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significa "arte bárbaro".
constituye a una evolución del arte romano.

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El hombre mira a la naturaleza (además que a Dios). El Arte se hace naturalista frente al geometrismo del románico

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* nace una nueva clase social, "la burguesía"
* florecimiento de las ordenes religiosas
* desarrollo de ciudades, comienza a expandirse y a realizar las características del arte gótico, sobre todo en las catedrales
* producción de un arte singular

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Alemania e Inglaterra

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La escultura gótica está definida por el interés hacia la naturaleza manifestado por los artistas. Conserva el carácter monumental y grandioso de herencia románica pero las figuras están dotadas de mayor expresividad, abandonando la deshumanización.
varias etapas en el desarrollo escultórico del Gótico
la primera de composiciones grandiosas y claras, con escasos pliegues angulosos en los ropajes.
En el  siglo XIV las figuras se hacen más alargadas y aumentan las curvas.
Ya en el siglo XV encontramos cierta reacción hacia la curva y la figura humana se hace más naturalista, convirtiéndose los rostros en auténticos retratos. En el relieve se introduce el paisaje hacia el siglo XV.

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- expresión en piedra del pensamiento cristiano bajo - medieval.
- elevación hacia Dios emulando su grandeza y luminosidad.
- Muros reducidos a lo indispensable, esbeltez arquitectónica, vanos gigantescos porque el muro ya no es soporte, sólo cubrimiento lateral y casi siempre en cristal.

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El Arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas.

Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.

El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del Renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.

En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

El estilo gótico encontró su gran medio de expresión en la arquitectura. Surgió en la primera mitad del siglo XII a partir de la evolución de precedentes románicos y otros condicionantes teológicos, tecnológicos y sociales. La arquitectura gótica perduró hasta bien entrado el siglo XVI en diversos países europeos como Inglaterra, mucho después de que el estilo renacentista hubiera penetrado en otros campos artísticos. Las mayores realizaciones del gótico se manifestaron en el terreno de la arquitectura religiosa.

En contraste con la arquitectura del románico, cuyas características esenciales son los arcos de medio punto, las estructuras macizas con escasos vanos y las bóvedas de cañón o arista, la arquitectura gótica empleó el arco apuntado, agujas, chapiteles y gabletes, reforzando el sentido ascensional que pretende transmitir el edificio, amplios vanos con tracerías caladas para conseguir la máxima luminosidad y estructuras reducidas al mínimo.

Todas estas cualidades estilísticas fueron posibles gracias a las innovaciones constructivas, especialmente a la aparición de la bóveda de crucería. Las iglesias medievales poseían bóvedas muy pesadas, que obligaban a disponer muros gruesos y con pocos ventanales para soportar sus empujes.

A principios del siglo XII los constructores inventaron la bóveda de crucería, que consiste en el cruce de dos arcos o nervios apuntados, que conforman una estructura resistente sobre la que se colocan los ligeros elementos de relleno que configuran la bóveda. Este sistema además de ligero y versátil, permite cubrir espacios de diversa configuración formal, con lo que posibilita un gran número de combinaciones arquitectónicas.

Aunque las primeras iglesias góticas adoptaron una gran variedad de formas, la construcción de las grandes catedrales del norte de Francia en la segunda mitad del siglo XII se benefició de las ventajas de las bóvedas de crucería. Con ellas se podían concentrar los empujes en los cuatro puntos del vértice y posteriormente apearlos por medio de los elementos sustentantes, que podían ser los pilares o columnas pero también el sistema de estribo y arbotante, un arco que transmite los esfuerzos tangenciales hacia un contrafuerte situado en el exterior del edificio coronado por un pináculo.

Como consecuencia, los gruesos muros de la arquitectura románica pudieron ser reemplazados por ligeros cerramientos con ventanales que permitieron la aparición de la vidriera y facilitaron que el edificio alcanzase alturas insospechadas. Así se produjo una revolución en las técnicas constructivas.

Con la bóveda gótica los edificios pudieron adoptar formas variadas. Sin embargo, la planta común de las catedrales góticas consistió en tres o cinco naves longitudinales, un transepto, un coro y un presbiterio, es decir, una composición similar a la de las iglesias románicas.

Las catedrales góticas también mantuvieron y perfeccionaron la creación más genuina de la arquitectura románica: la girola, una estructura compleja que aparece en la cabecera del templo, generalmente de forma semicircular con un deambulatorio alrededor y al que se abren capillas radiales de planta semicircular o poligonal.

La organización de los alzados en el interior de las naves y en el coro también mantuvo los precedentes románicos. Por otro lado, los esbeltos pilares compuestos que separan las naves, con sus finos fustes elevándose a través del triforio hasta las nervaduras de las bóvedas, y el uso del arco apuntado en todo el edificio, contribuyen a crear efectos de verticalidad que constituye la expresión más intrínseca de la arquitectura gótica.

El objetivo prioritario de la organización exterior de la catedral gótica, con sus arbotantes y pináculos, fue contrarrestar el peso de las bóvedas. La fachada occidental o de los pies de la iglesia, por otro lado, intentaba producir un efecto de desmaterialización del muro a través de ricos recursos plásticos. La típica fachada principal gótica se divide en tres cuerpos horizontales y tres secciones verticales o calles, donde se abren las tres portadas que se corresponden con las naves del interior. Las dos torres laterales forman parte del cuerpo de la fachada y se rematan frecuentemente por agujas o chapiteles. Por último, el gran rosetón sobre la portada central supone un magnífico centro para la totalidad del conjunto.

Gótico temprano

En Francia, durante la primera mitad del siglo XII, la bóveda de crucería apareció esporádicamente en cierto número de iglesias. Sin embargo, la fase que iba a conducir a la construcción de las grandes catedrales francesas comenzó en 1137, con motivo de la construcción de la girola de la iglesia abacial de Saint-Denis, panteón real en las afueras de París.

En el deambulatorio de Saint-Denis, las finas columnas que sustentan las bóvedas de crucería y la ausencia de muros divisorios entre las distintas capillas radiales proporcionó un nuevo sentido de espacio continuo, fluido, que anticipaba las creaciones posteriores.

Saint-Denis fue el modelo para la primera de las grandes catedrales, Notre Dame de París (comenzada en 1163), así como para un periodo de experimentación orientado a la desmaterialización del muro por medio de la apertura de grandes ventanales traslúcidos. El añadido de un cuarto piso en los alzados interiores incrementó la altura de forma vertiginosa. Este piso adicional, denominado triforio, consiste en un estrecho pasadizo con arquerías situado entre la tribuna que se halla sobre las naves laterales y el nivel de los ventanales superiores (claristorio). Las catedrales francesas de Laon y Noyon también corresponden a esta primera etapa.

Gótico clásico

La fase experimental del gótico temprano se resolvió finalmente en la catedral de Chartres (comenzada en 1194). Eliminando la tribuna del segundo piso heredada del románico, pero manteniendo el triforio, recupera la sección longitudinal de tres pisos o niveles. En su defecto se gana altura a través de un amplio claristorio o piso de ventanales, nivel de las arquerías, que proporciona una luz casi vertical. Cada vano se organiza mediante una estructura geminada, dividido por un parteluz y decorado con motivos de tracería como tréboles, óculos o cuadrifolios. La catedral de Chartres sirvió de modelo para las siguientes catedrales góticas.

Este periodo del gótico clásico culminó en la catedral de Reims (comenzada en 1210).

En torno a 1220, la nave de la catedral de Amiens retomó el sentido clásico y ascensional de Chartres y Reims, enfatizando la verticalidad y la estilización de los pilares. De este modo Amiens supuso una transición hacia la más elevada de las catedrales góticas francesas, la catedral de Beauvais. En ella aparece un gigantesco piso de arquerías (derivado de Bourges) bajo un piso de ventanales del mismo tamaño, que permite alcanzar la altura sin precedentes de 48 metros.

Gótico radiante o rayonnant

La catedral de Beauvais se comenzó en 1225, un año antes de que Luis IX de Francia ascendiese al trono. Durante su largo reinado, de 1226 a 1270, la arquitectura gótica entró en una nueva fase denominada radiante o rayonnant. El término rayonnant deriva de los elementos radiales, como los de una rueda, que conforman los enormes rosetones característicos de este estilo. La altura dejó de ser el principal objetivo, y en su lugar se extremó la desmaterialización del muro reduciendo el espesor de la mampostería, extendiendo los ventanales y reemplazando el muro exterior del triforio por vanos de tracería. Los muros de este periodo radiante asumieron el carácter de membranas traslúcidas.

Todas estas características del gótico radiante fueron incorporadas en la primera empresa importante llevada a cabo durante esta nueva fase, la reconstrucción (comenzada en 1232) de la iglesia abacial de Saint-Denis.

En la evolución de la arquitectura gótica, el progresivo aumento de los vanos acarreó la posibilidad de crear un ambiente interior sacralizado y simbólico a través de la luz coloreada que pasaba a través de las vidrieras. Los colores dominantes fueron el azul oscuro y el rojo rubí brillante.

Expansión de la arquitectura gótica

La influencia de la arquitectura gótica francesa en el resto de Europa fue enorme.

En España, este estilo también está representado por las grandes catedrales urbanas, si bien en el siglo XV la obra civil adquirió mayor importancia.

En Alemania (que entonces formaba parte del Sacro Imperio Romano Germánico junto a otros territorios de Europa central) el gótico también apareció a lo largo del siglo XIII, aunque en una primera fase convivió con los esquemas románicos autóctonos.

En Italia e Inglaterra la aceptación de los esquemas franceses se encontró con mayores reticencias, de modo que su influencia fue escasa. Las iglesias florentinas y las reminiscencias superficiales del gótico francés en las fachadas de la catedrales de Siena y Orvieto son simples fases transitorias en la evolución que condujo en Italia del románico clasicista a los inicios de la arquitectura renacentista en la obra de Filippo Brunelleschi.

Escultura

La escultura siguió el precedente románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales. La escultura de los siglos XII y principios del XIII tuvo un carácter predominantemente arquitectónico.

Las figuras más destacadas son las estatuas colosales de las jambas (pilastras laterales) de las portadas y las de los parteluces de los vanos de entrada. Reciben el nombre de estatuas-columna por estar adosadas a estos soportes. A veces, la estatua-columna tiende a liberarse del marco arquitectónico, como si fuera una escultura exenta o de bulto redondo.

En el estilo considerado protogótico destacan las estatuas-columna del famoso pórtico de la Gloria (fachada occidental) de la catedral de Santiago de Compostela (España, último tercio del siglo XII), donde apóstoles y profetas se hacen eco del nuevo sentido naturalista idealizado, a la vez que expresan sus sentimientos y empiezan a entablar lo que se denomina sacra conversazione, es decir, la comunicación entre los personajes sagrados.

En Francia cabe reseñar las estatuas-columna de la fachada occidental de la catedral de Chartres, que datan aproximadamente de 1155. Las estatuas del pórtico Real de Chartres poseen unas proporciones y un sentido del volumen que revelan un naturalismo ajeno al mundo románico. Durante las décadas siguientes las figuras de Chartres inspiraron a un gran número de artífices franceses. Sin embargo, las estatuas-columna no eran las únicas manifestaciones escultóricas figurativas de las portadas, que seguían un rico y elaborado programa iconográfico centrado en los altorrelieves del tímpano, arquivoltas y en menor medida, en los dinteles de las puertas. En los parteluces, solían aparecer estatuas de la Virgen, Cristo o algún santo relacionado con la iglesia catedralicia.

Aparición del naturalismo

Los convencionalismos en el tratamiento de los pliegues fueron reemplazados por volúmenes más sólidos y naturales en un proceso que comienza en torno a 1210 con la portada de la Coronación de la catedral de París, y que continúa después de 1225 en las portadas de la catedral de Amiens.

A partir de 1240 ya se aprecian en la fachada occidental de la catedral de Reims y en las estatuas de los apóstoles de la Sainte-Chapelle de París los pliegues pesados y angulosos, profundamente esculpidos en forma tubular, característicos de la escultura gótica posterior. Al mismo tiempo las estatuas se liberaron del soporte arquitectónico.

En las estatuas de Reims y en las del interior de la Sainte-Chapelle se consolidó el típico rostro de las figuras góticas: forma triangular, mentón destacado, ojos almendrados y una marcada sonrisa. Al mismo tiempo se inició la representación de posturas y gestos amanerados, que resultan de una síntesis entre las formas naturalistas, la elegancia cortesana y una delicada espiritualidad.

Otros géneros desarrollados por la escultura gótica fueron las imágenes votivas, esculturas de bulto redondo de pequeño tamaño con representaciones de la Virgen y el Niño o de Cristo crucificado, en las que se aprecian los cambios iconográficos que se produjeron en el mundo gótico, como una mayor humanización y naturalismo. Por otro lado, el relieve alcanzó gran esplendor en los retablos, las sillerías de coro y los sepulcros de grandes personajes.

En relación a las tendencias naturalistas, aparecieron interpretaciones más humanizadas de la Virgen con el Niño, imágenes que muestran una relación amorosa en la que la Virgen mira a su hijo dulcemente o juega con él mientras le ofrece una flor o una fruta. Un ejemplo de esta nueva iconografía es la Virgen con el Niño de la portada inferior de la Sainte-Chapelle, un modelo que siguió vigente en Europa durante varios siglos.

Difusión de la escultura gótica

Aunque la génesis de la escultura gótica se iniciara en el norte de Francia, como sucedió en el caso de la arquitectura, algunas de las obras más notables se realizaron en Alemania. La escultura gótica alemana se caracterizó por un fuerte expresionismo, algunas veces en el límite de la caricatura, y al mismo tiempo por una lírica belleza y elegancia formal

En Italia existió, como en el caso de la arquitectura, una cierta reticencia a aceptar los postulados franceses. En este caso sería más apropiado hablar de tendencias goticistas dentro de un clima en el que va apareciendo el protorrenacimiento. El taller más representativo fue el de Pisa.

En España, en el segundo cuarto del siglo XIII se introdujeron las formas de la escultura francesa a través de las intensas relaciones políticas y culturales que la monarquía española estableció con la francesa. En el siglo XIII destacaron dos talleres en torno a las catedrales de Burgos y León.

Artes decorativas

En Francia a lo largo del siglo XIII las artes decorativas estuvieron bajo el dominio de la evocación religiosa. Los medallones que aparecen en las ilustraciones de las Bibles moralisées (Biblias moralizadas), en el segundo cuarto del siglo, se inspiraron sin duda en el diseño de las vidrieras catedralicias. En el salterio de Luis IX (posterior a 1255), los gabletes con rosetones que enmarcan las miniaturas imitan los modelos de la Sainte-Chapelle. A partir de 1250 el mismo estilo cortesano inspira la escultura monumental y las pequeñas tallas elefantinas (de marfil).

Hacia 1300 las artes decorativas comenzaron a asumir un papel más independiente. En la región del Rin se produjeron piezas de un marcado carácter expresivo, que van desde las estatuillas de la escuela del lago Constanza, como la del joven san Juan sentado dejando caer su cabeza tiernamente en el hombro de Cristo, hasta la espantosa evocación del sufrimiento de la pasión de Cristo.

Gótico final o tardío

París había encabezado el arte y la cultura europeas desde 1230. Sin embargo, tras los estragos de la peste y el estallido de la guerra de los Cien Años a mediados del siglo XIV, París perdió la supremacía y se convirtió en uno más entre los numerosos centros artísticos que florecieron en este periodo.

Pintura

Dentro de la evolución pictórica del siglo XV se distinguen dos estilos, el estilo gótico internacional y el estilo flamenco. El primero corresponde a los dos últimos decenios del siglo XIV y perduró en la mayor parte de Europa durante la primera mitad del siglo XV. El estilo flamenco surgió en Flandes en el primer tercio del siglo XV, paralelamente al renacimiento italiano, y se difundió por el resto de Europa durante la segunda mitad del siglo.

El estilo internacional apareció en el centro del continente como consecuencia de la fusión de elementos y formas del gótico lineal con las innovaciones técnicas e iconográficas aportadas por los pintores italianos del trecento (Giotto, Duccio, Simone Martini y los hermanos Lorenzetti).

El estilo se caracteriza por la valoración expresiva de lo anecdótico, la estilización de las figuras, el predominio de las líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos y el empleo de una técnica minuciosa.

El estilo flamenco se inició en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. La principal aportación de esta escuela es la utilización de la técnica al óleo, que permite una mayor viveza y enriquecimiento de la gama cromática, la realización de veladuras y la obtención de colores compuestos.

Los rasgos más definitorios del estilo flamenco fueron el mayor naturalismo, el gusto por el detalle a través de una técnica minuciosa y, en ocasiones, la codificación simbolista de la gama cromática y de ciertos objetos. Los iniciadores de la escuela flamenca son los hermanos Huberto y Jan van Eyck, cuya primera obra célebre fue el retablo de El cordero místico de la iglesia de San Bavón de Gante. Sin embargo, dentro de la escuela destacó una figura excepcional, avanzada para su época: Hieronymus van Aken, llamado El Bosco, que desarrolló en sus obras un universo surrealista en clave moralizante. Entre sus obras cabe citar El jardín de las delicias (Museo del Prado, Madrid).

A lo largo del siglo XV la influencia flamenca se extendió por toda Europa, considerada como un renacimiento nórdico ajeno al punto de vista conceptual de la edad media.

Fuente Internet:

http://www.monografias.com/trabajos4/artgotico/artgotico.shtml

Imágenes de Corel Gallery

Compilación: Profesor en Línea

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El Arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas. Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.

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El término estilo o arte gótico se refiere al estilo de la arquitectura que se daba en Europa durante la Baja Edad Media, la escultura y las artes menores que vincularon el arte románico medieval con el Renacimiento temprano. El período se divide en gótico temprano, gótico alto e internacional gótico. Su principal forma de expresión fue la arquitectura, y podemos ver ejemplos de ellos en las grandes catedrales góticas localizadas en el norte de Francia. En el diseño gótico, reemplazó las formas planas románicas por un nuevo enfoque en línea. Y sus altísimos arcos y contrafuertes permitieron la apertura de muros para ventanas sin precedentes de vidrieras llenas de bellas e inspiradas imágenes translúcidas de arte bíblico, superando con creces todo lo que la pintura mural o el mosaico podía ofrecer. Todo esto creó una atmósfera humanística evocadora bastante diferente de la época románica.

Características del arte gótico

El arte gótico logró transformar castillos, iglesias, catedrales en prácticamente casi toda Europa por medio de sus características, entre ellas podemos citar:

Los edificios eran muy altos de manera que barrieron hacia arriba con altura y gracia.

Una de las características fundamentales de la arquitectura gótica era su altura. Las nuevas técnicas de construcción les permitieron a los arquitectos extender el peso de las paredes para hacerlas más altas al igual que con las torres.

El contrafuerte volador es la característica más importante y que define la arquitectura gótica. Estos contrafuertes actúan para separar el peso de las paredes Soportan la estructura transfiriendo la fuerza directamente hacia el suelo.

La innovación y construcción del arco apuntado fue otra característica clave de la arquitectura gótica. Su significado fue práctico y meramente decorativo.

El arco gótico tenía un valor estético y una gran belleza que influyó en muchas otras características del diseño gótico, especialmente el techo abovedado.

Los techos abovedados e irregulares utilizaban la tecnología del arco apuntado para separar la fuerza y el peso de los pisos superiores.

Tenía secuencia temporal y era un arte enfocado en el aspecto religioso.

Se construyeron imponentes e importantes catedrales.

Origen del arte gótico

El arte gótico es un estilo artístico que tuvo su nacimiento en Europa Occidental, a finales de la Época Media. Inició en el siglo XII y perduró hasta la llegada de la época del Renacimiento en el siglo XV. La mayor cantidad de expresiones del arte gótico se dieron en el norte de y luego se expandió a lo largo del occidente.

Contexto histórico

El arte gótico se desarrolló en un largo período en el cual la cultura europea experimentó cambios profundos que influyeron en el arte. En los siglos XI y XII, el campo era más productivo y el comercio había resurgido. Las ciudades comenzaron a recuperarse, y en la época del gótico surgió un nuevo grupo social, la que aumentó su protagonismo. Se construyeron edificios civiles, palacios, y, sobre todo, catedrales, como un símbolo del nuevo orgullo urbano. El interés por las cosas terrenales, por el placer y por el refinamiento del arte volvió a surgir y se empezó a forjar el espíritu moderno junto con una visión religiosa del mundo. El dinero adquirió más importancia y surgieron hombres que convirtieron la pobreza en virtud. La religiosidad era centrada en imitar a Cristo. El capitalismo y la vida urbana progresaron y varias epidemias de peste redujeron la población de algunas ciudades disminuyendo la economía. Las situaciones sociopolíticas que rodean el arte gótico hacen que, a partir de mediados del siglo XII, la estabilidad social sea mucho mayor al irse creando los poderes nacionales, las monarquías, y los señores feudales que eran al fin controlados por el poder real. Esta estabilidad produjo desarrollo económico, más comercio y mercado y el desarrollo humano. Se daba importancia a la agricultura y comercio, artesanía, y burguesía que surgió como un nuevo grupo social. La nueva forma de sociedad, más ciudadana y rica era dominada por un espíritu religioso tan profundo como diferente del de siglos anteriores. La sociedad oficial y cristiana había triunfado y la ley de Dios era su fundamento.

Importancia del arte gótico

La importancia del arte gótico se basa principalmente en la influencia que logró ejercer en los tiempos modernos y el legado que dejó en la sociedad. Los edificios construidos y que perduran hasta la fecha son base del arte. Ayudó a revivir el interés por las construcciones de la edad media y se reconstruyeron muchos edificios. La y las ideas se mantienen hasta la época y muchas creencias filosóficas y religiosas aportaron técnicas y conocimientos.

Arquitectura

Predominaban las plantas de cruz latina distinguiendo la cabecera, el crucero y las naves. La cabecera tenía girola y capillas radiales y la nave central y el crucero eran mas anchos. Se le dio mucho valor a la portada de los edificios donde se colocaban torres y puertas. Las fachadas tenían forma de H. Los edificios cobran vida y espontaneidad utilizando un empirismo de ingeniería para crear espacios de gran altura y llenos de color.

Los materiales más utilizados eran la piedra, madera policromada, marfil y metal. El naturalismo predominaba la escultura y se buscó la forma de humanizar las esculturas, buscando alcanzar los volúmenes de los cuerpos, el movimiento y la expresión de los sentimientos a través de los rostros y las actitudes. Su composición era bastante ordenada y se organizaba en registros, los escultores se preocuparon principalmente por la profundidad y los detalles. La principal temática era los aspectos religiosos, aunque también existieron algunos temas profanos.

En canto a la pintura, utilizaron técnicas como el temple y el óleo, pintaron sobre tablas e hicieron diferentes pinturas en murales. Para ellos, el dibujo tenía gran importancia pues era el encargado de delimitar las diferentes formas, marcar modelos y crear ritmos compositivos. La luz era un elemento importante para lograr destacar el volumen. Los colores eran elementos claves y se utilizaban diferentes gamas ternarias llenado de gran colorido todos los símbolos.

Representantes del arte gótico

Jan van Eyck

Simone Martini

Roger Van Der Weyden

Robert Campin

Ejemplos de obras destacadas

Catedral de Burgos

Catedral de León

Catedral de Toledo

Catedral de Milán

Vidrieras de la Catedral de León

Catedral de Reims

Catedral de Nôtre Dame

Escrito por Gabriela Briceño V.

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Arte gótico | Qué es, características, origen, importancia, escultura, pintura

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El término estilo o arte gótico se refiere al estilo de la arquitectura que se daba en Europa durante la Baja Edad Media, la escultura y las artes menores que vincularon el arte románico medieval con el Renacimiento temprano. El período se divide en gótico temprano, gótico alto e internacional gótico.

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Implica un gran cambio respecto a la pintura románica, debido a la progresiva reducción de los muros y su sustitución por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la pintura sobre la tabla

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Las técnicas empleadas son variadas según los soportes: temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.

El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos.

Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces

La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico

El color es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico

El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional

La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.

Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.

La temática religiosa, y en menor escala también la profana

Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional

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el maestro de pintura más soberano de su tiempo, quien dibujó todas sus figuras y sus posturas de acuerdo con la naturaleza

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Fue el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura de su tiempo y explorar unas orientaciones que acabaron por desembocar en la gran revolución artística del Renacimiento

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La adoración de los reyes magos(fresco de la Capilla de los Scrovegni, c. 1305)

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La adoración de los reyes magos(fresco de la Capilla de los Scrovegni, c. 1305)

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GIOTTO

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FACULTAD DE ARQUITECTURA ARTES Y DISEÑO

Antecedentes históricos

Nació, durante la Baja Edad Media, en un momento de cambios económicos, sociales y políticos que supusieron el incremento del crecimiento económico y de la producción agrícola, esto conllevó un auge del comercio y del poder urbano, mientras que en lo político se fortaleció la autoridad de las monarquías frente a la nobleza. Todas estas circunstancias supusieron la renovación de la estructura socio-económica que potenció una nueva concepción de Dios y del hombre .

El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la edad media . Se suele indicar que frente al arte romantico (que refleja una sociedad ruralizada de guerreros y campesinos), el gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burgesía , las universidades y el florecimiento de las ordenes religiosas (monasticas como el Cister y mendicantes como franciscanos y donimicos ), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia (revueltas populares, herejias desarrollo y crisis de la escolastica, cisma de occidente) y finalmente los pavorosos espectáculos de la peste negra y la guerra de cien años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación fundamental (para la historiografía materialista, la transaccion del feudalismo al capitalismo.

El Arte Gótico se caracteriza por la construcción de monumenta les edificaciones como las catedrales, que a diferencia de sus antecesoras (edificaciones románicas) están dotadas de mayor iluminación. Existió un desarrollo tanto de la arquitectura civil como de la religiosa, así mismo la escultura y la pintura se independizaron del soporte arquitectónico.

Catedral Beauvais

Catedral del Duomo

Arte Gótico

Durante el siglo XII en algunas iglesias de Francia se podía observar la bóveda de cruceria, sin embargo la etapa de la construcción de las grandes catedrales francesas se inició en el año 1137 con el encargo de la construcción de LA CATEDRAL DE SAINT-DENIS en las afueras de Paris.

La Catedral de Chartres (comenzada en 1194). Donde se eliminando la tribuna del segundo piso heredada del románico, pero se mantuvo el triforio, se recupera la sección longitudinal de tres pisos o niveles.

Arte Gótico radiante o rayonnant

El término rayonnant deriva de los elementos radiales, como los de una rueda, que conforman los enormes rosetones característicos de este estilo.

Como en el románico, también la pintura gótica tuvo el fin de decorar los templos, pero al disminuir la superficie de los muros por la invasión que hacen las ventanas en las paredes de los edificios góticos, hace que la pintura mural pierda importancia y se desplace el interés pictórico hacia las vidrieras, reservándose la pintura como tal para tablas y miniaturas, al mismo tiempo que se desarrolla el arte del retablo, donde se mezclarán la pintura y la escultura y se desarrollaran programas iconográficos coherentes. La pintura gótica va a presentar una temática preferentemente religiosa, donde las figuras se representan como símbolos de la realidad natural, y donde el mundo sobrenatural se simboliza mediante fondos dorados que la luz hace brillar. Aquellas figuras hieráticas y frías del románico, se irán volviendo más expresivas y naturalistas, capaces de transmitir sentimientos y sensaciones; para aumentar este efecto, la pintura irá sustituyendo los fondos neutros por espacios reales, donde la perspectiva va a ir tomando carta de naturaleza. Todo ello se envuelve, como hemos apuntado, de un ambiente de espiritualidad que es propio del estilo.

La técnica utilizada será el temple, en el que se utiliza el huevo como aglutinante de los colores. Es ya en el siglo XV, con la pintura flamenca, cuando se difunde la técnica al óleo, es decir, utilizando aceite como aglutinante.

Como en el románico, también la pintura gótica tuvo el fin de decorar los templos, pero al disminuir la superficie de los muros por la invasión que hacen las ventanas en las paredes de los edificios góticos, hace que la pintura mural pierda importancia y se desplace el interés pictórico hacia las vidrieras, reservándose la pintura como tal para tablas y miniaturas, al mismo tiempo que se desarrolla el arte del retablo, donde se mezclarán la pintura y la escultura y se desarrollaran programas iconográficos coherentes. La pintura gótica va a presentar una temática preferentemente religiosa, donde las figuras se representan como símbolos de la realidad natural, y donde el mundo sobrenatural se simboliza mediante fondos dorados que la luz hace brillar. Aquellas figuras hieráticas y frías del románico, se irán volviendo más expresivas y naturalistas, capaces de transmitir sentimientos y sensaciones; para aumentar este efecto, la pintura irá sustituyendo los fondos neutros por espacios reales, donde la perspectiva va a ir tomando carta de naturaleza. Todo ello se envuelve, como hemos apuntado, de un ambiente de espiritualidad que es propio del estilo.

La técnica utilizada será el temple, en el que se utiliza el huevo como aglutinante de los colores. Es ya en el siglo XV, con la pintura flamenca, cuando se difunde la técnica al óleo, es decir, utilizando aceite como aglutinante.

(Siena, actual Italia, h. 1285 - Aviñón, Francia, 1344) Pintor italiano. Fue el creador más destacado de la escuela sienesa después de Duccio, y el mejor intérprete del estilo gótico en la pintura italiana. Debió de formarse en el círculo de Duccio, pero desarrolló de manera muy personal la linealidad del estilo de su maestro y le añadió un gran interés por los efectos de perspectiva, reflejo de las tendencias vigentes en la época.

Su estilo apenas evolucionó a lo largo de toda su vida. Desde su primera obra documentada, el gran fresco de la Majestad del Palacio Público de Siena, hizo un uso decorativista de la línea y del color, y fue un creador genial de composiciones elegantes y amables, imbuidas de armonía y refinamiento. En 1317 se trasladó a Nápoles, al servicio de Roberto de Anjou, para quien pintó un destacado retablo inspirado en un tema familiar: el hermano de Roberto, Luis de Tolosa, que acababa de ser canonizado, aparece coronándolo como rey de Nápoles.

Entre 1319 y 1325 ejecutó varias obras religiosas para otras tantas iglesias, y en 1328 realizó el retrato del condotiero Guidoriccio da Fogliano en el Palacio Público de Siena, un extraordinario retrato ecuestre en el que destaca la figura grandiosa y solitaria del condotiero sobre un fondo de paisaje evanescente; la modernidad de esta obra ha llevado, en fechas recientes, a discutir su atribución a Martini, por considerarla de época posterior.

De 1333 data la famosísima Anunciación, en la que se ha querido ver la síntesis perfecta de su estilo delicado y esteticista. En la misma época se fechan los frescos sobre la Vida de san Martín en la iglesia inferior de Asís.

En la corte papal de Aviñón, donde residió desde 1340 hasta su muerte, llevó a cabo sus últimas obras. Allí conoció a Petrarca, para el cual pintó el frontispicio para un manuscrito de Virgilio que era propiedad del poeta, y un retrato de su amada Laura que se ha perdido. De la importancia de Simone Martini en su tiempo da cuenta Ghiberti en sus escritos.

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FACULTAD DE ARQUITECTURA ARTES Y DISEÑO Antecedentes históricos Nació, durante la Baja Edad Media, en un momento de cambios económicos, sociales y políticos que supusieron el incremento del crecimiento económico y de la producción agrícola, esto conllevó un auge del comercio y del poder urbano, mientras que en lo político se fortaleció la autoridad de las monarquías frente a la nobleza.

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BERNARDO RAMÍREZ HERNÁNDEZ.                          "Padlet arte gotico"                                                        Guerra gótica (535-554)

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BERNARDO RAMÍREZ HERNÁNDEZ.                          "Padlet arte gotico"                                                        Guerra gótica (535-554)

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La guerra gótica fue un conflicto bélico que tuvo lugar entre los años 535 y 554 en el territorio del reino ostrogodo . Fue el resultado de la decisión del emperador romano bizancio justiniano I, de revertir los acontecimientos de un siglo atrás, cuando el imperio romano de oriente  había perdido sus provincias en Italia primero ante Odoacro y después con Teodorico el grande , rey de los ostrogodos.
Desarrollo:

-Primera campaña.

La excusa de Justiniano para la guerra fue el exilio y el asesinato en 535 de Amalasunta , heredera de Teodorico, cuyos representantes habían firmado un pacto con Justiniano para permitir que las fuerzas imperiales utilizaran las bases sicilianas en su campaña contra los vándalos en África.
Justiniano utilizó el asesinato como un pretexto para una invasión a Italia. El general empleado para esta empresa fue Belisario, recientemente vencedor de los vándalos, quien ahora sería comisionado para atacar a los ostrogodos.
-Segunda campaña.

En 541 los ostrogodos aclamaron a Totila como su nuevo líder, habiendo asesinado a su antecesor que había abierto negociaciones con el Imperio. Cuando la Peste de Justiniano  devastó el Imperio romano de oriente ,Totila montó una vigorosa y exitosa campaña contra los romanos orientales, recuperando toda Italia septentrional e incluso llevando a los bizantinos fuera de Roma, después de un segundo largo sitio a la ciudad (547–549).
Belisario volvió a Italia en 544, donde encontró que la situación había cambiado mucho.
-Tercera campaña.
En la tercera campaña de la Guerra Gótica, Roma fue situiada una tercera vez y capturada por Totila, cuyas ofertas de paz fueron rechazadas por Justiniano. Una nueva campaña italiana fue organizada bajo las órdenes del sobrino de Justiniano, Germano Justino, mientras Liberio atacó a los visigodos en Hispania.
-Resultado general.
La victoria pírrica de la Guerra Gótica absorbió los recursos del Imperio bizantino, que habrían sido mucho más necesarios para emplearse en contra de amenazas más inmediatas en el Este. En Italia, la guerra devastó la sociedad urbana, que era sostenida por las tierras interiores rurales. Grandes ciudades romanas y aliadas serían abandonadas, e Italia caería en un largo período de estancamiento. El empobrecimiento de Italia y la escasez de recursos en el Imperio hizo imposible para los romanos orientales conservar Italia.Después de la Guerra Gótica, el Imperio no albergaría expectativas más serias en el Oeste. Roma en si misma quedaría bajo control imperial hasta que el Exarcado de Rávena finalmente fuera abolido por los lombardos en el 751. Italia meridional quedaría bajo el control del Imperio romano de Oriente (administrada directamente por Constantinopla) hasta el tardío siglo XI.

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internacional con tendencias comunes en toda Europa. Se convierte en un arte cortesano y viaja de Corte en Corte.

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la peste: se acaban las catedrales y se empiezan muy pocas más y son más bien Iglesias

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se desarrolla por el comercio y por el equilibrio político rey- nobleza feudal

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simplificación arquitectónica con un recargamiento ornamental

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época clásica del Gótico en arquitectura y se hacen las catedrales más altas

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+ arco ojival
+ bóveda de crecería
+ soportes
+ arbotantes
+ portada
+ fachada
+ planta
+ ábside
+ las torres
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EDUARDO GUTIÉRREZ CABRERA

Los elementos burgueses eran como artistas, poetas y pensadores, simplemente agentes del clero y de la nobleza, es decir, ejecutores y mediadores de una concepción que no tenía raíces en su mentalidad.  La mayoría de los encargos de obras de arte provienen de los ciudadanos particulares, no del rey o de los prelados, como en la Alta Edad Media, o de las cortes o los municipios, como en el período gótico.  El gusto de un comerciante burgués podía ser más “vulgar”, más realista y más material que e lde un constructor de la época de plenitud del gótico, pero no era por ello más simple ni menos extraño ala concepción del pueblo bajo. Las formas de una pintura o una escultura gótica tardía, inspiradas en el

gusto burgués, el naturalismo del gótico, en su período de plenitud, corresponde, en cierta medida, al naturalismo de la época clásica griega. La pintura de la realidad se mueve, tanto en uno como en la otra,dentro de los límites de severas formas de composición, y se abstiene de dar entrada a detalles particulares que podrían hacer peligrar la unidad de la composición. El naturalismo del gótico tardío, en cambio, rompe esta unidad formal, como la había roto el arte del siglo IV a. de C. y el de la época helenística, y se entrega a la imitación de la realidad, despreciando de un modo casi brutal a veces la estructura formal.