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Reflexiones sobre el significado de la música

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ESTÉTICA MUSICAL, REFLEXIONES SOBRE EL SIGNIFICADO DE LA MÚSICA

¿Que es la estética musical?, ¿Hay una estética de la música?, ¿Desde cuando hemos reflexionado sobre este tema? , ¿Es una disciplina autónoma?, ¿De que trata específicamente?.

Preguntas difíciles de responder si no es haciéndonos a la vez otras preguntas igual de ambiguas a causa de la cantidad palabras y vocablos usados que se refieren a lo mismo.

Estética musical, filosofía musical, significado musical, la belleza en la música, la expresión y la emoción musical etc. y otras más que pretenden hablar desde supuestos diferentes sobre la misma cuestión.

Si nos atenemos estrictamente a la historia, el ensayo más antiguo sobre estética de la música es "De lo bello en la música" de 1854 de E. Hanslick, y que demuestra que la estética es una disciplina muy reciente y joven pero que también obviaría lógicamente siglos que han existido de reflexión musical.

Una limitación que podríamos evitar si incluimos criterios más amplios y que a lo largo de la historia han estado en la base misma de la discusión sobre la Música. Cuestiones como la naturaleza misma de la música, sus fines, sus límites, definiendo la relación que puede tener con otras artes tanto en lo que es común como en lo que la separa específicamente de estas.

A lo largo de la historia, la música ha sido considerada un arte, y no siempre, peculiar, particular, una forma de expresión aparte de las otras artes, incluso más, una parte inferior a las otras, una actividad propia en muchas épocas de siervos. La Historia de la música, ha sido una historia aparte de las demás historias y ya en la Grecia antigua, la poesía y la palabra estaban en un orden superior al sonido musical, incluso, la palabra para definir la creación englobando a la música era "Poiesis".

Quizás este camino diferente venga dado por la enorme especialización, que al margen de las otras disciplinas que también tiene que estudiar un músico como cualquier otra persona, exige al compositor y al intérprete. Estudios que ha tenido que realizar históricamente en lugares y escuelas fuera del lugar de estudio de las otras artes y en centros ultra especializados.

Llegados este punto podemos ver a la música como un prisma de mil caras en el que cada periodo a puesto el énfasis en aspectos concretos y relevantes a su época obviando otros y que nos lleva en definitiva de nuevo a la pregunta del principio: ¿que es la estética musical? A la que ahora podríamos responder y equiparar con otra pregunta mas general del tipo: ¿que es la música?.

En este sentido, el carácter multidisciplinar de la música es su propio yugo y se hace necesario, para reconstruir la huella histórica de la música reconstruir también el pensamiento y la reflexión musical a lo largo de los siglos, algo ingente y problemático, pero sin duda más interesante que una simple mirada a la estética musical propiamente dicha que es sólo una cara de este prisma multifacético que es la música.

Todo esto hace evidente y clarifica el famoso aforismo que el compositor Robert Schumann declaro refiriéndose a la música a causa de siglos de exclusión artística: " la estética de un arte es igual a la de otros, únicamente difiere del material usado". Toda una declaración de principios novedosa e histórica que denota el deseo de recuperar a la música como un arte igual a las otras artes.

Parece conveniente ahora clarificar algunas ideas que a lo largo de la historia han determinado la relación de la música con la poesía con la ciencia o incluso sobre el propio significado de la música.

Con respecto a la poesía, la relación histórica es muy estrecha, tanto que hasta el siglo XVII no hay una música instrumental pura y desligada de la voz y el texto. Tanto es así que incluso algunas teorías muy importante hablan de un origen común. Una tensión de afinidad que viene impuesta por ser dos artes temporales que se basan en la articulación del sonido.

Encuentros y desencuentros de poesía y música que desde la lejana Grecia escribe un motivo recurrente que atraviesa el tiempo sin resolución.

Con respecto a las ciencias, en su origen pitagórico, la música es número, frecuencia vibratoria y esto ha llevado a teorías especulativas sobre el origen natural y físico de los sonidos. Estas teorías ponen en valor aspectos intelectuales, incluso metafísicos, frente al valor emocional de la música separándose radicalmente respecto de la poesía o cualquier otra arte.

Otra de las grandes reflexiones es si la música tiene significado y cuál es este, una semanticidad que es de difícil demostración y que sin embargo se asume como un axioma inherente al sonido.

Todo esto se sustenta a lo largo del tiempo en dos tesis profundamente arraigadas en el pensamiento occidental. Una de ellas referente a la ética, que asume que la música incide en nuestros comportamientos y expresa nuestros sentimientos y emociones. La otra tesis, se sustenta en un sentido de la música hedonista que entiende la música como algo placentero o susceptible de producir placer. En este sentido, algunos dan por hecho que la música tiene capacidad educativa, que es transmisora de valores, al mismo tiempo otros ponen la evidencia en nuestros sentidos y la capacidad de la música para excitarlos. Esta discusión histórica ha llegado a casos extremos como el formalismo antiromántico del compositor ruso Igor Stravinsky que negaba cualquier capacidad significante de la música fuera del sonido mismo o la del compositor americano Aaron Coplan que si bien admite que la música es capaz de expresar algo, esto no es posible definirlo con palabras.

La música acarrea además otro problema a lo largo de la historia ya que no es hasta tiempos cercanos que se ha tenido conciencia de su pasado. El recuerdo y la reflexión del tiempo anterior, para tener conciencia del camino seguido, no ha estado en la base misma del devenir histórico de la música y ha tenido como consecuencia el que la historia de la música haya sido un aparte de la historia oficial del arte.

El porque de esto es complejo de explicar pero algunas cuestiones ayudan a comprenderlo como la falta de conciencia histórica que se debido fundamentalmente a que la música es un arte en el tiempo que desaparece tras la ejecución. Los músicos no tuvieron conciencia de la necesidad de perpetuarla y el pasado musical nunca ha sido un modelo válido de reflexión por parte de los propios músicos. A esto, podemos añadir el carácter utilitario que la música ha portado en la historia, sea para acompañar cualquier cosa, poesía o actos de todo tipo, un carácter servil que desde Grecia separó praxis y teoría. Una idea que lleva a reflexionar sobre la marginalidad social del músico a lo largo del tiempo, considerado un artesano y no un artista, que tardo mucho tiempo en tener la consideración social que le correspondía. Una separación que desde los griegos antiguos se ha secularizado en dos caminos llamados música mundana y música humana, teoría y práctica, separadas para siempre y que representan un caso anómalo en la historia de las artes.

Finalmente habría que preguntarse qué fenómeno extraordinario a permitido a pesar de esto que la música se perpetúe a lo largo del tiempo. Sin ánimo de especular, la respuesta podría estar en la oralidad, en la transmisión patrimonial de una generación a otra y de un lugar a otro de una manera que otras artes no han podido hacerlo. Un modelo distinto de memoria histórica que lleva a reflexionar como, el acceso y disfrute de la música es profundamente democrático e incluyente, alejado de los cauces académicos y pone en evidencia unos valores universales marcados por el carácter no lingüístico de la música, su naturaleza prelógica, irracional, y que es posible encontrar en lo más antiguo y profundo de la naturaleza humana.

EL MUNDO GRIEGO

Los textos de la antigua Grecia revelan una cultura musical bastante extendida en una sociedad en que la música no era una actividad secundaria. Desgraciadamente la ausencia de fuentes primarias es un problema y no pequeño para poder reconstruir el entramado sonoro de la antigüedad que en muchos casos se encuentra solo en pequeños fragmentos indescifrables. A pesar de esto el origen de la música occidental se encuentra en el corazón mismo de la teoría musical griega.

El pensamiento musical griego está dominado fundamentalmente por un impulso ético educativo dejando claro que la Musiké era un conjunto de actividades diversas que englobaba poesía, danza, gimnasia, teatro y a la propia música.

Podemos afirmar que desde su origen la música tuvo un marcado fin utilitario al servicio de otras cosas o con ellas.

Otro concepto importante en el mundo griego es el de la catarsis, el poder de la música sobre el espíritu, un concepto estético que acerca a la música como medicina del alma, como correctora de malas inclinaciones, una especie de homeopatía musical que hoy día estaría en consonancia con la moderna Musicoterapia.

Platón se separa un poco de este pensamiento pitagórico para elevar a la música a un estado más hedonista, un hacer referente a conseguir placer y por lo tanto un arte, una tekhné y menos una ciencia. Finalmente Platón se postula en cuanto al valor educativo de la música solamente si esta es buena, amparada por la tradición, acercándose de nuevo al pitagorismo al utilizar la música como instrumento de conocimiento, entroncando de nuevo con la idea de una música pensada y no oída, teoría y práctica otra vez en el centro de la polémica estética y origen de la escisión entre música y cultura aún no cerrada en nuestros días.

Aristóteles sin embargo da un paso más declarando que la música tiene como fin último el placer y de ahí el ocio, resultando la música una especie de pasatiempo necesario en el descanso en la educación de los hombres libres. En Aristóteles se afianza el concepto de Ethos para la música y su capacidad para provocar pasiones.

Esta teoría termina y culmina en un alumno de Aristóteles llamado Aristoxeno de Tarento, que hace la más importante síntesis de todas las teorías griegas, sentando las bases de la música sobre los aspectos psicológicos y subjetivos de la audición musical. Aristoxeno se sitúa así como el primer y auténtico esteta musical, siendo su mayor contribución la de poner en primer plano la cualidad de la belleza de la música con respecto a un modo o escala y no el Ethos, su sentido ético moral y educativo.

EL MEDIEVO

El cristianismo en sus inicios tuvo que afrontar los problemas heredados por un lado de la visión musical del mundo griego y por otro con la tradición sinagoga hebrea. El cristianismo tenía que buscar un camino nuevo que ayudara a sus nuevas expectativas religiosas. Una solución fue la creación del canto litúrgico, un tema que sin embargo les trajo un sinfín de problemas, problemas que venían a causa de la herencia griega ya que en esta concepción la música tanto valía para la perdición del alma en su aspecto hedonista como para la elevación del espíritu en su visión pitagórica. La distinción de el problema no era de estilo sino de cambio de función; la oración hecha canto libró así del demonio, del aspecto pagano a la música hacia el poder de la fe religiosa que en definitiva convirtió el Orfeo griego ahora en el salmódico David de la Biblia.

Es San Agustín quien consigue hacer la síntesis de todos estos elementos, en un drama sin igual en la historia del arte que se debate entre el deleite de la música y sus terribles consecuencias para la fe. Dicotomía que ha marcado la historia misma de la música. Será un discípulo de Agustín, Boecio quien hará la revolución musical al dividir la música en tres niveles diferentes. Separación que ha estado presente durante siglos en el corazón mismo de la discusión musical.
Música mundana aquella que es de la armonía del cosmos, Música humana aquella del cuerpo y del alma y Música instrumentalis que es en definitiva la música tal y como la entendemos.

El año 1000, marca un punto de inflexión en el pensamiento medieval, ya que por primera vez toda esta teoría se desmorona en aras de una nueva preocupación sobre la música en concreto y sus problemas técnicos. Es un monje llamado Guido de Arezzo quien se enfrentará por primera vez con los problemas de la polifonía, la educación musical y los inicios de la escritura musical. Esto apartará definitivamente la idea de ciencia abstracta para imponerse la idea de una música práctica con nuevos conceptos de belleza aplicados a ella. Las matemáticas dejarán su lugar a la psicología del sonido y sus efectos sobre el individuo.

El final de la edad media traerá la primera gran discusión sobre la música con la aparición del Ars Nova que provocará una debacle que llevará hasta la promulgación de una bula Papal que puso de manifiesto el cambio que supuso el paso de una música al servicio de otras cosas y una música como fin en sí misma gracias a los avances del contrapunto y la emancipación de la disonancia.

EL RENACIMIENTO

El renacimiento musical acabó definitivamente con el platonismo medieval abriendo la puerta a Aristóteles en un reconocimiento del placer como objetivo final de la música. Las ideas aristotélicas trajeron el fin de la separación de las músicas quedando únicamente la instrumental ya que es la que se oye y por lo tanto la única medible y analizable. Análisis que se hace en función del efecto que produce y que cambia el antiguo concepto matemático de consonancia y disonancia por otro, donde primará la subjetividad del oyente partiendo de un pensamiento naturalista que preconiza, gracias al descubrimiento de los armónicos y su teoría, la naturaleza intrínseca de los acordes consonantes, producto ajeno a la mano del hombre y que acarreará la aparición de un nuevo racionalismo matemático que entronca de nuevo con la Grecia antigua. El renacimiento inicia el cambio de condición social del músico hasta su integración en todos los aspectos de la cultura

En su fase final el renacimiento trajo el nacimiento del melodrama y de nuevo una revalorización de la palabra respecto a la música. Se estudian sus efectos, asociando el sonido apropiado al significado de la palabra y creándose lo que conocemos hoy como la teoría de los los Afectos, teoría que culmina en la creación de todo un vocabulario musical apropiado al texto que acompaña. El lugar de reflexión y discusión de todos estos temas será alrededor de lo que se dio en llamar la Camerata de los Bardi y que culminará en el compositor Claudio Monteverdi como creador de la primera ópera de la historia.

EL BARROCO

Durante el barroco se culmina y afianza la teoría de los afectos que no será más que una reanudación del humanismo renacentista y el ethos griego, ideas que se pueden resumir en un postulado sencillo: la música y el ánimo están en relación directa. La música se crea y compone con las mismas leyes de la retórica. El nombre dado a esta música será el de Música patética, una teoría basada en el temperamento de las personas y que declara que al igual que éste es innato de cada cual, el músico puede elegir para componer según esta gama de temperamentos libremente. Será a causa de esta idea de pensamiento que la música llegará en el barroco a una enorme y compleja cantidad de obras, géneros y estilos. La música sube un escalón más y si ya producía placer ahora es además el instrumento que intensifica las pasiones. El racionalismo barroco por otro lado buscará así una estética basada en la acústica y la psicología auditiva.

EL CLÁSICISMO

La ilustración marca también para la música el eje de inflexión de la modernidad. En el año 1772 se crea el primer periódico musical en Alemania titulado la crítica musical, en este, el primer crítico de la historia Adolf Schiebel tratará las cuestiones relevantes de la música acercándola a un público no especializado.
La teoría de los afectos se ampliará trasladándola a todos los órdenes de la música y sus parámetros, por ejemplo, en la duración del sonido, llamándosele doctrina de las figuras, en la altura del sonido, en su frecuencia, haciendo corresponder intervalos y acordes a emociones concretas, en la intensidad del sonido, con la creación de todos de todo tipo de efectos como el crescendo o la invención del pianoforte instrumento capaz de tocar sonidos débiles y sonidos fuertes, irrumpe así la dinámica como elemento mensurable y finalmente el timbre, dando lugar a toda una teoría de color orquestal donde cada instrumento o registro instrumental tiene un color emotivo. Todo un nuevo léxico musical estereotipado en una rígida retórica que excluye la intuición musical. Su primera y más ingente labor será una crítica despiadada al barroco que representa Bach. Sin embargo frente a esta rigidez un nuevo elemento estético estaba emergiendo desde la teoría de los afectos, el gusto musical, un nuevo parámetro basado en la subjetividad y la ausencia de reglas para la creación musical sin imposiciones. Esta dicotomía dio en una nueva polémica que se vértebra entre el racionalismo musical ilustrado y galante y una vena sentimental y racional representado por el "sturm und drang".

El melodrama se erigirá como el género por excelencia y el motivo de todas las discusiones y consideraciones estéticas. El sentido moralizante, educativo pero también de verosimilitud de la escena encuentra eco en todas las capas sociales.

El compositor francés Rameau consigue desmarcarse de esta problemática que alcanzó incluso a la política en manos de los enciclopedistas. Lo primero que hizo fue encontrar unos contenidos que fueran mensurables, analizable que permitirán recuperar para la música el estado de ciencia y para esto escribió el tratado de armonía que hoy día sigue siendo la base científica de esta disciplina. De nuevo el número y el Pitagorismo pasan a primer plano, una vuelta al naturalismo del número inmerso ahora en la concepción Newtoniana sin excluir la relación de la música con los sentimientos.

Sobre las ideas de este compositor se pondrán las fases tempranas del romanticismo al colocar al acorde y por tanto a la armonía como el eje y el fundamento de la composición musical. Al mismo tiempo los enciclopedistas franceses dirigidos por Jean-Jacques Rousseau iniciarán una larga y feroz defensa de todo lo contrario, poniendo a la melodía en el centro y eje de la creación musical en tanto en cuanto es a la vez, la voz del artista y la del pueblo, afirmando que la música es el lenguaje que habla más cerca del corazón del hombre.

Este debate permitió y propició la aparición de la crítica musical, la historiografía, los tratados de interpretación y en definitiva las consideraciones estéticas sobre la música.

Denis Diderot irá más allá aupando por primera vez a la música sobre las demás artes explicando que la música en su imprecisión conceptual es el arte más realista que puede hacer aflorar los lugares más inaccesibles de la realidad. Una idea capital, que se encuentra incluso en la filosofía de Kant, quien afirma que la música es una lengua de las emociones, universal y por lo tanto comprensible por todos los hombres.

EL ROMANTICISMO

Durante el romanticismo triunfa la idea de la asemanticidad de la música que la convierte en un arte privilegiado frente a las otras y encumbrada por encima de ellas.

Se contrapone la transparencia de la palabra frente a la indeterminación conceptual del sonido, la música en palabras de los filósofos románticos "pinta sentimientos humanos de manera sobrehumana". La música es un lenguaje que entendemos pero no sabemos porque nos ha venido dado en nuestra condición humana.

El esfuerzo estético romántico ira en el sentido de encontrar el ámbito expresivo propio de la música y que está en la música instrumental convertida así en el canalizador y símbolo de un lenguaje privilegiado. Por primera vez filósofos, literatos y músicos escribirán al unísono sobre la música considerada como lenguaje universal y abstracto.

Al mismo tiempo y en oposición a esto se desarrolla por parte de los músicos una corriente descriptiva y programática cuyo máximo exponente será el poema sinfónico. Una nueva categoría que el compositor húngaro Franz Liszt definirá como el poeta-músico dónde la fantasía ocupará el primer plano de la creación musical.

En este tiempo Richard Wagner desarrolla su idea de obra de arte total, considerando a la música como el punto de encuentro de todas las artes. Esta filosofía culminará en el drama wagnerianos apoyado por la figura del filósofo Friedrich Nietzsche que declarará a la música como el origen de todas las artes.

La segunda mitad del siglo XIX quedará acaparada prácticamente hasta nuestros días por el formalismo de Eduard Hanslick, un pensamiento estético basado en la objetividad científica, aromántico y que declara que la música no expresa otra cosa que música y sus ideas son puramente musicales. Como mucho la música representa simbólicamente a otras cosas. Esta tendencia propiciará el estudio sistemático y científico de la música y la aparición de nuevas disciplinas como la musicología la acústica y la psicología auditiva entre otras.

SIGLO XX

El principio del siglo XX es convulso y rico en ideas estéticas contrapuestas. El siglo se inicia con el formalismo de Igor Stravinsky compositor que concibe a la música como un artesanado y al músico como un artesano para quien la materia sonora y su manipulación es el fin mismo de la creación. Una postura anti romántica que niega la inspiración y el concepto de artista "afectado" llegando al caso extremo de negar la expresión propia de la música.

Otra corriente importante de pensamiento musical tratará de profundizar en las estructuras comunicativas de lenguaje musical. Dos tendencias diferenciadas se darán a la vez, una en la línea de que el símbolo musical tiene un significado implícito en el mismo y otra basada en la psicología de la música en tanto en cuanto la música es el producto de una espera, una tensión-distensión que solo se manifiesta y explica en el momento de la audición.

Otros tratadistas ponen el centro de atención estético en el análisis y el estudio de la estructura musical muy en la línea de los estudios modernos de la lingüística.

Finalmente la ruptura protagonizada por las vanguardias de primero de siglo se verán apoyadas por las ideas del filósofo marxista Theodor Adorno que incluye en la música el aspecto social y que ha permitido el desarrollo de una de las últimas ciencias musicales, la sociología aplicada a la música y que dota a la música de la capacidad para denunciar ante la sociedad sus imperfecciones.

La última corriente de creación, el dodecafonismo, representa para Adorno la falta de libertad del hombre moderno en la rigidez del sistema impuesto.

La música electrónica y la inclusión del ruido en la música provocarán una revolución sonora cuya continuidad se ha visto truncada en un camino sin salida que en los últimos tiempos ha llevado a los músicos a una vuelta al pasado en consonancia con el desarrollo de los medios de comunicación de masas que machaca de manera insistente música de consumo y que ha aislado a los creadores tanto por falta de espacio para exponer su obra como de público especializado dándose la paradoja que hoy día el compositor se ve en la obligación de explicar y justificar su creación para obtener el reconocimiento.

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ESTÉTICA MUSICAL, REFLEXIONES SOBRE EL SIGNIFICADO DE LA MÚSICA

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ESTÉTICA MUSICAL, REFLEXIONES SOBRE EL SIGNIFICADO DE LA MÚSICA ¿Que es la estética musical?, ¿Hay una estética de la música?, ¿Desde cuando hemos reflexionado sobre este tema? , ¿Es una disciplina autónoma?, ¿De que trata específicamente?. Preguntas difíciles de responder si no es haciéndonos a la vez otras preguntas igual de ambiguas a causa de...

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Es una expresión acústica.

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La luz es lo que permite y caracteriza la visión. Su importancia en el cine estriba no sólo en la cuestión técnica de "proveer" de luz suficiente a la escena para poder grabarla y verla, sino además en el aspecto creativo para "crear" una determinada atmosfera (PEREIRA DOMÍNGUEZ, C. 2005).

Esta segunda función es muy explotada en el cine mediante diversas técnicas de iluminación, que en síntesis, consisten en contrastes, sombras y claros, influyendo en el significado de la imagen, expresando emociones, diferenciando aspectos, creando ambientes, generando volúmenes, potenciando la nitidez de la imagen o difuminándola, etc. (AGUILAR, P. 1996).

La luz, sobre todo la artificial, permite ser controlada en cuanto a su intensidad, dirección, calidad y color. Así, la iluminación manipulada crea sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera de una película.

Hay muchas clasificaciones de la luz en el cine, ya que puede clasificarse por varios criterios, pero nosotros, desde un enfoque conceptual comprensivo, establecemos la siguiente clasificación:

Es un elemento expresivo que refleja la naturalidad de los elementos de una fotografía o de un plano, pero también se usa con fines efectistas.

El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos. En ocasiones, el color puede provocar un impacto mayor incluso que el motivo en sí mismo (pensemos en un montón de naranjas apiladas en un mercado, o en una bandeja llena de azafrán, ...), y esto en el cine tiene un uso efectista.

Reparando un poco en las películas que hemos visto a lo largo de nuestra vida, no nos resulta nada extraño recordar que en los entornos fríos dominan los azules, en ambientes tristes los grises y verdes degradados, en las comedias (americanas sobre todo) los colores son variados y muy saturados (puros), los colores cálidos adornan las escenas sensuales, etc...

Si utilizamos la metáfora de la paleta del pintor, los elementos fundamentales que maneja el cineasta (más concretamente el director de fotografía) podrían ser:

Gama cromática: es en realidad la variedad de colores que conforman el segmento de la luz. Básicamente son 6: amarillo, rojo, magenta, azul, cian y verde. A su vez, entre ellos existen múltiples tono

Tono: el diferente grado de luz que un objeto absorbe o rechaza dará como resultado en la imagen unos valores de tono que irán desde el blanco al negro, pasando por una serie de grises. Toda la gama de tonos posibles constituye la escala de tonos.

Saturación o intensidad: es la fuerza del color. Estará más saturado con iluminación suave y difusa, pues se eliminan tanto sombras como reflejos, propios de luces duras. Las sombras apagan el color y las fuertes intensidades lo debilitan.

Valor o Brillo: es un término que describe el grado de claridad u oscuridad de un color, y se refiere a la cantidad de luz percibida. El brillo se puede definir como la cantidad de "oscuridad" que tiene un color, es decir, representa lo claro u oscuro que es un color respecto de su color patrón.

2. El color y sus efectos

Los colores tienen significado; por lo tanto, es conveniente usar el color apropiado para cada tema.

Los significados típicos de los colores y sus efectos psicológicos se resumen en:

En el cine se trabajan diferentes patrones de color según el efecto que persiga el creador:

La perspectiva y la mirada del espectador también se ven afectadas por el uso del color:

CONCLUSIONES

AGUILAR, P. (1996): Manual del espectador inteligente. Madrid. Ed. Fundamentos.

FERNÁNDEZ SANTOS, A. (2007): La mirada encendida. Escritos sobre cine. Barcelona. Ed. Debate.

GISPERT, E. (2008): Cine, ficción y educación.Barcelona. Ed. Laertes

PEREIRA DOMÍNGUEZ, C. (2005): Los valores del cine de animación. Barcelona. Ed. PPU.

VV.AA. (1991): Foto y video. (Vol. I y II). Barcelona. RBA Editores.

El color y la luz como elementos de lenguaje. www.uhu.es

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La luz es lo que permite y caracteriza la visión. Su importancia en el cine estriba no sólo en la cuestión técnica de "proveer" de luz suficiente a la escena para poder grabarla y verla, sino además en el aspecto creativo para "crear" una determinada atmosfera (PEREIRA DOMÍNGUEZ, C. 2005).

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Comienza en París, Francia. Es una expresión visual.

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La danza acompañada de la música es una expresión artística por el medio físico.

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Aquí se menciona la relación de la estética con la danza.

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FILOSOFIA DE LA DANZAPor Vicky Larrainculturachile2007@gmail.comwww.arteypolitica.clDanzar no es solo mover el cuerpo al ritmo de una música, eso significa bailar y todos bailamos bien, mal pero

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Es presentado en un establecimiento -nombrado teatro-. Es una expresión artística visual y física. Es también considerado un arte.

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Reflexión sobre la estética en el teatro contemporáneo

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Las dinámicas culturales, políticas, sociales y artísticas contemporáneas crean una profunda reflexión dentro del paradigma estético de las artes escénicas.