposible dejar de subrayar el papel que juegan en la sociedad moderna los medios de comunicación tanto impresos como electrónicos en su cotidiano proceso comunicativo, de hecho muchos los consideran el centro de las redes de comunicaciones de toda una sociedad. "En este mundo de permanente estado de cambio, los medios masivos de comunicación subsisten como una voz autorizada cuando otros organismos ya no lo son"1. Lo vemos en nuestros días debido a la situación económica del país en algunos hogares tal vez falte comida, vestido u otra necesidad, pero un televisor y/o radio, rara vez faltan en el ornamento casero. Los medios masivos electrónicos han tomado un papel muy importante en la vida y desarrollo de la sociedad que viven a la par con nosotros y han cobrado gran importancia en nuestro modus vivendus que son imprescindibles.

Se ha visto que los medios de comunicación masivos y no masivos están inmersos en nuestras vidas ya que nos abren una ventana a un mundo lejano sin límite de fronteras que nos detenga. Por todo eso es oportuno y necesario ver y analizar si los medios son o no parte esencial de nuestra vida y que nos educa, informa, entretiene como su fin principal como medio, pues hoy en día muchos de estos medios tanto los impresos como los electrónicos, el 90% de su contenido tiene como fin lucrar ya sea a través de la publicidad tradicional de empresas privadas o por medio de la propaganda política y gubernamental.

ANTECEDENTES HISTORICOS DE LA RADIO

A pesar de la expansión de los otros medios de comunicación colectivos, la radio se encuentra aún en la vanguardia de la estructura comunicacional de la sociedad actual en la que vivimos.

En 1948, cuando la televisión surgía como el nuevo rival de la radio, dada su estructura electrónica y masiva, imperaba la visión que la radio sería desplazada totalmente, según Time Magazine.

A pesar de este temor en la historia de la radio, ésta sigue siendo, aún en el Siglo XXI un elemento indispensable de la vida moderna. La radio nace a partir de la imperiosa necesidad que tiene el ser humano de comunicarse a larga distancia. A diferencia de los otros medios masivos de comunicación, el objetivo primordial para el que fue creado, no es el mismo con el que ahora se conoce. La Radio se inscribe en la vida cotidiana de la comunidad, en donde se realizan sus transmisiones de una forma más discreta y más constante.

El cine es un lenguaje que al mismo tiempo es comunicativo y estético, por eso se considera el cine como un medio de comunicación.

A lo largo de la historia del cine se han producido largometrajes y documentales históricos que han ido relatando gráficamente los acontecimientos principales que se han ido sucediendo hasta nuestros días: desde la época de Cristo, con numerosas películas bíblicas, pasando por la época griega y romana.

Posteriormente se reproduce cinematográficamente la época medieval, que se ambienta en las conocidas "Cruzadas ". Así hasta llegar a nuestra época más cercana, el siglo XX, que nos enseñan su forma de pensar y actuar, que nos hacen conocer los acontecimientos tal y como sucedieron. El cine nos enseña valores y principios, nos puede llevar a cambiar nuestras ideologías, nos puede enseñar algo que no sabíamos...

INTERNET

Internet ha sido considerado como un hipermedio que encaja en lo que se conoce como la post-televisión (Piscitelli, 1998), aunque para otros no llega siquiera a definirse como tal. Se trata de una controversia originada en dos miradas: a· aquellos que le niegan la condición de medio llega a esta conclusión a partir de su comparación con la radio o la televisión, y en menor medida, con la prensa. b· la de quienes ven a Internet como un hipermedio debido a que contiene a los demás, está puesta en su lenguaje, en su hipertextualidad y en sus posibilidades expresivas.

"Internet fue el primer medio masivo de la historia que permitió una horizontalización de las comunicaciones, una simetría casi perfecta entre producción y recepción, alterando en forma indeleble la ecología de los medios. Nacida de una combinación de necesidades militares y experimentales a fines de la década del sesenta (Hafner y Lyon, 1996, Abbate, 1999), sobrepasando sus estrictos cinturones de seguridad y dando lugar a movilizaciones anarquistas y contraculturales a mediados de los noventa, se comercializó e inició una evolución/revolución que ha pasado por varias etapas y que está hoy en plena ebullición." afirma Alejandro Piscitelli. (Piscitelli, 2002: 207).

Este autor caracteriza a Internet como un hipermedio, debido a que reúne las condiciones de los anteriores y le agrega nuevas, entre las que destacan la hipertextualidad, la ruptura de tiempo y espacio, la reticularidad. Para Piscitelli Internet protagoniza la era de la post televisión. Su mirada está puesta en las condiciones expresivas que permite este nuevo medio, así como en la riqueza de su lenguaje.

Internet es un medio de comunicación complejo y diferente a sus antecesores. Tiene la particularidad y capacidad de combinar dos funciones básicas: ser un canal de distribución para los medios tradicionales (generalista), y proporcionar un espacio de expresión para emisores emergentes de diversa índole (temáticos o no). Estas condiciones se cruzan con la modalidad económica de acceso: suscripción, pago por tiempo de uso del servicio, libre de costos, tarjetas pre-pagadas, entre otras, que configuran distintos tipos de navegación. A pesar de ser un condicionante, el costo de acceso diverso no es novedad: esto mismo ocurre con los demás medios, por ejemplo la prensa ante la pérdida de lectores se ha visto obligada a incursionar en la red y a buscar nuevas formas de financiamiento.

Aunque el pago por los servicios de Internet es aún un tema en discusión, en la práctica vemos que las condiciones de acceso siguen un camino similar a las de los medios tradicionales, tendencia que en definitiva busca privatizar la red dando beneficios a las empresas que están detrás del complejo entramado de las redes. Esas empresas son las que descubrieron antes que nadie, que deben trabajan en una oferta de contenidos construida por profesionales. Internet es una fuente de información y al mismo tiempo, es también un canal de comunicación. Información en cuanto que Internet integra una enorme base de datos con información multimedia de todo tipo y sobre cualquier temática; y Comunicación, en tanto que constituye un canal de comunicación a escala mundial, cómodo y versátil. ◊

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Evolución de los medios de comunicación masiva

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La comunicación dirigida a grandes sectores tiene sus manifestaciones iniciales en las comunidades primitivas. La horda, el clan y la tribu, sustentan los medios de comunicación de acuerdo a sus incipientes manifestaciones culturales y sociales, así mismo estaban "los heraldos" que eran personas que a nombre de las autoridades de gobierno (monarquía generalmente) anunciaban pueblo por pueblo las distintas órdenes del mismo.

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El perfume inspirado en una de las mejores amigas de Coco Chanel

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Te presentamos Misia, la nueva fragancia de la marca.

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Medio siglo y todo el músculo narrativo de una de las firmas de moda más poderosas del mundo han convertido en un icono popular a Gabrielle Chanel. Coco para sus amigos, que somos todos. En su leyenda existen una serie de hitos que, como pasajes de la Odisea, son conocidos por cualquiera: el vestidito negro de los años veinte ("el Ford de los vestidos", como lo bautizaría Vogue), el perfume más famoso, su pasión por la bisutería, su trágico romance con Boy Capel, Misia, el tweed, las perlas o, por supuesto, su muerte en el Ritz de París. Sucedía hace 50 años, el 10 de enero de 1971. Era un célebre domingo, "el único día que descansaba", apuntarían después los narradores de la epopeya. El final le llegó apaciblemente en la cama, explicarían sus íntimos a la prensa. Porque los encargados de comunicar la noticia fueron sus amigos más cercanos. A sus (probablemente) 87 años a Coco no le quedaba ninguna familia y, la que le quedaba, estaba lejos desde hacía décadas.

En El aire de Chanel (ed. Tusquets), de Paul Morand, lo más parecido a una autobiografía que dejó la diseñadora, despacha a sus hermanas en los primeros párrafos como si fueran una nimiedad de su infancia: "Acabamos de llegar a casa de mis tías, mi padre y yo, al caer la noche. Estamos de luto. Mi madre acaba de morir. A mis dos hermanas las han metido en un convento. Yo, la más sensata, soy confiada a esas típicas tías de Bretaña, primas hermanas de mi madre". El pasaje, como muchos de los que le contó a su amigo escritor, teje hilos de fantasía y realidad.

Ni familiares burgueses de provincias, ni hermanas separadas: cuando la madre de Gabrielle muere de tuberculosis, en 1895, el padre abandona a sus cinco hijos. Los dos chicos, de 10 y 6 años, fueron colocados como granjeros y se convirtieron en dos más de los miles de niños que cada año caían en un tipo de semiesclavitud entonces aceptada. Las tres hermanas Chanel fueron internadas juntas en un orfanato en Aubazine. Julia-Berthe, la mayor, tenía 13 años; Gabrielle, 12, y Antoinette, 8. "Creo que el pasado era terriblemente doloroso para ella. Como hizo con sus padres o sus orígenes, la tragedia de sus hermanas le afectaba demasiado así que la borró. Hizo como si no hubiera pasado" explica Judithe Little, autora de la novela Las hermanas de Chanel (ed. Espasa, a la venta el 7 de enero). "Hace años, leyendo una biografía suya, descubrí que había tenido hermanas. Me interesé mucho por ello porque me intrigaba imaginar qué había pasado con ellas y cómo era haber sido hermana de Coco", confiesa la estadounidense, que inmediatamente se embarcó en una búsqueda por los archivos, los censos y los periódicos de la época para reconstruir la historia.

Los datos que encontró eran escasos, ya se había encargado Gabrielle de ello. Como cuenta Lisa Chaney en su biografía, " a lo largo de toda su vida se rumoreó que pagó a algunos de sus familiares para que no hablaran de su pasado y que negoció la destrucción de ciertos documentos". Pero sí hay algunas certezas estampadas en los libros de cuentas de los primeros años de Chanel Modes: su hermana pequeña, Antoinette, formó parte fundamental en la creación del emporio que convertiría su apellido en una de las marcas más conocidas del mundo.

El pasado era terriblemente doloroso para ella. Como hizo con sus padres o sus orígenes, la tragedia de sus hermanas le afectaba demasiado así que la borró.

Cuando salieron del orfanato, las hermanas Chanel marcharon a un pensionado en Moulins junto a su tía Adrienne, de la edad de Gabrielle. A esta última la colocaron como dependienta en una mercería. Edmonde Charles-Roux en El siglo de Chanel (ed. Herce) añade que, junto a su tía, probó suerte cantando en los espectáculos de la zona: "No sabía más que dos canciones: Ko-Ko-Ri-Ko y Qui qu'a vu Coco. El público empezó a conocerla por la palabra que las dos canciones tenían en común, y con ese mote se quedó", señala la que fuera editora de Vogue París. En algún momento a la pareja se le unió Antoinette y pronto se las empezó a conocer como las 'tres gracias'. De Moulins Coco viajó a Vichy, donde trabajó vendiendo agua para pagarse las clases de canto. Pero ese camino creativo quedaría relegado cuando su amante, Étienne Balsan, la ayudó a establecerse como sombrerera en París.

De la hermana mayor se sabe muy poco una vez salieron de Aubazine: Julia-Berthe fue madre soltera del sobrino de la couturier, André Palasse, y murió en 1910 con solo 28 años. Se dijo que de tuberculosis, pero varios biógrafos apuntan al suicidio. "La historia macabra cuenta que se tiró a la nieve desnuda, hasta que perdió la conciencia y murió congelada", escribe Chaney. Pero esto también suena a elaboración romántica porque lo cierto es que Julia murió en mayo y la climatología hace difícil imaginar esa escena en los albores del verano.

Aunque incompleta, hay muchos más datos para trazar la historia de la hermana pequeña. "Los registros censales indican que, en un determinado momento, Antoinette vendió sombreros en Vichy, donde Coco había intentado abrirse camino como cantante", revela Little. También que en 1910 ya vivía en París y apoyaba a su hermana en su nueva aventura simplificando tocados y sombreros, en el piso que Étienne Balsan poseía en el bulevar Malesherbes. El 1 de enero de 1910 Antoinette firmó el libro de contabilidad en calidad de vendedora. "Sabemos que formó parte importante de la primera parte del negocio de Chanel. Sabemos que la ayudó mucho y que era trabajadora. Yo creo que era leal y divertida, y más amable que Coco. Era la que trataba con el público porque tenía mejores maneras. Coco era capaz de decirle a una clienta que estaba demasiado gorda y necesitaba perder peso. Contribuyó a la inauguración de la primera boutique en Rue Cambon y, posteriormente, a la apertura de las de Deauville y Biarritz, supervisando a centenares de empleadas".

Al terminar la Primera Guerra Mundial París era una fiesta y Chanel, la responsable de su vestuario. Mientras su hermana revolucionaba la moda y el armario femenino, Antoinette conoció a un atractivo piloto canadiense, Oscar Fleming. Se enamoraron y se casaron en 1919. Boy Capel, el gran amor de Coco, firmó como testigo y la novia lució un delicado vestido que había creado para ella Coco. Pasaron la luna de miel en el château de la diseñadora en Biarritz y después volaron a Canadá. Y allí todo empezó a desmoronarse. "Hablé con la hija que Oscar tuvo en un segundo matrimonio", revela la autora de Las hermanas de Chanel, "ella me contó que Antoinette aterrizó cargada de baúles de ropa de las colecciones de Chanel". Llevó consigo también dos regalos de Gabrielle: una colcha de encaje y un juego de té con un samovar ruso que aún están en posesión de la familia Fleming. Nadie sabe qué pasó con el vestido de novia. Acostumbrada a ser una mujer de negocios que se había abierto camino en la excitante capital gala, es probable que la pequeña Chanel no terminara de encajar en la vida tradicional de la familia de su marido. Sí se sabe que pocos meses después de llegar al país acudió a visitarles un amigo argentino procedente de París. Unos días después de su marcha, Antoinette abandonó a su marido y viajó a Buenos Aires. También se desconoce cuánto tiempo pasó en Argentina, pero sí que falleció en el Hotel Majestic en 1922. "En el certificado de defunción consta como 'Antonieta Chanel de Fleming' y, como causa de muerte, la 'intoxicación", dice Little. Tenía 33 años y todas las teorías respaldan, como en el caso de Julia-Berthe, el suicidio. "Se comunicó durante mucho tiempo que murió en 1920, a causa de la gripe española, pero al aparecer el certificado se supo que en realidad murió en el 22, víctima de una sobredosis de drogas", subraya Chaney.

No existen testimonios sobre el efecto que tuvo la noticia de la muerte de su hermana más próxima en Coco Chanel. Pero sí que no volvió a hablar de ella. Durante varios años, tampoco volvió a diseñar ningún vestido de novia para finalizar sus colecciones, un clásico entonces en los desfiles parisinos.

Los hermanos de Gabrielle se reencontraron con ella tras su triunfo en los años veinte y varios testigos cuentan que solían pasar por Rue Cambon a pedir dinero. Cuando se rompió la relación, desaparecieron del mapa. No sucedió lo mismo con su sobrino, el hijo de Julia-Berthe. André Palasse recibió una esmerada educación en Inglaterra, planificada por Boy Capel y sufragada por su célebre tía que le mimaba durante los veranos. En la Segunda Guerra Mundial fue capturado por los alemanes y Gabrielle removió el mundo para conseguir salvarle. La ayudó el barón Hans Günther von Dincklage, el alto cargo nazi que se convirtió en su amante hasta los años cincuenta. André solo tuvo una hija, Gabrielle, que en 2011 compartió algunos recuerdos familiares con la escritora Isabelle Fiemeyer: "Coco Chanel inventó sus propios mundos a los que escapar. Su proceso de echar raíces, de escapar de la vida errante de sus antepasados, de la maldición familiar, fue evidentemente complicado". Su historia forma parte de otra de sus contradicciones: intentó silenciarla mientras hacía todo lo posible porque nadie la olvidara.

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El siniestro destino de las dos hermanas Chanel a las que Coco ocultó durante toda su vida | Moda | S Moda EL PAÍS

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Medio siglo y todo el músculo narrativo de una de las firmas de moda más poderosas del mundo han convertido en un icono popular a Gabrielle Chanel. Coco para sus amigos, que somos todos.

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La diseñadora mantuvo relaciones sentimentales con artistas y aristócratas que le ayudaron a forjar su imperio en la moda

Coco Chanel, en su estudio de diseño, en una foto realizada en los años cincuenta. Henry Clarke (Conde Nast via Getty Images)

Si Coco Chanel logró transformar la moda para siempre fue porque supo leer el signo de los tiempos. Ella entendió antes y mejor que nadie que las mujeres necesitaban un nuevo guardarropa con el que ser activas, independientes y libres. "Una mujer ocupada necesita sentirse cómoda con su ropa. Tienes que ser capaz de subirte las mangas", declaró en la década de los años 20. Su capacidad para absorber ideas y su talento para adaptarlas a sus diseños solo era comparable a su don para rodearse de las personas apropiadas: una mezcla imposible de artistas y aristócratas que le ayudaron a estimular su creatividad y, en los inicios de su carrera, también a financiarla.

Con muchos mantuvo relaciones amorosas, pero la mayoría, sencillamente, solo disfrutaban de tenerla cerca. Ahora, una biografía recién publicada en Reino Unido, Living with Coco Chanel. The homes and landscapes that shaped the designer, añade nuevos datos. Escrito por la escocesa Caroline Young, el libro recorre los lugares y casas que frecuentó Coco -unas veces, en calidad de amante de sus dueños; otras, como en el caso de La Pausa, su villa cerca de Montecarlo, como su orgullosa propietaria-, y explora cómo la moldeó e inspiró cada entorno.

Hasta en el convento de Aubazine, donde la dejó su padre de niña, halló Young elementos que luego Coco referenciaría en su firma. "Fui a Aubazine, la abadía donde se crió después de haber sido abandonada a la edad de doce años. Es un lugar muy remoto, tranquilo, en lo alto de una meseta, rodeado de bosque, y descubrí que ahí es donde comienza la leyenda de Chanel", cuenta la autora a EL PAÍS. Pero Living with Coco Chanel no es un mero compendio de datos de interiorismo; son las experiencias junto a los hombres de su vida -de esa vida sentimental tan intensa y azarosa - las que protagonizan gran parte de la obra.

Coco Chanel, en Francia, en 1937. Lipnitzki (Roger Viollet via Getty Images)

El primero fue el oficial de caballería y heredero textil Etienne Balsan, que se fijó en ella cuando solo era una joven costurera. Balsan la convirtió en su segunda amante, la instaló en su castillo y acabó prestándole un apartamento en París donde Coco empezó a vender sus sombreros. "Él era un inconformista al que le gustaba rodearse de gente de fuera de su círculo, e incluyó a Chanel en su mundo porque era diferente y única. Esto fue alrededor de 1905 o 1906 y en esos tiempos las mujeres no tenían poder; Chanel sabía que, sin familia ni riqueza, necesitaría crearse su suerte", explica Young.

Estando con Balsan, Coco conoció al empresario y playboy Arthur Boy Capel, su gran amor, que le ayudó a financiar su primera boutique, aunque después le rompería el corazón dos veces: al casarse con otra mujer y al matarse en un accidente de coche en 1919. También fue sonado su affaire con el gran duque Dmitri Pavlovich, nieto del zar Alejandro II, que había huido de Rusia tras la revolución bolchevique y que, según la autora, le regaló las perlas que ella convertiría en un accesorio emblemático de su look. O su larga relación con Hugh Grosvenor, segundo duque de Westminster, de quien Chanel tomaba prestadas las chaquetas de tweed que hoy son seña de identidad de la marca, y con quien vivió en una mansión en las Highlands.

Se adhiere a los criterios de

Que muchas de sus parejas fueran hombres ricos y poderosos no significa, para Caroline Young, que ella los eligiera así ex profeso: "No creo que los sedujera de forma deliberada; fue su pasión, creatividad y fuerza lo que atraía a la gente hacia ella. Sus amantes después de Boy Capel, incluyendo a Dmitri Pavlovich y Stravinsky, tenían muy poco dinero, pero se sintió atraída por Dmitri porque era un Romanov, y a ella le impresionaban los títulos. Cuando conoció al duque de Westminster, Chanel era muy rica por derecho propio, y él encontró su independencia refrescante". Chanel nunca renunció a esa independencia. "Se cree que se comprometió con Paul Iribe a mediados de los 30, pero él murió de un ataque cardíaco en las canchas de tenis de La Pausa delante de ella", cuenta la biógrafa. "También pudo haber deseado casarse con el duque, pero ella no podía quedarse embarazada. Para entonces, Chanel podría haberse dado cuenta de que ser independiente y vivir de la manera que quería era vital para ella". La propia mademoiselle lo resumió así: "Dios sabe que quería amor. Pero en el momento en el que tuve que elegir entre el hombre que amaba y mis vestidos, elegí los vestidos".

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La diseñadora mantuvo relaciones sentimentales con artistas y aristócratas que le ayudaron a forjar su imperio en la moda Si Coco Chanel logró transformar la moda para siempre fue porque supo leer el signo de los tiempos. Ella entendió antes y mejor que nadie que las mujeres necesitaban un nuevo guardarropa con el que ser activas, independientes y libres.

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A pesar de que nos quejamos amargamente asumiendo que los niños las personas leen poco o que se pasan horas y horas leyendo bobadas, cotilleos y memes en sus redes sociales, lo cierto es que esto ha sido una constante en la historia.

Incluso en la época en la que más se estaba leyendo, la mayoría leía fruslerías.

Desde el nacimiento de la imprenta

Cuando nació la imprenta gracias al alemán Johannes Gutenberg en 1436, los cambios sociales que se produjeron fueron tan espectaculares como los que hoy en día está produciendo internet. El crecimiento en la impresión de libros fue aumentando rápidamente a medida que la sociedad estaba cada vez más alfabetizada. Sin embargo, hubo un momento en que se produjo un pico de crecimiento en la impresión de libros, allá por la década de 1920. Justo antes de que la radio empezara a secuestrar la atención del público masivo.

En la década de 1920, las editoriales de Estados Unidos publicaban 110 millones de libros por año, el doble que la década de 1910. El mayor crecimiento en el número de lectores, sin embargo, se produjo en el ámbito de la revistas, sobre todo de cotilleos, un género que hasta ese momento resultaba inédito, y los periódicos en general.

Revistas

En la década de 1920 nació el club del libro a fin de orientar a los abrumados lectores por el creciente número de títulos publicados. Los primeros fueron el Book-of-the-Month Club (1926) y el Literary Guild (1927). El éxito de esos clubes era inaudito, y no volvería a repetirse nunca más. Tampoco el fervor con el que el público lector veneraba a sus autores. Por ejemplo, cuando Sinclair Lewis se instaló en su casa de Minnesota para escribir Elmer Gantry (1927), los lectores se desplazaban desde otros lugares solo para verlo trabajar.

Más sorprendente todavía fue el auge de las revistas. Hugo Gernsback, por ejemplo, fundaba en 1913 la primera revista de ciencia ficción del mundo ( Amazing Stories), y luego empezaría a fundar revistas de todo tipo (si una quebraba, fundaba otras dos). Por ejemplo, la primera revista sobre electrónica de Estados Unidos, Modern Electrics. Sexology abordaba la sexualidad desde la vertiente científica. Radio News trataba sobre noticias del mundo de la radio.

También en esta época hizo su debut la Reader´s Digest (1922), Time (1923), American Mercury (1924), Smart Set (1924) y el New Yorker (1925). No en vano, los ingresos por publicidad aumentaron un 500% en esta década. Las revistas empezaron así a influir a nivel sociológico en toda la población, cambiando incluso la forma de expresarse de la gente, como explica Bill Bryson en 1927: Un verano que cambió el mundo:

La revista Time era famosa por su predilección por determinadas palabras y expresiones: "moreno", "diestro" y "ojos penetrantes". También abusaba de neologismos, como "cine-adicto" o "cine-actriz". Por otra parte, a sus redactores les encantaba distorsionar las frases hechas, de modo que "a la hora en punto" se convirtió, sin ningún tapujo, en "en punto a la hora". Y, sobre todo, presentaba un curioso afecto germánico por la inversión del orden normal de las palabras y de la acumulación de tantos nombres, adjetivos y adverbios como fuera posible en la misma frase antes de proporcionar el verbo.

Periódicos

Con todo, la el verdadero crecimiento de la letra impresa tuvo lugar a través de los periódicos. Los hogares estadounidenses ya compraban 1,4 periódicos al día. S olo Nueva York tenía doce periódicos de frecuencia diaria. Todas las ciudades grandes tenían al menos dos o tres diarios.

Esta pujanza por la letra escrita en parte se produjo porque fue en estos diarios donde nació un género que había resultado inédito hasta la fecha: la prensa amarilla o prensa sensacionalista. Es decir, las noticias que abordaban básicamente cotilleos de famosos, crímenes morbosos y deportes.

En Inglaterra ya hacía unos años que los tabloides tenían cierto éxito, como es el caso del Daily Mirror, pero en Estados Unidos eclosionaron de una forma mucho más virulenta gracias a dos jóvenes miembros de la familia de editores del Chicago Tribune: Robert R. McCormick y Joseph Patterson. Ellos fundarían una suerte de Daily Mirror que llamaron Ilustrated Daily News, que se lanzó en Nueva York en junio de 1919 al precio de dos centavos. Tamaño éxito hizo que nacieran otras publicaciones similares. La más famosa quizá fuera el New York Daily Mirror, propiedad del magnate de la comunicación William Randolph Hearst.

Sobre estos pilares del exceso y el morbo, pues, se construyeron los altos y robustos pilares de las nuevas generaciones de lectores, pero también sobre la necesidad de ocio en una época en la que todavía no existía ni la radio ni la televisión. El número de lectores se estabilizo o decreció a raíz del nacimiento de esos nuevos medios de comunicación, y posiblemente haya vuelto a crecer gracias al nacimiento de otros como internet (Blog, Whatsapp, Twitter, etc). No hemos cambiado mucho, pues, aunque las plataformas lo hayan hecho.

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La época en la que se empezó a leer más que nunca (sobre todo cotilleos)

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A pesar de que nos quejamos amargamente asumiendo que los niños las personas leen poco o que se pasan horas y horas leyendo bobadas, cotilleos y memes en sus redes sociales, lo cierto es que esto ha sido una constante en la historia.

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El universo de la moda cuenta con una serie de nombres propios que han marcado un antes y un después en la historia del siglo XX. Paul Poiret, Madeleine Vionnet y Elsa Schiaparelli son algunas de las figuras de inicios del siglo pasado cuyo legado sigue vivo, pero Coco Chanel es -sin duda- la mujer artífice del gran cambio. La modista, que nació bajo el nombre Gabrielle Chanel en un pequeño pueblo francés el19 de agosto de 1883, tuvo la capacidad de innovar con rebeldía para originar las bases del futuro de la moda.

Tal fue el éxito de su carrera que Coco Chanel es la única mujer diseñadora de moda que figura en la lista de la revista Time de las 100 personas más influyentes del siglo XX. Además, la francesa ha inspirado numerosas películas ( como la popular Coco avant Chanel protagonizada por Audrey Tautou en 2009), series, libros, documentales y obras de teatro. En definitiva, Chanel es un icono irremplazable cuyo recuerdo no desaparece con la llegada de las nuevas generaciones y estos son algunos de los motivos que la han conducido a poseer este título.

Fue una mujer emprendedora y la primera gran empresaria conocida por todos

La vida de Coco Chanel y el amor fueron siempre de la mano. La modista tuvo varios amantes y parejas (aunque nunca llegó a contraer matrimonio) y estas relaciones fueron tan importantes para ella que la ayudaron a convertirse en una de las primeras grandes empresarias conocidas por el gran público de la historia.

Chanel inició su carrera en el mundo de la moda en una pequeña tienda en la planta baja del departamento de su amante Étienne Balsan. Un año después, concretamente en 1910, tuvo la oportunidad de abrir su primera tienda en la Rue de Cambon 31 gracias a la ayuda económica de otra pareja sentimental, Arthur Capel. En aquella época era prácticamente imposible para una mujer soltera acceder a un crédito bancario que le permitiese inaugurar su primera boutique, pero Chanel devolvió toda la inversión a su amante para convertirse en una empresaria independiente.

Fusionó el estilo masculino y femenino

A finales del siglo XIX y principios del siglo XX la mujer vestía ropas incómodas que la posicionaban en cierto estatus social. Los corsés, los vestidos largos y las prendas 'típicamente femeninas' era todo lo que una mujer elegante debía lucir. Esta premisa murió cuando Coco Chanel apostó por prendas cómodas, ligeras y fáciles de llevar con el fin de vestir a una mujer trabajadora y activa, que tenían como origen la moda masculina.

Vistió a una mujer trabajadora

La modista tuvo la valentía de trabajar con tejidos como la lana y el punto -materiales destinados anteriormente a mozos de cuadras, asistentas y clases trabajadoras- y de dar luz verde a piezas como las faldas que cortaban justo por debajo de las rodillas, los jerséis de cuello alto, las camisetas a rayas y los trajes de dos piezas formados por americana y pantalón de pinza. Así, la francesa liberó la figura de la mujer.

Popularizó el icónico little black dress

El color negro y el luto eran sinónimo durante la primera mitad del siglo XX, pero Chanel rompió las reglas del juego el año 1926 cuando apareció por primera vez un boceto firmado por la modista de un little black dress. Aunque a día de hoy nos parece una prenda propia de cualquier fondo de armario, la creación de Chanel fue todo un acto de rebeldía en su momento.

La francesa creó un diseño apto para todas las mujeres, bañado en color negro y que cortaba por debajo de la rodilla, un modelo clásico y atemporal que ha conducido al éxito a iconos como Audrey Hepburn, Penélope Cruz o Sarah Jessica Parker.

Inventó la joyería para una mujer libre

Las joyas eran un icono de clase de social, un símbolo de riqueza y un regalo comodín para los hombres adinerados. Las mujeres dependían a principios del siglo XX de ellos para poder lucir sus piezas de joyería, ya que el valor de estas era tan elevado que no podían permitírselo, pero Chanel derribó esta idea.

La francesa inventó la joyería más económica (no por ello menos atractiva) con piezas sencillas, sofisticadas y fáciles de lucir. Las perlas, la icónica camelia y el logo de Chanel se convirtieron en el sello de identidad de su maison. Con los problemas ocasionados a raíz de la depresión económica de los años 20, Chanel fue un paso más allá y diseño piezas polifacéticas que podían desmontarse y convertirse en otros elementos.

Creó el perfume más conocido de la historia: Chanel nº5

La francesa no solo hizo historia en el universo de la moda, el mundo de la belleza también la recuerda de una forma especial. La primera fragancia firmada por Chanel nació en 1921 y sigue siendo uno de los perfumes más vendidos a día de hoy. El precioso envase, una botella de cristal de líneas sencillas, rectangular y clásica, fue diseñado por la propia Coco. Esta esencia floral se base en la rosa de mayo y el jazmín. Además, los aldehídos le ofrecen un aroma único y el suave toque de vainilla es pura sensualidad.

Fotos | Gtres, Sephora

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7 motivos por los que Coco Chanel revolucionó el mundo de la moda

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El universo de la moda cuenta con una serie de nombres propios que han marcado un antes y un después en la historia del siglo XX. Paul Poiret, Madeleine Vionnet y Elsa Schiaparelli son algunas de las figuras de inicios del siglo pasado cuyo legado sigue vivo, pero Coco Chanel es -sin duda- la mujer artífice del gran cambio.

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Su huella para las mujeres

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Coco Chanel nació en 1883. Aprendió a coser con su tía. Pasó muchas horas renovando viejas camisas y embelleciendo sombreros.

A los veinte años, vivió con una familia que tenía un comercio de venta de telas, y trabajó en un taller donde arreglaba uniformes de oficiales de caballería. Empezó a utilizar cómodas prendas masculinas y zapatos planos, algo inusual.

En 1908, abrió en París una tienda de sombreros. Sus diseños tuvieron mucho éxito y se trasladó, con el nombre de "Modas Chanel ", junto al lujoso hotel Ritz. Liberó el cuerpo femenino de los apretados corsés, y la ropa sport revolucionó el concepto de la moda.

Durante la Primera Guerra Mundial, en 1914, ofrecía modelos de ropa de punto, cómoda y sencilla, con lo que triunfó.

La lista de sus éxitos es larga. Puso de moda el pelo al estilo garçonne, la piel bronceada, los largos collares de perlas como complemento a sus vestidos negros, el perfume Chanel n.º 5, los trajes de chaqueta y falda recta por debajo de la rodilla, etc.

Su empresa llegó a tener 4000 empleados. Con setenta años de edad regresó al mundo de la moda y volvió a triunfar entre las mujeres. Murió en 1971.

La época de la Primera Guerra Mundial imprimió un gran salto en la liberación de la mujer en todos los ámbitos. "Es la hora inaugural de la historia para las mujeres del mundo. Es la era de las mujeres", exclamaba la sindicalista norteamericana Raymond Robins en el congreso de la National Women´s Trade Union League, realizado en 1917.

El ensayista francés Gastón Rageot saluda "el alba de una nueva civilización", y el historiador León Abensour comentaba "el advenimiento de la mujer a la vida nacional". Y es que esta guerra implicó una transformación en las relaciones entre ambos sexos y emancipó a las mujeres en mayor medida que en los años y aun que en los siglos anteriores.

En la literatura, prensa y discursos políticos se hablaba de este cambio, para celebrarlo o para denunciarlo. Las mujeres tuvieron que sustituir a los hombres en el terreno laboral, y para ellas fue una experiencia de libertad y de responsabilidad sin precedentes. Se valoró su trabajo al servicio de la patria y tuvieron una apertura a nuevas oportunidades profesionales que antes les eran negadas. Por necesidad, la guerra eliminó las barreras que separaban los trabajos masculinos y los trabajos femeninos. Las chicas podían estudiar en las escuelas de ingenieros; pudieron acceder a profesiones superiores. Las que eran maestras vieron la mejora de su situación, y en las comunidades rurales reemplazaban al alcalde ausente.Las jóvenes podían ingresar en "esos grandes bastiones de la alta educación" que eran las universidades de la Sorbona, en Francia, o la de Oxford, en el Reino Unido.

Por todas partes se ve a mujeres trabajando en cafés, hoteles, comercios, banca, administración, y también en gabinetes del Ministerio. La gran mayoría de las trabajadoras toma conciencia de sus capacidades y estiman su nueva independencia económica, pues en el trabajo destinado a la guerra, sobre todo en la industria de armamento, se gana el doble o más que en los anteriores oficios femeninos. Las empleadas de hogar dejan sus colocaciones para ir a las fábricas.

Por otro lado, para las mujeres y jovencitas de las clases sociales medias y altas, acostumbradas a ejercer actividades de caridad, la guerra es un período de intenso trabajo, que cambia los encasillamientos sociales, como eran la rigidez de la moda y las maneras sociales de la burguesía. La antigua y codificada práctica del día de recepción cae en desuso ante la obligación de dedicar unas horas a alguna obra de caridad o de asistir a galas benéficas.

Las chicas pasean por las calles solas, sin "carabinas", deslumbradas por la libertad; todo un mundo de posibilidades se abre ante ellas.La "muerte del corsé", el acortamiento de las faldas y la simplificación de la indumentaria, como el traje chaqueta y los tejidos de punto creados por Coco Chanel, liberan los cuerpos de las mujeres facilitando el movimiento.

Gabrielle Bonheur Chanel, conocida años más tarde como Coco Chanel, nació en la ciudad de Saumur el 19 de agosto de 1883. Era la segunda hija de la pareja formada por Jeanne Devolle, de diecinueve años, y el vendedor ambulante Albert Chanel. En el momento de su nacimiento, su padre estaba ausente, y como su madre no tenía pensado ningún nombre para su bebé, la monja que la cuidaba le puso su nombre: Gabrielle Bonheur (Felicidad). Cuando cumplió un año, sus padres se casaron, aunque la boda no cambiaría nada. Su padre seguía de mercado en mercado y de conquista en conquista de jóvenes campesinas. Mientras, su familia cambiaba a menudo de domicilio, pero como el dinero escaseaba, solo encontraban habitaciones húmedas y poco soleadas. Después de Julie y Gabrielle, nacieron Alphonse, Antoinette y Lucien.

La salud de Jeanne estaba muy deteriorada a causa de los frecuentes embarazos y el trabajo de muchas horas en los puestos de los mercados, siempre a la intemperie. Viéndose enferma, decidió regresar junto a sus cinco hijos a su pueblo natal, Courpière, donde se instaló en casa de unos parientes.

En el año 1895 falleció su madre, víctima de la tuberculosis, con treinta y un años. La encontraron muerta una mañana de invierno en su habitación, y su progenitor, Albert, como siempre, se encontraba ausente. Al conocer la noticia, regresó junto a sus hijos y los llevó a Vichy, dejándolos al cuidado de sus padres. Los abuelos no podían hacerse cargo de los niños, así que llevaron a las chicas al orfanato situado en el antiguo monasterio de Aubacine, regido por las hermanas de la congregación del Sagrado Corazón de María. Los hermanos varones fueron confiados a los dueños de una granja y trabajarían para ellos a cambio de techo y comida.

Las hermanas Chanel pasaban sus vacaciones escolares con sus abuelos, en Moulins, a orillas del río Allier, donde tenían un puesto en el mercado de abastos. A Gabrielle lo que más le gustaba de estas vacaciones era encontrarse con Adrienne, la hija pequeña de su abuela Virginie, que era dos años mayor que ella. Durante la temporada estival eran inseparables. En ocasiones iban a casa de su tía Louise Costier, hermana de su padre. Fue su tía quien le enseñó a coser con imaginación, en la cocina de su casa las tres pasarían largas horas confeccionando manteles y juegos de sábanas, aprendió a renovar las viejas camisas con cuellos hechos con retales y pliegues rectos y a embellecer sombreros que su tía compraba en la ciudad de Vichy.

Cuando cumplió dieciocho años, Gabrielle tuvo que abandonar el orfanato de Aubazine, pues solo se quedaban las chicas que querían ingresar como novicias. Su abuela Virginie, con ayuda de las monjas, consiguió que fuera acogida en régimen de beneficencia en un centro religioso de Moulins. Pasó dos años en el internado de Notre Dame, una estricta escuela de señoritas donde se las preparaba para ser buenas amas de casa. A los veinte años dejaron a la joven a cargo de una honrada familia que tenía un comercio de venta de telas y confección. Las jóvenes que, como Gabrielle y Adrienne, llegaban recomendadas de Notre Dame, además de atender al público como dependientas, también trabajaban en el taller como costureras. Gabrielle se encargaba de hacer los arreglos de confección. Tras vivir un año y medio en Casa Grampayre, que así se llamaba la tienda de telas, las jóvenes buscaron una habitación en Moulinsy se instalaron por su cuenta en la rue du Pont Guinguet. Muchas clientas de la Casa Grampayre acudieron directamente a su domicilio para realizar sus vestidos. Los domingos por la mañana, para mejorar su economía, Gabrielle trabajaba en el taller de un sastre, donde arreglaba uniformes de oficiales del regimiento de caballería.

La ciudad de Moulins albergaba en 1900 una importante guarnición militar y contaba con numerosas salas de baile. Gabrielle aceptaba las invitaciones de los soldados y acudía a estas salas, siempre acompañada de su inseparable Adrienne. Un día, animada por sus amigos, aceptó subir al escenario a interpretar una canción titulada Quiqu`avu à Coco, y otra, Kokoriko. Como en ambas estaba el estribillo con la palabra Coco, el público y sus amigos la apodaron así, Coco, y se cree que ese fue el origen de su alias.

Allí conoció a Étienne Balsan, que sería su amigo y compañero sentimental por unos años. Oficial de Infantería que acababa de regresar de Argelia, donde había cumplido parte de su servicio militar, provenía de una acomodada familia burguesa que había hecho fortuna con la industria textil. Al terminar su servicio militar se dedicó al negocio de la cría de caballos e instaló un campo de entrenamiento en Croix-Saint-Ouen, cerca de Compieègne. No muy lejos de allí, se levantaba el castillo familiar de Royallieu, una antigua fortaleza de muros de piedra cubiertos de hiedra, a una hora en tren de París. En esta casa residiría un tiempo Coco, pues en la primavera de 1903, se fue a vivir con Étienne.

La vida junto a él era fácil, se celebraban continuamente fiestas y ella se convirtió en amazona. Comenzó a llamar la atención por su forma de vestir, pues para montar a caballo no dudaba en utilizar cómodas prendas masculinas de Étienne y zapatos planos, algo excéntrico e inusual en aquella época. Años más tarde recordaría: " Todas aquellas mujeres iban mal vestidas, embutidas en fajas Parabère, que hacían resaltar su figura, con la cintura tan apretada que parecía que fueran a partirse por la mitad, cargadas de adornos. Las actrices y las cocottes eran quienes marcaban la moda, y las pobres damas del gran mundo la seguían, con pájaros en los cabellos, postizos por todas partes y con vestidos que arrastraban por el suelo para recoger el fango".

En 1908 decidió abrir una tienda de sombreros. Le pidió ayuda a Étienne, y este le prestó una casa que tenía en París para que se instalara allí. Antes de cambiar de residencia, acompañó a Étienne a los Pirineos a pasar unos días de caza, y allí conoció al capitán Arthur Edward Capel, hombre que llegaría a ser muy importante en su vida.

Ella misma, tiempo después, comentaría: " Era joven, embriagador y en absoluto vulgar. Un muchacho muy guapo, de pelo oscuro, atractivo. Era más que guapo, maravilloso. Yo admiraba su indolencia, sus ojos verdes. Montaba caballos soberbios, y muy bien. Me enamoré de él".

En París, Coco empezó una nueva etapa de su vida. Abrió la tienda de sombreros que ella misma confeccionaba. Compraba la base y luego los transformaba adornándolos de forma sencilla. Eran bonitos y más cómodos que los grandes sombreros recargados de adornos que estaban tan de moda en esa época. Su nuevo compañero, Arthur, la apoyó y animó en todo momento.

Sus diseños tuvieron mucho éxito y, como la casa de Étienne quedó pequeña, buscó un nuevo local, que encontró en la calle Cambón, junto al lujoso hotel Ritz. A la nueva tienda le puso el nombre de "Modas Chanel ". Sus creaciones empezaron a publicarse en las revistas de modas, y tuvo que contratar modistas para que la ayudaran. En 1912, la actriz Gabrielle Dorziat llevó uno de sus modelos durante el estreno de una obra en París, por lo que el nombre de Coco fue conocido en toda la ciudad.

En 1913 fallece su hermana mayor, Julie, dejando un hijo del cual se hace cargo Coco. También hace venir a París a su hermana Antoinette, y pronto se une a ellas su tía Adrienne, su amiga de la infancia.

Deja a su hermana a cargo de "Modas Chanel " y se marcha con Adrienne a Deauville, ciudad balneario y centro de reunión de la clase alta francesa, y allí instala una tienda en una de las calles más lujosas de la ciudad. Para poder abrir este local, Arthur Capel le prestó el dinero, que ella devolvería tres años después. Y en esta ciudad, Coco empezó a diseñar ropa, siguiendo su estilo de comodidad y sencillez.

Todo empezó cuando " Un día me puse un suéter de hombre, porque sí, porque tenía frío. Era en Deauville. Lo ceñí con un pañuelo a la cintura. Nadie reparó en cómo iba vestida, pero sin duda me sentaba bien, estaba guapa con él". Así nació su estilo deportivo, que liberaría el cuerpo femenino, al dejar de usar aquellos apretados corsés que no permitían respirar. La ropa sport revolucionó el concepto de la moda. Ella lo rememoraría así: " En 1914 no había ropas sport. Las mujeres asistían a los espectáculos deportivos como señoras de la Edad Media a los torneos. Iban ceñidas hasta muy abajo, sin movilidad en las caderas, en las piernas, en ninguna parte... Como comían demasiado estaban gordas, y como estaban gordas y no lo querían estar, se comprimían. El corsé hacía subir la grasa al pecho, la escondía bajo los vestidos. Al inventar el jersey, liberé el cuerpo, creé una silueta nueva; para ajustarse a ella, todas mis clientas adelgazaron, "delgada como Coco". Las mujeres venían a mi casa a comprar delgadez".

Fue un enorme éxito, que pronto se vería ensombrecido por el comienzo de la Primera Guerra Mundial en el verano de 1914. A medida que las tropas alemanas avanzaban hacia París, la gente que podía abandonaba la ciudad buscando refugio en el sur de Francia. La mayoría de los negocios cerraron, pero Coco, aconsejada por Capel, no cerró "Modas Chanel". Al ser de las pocas tiendas abiertas y además ofrecer los nuevos modelos de ropa de punto, cómoda y sencilla, obtuvo un gran triunfo al presentar lo más apropiado para ese momento. Años más tarde relataría: " Muchas mujeres elegantes se habían instalado allí. Pronto, no solo hubo que peinarlas, sino que, al no tener costureras, también vestirlas. Solo tenía conmigo modistas; las transformé en costureras. La tela escaseaba. Les hice jerséis con suéters, prendas de punto deportivas. Al final de aquel primer verano de la guerra, había ganado doscientos mil francos".

En 1915 Coco y Arthur pasaron unos días de vacaciones en Biarritz, que era otro centro de descanso muy frecuentado por la alta sociedad. Allí resuelve abrir otra tienda con el apoyo económico de Arthur y se vuelve a repetir el éxito de sus otros dos locales. Biarritz está cerca de la frontera con España, nación que se mantuvo neutral durante la guerra. Fueron las españolas de la aristocracia las que compraron la ropa que se confeccionaba en Biarritz.

Coco, a sus treinta y tres años tiene tres establecimientos y más de trescientos empleados. Al terminar la guerra en 1918 está en la cima de la popularidad, y es la abanderada de la transformación de la moda femenina.

Arthur Capel quería hacer carrera política en Inglaterra, y para ello era preciso que tuviese una esposa aristócrata inglesa. En 1918 se casó con Diana Wyndham, hija de un barón, y al año siguiente, el matrimonio ya esperaba una hija. En un principio, Coco y Arthur habían dejado la relación, pero cuando él viajaba a París por negocios, volvieron a verse de nuevo; se querían y no eran capaces de separarse, pero sí lo hizo el destino. En diciembre de 1919 se publicó esta noticia en el New York Times: "Diplomático muerto en accidente. Niza, 24 de diciembre. Arthur Capel, secretario político del Comité de Guerra Interaliado durante la guerra, resultó muerto anoche en un accidente de automóvil cuando se dirigía de París a Montecarlo. El reventón de un neumático provocó la caída del vehículo en la cuneta".

"Lo perdí todo -evocaría tiempo después- cuando perdí a Boy Capel. Dejó un vacío dentro de mí que los años no consiguieron llenar. Tenía la impresión de que él seguía protegiéndome desde más allá de su tumba".

Coco siguió triunfando en el mundo de la costura. Se cortó el pelo al estilo garçonne, que puso de moda durante los años veinte. Y como en las fotografías se la veía rejuvenecida y bronceada, las mujeres, a partir de 1923, empezaron a tomar el sol para ponerse morenas, consiguiendo así otra alteración importante en las costumbres de la mujer, pues hasta entonces se tapaban del sol, porque el blanco de la piel era considerado signo de distinción. El bronceado estaba asociado a las campesinas, por su trabajo a la intemperie; aun estas se protegían con ropa y sombreros todo lo que podían. Coco logró imponer este cambio, y este hábito ha llegado a nuestros días.

Tras el triunfo de la revolución de Lenin en Rusia y la muerte del zar Nicolás II, gran parte de la familia real rusa y muchos aristócratas se trasladaron a Francia. Uno de ellos fue el primo del zar, el gran duque Dimitri Pavlovich, joven apuesto.

"Los rusos me fascinaban, me revelaron Oriente", decía Coco, que mantuvo una relación con Dimitri durante un año. A partir de ahí puso en sus diseños motivos eslavos, y en su casa de "Modas Chanel ", las dependientas y las modelos eran damas de la nobleza rusa. Gracias a este idilio, Dimitri se introduce en la alta sociedad francesa, y en agradecimiento, le regaló un collar de perlas perteneciente a la dinastía Romanov, y este collar le daría la idea a Coco de lanzar como complemento a sus vestidos negros, largos collares de perlas, alternando las auténticas con las falsas. Estas perlas se convirtieron en otro de los símbolos de "Modas Chanel", creando tendencia en la década de los años veinte. De ella manifestaría Christian Dior: " Con un jersey negro y diez hileras de perlas, revolucionó la moda".

Dimitri le presentó a Ernest Beaux, experto perfumista que había trabajado en Rusia en la corte del zar. La diseñadora, para celebrar su cuarenta aniversario, decide sacar al mercado un perfume, que Beaux crea siguiendo las recomendaciones de Coco, surgiendo así el perfume más famoso de la historia, Chanel n.º 5. Es el producto que más dinero ha proporcionado a la casa Chanel.

La fragancia se denominó así porque el perfumista le presentó una serie de muestras numeradas. Ella escogió la n.º 5, que contenía: aldehído y esencias de flor de naranjo amargo, jazmín, rosa, madera de sándalo, vainilla y vetiver, entre otras.Es identificado como un símbolo de seducción. Años más tarde, la estrella de cine Marilyn Monroe, tras preguntarle un periodista qué se ponía para dormir, ella respondió: " unas gotas de Chanel n.º 5...".

En las Navidades de ese año 1923, conoce en Montecarlo a Hugh Richard Arthur Grosvenor, segundo duque de Westminster, primo del rey Eduardo VII. Emprende una nueva etapa junto a él: " Mi verdadera vida comenzó con el duque de Westminster. Por fin había encontrado un hombro sobre el cual descansar mi cabeza, un árbol en el cual podía apoyarme".

Con esta relación se introdujo en la alta sociedad inglesa, ya que Coco pasó largas temporadas en Inglaterra, y eso se reflejó en sus creaciones de la segunda mitad de la década de los años veinte. Puso de actualidad en toda Europa los estampados escoceses, e inventó otro de los iconos de la moda con los trajes chaqueta de manga larga ajustada al cuerpo, y una falda recta que llegaba por debajo de la rodilla. Este traje se convertiría en el "uniforme" de las mujeres ejecutivas y todo un clásico, todavía vigente, bajo la forma de múltiples copias e imitaciones.

También implantó el uso de joyas de perlas falsas, a pesar de que ella tenía joyas y perlas auténticas. En una ocasión comentó: " Me gustan las joyas falsas porque las encuentro provocativas y pienso que es una vergüenza ir de aquí para allá con el cuerpo cargado de millones por la simple razón de que una es rica. La finalidad de las joyas no es hacer rica a la mujer que las lleva sino adornarla, lo que no tiene nada que ver".

En 1926, Coco asistió al estreno de un baile en la Ópera de París, y desde el palco observó cómo las señoras vestían de colores rojo, verde, azul eléctrico, y pensó que esos colores eran horrendos. Creó un vestido negro, en crepé de china, muy ajustado y con mangas largas, sin adornos. Así nació otro de sus grandes éxitos, que se convertiría en símbolo de elegancia. " Durante cuatro o cinco años, solo trabajé con el negro. Mis vestidos se vendían como panecillos y solo llevaban un detallito. Todo el mundo se los ponía: actrices, mujeres de mundo, sirvientas".

En octubre de 1929, la Bolsa de Nueva York se hunde y empieza una crisis económica en la que el lujo no es bien visto. Por esas fechas terminó la relación con el duque, ya que este, deseando tener herederos, anunciaría su boda con una joven de veintiocho años llamada Loelia Mary Ponsonby.

En 1931, Samuel Goldwyn, uno de los fundadores de los estudios Metro Goldwyn Mayer, la contrata, y Coco viaja a Hollywood, donde le pagarán por un año de trabajo un millón de dólares, para diseñar los vestidos de los musicales de la productora. Allí conoce a grandes actrices como Greta Garbo, Marlene Dietrich y Katharine Hepburn. Es en esta época cuando las revistas Vogue y Harper's Bazaar la proclaman la mejor diseñadora del mundo.

Al finalizar su trabajo en Hollywood, regresa a París donde, al frente de "Modas Chanel", vivirá la década de los treinta. Fueron años de esplendor a pesar de la crisis económica. En 1935 su empresa llegó a tener 4000 empleados.

Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial decide cerrar sus tiendas, excepto la de la calle Cambón, que permanecerá abierta todo el período del combate, aunque solo se venderán cosméticos y perfumes; 3000 empleados se quedaron sin trabajo. Al principio, se estableció cerca de la frontera de España, pero finalmente, en agosto de 1940, vuelve a París, cuando este estaba ocupado por el ejército alemán, y se sorprendió mucho al ver que los soldados alemanes entraban en su comercio para comprar su producto estrella, el perfume Chanel n.º 5. Otras versiones dicen que fueron los soldados americanos que liberaron la ciudad los que hacían cola para comprar el perfume que llevarían a sus novias.

Se hospeda en el hotel Ritz, y allí conoce al barón Hans Gunther von Dincklage, que antes de la guerra había sido diplomático alemán en París. Era trece años más joven que ella y tenía unos modales exquisitos. Ambos se enamoraron. Los amigos de Coco le advirtieron de que podrían acusarla de colaboracionismo con los alemanes, pero ella descartaba esta posibilidad contestando: " ¡No es alemán, su madre es inglesa!". Hans Gunther la ayudó a encontrar y repatriar a su sobrino André Palasse, al que creía muerto, ya que no aparecía en las listas de los prisioneros que habían sido liberados.

Cuando la guerra terminó en junio de 1944 y se liberó París, Coco fue detenida y acusada de colaborar con el enemigo. Fue el duque de Westminster quien intercedió por ella y fue rescatada. Hans Gunther estaba en Alemania en un campo de prisioneros. Fue liberado, y en 1946 Coco se trasladó a Suiza para vivir con él durante cinco años. Finalmente se separan y ella vuelve a París, donde en el mundo de la costura empezaba a triunfar Christian Dior, con sus vestidos sofisticados y corsés.

Al regresar a la capital francesa, Coco se encuentra sola, la mayoría de sus amigos habían fallecido. Pero no quiso rendirse y, en 1954, decide volver al mundo de la moda, con setenta años de edad. Ante la pregunta de los periodistas sobre cuál era el motivo por el que retornaba, ella respondía: " Pues porque me aburría, y prefiero el desastre al vacío o la nada". Todos le auguraban fracaso, habían cambiado los tiempos, y decían que su época había pasado. Pero ella insistió, no la conocían bien. La primera colección no tuvo mucho éxito, pero las siguientes, sí fueron bien acogidas.

En la segunda parte de la década de los años cincuenta, logró que sus bolsos de forma acolchada, con una cadena dorada, sus zapatos y chaquetas volvieran a ser los preferidos de las mujeres. Vuelve a recibir premios y, en 1957, gana el Neiman Marcus Award de la moda, el equivalente al Óscar del cine. Por ser la diseñadora más influyente del siglo XX, en 1958, la revista Elle la proclamó " la mujer más escuchada por las mujeres". Entre sus clientas destacaron Marlene Dietrich, Greta Garbo, Grace de Mónaco, la duquesa de Windsor, Lauren Bacall y Jacqueline Kennedy.

Los años pasan y ella sigue ejerciendo. En 1969, con ochenta y seis años, sufre una apoplejía; aun así, siguió trabajando con una mano paralizada.

La noche del 10 de enero de 1971, Coco se disponía a acostarse; de pronto notó que le faltaba el aire. Solo pudo decir a su doncella que la ayudaba en ese momento a desvestirse: " Mira, así se muere". Respetando sus deseos, fue enterrada en Lausana, Suiza.
Bibliografía
La Primera Guerra Mundial: ¿la era de la mujer o el triunfo de la diferencia sexual? Françoise Thébaud.

Divas rebeldes. Cristina Morató.

Coco Chanel, la mujer que creó un estilo. chrismielost.blogspot.com/.

Coco Chanel, es.Wikipedia.org

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Coco Chanel | Huellas De Mujeres Geniales

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Coco Chanel nació en 1883. Aprendió a coser con su tía. Pasó muchas horas renovando viejas camisas y embelleciendo sombreros. A los veinte años, vivió con una familia que tenía un comercio de venta de telas, y trabajó en un taller donde arreglaba uniformes de oficiales de caballería.

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80 grandes frases de Coco Chanel para triunfar en la vida

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La diseñadora dio algunas de las declaraciones más inspiradoras para mujeres de todo el mundo.

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Gabrielle Chanel, conocida como Coco Chanel, fue una diseñadora francesa de alta costura y fundadora de la firma de moda Chanel.

Nació el 19 de agosto de 1883 en Saumur (Francia) y murió el 10 de enero de 1971 en París. Chanel fue una de las diseñadoras más influyentes del siglo XX.
SUS ORÍGENES
Coco Chanel nació en un humilde pueblo francés. Hija de Eugénie Jeanne Devolle y de Albert Chanel, la pequeña creció junto a sus cinco hermanos en Saumur. Sus padres se casaron poco tiempo después de su nacimiento.

A la temprana edad de 11 años, Gabrielle perdió a su madre a causa de una bronquitis. Su padre, en ese momento, entregó a sus dos hijos varones a una familia campesina de acogida. Por su parte, las niñas fueron internadas en el orfanato de Aubazine.

En estos años, la joven francesa adquirió conocimientos básicos en costura. Al cumplir los 18 años, fue trasladada a un nuevo internado religioso en Moulins. Allí permaneció hasta los 21 años.

En Moulins, Coco tuvo su primer empleo como ayudante de sastre. Sin embargo, ella se vio atraida por el mundo del espectáculo, concretamente del cabaret. Fue durante esta época cuando adoptó el sobrenombre de Coco.

Esperanzada por dedicarse al espectáculo, la joven Coco se marchó a Vichy. Allí, sin embargo, se encontró con una realidad bien distinta a la que esperaba: sus dotes de canto no estaban a la altura y no encontró trabajo. Poco después regresó a Moulins y recuperó su antiguo puesto en el cabaret de La rotonde, aunque ya sabía que no tenía un futuro prometedor como cantante.
INICIOS EN LA COSTURA
Poco tiempo después, conoció a Etienne Balsan, un joven francés adinerado. Con él vivió en su castillo en Royallieu, donde Coco conoció el lujo y comenzó a codearse con la alta sociedad.

Durante esa época, Coco Chanel ya sobresalía por su estilo sobrio, elegante y con un toque andrógino. Ya diseñaba sus propias prendas y sombreros para su círculo cercano.

Poco después conoció al joven inglés Arthur Capel, conocido como Boy, amigo de Balsan. Ambos sintieron una atracción enorme casi al instante. A él le confesó sus deseos de montar una sombrerería en París.

Fue dicho y hecho. En 1910, Coco Chanel abrió su primera tienda en el número 21 de la parisina Rue Cambon. Pronto, los sombreros de la joven Coco invadieron las calles de París.

La exquisitez de los diseños de Chanel no quedó solo en los sombreros. Alentada por sus clientas, fascinadas con las prendas que vestía, abrió una boutique en Deauville, Normandía, en 1913. Allí vendió sus primeras prendas orientadas al lujo y al deporte. Inmediatamente después se convirtió en un éxito.

Dos años más tarde, abrió una nueva tienda en Biarritz. A pesar de encontrarse en plena Primera Guerra Mundial cosechó tanto o más éxito que la de Normandía.
DISEÑADORA CONSAGRADA
Elegantes, funcionales y con un toque masculino eran los diseños de mademoiselle Chanel. Líneas cómodas frente a los diseños rococó y corsés eran su máxima. En 1916, la revista Vogue publicó en sus páginas diseños de la francesa.

Poco después, en 1918, abrió su boutique más icónica en el número 31 de la Rue Cambon. Para entonces, ya contaba con más de 300 empleados. A partir de ese momento, Chanel se convirtió en una diseñadora de referencia.

A pesar de su enorme éxito profesional, en 1919 un terrible suceso hizo que su vida diera un vuelco. Boy Capel murió en un accidente de tráfico y Coco quedó devastada. Como seña de luto, se diseñó vestidos negros que no perdieron la elegancia que la caracterizaba. Poco después, el Little black dress se convirtió en un fondo de armario.

Ese fatal episodio no frenó la actividad y el éxito de la diseñadora. En 1921 salió a la venta el icónico perfume Chanel Nº5, creado por el perfumista Ernest Beaux. En 1924, creó la entidad Chanel Parfums con los hermanos Wertheimer. Sin embargo, esta unión solo le reportaba un 10% de los beneficios y nunca estuvo de acuerdo.

Poco tiempo después, la francesa inauguró nuevas boutiques y su línea de joyería, en la que las perlas eran las protagonistas absolutas.
Sus diseños más aclamados fueron el jersey de punto y los trajes de falda y chaqueta de tweed. Además, reinventó el corte de la falda haciéndolo un poco más corto que el clásico.
Para 1935, Chanel ya contaba con más de 4000 empleados y diseñaba para Hollywood. Sin embargo, tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939, cerró todas sus boutiques. Solo permaneció abierta la sita en Rue Cambon, donde vendía accesorios y perfumes. Alegó que "no era momento para la moda".
SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
Durante los años que duró la Segunda Guerra Mundial, una normativa prohibía a los judíos poseer empresas en el territorio francés. Agarrándose a esto, Coco Chanel quiso obtener 100% de los beneficios de Chanel Parfums, pues sus socios eran judíos.

Mucho se ha hablado sobre la posición de Coco Chanel durante la Segunda Guerra Mundial por su relación con un agente alemán. Sin embargo, recientemente el Ministerio de Defensa francés ha desclasificado documentos que disipan las especulaciones.

Según estos documentos, la diseñadora era antisemita y estaba de lado de los nazis. Además, destapa que pudo haber colaborado con la inteligencia alemana bajo el código F-7124.

Tras acabar la guerra, los simpatizantes de los alemanes fueron interrogados y juzgados por las autoridades francesas. Coco Chanel fue arrestada, pero poco después fue puesta en libertad. Tras este episodio, se trasladó a Suiza.
ÚLTIMOS AÑOS
Coco Chanel vivió en Lausana, Suiza, hasta 1954. Ese año, se mudó de nuevo a París, donde reabrió sus famosas boutiques. Poco después de la reapertura, salió a la venta el mítico bolso Chanel: el 2.55.

La actividad como diseñadora y modista de Coco Chanel no cesó durante estos años y su fama siguió aumentando. Tal era el éxito de sus diseños que Vogue USA lso publicó en varios números durante años.
El 10 de enero de 1971, Coco Chanel falleció sola en su habitación del Hotel Ritz de París, que fue su casa durante años.
En la actualidad, la maison Chanel es una de las firmas de alta costura más famosas del mundo. Algunos de sus diseños se han convertido en iconos de moda y de estilo.

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Gabrielle Chanel, conocida como Coco Chanel, fue una diseñadora francesa de alta costura y fundadora de la firma de moda Chanel. Nació el 19 de agosto de 1883 en Saumur (Francia) y murió el 10 de enero de 1971 en París. Chanel fue una de las diseñadoras más influyentes del siglo XX.

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La diseñadora que cambió la percepción del vestido y la feminidad para la mujer. Conoce cómo construyó su casa de moda y las historias detrás de sus diseños.

El nombre Gabrielle 'Coco' Chanel representa mucho más que una casa de moda, es el significado de renacimiento para una sociedad que buscaba comprender la vida pública tras las secuelas de la guerra. La diseñadora francesa presentó en su época un concepto inexplorado de la feminidad y la confianza, donde la moda fue su aliada para la liberar a la mujer de los convencionalismos del vestido, dominados por la rigidez y la constricción del cuerpo.

Con una niñez marcada por la vida nómada y trabajos inestables, la joven Chanel consiguió su vocación aprendiendo de costura en el orfanato donde fue criada. Su facilidad para las relaciones públicas y un talento oculto por el canto, cruzaron en su vida a los hombres que la apoyaron con sus inicios en la moda, y se convirtieron en el motivo de creación de sus más significativas piezas. Con las habilidades de costura aprendidas en su juventud, la diseñadora de modas francesa, Gabrielle Chanel se introdujo al mundo del diseño de sombreros, labor que le dio inicio a lo que se convirtió en un vasto imperio de moda.

Coco conoció la perspectiva de no tener nada, y de tenerlo todo, una visión que le permitió tomar inspiración de la élite y sus costumbres para deconstruir el concepto del buen gusto, e imponer su propia forma de entenderlo. La diseñadora estableció un negocio que encantaba tanto a la aristocracia como a las masas, democratizando el estilo con prendas que daban a cualquier mujer la oportunidad de verse elegante con ropa que ya no la contenía, sino que se adapta a su día a día.

Chanel creó piezas cargadas con fascinantes historias que concentran el significado del estilo parisino, que hoy convergen el espíritu de la diseñadora y su concepto original de la marca, con una nuevo entendimiento de la mujer contemporánea y la moda. La casa fundada por Gabrielle 'Coco' Chanel que comenzó como un negocio de sombreros en el 160 del Boulevard Malesherbes de París, representa una de las figuras más relevantes de la moda con más de 300 locaciones en todo el mundo, manteniendo su visión del estilo como un medio romántico para navegar la vida.

¿Quién fue Coco Chanel?

Gabrielle 'Coco' Chanel fue una diseñadora de modas y empresaria francesa, fundadora de la casa de moda homónima, Chanel. Es considerada como la modista que dio la libertad de vestido a la mujer en la época post Guerra mundial, fuertemente dominada por las construcciones de corsetería. Chanel introdujo en los años 20 siluetas más deportivas y casuales, redefiniendo el significado de la elegancia y la feminidad que se tenía en la época. Fue la promotora de las temporadas crucero, una importante influencia en la alta costura francesa y la creadora del perfume Chanel n.5. Su marca creció de la creación de sombreros a un imperio de moda caracterizado por la nueva imagen de la mujer, llevando su estética a su famosa joyería y a la creación de sus icónicas bolsas de piel.

¿Dónde nació Coco Chanel?

Gabrielle Bonheur Chanel nació el 19 de agosto de 18883 en Saumur, Francia. La madre de Gabrielle fue Eugénie Jeanne Devolle, una lavandera en un hospital de caridad de la zona, y su padre fue Albert Chanel un vendedor ambulante. Coco fue la segunda de ocho hijos de la pareja, luego de la muerte de su madre cuando Chanel tenía once años, sus hermanos fueron enviados a trabajar al campo y ella con sus otras dos hermanas a un convento en Aubazine que servía como orfanato.

¿Cómo se convirtió en diseñadora Coco Chanel?

Gabrielle aprendió a coser durante su tiempo en Aubazine y llegó a trabajar como costurera, labor que complementaba cantando en un cabaret de Moulins frecuentado por oficiales de la caballería francesa. Mientras cantaba en Moulins, Chanel conoció a Etienne Balsan, un ex oficial de la caballería y heredero de una compañía textil. La cantante se hizo la amante de Balsan, con quien vivió y la introdujo a una vida de lujos. Mientras estuvo con el heredero, Chanel empezó a diseñar sombreros, un pasatiempo que más tarde se convirtió en su profesión. Etienne ayudó a Chanel a establecer un negocio de sombreros en París, y en 1910 abrió la tienda Chanel Modes en la dirección 21 rue Cambon de París para vender sus diseños.

Alrededor de 1908 Gabrielle había iniciado un romance con Edward Arthur 'Boy' Capel, un jugador de polo y comerciante inglés. Ambos hombres fueron influyentes en la vida personal y como diseñadora de Chanel; mientras que Etienne la introdujo al mundo del diseño de sombreros, Boy Capel y su estilo sartorial sirvieron de inspiración para crear el 'look Chanel'. Con el financiamiento de Arthur Capel, la diseñadora abrió una nueva tienda en Deauville, una locación de lujo en el centro de la ciudad en donde se vendían sus sombreros, chaquetas, sweaters y blusas de marinero. Con el éxito de la tienda la diseñadora inauguró una boutique en Biarritz, un destino para exiliados de la guerra y gente adinerada de la época. Con apenas un año de su apertura el negocio fue tan exitoso que Chanel logró devolver a Capel el monto de la inversión inicial que puso en las tiendas.

¿Cuál fue el legado que dejó en la moda Coco Chanel?

Coco Chanel liberó a la mujer de la época post guerra de las siluetas dominadas por el corsé y las abultadas faldas con la introducción de una estética que giraba en torno a estilos más deportivos, juveniles y casuales. La diseñadora construyó una casa de moda cuyos diseños revisaban las costumbres de la élite, dándole a la mujer a la oportunidad de pertenecer a este estilo. Gabrielle tomó nota de la equitación, la caza y la cultura de los yates para crear sus diseños más famosas, la francesa convertía situaciones en prendas que permitieron redefinir el estilo y la feminidad de su época.

¿Cuáles fueron los diseños más icónicos de Coco Chanel?

En una época en donde el negro era únicamente usado por las mujeres cuando se estaba de luto, Coco Chanel dio a la mujer con el little black dress una nueva oportunidad de vestir elegante incluso durante tiempos de la gran depresión en Europa. Hechos en lana o chenilla para usarlos en el día, y de satén, crepe o terciopelo para la noche, Chanel permitió a la mujer de bajos recursos caminar como millonarias. En 1926 Vogue definió el little black dress como un 'uniforme para la mujer de buen gusto,' comparándolo con un auto Ford por sus atributos de accesibilidad, diseño, simplicidad y precio.

El traje de Chanel se distinguía por la practicidad y comodidad que daba a la mujer para realizar sus tareas del día a día sin tener que comprometer su estilo, o exponer lo que no se quería mostrar. El set de chaqueta y falda de tweed de Chanel no tenía hombreras ni pinzas en las líneas del busto como se acostumbraba en el diseño de la época, era una pieza de diseño inteligente hecha a la medida de las clientas, cuyas medidas eran tomadas con las modelos de pie o subiendo escalones para asegurar el buen desempeño del traje.

El set de tweed de Chanel no era como otras piezas de sastrería para mujer, inspiradas en la construcción de las piezas de hombre, sino que fue pensada en un hombre en especial, el duque de Westminster, uno de los amantes de Chanel. La diseñadora solía usar su ropa y pensó que con un cambio en la tela podría crear un diseño adaptable a la figura de la mujer. Chanel comisionó a una fábrica de textiles escocesa para fabricar el hilado de tweed, el foco principal de la pieza.

Inspirada en las bolsas de los soldados durante la guerra, Chanel creó la 2.55, cuyo nombre proviene de la fecha en que fue creada: febrero de 1955. Era una pieza de correas finas que permitía a la mujer tener las manos libres al llevar su bolso. Su diseño congregaba las memorias de la diseñadora, la correa simulaba los cinturones de estilo castellano que usaban las cuidadoras del orfanato donde creció Chanel, mientras que el color burgundy de su interior provenía del color del uniforme que usaban las monjas del convento. EL acolchado y textura de su exterior, en cambio, provenía de la relación de Gabrielle con los deportes, siendo una referencia directa a los chalecos usados por los jockeys en las carreras de caballos.

Antes de la introducción de estos zapatos en 1957, las mujeres solían usar únicamente calzado que hiciera juego con su atuendo. Gabrielle creó una pieza de dos tonos, su punta negra acortaba la apariencia del pie, mientras que el color nude daba la ilusión de unas piernas más largas. La creación de Chanel se hizo revolucionaria y fue hecha en dos versiones, zapatos de tacón y en zapatillas. Luego de que celebridades como Catherine Deneuve y Brigette Bardot fueron vistas usando este diseño, se popularizó su uso y se hizo un éxito.

Los viajes de Chanel fueron el motivo de creación de muchas de sus piezas, y el top Bretón no fue la excepción. Sus viajes a la costa francesa y el uniforme náutico de los marineros provocó que Chanel incorporara en su colección de 1917 una pieza de líneas horizontales, el top Bretón, una de las piezas más famosas creadas por Chanel. La relación de la diseñadora con la cultura de la navegación también dio vida a piezas como los pantalones de bota acampanada y las espadrillas, ambas usadas por marineros y pescadores.

¿Cómo se define la estética de Coco Chanel?

Los expertos en moda se refieren al diseño de Coco Chanel, más que como una tendencia de la moda, como un fenómeno social que cambió la percepción del vestido y la feminidad de la mujer tras finalizar la primera guerra mundial. El estilo de Chanel llevó a la mujer de las siluetas dominadas por la corsetería y la rigidez, a un estilo en donde la comodidad y la reconquista de la sensualidad se enfrentaron a las definiciones de lo modesto y propio. Sin total consciencia de la repercusión que crearían sus diseños, Gabrielle enfocó su casa de moda en la concentración del estilo parisino, y de todo lo que el término significa.

Chanel vendía a las masas el hedonismo de la vida parisina como parte de su experiencia, a través de un diseño aún influenciado por el estilo de las élites y la aristocracia; adaptado a una sociedad cambiante en busca de un sentido de libertad como si se tratara de un nuevo renacimiento. Para Chanel, 'la moda no es simplemente una cuestión de ropa. La moda está en el aire, nace del viento. Uno lo intuye. Está en el cielo y en el camino,' la diseñadora con su savoir-faire tomó el ADN de la cultura francesa y sus propias vivencias para crear una marca que envuelve la elegancia a través de la simpleza, con piezas que trascienden y usan el significado del vestido para representar a la persona.

¿Qué aportes hizo Coco Chanel a la moda?

El aporte de Coco Chanel en la moda traspasa el significado de la ropa, la diseñadora dio a la mujer una nueva sensación de confianza que aún no se había explorado en la época. En una Europa que venía de 4 años de guerra seguidos de una significativa depresión, en donde los códigos del vestido para la mujer eran dominados por el corsé y las siluetas estructuradas, Chanel dio a la mujer una forma para liberarse de la tradición y revelarse en contra de los convencionalismos.

La visión de la joven criada en un orfanato penetró las élites europeas, creando con su marca una forma de democratización del estilo. Chanel destituyó la estética asociada con el buen gusto para imponer su propia forma de entenderlo, encantando tanto a la aristocracia como a las masas con su nuevo concepto. Los símbolos asociados con la riqueza fueron parte de la táctica de Chanel para construir su imperio, la diseñadora contribuyó a la normalización de imitaciones del oro y las perlas como una forma para la mujer de verse elegantes con joyas más accesibles, sin comprometer su estilo.

Chanel imprimió en sus diseños una parte de su propia historia. Sus amores los tradujo en bolsos, perfumes y trajes; mientras que sus vacaciones en la rivera francesa se convirtieron en el motivo de sus piezas con siluetas navales y su motivación para la creación de las colecciones crucero. La diseñadora tomó notas de los ambientes que frecuentaba para crear algunas de sus piezas más representativas, el mundo de la equitación, los deportes acuáticos, y la temporada de caza con la realeza británica fueron grandes inspiraciones para Chanel.

Su fama como modista y las buenas relaciones sociales dieron a Chanel la oportunidad de poner sus diseños en nuevos campos. Gabrielle frecuentaba a figuras como el ruso Sergei Diaghilev, patrón y fundador del Ballet Russes, por medio de quien formó una estrecha relación con Igor Stravinsky. De esta amistad surgió la colaboración de Chanel con el compositor para producir el famoso montaje Le Sacre du Printemps, además de crear el vestuario para presentaciones del Ballet Russes.

La relación con las artes forma una parte importante del legado de Gabrielle Chanel, además de su contribución a las bases de la alta costura parisina, fue aliada de los estudios MGM durante los años 30 para la creación del vestuario de sus estrellas para películas, logrando vestir a importantes figuras de Hollywood como Gloria Swanson en su famoso papel en Tonight or Never (1931), a Ina Claire y Greta Garbo. Chanel no solo formó parte del cine estadounidense, la diseñadora también diseñó el vestuario para los filmes de renombrados directores franceses como Jean Renoir.

La fascinante historia de la vida de Chanel, sus amores y su carrera en la moda, ha sido un atractivo para la creación de películas, libros e investigaciones. Filmes como Coco Before Chanel (2008) dan un vistazo a la vida de la diseñadora antes de que construyera su imperio de moda, mientras que como Coco Chanel & Igor Stravinsky (2009) cuentan la historia de la relación entre Chanel y el compositor ruso. El mismo Karl Lagerfeld dirigió un cortometraje presentado durante la colección Métiers d'Art 2013/2014 de la firma francesa, titulado The Return (2013), hace una revisión de la reapertura de Chanel en 1954 luego del hiato de Gabrielle en Suiza. Once Upon A Time (2013) es otro cortometraje dirigido por Lagerfeld que habla de la apertura de la tienda de Chanel en Deauville.

¿Cuál es la historia detrás del icónico perfume de Chanel?

Cuando Chanel decidió comisionar su primer perfume, lo hizo con la intención de redefinir el concepto de la mujer que se tenía para los años 20. En la época las fragancias para mujeres eran una fuente de categorización, los olores con olores a flor eran usados por las mujeres de sociedad, mientras que las fragancias fuertes con notas de almizcle se asociaban a las cortesanas. Gabrielle Chanel comisionó al perfumista franco-ruso Ernest Beaux para crear un perfume que oliera a mujer, no a rosas; por lo que su primera fragancia concentraba ambos olores para representar a todos, y no solo a uno de los espíritus femeninos.

Beaux presentó a Chanel 10 diferentes muestras, numeradas del 1 al 5 y del 20 al 24, Coco eligió el número 5. Desde su juventud el número había tenido gran simbolismo para la diseñador a, por lo que dijo a Ernest que se quedaría con la quinta muestra porque ella presentaba sus colecciones el quinto día de mayo, que es el quinto mes del año, así que dejaría que la muestra conservara el número 5 porque le traería buena suerte.

El resultado fue Chanel n. 5, la primera fragancia hecha por una modista francesa en llevar su propio nombre y con ella misma siendo la imagen de su publicidad. Para la fecha otros diseñadores como Poiret también se habían aventurado al mundo de la perfumería, pero el francés decidió en cambio darle al perfume el nombre de su hija. El perfume de Chanel para la flapper de los años 20 tenía notas de jazmín, rosas, sándalo y vainilla, armonizados con los recién creados aldehídos que imitan el olor a frescura que buscaba Chanel, que tenían un estrecho lazo con su pasado en las lavanderías, y permitían a la mujer poder gozar de la fragancia por más tiempo.

La historia detrás de la botella que contiene la fragancia de Chanel es una nueva historia relacionada con las experiencias de la diseñadora. Gabrielle quería una botella que cambiara el concepto de figuras elaboradas, para eso se inspiró en las líneas rectangulares de las botellas que hacía Charvet, un sastre francés, que llevaba su amante, Arthur 'Boy' Capel en su estuche de viaje de cuero. La botella de Chanel n.5 fue comparada con el diseño de los decantadores de whiskey, en efecto otro elemento asociado con el británico que inspiró a la diseñadora, que buscaba reproducir el 'exquisito, costoso y delicado' look de su vidrio.

¿Cómo escogió Coco Chanel el logo de su marca de moda?

Se presume que el famoso logo de la doble C de Chanel fue concebido por la diseñadora alrededor de 1925 tras una visita al Château de Crémat, en Niza, Francia, donde frecuentemente vacacionaba. El castillo es reconocido por sus arcos abovedados decorados con vitrales, en donde en medio de una serie de patrones geométricos en diferentes colores, se hallan dos listones de metal en forma de C que se entrelazan entre sí, imagen que ha sido citada por la casa de Chanel como una de las fuentes de inspiración más probables para su logo.

¿Cuándo falleció Coco Chanel?

Coco Chanel falleció a los 87 años el domingo 10 de enero de 1971, en el hotel Ritz de París, donde la diseñadora había residido por más de 30 años. Su funeral fue realizado en el Eglise de la Madeleine, fue un evento conmemorativo dentro del edificio católico al que asistieron otros diseñadores como Yves Saint Laurent, Pierre Balmain y Cristóbal Balenciaga, mientras que las modelos que usaron sus diseños por años ocuparon la primera fila de la ceremonia. El ataúd de Gabrielle fue cubierto con camelias, gardenias, orquídeas, azaleas blancas, y algunas rosas rojas. Su tumba está en el cementerio de Bois-de-Vaux en Lausanne, Suiza.

¿A quién dejó su fortuna Coco Chanel?

Tras su muerte, Coco Chanel dejó la mayor parte de su patrimonio a su sobrino, André Palasse, y sus dos hijas.

Gabrielle Chanel fue la diseñadora que cambió el concepto del vestido para la mujer de su época, introduciéndola a una nueva visión con más libertad. Ella con sus icónicos diseños creó una de las casas de moda más importantes de la actualidad, dejando un legado de estilo sofisticado y del significado del buen gusto.

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Coco Chanel: su historia, biografía en influencia en la moda

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Coco Chanel fue una diseñadora francesa que fundó Chanel, poniendo de moda el tweed, las rayas navy, las perlas y un perfume que es conocido como Chanel N. 5.

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Estilos años 20

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En este blog, nos gustaría hacer un repaso de los distintos cánones de belleza durante el pasado siglo XX y los cambios que ha sufrido la moda dependiendo de las distintas épocas históricas y sociales que se han ido produciendo sucesivamente durante este periodo.

LOS AÑOS 20

Los años 20 fue una época de cambios para la mujer, que empieza a liberarse, se dejan de llevar los incómodos corsés, dejan de estar siempre en casa y empiezan a trabajar en la industria.

La estética de la mujer también adopta un estilo muy diferente hasta el de entonces: se pone de moda el corte de pelo a lo "Garson" (por primera vez se lleva el pelo corto en la mujer), la silueta se vuelve más desenfadada y cómoda, pasan de llevar los ceñidos corsés a ir con un corte recto de cintura baja.

El ideal de belleza en el maquillaje era ojos oscuros y redondeados, pieles blancas, boca pequeña y oscura, en tono granate o roja y recortada de las comisuras como en forma de corazón. Cejas rectas o caídas arqueadas. En general era una imagen recargada, oscura y teatral de formas redondeadas.

LOS AÑOS 30

La imagen de la mujer de los años 30 era glamorosa, elegante y femenina.

Los rasgos y la tez van refinándose, se llevan las formas más estilizadas, rasgos más estirados, como los ojos, las cejas, pómulos y labios.

La boca sigue siendo estrechita pero más natural.

La ceja se arquea y se hace más fina mediante la depilación.

Aparece el eye-liner, que se comienza a utilizar muy fino, también se empieza a marcar la cuenca del ojo.

El pelo se sigue llevando corto pero más claro, hasta llegar al rubio platino, con brillo y ondas.

Aparecen las texturas nacaradas como el satén y la seda, también se llevan las plumas.

La ropa es más entallada, más ajustada al cuerpo, se pierde el corte tan recto de los años ´20.

LOS AÑOS 40

Época de crisis económica y general, 2ª Guerra Mundial, que por la situación en la que se vive la estética pierde el color y se vuelve oscura y triste.

La mujer comienza a trabajar en la industria mientras los hombres van a luchar a la guerra.

La materia prima escasea, por lo que muchas mujeres fabricaban ropa para ellas o sus hijos con telas recicladas, la ropa se vuelve más ajustada, se llevan las faldas tubo y las hombreras con un corte más masculino, y las medias ya no son de seda sino de nylon,.

Los perfumes desaparecen del mercado.

El maquillaje logra resistir dando vida a un rostro triste pero lleno de glamour.

El trazo del eye-liner es más pronunciado y grueso.

La ceja se articula, aunque natural, creando una forma llamada "ala de paloma".

La boca se agranda y el trazo se bombea de la comisura al centro, muy carnosa y redondeada. Los tonos son marrones, granates generalmente oscuros.

El peinado suele ser recogido y con ondas

LOS AÑOS 50

Nacen las primeras "sex symbols", como Marlene Dietrich, Rita Hayworth y poco después Marilyn Monroe.

Los años 50 fueros una época de renovación y progreso. La mujer vuelve al hogar y busca la armonía y el equilibrio familiar, convirtiéndose en madre ejemplar y fiel esposa. Se muestra siempre impecable y muy arreglada.

El maquillaje respeta la estructura de los años 40 pero con menos carácter y más color.

El modelado es más natural y redondeado, no tan recto como en los 40.

El eye-liner sigue siendo marcado, sobresaliendo por la parte exterior del ojo. Las sombras eran en tonos turquesa y azules.

Ceja gruesa y en forma de "ala de paloma".

LOS AÑOS 60

La estética de los años 60 recoge la estética de los años 20. Es una época de avances sociales. La moda la marca la juventud. A finales de los 40, después de la guerra, hubo un "baby boom", que más tarde se convirtió en la juventud de los años 60.

La actitud e imagen de los años 50 la encuentran anticuada y la rechazan, adoptan un look más juvenil y aniñado.

Se llevan las melenas con volumen, crespados, postizos y flequillo largo.

El maquillaje se centra en los ojos, ojos exagerados, con grandes pestañas casi siempre postizas, se perfilan con eye-liner por la parte superior e inferior del ojo, creando una forma redondeada, la banana sigue de moda y muy marcada. Sombras en tonos turquesa, azules, blanquecinos, tonos pastel en rosa pálido.

Labio muy suave y natural, adoptando una expresión infantil como de niña-mujer y seductora a la vez, tonos claritos.

El ideal de belleza era una imagen de muñeca, delgada, con mucho volumen en el pelo, ojos grandes y marcados, y boca jugosa y carnosa.

En la moda destaca la minifalda, botas o botines y los vestidos en forma de campana.

A finales de esta década aparecen los brillos en el maquillaje, y se intensifican los colores

LOS AÑOS 70

A partir de los 70 no hay una sola moda, sino que hay varias tendencias a la vez.

Inicio de la revolución de la moda, cada uno creaba sus conjuntos y diseños dependiendo de su filosofía de vida (hippies, disco, punks, rock, funky... etc).

Aparece la liberación sexual, movimientos naturistas, amor libre, lucha por los derechos de la mujer.

Se desarrolla la filosofía hindú, dando lugar a un nuevo concepto de belleza, más espiritual que física.

LOS AÑOS 80

La década de los 80 fue una época de rebeldía, el conjunto del estilismo se salía del convencionalismo. Surgen nuevas tendencias y con ellos se crean las tribus urbanas (Heavy, Punk, Rockers e Hippies).

Convivían muchos estilos diferentes pero todos tenían cabida.

Los peinados estaban influenciados por las series norteamericanas y la música pop. Tomaron importancia los grandes volúmenes y las formas y colores atrevidos. Por lo que la laca se convirtió en un producto indispensable para poder fijar el volumen deseado (pelo cardado, corte mullet, permanentes, cortes asimétricos con las capas altas muy cortas... etc).

El maquillaje de esta década era divertido y sobre todo llamativo. Se usaban colores estridentes y lo primordial era el exceso.

LOS AÑOS 90

En los años 90, se mezclan todo tipo de modas, comienza el libertinaje estilístico.

Destacan los looks con colores no muy llamativos, existía una simplicidad con un toque minimalista. La comodidad era la base del estilo de esta época, la cual sigue en la actualidad.

Los peinados básicos volvían a usar volumen como en las décadas pasadas. El estilo más cómodo y usual era llevar melenas sueltas. Las mechas rubias gruesas y las coletas altas empezaron a ser gran furor.

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EVOLUCIÓN DE LA BELLEZA A TRAVÉS DEL SIGLO XX

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En este blog, nos gustaría hacer un repaso de los distintos cánones de belleza durante el pasado siglo XX y los cambios que ha sufrido la moda dependiendo de las distintas épocas históricas y sociales que se han ido produciendo sucesivamente durante este periodo.

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Coco Chanel

Coco Chanel en 1928

Información personal
Nombre de nacimiento | Gabrielle Bonheur Chanel

Nacimiento

19 de agosto de 1883
Saumur (Maine y Loira, Tercera República Francesa)

Fallecimiento

10 de enero de 1971 (87 años)
Hôtel Ritz (París, Francia)

Causa de muerte | Infarto agudo de miocardio
Sepultura | Cementerio de Bois-de-Vaux
Nacionalidad | Francesa
Características físicas
Ojos | Marrón oscuro
Familia

Padres

Albert Chanel
Jeanne Devolle

Pareja

Étienne Balsan

Hans Gunther von Dincklage

Demetrio Románov

Boy Capel

Información profesional
Ocupación | Empresaria, diseñadora de moda y diseñadora textil
Área | Diseño de modas

Conocida por

Traje sastre femenino de tweed

Vestidito negro

Bolso 2.55

Chanel Nº5

Distinciones

Neiman Marcus Fashion Award (1957)

Web
Sitio web | www.chanel.com

[editar datos en Wikidata]

Gabrielle Chanel, conocida artísticamente como Coco Chanel (Saumur, Francia; 19 de agosto de 1883-París, 10 de enero de 1971),[1]​ fue una diseñadora de alta costura francesa fundadora de la marca Chanel. Es la única diseñadora de moda que figura en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX de la revista Time.[2]​

Es una de las diseñadoras más reconocidas de la historia. Destacó por ser una de las más innovadoras durante la Primera Guerra Mundial. Produjo una ruptura con la opulenta y poco práctica elegancia de la Belle Époque y creó una línea de ropa informal, sencilla y cómoda.[3]​ Se consolidó también como diseñadora de bolsos, perfumes, sombreros y joyas. Su famoso traje sastre femenino de tweed ribeteado se convirtió en un icono de la elegancia femenina, y su perfume Chanel Nº5 es un icónico producto mundialmente conocido.

Criada en un orfanato de monjas, fue conocida por su firme determinación, ambición y vitalidad que aplicaba a su vida profesional y social. Alcanzó éxito como empresaria y prominencia social en la década de 1910 gracias a los contactos que le ofrecía su trabajo. Altamente competitiva, su personalidad oportunista la llevó a tomar decisiones cuestionables que generaron controversia y dañaron su reputación, especialmente su colaboración con la Gestapo durante la ocupación alemana de Francia en la Segunda Guerra Mundial. Una de sus misiones a finales de 1943 era la de traer una oferta de paz de parte de las SS al primer ministro británico Winston Churchill con el objetivo de terminar la guerra.[4]​

Tras la guerra, su vínculo amoroso con el oficial nazi Hans Günther von Dincklage y los rumores sobre su colaboración con los servicios de inteligencia alemanes (posteriormente confirmados por Hal Vaughan en 2011)[5]​ afectaron seriamente a su compañía y su imagen, publicidad que la competencia se encargó de difundir.​ Sin embargo, no fue culpada como colaboradora y logró reabrir su empresa en 1954,[7]​ tras lo cual obtuvo un renovado éxito, especialmente en Estados Unidos y el Reino Unido en un primer tiempo, hasta su muerte en 1971.

Biografía[editar]

Primeros años.[editar]

La abadía de Aubazine, en el departamento de Corrèze, donde Gabrielle Chanel vivió de los 12 a los 18 años.

Gabrielle Chanel nació en el Hospicio General de Saumur, el hospital público de la ciudad que gestionaban las Hermanas de la Providencia[8]​[9]​ muy cerca del domicilio de los Chanel. La madre de Gabrielle, Eugénie Jeanne Devolle, era una campesina de Courpière,[10]​ un pequeño pueblo del norte del departamento de Puy-de-Dôme en Auvernia. Su padre, Albert Chanel, nacido en Nîmes en el seno de una familia procedente de los montes de las Cevenas, era un vendedor ambulante que recorría los mercados del país.[11]​ Al nacer Gabrielle sus padres ya tenían una primera hija de apenas un año, Julia Berthe (1882-1912), y la familia vivía en condiciones precarias. Gabrielle fue inscrita equivocadamente con el apellido Chasnel en el registro civil, pero como Jeanne Devolle estaba demasiado debilitada por el parto y el padre estaba ausente para firmar el acta de nacimiento, [10]​ el apellido de la bebé permaneció mal escrito. Años más tarde, Gabrielle Chanel añadiría otra alteración a su verdadero nombre asegurando que fue bautizada como Gabrielle «Bonheur» (Felicidad), un segundo nombre que las monjas del hospital habrían escogido para traerle suerte. El nombre «Bonheur» no aparece sin embargo en ningún documento de la época.[12]​ En 1884, Albert aceptó 5000 francos de la familia de Jeanne a cambio de que se casara con la madre de sus hijos en Courpière.[13]​ Aparte de Gabrielle y Julia, el matrimonio tuvo otros cuatro hijos: una hija, Antoinette (1887-1920), y tres varones, Alphonse (1885-1953), Lucien (1889-1941) y Augustin (nacido y muerto en 1891).[14]​

Eugénie Jeanne Devolle murió a los 31 años, el 6 de febrero de 1895 exhausta por los continuos embarazos, el duro trabajo y la tuberculosis.[15]​ Gabrielle tenía doce años.[15]​ Su padre confió entonces sus dos hijos varones a la asistencia pública que los colocará en granjas,[15]​ mientras sus tres hijas fueron acogidas en el orfanato del monasterio de Aubazine, Corrèze, gestionado por la Congregación del Santo Corazón de María,[16]​ [17]​ donde Gabrielle y sus hermanas recibieron una estricta disciplina y aprendieron a coser, bordar a mano y planchar.

Durante mi infancia sólo ansié ser amada. Todos los días pensaba en cómo quitarme la vida, aunque, en el fondo, ya estaba muerta. Sólo el orgullo me salvó.

Coco Chanel[18]​

Chanel huyó siempre del recuerdo del orfanato de Aubazine, pero la austeridad de esta abadía cisterciense del siglo XII determinó su estilo reinterpretando algunos de los detalles arquitectónicos del lugar, recoge Edmonde Charles-Roux en su biografía Coco Chanel, L'Irrégulière.[16]​ Sus primeras biografías recogen las historias que Coco inventó. Alegó orígenes burgueses con el fin de ocultar su condición humilde, y afirmó que cuando su madre falleció, su padre viajó a América en busca de fortuna y ella quedó al cuidado de unas tías insensibles. También declaró haber nacido en 1893 en vez de 1883 y que su madre había muerto cuando solo contaba dos años en lugar de doce.[19]​

Después de adquirir conocimientos básicos de costura durante seis años en Aubazine, al cumplir 18 años Chanel fue enviada a un internado religioso en la ciudad de Moulins, donde residían sus abuelos paternos, Angelina y Henri-Adrien Chanel. La institución gozaba de buena reputación para formar profesionalmente a chicas sin recursos o de pago, y encontrarles un empleo digno una vez terminado su aprendizaje. Allí coincidió con su joven tía Adrienne, apenas dos años mayor que ella, que se convirtió en su amiga y cómplice.[20]​[8]​[21]​

Aspirante a una carrera artística[editar]

Las dos jóvenes encontraron empleo en una pañería como ayudantes de un sastre de Moulins.

Los hombres que iban a la sastrería coqueteaban con las jóvenes y las invitaban al cabaret local, donde Gabrielle se sintió atraída por el mundo del espectáculo y empezó a cantar sobre los escenarios de un café-concert de Moulins llamado «La Rotonde».[22]​ Fue una de las tantas chicas denominadas poseuses, aquellas que entretienen al público entre los cambios de vestuario de los artistas principales.[22]​ El dinero recaudado era aquel que obtenían al pasar el plato entre el público como apreciación por su interpretación. Fue por aquella época cuando Gabrielle recibió el apodo de «Coco», posiblemente por dos canciones de su repertorio que llegaron a identificarla: «Ko ko ri ko» y «Qui qu'a vu Coco?», una tonadilla popular que narraba la historia de una muchacha que había perdido a su perro Coco.[22]​ Otras fuentes indican que podría ser por cocotte, un término francés que hace referencia a la mujer mantenida.[23]​ Como intérprete irradiaba un encanto juvenil que fascinaba a los militares habituales del cabaret.[20]​

En 1906 se hallaba en Vichy, una ciudad turística conocida por sus aguas termales, que contaba con una gran cantidad de salas de concierto, teatros y cafés donde esperaba encontrar el éxito como intérprete.[24]​ Sus encantos juveniles y físicos impresionaron a aquellos que le realizaron pruebas pero su voz de canto no era perfecta y eso no le permitió hallar trabajo.[25]​ Obligada a encontrar un empleo, decidió ingresar en las instalaciones del manantial de la «Grande Grille», repartiendo vasos de agua mineral.[26]​ Cuando la temporada veraniega terminó, regresó a Moulins y, por consiguiente, a su antiguo trabajo en «La Rotonde», aunque desesperanzada de consagrarse como cantante.[27]​

Balsan y Capel[editar]

Capel y Chanel caricaturizados por el artista Sem, 1913.

En Moulins, Chanel conoció al oficial de caballería y rico heredero textil francés, Étienne Balsan. Con 23 años se convirtió en su amante y suplantó como favorita a la cortesana Émilienne d'Alençon.[28]​ Durante los siguientes tres años, vivieron juntos en su castillo Royallieu cerca de Compiègne, una zona destacada por su bosque de senderos ecuestres y la vida de caza y polo.[29]​ Este estilo de vida permitió a Chanel llevar una vida de riqueza y ocio, y fomentar su carácter social en fiestas de alto prestigio. La biógrafa Justine Picardie sugirió que el sobrino de la diseñadora de moda, André Palasse, supuestamente hijo único de su hermana Julia-Berthe que decidió suicidarse, era en realidad el primogénito de Chanel y Balsan.[30]​

En 1908, comenzó un romance con uno de los mejores amigos de Balsan, el capitán inglés Arthur Edward «Boy» Capel.[31]​ Durante sus últimos años, Chanel recordó: «Dos caballeros estaban pujando por mi pequeño cuerpo caliente».[32]​

Capel, un miembro rico de la clase alta inglesa, la instaló en un apartamento en París y financió sus primeras tiendas.[33]​ El diseño de la botella de la fragancia Chanel Nº5 tiene dos orígenes probables atribuibles a las sensibilidades de diseño sofisticadas de Capel. Se cree que Chanel adoptó las líneas rectangulares biseladas de las botellas de tocador Charvet que Capel llevaba en su caja de cuero de viaje[34]​ o el estilo de su decantador de whisky que admiraba tanto que deseaba reproducirlo en un «cristal delicado, caro y exquisito».[35]​ La pareja pasó tiempo en diversos centros turísticos de moda tales como Deauville pero Capel nunca le fue fiel. Permanecieron juntos durante nueve años e incluso continuaron su relación luego del casamiento de Capel con la aristócrata inglesa lady Diana Wyndham en 1918.[30]​

La prematura muerte de Capel en un accidente automovilístico a fines de 1919 fue uno de los acontecimientos más devastadores para Chanel.[36]​ Abatida por el dolor, comenzó a utilizar prendas negras en señal de luto y al poco tiempo diseñó el denominado «pequeño vestido negro», que se presentó en 1926 y fue calificado por la revista Vogue como el «atuendo que todo el mundo usará».[37]​ El vestido negro, disponible solo en ese color, fue inmediatamente un éxito y ha sido el epítome de la elegancia sencilla desde entonces.[36]​ Luego del deceso, se encargó personalmente de construir un monumento en el lugar del accidente, que solía visitar en los últimos años para depositar flores en su memoria.[38]​ En 1945, Chanel, que residía en Suiza, confió a su amigo Paul Morand: «Su muerte fue un golpe terrible para mí. Al perder a Capel, lo perdí todo. Tengo que decir que lo que siguió no fue una vida de felicidad».[39]​

Diseñadora de sombreros y primeras tiendas[editar]

Chanel recibió lecciones por parte de dos de los mejores asistentes de Lucienne Rabatte, una popular diseñadora de sombreros cloché que había trabajado para la Maison Lewis.[40]​[41]​[nota 1]​ Comenzó a confeccionar sombreros mientras vivía con Balsan, inicialmente como un entretenimiento que luego derivó en un negocio comercial de notable aceptación entre sus clientes, muchos de los cuales eran allegados de su amante.

Gabrielle Dorziat con un sombrero de la colección de Coco Chanel, en mayo de 1912. Publicado en Les Modes.

Chanel solía llevar puestas sus propias creaciones a las carreras de caballos y llamar la atención de los presentes con su peculiar estilo de vestir. Sus conjuntos vanguardistas, muchas veces conformados por pantalones de montar y poleras, contrastaban con los vestidos elegantes de la época. Se convirtió en fabricante de sombreros en 1909 e inauguró una boutique financiada por Balsan en la planta baja de su departamento de soltero en el Boulevard Malesherbes.[42]​[43]​ Al año siguiente estableció su casa de moda, Chanel Modes, en el número 21 de la rue Cambon en París.[44]​ Su carrera como sombrerera floreció cuando la actriz de teatro Gabrielle Dorziat utilizó sus modelos en la obra de teatro Bel Ami de 1912, dirigida por F. Nozière, y posteriormente en la revista Les Modes.[44]​

En 1913, abrió una boutique financiada por Arthur Capel en Deauville,[45]​ donde introdujo ropa informal de lujo orientada hacia el ocio y el deporte.[46]​ Los modelos fueron diseñados con tejidos de bajo costo como el jersey y el tricot, usado sobre todo para la ropa interior de los hombres.[44]​ Tenía una localización privilegiada en una calle de moda en el centro de la ciudad, donde vendía sombreros, chaquetas, suéteres y las denominadas marinières (camiseta de manga larga y de estilo marinero).[45]​ Tuvo el apoyo de dos integrantes de su familia: su hermana Antoinette, y Adrienne Chanel, su tía casi de la misma edad, que el abuelo de Coco había tenido casi hacia el final de su vida.[47]​ Adrienne y Antoinette fueron llamadas para modelar sus diseños y solían transitar la ciudad a diario y dar paseos en barco con el fin de promocionar las creaciones de su pariente.[48]​ The New Yorker publicó: «Las damas de Deauville despertaron una mañana y descubrieron una diferencia impactante de elegancia entre su propia ropa y la moda Chanel»,[37]​ mientras que Women's Wear predijo un gran éxito para sus suéteres de punto de lana.[49]​

Decidida a recrear el éxito que había tenido en Deauville, Chanel inauguró un nuevo local en una villa frente al casino de Biarritz en 1915. La ciudad, situada en la Costa Vasca y frecuentada por clientes españoles ricos,[50]​ tuvo la condición de neutralidad durante la Primera Guerra Mundial, lo que le permitió convertirse en una zona de excelencia para adinerados y exiliados de sus países por las hostilidades.[51]​ Tan solo un año después de su inauguración el negocio había tenido tanto éxito que Chanel decidió reintegrarle (por voluntad propia) a Capel el dinero que le había prestado como inversión inicial.[52]​ Poco después, conoció en Biarritz al gran duque Demetrio Románov de Rusia, con quien tuvo un interludio romántico y mantuvo una estrecha relación muchos años después.[53]​

Consagración en el mundo de la moda[editar]

Algunos de los primeros diseños de Coco Chanel, publicados en 1917 por Les Elegances parisiennes.

En febrero de 1916, con ocasión de la presentación de su primera colección en otoño, sus prendas y chaquetas deportivas aparecieron por primera vez en la revista Vogue. Al poco tiempo, sus modelos comenzaron a venderse en las grandes tiendas departamentales de Estados Unidos.[37]​[49]​ En 1918, estableció su casa de moda con más de 300 empleados en una propiedad situada en el número 31 de la rue Cambon[44]​ en uno de los barrios más elegantes y lujosos de París. Al año siguiente fue registrada oficialmente como couturière y en 1921 inauguró una boutique de moda que ofrecía ropa, sombreros, accesorios y más tarde, joyas y perfumes.[54]​

Ese año Chanel modeló el logotipo «CC» de su empresa, que se ha mantenido hasta la actualidad. Existen tres teorías respecto a las influencias que marcaron el diseño. El emblema de la entrada al castillo Château de Crémat de su amiga Irène Bratz posiblemente haya sido la inspiración del logo. Otras versiones indican que los ventanales de la iglesia de Aubazine del orfanato donde pasó su infancia o el monograma del rey Enrique II de Francia y Catalina de Médicis pudieron haber tenido influencia al momento de la producción de la insignia de la marca Chanel.[55]​

Su consolidación en el mundo de la moda significó el declive de la carrera de Paul Poiret, que se resistió a la practicidad, racionalización y simplificación estilística que modistos, como Chanel, propusieron en esos años. Los modelos sencillos y elegantes de la diseñadora con acabados de costura discretos hacían que los de Poiret parecieran desaliñados e incorrectamente elaborados en comparación. El hecho llevó a que Jean Cocteau satiriza los diseños obsoletos de Poiret a través de su caricatura animada «Poiret sale, Chanel entra». Finalmente su casa de moda quebró a fines de los años 20.[56]​[57]​[58]​

En la primavera de 1920, aproximadamente en mayo, la diseñadora conoció al compositor Ígor Stravinsky gracias al empresario de los Ballets Rusos, Serguéi Diáguilev.[59]​ Durante el verano se enteró de que la familia de Stravinsky estaba buscando un lugar para vivir y los hospedó momentáneamente en su vivienda, «Bel Respiro», en el suburbio parisino de Garches, hasta que se establecieran definitivamente en una residencia más adecuada.[59]​ Los Stravinsky permanecieron ahí hasta mayo de 1921.[60]​ Chanel, por su parte, protegió de pérdidas económicas la nueva producción de Stravinsky, La consagración de la primavera (1920), mediante un presente anónimo enviado a Diáguilev que consistía en 300.000 FRF.[61]​ Diáguilev la convocó en 1924 para el diseño del vestuario de su espectáculo de ballet Le Train Bleu en el Teatro de los Campos Elíseos.[62]​

En 1921, colaboró con el perfumista Ernest Beaux en la creación de su primer perfume, Chanel Nº 5, que rápidamente se convirtió en un éxito. Basado en el perfume de jazmín, la fragancia fue la primera en llevar el nombre de un diseñador y fue envasada en una botella de cristal creada por la propia Chanel.[37]​ Rápidamente, la Société des Parfums Chanel pasó a vender otras fragancias, como el Chanel Nº 22, el 31 Rue Cambon, el Gardenia y 28 la Pausa.[63]​ En 1922, durante las carreras de Longchamp, el fundador de las Galeries Lafayette Haussmann, Théophile Bader, le presentó al empresario Pierre Wertheimer. Bader estaba interesado en la presentación de la fragancia Chanel N.º 5 en su tienda departamental.[64]​ En 1924, la diseñadora creó la entidad corporativa Parfums Chanel luego de llevar a cabo un acuerdo con los hermanos Wertheimer, Pierre y Paul, directores de la eminente casa de perfumes y cosméticos Bourgeois desde 1917.[65]​ Los Wertheimer acordaron proporcionar la financiación completa para la producción, comercialización y distribución del perfume. Ellos recibirían el 70 % de las ganancias y Bader una cuota del 20 %, mientras que Chanel el 10 % restante. Enfadada con el arreglo, retiró su participación de cualquier operación comercial y luchó durante más de veinte años para obtener el control total de la compañía.[64]​[65]​ Posteriormente se refirió a Pierre como el «bandido que me estafó».[66]​ Su fábrica textil de punto de lana, Tricots Chanel (luego renombrada a Tissus Chanel), se estableció en 1928 en Asnières bajo la dirección del poeta y dibujante ruso Iliazd.[37]​

Chanel mantuvo una relación significativa con el poeta Pierre Reverdy y el ilustrador y diseñador Paul Iribe. Luego de finalizar su romance con Reverdy en 1926, ambos continuaron con una amistad que perduró cuarenta años.[67]​ La diseñadora fue un componente primordial en su producción poética al reforzar su confianza, apoyar su capacidad creativa y mitigar su inestabilidad financiera al comprar en secreto sus manuscritos por medio de su editor.[68]​ Con Iribe estableció su primera colección pública de joyería, «Bijoux de Diamants», a pedido de la International Guild of Diamond Merchants en 1932. Mantuvieron un profundo vínculo hasta su repentina muerte en 1935[69]​ y compartieron las mismas políticas reaccionarias. De hecho, Chanel financió su periódico antirrepublicano y ultranacionalista mensual, Le Témoin, que alimentó el miedo a los extranjeros y promovió el antisemitismo.[70]​[71]​ En 1936, un año después de la finalización de la publicación, la diseñadora se desvió hacia el extremo opuesto al financiar la revista radical izquierdista de Pierre Lestringuez, Futur.[72]​

Una de sus amistades más largas y duraderas fue con Misia Sert, persona destacada de la élite parisina y esposa del pintor español José María Sert.[73]​ Se sintió atraída por Chanel al conocer su «genio, ingenio letal, sarcasmo y destructividad maníaca, que intrigó y consternó a todos».[74]​ Ambas mujeres, criadas en conventos, mantuvieron una amistad basada en intereses compartidos, confidencias y consumo de drogas.[75]​[76]​ Para 1935, la diseñadora se había convertido en una consumidora adictiva de drogas al inyectarse tres dosis de morfina diarias hasta el final de su vida.[77]​ De acuerdo con el periodista norteamericano Chandler Burr, el biofísico Luca Turin relató una historia apócrifa en la que aseguró que la diseñadora fue apodada «Coco» debido a que realizaba las mejores fiestas de cocaína de París.[78]​

La escritora Colette, que pertenecía a los mismos círculos sociales que Chanel, ofreció una descripción caprichosa de la modista en el trabajo de su taller que figuró en Prisons et Paradis (1932): «Si cada rostro humano tiene una semejanza con un animal, entonces Mademoiselle Chanel es un pequeño toro negro. Ese mechón de cabello negro rizado, el atributo de los terneros, cae sobre su frente y llega hasta sus párpados y baila con cualquier movimiento de su cabeza».[79]​

Relaciones con aristócratas británicos[editar]

Coco Chanel junto a Arthur Grosvenor, duque de Westminster, años 1920.

En 1923, Vera Bate Lombardi,[80]​ supuestamente hija ilegítima del marqués de Cambridge,[80]​ le proporcionó a Chanel la entrada a los más altos niveles de la sociedad británica. Le presentó ese mismo año en Monte Carlo al duque de Westminster, Hugh Richard Arthur Grosvenor, conocido en la intimidad como «Bendor».[81]​ Durante el romance de diez años que mantuvo con el aristócrata, Chanel recibió joyas extravagantes y una casa en el prestigioso distrito londinense de Mayfair.[82]​ Otros rumores indican que el príncipe de Gales Eduardo de Windsor (posterior rey de Gran Bretaña Eduardo VIII) mantuvo un breve amorío con la diseñadora a pesar de la implicancia con su primo, el duque.[83]​ Años después, Diana Vreeland, editora de Vogue, insistiría en que «la apasionada, centrada y ferozmente independiente Chanel» y «el príncipe tuvieron un gran momento romántico juntos».[84]​ A través de Grosvenor la diseñadora conoció a uno de sus colaboradores más cercanos, Winston Churchill, que la definió como una «mujer de personalidad fuerte, muy capaz y agradable» y con quien forjó una amistad de por vida.[37]​ En 1927, Grosvenor le otorgó a la modista una parcela de tierra que había comprado en Roquebrune-Cap-Martin, lugar en el que construyó su villa «La Pausa»,[85]​ para la cual contrató al arquitecto Robert Streitz. Las ideas de Streitz para la elaboración de la escalera y el patio estaban inspiradas en elementos de diseño de Aubazine, el orfanato en el que pasó su juventud.[86]​[87]​ Cuando se le preguntó por qué no se había casado con el duque, la diseñadora respondió: «Ha habido muchas duquesas de Westminster. Chanel hay una sola».[88]​

Diseños para cine[editar]

En 1931, durante su estadía en Monte Carlo, conoció a Samuel Goldwyn a través de Demetrio Románov, primo del zar de Rusia Nicolás II.[89]​ Goldwyn ofreció a Chanel una propuesta laboral de un millón USD que incluía diseñar el vestuario para las estrellas de MGM dos veces al año en Hollywood.[89]​ Luego de aceptar la oferta, viajó acompañada de Misia Sert a Estados Unidos, donde confeccionó la ropa de Gloria Swanson en Tonight or Never (1931, Esta noche o nunca) y de Ina Claire en The Greeks Had A Word for Them (1932, Tres rubias).[90]​ Por otra parte, Greta Garbo y Marlene Dietrich se convirtieron en clientas privadas.[49]​ Su experiencia en la producción de vestuario para películas norteamericanas le generó una aversión por la industria del cine y la cultura de Hollywood, a las que calificó de «infantiles».[91]​ La diseñadora declaró: «Hollywood es la capital del mal gusto... y es vulgar».[92]​ The New Yorker especuló con que había abandonado su trabajo debido a que «sus vestidos no eran lo suficientemente sensacionales. Ella hizo que una dama se vea como una dama. Hollywood quiere una dama que se vea como dos damas».[93]​ Sin embargo, continuó realizando diseños para el cine pero esta vez para películas francesas, entre ellas La regla del juego (1939) de Jean Renoir,[90]​ en la que figuró como La Maison Chanel. La diseñadora, consciente de las aspiraciones del joven italiano Luchino Visconti para trabajar en cine, le presentó a Renoir, quien quedó ampliamente impresionado y lo contrató para su siguiente proyecto cinematográfico.[94]​

Su empresa llegó a contar con 4000 empleados y 28 000 unidades de venta anuales para 1935.[37]​ A medida que avanzaba la década, su lugar de privilegio en el mundo de la alta costura se vio amenazado.[95]​ Sus diseños para la industria del cine hollywoodense habían fracasado y no habían engrandecido su reputación como esperaba. Por el contrario, comenzó a existir una alta rivalidad con la prestigiosa diseñadora Elsa Schiaparelli, cuyos innovadores diseños estaban repletos de detalles festivos y surrealistas, lo que la llevó a cosechar elogios de la crítica y generar entusiasmo en el mundo de la moda.[96]​ Luego de sentir que estaba perdiendo prestigio, Chanel colaboró en la obra teatral Oedipe Rex de Jean Cocteau, con quien había trabajado en Orphée (1926)[37]​ y Antigone (1927, basada en la tragedia homónima de Sófocles). Los trajes diseñados para Oedipe Rex fueron ridiculizados y criticados severamente por la prensa: «Envueltos en vendajes, los actores parecían momias ambulantes o víctimas de algún terrible accidente».[95]​

Segunda Guerra Mundial[editar]

En 1939, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, cerró todas sus tiendas pero mantuvo abierta su boutique en el número 31 de la rue Cambon con solo perfumes y accesorios disponibles.[37]​ Alegó que no era momento para la moda[51]​ y 3000 empleadas perdieron sus puestos de trabajo.[97]​ Al cerrar la casa central de moda, confesó públicamente su posición política y comenzaron a circular detalles de su vida personal. Su aversión por los judíos y homosexuales,[98]​ según informes inculcada en sus años de convento y agudizada por sus relaciones con las élites sociales, había consolidado sus creencias. De hecho, compartió con la mayor parte de su entorno que los judíos eran una amenaza bolchevique para Europa.[97]​ Durante la ocupación alemana, Chanel residía en el Hotel Ritz,[98]​ que se destacó por ser el lugar preferido de residencia de los oficiales militares alemanes de alta jerarquía.[99]​ Su relación amorosa con Hans Gunther von Dincklage, un oficial alemán que había sido operario de la inteligencia militar desde 1920,[100]​ posibilitó su estadía en el Hotel Ritz.[101]​

Batalla por el control de «Parfum Chanel»[editar]

Chanel Nº5, el producto más emblemático de Parfums Chanel.

La Segunda Guerra Mundial, específicamente la toma nazi de todas las propiedades de judíos y empresas comerciales, le proporcionó la posibilidad de ser la única destinataria de todas las ganancias generadas por su compañía de perfumes y su producto más vendido, Chanel N.º 5. Los directores de la empresa en ese momento, los Wertheimer, eran judíos, por lo que Chanel utilizó su condición de «aria» para solicitar a las autoridades alemanas ser la única propietaria de la empresa.[102]​[4]​ El 5 de mayo de 1941, le escribió al administrador del gobierno encargado de resolver la enajenación de los bienes financieros judíos. Sus motivos para la posesión de la empresa fueron que Parfums Chanel «continúa siendo propiedad de judíos» y había sido legalmente «abandonada» por los dueños.[103]​[104]​ La diseñadora escribió: «Yo tengo un derecho indiscutible de prioridad... las ganancias que he recibido de mis creaciones desde la fundación de este negocio... son desproporcionadas... [y] ustedes pueden ayudar a solucionar en parte los perjuicios que he sufrido en el curso de estos 17 años».[105]​

Durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, el mundo de los negocios seguía con interés y cierta aprensión la lucha legal en curso por el control de Parfums Chanel. La modista no se había percatado de que los Wertheimer, anticipando las medidas nazis contra los judíos, en mayo de 1940 habían otorgado de forma legal el control de la compañía a Félix Amiot, un industrial cristiano y hombre de negocios francés.[106]​[4]​ Al finalizar la guerra, Amiot otorgó el control de nuevo a los Wertheimer.[103]​[104]​ Las partes involucradas en el procedimiento legal eran conscientes de que la afiliación nazi de la diseñadora en tiempos de guerra dañaría seriamente su reputación y el estatus de la marca Chanel si se hiciera pública.[107]​

La revista Forbes resumió el dilema que enfrentaban los Wertheimer: [Es una preocupación de Pierre W.] el cómo una «lucha legal podría destapar las actividades de Chanel durante la guerra y arruinar su imagen y su negocio».[107]​ Finalmente, los trámites procesales concluyeron con la toma de una decisión de común acuerdo que incluyó la renegociación del contrato original de 1924.[108]​ El 17 de mayo de 1947, la diseñadora recibió ganancias de las ventas del Chanel N.º 5 en tiempos de guerra, en una suma equivalente a 400 000 dólares.[109]​ A partir de ese momento su beneficio económico fue enorme y sus ingresos rondaron los 25 millones USD anuales, lo que la convirtió en una de las mujeres más ricas del mundo. Además, Pierre Wertheimer acordó una disposición inusual propuesta por la propia Chanel en la que aceptó pagar todos los gastos que la diseñadora realizara —desde los triviales a los más costosos— durante el resto de su vida.[110]​[111]​

Actividad como agente nazi[editar]

Documentos de archivo desclasificados descubiertos por Hal Vaughan revelaron que la Prefectura de Policía francesa tenía un escrito sobre Chanel en el que fue descrita como: «Costurera y perfumista. Seudónimo: Westminster. Agente de referencia: F 7124. Señalado como sospechoso en el archivo».[112]​[113]​ Para Vaughan, «era una facilitadora. Conocía a todo el mundo [...] Y ayudó a los nazis... Todo lo que ella hizo era una paradoja. Era tan contradictoria. Por un lado, hizo comentarios antisemitas. Sin embargo, uno de sus mejores clientes era judío, como los Rothschild, y de hecho su socio en el negocio era judío, y lo continuó siendo después de la guerra».[4]​ El activista antinazi Serge Klarsfeld declaró que «no significa que porque tenga un número de espía, esté necesariamente implicada de forma personal. Algunos informantes tenían número sin ser conscientes de ello».[114]​ Vaughan estableció que Chanel se involucró con la causa alemana ya desde 1941 y trabajó para el general Walter Schellenberg, jefe de inteligencia de las SS,[115]​ quien coordinó sus relaciones comerciales con las autoridades de la ocupación.[4]​

Al final de la guerra, Schellenberg fue juzgado por el Tribunal Militar de Núremberg y condenado a seis años de prisión por crímenes de guerra. Fue puesto en libertad en 1951 debido a una enfermedad hepática incurable y se refugió en Italia. La diseñadora pagó los gastos cotidianos y de atención médica de Schellenberg, apoyado económicamente por su esposa y familia, y financió su funeral en 1952.[116]​

Operación Modellhout[editar]

En 1943, Chanel viajó a Berlín con Dincklage para reunirse con el Reichsführer-SS Heinrich Himmler y formular una estrategia.[115]​ A fines de 1943 o principios de 1944, ella y su superior SS Schellenberg idearon un plan con el fin de presionar a Gran Bretaña para que pusiera fin a las hostilidades con Alemania.[117]​ Gracias a ello consiguió la liberación de su sobrino, André Palasse, detenido en un campo de prisioneros de guerra en Alemania.[4]​ Cuando fue interrogado por la inteligencia británica al finalizar la guerra, Schellenberg sostuvo que Chanel era «una persona que conocía a Winston Churchill lo suficiente como para llevar a cabo negociaciones políticas con él».[118]​ Para esta misión, denominada Operación Modellhout, reclutaron a Vera Bate Lombardi en un nuevo intento por establecer contacto con Londres y negociar un tratado de paz antes del ingreso de las tropas rusas a Berlín.[119]​ El conde Joseph von Ledebur-Wicheln, un agente nazi que desertó al Servicio Secreto Británico en 1944, recordó una reunión que tuvo con Dincklage a principios de 1943.[120]​ Dincklage propuso un incentivo que la tentara y le informó a von Ledebur que la participación de Chanel en la operación estaría asegurada si se incluyera a Lombardi en la misma: «La Abwehr tenía primero que traer de Francia a una joven italiana [Lombardi]. Coco Chanel se adhirió a causa de sus vicios lésbicos...»[121]​

Sin darse cuenta de las maquinaciones de Schellenberg y su amiga, Lombardi les siguió su juego inconsciente como víctima y creyó que el próximo viaje a España sería un viaje de negocios para explorar las posibilidades de establecer una sede de su casa de alta costura en Madrid. El papel de Lombardi era actuar como intermediaria y entregar una carta escrita por Chanel al primer ministro Churchill enviada por medio de la embajada británica en Madrid.[122]​ Finalmente la operación fue un fracaso y archivos de inteligencia británicos revelaron que todo se descubrió cuando Lombardi a su llegada procedió a denunciar a Chanel y al resto como espías nazis.[123]​

Resguardo de la persecución[editar]

En septiembre de 1944, Chanel fue llamada para ser interrogada por un Comité de Depuración de las Fuerzas Francesas del Interior. El comité, sin ninguna evidencia documentada de su actividad como colaboradora, se vio obligado a liberarla luego de tres horas.[124]​[37]​ De acuerdo con su sobrina nieta, Gabrielle Palasse Labrunie, cuando la diseñadora volvió a su casa dijo: «Churchill me habría liberado».[125]​ Existe una entrevista inédita que data de septiembre de 1944 en la que Malcolm Muggeridge, luego un agente de inteligencia de la MI6 Británica, la entrevistó después de su comparecencia ante los investigadores de la Francia Libre. Muggeridge la cuestionó deliberadamente por sus políticas y actividades en tiempos de guerra, a lo que la diseñadora dijo: «Es curioso cómo han evolucionado mis sentimientos. Al principio, sus conductas me indignaron. Ahora, prácticamente siento pena por esos rufianes. Uno debe abstenerse de desprecio por los ejemplares más bajos de la humanidad... »[126]​

La medida en la que Churchill intervino se convirtió en un tema de especulación chismosa. Algunos afirman que Churchill instruyó a Duff Cooper, embajador británico en el gobierno provisional francés, para proteger a la diseñadora.[127]​ Finalmente, presionada para declarar en Francia ante los investigadores en 1949, Chanel dejó su residencia de Suiza para hacer frente al testimonio dado en contra de ella en el juicio por crímenes de guerra del barón Louis de Vaufreland, un traidor francés y agente de inteligencia alemán de alto rango.[124]​ Negó todas las acusaciones y posteriormente, su amigo y biógrafo Marcel Haedrich ofreció una estimación elocuente de su colaboración con el régimen nazi: «Si uno tomara en serio las pocas revelaciones que Mademoiselle Chanel se permitió hacer a sí misma acerca de esos años negros de la ocupación, los dientes de uno sufrirían dentera».[128]​

Controversia[editar]

La divulgación de Vaughan del contenido de los documentos desclasificados de la inteligencia militar y la posterior polémica generada poco después de la publicación de su libro en agosto de 2011, llevó a la Casa Chanel a emitir un comunicado, parte del cual apareció en múltiples medios de comunicación. La corporación «negó la afirmación» (del espionaje)[129]​ si bien admitió que «los funcionarios de la compañía habían leído sólo extractos del libro». «Lo cierto es que ella tuvo una relación con un aristócrata alemán durante la guerra. Está claro que no era el mejor momento para tener una historia de amor con un alemán aunque el barón von Dincklage era inglés por parte materna y ella lo conocía antes de la guerra», dijo el grupo Chanel en un comunicado.[129]​ La casa de moda también negó que la diseñadora fuera antisemita al publicar que de ese modo «no hubiera tenido amigos judíos o vínculos con la familia de financieros Rothschild de haber sido así».[129]​

En una entrevista concedida a la agencia Associated Press, el autor Vaughan explicó el recorrido de su investigación: «Estaba buscando otra cosa cuando me encuentro con este documento que expresaba "Chanel es una agente nazi"... Entonces realmente empecé a escarbar todos los archivos, en los Estados Unidos, en Londres, en Berlín y en Roma y no encontré uno, sino 20, 30, 40 materiales de archivo absolutamente sólidos sobre Chanel y su amante, el barón Hans Gunther von Dincklage, que era un espía profesional de la Abwehr».[130]​ Vaughan también se refirió a la incomodidad que produjeron las revelaciones proporcionadas por su libro: «Una gran cantidad de personas no desea que la emblemática figura de Gabrielle Coco Chanel, una de las grandes ídolos de Francia, sea destruida. Esto es definitivamente algo que mucha gente hubiera preferido dejar a un costado, olvidar...»[130]​

Carrera y vida posterior a la guerra[editar]

En 1945, se trasladó a Lausana, Suiza, aunque regresó eventualmente a París en 1954. En 1953 vendió su villa «La Pausa» a Emery Reves y una réplica parcial de la vivienda fue construida en el Museo de Arte de Dallas, que contiene piezas del mobiliario original y alberga la colección de arte de Reves.[87]​ A diferencia del período anterior a la guerra, en el que el mundo de la moda estaba dominado solo por las mujeres, este comenzó a abrirse a nuevos géneros y el «New Look» de Christian Dior significó un éxito mundial[131]​ al que le siguió el de Cristóbal Balenciaga, Robert Piguet y Jacques Fath.

Chanel estaba convencida de que las modistas femeninas se revelarían contra la estética «ilógica» ofrecida por los diseñadores masculinos y además, criticó las «fajas en la cintura, los sujetadores con relleno, las faldas pesadas y las chaquetas rígidas».[132]​ Con más de setenta años y después de una ausencia de quince, sintió que era el momento para reincorporarse al mundo de la moda.[7]​ El restablecimiento de su casa de alta costura en 1954 fue financiado por su viejo enemigo Pierre Wertheimer.[133]​ Su nueva colección no fue bien recibida por los parisinos que sintieron que su reputación había sido dañada por su relación con los nazis durante la guerra. Sus nuevos trajes tweed y vestidos simples, que hicieron eco de los estilos aerodinámicos de los años previos a la guerra, fueron calificados por muchos críticos europeos como «pasados de moda».[37]​ Sin embargo, sus modelos tuvieron una alta aceptación en Reino Unido y Estados Unidos, donde forjó nuevos clientes.​ La revista Vogue la definió como «la gran revolucionaria» y una «rebelde solitaria de la moda». Las actrices Elizabeth Taylor, Grace Kelly y Rita Hayworth fueron las primeras personalidades en utilizar sus nuevos modelos luego de su reingreso a la moda.[37]​

En la década de 1950, Chanel comenzó a trabajar con el orfebre Robert Goossens, que produjo algunas de las joyas más importantes de la carrera de la diseñadora, incluyendo piezas con perlas de imitación o piedras de cristal en su base, anillos y pendientes. El trabajo de Goossens también incluye prendedores trenzados de plata y oro con esmeraldas, colgantes y cruces bizantinas de cristal. Continuó trabajando con la Casa Chanel incluso después de la muerte de su fundadora y muchas de sus obras fueron reversionadas en formato fantasía para los desfiles de moda y presentaciones.[134]​ Por otra parte, el fabricante de perfumes Henri Robert colaboró con Coco Chanel entre 1955 y 1974, período en el que diseñó fragancias reconocidas como Pour Monsieur, la primera fragancia para hombres de Chanel; Chanel Nº 19, nombrado así en honor al cumpleaños de Coco el 19 de agosto; y Cristalle Eau de Toilette.[135]​[63]​

En 1957, recibió el Neiman Marcus Fashion Award por parte de Stanley Marcus en reconocimiento a la «diseñadora más influyente del siglo» y en 1959 fue designada miembro del Museo de Arte Moderno de Nueva York.[37]​[136]​ Su estilo fue nuevamente elegido para vestir a estrellas de cine como Romy Schneider y Jeanne Moreau en la película Les Amants (1958) de Louis Malle,[90]​ y a Delphine Seyrig en El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais,[137]​ como así también a María Callas, Audrey Hepburn y la primera dama estadounidense Jackie Kennedy, que vestía uno de sus modelos el día del asesinato de su marido John F. Kennedy en 1963.[138]​

Ante la popularización de la minifalda, creada por Mary Quant en 1964, Chanel la juzgó severamente mediante una declaración en la que afirmó que las rodillas eran la parte menos hermosa del cuerpo femenino por lo que había que mantenerlas cubiertas. Quant señaló que las rodillas eran un símbolo de juventud y por eso había que exhibirlas sin vergüenza alguna.[139]​

Último año y su fallecimiento[editar]

Según Edmonde Charles-Roux, se había convertido en una persona tirana y muy solitaria en sus últimos años.[140]​ Ocasionalmente era frecuentada por Jacques Chazot, su confidente Lilou Marquand[141]​ y la brasileña Aimée de Heeren, que pasaba en París cuatro meses al año, en el Hotel Meurice. Las antaño rivales solían compartir recuerdos felices de sus momentos con el duque de Westminster y caminar juntas por el centro de París.[142]​

Al comienzo de 1971 se hallaba enferma y debilitada, afectada por la artrosis y su adicción a la morfina,[143]​ pero continuaba en el trabajo de su rutina habitual para la preparación del catálogo de primavera. En la tarde del sábado 9 de enero dio un largo paseo y al regresar a su casa, se sintió mal y se fue a su habitación temprano.[144]​ Chanel murió al día siguiente a la edad de 87 años como consecuencia de un ataque cardíaco en el Hotel Ritz, donde había residido por más de treinta años.[145]​ Sus últimas palabras (según la leyenda) fueron: «Bueno, así es como uno se muere».[146]​ Una muerte solitaria después de una vida solitaria marcó el final de la vida del mito. Su funeral se llevó a cabo en la Iglesia de la Madeleine y sus modelos ocuparon la primera fila en la ceremonia. Su ataúd fue cubierto con flores blancas (camelias, gardenias, orquídeas, azaleas) y algunas rosas rojas. Sus restos fueron inhumados en el Bois-de-Vaux Cementery, en Lausana, Suiza.[147]​

Legado[editar]

Los sombreros negros, las perlas y su boquilla se convirtieron en distintivos de su estilo personal.

En 1915, la revista de moda Harper's Bazaar comentó sobre sus diseños: «La mujer que no tiene al menos un Chanel está irremediablemente fuera de moda... En esta temporada el nombre de Chanel está en los labios de todas las compradoras».[148]​ Su firme determinación y carácter, así como también su buena condición económica, la llevó a imponerse a la moda opulenta y rígida de principios del siglo XX y bajo su influencia, quedaron fuera de moda los aigrettes, el cabello largo, las faldas hobble, los corsés[149]​ e instauró otro estilo más simple e innovador para las mujeres durante la Primera Guerra Mundial.[3]​ Creadora del traje sastre femenino, la diseñadora francesa desarrolló una elegancia sencilla a lo largo de su carrera e introdujo las prendas en blanco y negro, los cinturones de cadena, las camisas de cuello y puños blancos, y las joyas de fantasía.[3]​ En los años de 1920, fue considerada la personificación de la «nueva mujer» independiente, sociable, recreativa e individualista. Dirigió su atención al público joven y rápidamente se convirtió en un ícono del estilo flapper.[150]​

Diseñadores como Paul Poiret y Mariano Fortuny introdujeron referencias étnicas en sus creaciones de alta costura, durante la década de 1900 y 1910.[151]​ Chanel continuó con esta tendencia con diseños eslavos durante los años de 1920. Las puntillas y bordados de sus vestidos en estas épocas fueron elaborados exclusivamente por Kitmir, una casa de bordados fundada por la aristócrata rusa exiliada, la gran duquesa María Pávlovna, hermana de Demetrio Románov.[152]​[153]​ La fusión de costura oriental con motivos folclóricos estilizados llevada a cabo por Kitmir se puso de relieve en sus primeras colecciones.[153]​ Un vestido suyo de noche en 1922 era acompañado con un foulard sobre el cuello o la cabeza.[153]​ Además del foulard, sus colecciones presentaron los escotes cuadrados y los abrigos largos con cinturón en alusión a los mujik rusos (campesinos).[154]​ Todos los modelos eran bordados con cristales brillantes e incrustaciones de azabache.[155]​

Para la producción del traje Chanel, introdujo la utilización del tejido de punto, un material de punto de lana, algodón o elementos sintéticos producido por la empresa Rodier,[156]​ que originalmente producía esta tela para la confección exclusiva de ropa interior.[44]​ Su traje de jersey de lana, conformado por una chaqueta de cárdigan, una falda plisada y combinado con zapatos de tacón bajo, se convirtió en el preferido de la moda femenina costosa.[157]​

La camelia que introdujo como elemento decorativo en sus trajes estaba íntimamente relacionada con la obra literaria de Alexandre Dumas, La dama de las camelias, cuya historia había impresionado a la diseñadora desde su juventud. La flor en sí se había convertido en un símbolo de identificación para la cortesana que anunciaba su disponibilidad.[158]​ Su primera aparición en un diseño suyo fue en un traje negro con adornos blancos en 1933.[37]​

«No pierdas el tiempo golpeando la pared, con la esperanza de transformarla en una puerta»

—Coco Chanel[159]​

El término de «pequeño vestido negro» es catalogado a menudo como una contribución de Chanel al léxico de la moda y como una prenda de ropa que se ha utilizado hasta la actualidad.[160]​[161]​[162]​ Su primera confección fue hecha en seda fina, crepé y con mangas largas.[163]​ En 1926, Vogue destacó su diseño y sus editores predijeron que se convertiría en «una suerte de uniforme para todas las mujeres con gusto»[164]​ al incorporar una estética estandarizada que la revista comparó con el automóvil Ford negro de forma obicua. Esta mirada recibió críticas generalizadas por parte de periodistas masculinos que comentaron en forma de queja: «No más busto, no más estómago, no más cadera... La moda femenina de este momento del siglo XX será bautizada "cortar todo"».[165]​

En 1933, el diseñador Paul Iribe colaboró con Chanel en la creación de piezas de joyería extravagantes comisionadas por la Guild of Diamond Merchants. La colección realizada exclusivamente en diamante y platino fue exhibida públicamente y atrajo una gran audiencia, de aproximadamente 3000 concurrentes en el período de un mes.[37]​ Obsesionada con las joyas costosas,[37]​ la diseñadora convirtió la poco envidiada bijouterie de fantasía en codiciados accesorios y se asoció con el duque Fulco di Verdura para lanzar una línea de joyería. El brazalete blanco esmaltado con una cruz de Malta y piedras era su favorito y se transformó en una pieza representativa icónica del dúo Verdura-Chanel.[37]​

El modelo original del bolso Chanel fue hecho de jersey o cuero con un diseño exterior acolchado cosido a mano influenciado por las chaquetas que utilizaban los jinetes. La cadena que llevaba estaba inspirada en sus años de orfanato, donde los cuidadores de la abadía utilizaban cadenas en la cintura para guardar las llaves. El uniforme rojo del convento se ve reflejado en el interior del bolso.

Durante su prolongado tiempo de ocio en su juventud, solía tomar sol largos ratos y de esa manera convirtió no solo a los bronceados en aceptables sino también en un símbolo que denotaba una vida de privilegio y esparcimiento.[166]​ Históricamente la exposición al sol había estado relacionada con los trabajadores desafortunados condenados a una jornada de trabajo incesante a la intemperie mientras que la piel sumamente blanca era una muestra segura de la aristocracia.[166]​ A mediados de la década de 1920, por influencia de Chanel, las mujeres eran vistas en la playa sin sombrero para protegerse de los rayos del sol.[167]​ Además, fue una de las promotoras del uso del cabello corto como un signo de liberación femenina y un nuevo estilo de vida.[168]​ La frase «Una mujer que se corta el pelo está por cambiar su vida» es atribuida a Chanel.[169]​

Personalidad[editar]

Coco Chanel fue una mujer ambiciosa, hiperactiva, inteligente, con intuición empresarial, considerada una persona con mal genio, exigente y perfeccionista en su oficio. Muchos la consideraron una visionaria y una líder nata, en cambio, otros creían que tenía tendencia a ser calculadora y oportunista, razones que la llevaron a sociabilizar con contactos de la alta sociedad con el fin de lograr ventajas para su negocio; por otra parte, se le criticó por no tomar ninguna postura firme en épocas de inestabilidad política, y que supo moverse dentro de los cambios institucionales para que su negocio no desapareciera. Vaughan la definió como una «oportunista consumada... no creía en nada excepto en la moda.[170]​ Ella creía en las ropas bonitas, en su negocio, y no le importaban ni Hitler ni las políticas del nazismo».[4]​ Por otra parte, Justine Picardie manifestó que «era tan contradictoria. Por un lado, hizo comentarios antisemitas. Sin embargo, uno de sus mejores clientes era judío, como los Rothschilds, y de hecho su socio en el negocio era judío, y lo continuó siendo después de la guerra».[4]​ Actualmente, se ha constatado que esta actitud era frecuente en la clase empresarial de la época, e incluso en empresarios estadounidenses quienes se enriquecieron durante la Segunda Guerra Mundial; sin embargo, se conocen los múltiples enemigos de Chanel y la antipatía que despertaba entre los empresarios (hombres) de la época (aunque al mismo tiempo, vigilaban y copiaban sus movimientos), así como de los sectores conservadores, ya que abogaba por una moda que pudiera ser consumida por las mujeres con su propio dinero, y liberó el cuerpo femenino del tradicional corsé, además de convertirse en una referencia histórica a nivel mundial para las nuevas generaciones. Hasta su aparición, era impensable que una mujer fuera el referente mundial en el diseño de moda femenina ya que era una actividad, paradójicamente, considerada masculina, tendencia que al día de hoy puede continuar apreciándose en el mundo de la moda.

Poco se conoce de sus relaciones en el ámbito privado ya que mantenía relaciones discretas. A día de hoy, se sabe que la mayoría de informaciones al respecto son falsas, algunas incluso la vincularon con hombres estando ambos en espacio/tiempo distintos.

Principalmente las características de líder que demostró Chanel más acentuadas  fueron las siguientes:

Fue un modelo a imitar. Muchas son las mujeres que posteriormente siguieron con su actitud feminista imponiéndose al mundo de los hombres y tirando barreras sexistas de la época; además, a día de hoy, Coco Chanel, es una de las diseñadoras más imitadas debido a su gran estilo y sobriedad en su moda y otros diseñadores de la talla de Karl Lagerfeld siguen acudiendo a sus diseños, en los que se inspiran habitualmente.

Se convirtió en una mujer avanzada para su época, se conoció a sí misma y conocía sus capacidades y debilidades. Por ello potenció sus puntos fuertes y no se dejó vencer ante la adversidad.

Siempre estuvo abierta a aprender y desarrollarse, por lo que toda su vida fue aprendiz. Aprendió continuamente a lo largo de toda su vida.

Disposición a los cambios. Su vida fue un continuo ir y venir  de situaciones problemáticas. Desde el principio de su vida las cosas no le fueron fáciles y tuvo que aprender a lidiar en el periodo de entreguerras con situaciones económicas boyantes con situaciones desastrosas como fueron el crack del 29. Trabajó inmersa en el cambio en vez de resistirse a él. Quizás el cambio será la única constante en el futuro y el líder debe aceptar como un reto el trabajar en continuo avance y aprendizaje.

Tuvo una visión clara de todo aquello que quería conseguir y hasta dónde podía llegar, siendo consciente de sus limitaciones e impedimentos. Utilizó su imaginación, estilo propio y la inspiración para crear un gran imperio que a día de hoy es una de las compañías modistas con mayor facturación y prestigio del mundo.

Fue una gran comunicadora, siendo capaz de expresar sus necesidades para la creación de la firma Chanel.

Siempre pensó positivamente, siendo capaz de aprovechar todas las posibilidades que le brindaba la vida y de afrontar los retos que le sucedieron en la vida. Nunca dejó de ser entusiasta y la frase “Cuando salió del internado se prometió dos cosas: que nunca dependería de un hombre y que se haría rica.”, lo demuestra. Siempre mantuvo la compostura ante situaciones difíciles y confió en lograr sus objetivos propuestos.

En la cultura popular[editar]

Adaptaciones en cine y TV[editar]

La primera película sobre la diseñadora fue Chanel solitaria (1981), dirigida por George Kaczender y protagonizada por Marie-France Pisier, Timothy Dalton y Rutger Hauer.[171]​

La película para televisión norteamericana Coco Chanel salió al aire el 13 de septiembre de 2008 por Lifetime Television, protagonizada por Shirley MacLaine en el rol de Chanel a los 70 años. Dirigida por Christian Duguay, la película también estuvo protagonizada por Barbora Bobulova como la joven Chanel, Olivier Sitruk como Boy Capel, y Malcolm McDowell.[172]​ El filme retrató sustancialmente sus primeros años en el convento, sus romances con Balsan y Capel, sus primeros años de carrera profesional y su polémico regreso a la moda en 1954. Sin embargo, pasó por alto su colaboración en las operaciones militares nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Audrey Tautou, imagen de Chanel SA desde 2008,[173]​ interpretó a la joven Coco en una película titulada Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel), que fue lanzada el 22 de abril de 2009.[174]​

La película Coco Chanel & Igor Stravinsky, dirigida por Jan Kounen y protagonizada por Anna Mouglalis y Mads Mikkelsen, se refiere al supuesto romance entre Chanel y el compositor Ígor Stravinsky. La película está basada en la novela de 2002, Coco & Ígor de Chris Greenhalgh, y fue elegida para cerrar el Festival de Cine de Cannes de 2009.[175]​

En 2013, el director Karl Lagerfeld convocó a Geraldine Chaplin para interpretar a la diseñadora en un cortometraje de treinta minutos titulado El retorno, basado en el regreso de Chanel al mundo de la moda en los años de 1950. El breve filme, en el que intervinieron también Rupert Everett, Anna Mouglalis, Amanda Harlech y Kati Nescher, fue presentado en el Dallas Fair Park con motivo del desfile de la colección «Métiers d'Art».[176]​

Representaciones literarias[editar]

Coco & Ígor es una novela escrita por Chris Greenhalgh, que narra el romance entre Chanel e Ígor Stravinsky y los logros creativos que surgieron de su aventura romántica. La novela fue publicada por primera vez en 2003.[177]​

En 2007, se publicó un libro para niños titulado Diferente como Coco, que relata la humilde infancia de Chanel y la crónica de cómo logró cambios bruscos en la industria de la moda.[178]​

El Evangelio según Coco Chanel: lecciones de vida de la mujer más elegante del mundo es una novela escrita por Karen Karbo y publicada en 2009, que narra los comienzos humildes y logros legendarios de Chanel.[179]​

Obras teatrales[editar]

El musical de Broadway Coco, con música de André Previn, guion y letras de Alan Jay Lerner, se estrenó el 18 de diciembre de 1969 y finalizó su temporada el 3 de octubre de 1970. Interpretada por Katharine Hepburn durante los primeros ocho meses y por Danielle Darrieux durante el resto de la temporada, recreó el momento en el que Chanel restablece su casa de alta costura entre 1953-1954. Al momento de su presentación, fue el espectáculo más costoso en la historia de Broadway con un presupuesto de 900 000 USD.[180]​

Notas[editar]

1. ↑ El cloché fue el sombrero femenino más popular de la década de 1920, caracterizado por su copa hemisférica, cuerpo cilíndrico, ala mínima y composición de fieltro.«Iridescent feather hat»

Referencias[editar]

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Algunos de nosotros recordamos haber jugado alguna vez con piezas de LEGO. Muchos seguimos comprando y armando estas piezas y no podés negar que a veces el tiempo vuela y nos entretenemos muchísimo con estos juguetes. Y es que los LEGOs son más que un juego; son una herramienta que te puede ayudar a mejorar habilidades motoras y mentales.Los beneficios que podés obtener al jugar con estos bloques son muchos, inclusive, se han convertido en un recurso necesario en las aulas de estimulación temprana y educación preescolar. Pero, aunque por mucho tiempo se han considerado aptos para niños, los jóvenes y adultos también podemos sacarles provecho.Te detallamos una lista de todas las ventajas que podés desarrollar al jugar con LEGOs, según afirman los psicopedagogos:

Conciencia espacial: al jugar con LEGOs también jugás con el espacio, es decir, colocás las piezas de manera que tenés que hacer una muy buena distribución del espacio y de las formas para lograr la figura que querés construir. Esto te ayudará a tener mejor conciencia del espacio y de los tamaños.

Conocimientos matemáticos: aunque claramente no realizás complejas operaciones matemáticas para armar una figura, sí ponés en práctica esta habilidad con los bloques de LEGO, ya que en ocasiones debés fraccionar una pieza armada para construir otra. También podés necesitar contar la cantidad de piezas para que tu creación tenga un tamaño equitativo. Es decir, desarrollás también la noción de simetría y distribuciones.

Habilidades de razonamiento: también podés mejorar tu capacidad para resolver problemas, ya que si a mitad del camino notás que lo que construís no está quedando justamente como lo esperabas, te verás en la necesidad de encontrar la forma de solucionar la situación. Esto también te enseñará a ser un mejor planificador, porque si ya tenés pensado lo que querés armar, tendrás que planificar primero los pasos a seguir para alcanzar la estructura que imaginaste y así evitar que tengás que devolverte o desarmar lo que llevás para resolver algún detalle no contemplado.

Aumento de la concentración: aunque sea solo un juego, hay muchos amantes de los LEGOs que se concentran profundamente cuando desean armar alguna estructura. De hecho, existen sets para adultos que, obviamente, son mucho más complejos que los diseñados para niños, y realmente exigen mucha concentración para lograr armarlos. Así que si sos un poco distraído, estas pequeñas piezas son una buena opción para ejercitar tu concentración y desarrollar otras habilidades a la vez.

Seguridad ante los retos: al proponerte construir una figura compleja con LEGOs, te estás poniendo un reto a vos mismo, y esto te puede ayudar inclusive en tu seguridad personal y a confiar más en tus habilidades. Si reconocés que sos capaz de ponerte un objetivo y cumplirlo, te será más fácil entender y asimilar los retos que la vida te pueda presentar.

Creatividad: la posibilidad de todo lo que podés armar con LEGOs es infinita, desde formas de objetos como autos, edificios, animales, hasta figuras que vos mismo inventés. Tenés la oportunidad de hacer todo tipo de figuras, inclusive, según la revista Forbes, se está estudiando la posibilidad de crear prótesis de niños amputados con piezas de LEGO, por lo que se estará haciendo la prueba con algunos niños para estudiar si se familiarizan con esta opción.

Beneficio emocional: también se ha comprobado que jugar con colores y formas puede ayudarte a liberar emociones negativas, y a la vez te permite recobrar energías positivas, relajar tu mente y mantener la calma en un momento de estrés.

Los LEGOs se han convertido en un juego tradicional a lo largo de la historia y cada vez se descubren más aportes y beneficios que pueden traer a quienes los utilizan.Si buscás incrementar tus habilidades mentales y manuales de seguro que son una excelente opción que además te puede divertir. También podés compartir con tus amigos o familia, y así mejorar tus relaciones personales.Te retamos a explorar tu imaginación, conseguirte unos cuantos LEGOs y aprovechar al máximo la oportunidad de explotar todas esas áreas que te mencionamos. No olvidés que la educación no es solamente conocimientos e información, sino también ejercitar tu mente y destrezas, ya que vas a necesitar las herramientas mentales que te permitan trabajar con esa información, y qué mejor idea que hacerlo con LEGOs.

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7 beneficios de jugar y aprender con piezas de Lego

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Algunos de nosotros recordamos haber jugado alguna vez con piezas de LEGO. Muchos seguimos comprando y armando estas piezas y no podés negar que a veces el tiempo vuela y nos entretenemos muchísimo con estos juguetes.

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Evolución

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Una empresa fabricante de juguetes de origen escandinavo, con 75 años de historia, presidida actualmente por un nieto del fundador, a cuyo directorio acaba de ser incorporado también un bisnieto y cuyos productos se venden en más de 130 países no es cualquier empresa.

Si a eso se le agrega que es el juguete que identifica por excelencia la infancia de muchísimos adultos que hoy dirigen infinidad de compañías en todo el planeta, que es una marca para la que casi todos los creativos sueñan con trabajar, que su nombre es un abonado habitual a las listas de premios de varios de los festivales internacionales de publicidad más importantes, que es el sexto fabricante de juguetes más grande del mundo y que es la empresa que en los últimos tres años -y gracias a un cambio de timón en sus estrategias de distribución- prácticamente resurgió de sus cenizas, ya se alcanza la certeza absoluta de que se está en presencia de un caso único.

No, no es cualquier empresa. Ni cualquier marca.
Tres cuartos de siglo
De acuerdo con la declaración de principios de la empresa (explicitada en www.lego.com), lo que mueve al Grupo Lego es inspirar a los niños a explorar y desafiar su propio potencial creativo. Eso fue lo que llevó, 75 años atrás, al viejo Ole Kirk a bautizar su recién nacida empresa de juguetes de madera con esas dos sílabas que hoy, para prácticamente cualquier niño del planeta, resultan casi mágicas.

Antes de concebir la expresión lego se había dedicado a fabricar escaleras, pizarrones, herramientas y juguetes de madera. Cuando en 1934 la empresa adoptó su nombre actual, ya tenía siete empleados que trabajaban inspirados en la máxima que el fundador había escrito en las paredes del taller: "Sólo lo mejor es suficientemente bueno".

El verdadero despegue de la empresa llegó cuando, en 1940, el hijo del fundador, Godfred Kirk Christiansen, se hizo cargo con 20 años de edad de la gerencia general. En cuatro años, y pese a haber tenido que sobreponerse a un incendio que destruyó la fábrica por completo, Lego pasó de diez a cuarenta empleados, y sus dueños empezaron a pensar en dejar de depender únicamente de la madera para sus producciones. La iniciativa se concretó en 1947, cuando la empresa invirtió una décima parte de sus ganancias anuales en comprar una máquina para inyectar plástico en moldes y poder empezar, de ese modo, a producir juguetes de plástico (fue la primera empresa danesa en hacerlo). Cuatro años más tarde, los juguetes de plástico se vendían en 200 modelos distintos y ya generaban la mitad de la facturación de la compañía.
El método
La apuesta de Lego por un futuro ligado a los juguetes para armar mostró su primera evidencia en 1953, cuando comenzaron a producirse los Lego Bricks, con la marca impresa en cada ladrillo. Y cobraron vuelo cuando, en un ferry que lo transportaba a Inglaterra, Godfrey Kirk Christiansen se puso a conversar con un comerciante inglés. El tema de la charla derivó rápidamente hacia los juguetes y el inglés le comentó a GKC que, a su juicio, a todos los juguetes les faltaba idea y método: para él, lo que hacía falta era un sistema de juego. De vuelta en Billund, el titular de Lego puso a toda su gente a trabajar y, un año más tarde, lanzó al mercado el Lego System of Play.

Sin embargo, pese a que el producto ya había logrado cruzar las fronteras danesas y empezar a venderse en Suecia, cuando Godfrey Kirk viajó a una feria del juguete en Nuremberg (Alemania) e hizo una demostración, las reacciones fueron claramente negativas.

El bloque Lego había nacido.
La expansión
Sobre la base del bloque Lego, el futuro imperio comenzó a expandirse por el mundo. En 1959 la empresa se instaló oficialmente en Francia, Inglaterra, Bélgica y Suecia, creó el departamento de investigaciones de mercado y lanzó Futura, una división de desarrollo de nuevos productos compuesta por cinco personas.

En 1960, luego de un segundo incendio en la fábrica, la producción de juguetes de madera se abandonó por completo. Con 450 empleados en su sede oficial de Billund y nuevas filiales en Finlandia y Holanda, Lego comenzó a prepararse para el gran paso: el desembarco en Estados Unidos.

Dos años después, con la empresa ya instalada en Italia, Australia, Austria y Suiza y con sus productos vendiéndose en Singapur, Hong Kong, Marruecos y Japón, Godfrey Kirk Christiansen presentó a la empresa las que, para él, debían ser siempre las diez características del producto: 1) Potencial de juego ilimitado. 2) Para varones y mujeres. 3) Divertido para cualquier edad. 4) Útil para todo el año. 5) Promueve un juego sano y tranquilo. 6) Entretenido durante largas horas. 7) Desarrollo, imaginación, creatividad. 8) La cantidad de productos enriquece el valor del conjunto. 9) Constante disponibilidad de sets extra. 10) Calidad en todos los detalles.
El imperio
Para 1966, Lego ya se vendía en 42 países (incluido España, desde el año anterior), tenía más de 600 empleados en su planta principal y una producción anual total de 706 millones de piezas.

Para fin de esa década, cuando nació la marca Duplo (de bloques más grandes, pensados para los más chiquitos) y se instaló en Billund el primer Legoland, la empresa vendía globalmente entre 18 y 19 millones de cajas cada doce meses.

Cuando en 1973 se abrió oficialmente Lego Estados Unidos (el acuerdo con Samsonite había terminado el año anterior), la empresa aprovechó la ocasión para unificar todos sus productos bajo un mismo logotipo, que es el mismo que se mantiene hasta hoy.

Para mediados de los años '70, ya Legoland había superado los cinco millones de visitantes, la empresa había abierto un hotel propio en Billund, el inglés se había transformado en el idioma oficial de la corporación y la cantidad de empleados ya rozaba los 2.500.

En ese contexto, resultó perfectamente comprensible que la tercera generación apareciera en escena: en 1977, Kjeld Kirk Christiansen se sumó al directorio, treinta y siete años después que su padre y treinta años antes que su propio hijo.

Tres años después, cuando Kjeld KC acababa de ser nombrado presidente y la empresa estrenaba el Departamento de Productos Educativos, una encuesta reveló que en el 70 por ciento de los hogares de Europa occidental con niños menores de 14 años había bloques Lego.
Lego latina
Ya bien avanzada la década del 80 y pese a que llevaba casi dos décadas vendiéndose en España, la marca danesa sólo era conocida en América Latina gracias a los afortunados niños cuyos padres les habían comprado alguna caja en un viaje fuera de la región. Esa situación, finalmente, cambió con la apertura de las puertas de Lego Brasil, en 1984.

Un año más tarde, aprovechando -y profundizando al mismo tiempo- su fama de marca preocupada por el desarrollo de la niñez, la empresa lanzó los Premios Lego, galardones de orden internacional destinados a distinguir esfuerzos excepcionales en beneficio de la infancia. Al mismo tiempo, Lego -que por entonces ya daba trabajo a más de cinco mil personas, tres mil de ellas en Billund- comenzó a colaborar con el profesor Seymour Papert y el Massachusetts Institute of Technology (MIT), de Estados Unidos.

En 1990, la empresa entró al exclusivo grupo de los diez fabricantes de juguetes más grandes del mundo (todos estadounidenses y japoneses excepto Lego) y Godfred KC, hijo del fundador, alcanzó los 70 años de edad.

La diversificación a la que la empresa ya tenía acostumbrados a sus seguidores se profundizó en 1993 con el lanzamiento de Lego Kid's Wear, la línea de ropa para chicos.

Finalmente, la década latina que había comenzado en 1984 en Brasil se completó, diez años más tarde, con la apertura de Lego México.
El reemplazo
Un año antes de morir y de dejar la empresa definitivamente en manos de la tercera generación, don Godfred Kirk Christiansen, aquel que a los 20 años había heredado una pequeña fábrica de juguetes de madera y que pasados los 70 ya era el mito viviente de una empresa global de casi 9.000 empleados, alcanzó a ser testigo de la consagración final de Lego como la marca que, en su doble condición de juguete expandido horizontalmente por cientos de países y entretenimiento favorito de padres e hijos durante varias generaciones, mejor sintetizaba el espíritu democrático profundo que ciertos organismos internacionales sueñan con contagiar a cada habitante del planeta Tierra: en 1994, el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR, o UNHCR por sus siglas en inglés) lanzó una campaña mundial compuesta por cuatro posters ilustrados con muñequitos Lego, que servían en ese caso para dejar evidencia visual de que todos los seres humanos son iguales.

Dos años después, mientras el Grupo incursionaba con cautela en el nuevo lenguaje de Internet y estrenaba el sitio www.lego.com, Legoland Billund llegaba a los 25 millones de visitantes desde su apertura en1968 y abría sus puertas un nuevo parque temático, el primero fuera de Dinamarca: Legoland Windsor, en Inglaterra.
La era moderna
Con el lanzamiento del slogan Just imagine..., que acompañó a Lego entre 1998 y 2002, comenzó lo que podría considerarse la historia actual de la compañía. Ese mismo año, además, el logotipo lanzado en 1973 fue remozado, sin ser modificado en su esencia.

Un año más tarde, mientras en Estados Unidos abría el tercer parque temático de la empresa (Legoland California), la revista Fortune incluyó al bloque Lego entre los Productos del Siglo, prolegómeno del nombramiento, más trascendente aun, que la marca danesa recibiría en el año 2000, cuando la influyente Asociación Británica de Vendedores de Juguetes lo distinguió como Juguete del Siglo.

Con el siglo XXI llegó la explosión de los co-brandings entre la marca danesa y diferentes personajes de gran popularidad entre los chicos de todo el mundo. Así, a la ya veterana línea Lego Star Wars lanzada en 1999, se sumaron Lego Harry Potter y Lego Bob el Constructor en 2001, Little Robots, Knights' Kingdom y Lego SpiderMan en 2003, Lego Exoforce en 2005, Lego Batman en 2006 y Lego Bob Esponja en 2007.

Sin embargo, pese a que en 2003 el Grupo se jactaba públicamente de haberse convertido en el primer fabricante de juguetes cuyos productos llegaban al planeta Marte (las minifiguras Biff Starling y Sandy Moondust, a bordo de las naves estadounidenses Spirit y Opportunity) y de poseer una página web visitada por cuatro millones de personas al mes, la Era Moderna de Lego también quedó definida ese año por una catástrofe financiera que provocó el retorno activo de Kjeld Kirk Christiansen al mando de la compañía: el 8 de enero de 2004 se anunció oficialmente que el año fiscal 2003 había cerrado con la mayor pérdida en la historia de la empresa, del orden de los 267 millones de dólares.

Comenzaba de ese modo el momento más duro en la historia de Lego. Hoy, a cuatro años vista, la empresa vuelve a mirar al futuro con ojos esperanzados. Pero el proceso de reconversión fue y sigue siendo tan interesante que vale la pena detenerse por un momento en él.

En síntesis podría decirse que, cuando el año 2007 está por llegar a su fin, Lego tiene tres centros de diseño y desarrollo de producto, cuatro centros de producción, un Hotel Legoland (en Billund, Dinamarca) y cuatro Legoland Parks (en Dinamarca, Inglaterra, Estados Unidos y Alemania); que cada año los niños del mundo dedican, en conjunto, cinco mil millones de horas a jugar con productos de la empresa; y que luego de mucho tiempo de diversificación y lanzamiento de líneas nuevas de negocio, la compañía ha vuelto a entender que debe hacer foco en lo que da sentido a todos sus emprendimientos desde 1958: el bloque Lego.
El fondo del abismo
La historia de la reconstrucción de la empresa -y, por consiguiente, del salvataje justo a tiempo de la imagen de la marca- fue narrada brillantemente, unos meses atrás, por los periodistas Keith Oliver, Edouard Samakh y Peter Heckmann en un informe especial publicado en la revista estadounidense Strategy+Business, titulado Rebuilding Lego, Brick by Brick ( Reconstruyendo Lego, ladrillo a ladrillo, o bloque a bloque).

En esa nota, subtitulada Cómo una transformación en la cadena de distribución ayudó a reposicionar al amado fabricante de juguetes, los periodistas norteamericanos comenzaban afirmando que, en la superficie, el Grupo Lego no parecía estar en problemas. Al menos no en el año 2004, mientras era nada menos que el cuarto fabricante de juguetes más grande del mundo y facturaba mundialmente 1.350 millones de dólares al año, gracias a las ventas de productos que abarcaban un espectro tan amplio como los famosos bloques para armar en un extremo y, en el otro, los Lego Mindstorms, una línea de robots 'DIY' (por do it yourself, o hágalo usted mismo) que incluyen la posibilidad, incluso, de programarlos. Aun en la era digital, explican Oliver, Samakh y Heckmann, los productos de Lego mantuvieron un atractivo sorprendentemente fuerte para las nuevas generaciones y parecen haberse adaptado muy bien a los cambios en los gustos y hábitos de consumo.

Pero la performance financiera de la marca contaba otra historia. De los siete años que hubo de 1998 a 2004, el Grupo Lego había perdido dinero en cuatro. Las ventas habían caído 30 por ciento en 2003 y un 10 por ciento más en 2004, año en que los ejecutivos del grupo estimaron que la compañía estaba destrozando, por día, 337.000 dólares en acciones.
El quid
Las hipótesis sobre el porqué de las pérdidas, por supuesto, eran más de una. Ciertos observadores especulaban con que el Grupo Lego se había sobrediversificado, con lanzamientos como la indumentaria infantil y los parques temáticos, que tenían poco que ver con el corazón de su negocio. Otros culpaban de la catástrofe a la explosión de los videojuegos o a la presión de los fabricantes de bajo costo de China.

Los autores del informe, sin embargo, sólo les reconocían a estas teorías una dosis limitada de verdad: para ellos -y para Lego mismo también, como se verá más adelante-, la clave estaba en la cadena de distribución, que tenía como mínimo diez años de atraso. En algunos mercados clave, la atención al cliente era pobre y la disponibilidad de productos, pésima.

El problema, cuentan que razonaron los líderes de Lego, no era otra cosa que una oportunidad imperdible: mejorar la distribución no sólo les daría tiempo para encarar los otros desafíos, sino que incluso pondría en movimiento un círculo virtuoso de mejoras que apuntalaría una serie de cambios positivos en el resto de la empresa.

Aparentemente, el principal defecto de la estrategia Lego hasta el momento había sido conservar el hábito de vender sus productos preferentemente a través de pequeñas y medianas cadenas de jugueterías. Se trataba una táctica que durante más de cincuenta años les había sido verdaderamente útil, pero que en los años '90, con el auge de las megatiendas como Wal-Mart y Carrefour, tenía cada vez menos sentido, y los hacía quedar siempre en desventaja frente a monstruos como Mattel y Hasbro, que habían mantenido siempre al día su sistema de distribución y ostentaban, frente al cliente, una presencia mucho más evidente y palpable.

El pronóstico de los especialistas, que con el tiempo demostraría ser absolutamente acertado, llevó a Jorgen Vig Knudstorp, flamante CEO del grupo desde el año 2004 (y primer outsider en 72 años de liderazgo familiar), a declarar apenas asumió su complejo desafío: "Desde mi perspectiva, la cadena de distribución es el sistema circulatorio de una empresa. Uno debe arreglarlo para mantener la sangre en circulación".
La transformación
Como consecuencia del enorme cambio encarado, que modificó de raíz hábitos empresariales de medio siglo, en 2005 el Grupo Lego no sólo pudo hacer frente a un precio del petróleo -materia prima para todo plástico- más alto que nunca en la historia, sino que incluso logró crecer nada menos que 12% y registró las primeras ganancias (72 millones de dólares) desde 2002. La tendencia continuó en 2006, año en que el crecimiento fue de un 11% por sobre el registrado en 2005 y en que las ganancias aumentaron 240%.

Y es más: la cadena de distribución de Lego está actualmente tan al día que, en palabras de Knudstorp, "está situándose poco a poco por delante de la competencia en varios parámetros".

Todo esto llevó a la empresa a anunciar, poco tiempo atrás lo que sus especialistas definieron como La Dirección Futura: "La visión de la compañía se basa en la continuidad del bloque Lego. La verdadera esencia de jugar con él es la diversión de construir, algo que permite a los niños liberar su creatividad y desarrollar cosas nuevas, al mismo tiempo que expandir su imaginación".
¿Y la comunicación?
La misma diversificación que caracterizó a Lego en todas sus líneas ha sido el sello que ha distinguido a la empresa, desde tiempo inmemorial, en sus mil y una estrategias de comunicación.

Después de décadas de venta dura y eficaz pero una clara intrascendencia en lo que hace al riesgo creativo de las ideas producidas, la marca pasó a jugar en Primera, creativamente hablando, en 1980, gracias a una de las agencia hot del momento y en una de las dos ciudades del mundo de la que han salido casi todos los quiebres conceptuales que la publicidad ha experimentado en su historia: Londres (la otra, obviamente, es Nueva York).

La agencia era TBWA, fundada en 1970 en París por el estadounidense Bill Tragos, el francés Claude Bonnange, el suizo Uli Wiesendanger y el italiano Paolo Ajroldi. El spot se llamó Kipper ( Arenque ahumado) y, en su momento, fue distinguido como el spot publicitario más premiado de la historia.

Su argumento era tan sencillo como genial: mientras delante de un clásico hueco de ratón en una pared se iban sucediendo una tras otra diferentes construcciones hechas con Lego, el locutor contaba la historia en primera persona del singular, como narrada por la primera de esas construcciones, un ratón. "Verás, yo estaba parado delante de mi cueva el otro día, cuando de pronto apareció aquel gato. De modo que, rápido como un rayo, me transformé en un perro. Guau, guau. Pero el gato se convirtió en un dragón. Así que yo me transformé en un carro de bomberos. ¿Qué tal? ¡Jo, jo, jo! Y entonces... ¡y entonces él se volvió un submarino! Con lo cual yo me convertí en un arenque ahumado comedor de submarinos. Dije un arenque ahumado, no una pantufla ⁽¹⁾. ¡Ja, ja, ja! Pero él se transformó en un misil anti-arenques ahumados. Entonces yo me convertí en un masticador de misiles... Crunch, crunch, crunch, crunch, crunch... Justo a tiempo de verlo cambiar por un enorme elefante. ¿Y sabes qué hice yo entonces? Volví a mi forma de ratón y le di el susto de su vida... así de simple. ¡Ja, ja, ja!" .

Sobre ese spot, con gran lucidez, Bernice Kanner comenta en su libro The 100 best TV commercials... and why they worked (Times Business, Random House, 1999), que "antes de Kipper, la publicidad de Lego se había dirigido tradicionalmente a la madre, mostrándole las virtudes de la marca en el desarrollo de sus hijos".

La palabra la toma el entonces chairman de la agencia, Uli Wiesendanger: " Kipper dio un paso gigante hacia adelante, porque convirtió a la madre y a su hijo en una misma persona. En este comercial, sin ser vistos, juegan juntos con los Lego. Esta propuesta no tenía mucho que ver con la comunicación histórica de Lego, una empresa familiar que hasta entonces se había manejado con aquel concepto antiguo de dirigirse más a los padres que a los hijos. Los responsables de publicidad se preguntaban: 'Si venimos teniendo tanto éxito, ¿para qué cambiar de estrategia?'. Pero Kipper escapó a sus controles sin que se dieran cuenta, y por eso fue tan distinto a todo lo que habían hecho antes y a todo lo que harían después".

se emitió durante unos pocos meses y luego fue reemplazado por una campaña más convencional. Pero la empresa jamás lo olvidó: entre la competencia de nuevos fabricantes de bloques para armar y la aparición de los juegos electrónicos, periódicamente revive a ese spot como el comercial ícono de la marca.
Post Kipper
Después del comercial inglés, y con algunas pocas excepciones (como algunos trabajos televisivos de DM9 en el Brasil de mediados de la década del 90), la comunicación de Lego tomó dos caminos absolutamente paralelos y contemporáneos, que por el momento no parece -ninguno de ellos- estar en vías de extinción, sino más bien todo lo contrario: mientras la televisión vende, la gráfica y la vía pública permiten el lucimiento creativo.

Antes y después, agencias como las chilenas IDB/FCB, Ogilvy y E=Y&R, la sudafricana FCB, la alemana Jung von Matt, las estadounidenses Blattner Brunner y Lowe, la checa Fabrika y la singapurense Saatchi & Saatchi se dieron el gusto de exprimir el jugo de sus cabezas creativas y concebir trabajos que, en distintos momentos, arrasaron con premios del calibre de un par de Grandes Premios de Cannes y varios leones de oro y generaron en la masa creativa global la sensación de que Lego es el cliente ideal para dejar volar la imaginación... exactamente como ocurría con cada uno de ellos cuando, a los ocho años de edad, se sentaban delante de un montón de bloques Lego desparramados y comenzaban a darle forma, en absoluta libertad, a eso que tenían dibujado en la mente.
Jugar bien... y planificar mejor
La enumeración anterior, además de dejar en claro el amplísimo espectro de proveedores publicitarios con que Lego cuenta en el mundo, permite entrever que, quizás, lo que la empresa haya pergeñado como estrategia haya sido reservar dos disciplinas menores (en cuanto a su impacto efectivo sobre su público objetivo) como la gráfica y la vía pública para mantener en alto el prestigio de la marca como anunciante que asume riesgos creativos, y reservarse para sí el poder inconmovible de los medios audiovisuales y digitales para concretar sin temores sus objetivos de ventas.

Esa sensación se acentúa, incluso, si lo que se analiza es el desdoblamiento que, en los últimos años, ha tenido la comunicación de Lego en la televisión e internet. Por un lado, comerciales de formato y contenido tradicional invitan a los niños a la excitación del misterio, el atractivo de los personajes famosos a los que la marca está ligada y el impacto de los lenguajes visuales ultramodernos. Por otro, cortometrajes de diferente factura técnica y propuesta tan variada como un homenaje al grupo inglés Monty Python, la recreación de algunos episodios de Star Wars o el desarrollo de una historia de animé en breves capítulos hacen pensar que sí, que es cierto, que la gente de marketing de Lego conoce al dedillo los nuevos lenguajes y los distintos medios y de cada uno de ellos extrae todo el jugo posible.

Juego de palabras intraducible: en inglés, arenque ahumado se dice kipper y pantufla, slipper.
Material Dada la enorme cantidad y variedad de material para mirar y escuchar que esta investigación especial ha generado (que puede verse al pie de esta página), resulta indispensable clasificarlo según sus formatos, orígenes y motivos de inclusión:
1) TELEVISIÓN - COMERCIALES:

* Teaser Movie, Trailer Movie, The Joker y Mr Freeze , de Treehouse Animation (Estados Unidos) para el lanzamiento de la Batman Collection, 2006

* Butlerbot, Fishbot, Guardbot, Sockbot, Spybot y Throwbot , de la campaña What my robot can do de Advance (Dinamarca) para Lego Mindstorms, 2006

2) TELEVISIÓN - CORTOMETRAJES

* Episodios 1, 2, 3, 4 y 5 , de Ghost Digital Production House (Dinamarca) para Lego Exoforce, 2005/2007

* The Peril of Dock Ock , de Spite Your Face Productions (Inglaterra) para la Lego SpiderMan Collection de Lego, Sony y Marvel Comics, 2004

* Revenge of the brick (La venganza del bloque) , de Treehouse Animation (Estados Unidos) para la Lego StarWars Collection, 2005

* The Han Solo Affair , de Spite Your Face Productions (Inglaterra) para la Lego StarWars Collection, 2002

* Builders of tomorrow (Constructores del mañana) , de Jung von Matt (Alemania), 2006

* Refugee, September 11 y Tsunami , de Darren Cheung y Black Wu (China), 2006

* Dinosaurio, Tanque, Barco y Avión , de Blattner Brunner (Estados Unidos), 2006

* Obi Wan Kenobi, Cosmo Cool y Johnny Thunder , de Lowe Estados Unidos para Lego en la Feria del Juguete de Nueva York, 2006

* Firestation, Trainstation y Hangar , de Saatchi & Saatchi Singapur, 2006

* Campaña Niños famosos, de DM9 (Brasil), 1995

* Campaña The power of the brick, de Lowe Estados Unidos, 2002

4) VÍA PÚBLICA

5) HOMENAJES A LEGO (en piezas concebidas para otras marcas)

* , de McCann-Erickson Portugal para el Ministério da Saúde de Portugal
* Wrong, Refugee 1, Refugee 2 y Difference , para United Nations High Commissioner for Refugees, Estados Unidos, 1994

6) IMÁGENES GENERALES

* Logo actual (con pequeñas modificaciones, el logotipo actual lleva 34 años en uso), de 1973
Bibliografía
* Información corporativa tomada de www.lego.com.

* Interim result better than expected, gacetilla de prensa de la empresa, 29 de agosto de 2007.

* LEGO Group celebrates 75 year anniversary, gacetilla de prensa de la empresa, 8 de agosto de 2007.

* First Lego League Open European Championship in Bodoe, Norway, gacetilla de prensa de la empresa, 15 de mayo de 2007.

* Sustainability Report 2006, gacetilla de prensa de la empresa, 26 de abril de 2007.

* New members of LEGO Group Board, gacetilla de prensa de la empresa, 24 de abril de 2007.

* 2006 results contribute to securing the future of the LEGO Group, gacetilla de prensa de la empresa, 21 de febrero de 2007.

* The results for 2005 better than expected at the beginning of the year, gacetilla de prensa de la empresa, 15 de febrero de 2006.

* Strategy based on core values, gacetilla de prensa de la empresa, 15 de febrero de 2006.

* New organisation underpins strategy, gacetilla de prensa de la empresa, 15 de febrero de 2006.

* Lego Group adjusts its production in Europe, gacetilla de prensa de la empresa, 31 de agosto de 2005.

* Two new faces on the Board, gacetilla de prensa de la empresa, 26 de abril de 2005.

* Annual Report 2004: A step in the right direction, gacetilla de prensa de la empresa, 6 de abril de 2005.

* Kjeld Kirk appointed Hans Christian Andersen ambassador, gacetilla de prensa de la empresa, 17 de marzo de 2005.

* The LEGO Group is 'Vendor of the Year' at TRU, gacetilla de prensa de la empresa, 1º de marzo de 2005.

* From LEGO Company to LEGO Group, gacetilla de prensa de la empresa, 8 de diciembre de 2004.

* VisionLab translates future based research into strategic input, gacetilla de prensa de la empresa, 17 de agosto de 2004.

* New action plan by LEGO Company will stabilise financial position, gacetilla de prensa de la empresa, 16 de marzo de 2004.

* Loss of DKK 1.4bn in the LEGO Company in 2003, gacetilla de prensa de la empresa, 8 de enero de 2004.

* LEGO Company still holds no. 6 position, gacetilla de prensa de la empresa, 10 de diciembre de 2003.

* LEGO minifigure turns 25, gacetilla de prensa de la empresa, 15 de octubre de 2003.

* LEGO Company scores well in image surveys, gacetilla de prensa de la empresa, 30 de abril de 2003.

* LEGO Company reports profit of DKK 626m, gacetilla de prensa de la empresa, 19 de marzo de 2003.

* Growth on five main LEGO markets, gacetilla de prensa de la empresa, 19 de marzo de 2003.

* LEGO Company makes it easier for consumers, gacetilla de prensa de la empresa, 21 de octubre de 2002.

* LEGO DUPLO brand disappears - but bricks live on, gacetilla de prensa de la empresa, 14 de mayo de 2002.

* LEGO Company improves result, gacetilla de prensa de la empresa, 19 de marzo de 2002.

* LEGO Company announces poor performance in year 2000, gacetilla de prensa de la empresa, 1º de marzo de 2001.

* Children are our role models - a profile of the LEGO Company, 2001, gacetilla de prensa de la empresa, 24 de enero de 2001.

* We achieved our DKK 500 million!, gacetilla de prensa de la empresa, 23 de febrero de 2000.

* Toy of the Century, gacetilla de prensa de la empresa, 2 de febrero de 2000.

* Libro The 100 best TV commercials... and why they worked (Los mejores 100 comerciales de TV... y por qué funcionaron), de Bernice Kanner, Times Business/Random House, 1999, con prólogo de Michael Conrad.

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EL branding de Lego, el juguete del siglo XX | Adlatina

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Con 75 años de vida, la empresa que en 1958 patentó los bloques para armar experimentó, con el cambio de siglo, el momento más difícil de su historia. Tuvo que reinventarse, y lo logró con creces. Superado ese trance, el misterio más importante que ofrece hoy la marca es justamente el de su comunicación.

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1. LEg GOdt : jugar bien

La contracción de las dos palabras danesas "LEg GOdt" (que significa: "jugar bien") dió origen a una de las marcas jugueteras más famosas e influyentes del mundo: LEGO.

Conocida por sus famosos ladrillos de plástico, la empresa -fundada en 1932 por el carpintero Ole Kirk Christiansen en Billund (Dinamarca)- ha sabido adaptarse al paso del tiempo para seguir ofreciendo juguetes de construcción que entusiasman tanto a pequeños como a adultos.

El objetivo final de LEGO es estimular el desarrollo de la creatividad e interés de los niños de explorar por medio del juego y el aprendizaje. Consiguiendo de este modo experiencias de juego divertidas, creativas, atractivas y estimulantes. Los niños pequeños tienen curiosidad, creatividad e imaginación. Sienten un impulso curioso natural que les empuja a aprender. LEGO trata de estimular el niño que todos llevamos dentro.

Jugar con LEGO favorece la autoestima de los niños porque les hace poner a prueba su potencial creativo y sentirse especialmente orgullosos por las construcciones que consiguen levantar.

A través del proceso lúdico con juguetes LEGO, el niño desarrolla de manera natural e informal un conjunto de capacidades importantes: capacidad de resolver problemas de manera creativa y estructurada, aumenta su habilidad para explorar e imaginar, favorece las relaciones con otras personas y mejora la motricidad fina.

LEGO con su famoso "ladrillo" como icono facilita actualmente juguetes y material educativo para niños en más de 132 países.

El ladrillo LEGO que conocemos hoy día fue comercializado por primera vez en 1958. El principio de interconexión de las piezas constituye un juguete único que permite un número ilimitado de posibilidades de construcción. Básicamente, jugar con los ladrillos LEGO consite en poner en funcionamiento la imaginación y estimular la aparición de ideas a través del juego.

2. La clave del éxito de LEGO

El diseño de las piezas de LEGO es sencillo y la numerosa gama de ladrillos en el sistema de juego LEGO parece no necesitar explicación. Dado que son juegos para niños, son fabricados de tal forma que precisen unas instrucciones mínimas o incluso ninguna.

Para alcanzar tal sencillez, sin embargo, es preciso una considerable cantidad de ingeniería y fabricación de precisión para cada ladrillito del universo LEGO. Una de las características fundamentales de las piezas LEGO a través de su larga historia ha sido que cada una de ellas es parte de un sistema.

Cada nueva línea y juego que es lanzado al mercado es completamente compatible con el resto de juegos LEGO. Los ladrillos LEGO, sin tomar en cuenta su tamaño, forma o finalidad, encajan con todas los demás de alguna manera. Los sistemas de engranajes y motorcitos introducidos en los juegos LEGO Technic avanzados, destinados para adolescentes, pueden ser unidos a los ladrillos LEGO DUPLO diseñados para niños de 3 años de edad sin dificultad alguna.

Estas características ha permitido que los juegos LEGO se vayan complicando y se adapten a medida que los niños crecen. Así mismo, las infinitas posibilidades de los juegos LEGO mantienen a miles de adultos fascinados también con el sistema.

3. Historia de LEGO

Corría el año 1924 cuando un joven carpintero llamado Ole Kirk Chistiansen quedaba petrificado y horrorizado al ver como su carpintería, de seis años de antigüedad, quedaba reducida a escombros y cenizas por el fuego.

Actualmente, se mantiene intacta la casa con taller de Ole Kirk Chistiansen como homenaje al creador de Lego.

Ole Kirk nació el 8 de abril de 1891, era el décimo hijo de un granjero de Jutland (Dinamarca). Con tan sólo seis años comenzó a trabajar como cuidador de ganado y únicamente solía asistir a la escuela dos días por semana.

Con 14 años abandonó el trabajo de ganadero y empezó a trabajar como aprendiz de carpintero en el taller de uno de sus hermanos. Esto le serviría para aprender los fundamentos de la carpintería y ebanistería. Además de lograr sacarse un certificado oficial, completó su formación en Alemania y Suiza entre los años 1911 y 1916. En Suiza conoció a Kirstine Sörensen con la que se casó y tuvo 4 hijos: Johannes, Kart Georg, Godtfred y Gerhalrdt.

Tras ahorrar la suficiente cantidad de dinero y con 25 años de edad, Ole volvió con su esposa a Dinamarca, mudándose a una localidad próxima a su pueblo natal (Billund).

Allí compró una carpintería que operaba desde 1895. Del mismo modo que la aldea que lo vio crecer, la zona en la que comenzaron a vivir era muy humilde y con pocas casitas, había unos pocos artesanos que se ganaban la vida de manera sencilla. Ole realizaba sus trabajos de construcción y reparación en la primavera y el verano, mientras que los meses de invierno los dedicaba a fabricar muebles o puertas para abastecerse durante el resto del año.

Ole se granjeó una fama muy buena por su honestidad como artesano de la madera, consiguiendo cada vez trabajos de mayor importancia. No obstante, el trabajo no era el suficiente para poder mantener la familia con estabilidad, llegando a estar la carpintería varias veces al borde de la quiebra.

La difícil situación de Ole y su familia llegó a la mayor de las desgracias posibles cuando un domingo de 1924 dos de sus hijos, Kart y Godtfred, estaban jugando en la tienda e involuntariamente dieron fuego a unas virutillas de madera que había en el suelo. El fuego devoró sin piedad la carpintería alimentándose de la gran cantidad de material inflamable que allí había, quedando la tienda y la casa reducida a escombros en un abrir y cerrar de ojos.

De esta manera, tras duras horas de trabajo y dinero invertidos, Ole vió esfumarse ante su atónita mirada la carpintería que tantos esfuerzos le había costado construir y con la que esperaba mantener a toda su familia.

A pesar de la desgracia sufrida, con mucha fe y trabajo Ole Kirk Chistiansen levantó de nuevo una casa con taller que actualmente se conserva y es propiedad del grupo LEGO.

Sin embargo, aunque volvió a arrancar el negocio de la carpintería, las cosas todavía estaban lejos de ir bien debido a la fuerte depresión económica que a finales de los años 20 asoló por completo el sector de la agricultura danesa. Ole tenía cada vez menos trabajos hasta el punto que su último pedido oficial lo terminó en diciembre de 1931.

Con apenas ninguna nueva obra entra manos para conseguir ingresos, Ole transformó su negocio y empezó a fabricar pequeños utensilios útiles y sobretodo baratos para los agricultores de la época, como caballetes, tablas de planchar, sillas e incluso juguetes.

La realidad de cómo y porqué Olé comenzó a crear juguetes no se sabe a ciencia cierta aún a día de hoy, pero varias fuentes indican que empezó a desarrollar modelos de madera a escala de sus productos para enseñarlos a sus clientes y que estos estaban interesados en estas pequeñas miniaturas para regalarlas a sus hijos como juguetes.

En el año 1932 un mayorista danés interesado por la calidad de sus juguetes le encomendó una importante partida de juguetes, pero a la hora de la verdad, Ole no pudo entregarle toda la partida de juguetes al cliente danés porque éste había quebrado. Con el almacén lleno de juguetes, Ole y su familia optaron por venderlos ellos mismos en distintas jugueterías cobrando en numerosas ocasiones por trueque o incluso a cambio de comida.

Y como las desgracias nunca llegan solas, otros dos acontecimientos marcarían de nuevo la vida de Ole y su familia. El primero de ellos fue un incendio natural ocasionado por un rayo que destrozó otra vez la carpintería; el segundo hecho fue la muerte de su mujer Kistine quedando viudo con sus cuatro hijos. Esto obligó a Ole a mandar a sus dos hijos mayores a trabajar en granjas a cambio de que les dieran cama y comida.

Debido a una nueva crisis económica en el sector granjero, Ole se vio en la necesidad de recurrir a sus hermanos y hermanas para que le prestaran dinero. Estos le dejaron el dinero a regañadientes y le reclamaron seriamente que trabajara en algo más provechoso que fabricar juguetes, aunque Ole les dijo que precisamente hacer juguetes era la actividad que llenaba de sentido su vida y que jamás renunciaría a ello.

Y no fue sino la terquedad de Ole la que le permitió salir adelante y devolver en 1939 dicho préstamo familiar con los intereses correspondientes.

Volviendo atrás en el tiempo, corría el año 1934 cuando Ole cambió el nombre de su marca (que hasta el momento era su propio nombre y apellidos) por uno mas comercial, celebrando un concurso entre sus trabajadores para elegir un nuevo nombre. La nueva marca ganadora fue , una palabra de origen latino que se empleaba para nombrar a las legiones romanas, aunque finalmente, Ole se decantó por el nombre Lego, el cual también podría interpretarse como una contracción de las dos palabras danesas " LEg GOdt" (que significa: "jugar bien"). La máxima de Ole Kirk Christiansen siempre fue: "sólo lo mejor es suficientemente bueno". Y hoy día, esta frase simboliza el espíritu que da vida a todo lo que LEGO hace.

La marca LEGO no se comenzaría a usar inmediatamente, sino que se utilizó a partir de 1936.

El año 1934 fue un gran año lleno de alegría para la familia, Ole se casó nuevamente con Sofie Jörgensen y tuvieron una hija un año más tarde llamada Ulla. Dichos acontecimientos fueron bien acogidos por los cuatro hijos del matrimonio anterior que vieron a Sofie como una nueva madre.

Por aquella época, se inventó el yo-yo por un norteamericano y el juguete hacía furor en el mundo entero. Siguiendo la moda, Ole diseño y fabricó su propio yo-yo que vendió fácilmente. A pesar de ello, al tratarse de un juguete de moda, el mercado pronto se saturó de yo-yos y las ventas del producto cayeron en picado, hallándose Ole con los almacenes llenos de yo-yos sin vender. Dicha experiencia hizo que nuestro protagonista reflexionara y llegara a la conclusión de que en un futuro, sus juguetes no debían ser seguir una moda o tendencia pasajera, sino que debían tener una proyección con larga vida comercial.

Cuando las cosas iban bien para Ole y su familia, el destino se volvió a cebar con Lego: en 1942 un nuevo incendio provocado por un cortocircuito desoló de nuevo la empresa (el tercero en toda su historia).

A sus cincuenta y tantos años Ole pensó darse por vencido por esta nueva tragedia, pero la situación en la que quedaban sus empleados le hizo recapacitar y tratar de superar otra vez las dificultades comenzando de cero. A través de unos créditos que pidió a los bancos pudo rehacer la fábrica contando con 2.400 m2 de superficie e instalando también una línea de montaje, y contratando cuarenta trabajadores a principios de 1944. Además, la empresa se legalizó constituyendo una sociedad anónima y todas las acciones fueron repartidas entre la familia.

En el momento en que el plástico empezó a usarse de manera masiva, Ole Kirk se readaptó y realizó los cambios necesarios para comenzar a producir juguetes de plástico. Uno de los primeros juguetes modulares de LEGO fue un camión que podía desarmarse y ensamblarse de nuevo. Pero los bloques de plástico interconectables que llevaron la compañía a la fama aparecieron por primera vez en 1949.

Una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial, Ole apostó por dar un paso hacia adelante en la fabricación de juguetes y compró una máquina inyectora de plástico fabricada en el Reino Unido, siendo casualmente la primera que se instaló en Dinamarca.

Ciertamente, los riesgos que corrió al comprar esta máquina fueron considerables, pues además de ser muy cara, no había recambios, ni asistencia técnica, ni ninguna otra empresa haciendo uso de una máquina parecida en Dinamarca a la que pedir ayuda si fuera necesario.

Estas razones hicieron que su familia se opusiera a la compra de la misma. Pero Ole terminó adquiriendo la maquina inyectora de plástico. Junto a la máquina y a modo de ejemplo, le hicieron llegar varias piezas de un juguete de construcción británico para que pudiera hacerse a la idea del tipo de piezas que podía hacer.

Pronto Ole se percató de las posibilidades del juguete y lo adaptó fabricando unos moldes adecuados para su fabricación. A pesar de que aún tenía que mejorar mucho porque las primeras piezas eran bastante toscas, de esta manera en 1953 nació el conocido juego de construcción Lego que pasaría a llamarse: LEGO Mursten (ladrillos Lego).

Estas piezas de plástico fabricadas de acetato de celulosa fueron diseñadas al estilo de los bloques de madera tradicionales y se podían apilar unos sobre otros y que podían ser conectados entre sí, lo cual supuso un concepto revolucionario. Cada bloque de plástico tenía varios botones planos en su cara superior y un fondo con huecos rectangulares. Uniendo la cara superior e inferior de dos bloques plásticos era posible mantenerlos encajados.

Hasta el año 1949, la compañía LEGO fabricó casi únicamente juguetes de madera. Y es que LEGO no ha sido siempre el juguete de bloques de plástico que conocemos hoy día. LEGO tuvo su humilde origen en el pobre taller de carpintería de Ole Kirk Christiansen en Billund (Dinamarca). Su creativo negocio familiar creció hasta llegar a ser una de las compañías jugueteras más respetadas y conocidas del mundo.

Para entonces todos los hijos de Ole ya tomaban parte activa de la empresa de alguna manera, uno de ellos se encargaba de la fabricación con madera, otro de los hijos de la producción de plásticos, el tercero de las entregas con camiones y el último diseñando prototipos. Precisamente, sería el último quien en un futuro dirigiría LEGO, primeramente colaborando con su padre en los años cincuenta para finalmente dirigirla en solitario. Estamos hablando como no de Godtfred Kirk Christiansen.

LEGO: de padres a hijos

A mediados de la década de los 50 tenía lugar un hecho que cambiaría completamente de nuevo la historia de LEGO, pues en el 1954 Godtfred se haría cargo de la empresa ostentando el cargo de director administrativo de Lego, tras comprar la parte de sus tres hermanos con quienes había manifiestas disputas y diferencias porque no les gustaba su sistema de gestión.

Nacido en 1920, Godfred trabajaba codo a codo con su padre desde los 12 años de edad. A los treinta y pocos ya estaba preparado para liderar la empresa familiar e impulsar sus ventas en el extranjero, antes de nada, abriendo mercado en Suecia y más tarde estableciendo una delegación en Alemania para suministrar juegos al país germano. Se casó a mediados de los años 40 y tuvo 3 hijos: Gunhild (1946), Kjeld (1947) y Hanne (1949).

Godtfred no parecía el mejor líder para tomar el relevo de a su padre en el cargo porque únicamente había cursado estudios primarios, hablaba sólo danés y al no leer muy bien se veía obligado a solicitar a sus jefes de ventas que le leyeran ellos mismo los informes a viva voz. Estas carencias eran claramente suplidas con su innata capacidad para hacer negocios, sólida determinación e incluso terquedad, una cualidad heredada de su propio padre.

El carácter de Godtfred le procuró en diferentes ocasiones enfrentamientos con su padre principalmente en el aspecto profesional. A pesar de estar enfermo y padecer un derrame cerebral, Ole continuaba trabajando al frente del cañón en Lego decidiendo cuestiones que frecuentemente no eran del gusto de su hijo Godtfred, el cual incluso le planteó la dimisión a raíz de una nueva ampliación de la empresa justo cuando se acababan de pagar las deudas acumuladas. Finalmente, el fundador de Lego moriría el día 11 de marzo de 1958 aunque por suerte, el futuro de la empresa estaba ya consolidado.

Más tarde, para el año 1954, Godtfred (hijo de Ole Kirk) ya era el director administrativo de LEGO. Casualmente, mientras mantenía una conversación con un comprador extranjero, se le ocurrió la idea de un nuevo sistema de juguetes. Fue en ese momento cuando Godtfred imaginó el grandísimo potencial de los bloques LEGO para transformarse en un sistema de juego creativo. No obstante, los bloques plásticos tenían todavía algunos inconvenientes desde el punto de vista técnico: su capacidad para "unirse" era limitada y aún no eran muy versátiles.

Tal es así, que hasta 1958 el diseño actual de las piezas de LEGO no fue desarrollado. Los bloques de plástico fueron evolucionando con tubos huecos en su cara de abajo. Esta modificación permitió mayor apoyo en la base, mejorando notablemente la capacidad de unirse y su mejorar su versatilidad.

En el año 1959 se creó la división llamada "Futura" dentro de la compañía. Era un reducido equipo de 5 personas encargado de generar ideas para los nuevos juegos de LEGO, lo que a día de hoy podríamos llamar un departamento de I+D.

A finales de la década de los 60, la empresa LEGO ya contaba con 450 trabajadores. Entre los años 1961 y 1962, vieron la luz las primeras ruedas LEGO, un complemento que aumento aún más el potencial del juego para montar coches, camiones, motos, autobuses y otros vehículos con las pieza de LEGO. Durante esta fase, LEGO desarrolló juguetes diseñados de manera específica para al mercado pre-escolar y llegó a un acuerdo con Samsonite permitíendoles comenzar la fabricación y distribución de los productos LEGO en Canadá, un acuerdo que continuó hasta 1988.Para ese momento había ya disponibles alrededor de 50 juegos de piezas LEGO.

En el año 1963 el acetato de celulosa utilizado para fabricar los "ladrillos" de LEGO, que tenía problemas de deformación, fue dejado a un lado para pasar a utilizar un material más estable. El nuevo material de fabricación era el acrilonitrilo butadieno estireno, también conocido como plástico ABS, el cual se continúa utilizado hoy en día. Este plástico tiene numerosas ventajas frente al acetato de celulosa: es más resistente ante el calor, las sales, los ácidos, y otros químicos, además no es tóxico para los niños.

La piezas de LEGO fabricadas en ABS en 1963 no han perdido aún ni su forma ni su color ni su capacidad de conectividad con los fabricados actualmente a pesar de haber pasado más de 45 años. Cabe indicar que los manuales de instrucciones de LEGO fueron introducidos en los juegos en 1964 por primera vez.

En 1966 surgió una de las líneas con más éxito de LEGO: los juegos de trenes. Los trenes originales poseían un motor de un voltaje de 4,5 voltios y rieles. Dos años después el motor fue mejorado con uno más potente de 12 voltios.

En junio de 1968 se inaguró el parque temático LEGOLAND en Billund. Este parque mostraba trabajados modelos en miniatura de ciudades reales montadas completamente con piezas de LEGO. El parque, que contaba con más de 12.000 m², tuvo más de 650.000 visitantes en su primer año de vida. Durante los 20 años posteriores, el parque aumentó su tamaño inicial en más de 8 veces, alcanzando una media de casi un millón de visitantes por año. Tal era el éxito de LEGO, que en 1968 se vendieron más de 18 millones de juegos LEGO.

En el año 1969 fue creado el sistema DUPLO, destinado a niños pequeños. las piezas de LEGO DUPLO son de un tamaño bastante mayor que las de LEGO tradicional, siendo más seguros los más pequeños. A pesar de ello, ambos sistemas de ladrillos son compatibles: las piezas de LEGO se pueden conectar con los ladrillos DUPLO, permitiendo la transición al sistema LEGO de una manera más sencilla para los niños según van creciendo. La década d elos 60 fue un período de crecimiento tan estable para LEGO que en el año 1970 uno de los mayores objetivos fue lograr optimizar la administración y controlar de su mercado en expansión.

5. La expansión de LEGO: la tercera generación

A comienzo de la década de los 70, LEGO tenía contratados más de 900 trabajadores. Los siguientes años determinarían un crecimiento sustancial hacia nuevos horizontes para la fabricación de juguetes y mercadeo.

LEGO empezó a dirigirse al mercado femenino con la incorporación de piezas de amueblamiento y casas de muñecas en 1971.

Uno de los primeros éxitos de Kjeld en la compañía fue la creación de complejos de fabricación, así como una división de investigación y desarrollo que se encargaba de mantener al día los sistemas de fabricación de la compañía.

En 1974 se presentaron las primeras figuras humanas con brazos articulados dentro de los juegos " familia LEGO", los cuales rápidamente pasaron aconvertirse en los juegos estrella de la compañía. Durante ese mismo año fue presentada una versión beta de las personas en miniatura, sin embargo, no era articuladas y no tenían un rostro pintado como actualmente. Una planta de fabricación LEGO fue abierta en Enfield, Connecticut en los Estados Unidos.

En 1975 fueron creados los juegos "serie experto" para los aficionados adultos y más experimentados de LEGO. Esta línea rápidamente se convirtió en el juego " constructor experto " de LEGO, que vió la luz en 1977. Estos juegos técnicos tenían partes móviles como ruedas dentadas, engranajes, palancas, ejes... y permitían construir modelos realistas como coches.

En ese mismo año, Kjeld Kirk Kristiansen pasó a ser el presidente de LEGO, culminando otra década de éxito para LEGO. Los ladrillos de los juegos LEGO se han considerado desde sus orígenes una incalculable ayuda para los educadores por su capacidad para desarrollar capacidades creativas y de resolución de problemas en niños.

En la década de los 60 varios maestros empezaron a utilizar piezas de LEGO en las escuelas por dichos motivos.

En el año 1980 LEGO abrió específicamente el departamento de juegos educativos (rebautizado más tarde como LEGO DACTA en 1989) para aumentar aún más las posibilidades educativas de sus juguetes. Una fábrica para empaquetar y ensamblar fue inaugurada en Suiza, seguida más tarde por otra en Jutland (Dinamarca) que producía llantas LEGO.

La segunda generación de juego de trenes LEGO tuvo su origen en 1981. Al igual que los anteriores, estaban disponibles con 4,5 voltios (con batería) o 12 voltios (usando la red eléctrica), pero contaban con una mayor variedad de accesorios, como luces reales, puntos y señales manejadas con control remoto.

La serie de LEGO " Constructor Experto" se creó en 1982, pasando a ser la serie " Technic " de LEGO. En agosto de ese mismo año se cumplió el 50 aniversario de LEGO y se publicó el libro "50 años de juego".

En 1983 LEGO DUPLO fue expandido para que pudiera incluir juegos para públicos incluso más pequeños, concretamente bebés. Los nuevos juegos para DUPLO incorporaban sonajeros para bebés y figuritas con extremidades ajustables. Más tarde, los minifig de LEGO aumentaron su dominio con caballeros y caballos que se unieron a la nueva presentación de los nuevos juegos de castillos.

En 1986 aparecen los primeros juegos con luz, sonidos, timbres y accesorios eléctricos para dotar de más realismo a las creaciones LEGO. Ese año el departamento educativo de LEGO desarrolló el control por computadora Technic, era un sistema por medio del cual robots, vehículos y modelos con motor Technic podían ser controlados con un ordenador. En 1986 la serie de LEGO Technic fue mejorada con la incorporación de neumáticos.

En verano de 1988, cerca de 40 niños representando a 17 países compitieron en el primer campeonato mundial de LEGO que tuvo lugar en Billund. Ese mismo año, se estableció LEGO Canadá.

En 1989 LEGO se amplió con la línea LEGO Piratas con sus barcos piratas, sus islas desiertas y sus tesoros. Esta serie fue también la primera en cambiar las tradicionales caras sonrientes de los minifigs para dar paso a personajes con imagen de piratas. El departamento de productos educativos de LEGO cambio el nombre por LEGO DACTA, palabra derivada del griego "didactic" que significa "el estudio del proceso educativo".

En 1990 se lanza una nueva serie diseñada para usuarios avanzados. Constaba de 3 juegos " Model Team ", incluía un coche de carreras y un todo terreno que presentaban un nivel de realismo jamás visto antes en juego de LEGO.

Mientras por un lado Technic era a nivel mecánico preciso, Model Team era más visual y estético. Fue entonces cuando LEGO se transformó en una de las 10 mayores compañías del año. La única juguetera europea en el top 10 de empresas mundiales. Y por primera vez en su historia, LEGOLAND tuvo más de un millón de visitas.

En el año 1992 se batió por primera vez un récord Guinness utilizando ladrillos de LEGO: en la televisión Sueca fue lavantado un castillo usando más de 400.000 piezas y con un tamaño de 4,45 por 5,22 metros. LEGO DUPLO se amplió con la incorporación de la serie Toolo que contaba con destornilladores, llaves inglesas, tuercas y pernos; la serie Paradisa, para las niñas, vino con una serie de nuevos colores pasteles al sistema LEGO.

En 1993 fue sumado a la línea un tren y una "aspiradora de piezas" con la imagen de loro que permitía recoger ladrillos LEGO del suelo con facilidad. Los colores más comunes de las piezas básicas de LEGO son el amarillo, rojo, blanco, azul, y gris claro.

Más colores fueron incorporados a la paleta a finales de los 90. LEGO evitó fabricar piezas verdes durante largo tiempo, por miedo a que fueran utilizados para construir vehículos militares, asociando los ladrillos LEGO en un juguete bélico, no obstrante, esos temores parecen haber sido superados.

En junio de 1995 muere Godfred Kirk Chistiansen, aunque ya se había realizado exitosamente una transición a Kjeld desde 1979, convirtiéndose de este modo en la tercera generación al frente de Lego. Desgraciadamente, la dirección de Kjeld no fue tan buena como la de su padre en el cargo, porque bajo su liderazgo en la empresa surgieron las primeras pérdidas, por lo que tuvieron venderse cuatro parques de atracciones LEGOLAND, sin embargo, fue el propio Kjeld el responsable de mejorar las estructuras de la empresa, sin duda un trabajo modesto pero que garantiza una seguridad de cara al futuro.

Como LEGO cada vez era más grande y complicado de gestionar incluso para una persona experta como Kjeld, en el 2004 y tras algo más de 25 años al cargo de la empresa, Kjeld dejó voluntariamente su cargo de director general, dejando el testigo a Kjorgen Vig Knudstorp, un exconsultor de McKinsey que fue capaz de hacer volver los beneficios a las cuentas de LEGO, aunque para ello fue preciso efectuar una considerable reestructuración de personal.

Desde su dimisión, Kjeld se ha centrado en su papel de propietario de Lego dirigiendo el grupo de empresas, marcas y fundaciones que tiene LEGO, garantizando de esta manera que el control de la empresa continúe en manos de la familia que lo creó.

Cabe destacar, que actualmente uno de los hijos de Kjeld es ya uno de los miembros de la junta de directiva de LEGO.

6. La fabricación de LEGO

La fabricación de ladrillos LEGO se realiza en diferentes ubicaciones alrededor de todo el mundo. Por el año 2003 las piezas eran moldeadas en una de dos factorías en Dinamarca y Suiza. La decoración de ladrillos y empaquetado se puede realizar en plantas en Dinamarca, EEUU, Suiza, Corea del Sur y la República Checa.

La producción anual de piezas LEGO alcanza cerca de los 20.000 millones, o lo que es lo mismo 2,3 millones por hora. Las piezas, los engranajes, los ejes, los minifigs... de LEGO son fabricadas con un alto nivel de tolerancia.

Al ser encajadas, los ladrillos deben tener el nivel de encaje adecuado. Tienen que poder estar unidas hasta ser separadas voluntariamente. Por tanto, no pueden ser muy fáciles de separar porque entonces las construcciones LEGO terminarían siendo inestables ni muy difíciles de desunir, pues gran parte de la diversión de los juegos LEGO reside en la posibilidad de desarmar una construcción para montar algo nuevo.

Para tener el grado adecuado de enganche, los ladrillos de LEGO son hechos con un nivel de tolerancia de dos milésimas de milímetro, esto es 0,002 mm. Uno de los métodos que ayuda a mantener el alto grado de calidad es la reducida capacidad de los moldes de LEGO.

Otras compañías jugueteras se sirven de moldes capaces de sacar hasta 70 piezas por estampado para ahorrar en costos de fabricación. Los moldes LEGO normalmente poseen una capacidad mucho menor y son elaborados con máquinas con máxima precisión.

Los moldes de inyección incorporan sensores para detectar variaciones de presión y temperatura que pudieran degradar la calidad del ladrillo resultante. Las piezas de cada molde son revisadas meticulosamente por inspectores para garantizar que no haya grandes desajustes en color o grosor.

Los moldes envejecidos de LEGO son mantenidos en los cimientos de los edificios para evitar que vayan a parar a manos de la competencia. El proceso de moldeado de las piezas es tan preciso que apenas 17 de cada millón de ladrillos producidos tiene niveles por debajo de los estándares establecidos de calidad. Este cuidado y mimo en el proceso de fabricación de las piezas explica porque las fabricadas hace 30 años continúan siendo encajables con piezas fabricadas actualmente.

LEGO hoy día

Hoy día, Lego está vendiendo nuevas marcas como Lego Space Police, Lego Power Miners y Lego Architecture continúa lanzando nuevos artículos como el Grand Carousel de Lego Creator o como el nuevo y muy esperado Lego Mini games.

Desde que comenzara con la producción de piezas de plástico, LEGO ha fabricado miles de juegos con diferentes motivos: el espacio, Bionicle, vikingos, piratas, castillos mediavales, dinosaurios, ciudades, destinos turísticos, el oeste, coches de carrera, trenes, Star Wars, Harry Potter, Piratas de Caribe, Cars, agentes secretos, Indiana Jones, entre otros.

De hecho, nuevas series son lanzadas continuamente, incrementando la cada vez la versatilidad de los juguetes LEGO. Entre los juegos más recientes se encuentran: LEGO city, LEGO ninjago y LEGO hero factory. Hay disponibilidad de motores, luces, cajas de sonido y cámaras disponibles para ser utilizados con otros juegos LEGO.

Hay incluso piezas que pueden programarse con un ordenador para realizar procedimientos complejos. Estas piezas se venden bajo el nombre LEGO Mindstorms.

Entre los años 2001 y 2004, LEGO tuvo pérdidas y sólo el 2005 fue capaz invertir la tendencia a la baja tras efectuar ajustes en su estrategia: despidiendo a más de 2000 mil personas, cerrando sus fábricas en Suiza y Corea para llevarlas a República Checa y Hungría, vendiendo los 4 parques temáticos "Legolands" que tenía en EEUU, Reino Unido, Alemania, y Dinamarca a Merlin Entertainments Group por 500 millones de dólares.

La terrible competencia de otros importantes fabricantes como Mattel o Hasbro y las nuevas maneras y tendencias de entretenimiento, como las consolas de videojuegos, han obligado a LEGO a tener que adaptarse.

Las principales fábricas de Lego son las de Dinamarca, República Checa, Hungría y México donde se fabrican las famosas piezas. Según las cifras publicadas por LEGO en el año 2011, obtuvo 272 millones de euros de beneficios a pesar del escenario de crisis mundial.

La empresa tiene cerca de 8.000 trabajadores y el quinto fabricante de juguetes y juegos a nivel mundial.

Hasta el momento, LEGO se expande por toda América Latina con la fabrica inaugurada en México en el 2009, gracias la cual consigue ser reconocido por los usuarios finales y por la competencia, además de exportar a América Latina todos sus juego: Bionicle, Star Wars, Harry Potter...

Parte de su éxito reciente es debido a su línea de juguetes Ninjago, así como las licencias de Piratas del Caribe y Hatty Potter. Cabe señalar, que sus juguetes más vendidos continuan siendo el Lego City y el LEGO Star Wars

La historia de esta empresa ha llegado a ser tan grande que cuando cumplió 50 años fue homenajeado por Google con un doodle de LEGO.

El ladrillo LEGO ha sido sin duda el producto por excelencia de la compañía. Por él, han recibido dos veces el premio al Juguete del Siglo. Los juguetes LEGO han tenido un gran desarrollo durante estos largos años, pero hay algo que no ha cambiado nunca y que ha permanecido impertérrito hasta ahora: el ladrillo LEGO.

8. Catálogo LEGO

A continuación, os presentamos el Catálogo LEGO de este año. Pulsa en la siguiente imagen para verlo:

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La contracción de las dos palabras danesas "LEg GOdt" (que significa: "jugar bien") dió origen a una de las marcas jugueteras más famosas e influyentes del mundo: LEGO . Conocida por sus famosos ladrillos de plástico, la empresa -fundada en 1932 por el carpintero Ole Kirk Christiansen en Billund (Dinamarca)- ha sabido adaptarse al paso del tiempo para seguir ofreciendo juguetes de construcción que entusiasman tanto a pequeños como a adultos.

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¿Qué es una marca y por qué Lego es la mejor del 2015?

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Una marca es un diseño único, un símbolo, o unas palabras que identifican un producto y lo diferencian de sus competidores. Desde el punto de vista legal, es un título que te concede el derecho exclusivo a utilizar un signo para identificar tu negocio. Pueden ser palabras, imágenes, figuras, símbolo…

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Cada vez que llevo de paseo a mi familia y se nos atraviesa una juguetería, la inevitable insistencia de mis pequeños hijos termina siempre por convencerme de entrar en ella. Y la razón de su perseverancia no es otra que sentarse durante horas en la sala de los legos, pequeños cuadritos de plástico que permiten dar forma a la imaginación infantil.

Hace años visité la única planta de "Lego Group A/S" en el continente americano, ubicada en Ciénega de Flores, Nuevo León. Nos recibió un "Darth Vader" construido por millares de bloques negros y los directivos nos obsequiaron monitos con sus datos personales, a manera de tarjetas de presentación.

Durante el recorrido por las instalaciones fuimos testigos de un alegre ambiente laboral, procesos sofisticados y tecnología de punta, todo envuelto por un halo mágico de misticismo, ese que nos lleva al pasado y despierta al niño que todos llevamos dentro.

Lego es una empresa danesa cuyos orígenes se remontan a una carpintería familiar creada hace exactamente un siglo. Desde entonces se ha ido adaptando a los tiempos y a las circunstancias.

Quizá su momento más crítico fue a principio de los 80´s, cuando venció su patente y entraron al mercado feroces competidores.

La empresa apostó por la inversión en investigación y desarrollo. Tuvo algunos aciertos y dolorosos fracasos, hasta que, finalmente, privilegiaron la modernidad, la apertura y las alianzas estratégicas con empresas como "Warner Bros".

En 2015, Lego desplazó a "Mattel" como la empresa lúdica número uno en ventas a nivel mundial.

Independientemente de lo innovador y acertado de su estrategia, y lo afortunado de sus diseños, siempre pensé que debía haber una razón adicional al éxito de la compañía.

Que los niños dejen los dispositivos electrónicos y los video juegos de lado en pos de un juguete tan rudimentario, no es poco mérito.

Y me topé con la respuesta en el libro "El mundo de Sofía", del noruego Jostein Gaarder. A pregunta expresa de "¿por qué el lego es el juguete más genial del mundo?", el escritor retrocede casi 2,500 años para citar a Demócrito, quien manifestó que todo está construido por piezas pequeñas, indivisibles, eternas e invisibles, a las que llamó átomos.

Estos ladrillos de la Naturaleza se ensamblan para dar forma y vida, y se separan con los cambios y la muerte, listos para volverse a juntar. Esa es la magia y la maravilla de los legos: evocan la esencia constructora del ser humano contenida en la información genética, conectan a nuestros hijos con sus orígenes y estimulan su creatividad e inventiva.

Y todo esto mediante un divertido y entretenido juego que no pasa ni pasará de moda.

emym@enriquemartinez.org.mx

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La magia de los legos, Lego es una empresa danesa.

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Cada vez que llevo de paseo a mi familia y se nos atraviesa una juguetería, la inevitable insistencia de mis pequeños hijos termina siempre por convencerme de entrar en ella. Y la razón de su perseverancia no es otra que sentarse durante horas en la sala de los legos, pequeños cuadritos de plástico que permiten dar forma a la imaginación infantil.