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Ficción y documental

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Imágenes en movimiento

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/cineyeducacion/cineprecine.htm.

Desde la antigüedad, una lenta etapa experimental precedió al "Cinematógrafo" de los Lumière. Ya fuera por ciencia, curiosidad o espectáculo, se trabajó incansablemente por ofrecer al publico "lo nunca visto", la "ultima maravilla de la ciencia".

Sin esta prehistoria, el cine no hubiera existido. Desde las cavernas, en que la Humanidad dejó plasmados sus dibujos, entre luces de antorchas y sombras, el mito de la caverna de Platón, dejaría de existir, enseñar, divertir y entretener mediante imágenes fue el objetivo de miles de personas, de eruditos e inventores, de actores y saltimbanquis, de fabricantes de juguetes y de comerciantes.

El cine, por tanto, fue producto de una evolución lenta, de una necesidad de la especie humana de expresarse mediante imágenes utilizando las técnicas y posibilidades de cada momento. Para ello se utilizaban los propios conocimientos, los mitos, el folclore y la narrativa, la religión y la ficción creativa.

Durante siglos, la gente quedaba maravillada por los inventos que se iban sucediendo, por la magia de las imágenes.

El interés por buscar nuevos caminos exigió la aplicación constante de la técnica y de la investigación, por lo que la base del cine está en el desarrollo de la ciencia y la técnica, en la que se basa y a la que le aportó muchos de sus descubrimientos.

Uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine fueron las observaciones de Peter Mark Roget, secretario de la Real Sociedad de Londres, que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de Persistencia de la visión en lo que afecta a los objetos en movimiento, en el que establecía que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante. Este descubrimiento estimuló a varios científicos a investigar para demostrar el principio, hoy discutido, de la persistencia de la imagen en la retina.

Concretamente, se descubrió que si 16 imágenes de un movimiento que transcurre en un segundo se hacen pasar sucesivamente también en un segundo, la persistencia de la visión las une y hace que se vean como una sola imagen en movimiento.

Un instrumento que se convirtió en juguete, el zoótropo, es uno de los antecedentes más claros del cine. Consta de una serie de dibujos impresos en sentido horizontal en bandas de papel colocadas en el interior de un tambor giratorio montado sobre un eje; en la mitad del cilindro, una serie de ranuras verticales, por las cuales se mira, permiten que, al girar el aparato, se perciban las imágenes en movimiento. Un ingenio algo más elaborado fue el praxinoscopio, un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del tambor. Según giraba el tambor, los dibujos parecían cobrar vida.

Mientras tanto, nació la fotografía, sin la cual no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A medida que la velocidad de las emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento. En 1877 el fotógrafo Eadweard Muybridge empleó una batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de movimientos del galope de un caballo.

El cronofotógrafo portátil, una especie de fusil fotográfico, movía una única banda que permitía obtener doce imágenes en una placa giratoria que completaba su revolución en un segundo. Fue un paso relevante hacia el desarrollo de la primera cámara de imágenes en movimiento.

Hasta 1890, los científicos estaban interesados principalmente en el desarrollo de la fotografía más que en el de la cinematografía. Thomas Alva Edison construyó un laboratorio en Nueva Jersey, que se convirtió en el primer estudio de cine del mundo. Su ayudante William K. L. Dickson está considerado por algunos como el diseñador de la primera máquina de cine, el kinetoscopio, que no era propiamente una cámara de cine.

En Francia, los hermanos Louis y Auguste Lumière llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine. Se presentó oficialmente al público el 28 de diciembre de 1895.

1. Espectáculo de luces y sombras

La sombra arrojada por un soporte opaco, o translúcido o transparente es, sin duda, el método más antiguo y sencillo de crear imágenes en movimiento, desde que los hombres primitivos se quedaron por primera vez maravillados ante las formas proyectadas por el fuego sobre las paredes de sus cavernas.

El arte de sombras chinescas data de la dinastía Han, en China, de hace unos dos mil años, cuando se veían funciones ofrecidas por pequeños grupos de sombras chinescas en muchas calles y callejones. Con el tiempo, pasaron desde el Extremo Oriente hasta el Oriente Próximo, Persia, Turquía y Grecia, adquiriendo nuevos repertorios y nuevas modalidades de comedia popular, y de ahí, a Europa occidental. Fue a partir de 1770 cuando las sombras chinescas se pusieron de moda en occidente. El propio Goethe fundó su propio teatro de sombras chinescas. En Inglaterra continuó existiendo hasta el segundo periodo de la era Victoriana con gran éxito de público, con abundantes efectos lumínicos que representaban tempestades y naufragios.

En Francia se mantuvieron hasta la llegada del cine. El pintor Henri Riviere aportó su arte, inventó elaborados sistemas de luces y sombras para conseguir efectos visuales, tales como fundidos, superposiciones de colores y otros, con los que sólo rivalizaría el cine muchos años más tarde.

Las figuras, articuladas, se hicieron de infinidad de materiales, pero es de destacar que los chinos las hacían de piel de asno, engrasadas para que resultaran traslucidas y luego recortadas y pintadas, se movían mediante sencillos dispositivos a base de alambres, proyectando sombras coloreadas sobre una pantalla tensada de papel de seda.

El arte que hace posible las sombras chinescas es peculiar e integrador , pues debe mucho a la acumulación y perfeccionamiento de experiencias de los artistas folklóricos durante varias generaciones , posee un gran despliegue de imaginación y especial audacia y exageración, y se basa en la plástica y en la escultura, al moldear los distintos rasgos de los personajes , los escenarios adecuados a la trama y los utensilios, paisajes, animales y plantas necesarios. Es arte integrador pues compendia muchas ramas artísticas, ya que se complementan obras teatrales y literarias, artes plásticas, música, acrobacia y destreza para la manipulación escénica.

Su utilización se extinguió con la llegada del cinematógrafo, aunque fue gracias al cine, a las películas de siluetas animadas de Lotte Reiniger, quien filmó marionetas utilizando técnicas casi idénticas a las de las sombras chinescas, como esta antigua tradición de imágenes en movimiento, se vio resucitada.

2. Ver la realidad de forma diferente

Durante todo el siglo anterior al nacimiento del cine, los artistas se dedicaron a crear imágenes gigantescas que daban la impresión de realidad rodeando al espectador o engañando su vista mediante elaborados efectos de iluminación.

Se crearon así cuadros circulares de enormes dimensiones, sobre la superficie interior de un cilindro o circunferencia. Los pintores reproducían ciudades y paisajes, en bastidores giratorios que lograban que todos los espectadores vieran las pinturas, batallas y otros acontecimientos.

El efecto dependía de privar a los espectadores de cualquier encuadre o marco de referencia ordinario. La imagen les rodeaba desde todos los lados, sin bordes o junturas aparentes. El cielo se extendía más allá de la escena y por detrás de su campo de visión, ocultándose la parte superior del cuadro a los espectadores por medio de un dosel. En 1791, Barker, su inventor, lo llamó "Panorama", del griego, que significa "visión global", y llegó a tener un edificio especial permanente en Londres, hasta 1863.

El rival más serio del "Panorama" fue el "Diorama", creado en Paris en 1822 por Daguerre, pionero de la fotografía, que realizó montajes con zonas traslúcidas, que iluminaba a su gusto, dando la sensación de cambio entre día y noche, las estaciones de año, o tempestades y otros efectos, alguno de ellos muy efectistas y terroríficos. Los panoramas se hacían también en formatos reducidos, como juguetes u objetos de diversión familiar.

3. La cámara oscura. De fuera hacia adentro

Los antecedentes de la linterna mágica están en la cámara oscura. Posiblemente nunca se sabrá con precisión quién y cuándo descubrió la cámara oscura; pero sí es posible asegurar que antes de ser utilizada para realizar imágenes fotográficas, fue considerada como una herramienta útil para profundizar en el conocimiento.

Esto condujo a los filósofos (la utilizó Aristóteles para estudiar los eclipses de sol) a observar los efectos de la luz en todas sus manifestaciones y fue utilizada por observadores de la naturaleza, experimentadores y alquimistas con intereses científicos. Esto permitió que con el paso del tiempo se lograra perfeccionar de tal manera que, después de varios siglos de una presencia casi imperceptible, con algunas modificaciones se convirtiera en una de las herramientas indispensables para la obtención de imágenes fotográficas. La utilización de ella por infinidad de magos para realizar sus trucos, hizo que durante siglos se recibiera el nombre de "caja mágica".

No fue sino hasta la segunda mitad del siglo XV cuando se volvió a tener noticia de la cámara oscura a través de Leonardo da Vinci, quien redescubrió su funcionamiento y le adjudicó una utilidad práctica por lo que se le ha otorgado el crédito de su descubrimiento. En el siglo XVI un físico napolitano, Giovanni Battista Della Porta, antepuso al orificio una lupa y con ella obtuvo mayor nitidez y luminosidad en la imagen. A partir de este avance varios científicos se dedicaron a perfeccionarla. Esta aportación fue fundamental para el desarrollo de la fotografía, ya que marcó el principio de lo que hoy conocemos como el objetivo de la cámara, el cual permite la captura de imágenes a diferentes distancias y ángulos obteniendo como resultado imágenes nítidas y luminosas. La cámara de Della Porta es ya, en potencia, una cámara fotográfica, pues dispone de lentes de precisión y de espejos para reinvertir la imagen.

A todo lo largo de los siglos XVII y XVlll, en Europa y otros lugares, los titiriteros viajaban con sus linternas mágicas para deleitar, asombrar y aterrorizar a sus sencillos espectadores.

4. Para ver el movimiento

En 1824, el Dr. John Ayrton Paris (inglés) puso a la venta en Londres el taumatropo. Primer juguete óptico que explota la persistencia de la imagen sobre la retina, compuesto de un disco y de hilos vinculados a las extremidades de su diámetro. Sobre cada cara hay un dibujo; al hacer girar sobre un eje el disco, se ven simultáneamente los 2 dibujos.

Tales instrumentos utilizan una técnica comparable a las modernas películas de dibujos animados. El principio es este: Se dibujan una serie de imágenes cada una mostrando una etapa de un movimiento. Mostrando estas imágenes en tan rápida sucesión que el cerebro no tenga tiempo para registrarlas como imágenes separadas, una a continuación de otra, se hacen pasar rápidamente para dar la impresión de movimiento continuo.

Para ver en al exposición. En la exposición se puede practicar con varios taumatropos.

El zoótropo, denominado también tambor mágico, fue inventado por William George Hörner (inglés). Se puso de moda hacia 1860, sustituyó el sistema de disco y espejo del Phenakistiscope, mediante un tambor hueco y abierto por arriba, con ranuras a todo lo largo de su borde, en cuyo interior se colocaban tiras de papel que llevaban impresas las necesarias series de dibujos.

Consta de una serie de dibujos impresos en sentido horizontal en bandas de papel colocadas en el interior de un tambor giratorio montado sobre un eje; en la mitad del cilindro, una serie de ranuras verticales, por las cuales se mira, permiten que, al girar el aparato, se perciban las imágenes en movimiento. La tira de papel es de igual longitud al perímetro de la circunferencia interna del tambor. En dicha tira de papel se dibuja una figura en movimiento, de la que se hacen tantas imágenes o fases de movimiento como ranuras tenga el tambor. Al hacer girar el tambor y observar su interior a través de las ranuras, se ve como las diversas figuras adquieren movimiento.

En 1877, el francés Emile Reynaud sustituyó las ranuras, el equivalente del obturador en un moderno proyector de películas, por un dispositivo de espejos en forma de prisma, situados en el centro. Así eliminó la distorsión en la visión de las imágenes causada por la luz insuficiente que pasa a través de las pequeñas ranuras del Zootropo. La mejora en la calidad de la imagen se tradujo en una inmediata popularidad.

Combinó tecnología y arte, pues la atracción que despertaba el juguete radicaba no solo en las imágenes en movimiento, sino también en las tiras de imágenes que Reynaud creaba para el mismo. Había hasta treinta y seis modelos diferentes. Todos ellos impresos en color, y entre los personajes animados figuraban juglares, funambulistas, forzudos, payasos, un mono que tocaba el violonchelo, y un bebé que devoraba su desayuno.

Más adelante creó el llamado Theatre Optique (Teatro Óptico o Teatro Praxinoscópico) en el que se situaba la acción del personaje en el centro de una escenografía fija. A través de una combinación de espejos se movían en un escenario tenues figuras luminosas. En él, las pequeñas imágenes "vivas" se contemplaban en una especie de proscenio y se superponían sobre escenas en miniatura, lo que representaba una notable anticipación de la sobreimpresión y las dobles exposiciones del cine.

El Teatro Praxinoscópico llegó a ser muy popular. Más aún cuando la convirtió en una propuesta visual completa, a la que se agregó un breve argumento y una banda sonora con música combinaba con la imagen. Finalmente, Reynaud adaptó los principios del Praxinoscopio para proyectar en una pantalla lo que eran en la práctica las primeras películas de dibujos animados.

Para ver en la exposición. En la exposición se puede ver un Praxinoscopio-teatro, francés, de 1879.

5. Los entretenimientos ópticos

Fue en la segunda mitad del siglo XVIII cuando se hicieron famosos los entretenimientos ópticos, que continuaron hasta la llegada del cinematógrafo. A ello contribuyó notablemente la proliferación popular de imágenes impresas, los periódicos y la facilidad del trasporte y la comunicación.

Los instrumentos ópticos han sido tradicionalmente de dos tipos, los que reciben la imagen desde el exterior y la plasman en el interior, (la cámara oscura, la cámara fotográfica, las cámaras cinematográficas, las filmadoras de todo tipo) o las que proyectan las imágenes hacia el exterior (Linterna mágica y todo tipo de proyectores, el proyector cinematográfico, etc.).

De todos los entretenimientos ópticos que existieron antes del cine, la linterna mágica fue el de mayor utilidad y el más duradero. La linterna mágica, cuya forma básica todavía sobrevive en el proyector de diapositivas, encarna los mismos principios esenciales que cualquier proyector de imágenes en movimiento: una poderosa fuente lumínica, concentrada por medio de un condensador y que atraviesa una imagen transparente para proyectar una impresión ampliada de la misma, con todo su color y detalle, sobre una pantalla blanca.

El estereoscopio es un aparato que consta de unos binoculares que permiten observar la realidad con un efecto 3D y que más tarde y unido al descubrimiento de la cámara de fotos dieron lugar a la cámara estereoscópica.

Su inventor fue Charles Wheatstone, físico experimental inglés, que fue el primero en tomar una imagen con efecto 3D apoyándose en el aparato previamente inventado por él en 1833.

Ha sido utilizado por topógrafos para hacer mediciones topográficas hasta que aparecieron los procedimientos mediante satélite observando las fotos tomadas por aviones con estereoscopios

La imagen estereoscópica

Una imagen estereoscópica es una imagen en 3D. Está compuesta por dos imágenes superpuestas con una diferencia mínima entre sí. Estas dos imágenes se pueden ver por separado con la ayuda de unas lentes especiales (lentes 3D). Las lentes lo que hacen es filtrar las imágenes haciendo que un ojo perciba una imagen y el otro perciba la otra imagen, haciendo que el cerebro mezcle las imágenes y den la sensación de 3 dimensiones.

La visión estereoscópica se basa en la visión real de los seres humanos, la visión binocular (dos ojos) que produce la sensación de una imagen en tres dimensiones, al ser procesadas por el , a la vez, las dos imágenes que captan las retinas oculares.

La cámara fotográfica es en realidad una cámara oscura, con una abertura en uno de los extremos para que pueda entrar la luz, y una superficie de grabación que captura la luz en el otro extremo. La gran diferencia con la cámara oscura es que la superficie en la que se recibe la luz posee una placa cubierta de una emulsión sensible a la luz, que permite realizar posteriormente el proceso de revelado y por lo tanto conservar la imagen. Lentes, fuelles, obturadores y diafragmas, permiten enfocar, graduar las distancias, permitir el paso de mayor o menor luz, etc., con le fin de perfeccionar la imagen obtenida.

Para ver en la exposición. En la exposición se puede ver una cámara fotográfica fabricada en Francia, de la década de 1900.

Las primeras fotografías, llamadas heliografías, fueron hechas en 1827 por el físico francés Nicéphore Niépce. Unos años después el pintor francés Louis Jacques Mandé Daguerre realizó fotografías en planchas recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata: el daguerrotipo. Ambos descubrieron que, haciendo pasar vapores de yodo sobre una placa de plata, se produce en esta última una capa de yoduro de plata que se ennegrece con la luz. Luego eran tratadas con vapores de mercurio que fijaban las imágenes. Se obtenía una imagen única en la plancha de plata por cada exposición.

En 1861, el físico británico James Clerk Maxwell logró con éxito la primera fotografía en color mediante el procedimiento aditivo de color.

Pero la fijación de la imagen perdurable y resistente, flexible, liviana, se logró en 1869 con la invención del celuloide. Hacia fines del siglo XIX fueron fabricadas en escala comercial. La fotografía se constituyó poco a poco en un arte y en una importante forma de documentar la historia.

El invento de la película en rollo marcó el final de la era fotográfica primitiva y el comienzo de una etapa durante la cual aparecieron miles de fotógrafos aficionados que se interesaron en el nuevo invento. Estos nuevos descubrimientos hicieron posible el desarrollo del cinematógrafo, ya que sin este invento previo no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas.

Edward Muybridge, un fotógrafo inglés que vivía en Estados Unidos, en 1878, realizó una serie de fotografías, con una batería de cámaras, que se disparaban, primero mecánicamente y luego eléctricamente, según una persona o animal en movimiento pasaba por delante de ellas. Muybridge perfeccionó su invento en 1879, cuando reconstruyó los movimientos proyectando un disco de dibujos estrechamente basado en las imágenes fotográficas de manera serial y continuada para crear una imagen animada sobre la pantalla. La imagen podía desacelerarse para mostrar los detalles del movimiento. Fueron las primeras imágenes fotografiadas y proyectadas en movimiento.

En Europa, Etienne Marey, experimentó durante muchos años con métodos gráficos para captar el movimiento de las aves y de los animales aplicando la fotografía a sus investigaciones. En 1874, el astrónomo Jules Janssen, logró captar el paso del planeta Venus por delante del Sol mediante un "revolver fotográfico". En forma de arma de fuego, ésta cámara utilizaba una sola placa circular que giraba cada vez que se abría el obturador.

Basándose en los descubrimientos de Muybridge y de Jules Janssen, Marey perfeccionó en 1882 el fusil fotográfico, capaz de tomar doce fotografías individuales en solo un segundo.

En 1885, en Estados Unidos, George Eastman perfeccionó su rollo de película fotográfica, que se popularizó mucho para la foto fija cuando la adaptó a su cámara Kodak en 1888. Este avance dio nuevo impulso a los experimentos de Marey y representó un considerable paso adelante hacia el descubrimiento de la cámara cinematográfica. El Cronofotógrafo de Marey patentado en 1888, utilizaba una tira continua de película para captar una secuencia de fotos individuales. En 1893, sugirió la construcción de un proyector destinado a mostrar las imágenes individuales que había captado en forma de acción continua.

Cámara estereoscópica

Es una cámara fotográfica que toma dos imágenes normales que superpuestas en 2\3 de su superficie y observadas producen un efecto 3D en nuestros ojos

Consta de dos lentes que reflejan la misma imagen en nuestros ojos las cuales son captadas por una cámara de fotos convencional

La fotografía en tres dimensiones, nació casi con la fotografía misma. De hecho, al inventarse la fotografía en 1839, ya se sabía lo suficiente de la visión tridimensional, pero fue unos 10 años después, alrededor de 1850, cuando se toman y dan a conocer las primeras imágenes fotográficas tridimensionales. Un factor decisivo en la propagación de la fotografía tridimensional fue cuando la reina Victoria de Inglaterra, cautivada por ellas, ordenó le fueran tomadas imágenes de ese tipo. Ese hecho marca el inicio de la gran popularidad que tuvo la fotografía en 3D en el siglo XIX.

La linterna mágica. De dentro hacia afuera

Su invención de debe al jesuita alemán Atanasius Kircher (1602-1680), quien en el siglo XVII, basándose en el diseño de la cámara oscura, la cual recibía imágenes del exterior haciéndolas visibles en el interior de la misma, pensó en invertir este proceso, y llevar las imágenes de dentro a afuera. Pudo así proyectar textos a más a 150 m.

En ocasiones proyectaba diversas fases de un movimiento mediante grabados en cristales, que cambiaba de forma mecánica, por lo que es considerado un precursor de la animación.

El artefacto consistía en una cámara oscura con un juego de lentes y un soporte corredizo en el que colocaban transparencias pintadas sobre placas de vidrio. Estas imágenes se iluminaban con una lámpara de aceite (faltaba mucho para el invento de la luz eléctrica), y para que el humo pudiera tener salida se dotaba al conjunto de una vistosa chimenea.

Posteriormente, el italiano Cagliostro (1743-1795), y más tarde Giuseppe Balsamo, médico y charlatán, mejoraron los dispositivos, de modo que con un juego de ruedas se podía aumentar o disminuir el tamaño de la imagen proyectada.

Paulatinamente se popularizó la linterna mágica, y se le fueron encontrando aplicaciones prácticas. Mollet y Charles la introdujeron en la Sorbona, los primeros que utilizan en la didáctica un soporte visual proyectado para apoyar sus enseñanzas.

Hacia 1790, un belga, Etienne Robertson, consiguió un notable éxito en Paris con su Phantasmagoria: el interior de su teatro estaba decorado como una capilla gótica, y toda clase de fantasmas, brujas y demonios aparecían proyectados sobre una pantalla. Montando la linterna sobre un dispositivo con ruedas situado detrás de la pantalla traslúcida y ajustando el objetivo para mantener el foco, Robertson consiguió que sus aterradoras imágenes parecieran crecer o disminuir, con asombrosos efectos.

Linternistas rivales perfeccionaron otros avances, como por ejemplo Henry Langdon Childe que consiguió la disolución y sobreimpresión de imágenes proyectándolas desde dos linternas mágicas distintas.

La linterna mágica alcanzo la cúspide de su perfeccionamiento en la Inglaterra de finales del siglo XIX.

Sufrió un cambio fundamental en su diseño cuando fueron descubiertos la lámpara incandescente y el arco voltaico, y su aplicación sustituye con inmensa ventaja la iluminación por lámpara de aceite. Al aparecer la fotografía, las transparencias pintadas fueron sustituidas por diapositivas. La linterna mágica se convirtió en una ampliadora fotográfica antes de convertirse en proyector cinematográfico.

Desde el primer momento, los hombres del espectáculo intentaron proporcionar a su público el atractivo extra de movimientos en la pantalla. Moviendo la imagen en el proyector se podía dar una impresión convincente de figuras que se desplazaban. Toda una serie de ingeniosos dispositivos destinados a manipular o hacer girar cristales circulares eran capaces de producir movimientos mecánicos en las imágenes.

Cuando en el periodo comprendido entre 1850 y 1860, se adaptó el disco rotativo del Phenakistiscope a la linterna mágica, se consiguió proyectar sobre una pantalla en movimiento. En 1892, el Teatro Óptico de Reynaud adaptó los principios del Praxinoscopio que había sido inventado por el propio Reynaud, para proyectar lo que eran en la práctica las primeras películas de dibujos animados.

Fue inventada por los hermanos Lumiere en 1896. Era un aparato para uso doméstico y se situaba entre la técnica del folioscopio y la del mutoscopio. Consistía en un aparato de sobremesa donde se visualizaban las imágenes a través de una lente y la rotación del rollo se realizaba mediante un mecanismo de relojería. Al accionar una manivela giraba el rollo, de manera que cada foto iba a apoyarse contra un pequeño dispositivo que la inmovilizaba un instante para su visualización. La imagen de cada tarjeta correspondía a un fotograma de una película cinematográfica.

Linterna mágica rotativa

La linterna mágica se conocía desde el siglo XVII. Consistía en una caja con una fuente de luz y lentes de aumento, entre estos elementos se colocaba una placa de vidrio con pequeños dibujos que, de esta manera, se proyectaban sobre lienzos en forma aumentada. Para agregar movimiento a los dibujos proyectados, éstos se pintaban sobre un cilindro que giraba en el interior del aparato, provocando en los espectadores la ilusión de estar observando el movimiento

Mutascopio, Mutoscopio, Mutoscope

El mutoscopio es un aparato que contiene una serie de tarjetas que representan diferentes fases de una escena en movimiento. En el interior hay un cilindro que mueve esas imágenes fijas, dotándolas de movimiento a ojos del espectador. el Mutoscopio, inventado por Herman Castler en 1895, se basa en un principio con el que estamos familiarizados. Cuando doblamos un libro y dejamos las hojas correr debajo del pulgar, las imágenes aparecen a la vista en tan rápida sucesión que se produce una muy buena sucesión de imágenes en movimiento.

Estamos familiarizados con la colección de imágenes montadas en las hojas de un libro, doblando el libro y dejando las hojas correr debajo del pulgar, las imágenes aparecen a la vista en tan rápida sucesión que se produce una muy buena sucesión de imágenes en movimiento.

Folioscopio (flipbooks)

Un folioscopio, es la forma más primitiva de animación visual. Es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Los flipbooks son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de fotografías en lugar de dibujos. Los flipbooks no siempre son libros separados, pueden aparecer como una característica más en libros comunes o revistas, usualmente en las esquinas de las páginas. Existen programas de ordenador y sitios Web que convierten archivos de video digital en flipbooks personalizados.

Zoopraxiscopio/zoopraxinoscopio

El zoopraxinoscopio es un artefacto que fue importante en el desarrollo inicial de las películas cinematográficas, anterior al cinematógrafo. Fue creado por Eadweard Muybridge en 1879, proyectaba imágenes situadas en discos de cristal giratorios en una rápida sucesión para dar la impresión de movimiento. En el primer proyector las imágenes eran pintadas en el cristal como siluetas. Una segunda serie de discos, realizados entre 1892 y 1894, usaba dibujos perfilados impresos en los discos fotográficamente y coloreados a mano. Algunas de las imágenes animadas eran muy complejas, incluyendo múltiples combinaciones de secuencias de movimientos de animales y humanos.

Sin embargo, lo que hizo famoso a Muybridge, a partir de su relación con Stanford, magnate norteamericano e inspirándose en los estudios del médico y fotógrafo francés Étienne Jules Marey, fueron las investigaciones sobre los movimientos que realizaban los caballos para caminar, trotar y correr. Intentó demostrar que durante el galope el caballo tenía momentos en que sus cuatro patas estaban simultáneamente en el aire. Tras varios intentos y dispositivos, en 1878 incorporó el uso de gatillos electromagnéticos activados por el paso del caballo, logrando dos series de 12 fotografías cada una al paso de ella. Proyectó en público los resultados utilizando el zoopraxinoscopio , logrando un enorme éxito en la prensa de la época. Con ello se había logrado la descomposición fotográfica del movimiento rápido, quedando libre la vía para la transición del dibujo a la fotografía en la ilusión del movimiento.

Al enterarse de los éxitos de Muybridge, Marey redobló su interés y esfuerzos por la descomposición del movimiento, buscando nuevas mejoras, pues se había interesado por el registro de movimientos más difíciles aún, como el del vuelo de las aves. Adaptando el revólver fotográfico, inventado por Jules Jansson en 1874 para registrar el movimiento de los planetas, a los avances logrados por Muybridge, logró en 1882 registrar el movimiento de aves en vuelo gracias a su "fusil fotográfico", cuyo mecanismo de obturación y apertura era análogo al de un fusil común.

Los descubrimientos de Edison. El Kinetoscopio

Hasta 1890, los científicos estaban interesados principalmente en el desarrollo de la fotografía más que en el de la cinematografía. Esto cambió cuando el inventor Thomas Alva Edison construyó un laboratorio para realizar experimentos sobre imágenes en movimiento y el primer estudio de cine del mundo.

Edison inventó el fonógrafo en 1877, y se convirtió en el entretenimiento más popular del siglo. Para proporcionar un acompañamiento visual al fonógrafo, Edison encargó a William Kennedy-Laurie Dickson, un joven asistente de laboratorio, un sistema de movimiento de imágenes, en 1888. Dickson se basó en el trabajo de Muybridge y Marey, pero fue el primero en combinar los dos fundamentos de la cara de imágenes en movimiento y la tecnología de la proyección. Estos fueron un dispositivo para asegurar el movimiento intermitente pero regular de la tira de película de la cámara y una tira de película de celuloide con perforaciones regularmente distribuidas para asegurar el transporte de la película

9. Los Hermanos Lumière y el Cinematógrafo

Los Hermanos Lumière son considerados históricamente como los padres del cine. Inventaron el cinematógrafo (considerado el primer aparato de cine) basado en el kinetoscopio de Edison.

Los hermanos Louis y Auguste Lumière, en su fábrica de placas fotográficas en Lyon en 1894, crearon el cinematógrafo, invento que era al mismo tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine.

La presentación oficial de su invento fue el 28 de diciembre de 1895, ante el público del Gran Café Boulevard de París. La fecha se considera universalmente como la del inicio del cine tal y como lo hemos conocido.

Los hermanos Lumière produjeron una serie de cortometrajes con gran éxito, de género documental, en los que se mostraban diversos elementos en movimiento: obreros saliendo de una fábrica, olas rompiendo en la orilla del mar y un jardinero regando el césped. Uno de sus cortometrajes más efectistas para demostrar las posibilidades del nuevo invento fue el que mostraba a un tren correo avanzando hacia el espectador, lo que causó el susto de los que lo veían. Pronto, en varios países, sobre todo en Gran bretaña y en Estados Unidos, Edison, siguiendo el modelo del cinematógrafo de los hermanos Lumière, las películas se comenzaron a comercializar a escala internacional.

Para ver en la exposición . En la exposición se puede ver un Cinematógrafo Lumière, fabricado en Francia en 1896.

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Ilusiones, imaginación y magia antes del nacimiento del cine

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El puntero de don Honorato / Bibliografía / Lecturas de cine

Los primeros

El cinematógrafo nació en plena época industrial. Los hermanos Lumiére, que llevaban varios años en su invento y habiendo filmado ya más de un centenar de películas de un minuto, se decidieron a enseñar su invento al pueblo de París. Lo presentaron con temor, pues nunca tuvieron excesiva confianza en sus posibilidades artísticas ni menos económicas. Tras muchas negociaciones con diferentes locales, incluido el Folíes Bergéres, encontraron un sencillo local decorado al estilo oriental, el Salón Indio del Gran Café del Boulevard de los Capuchinos. Los Lumiére prefirieron una sala de reducidas dimensiones en razón de que si era un fracaso, pasaría inadvertido. El día de la representación, considerado oficialmente como el primer momento de la historia del cine fue el 28 de diciembre de 1895. Tal y cómo pensaron los organizadores, el primer día no fue especialmente extraordinario, pues acudieron solamente 35 personas. Bien cierto es que tampoco la publicidad fue excesiva y el cartel realizado a la rápida no fue muy significativo. Los Lumiére tuvieron la precaución (Gubern, 1989) de pegar en los cristales del Grand Café un cartel anunciador, para que los transeúntes desocupados pudieran leer lo que significaba aquel invento bautizado con el impronunciable nombre de C inématographe Lumiére. La explicación, impresa en letra cursiva, resulta hoy un tanto pintoresca y barroca: "Este aparato -decía el texto- inventado por MM. Auguste y Louis Lumiére, permite recoger, en series de pruebas instantáneas, todos los movimientos que, durante cierto tiempo, se suceden ante el objetivo, y reproducir a continuación estos movimientos proyectando, a tamaño natural, sus imágenes sobre una pantalla y ante una sala entera.". Según Georges Mèliés, que asistió a aquella función primera pues regentaba un estudio fotográfico en París y había tomado parte en algunas de las negociaciones para encontrar la sala, aunque al principio el ambiente era de gran escepticismo, cuando los espectadores vieron moviéndose los carruajes por las calles de Lyon, quedaron, cita Gubern, petrificados "boquiabiertos, estupefactos y sorprendidos más allá de lo que puede expresarse".

Sin embargo el pueblo parisiense, corrida la voz sobre aquel espectáculo maravilloso y espectacular, ya al segundo día llenó el salón y las colas recorrían el bulevar. Los diarios de París elogiaron aquel espectáculo insólito y los hermanos Lumiére tuvieron asegurada, a partir del segundo día, sus espectadores incondicionales.

Aunque los Hermanos Lumiére poseían un amplio stock de películas, en sus primeros tiempos siempre comenzaban por La salida de la fábrica Lumiére (La sortie des Usines Lumiére, a Lyon, 1895), que según sus historiadores fue su primera película y de paso hacían homenaje a su empresa. El repertorio lo componían películas familiares, sus hijos comiendo, o de la vida de las calles de Lyon, soldados haciendo la instrucción, y al ser Louis Lumiére muy buen fotógrafo no evitó la utilización de efectos como el humo en una herrería y las nubes de polvo en una demolición, que tuvieron inmenso éxito. No en balde la fotografía era la madre del cine y sus pioneros no evitaron el arte ya desde los comienzos.

Ya en los primeros momentos se hicieron famosas dos películas que dominaron en su show: Llegada del tren a la estación (L'arrivé d'un train en gare de la Ciotat, 1895) y El regador regado (L'arroseur arrosé, 1895), el primer film de humor, de un minuto, de la historia del cine.

La primera película que se considera rodada en España es Salida de misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza, en 1896, de Eduardo Jimeno.

La primera sesión

La salida de los obreros de la fábrica Lumiére

Riña de niños

Los fosos de las Tullerías

La llegada del tren

El regimiento

El herrero

Partida de naipes

Destrucción de las malas hierbas

La demolición de un muro

El mar

S alida de misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza

El segundo

Georges Mèliés se entusiasmó con el invento de los Lumiére, y siendo un hombre de una gran sensibilidad, capacidad creativa y espíritu empresarial, enseguida le vio posibilidades al espectáculo. Se la ingenió para adquirir un proyector y comenzó a rodar inmediatamente. Al poco tiempo, debido a su conocimiento del mundo de la farándula, había desarrollado su carrera de cineasta, aplicando sus habilidades al mundo del espectáculo en el Teatro Robert Houdini, de París, que compró para el efecto y al que dotó de todos los inventos necesarios para realizar sofisticadas puestas en escena y sorprender a los parisienses con sus decorados, proyecciones, vestuarios y representaciones.

Realizó infinidad de películas utilizando ingeniosos, e ingenuos, trucos, alguno de los cuales todavía es motivo de discusión sobre cómo lo logró. Aplicó fundidos y encadenados tal y como se hacían en las sesiones de diapositivas. A él se deben espectáculos filmados llenos de fantasía y de creatividad y rodó ya en 1899 la primera película de diez minutos, El proceso Dreyfus (L'affaire Dreyfus, 1899), reportaje periodístico sobre dicho acontecimiento. En 1902, filmó Viaje a la luna (Le voyage dans la lune), un prodigio para la época, en la que ya utiliza maquetas, filmación a través de un acuario, superposiciones de imágenes (filmaba sobre fondo negro en doble exposición).

Un poco más de Mèliés:

http://www.miradas.net/2005/n40/homenaje.html

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Porter y el primer montaje en el cine

Un operador de Edison, en estados Unidos, Edwin S. Porter, tuvo la genial idea de montar por separado una serie de escenas de archivo de incendios y acciones de los bomberos por un lado, y por otro secuencias de bomberos tomadas por él mismo. El resultado fue, probablemente, la primera película de montaje de la historia del cine Vida de un bombero americano (Life of an American Fireman, 1903). Su descubrimiento lo perfeccionó en Asalto y robo al tren (The great train robbery, 1903), en la que mezcla varias historias rodadas por separado que confluyen en un momento determinado. Entre las secuencias, son de destacar: unos bandidos que han asaltado la estación, la hija del telegrafista que al que han amordazado, y un baile en el que está la gente del pueblo. La historia finaliza en la confluencia de estos tres relatos en un final en el que los bandidos son rodeados y vencidos. El final de la película es otro avance indiscutible: el primer plano del actor George Barnes, jefe de los bandidos, que apunta su revólver hacia el público, y dispara. Desde esta película el avance del lenguaje cinematográfico fue imparable.

Edwin S. Porter

Anécdotas

En 1908 las películas se rodaban en hangares de vidrio, pues apenas había luz eléctrica, con una cámara operada por un señor con visera que silbaba mientras tanto una marcha militar para poder marcar el ritmo de la manivela, a la cadencia de 16 imágenes por segundo.

La minuciosidad de Charles Chaplin era tal, que al rodar la escena del desayuno de Chaplin y el niño, en "El Chico", de un minuto de duración, tardó dos semanas en rodarse y consumió 14.000 metros de película. La secuencia del encuentro entre el vagabundo y la ciega en "Luces de la ciudad" tardó en rodarse una semana, creándose conflictos importantes entre el equipo técnico y Chaplin por el rigor y perfección exigido en cada toma.
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© Enrique Martínez-Salanova Sánchez

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Enrique Martínez-Salanova Sánchez - All Rights Reserved

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El puntero de don Honorato / Bibliografía / Lecturas de cine Los primeros El cinematógrafo nació en plena época industrial. Los hermanos Lumiére, que llevaban varios años en su invento y habiendo filmado ya más de un centenar de películas de un minuto, se decidieron a enseñar su invento al pueblo de París.

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Por y para niños

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Línea del tiempo

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Alumnado

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4PRIA - Corto cine mudo - Magia en la Ciudad

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Taller de cine

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Afeitando al ritmo de la Danza Húngara nº 5

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Afeitando al ritmo de la Danza Húngara nº 5

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Escena de Chaplin en "El gran dictador".

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Danza húngara nº 5 de Brahms. Escena de el gran Dictador. Charles Chaplin

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Tablero de Cine y animación

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Sep 20, 2019- Explore isabelbermejo10's board "Cine y animación", followed by 1174 people on Pinterest. See more ideas about Art classroom, Art kids and Crafts.

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Información interesante para el profesorado.

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Información

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El cine es una técnica que proyecta una serie de fotogramas rápida y sucesivamente con el objetivo de crear una impresión de movimiento. Es un espectáculo capaz de mover masas y ha servido para crear un nuevo lenguajes, una forma diferente de decir las cosas, utilizando diferentes técnicas, efectos especiales, trucos y formas de expresión que lo convierten en un arte. Podemos referirnos al cine mudo como una forma de cine primitivo, el cual no posee sonido de ningún tipo. Esto debido a que la tecnología que existía en su época no lo permitía.

En qué consiste el cine mudo

Las películas mudas o el cine mudo eran básicamente eso, películas que no tenían ni voz ni . Para proporcionar más drama y emoción a las películas, la música en vivo de la película muda se reprodujo sincronizada con la acción que iba sucediendo poco a poco en la pantalla, y se utilizaron pianos, órganos y otros instrumentos musicales. Los productores de películas mudas trajeron películas famosas como Ben-Hur, Los Diez Mandamientos, El Circo y muchas más.

Características

Entre las principales características que se podían observar en el cine mudo podemos mencionar las siguientes:

Las exhibiciones de películas mudas generalmente no eran en realidad silenciosas porque se acompañaban con música en vivo.

Los pueblos pequeños por lo general tenían un piano que acompañaba las proyecciones.

Fue la principal fuente de empleo para los músicos de la época.

No tiene ningún tipo de sonido sincronizado.

Eran comunes las actuaciones teatrales basadas en más gestos y más enfáticas.

El cine mudo se filmaba en rollos de 35 mm y a velocidades más lentas que las películas con sonido, es por esta razón que suelen parecer artificialmente rápidas, lo que remarca su aspecto poco natural.

El escritor de títulos se volvió en todo un profesional del cine mudo, incluso llegó a ser mencionado en los créditos al igual que el guionista.

Por lo general se usaban ritmos rápidos para persecuciones, sonidos más graves cuando reflejaba momentos de misterio y melodías románticas para escenas de amor.

La mayoría de las películas se rodaron en blanco y negro.

Se puede decir que el origen del cine mudo inició alrededor del año 1894 y perduró hasta 1929. Logró alcanzar su madurez poco tiempo antes de que surgieran las películas con sonido, a finales de los años 1920. En su tiempo, la calidad visual que tenía el cine mudo era bastante buena, y no era distorsionada como muchos han querido hacer creer.

Historia del cine mudo

Antes de la década de 1920, la mayoría de las películas que existían no tenían ningún tipo de sonido, básicamente guardaban silencio. Antes de que el sonido fuera agregado a las películas, se conocía como la " era silenciosa" entre los estudiosos e historiadores del cine. El arte de las imágenes en movimiento creció hasta que logró alcanzar su madurez completa y antes de que los silencios fueran reemplazados por sonidos y por imágenes que tenían la capacidad de hablar muchos expertos consideran que la calidad del cine disminuyó en el proceso.

Al empezar poco a poco a desarrollar la industria cinematográfica, os cineastas descubrieron también que la música formaba parte esencial de cualquier película, ya que le entregaba a la audiencia una gran cantidad de señales emocionales con respecto a lo que sucedía en la pantalla.

Quién lo inventó

El cine mudo fue inventado en 1895, con la proyección de Obreros saliendo de una fábrica, y fue inventada por los hermanos Lumière, en el salón Indien, de París quienes pensaron que su invento era un asunto científico.

Los elementos del cine mudo fueron los siguientes:

Los títulos impresos: al no tener audio para intercambiar parlamentos, se usó algunos títulos para aclarar situaciones o para dar a entender conversaciones importantes como declaraciones de amor, peleas, pensamientos.

La música: era lo único que se usaba en las proyecciones de las películas. Se tocaba en directo y era parte esencial de las obras. Los cines casi siempre tenían un pianista que acompañaba las películas, algunos incluso tenían organistas u orquestas completas.

La presencia de un narrador: en algunas ocasiones las proyecciones contaban con un narrador que relataba las acciones o que se encargaba de describir las situaciones con voz en off.

El lenguaje corporal y la expresión facial: eran básicos y debían ser bien manejados por los actores, las expresiones corporales debían ser las correctas para que el público lograra entender lo que se mostraba en la pantalla.

La sobreactuación: era una actuación exagerada para enfatizar las acciones principales.

Importancia

Su importancia radica en que fue el primer paso para tener en las pantallas grandes lo que hoy en día disfrutamos. De no ser por su invención, el cine moderno no hubiera podido ser una realidad en la actualidad. Además en la época, fue fuente de trabajo para muchos artistas y principalmente para músicos.

Películas destacadas

Algunas de las películas más importantes y destacadas del cine mudo fueron:

El jardín de Roundhay de Louis Le Prince (1888), que fue la primer película en cine mudo y duró tan solo dos segundos y mostraba a dos personas que caminaban alrededor del jardín Oakwood Grange.

Amanecer, primera película de cine mudo que ganó el Oscar al mejor film.

Sunrise de F.W. Murnau, 1927

Man with a Movie Camera de Dziga Vertov, 1929

The Passion of Joan of Arc de Carl Theodor Dreyer, 1928

Battleship Potemkin de Sergei Eisenstein, 1925

The General de Buster Keaton, 1926

Metropolis de Fritz Lang, 1927

City Lights de Charlie Chaplin, 1931

Actores destacados

Entre los actores más destacados del cine mudo podemos mencionar:

Chaplin: fue un excelente actor, compositor, productor y director, cuyo nombre completo era Charles Spencer Chaplin, nació en Londres en 1889, en una familia de artistas. Comenzó a actuar en musicales y pantomimas desde niño.

Harry Lagdon: conocido como el niño sonámbulo y un actor de comedia silente. Fue descubierto por Frank Capra quien le dio sus mayores éxitos.

Buster Keaton: era El Gran Pamplinas. Un maestro que podía protagonizar las escenas de riesgo más asombrosas sin parpadear.

Stan Laurel y Oliver Hardy: el Gordo y el Flaco que representaban la comedia de parejas. Formaron una química explosiva, llena de inmadurez viril como estado ideal, la violencia física y los subtextos homófilos.

Actrices destacadas

Asta Nielsen: considerada como la primera vampiresa del cine mudo.

Alla Nazimova: fue una actriz y productora que actuó en Moscú, Londres y Berlín.

Betty Bronson: hizo papeles románticos y tuvo una vida bastante discreta.

Brigitte Helm: fue la actriz que dio vida al personaje de María / María Robot en la Metrópolis de Fritz Lang.

Curiosidades del cine mudo

La tremenda y rápida velocidad de los personajes del cine mudo era de esa manera por el sistema de dieciocho fotogramas que estuvo vigente hasta 1927.

El cine mudo tenía algunas reglas absurdas pues no se podía mostrar el ombligo ni las axilas, los besos no podían ser por más de tres segundos, y los matrimonios tenían que dormir, en camas separadas

Los cineastas y los estudios tenían libertad pero existía censura por organismos externos y los criterios por las que ésta se regía eran diferentes en cada estado.

Escrito por Gabriela Briceño V.

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Cine mudo | Qué es, características, origen, historia, elementos, importancia

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El cine mudo es una serie de imágenes y de movimientos dentro de una película que consiste solo en la imagen y en los movimientos de los actores, en otras palabras, no tiene ningún tipo de sonido dentro del film en sí.

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Cine mudo

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LA CENICIENTA Cuento infantil - CENDRILLON. Cine Mudo

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22 películas para ‘leer’ en familia en el Día del libro

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Una recopilación de adaptaciones cinematográficas aptas para los más pequeños de la casa con las que estimular la lectura.

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Teoría

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1. 1. Los orígenes del cine El cine se desarrolló con uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine ,las observaciones de Peter Mark Roget que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de "Persistencia"de la visión en lo que afecta a los objetos en movimiento, en el que establecía que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante. Tanto en Estados Unidos como en Europa, se animaban imágenes dibujadas a mano como forma de diversión, empleando dispositivos que se hicieron populares en los salones de la clase media. El zoótropo que ha llegado hasta nuestros días consta de una serie de dibujos impresos en sentido horizontal en bandas de papel colocadas en el interior de un tambor giratorio montado sobre un eje; en la mitad del cilindro, una serie de ranuras verticales, por las cuales se mira, permiten que, al girar el aparato, se perciban las imágenes en movimiento. Un ingenio algo más elaborado era el praxinoscopio, del inventor francés Charles Émile Reynaud, que consistía en un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del tambor. Según giraba el tambor, los dibujos parecían cobrar vida. En aquellos mismos años, William Henry Fox Talbot en el Reino Unido y Louis Daguerre en Francia trabajaban la fotografía, ya que sin este invento previo no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A medida que la velocidad de las emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento. Un paso relevante hacia el desarrollo de la primera cámara de imágenes en movimiento fue el que dio el fisiólogo francés Étienne Jules Marey, cuyo cronofotógrafo portátil (una especie de fusil fotográfico) movía una única banda que permitía obtener doce imágenes en una placa giratoria que completaba su revolución en un segundo. Sin embargo, su tira de película consistía en un papel mojado en aceite que se doblaba y se desgarraba con facilidad. Hacia 1889, los inventores estadounidenses Hannibal Goodwin y George Eastman desarrollaron más tiras de emulsión fotográfica de alta velocidad montadas en un celuloide resistente. Hasta 1890, los científicos estaban interesados principalmente en el desarrollo de la fotografía más que en el de la cinematografía. Esto cambió cuando Thomas Alva Edison construyó el Black Maria, un laboratorio que se convirtió en el lugar donde realizaba sus experimentos sobre imágenes en movimiento y el primer estudio de cine del mundo. Edison está considerado por algunos como el diseñador de la primera máquina de cine, el kinetoscopio. Su ayudante, William K. L. Dickson fue quien hizo en realidad casi todo el trabajo, diseñando el sistema de engranajes, todavía empleado en las cámaras actuales, que permite que la película corra dentro de la cámara, e incluso fue él quien por vez primera logró en 1889 una rudimentaria imagen con sonido. El kinetoscopio, patentado por Edison en 1891, tenía unos 15 metros de película en un bucle interminable que el espectador individual tenía que ver a través de una pantalla de aumento.

2. 2. Los experimentos sobre la proyección de imágenes en movimiento visibles para más de un espectador se estaban desarrollando simultáneamente en Estados Unidos y en Europa; en Francia, a pesar de no contar con la gran infraestructura industrial de Edison, los hermanos Louis y Auguste Lumière llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine, el 28 de diciembre de 1895. Los hermanos Lumière produjeron además una serie de cortometrajes con gran éxito, de género documental, en los que se mostraban diversos elementos en movimiento: obreros saliendo de una fábrica...Para entonces el equipamiento elemental ya había sido estandarizado siguiendo el modelo del cinematógrafo de los hermanos Lumière, y las películas se comenzaron a comercializar a escala internacional. En 1896 el ilusionista francés Georges Méliès demostró que el cine no sólo servía para grabar la realidad, sino que también podía recrearla o falsearla. Hizo una serie de películas que exploraban el potencial narrativo del nuevo medio rodó L'Affaire Dreyfus (El caso Dreyfus, 1899) y filmó Cendrillas (Cenicienta, 1900) en 20 escenas. Pero sobre todo a Méliès se le recuerda por sus ingeniosas fantasías como Viaje a la luna (1902) y Alucinaciones del barón de Münchhausen. Méliès descubrió que deteniendo la cámara en mitad de una toma y recolocando entonces los elementos de la escena antes de continuar podía, por ejemplo, hacer desaparecer objetos. Del mismo modo, lograba superposiciones, exposiciones dobles y disoluciones. Sus cortometrajes fueron un éxito inmediato de público y pronto se difundieron por todo el mundo. Trabajando en el estudio de Edison, Porter produjo la primera película estadounidense interesante, Asalto y robo de un tren, en 1903. Esta película influyó de forma decisiva en el desarrollo del cine porque incluía innovaciones como el montaje de escenas filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa. Fue en 1905 cuando los pequeños teatros empezaron exclusivamente a mostrar películas. Hacia 1908 un estimado de diez millones de norteamericanos pagaban sus nickels (5 centavos) o dimes (diez centavos) para ver estas películas. En 1909 la industria fílmica de los estados Unidos instituyó el primero de muchos comités de auto-censura. Uno de los nombres mas recordados de aquella época era D. W. Griffith, quien hizo aproximadamente 400 cortos entre 1908 y 1913. Sin duda el trabajo más representativo de este visionero fue "The Birth of a Nation" una historia épica sobre la guerra civil cuya duración tres horas destronó el corto de 10 minutos. Durante 1908 y 1918, el largo remplazó a la serie de películas cortas; la Primera Guerra Mundial restringió la industria cinematográfica Europea, promoviendo mayor innovación técnica, crecimiento y estabilidad comercial en Estados Unidos, acercando la historia hacia América Latina; Esta industria sentó precedencia a fundarse los primeros estudios cinematográficos en Hollywood, California, siendo estos Fox, Paramount, y Universal.

3. 3. EL CINE MUDO (1903-1928) Encontramos películas interesantes como "El gran asalto al tren" de 1903 dirigida por Edwin S. Porter de la compañía Edison, quien usó una edición y trabajo de cámara mucho más libre que lo usual para contar su historia. Fue durante este periodos que las grandes comedias mudas norteamericanas aparecieron. Mack Sennett se convirtió en el representante mas engalanado de Keystone Company. Charlie Chaplin era el actor de cine mudo (1916) más popular, hasta entonces su rostro se ha convertido en un ícono del cine. Entre los nombres de quienes acompañaban a Chaplin en este capítulo cabe destacar a Mary Pickford, Fatty Arbuckle y John Bunny, los vaqueros William Hart y Bronco Billy Anderson, Rudolph Valentino y John Gilbert, y las fascinantes damas Theda Bara y Clara Bow. Entre 1918 y 1928, se inició un periodo de estabilización, el cual resultaba apto y necesario ante aquella expansión en la industria vivida los años anteriores. Fue en aquel entonces cuando empezaron a utilizarse bodegas como estudios de grabación, el crecimiento de las compañías productoras las llevó a convertirse en imperios del entretenimiento, pues la mayoría de ellas poseía también las salas en que las películas eran exhibidas, generando con ello una actividad monopólica.Existe registro en la historia que fueron dos, las compañías productoras fundadas durante esa década, (Warner Brothers, 1923; Metro-Goldwyn 1924). Algunas de las obras cinematográficassurgidas en los años veinte fueron: "El chico The Kid "(1920) y La quimera del Oro The Gold Rush (1925), Chaplin. ¨El nene de la Abuela¨ Grandma's Boy (1922), Harold Lloyd. " Sherlock Jr." Buster Keaton. "The Big Parade" 1925, fue la primera película de guerra. "The Covered Wagon", 1923. "The Iron Horse" 1924 "The Ten Commandments" 1923, fue la primera épica cristiana. "King of Kings", 1927.

4. 4. Mary Pickford, Charlie Chaplin Charlie Chaplin Charlie Chaplin

5. 5. El cine sonoro Este revolucionario desarrolló en el cine se vivió a finales de 1927, tras el éxito de "El cantante de Jazz- The Jazz Singer" de Warner Brothers. Esta posee el registro de ser la primera película sonora; seguida por "Luces de New York- Lights of New York", en 1928. El sonido se lograba gracias a que el sistema original Vitaphone sincronizaba la imagen con un disco fonográfico separado, en vez de usar el método más seguro de grabar una pista de sonido en la película misma (basado en el principio del OSCILOSCOPIO). En su concepción primaria la compañía Warners, usó el Vitaphone para hacer cortos musicales, pistas musicales para películas mudas. Las películas mas recordadas de entonces, son: "El desfile del amor" (1929); "Aleluya"(1929); "Una mujer para dos" (1933); "María Estuardo" (1936); "Sucedió una noche" (1934). Mas tarde, durante una época fantástica y recurrente a la imaginación por sobre todas las cosas surgieron: "Drácula" (1931), "El doctor Frankenstein" (1931) y "La momia" (1932), "King Kong" (1933), "El mago de Oz" (1939). Todas ellas se convirtieron en clásicos de aquella época y causaron sensación entre el público, han sido retomas mas recientemente para volverlas a grabar aprovechando los recursos tecnológicos que actualmente posee esta industria y lanzaron a la fama grandes personajes de la actuación, entre ellos Claudette Colbert, Clark Gable, Judy Garland. Los directores comenzaban a aprender a crear efectos con el sonido que partía de objetos no visibles en la pantalla, dándose cuenta de que si el espectador oía un tictac era innecesario mostrar el reloj, los relámpagos en una tormenta o la salida del sol, con el canto de un gallo; la diversidad de efectos complementó las soberbias actuaciones. Este despliegue de películas fantásticas se vió compensado por obras realistas, europeas en su mayoría, como "El ángel azul" (1930), "La gran ilusión" (1937), "Ciudadano Kane" (1941) y "El cuarto mandamiento" (1942).

6. 6. El cine de los años 30 * En Europa el panorama es amplio, disperso, heterodoxo y muy rico a nivel artístico. El nacimiento del cine sonoro y la rápida capacidad de adaptación que el cine norteamericano había demostrado requirieron la reacción de Europa para ponerse a su altura. A principios de los años treinta la cinematografía alemana era la única industria capaz de competir con el cine norteamericano. En 1933, con el advenimiento de los nazis al poder, la poderosa industria cinematográfica alemana queda desmantelada: muchos de sus profesionales, de origen judío, se ven obligados a salir del país y emigran al resto de Europa y, sobre todo, a Estados Unidos. A partir de 1933 en Alemania quedan sólo algunos cineastas adeptos al nuevo régimen, como Leni Riefenstahl. * Con la cinematografía alemana en crisis, el cine francés se convierte en el más importante en Europa. Aunque había perdido su inicial posición a la cabeza del cine universal tras la desaparición de Pathé-Gaumont, Francia seguía teniendo la industria cinematográfica más sobresaliente del Viejo Continente. Allí encontramos a directores vanguardistas y a otros que cultivan un cine más convencional; perviven y se consolidad clásicos procedentes del período mudo (Jean Renoir, René Clair, Jean Vigo...) y surgen nuevos nombres. Al público francés le gustaba mucho su propio cine, lo cual ayudó bastante al desarrollo y a la consolidación de la industria cinematográfica francesa como la única en Europa capaz de oponerse un poco al predominio norteamericano. * La cinematografía británica siempre ha sido mantenido estrechas colaboraciones con Hollywood, con un intercambio constante de técnicos, directores, guionistas y actores. En los años treinta, las figuras más importantes son Alfred Hitchcock y Alexander Korda. No obstante, la poderosa llamada de la industria Hollywoodiense acabaría por atraer a Hitchcock, quien previamente realizó películas en su etapa británica como Treinta y nueve escalones (1935). A demás, los treinta confirmaron que los británicos eran ya entonces unos maestros del documental y del cine informativo, con el saber hacer de directores como Robert Flaherty. * En cuanto a Italia, en un contexto político marcado por el régimen fascista de Mussolini, su cinematografía se ve marcada con un cariz propagandístico, lo que impide que florezca como en países vecinos. No ocurre lo mismo en la Unión Soviética que, a pesar de las imposiciones ideológicas del régimen, los cineastas logran desarrollar su trabajo con mejores frutos. No obstante, la presión política ejercida sobre los creadores obliga en ocasiones, por ejemplo a ensalzar la figura de Stalin. * En otros rincones del mundo la historia del cine también sigue su curso, aunque sin mucha repercusión en Europa o Estados Unidos. El cine japonés es prácticamente desconocido en Occidente en aquellos años, aunque la década de los treinta ya cuenta con autores importantes. No será hasta décadas después cuando el cine japonés u oriental comience a expandirse por el resto de culturas y a influenciar las maneras occidentales de hacer cine.

7. 7. El cine de los años 40 * Existen tres períodos. El primero comprende los años 1940 y 1941, antes de que Estados Unidos entrara en la guerra. El segundo abarca hasta el final de la guerra en 1945. El tercero es la posguerra y la recuperación de los cines nacionales europeos. Los 40, por tanto, son la segunda década del cine sonoro. Pero también suponen el nacimiento del cine moderno: por un lado, el cine que medita sobre su identidad y la identidad de los personajes, y la relación entre actor y personaje, un cine que da a la palabra hablada una importancia desconocida en la década anterior: Orson Welles hace en 1941 Ciudadano Kane; el hombre que "reinventa" el cine es un hombre de la radio. Y, por otro lado, el cine con actores naturales, el cine considerado como instrumento de conocimiento y de comunicación (el neorrealismo y Rossellini: Roma, ciudad abierta fue rodada en 1945). * La II Guerra Mundial: La primera voz que desde América se alzó contra los nazis fue la de Charles Chaplin en El gran dictador (1940). Curiosamente, Chaplin era el único cineasta que todavía no había aceptado el cine "hablado" y ésta fue su primera película hablada, en la que hace un discurso de siete minutos. Se hace cine antinazi: Lubitsch rueda To Be or Not To Be. Y directores europeos se incorporan al cine americano: Jean Renoir, Alfred Hitchcock, Max Ophuls, Douglas Sirk, Fritz Lang, Robert Siodmack, Otto Preminger y Billy Wilder, entre otros. * Nuevos directores: John Huston inaugura la serie negra con El halcón maltés (1941). Y después de la guerra surge una nueva generación de cineastas: Nicholas Ray, Elia Kazan, Jacques Tourneur,Joseph Mankiewicz, Anthony Mann, Samuel Fuller, Bud Boetticher o Donald Siegel. La comedia americana está representada en estos años por personalidades como McCarey y Preston Sturges. En 1948, Vincent Minnelli rueda El pirata con Gene Kelly, y este último codirige con el joven Stanley Donen en 1949 Un día en Nueva York. * Western: John Ford, que en el año 40 y 41 había conseguido su segundo y tercer Oscar por Las uvas de la ira y Qué verde era mi valle, vuelve al western con Pasión de los fuertes y Fort Apache. Howard Hawks dirige en 1948 Río Rojo. Y King Vidor, junto con O'Selznick, inaugura el super-western: Duelo al sol. En esta década, el cine pierde a tres cineastas importantes: Lubitsch muere el 30 de noviembre del 47, Eisenstein el 11 de febrero de 1948 y Griffith el 23 de julio de 1948. (Antonio Drove).

8. 8. EL cine de los años 50 La década de los cincuenta, imagino que, para muchos de mi generación, marcada por una posguerra ya asumida por nuestros mayores, y unos silencios, terrores y misterios que jamás nos explicaron, fue una gran década para el cine de Hollywood. El cine que nosotros veíamos, el que nos dejaba soñar con historias tan imposibles de protagonizar, tan alejadas de nuestra realidad, que nos apoderamos de ellas hasta el punto de pensar, ahora, que conformaron nuestro modo de ser y, desde luego, nuestra capacidad de sobrevivir. * Los hábitos de aquellos años y el retraso y aislamiento de nuestro país tenían como contrapartida que, en los 50, pilláramos muchas películas de los últimos 40, que duraban años en explotación, por lo que, cuando un filme nos apasionaba, terminábamos sabiéndonoslo de memoria. Quizás por eso el arrebato que nos producía una actriz o un actor solía ser fomentado gozosa y dolosamente, y aquellos héroes, fueran protagonistas o no de películas pecaminosas, arrebataban no sólo nuestra admiración, sino un sentimiento de íntima posesión que no creo que se parezca en absoluto a lo que cualquier chaval o chavala pueda sentir ahora por Kevin Costner o Demi Moore. Debo confesar que una cosa son las películas que a mí me impactaron en aquellos años y otra, muy distinta, las que han pasado a la Historia. Veamos. * En 1950 el Oscar a la mejor película lo ganó Eva al desnudo, de Mankiewicz, quien también obtuvo el del mejor director, y el del mejor guión, El crepúsculo de los dioses, de Wilder. Sin embargo, a mí la que más me gustó fue Pánico en las calles, de Kazan, posiblemente por Richard Widmark, y la que recuerdo haber visto más veces, además de coleccionar sus cromos fue Las minas del Rey Salomón, que me pareció un peliculón. Con los años, descubrí El tercer hombre, de C. Reed, y, por supuesto, El crepúsculo de los dioses y William Holden. * El 51 fue glorioso, aunque yo no lo supiera. Mi película preferida, El gran Caruso, de Thorpe -protagonizada por Mario Lanza y Ann Blith, con la que, en el mejor de los casos, pretendía parecerme porque mi padre me decía que era una espantosa raspa de sardina-, y Un americano en París, de Minnelli, con Gene Kelly y Leslie Caron, desarrollaron mucho más mi sentido de la fabulación y, desde luego, el musical, que las míticas Un lugar en el sol, de G. Stevens, con Montgomery Clift y Elisabeth Taylor; Un tranvía llamado deseo, deKazan, con Marlon Brando y Vivien Leigh, o La reina de Africa, de Huston, con Bogart y Hepburn. Está claro que con los años he sentado la cabeza. Insisto en la diferencia de tiempo con la que aquí podíamos ver las películas americanas en relación a su año de producción.Sin remisión, en el 52, o cuando los descubriera, caí rendidamente en los brazos de Gary Cooper y Solo ante el peligro, de Zinnemann, y me impresionó bastante Marlon Brando en Viva Zapata, de Kazan. Más tarde, descubrí Cautivos del mal, de Minnelli, con Kirk Douglas, y mucho después, El hombre tranquilo, de Ford, John Wayne y Mauren O'Hara. Y es que, ya de pequeña, había decidido que Wayne no era mi tipo, cosa que no me justifica en absoluto.De la cosecha del 54 seguramente la película que más veces vi fue Siete novias para siete hermanos, de Stanley Donnen. También un "western" que no está precisamente en los anales, Lanza rota, de E. Dmytryk, Spencer Tracy y Richard Widmark.

9. 9. El cine de los años 60 y 70 * El cine de los años cuarenta y cincuenta, grande en sí mismo, no puede competir con el de los grandes artistas de los sesenta y setenta. Ya se estaba plantando la semilla, en los títulos nombrados y algunos otros, para dar el siguiente paso. Y tuvo lugar. En 1961 llega la fundamental 'El año pasado en Marienbad' ('L'annèe dernière à Marienbad', Alain Resnais), que tantas cosas destruyó y creó, 'La noche' ('La notte', Michelangelo Antonioni) y 'Como en un espejo' ('Såsom i en spegel', Ingmar Bergman), y el cine deja de ser un espectáculo y se convierte en una reflexión culta, profundísima, de los sentimientos y emociones humanas. Pero antes llega 'La aventura' ('L'avventura', Antonioni, 1960), y antes aún 'Sombras'('Shadows', John Cassavetes, 1959). Porque en los sesenta empiezan algunos de los más grandes, y transforman la faz de la cinematografía: el franco-polaco Roman Polanski en 1962, el mismo año que comienza a dirigir el gran director ruso Andrei Tarkovski. Pero otros veteranos como Luis Buñuel y Akira Kurosawa llegan a la plenitud de su trayectoria con las obras más personales (y probablemente las más completas) que han hecho hasta entonces, como 'Viridiana' (1961), 'El ángel exterminador' (1962), 'Simón del desierto' (1965), 'Los canallas duermen en paz' ('Warui yatsu hodo yoku nemuru', 1960),'Yojimbo' ('Yôjinbô', 1961), 'Sanjuro' ('Tsubaki Sanjûrô', 1962). Para rematar, los mejores frutos de la Nouvelle Vage francesa (con François Truffaut y Eric Rohmer a la cabeza) y del Free Cinema británico llegan en los sesenta, muchos directores televisivos comienzan a pasarse al cine y a dotarlo de una inmediatez impensable hasta entonces, recuperando sobre todo un estilo documental que el cine norteamericano había perdido hacía varias décadas. * Ninguna época es uniforme y los años 70s no son la excepción. Si uno mira en la distancia el cine que se veía en aquellos años, pueden encontrarse con muchas tendencias: igual que ahora, igual que siempre. Sin embargo, es indudable que esos años fueron marcadamente políticos y el cine que vimos y que nos gustaba, las películas que fueron para nosotros "las grandes películas", estaban impregnadas de política. Empiezan a aparecer los géneros de suspense, fantásticos y de terror que superan con creces a las películas que antes se hacían de este tipo de género en las películas antiguas que veíamos en mi otro BLOG: NANDO SUITE MOVIES,la Hammer daba sus últimos coletazos con Las Cicatrices de Drácula (1970), Drácula 73(1972), o Los Ritos Satánicos de Drácula (1973). En 1971, Roger Corman abandona la dirección y funda la New World Pictures, donde se formarán los futuros grandes creadores del género. Ese año, Steven Spielberg dirige Diablo sobre Ruedas, y Vincent Priceinterpreta El Abominable Dr. Phibes. Los retorcidos y espectaculares asesinatos serían motivo de una secuela el año siguiente, demostrando que los psycho killer de los 60 siguen gustando al público. En 1972, Gordon Lewis se despide de las cámaras con the Gore, Gore Girls, una parodia del género que él mismo creó. El año siguiente será el del El Exorcista, a partir de la cual los efectos y el maquillaje serán indispensables en el género.

10. 10. * Si el 73 es el año de El Exorcista, 1974 es el de la Matanza de Texas. Tobe Hooper hace temblar y vomitar a la audiencia. Aún hoy en día, el film causa escalofríos, gracias a un terror que alcanzaba cotas nunca vistas.Cara de Cuero y su familia, parodia de la familia de la América profunda, se convierten en icono indiscutible del cine de terror. Ese mismo año, Lloyd Kauffman y Michael Herz fundaban la Troma Films, Larry Cohen dirige Estoy Vivo, y Brian de Palma mezcla el musical y el terror en El Fantasma del Paraiso. * En 1974, el primer film internacional de David Cronenberg, Vinieron de Dentro de, deja ver ya las obsesiones de su director, además de representar la vuelta al terror de la actriz Barbara Steel. El año siguiente, los vampiros glam son los protagonistas de The Rocky Horror Picture Show, la fantástica adaptación del musical teatral, que protagonizaron Tim Curry y Susan Sarandon. * En 1976, Brian de Palma dirige Carrie, basada en la novela de Stephen King. El éxito propicia innumerables adaptaciones de la obra del escritor. * De ese mismo año, podemos destacar La Profecía o Picnic en Hanging Rock, terror llegado desde Australia de la mano de Peter Weir, autor también de La ultima ola(1978). También del 76 es Snuff, una falsa snuff movie, dirigida por Michael y Roberta Findlay, que provocará el escándalo. * 1977 fué el año del punk, de las primeras elecciones democráticas españolas, el primer vuelo delConcorde, la muerte de Elvis y, anteponiéndose a todo, de La Guerra de las Galaxias deGeorge Lucas. La película es todo un fenómeno social y cinematográfico, y personajes comoDarth Vader pasan a convertirse en parte de la cultura popular. No obstante, no es lo único interesante del cine fantástico de ese año. Además de Suspiria, otra muestra del giallo italiano, dirigida por Dario Argento, ese año se estrena Las Colinas Tienen Ojos, otro clásico de Wes Craven, que convierte en actor fetiche a Michael Berryman. En parte, es precursora de films como Viernes 13 (1980), que sirve de punto de partida para numerosas secuelas e imitaciones. El film de Sean Cunnigham convierte a los adolescentes descerebrados en presas fáciles de un psycho killer. * Pero si imitaciones tuvo Viernes 13, más aún cosechó La Noche de Halloween, de John Carpenter (1978), todo un hito del cine independiente y del género fantástico. Al igual queCromosoma 3 (1979), el primer gran éxito de David Cronenberg o Mad Max (1979), del australiano George Miller. * Otro clásico de ese año fué la maravillosa Alien, el Octavo Pasajero, que sienta las bases del cine de ciencia ficción posterior. También en 1979, la revista Interviú cataloga de auténtico el film Holocausto Caníbal de Ruggero Deodato. Ni que decir tiene que el film no era más que otro film del género mondo, totalmente ficticio, pero el artículo llevó al cine a muchísimos morbosos.

11. 11. EL cine de los 80 * En el cine de los 80, como en todas las épocas del cine, existen elementos muy representativos. Esta década se destacó por una serie de películas que causaron furor en el mundo entero y que fueron en su tiempo un parte aguas para el cine que tenemos en la actualidad. El cine de los 80 se caracterizó por hacer muchas secuelas de películas, sobre todo las de terror que tuvieron más de cinco películas. En estos tiempos era común que fueran películas de historias originales, no se hacían remakes como en otras décadas. Muchas estrellas de Hollywood que en la actualidad están en los 40 años de edad, saltaron a la fama gracias al cine de los 80.Películas de los 80's más famosas por año: * 1980: El resplandor , Fama, Viernes 13, Star Wars Episodio V: El Imperio contraataca, La Laguna Azul, Gente Como Uno, El final de la cuenta atrás, Taboo, El Exterminador, Alligator, Bronco Billy, Urban Cowboy, El retorno del Rey. * 1981: Indiana Jones y Los Cazadores del Arca Perdida, Escape de Nueva York, Mad Max 2, Un Hombre Lobo Americano en Londres, Furia de Titanes, Halloween II, Viernes 13 Parte 2, Aullidos, Heavy Metal, Sangriento San Valentín, Midnight Offerings, El Cavernícola. * 1982: E.T.: El extraterrestre, Poltergeist, Conan el bárbaro, Viernes 13 Parte 3 , Halloween III, Grease 2, Rambo, Pink Floyd The Wall, Gandhi, Tootsie, Amityville II: The Possession, Rocky III, Clase de 1984, Star Trek II: la ira de Khan. * 1983: Scarface, Flashdance, Star Wars Episodio VI: El Regreso del Jedi, WarGames, Porky's 2: al día siguiente, Psicosis II, 10 to Midnight, Impacto Fulminante, La ley de la calle, Rebeldes, Christine, El sentido de la vida, Tiburón 3, Octopussy. * 1984: The Terminator, Karate Kid, Pesadilla en Elm Street, Viernes 13 Parte 4, último capítulo, Indiana Jones y el templo maldito, Beverly Hills Cop, Los cazafantasmas, Conan el destructor, Gremlins, El Exterminador 2, Breakdance, Breakdance 2. * 1985: Memorias de África, Back to the Future, Viernes 13 Parte 5, un nuevo comienzo, Mad Max Beyond Thunderdome, Pesadilla 2, La Revencha de Freddy, Rambo 2, Rocky IV, Comando, El beso de la mujer araña, Poltergeist II: El otro lado, La jaula de las locas 3, Fiebre de amor, El Club de los 5, Faces of Death III. * 1986: La Mosca, Platoon, Top Gun, Aliens, Karate Kid 2, Nueve semanas y media, Cobra, Viernes 13 Parte 6, Jason vive, The Texas Chainsaw Massacre 2, Highlander, Psicosis III, El color del dinero, Cuenta conmigo, Slaughter High. * 1987: Robocop, Fullt, Atracción fatal, Los Intocables, Depredador, Wall Street, Dirty Dancing, Lethal Weapon, Spaceballs, The Lost Boys, El imperio del Sol, Halcón. * 1989: Batman, Regreso al futuro 2, Karate Kid III, Indiana Jones y la última cruzada, El Castigador, Nacido el 4 de julio, Lethal Weapon 2, El Padrastro 2, Viernes 13, Parte 8: Jason toma Manhattan, Halloween 5: la venganza de Michael Myers, La Mosca 2, Tango & Cash, Los Cazafantasmas 2.

12. 12. EL cine de los 90 y 2000 * A principios de los años 90 el cine musical no estaba en sus mejores momentos. Probablemente la razón sea que la gente estaba saturada de ver tantos bailes y canciones, eso unido a la poca recaudación que cosecharon las últimas películas obligaron a las productoras a reducir considerablemente la cantidad de productos. Esta década cuenta con escasos títulos en comparación con los anteriores periodos: * Cry baby (1990) está dirigida por John Waters. Una sátira de películas de instituto y a su vez una burla de Grease. Cuenta con los típicos ingredientes del estrafalario americano: travestis, sexo, críticas y muchas risas. Protagonizada por un jovencísimo Johnny Depp. Ideal para ver después de comer. Dos años después llegaría la soporífera Evita (1992) biopic de Eva Perón en la que trabajan Madonna y Antonio Banderas. * Sin duda una de las mejores o la mejor de este periodo es Todos dicen i love you (1996) La única incursión que hizo Woody Allen en el cine musical, no es una de las mejores películas de su extensa filmografía pero sí resulta interesante. Una comedia romántica que transcurre entre Venecia, Nueva York y Paris. Sin duda un homenaje al periodo clásico que tanto debió gustar al genio. El cine de animación contribuyó considerablemente y estrenó tres de sus películas más conocidas: La Bella y la Bestia (1991), Aladdin (1992) y La sirenita (1989). * Estas tres películas son las más destacadas de los 90. Con ellas cerramos esta etapa y entramos al siglo XXI de la mano de Lars Von Trier y su dramáticaBailar en la oscuridad (2000) una co-producción de nada menos que diez países europeos. De nuevo un homenaje al cine clásico. La cinta es conducida por una trabajadora que pierde la vista paulatinamente. Dos años más tarde se estrena Chicago(2002) una estupenda película plagada de buenos números y una estupenda música.Catherine Zeta-Jones y Renee Zellweger son maestras de ceremonia. Un año antes encontramos la también soberbia Moulin rouge (2001) una fantástica historia de amor ambientada en el París de finales del siglo XIX. * El fantasma de la ópera (2004) la obra de Lloyd Webber ha sido adaptada numerosas veces. La nueva versión está lejos de ser una de las mejores y poco hay que decir sobre ella. Dos musicales que consiguieron estar a la altura de las obras teatrales son Sweeny Todd (2007) del surrealista Tim Burton con Johnny Depp de nuevo a la cabeza interpretando al sádico barbero de la calle Flint y Mamma Mia (2008) tuvo un gran éxito de taquilla, sirvió para que la gente volviera a ver la obra en teatro. Los productores (2005) es otra estupenda adaptación que ya fue llevada a la pantalla haya por el año 60 de la mano de Mel Brooks.

13. 13. Hollywood Hollywood es un distrito de la ciudad de Los Ángeles. Su nombre se asocia con la sede de la la industria del cine estadounidense. El poblado fue fundado en 1857. Aunque el nombre procede de las palabras inglesas holly y wood fue la esposa de un promotor inmobiliario quien dio nombre, en los años 1880, a su rancho situado en la zona después de haber conocido a un matrimonio de otro lugar cuya casa se llamaba Hollywood.En 1903 Hollywood se convirtió oficialmente en municipio y siete años más tarde sus concejales votaron a favor de la integración de la provincia a la población de Los Ángeles, principalmente, para disponer de agua suficiente a través de la red de suministro de la ciudad.Además de ser un barrio de Los Ángeles, el término Hollywood define, genéricamente, también a la industria del cine y de la televisión arraigada en el sur de California.A principios de los años 1900, las compañías productoras de cine de Nueva York y Nueva Jersey comenzaron a trasladarse a California debido al monopolio establecido por Edison en EUA y además por sus numerosos días de sol durante el año y a que los días eran también más largos. Aunque ya existía la luz eléctrica, los estudios de cine dependían de la iluminación natural para poder rodar. El primer estudio en la zona de Hollywood se fundó en 1911. Durante ese mismo año otros quince estudios se establecieron allí, principalmente, por el buen clima que facilitaba los rodajes en exteriores. Esto se debía a que muchos estudios empezaron a dejar de pagar la abusiva tasa Edison (que poseía la patente como teórico inventor del cine), lo que podía meterles en serios problemas legales. Desde entonces, el distrito de Hollywood fue evolucionando hasta convertirse en la meca del cine mundial. Las grandes empresas del cine de Hollywood de la época dorada: * Universal Pictures * Fox Film Corporation (después conocida como la 20th Century Fox) * United Artists * Warner Bros * Metro-Goldwyn-Mayer * Columbia Pictures

14. 14. EL cine del siglo XXI * Aunque fue en la última década del siglo XX cuando el cine inició su proceso imparable hacia lo digital es en el siglo XXI cuando se perfila, que en los próximos 20 años el cine sea totalmente digital. * Tron (1982), fue la primera película con efectos digitales, después siguieron las grandes superproducciones que hicieron uso extensivo de la tecnología digital, como Star Wars o Matrix, y Pixar, que la utilizó totalmente en alguna de sus producciones. Hoy se trabaja e investiga sobre dicha tecnología, en el intento de que en unos años todas las salas de exhibición dispongan de proyectores digitales (los proyectores digitales capaces de una resolución de 2048 píxeles horizontales comenzaron a desarrollarse en 2005 y su avance es cada vez más acelerado), y se pueda filmar en digital con las mismas calidades en todos los aspectos que en el cine analógico. * Directores como George Lucas, James Cameron, Robert Rodríguez, David Fincher, David Lynch o Lars von Trier, utilizan ya los sistemas de alta definición mientras otros directores, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Quentin Tarantino, Tim Burton, Ridley Scott u Oliver Stone, siguen prefiriendo el soporte analógico, pues el debate se encuentra aún entre las dos modalidades: cine digital o celuloide. Para unos, los detractores, el cine digital supone otra clase de experiencia visual totalmente distinta al cine grabado químicamente y proyectado mecánicamente. Muchos directores, aún contarios o reticentes al cine digital, ruedan sus últimas películas con cámaras digitales, puesto que no pueden asumir los costes del analógico, y más tarde las pasan al celuloide. He hablado con algunos montadores, expertos en la moviola, que afirman que el celuloide da una calidad y una vida a lo filmado que el cine digital está lejos de lograr. Lo cierto es que el avance del cine digital parece ya una evolución imparable y en el futuro se asistirá a la digitalización casi total de cine y televisión. * Las cámaras digitales permiten una posproducción mucho más flexible y menos costosa que el cine analógico, se puede ver en el momento los resultados sin necesidad de esperar el revelado, poseen cada día una mayor resolución y existe un mayor control sobre la colorimetría. Cierto es que los sistemas de filmación y revelado analógicos permiten resultados creativos diferentes, tanto durante la filmación como en el proceso químico de revelado, y los buenos cineastas le sacan un gran partido, en contra de la única respuesta que el cine digital tiene a la luz, por lo que hace más compleja la iluminación.

15. 15. El cine en 3D: * El cine se reinventa constantemente para llenar las salas de espectadores, se proponen y comercializan nuevas tecnologías, y, lo que en ocasiones no tiene el guión se suple con efectos especiales. El cine en tres dimensiones, que ya surgió en varios momentos de la historia, revive en con nuevos estímulos visuales para competir con el pirateo de películas y la pereza de muchos espectadores de acudir a las salas cinematográficas. Lo positivo es, que se siguen investigando y aplicando nuevas técnicas digitales y, en buenas manos cinematográficas, pueden producirse magníficos productos. El objetivo de productores y cineastas es ofrecer una experiencia espectacular, que hipnotice al espectador y que sea una sensación que difícilmente puede vivirse en el sofá de casa o en la pantalla del ordenador. A pesar de que la reconversión de las salas para el nuevo sistema digital en 3D es de precio muy elevado, el cine 3D abre un nuevo camino. Algunas de las películas ya exhibidas, has superado hasta el momento, como Avatar, todos los record de taquilla. Disney, por ejemplo, está preparando nuevas versiones de sus clásicos en 3D. Películas significativas son: 1. Monstruos contra alienígenas, Monsters vs. Aliens, 2009, de Rob Letterman y Conrad Vernon, de la factoría Dreamworks 2. UP, de Pete Docter, 2009, producida por Disney y Pixar 3. Avatar, de James Cameron, 2009. 4. Cuento de navidad, A Christmas carol, de Robert Zemeckis, 2009, producida por Disney 5. Alicia en el País de las Maravillas, Alice in Wonderland, 2010, de Tim Burton. * Para que las relaciones interculturales empiecen a tener distinto perfil, es necesario luchar contra prejuicios y estereotipos, y el cine es un medio eficaz que contribuye a ello, pues una película va más allá de su propia historia y del lenguaje cinematográfico y técnicas con la que está realizada (Castiello, 2001) * Una interesante película, Cruzando el polvo (Crossing The Dust, 2006), del director kurdo Shawkat Amin Korki, narra una historia en el contexto de la invasión norteamericana de Irak en 2003, cuando un niño árabe, llamado Saddam, de cinco años se pierde en el fragor de la guerra. Dos soldados kurdos que lucharon contra las tropas de Saddam Hussein le encuentran entre el caos de la contienda. Uno de ellos, alegre y optimista, quiere devolverlo a su familia, el otro, prefiere dejarlo a su suerte. Es un acercamiento a los conflictos internos que generan los combates y una aproximación al acercamiento cultural desde la sencillez de las historias personales. * En tierra de nadie (Ničija Zemlja, 2001), del director bosnio Danis Tanovid se muestra, en una dura crítica contra el salvajismo de la guerra y de los conflictos interculturales, cómo dos soldados de dos bandos diferentes, uno bosnio y el otro serbio, en pleno conflicto de las Balcanes, se encuentran atrapados en una trinchera entre sus respectivas líneas, en tierra de nadie, durante la guerra de Bosnia de 1993. Mientras intentan salir de su situación, un sargento de los cascos azules de las Naciones Unidas les ayuda en contra de las órdenes de sus superiores, provocando un show mediático de carácter internacional. * Un solo director, Clint Eastwood, en 2006 ha realizado dos películas, Cartas desde Iwo Jima (Letters From Iwo Jima) y Banderas de nuestros padres (Flags of Our Fathers), exponentes de un cine bélico de reflexión, que busca en cada uno de los films una mirada diferente, cada película narra la misma historia desde el bando contrario, los sufrimientos y sentimientos de los contendientes en una misma batalla, la de Iwo Jima, en la II Guerra Mundial, en la que ambos bandos están imbuidos con la creencia de que es necesario defender su propia civilización, amenazada por otra.

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Publicado el 1. Los orígenes del cine El cine se desarrolló con uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine ,las observaciones de Peter Mark Roget que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de "Persistencia"de la visión en lo que afecta a los objetos en movimiento, en el que establecía que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante.

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Cine en las aulas de Primaria y Secundaria.

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Montaje audiovisual del libro "Por cuatro esquinitas de nada" de Jerome Ruillier. Un cuento acerca de la tolerancia y la empatía.

Niveles: Primaria, Secundaria.

Áreas: Literatura, Plástica, Educación para la Ciudadanía, Ética, Tutoría.

Técnicas: animación, cut-out.

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En 8 minutos

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Hollywood Photo Booth Prop Set | Hollywood Photo Props | Set of 9 Felt Props

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Hollywood Party Props, Old Hollywood Photo Props, Movie Camera Photo Prop CURRENT WAIT TIME ----------------------------- 10 business days + shipping time PLEASE INCLUDE YOUR EVENT DATE AS A NOTE DURING CHECKOUT Set of 9 Hollywood Props! Each prop is hand-made from several layers and pieces of

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Corto animado

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Pelicula Muda Sobre El Bullying (Animada)

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Ahora que comienzan las vacaciones de verano, es el momento en el que desde Inevery Crea preparamos la mochila 2014-2015 de nuestros docentes con grandes cantidades de: creatividad, metodología, dinámicas de aprendizaje, proyectos colaborativos, competencias, tutoriales, apps ...

Los docentes sabemos que la creación de vídeos por parte de nuestros alumnos es una manera muy interesante de trabajar la creatividad y compartir el conocimiento en el aula.

El próximo curso 2014-2015 podemos utilizar las apps como herramienta para que nuestros alumnos realizen sus propias películas de una manera fácil y rápida, una de las actividades más gratificantes es coger una cámara y contar su propia historia.
¿Qué puede resultar más creativo para nuestros alumnos que pasar a la práctica grabando sus propias películas?
Hoy recomendamos apps que harán más fácil el trabajar con el cine en el aula y que despertarán la creatividad de nuestros alumnos:

1. Disney Infinity: Action!

Disney Infinity nos permite crear videos de unos 20 segundos de duración, en los que el protagonista es el usuario acompañado por uno o varios de los mencionados personajes de Piratas del Caribe, Monsters University y Los Increíbles.
Disney Infinity: Action! está disponible en App Store
StopMotion Recorder es una aplicación que nos permite crear stop motion video como claymation.

Con StopMotion Recorder podemos editar y compartir nuestra película a través de correo.
3. Easy Studio - Animate the Shapes
Easy Studio es una aplicación que nos permite dibujar, animar y crear nuestros propios dibujos animados.

Easy Studio-Animate the Shapes está disponible en

Animation Desk permite crear animaciones a mano en el iPad.

MyStopAction nos permite crear películas con nuestras propias fotos o imágenes de la biblioteca.

FlipBook es una aplicación que nos permite crear de una manera fácil animaciones en el aula.

Podemos cargar imágenes desde nuestra biblioteca, imágenes captadas con nuestra tablet y dibujar sobre ellas. FlipBook pone la animación en nuestras manos. ti

Animation Creator HD permite que la creatividad cobre vida en nuestras aulas, nuestros alumnos son los directores. Con herramientas simples y gran cantidad de opciones creamos animaciones sin problemas.

Draw and Show permite a nuestros alumnos compartir su talento artístico. Dibujar, escribir, dibujar, tomar notas y crear maravillosos videos.

9. Cinefy - Special FX Studio

PicPlayPost es una aplicación con una gran cantidad de diseños que nos permite incluir vídeos o fotografías para crear un collage y compartirlo con nuestros compañeros en el aula.
Si estás interesado en conocer Apps educativas busca en nuestra comunidad aplicaciones de: ¿Qué otras aplicaciones utilizas en el aula para crear películas en el aula? Comparte en Inevery Crea Apps, te esperamos !!! Matemáticas, Música,Realidad Aumentada, Programación y Robótica, Selectividad, Educación Inclusiva, Dibujar y Pintar....

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10 Apps geniales para hacer cine en el aula #mlearning

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Ahora que comienzan las vacaciones de verano, es el momento en el que desde Inevery Crea preparamos la mochila 2014-2015 de nuestros docentes con grandes cantidades de: creatividad , metodología , dinámicas de aprendizaje, proyectos colaborativos , competencias, tutoriales , apps ...

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Tutorial

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El mundo del stop motion es factible en educación, y hay muchas ideas que puedes poner en marcha con una técnica que está de moda con la llegada de los smartphones y la masificación de las nuevas tecnologías.

Hoy ahondaremos en esta técnica, tremendamente visual, muy fácil de crear y también muy versátil. El stop motion nos permitirá adaptar prácticamente cualquier idea para darle algo de animación y movimiento, pero con ese estilo tan atractivo. ¿Por dónde empezamos? Fácil: ¿cómo hacer un vídeo stop motion para educación?

¿Qué quieres contar?

La idea es esencial, claro. Aunque aquí te dimos algunos recursos para empezar a pensar sobre la propuesta temática, has de saber que puedes hacer un stop motion sobre cualquier cosa sobre la que harías una película.

Evidentemente, debe existir algún tipo de hilo argumental o algo sustancial que quieras relatar. Puede ser un resumen de un libro a través de stop motion en el que aparezcan los personajes a los que les van ocurriendo cosas, o quizá una historia en la que describas algo aprendido en el último tema de tu asignatura favorita.

Necesitas contar algo. Un vídeo stop motion no es más que una forma de relato, de creación en la que se cuenta algo. Y, por supuesto, deberás tener una idea muy clara de qué quieres contar. ¿Necesitas ideas? Tan sencillo como buscarlas en Internet.

Necesitas imágenes: fotografías, dibujos... ¿y plastilina?

Vayamos con una perspectiva algo más técnica. Un stop motion es, básicamente, una sucesión de imágenes que combinadas entre sí para dar una sensación de movimiento. Necesitarás combinar varias imágenes, pasando de una a otra en cortos intervalos de tiempo.

https://www.youtube.com/watch?v=dLShLifyER0

Aunque a efectos prácticos la idea es la misma que la de una película de vídeo , la diferencia es que en un stop motion hay un mayor margen de tiempo entre una imagen y otra, dando esa sensación tan curiosa y característica.

Aquí es importante hablar de las imágenes, y es que pueden obtenerse de decenas de diferentes medios. Puedes coger una cámara de vídeo, grabar un clip y seleccionar ciertos fotogramas (por ejemplo, uno de cada diez) para crear tu stop motion; o también puedes hacerlos con dibujos o con fotografías. De hecho, algunos smartphones incluyen esta funcionalidad en el software de las cámaras.

Otra opción especialmente interesante para educación, sobre todo para las edades más tempranas, es usar plastilina para ir creando los personajes u objetos necesarios, y modificándolos pertinentemente. ¿Recuerdas Wallace y Gromit? Cada vez que queramos sacar un fotograma, foto y a continuar. Es, posiblemente, una de esas sustancias divertidas y muy versátiles para usar en educación, y desde luego puede aprovecharse en los stop motion. Y quien dice plastilina, dice muñecos que se tengan en casa como por ejemplo de LEGO o Playmobil.

El software... de vídeo Stop Motion

Si ya sacaste la idea y le diste vida con alguno de los formatos (fotografías, dibujos, plastilina...), deberías tener un montón de imágenes que, si las juntas, tendrás un pequeño clip en stop motion. La idea es tan sencilla como enseñar una imagen durante unos pocos segundos, y luego la siguiente, y la siguiente, y la siguiente... hasta terminar todas ellas.

Aquí es donde entran en juego los programas de edición de vídeo y nuestra capacidad como editores. La verdad sea dicha, si tenemos el material crear el stop motion es una de las tareas más sencillas que pueden hacerse.

Según sea el programa de edición que manejes (hay decenas de ellos), sólo tendrás que colocar cada una de las imágenes y asignarles un tiempo de duración en escena. Una vez pase este tiempo, el programa automáticamente pasará a la siguiente imagen (ten en cuenta que estén bien ordenadas, claro). Exportar el vídeo y listo, stop motion creado.

También tienes otras opciones más sencillas, como usar programas como qStopMotion o Frames que son exclusivamente para esto. Colocas tus imágenes, seleccionas unos pocos parámetros y poco más. Si no quieres complicarte, estas opciones (o alguna otra que hay por ahí) son perfectas.

Además, recuerda que otros recursos, como voces o sonidos, pueden ser muy interesantes para aplicar en un stop motion, ya que añaden una dosis adicional de contenido. Haz que la clase colabore y decida qué decir, y cuándo hacerlo; si añaden estos extras, el resultado será mucho mejor.

Imagen de portada: Flickr de orse

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Tutorial: cómo hacer un vídeo stop motion para educación

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El mundo del stop motion es factible en educación, y hay muchas ideas que puedes poner en marcha con una técnica que está de moda con la llegada de los smartphones y la masificación de las nuevas tecnologías. Hoy ahondaremos en esta técnica, tremendamente visual, muy fácil de crear y también muy versátil.

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Creación con Movie Maker

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Descarga e instala Movie Maker

Si aún no dispones del programa, dirígete a la web del proyecto y descarga la última versión disponible. El paquete incluye otros programas pertenecientes a la suite Live, pero en este caso sólo te interesa el componente Movie Maker. Por lo demás, el programa se instala de la forma habitual.

Haz las fotos del stop-motion

Mientras se descarga e instala Movie Maker, puedes aprovechar para ir capturando las imágenes que compondrán el vídeo en stop-motion. La idea es que cada imagen haga las veces de fotograma, así que, cuanto más detallado quieras un movimiento, más fotos tendrás que hacer de cada escena. Un vídeo de unos 3 segundos debería contar con unas 30-40 imágenes para conseguir unos movimientos más o menos fluidos.

Intenta conservar el encuadre y las condiciones de luz, pero tampoco hace falta que te esfuerces demasiado. Uno de los encantos de esta técnica es precisamente eso, las pequeñas variaciones de plano e iluminación.

Arrastra las imágenes a Movie Maker

Cuando se haya terminado de instalar el programa, ábrelo y arrastra hasta la interfaz las imágenes que has capturado en el paso anterior. Deberían quedar ordenadas automáticamente, pero revísalo por si tuvieras que reordenar la primera o la última captura. Presiona el botón de reproducción para ver cómo va quedando tu vídeo stop-motion.

Modifica la duración de cada fotograma

La duración predeterminada de cada foto, 7 segundos, es excesiva para un vídeo stop-motion, así que habrá que reducirla. Selecciona todos los fotogramas con la tecla Shift y dirígete a la pestaña Herramientas de vídeo > Editar. En el campo Duración, ingresa a mano un valor del orden 0,1 ó 0,3 segundos, según requiera el estilo de tu vídeo. Vuelve a pulsar en el botón de reproducción para comprobar que esta duración es adecuada. Además, es posible que tengas que desactivar las transiciones en el menú Animaciones; basta con seleccionar el elemento Sin transiciones.

Exporta el proyecto

Desde la pestaña Inicio, presiona en Guardar película o compártela directamente en uno de los sitios compatibles con Movie Maker. Es posible que tengas que ingresar tus credenciales de usuario o conceder permisos a la aplicación. Ponle un nombre, rellena el resto de detalles y espera a que Movie Maker termine la exportación. Cuando acabe, podrás ver el vídeo en el servicio escogido o en el propio PC.

Más ideas de stop-motion

En los stop-motion, además de los vídeos compuestos a partir de imágenes estáticas (fotografías), también se pueden emplear pequeños fragmentos de vídeo al más puro estilo Vine. Tal es el caso de una de las últimas tendencias de Youtube, el brooming. En estos vídeos, los usuarios simulan poder volar en una escoba a partir de un sinfín de saltos sobre la escoba, tras eliminar las partes en los que los pies están tocando el suelo. El resultado es, cuanto menos, curioso.

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Crea un vídeo stop-motion sencillo con Movie Maker

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Si aún no dispones del programa, dirígete a la web del proyecto y descarga la última versión disponible. El paquete incluye otros programas pertenecientes a la suite Live, pero en este caso sólo te interesa el componente Movie Maker. Por lo demás, el programa se instala de la forma habitual.

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Tutorial

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Victoria Lloret, Video Marketing Creativo

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Vídeo

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Cortometraje

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Cortometraje Animado - Protección del medio ambiente - Misión Gaia

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15 ideas para empezar

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TotemGuard es un blog de recursos TIC para profesores que plantea cuestiones de interés para aquellos docentes que se introducen en esta técnica. ¿Qué se entiende por animación stop motion?, ¿qué habilidades desarrollan los estudiantes?, ¿qué aplicaciones de software pueden utilizarse?... son algunas de las preguntas que introducidas. Asimismo, recoge ejemplos de cómo aplicar este tipo de animaciones en las diferentes asignaturas: por ejemplo, en clase de Lengua se puede escribir un poema y crear una animación hecha con plastilina; en Ciencias, en cambio, se puede utilizar para mostrar la germinación de las semillas o el crecimiento de las plantas.

Somos el medio de comunicación líder en innovación educativa, nuevas tecnologías y metodologías, innovación docente, formación y recursos para profesores.

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Stop Motion en educación. ¡15 ideas para inspirarte y empezar!

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TotemGuard es un blog de recursos TIC para profesores que plantea cuestiones de interés para aquellos docentes que se introducen en esta técnica. ¿Qué se entiende por animación stop motion?, ¿qué habilidades desarrollan los estudiantes?, ¿qué aplicaciones de software pueden utilizarse?... son algunas de las preguntas que introducidas.

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¿Conoces alguno más? Te agradecería que lo dejases en los comentarios.

1. La tierra está enferma. La tierra se encuentra mal... La causa está muy clara, y la solución también. Con el final se pretende implicar al espectador en el problema y concienciarle de su capacidad y responsabilidad en un cambio positivo.

2. A Record of Life Cortometraje sobre la evolución y los misterios de la diversidad de vida en la tierra.

3. Educación Mediática. Consumo responsable

4. De consumir a consumidor responsable

5. ¿Me dejarías hacerlo? Sobre el calentamiento global.

6. El ultimátum evolutivo. El dilema entre" Homo consumus" y "Homo responsabilus" analizado por el Prof. Setemius desde su programa

7. Hoy tienes 3.000 oportunidades. Para motivar a la acción y el cambio. Hoy tienes 3.000 oportunidades para mejorar nuestro mundo, y mañana otra vez. Y pasado, y al otro,... no las dejes escapar.

8. El abrazo de Wounda. Wounda, una chimpancé fue rescatada en el Congo por el Instituto Jane Goodall en muy malas condiciones, huérfana después de que unos cazadores furtivos mataran a su madre. Su nombre, Wounda, significa "al borde de la muerte". Pero su historia tiene un final feliz.

9. La llamaban Tierra. Animación STOP MOTION sobre la relación del ser humano con el medio ambiente. Han trabajado más de 80 alumnos, realizando más de 3000 fotos.

10. If animals would eat at Mc Donalds. Una reflexión sobre el tipo de alimentación.

11. Érase una vez el océano. Ésta es la historia de una pequeña que descubre la dependencia de la humanidad por los océanos y la belleza y vida que está en riesgo si dejamos que estos se pierdan por la contaminación y el uso no sustentable de los recursos marinos.

12. The man who planted trees. Animación del cuento de ficción del escritor francés Jean Giono sobre Eleazar Bouffier, un pastorque por sí solo reforestó una desolada región de Francia. La aclamada película fue dirigida por Frédéric Back.

13. Quiero ser tortilla. Corto de Animación sobre los transgénicos

14. Y entonces llegó el hombre. Pues eso, que llegaron los mayores depredadores, Animación.

15. Welcome to planet Earth

16. On. Soberanía alimentaria en marcha

17. ¿Á qué precio? Cortometraje para tomar conciencia del consumo diario de energía

18. Domonic. Sobre el consumo de energía.

19. Por favor, salvemos al mundo

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20 #Cortometrajes sobre Medio Ambiente, Calentamiento Global y Consumo Responsable

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¿Conoces alguno más? Te agradecería que lo dejases en los comentarios. La tierra está enferma . La tierra se encuentra mal... La causa está muy clara, y la solución también. Con el final se pretende implicar al espectador en el problema y concienciarle de su capacidad y responsabilidad en un cambio positivo.

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Las mejores 50 películas

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¿Te imaginabas cuál estaría en primera posición? ¿Adivinas qué películas de Pixar faltan en la lista? ¿Y cuántos títulos de Hayao Miyazaki aparecen? Entre ellas encontramos también varias secuelas... Recopilamos los títulos mejor valorados de la historia de la animación (apta para niños) por los usuarios de la base de datos IMDb, a los que añadimos las valoraciones de nuestros críticos, ¿estás de acuerdo con el ranking?

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Las 50 mejores películas de animación según los usuarios de IMDB

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¿Te imaginabas cuál estaría en primera posición? ¿Adivinas qué películas de Pixar faltan en la lista? ¿Y cuántos títulos de Hayao Miyazaki aparecen? Entre ellas encontramos también varias secuelas... Recopilamos los títulos mejor valorados de la historia de la animación (apta para niños) por los usuarios de la base de datos IMDb, a los que añadimos las valoraciones de nuestros críticos, ¿estás de acuerdo con el ranking?

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10 ideas para aplicar el cine en el aula

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10 ideas para aplicar el cine en el aula

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Instituto Cervantes

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85 cortometrajes

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Educar en valores es importante para que los alumnos se formen como personas responsables, comprometidas y empáticas. Para ello, es posible recurrir a películas, juegos, refranes o a otros recursos como los cortometrajes que narran historias para hacer reflexionar a los estudiantes. Recopilamos una amplia lista de cortometrajes para educar en valores como el amor, la amistad o la empatía en el aula.

Y tú, ¿qué quieres ser de mayor?

Muestra cómo los estereotipos de género están implantados desde edades muy tempranas. Se plantean a niños y niñas la pregunta ¿qué quieres ser de mayor? Y tras sus respuestas vuelven a hacer la misma cuestión, pero cambiándoles de género. Esta campaña busca educar en igualdad y mostrar la existencia de patrones establecidos, que se ven desde la infancia, a la hora de elegir profesiones para su futuro.

Sr. Indiferente

El protagonista de este cortometraje de animación solamente piensa en sí mismo. No tiene ningún tipo de interés en ayudar a los demás hasta que un día, una anciana le hace ver la importancia de la empatía y la solidaridad. Desde entonces, su vida cambiará para siempre y se convertirá en un hombre mucho más feliz.

No pierdas la alegría de la vida

Los protagonistas son un padre (de color azul) y un niño (de color amarillo) que se toman la vida de distintas formas: el primero siempre está triste, apagado e infeliz en el trabajo, mientras que el segundo da saltos de alegría y siempre sonríe, a pesar de no hacer las cosas bien en la escuela. La historia se repite día tras día, pero los roles se van cambiando: el pequeño empieza a sentirse desanimado cuando va al colegio y su padre hace todo lo posible para conseguir que vuelva a sentirse como antes.

Por siempre jamás

Este cortometraje de animación 3D e imagen real busca concienciar sobre los estereotipos de género en los cuentos y reivindicar el poder de la imaginación para derribarlos. Está protagonizado por una niña que imagina un cuento de princesas donde las chicas pueden ser pilotos, las carrozas son coches deportivos y los bailes en palacio son en realidad emocionantes carreras. Se ha inspirado en la historia real de Michèle Mouton, piloto de Audi y la primera mujer en ganar una carrera del Campeonato Mundial de Rally en 1981.

El puercoespín

Una visión diferente del bullying desde la perspectiva de un puercoespín que, debido a sus espinas, es rechazado por el resto de sus compañeros. Mediante la empatía y la amistad por parte de su entorno, consigue ser aceptado recibiendo un curioso regalo de sus amigos.

Monsterbox

Está centrado en la relación entre una persona de avanzada edad y una niña. Su objetivo es ofrecer una visión sana y divertida de la amistad entre las personas, independientemente de la edad. El corto demuestra además cómo la educación emocional tiene gran importancia en la expresión de las emociones o cómo la paciencia también es esencial para cultivar este valor con los demás.

Una reflexión sobre el acoso escolar desde el punto de vista de quienes observan las situaciones de acoso pero que no se deciden a actuar. En este caso, el testigo de los abusos perpetrados por un niño hacia el resto de sus compañeros es una especie de monstruo de 'objetos perdidos' que vive en una caja del patio del colegio. Su nombre es Lou y decide llevar a cabo un plan para darle una lección al acosador.

La honestidad

Para ser honestos con las personas que te rodean, primero hay que serlo con uno mismo. Este valor se manifiesta a través de una partida de ajedrez en la que un anciano juega contra sí mismo. ¿Quién ganará? Resulta esencial para mostrar a los estudiantes el valor de no engañarse a sí mismos y mostrarse tal como son.

Igualdad y no discriminación

El gobierno mexicano ha puesto en marcha una serie de cortometrajes para educar sobre igualdad y rechazar la discriminación por raza, cultura o género. En uno de ellos, por ejemplo, un estudiante no quiere jugar al fútbol con sus compañeras, que le recuerdan que siempre han sido amigos y que ese tipo de comportamientos no aportan nada positivo a la convivencia. Cada vídeo finaliza con un discurso sobre estos valores para que los estudiantes reflexionen en el aula.

En un pueblo pesquero abandonado, invadido por la arena y el viento, vive un viejo y solitario marinero que sueña con sus viajes a bordo de su barco. Hasta que un día recibe una visita inesperada: es un ave herida. El marinero se ocupará de ello y entre ellos surgirá una amistad hermosa y entrañable, hasta el punto de que cuando el ave se haya recuperado y el marinero decida que es hora de emprender su vuelo, volverá en su búsqueda.

What does it mean to do something 'As a Girl'?

Es parte de una campaña que quiere eliminar el mensaje negativo que se esconde detrás de la expresión "hacer las cosas de niña", promoviendo así el valor de la igualdad entre las personas, independientemente de si son mujeres u hombres. Para hacer esto, les presenta a sus participantes una serie de situaciones que deben desarrollar, y luego les pregunta sobre su percepción de cómo se sienten cuando escuchan estas palabras.

Sin diálogos, pero con la música que te rodea tan pronto como escuchas las primeras notas musicales, este cortometraje animado nos recuerda que, a pesar de las cosas malas que a veces le suceden a una persona en su vida, no tienes que rendirte: a veces, la vida te da la oportunidad de conocer gente que quiere estar a tu lado y ayudarte.

One by One (One By One)

Esta propuesta, rodada con la técnica del stop motion, habla a los estudiantes de la discriminación y de la capacidad de superación de las personas para reponerse de los malos momentos y las situaciones adversas. En Zero, cuando una persona nace tiene un número que le acompañará para siempre y en función de éste su destino queda establecido. Por eso, la que nace con el número 0 sabe que acabará siendo marginada por los demás. Pero la vida siempre te puede sorprender...

Somos un equipo

"Lo importante no es el puesto en el que se juegue, sino el esfuerzo de cada jugador porque a pesar de las dificultades si el equipo está unido nunca abandona". Esta frase es un extracto del diálogo que aparece en este cortometraje de animación. Se desarrolla en un aula y el mensaje que se transmite es que la familia es un gran equipo cuyos miembros al permanecer unidos afrontan mejor las adversidades y problemas del día a día.

Sweet Cocoon

Este cortometraje de animación francés cuenta la historia de una oruga que se convertirá en una bonita mariposa. Pero no lo tendrá nada fácil, porque entrar en el capullo le resultará más difícil de lo que pensaba. Por suerte, la colaboración de dos pequeños insectos que pasaban por la zona le servirá de gran ayuda para sus planes.

Este cortometraje animado en 3D comienza a las afueras de la ciudad, donde Jimmy -un niño de corta edad- tiene que despedirse de la casa del árbol en la que tan buenos momentos ha pasado porque sus padres se mudan a la ciudad. La casa del árbol 'despierta' y decide ir en busca de su gran amigo. Ambos se reencuentran y a ellos se unirán otros dos niños del vecindario.

Mi amigo Nietzsche

Cortometraje escrito y dirigido por el brasileño Fáuston da Silva, este cortometraje cuenta la historia de un niño llamado Lucas que vive en las favelas y como su vida empieza a cambiar cuando un día empieza a leer 'Así habló Zaratustra', animado por el consejo que le da un recolector de cartones. El afán de superación y el deseo de no desistir son algunos de los valores proyectados en esta propuesta que capta la esencia de estos barrios marginales y sus habitantes.

A través de esta sugerencia, es posible trabajar y profundizar en el aula los valores familiares. El hilo conductor de esta historia, de Samuel Salazar, es un ama de casa que mientras prepara gazpacho recibe una llamada de su marido en la que éste le explica que no podrá salir antes del trabajo. A partir de aquí, la mujer descarga su ira contra él dejando patente toda ausencia de asertividad, y todo ello delante de su hijo pequeño.

Estudiantes del CRA La Sabina (Zaragoza) de Monegrillo y Nuez de Ebro son los protagonistas de esta historia que habla del acoso escolar y que formó parte del proyecto de innovación "Estamos rodando". Fue reconocida con el galardón a la mejor experiencia en el encuentro EDUTOPIA 2015.

French Roast

Nominado al Oscar al mejor cortometraje en 2009, esta animación de origen francés traslada al espectado temas de diversa naturaleza como la desconfianza, la solidaridad, la generosidad o la capacidad de ponerse en el lugar de la otra persona. La apariencia también se trata. Se desarrolla en un café parisino y su protagonista es un hombre vestido de manera elegante pero cuya actitud llama la atención por su prepotencia. A la hora de pagar se da cuenta que no tiene dinero y a partir de aquí comienzan a sucederse situaciones que, por otro lado, también invitan a la risa.

Knit to the last day of my life

Este corto de animación nos enseña una de las lecciones más importantes de la vida: saber cuándo es el momento de desistir y que esto no supone ningún fracaso. Y es que a veces no merece la pena continuar un camino si los resultados previstos están cada vez más lejos o si sufre demasiado en el intento. En el vídeo, la protagonista teje y teje sin parar, casi dejándose la vida en ello y, una vez logra abandonar su meta, respira.

Out of Sight (Fuera de vista)

Creado por tres estudiantes graduados de la Universidad Nacional de Artes de Taiwan, este corto de animación cuenta la historia de Chico, una niña ciega que es asaltada un día mientras paseaba a su perro guía Gogo. Al robarle el bolso, Gogo sale corriendo tras el delincuente, dejando sola a Chico. Esto le hará conocer el mundo de manera diferente por medio de los sentidos.

Retrocycling Robot

Este corto animado de Sebastián Baptista relata de manera divertida la importancia del reciclaje y la necesidad de que todos pongamos nuestro granito de arena en esta tarea para poder vivir en un mundo más sostenible. Es una buena forma de inculcar a los niños el respeto por el medio ambiente y fomentar hábitos para que aprendan a reciclar tanto en casa como en clase.

Teddy Newton es el director de este corto animado que trata sobre dos personajes muy curiosos que representan el día y la noche. Por ejemplo, cuando Día está feliz aparece un arco iris, mientras que en Noche aparecerán fuegos artificiales. Y aunque al principio se sienten incómodos juntos, con el tiempo aprenden a ver lo positivo del otro: como el día se convierte en noche y viceversa. Una historia para aprender a convivir con nuestros compañeros y quedarnos con las cosas buenas de los que nos rodean.

Este corto de animación nos hace reflexionar sobre el valor de ser uno mismo en un mundo plagado de gente indiferente que pierde su identidad, absorbido por el sistema, por la rutina o por el ritmo que nos marca la sociedad. Nuestros hijos, llenos de energía, no merecen vivir en un mundo gris y sin ilusión. El amor e interés de un padre hacia su hijo es lo único que les devolverá la alegría y el entusiasmo por la vida en este lugar, donde cada día hay más desencanto. ¡Tú eres el único que puedes cambiar el rumbo de tu vida y la de tus seres queridos!

Lily & the Snowman

A través de este corto nos volvemos a encontrar con el niño que todos llevamos dentro, reflejado en el muñeco de nieve. Una noche Lily hace un muñeco de nieve que cobra vida. Ambos se convertirán en muy buenos amigos y compartirán grandes momentos juntos. Sin embargo, a medida que va creciendo, se va olvidando de su amigo, aunque él siempre guarda la esperanza de verla cada noche. Un día, cuando ya es mayor, vuelve a abrir esa 'nevera' y muestra su verdadero interior a su hija.

Creado por Jiaqi Xiong, trata sobre una niña que tiene una muñeca mágica que le hace los deberes. A partir de ese momento, ella deja de realizar su tarea para dedicarse a jugar con su consola, pero no todo es tan bonito como parece. Este corto de animación reflexiona sobre el esfuerzo, la capacidad de superación y el sacrificio diario.

Cuenta la historia de dos pulpos enamorados que son separados al ser la hembra adquirida por un restaurante de mariscos. Esto llevará al macho a emprender un viaje para rescatar a su pareja. Trata sobre valores como la amistad, el amor y la constancia. Fue elaborado por estudiantes del último grado de la escuela francesa de animación Les Gobelins en 2007 y nominado a los Oscars en 2008 como mejor corto animado.

Cuenta la historia de Tamara, una niña sorda que quiere convertirse en bailarina. A pesar de su incapacidad, la pasión por la danza corre por sus venas y aunque no pueda escuchar la música, la siente, sin que esto sea un impedimento para perseguir su sueño. Se trata de un verdadero ejemplo de superación personal y de que, al final, todo esfuerzo tiene su recompensa. Creado por House Boat Animation Studio.

¿Te atreves a soñar? (Cortometraje)

Cuando somos pequeños tenemos muchos sueños gracias a la potencia de nuestra imaginación creemos que somos capaces de hacer cualquier cosa. Sin embargo, a medida que vamos creciendo perdemos esa perspectiva que tanta falta nos hace a la hora de ser creativos, de innovar, de cambiar nuestras vidas y de transformar nuestro entorno. Este vídeo pretende sacar ese niño que llevamos dentro e invitarnos a salir de nuestra zona de confort para volver a soñar.

Creado por la Escuela Superior de Arte francesa (ESMA), este cortometraje de animación 3D cuenta la historia del esfuerzo de un padre por salvar a su hija, quien cae enferma. Refleja a la perfección el estado de ánimo y las emociones de cada uno a través de una temática que toca ciertos aspectos muy dolorosos a los que a veces hay que enfrentarse. Resalta el amor padre e hija.

Su autor Aidan Gibbons crea este corto animación durante su segundo año de licenciatura en animación en la Universidad de Hertfordshire (Irlanda). Trata sobre el poder de la música a través de la imagen de un anciano que a medida que va tocando una hermosa melodía en su piano va recordando su vida acompañado de su mujer, ya desaparecida. Es un ejemplo de cómo una simple canción puede hacer que revivamos el pasado. Fue nominado a mejor animación en Bradford Animation Festival en 2005 y ganador del premio del público durante el University Hertfordshire Film Day en el mismo año.

En tus brazos

Es un corto animado de origen francés, creado por los estudiantes de la escuela de animación Supinfocom Valenciennes: François-Xavier Goby, Edouard Jouret y Matthieu Landour. Cuenta la historia de Jorge y Elba, dos afamados y talentosos bailarines de tango. Sin embargo, un día Jorge sufre un accidente y quedará postrado en una silla de ruedas. El amor de Elba le demostrará que la vida continúa.

Bajo la traducción de 'Parcialmente nublado', Pixar Animation Studios ha creado este corto de animación sobre el valor de la amistad. Aquí descubrimos que las nubes son, en realidad, las creadoras de los bebés, mientras que las cigüeñas sólo se encargan de conducirlos hasta su destino. Ambos personajes crearán un vínculo muy especial, difícil de romper.

Aunque la idea original surge en 1945 por el cineasta Walt Disney y el pintor español Salvador Dalí, no será hasta el 2003 cuando este cortometraje vea la luz, debido a los problemas financieros en la industria tras la Segunda Guerra Mundial. No sólo el carácter onírico y abstracto de Dalí invade el corto, en él se pueden encontrar como varias de sus pinturas cobran vida, creando en conjunto una verdadera obra de arte.

Este corto de animación dirigido por Yezi Xue, profundiza en valores tan importantes como la creatividad, la flexibilidad o la colaboración intergeneracional abuelo-nieto, a través del juego con estas particulares pompas de 'jabón'. Este vídeo es ideal para fomentar el desarrollo de la imaginación de los más pequeños.

Fomenta la lectura

Este corto de animación pretende promover la lectura entre los más pequeños, a través de la historia de un chico que se transporta a la realidad ficticia de un libro. La lectura desarrolla la imaginación, mejorando la creatividad, por lo que es muy importante que los niños cojan este hábito.

El director Jacob Frey, ha logrado con este corto 180 galardones en diferentes festivales y una gran repercusión en las redes sociales. En él, invita a reflexionar sobre la discapacidad y los valores de superación. Los protagonistas son un niño apasionado por los videojuegos con una pierna amputada, y el regalo que le entrega su madre, un perro que también tiene una extremidad menos. Al principio, el cachorro no es bien recibido por su nuevo dueño debido a la lesión que presenta. Pero la insistencia y la perseverancia de la mascota por querer jugar, pese a su situación, logran contagiar al pequeño y se levanta del sofá con sus muletas para dar un paseo juntos.

Ahmed Elmatarawi muestra en este cortometraje el valor del altruismo y la solidaridad. Pretende concienciar a la juventud de la importancia de estos valores morales, y de que toda buena acción acaba teniendo su recompensa.

Esta edición el tradicional anuncio de la Lotería de Navidad recurrió a la animación. Además de promocionar el sorteo, los creadores ensalzan en la figura de Justino los valores de la generosidad y compañerismo.

Maltrato sutil

Diego Jiménez ensalza en este corto de animación ilustrado la importancia de valorarse a uno mismo tal y como es. Narra la historia de cómo los complejos que se crean en una persona a lo largo de su vida pueden llevarla a vivir una situación de maltrato debido al sentimiento de inferioridad.

Un proyecto escolar con la iniciativa de frenar el acoso en las aulas. Su directora, Alexia Zonca, plasma los sentimientos de soledad y rechazo que se generan en la víctima y la importancia de detectar y erradicar este problema a tiempo.

Llévame contigo

Una historia tierna sobre el valor de adoptar una mascota de una perrera o un refugio. Muestra los sentimientos de tristeza que sienten los animales cuando no disponen de un hogar.

iDiots ("iDiotas")

Un cuento de Big Lazy Robot VFX de 2013 con su moraleja, es una crítica al consumismo y al sedentarismo causado por la tecnología. Tenemos de todo, especialmente teléfonos que hacen cualquier tipo de virguería menos una llamada de voz al prójimo. Stop motion con robots japoneses.

Corto animado de los estudios Pixar en Redmond dirigido por Ralph Eggleston, que ganó un Oscar en su categoría en el año 2000. Pueden extraerse diversas reflexiones, sobre la tolerancia y la importancia que tiene cada persona por sí misma, o para que no nos riamos de nadie y aprendamos desde la diferencia a sacar las virtudes que tiene cada cual.

Deadlines ("Plazo de entrega")

Trabajo de una agencia publicitaria, que demanda más tiempo en una cultura económica del más por menos, y para ello recurre a los que más saben de la materia, una clase de Primaria. El experimento es sencillo: en diez segundos, los niños tienen que completar un dibujo con la primera idea que se les venga a la cabeza (y prácticamente la misma en todos). Si cuentan con diez minutos, se obrará el milagro, ya que no hay dos resultados iguales. La creatividad no está inspirada por la presión del tiempo, sino por la libertad, la diversión y la alegría.

Cortometraje de 2014 de Carlos Cuarón (hermano del más conocido cineasta mexicano Alfonso Cuarón) que se adscribe a una campaña contra el bullying. Eso sí, desde un punto de vista más arriesgado en el que se trata del verdugo que a su vez es víctima, o cómo de la comprensión puede nacer la compasión... a pesar de sufrir su abuso, haciéndonos más fuertes. Un ensayo para reflexionar sobre la cadena de violencia en nuestra sociedad.

A bolboreta Sabela ("La mariposa Sabela")

Corto de animación del gallego Alfredo Varela (realizado en 2011), con guión de Clara Groba, que cuenta con la colaboración en los dibujos de su hijo Iván (8 años) y Alba Añón (7). Narra un cuento con una moraleja muy simple: "te vedes un monstruo de sopetón... e non sabedes idiomas... ¡fuxide! Non hai outra solución" ("si te encuentras un monstruo de repente, y no sabes idiomas, ¡huye! No hay otra solución"). Con ello quieren dar a entender la importancia del esfuerzo por aprender y saber hablar más de un idioma para salir airosos en diversas situaciones. Recibió en su día el primer premio en el concurso CinEOI Coruña Curtas.

Este corto animado plantea diferentes cuestiones alrededor de las cuales los alumnos tienen la oportunidad de reflexionar: el consumismo, la picaresca, cómo en ocasiones le damos demasiada importancia a las apariencias...

La factoría de animación Pixar es la autora de este cortometraje (también de animación) cuya trama recoge la importancia de trabajar en grupo. Asimismo, refleja que las rivalidades no siempre son buenas, en especial cuando son llevadas al extremo y esto implica dañar al resto de compañeros.

Coke Riobóo dirigió en 2006 este cortometraje musical de animación hecho con plastilina. En él se plantea el problema de la inmigración, y también quiere educar en valores como la solidaridad.

Avalada por diferentes premios y conocimientos, Pipas refleja la importancia de aprender y muestra el fracaso escolar de la sociedad a través de la mirada de dos chicas jóvenes.

Cortometrajes 'La flor más grande del mundo' está basado en un cuento escrito por el Premio Nobel de Literatura José Saramago. Se da la circunstancia de que este corto de animación (elaborado con la técnica stop-motion) cuenta con la colaboración del propio Saramago que pone voz a la historia que se cuenta y, además, tiene su propio personaje. En ella se hace un llamamiento a la solidaridad y las relaciones humanas, en un mundo donde la falta de ideales, el egoísmo o el individualismo prevalecen por encima de otros sentimientos.

El Circo de las Mariposas

Interesante propuesta que, seguramente, llamará la atención de los estudiantes. Valores como el respeto o la dignidad son tratados en este cortometraje que también plantea otros miedos y temores a los que todos (en alguna que otra ocasión) hemos tenido que hacer frente: la necesidad de sentirse aceptados por los demás, romper con las barreras que muchas veces nos ponemos nosotros mismos y que nos impiden alcanzar nuestros deseos...

El Cazo de Lorenzo

Educar en la diversidad. Éste es el mensaje que transmite el cortometraje 'El Cazo de Lorenzo', una propuesta basada en el cuento de la escritora Isabelle Carrier: relata la vida de Lorenzo, un niño de corta edad y diferente a los demás que un día descubre que las personas buenas también existen. El cazo de color rojo que siempre le acompaña representa las dificultades y los obstáculos a vencer.

Por cuatro esquinitas de nada

El mensaje que transmite es similar al que arroja 'El Cazo de Lorenzo': aceptar a las personas que, por un motivo u otro, son diferentes a nosotros. Hay que ser tolerantes y solidarias con ellas e integrarlas en nuestro ambiente, no cambiar su forma o manera de ser. En este caso, sus protagonistas no son personas sino figuras geométricas; en concreto, un cuadrado y varios círculos.

En 2011 esta cinta consiguió el Oscar al mejor corto animado. Es una llamada de atención al estilo de vida que llevamos y que, muchas veces, no nos deja ver lo que le ocurre a las personas que tenemos alrededor, sus problemas...

El corto de animación Destiny es obra de cuatro alumnos de la escuela francesa Bellecour Ecoles d'art: Fabien Weibel, Sandrine Wurster, Victor Debatisse y Manuel Alligné. Visualmente resulta exquisito y la historia plantea varias cuestiones como el paso del tiempo, la posibilidad de cambiar nuestro destino, la rutina del día a día, las obsesiones que podemos llegar a tener y que nos impiden avanzar... A much@s os recordará a la película protagonizada por Bill Murray 'Atrapado en el tiempo'.

Se trata de un cortometraje que quiere enseñar que hay que respetar siempre a las personas y aceptarlas como son. Asimismo, nos recuerda que no tenemos que cambiar nuestra forma de ser para que los demás nos acepten.

Apenas tiene una duración de dos minutos y no tiene diálogos hablados. Un Conte es un cortometraje (también de animación) que relata el drama social de la violencia en el ámbito doméstico a través de una caballero enmascarado que sale al rescate de una mujer joven.

Es otro de los cortos de animación de los estudio Pixar que, en esta ocasión, trata los problemas que se derivan del exceso de ego con un toque de humor y de ingenio.

Se estrenó en 2005 y es una crítica a los medios de comunicación y los estereotipos femeninos que en ocasiones transmiten. Es importante aceptarnos y aceptar a los demás como son, tanto por su apariencia como forma de ser.

La Oveja Peluda se suma también a la lista de cortometrajes ( Short Films) de la factoría Pixar para educar en valores. Transmite el mensaje de que tenemos que saber afrontar los problemas que vamos encontrándonos en el día a día y superar las frustraciones que en ocasiones nos impiden progresar y ver más allá.

Está basado en un cuento escrito por Óscar Wilde; propaga el mensaje de la generosidad, la necesidad de brindar ayuda a los demás cuando lo necesiten, de escuchar, de pedir perdón si la situación lo requiere... También muestra las consecuencias de los comportamientos egoístas.

El alfarero

El interés por hacer bien las cosas, la motivación, las ganas de emprender nuevos proyectos, de transmitir magia y unas cuantas dosis de amor en aquello que hacemos... son algunos de los temas planteados en este cortometraje que cuenta la historia de un maestro y su discípulo al que enseña a trabajar el barro.

Mi hermanito de la luna

Este cortometraje nos acerca al autismo a través de la mirada de una pequeña que nos habla de este trastorno neurológico que padece su hermano. Y lo hace de una manera especial, recalcando la idea de que hay que respetar a las personas.

Shh! Silence Helps Homophobia

Está en inglés y en él se refleja la cultura del silencio, el bullying y la homofobia. Shh! Silence Helps Homophobia habla de aceptación, respeto y ayuda, nunca fomentando valores como la violencia o el racismo.

Se trata de un cortometraje animado que ha recibido varios premios y cuya historia está basada en el cuento 'A Fish that Smiled at Me' de Jimmy Lao. El pez feliz habla sobre el valor de la libertad a través de un hombre solitario que encuentra en su mascota (un pez) una excelente compañía.

Canción de lluvia

Refleja el valor de la amistad a través de la historia de un niño y un zorro en la gran ciudad.

La pobre cigüeña

Este cortometraje de animación firmado por la factoría Pixar relata el valor de la tolerancia y la amistad a través de esta entrañable y divertida historia en la que también tiene cabida la responsabilidad.

Un cortometraje de origen malasio que fomenta el valor de la amistad. Lo hace a través de la relación que establece un robot y una anciana enferma que vive sola.

Binta y la gran idea

Dirigido por el español por Javier Fesser, cuenta la vida de una niña senegalesa llamada Binta que viene en una aldea al sur de Senegal, al lado del río Casamance. El trasfondo de este cortometraje nos permite hablar de la Educación para el Desarrollo y algunos de los valores que como la justicia social, la tolerancia y la solidaridad. Como contravalores estarían el racismo y el sexismo.

La fotografía de esta propuesta, que trata sobre la violencia de género, resulta exquisita. Para trabajar con el alumnado valores como educar en la igualdad, la tolerancia y el respeto.

Mis zapatos

Haz entender a tus alumnos el valor de la empatía a través de esta propuesta que podéis combinar con el ejercicio que propone la web de Educación Docente. Se anima a los estudiantes a llevar a clase los zapatos viejos de otra persona y a partir de aquí responder a distintas cuestiones, pero siempre intentando que se pongan en el lugar de esa persona a la que pertenecen esos zapatos y digan cómo se sienten.

Swing of Change

Se ambiente en la ciudad de Nueva York en los años 30 y su protagonista es un barbero llamado Harry que no acepta a las personas de raza negra. Pero un día todo cambia y esa actitud racista derivará hacia el respeto e igualdad de las personas con independencia de su raza.

Con una duración de 11 minutos en el que se funden la música, la poesía y el color para dar vida a la historia de su protagonista, una joven princesa, que abandona su acomodada vida para luchar por sus sueños.

Esta propuesta, con tintes románticos y un toque de humor, cuenta la historia de un cerdito al que le apasiona comer huevos. Pero un día se enamora de una gallina y tendrá que elegir, ¿el huevo o la gallina?

Ratón en venta

Snickers es un ratón solitario que se encuentra en una tienda de mascotas cuyo mayor deseo es ser comprado. Sus orejas grandes son la burla de los niños que entran en el establecimiento. Un buen corto para trabajar sobre la empatía en el aula.

My side of the scarf

Carmen Parets es la autora de esta historia sobre la amistad de dos amigos, Héctor y Violeta. Enseñar a los pequeños el valor de la verdadera amistad a través de una bufanda que los une, a veces parece que los separa, a veces los llena de amor y, a veces, es como si se ahogaran. Una metáfora sobre el valor de la verdadera amistad.

Ganó el premio Goya en 2014 como el mejor cortometraje de animación español. Narra la historia de amistad entre un niño y una niña en el colegio: él padece una enfermedad que le impide hablar, caminar y movilizar gran parte de su cuerpo, mientras que María intenta ayudarle todo lo que puede y hacer que se adapte. Gracias a unas cuerdas, la protagonista enseña al pequeño cómo jugar al fútbol y cómo saltar a la comba desde la silla de ruedas. Los demás compañeros creen que ambos son personas raras, pero lo que no saben es que gracias a la empatía y ayuda de la niña, él se siente como uno más.

Un deseo plegado

Dos hermanas gemelas padecen de una enfermedad muy grave y ambas toman la iniciativa de comenzar a hacer grullas de origami con la esperanza de recuperarse. Sus valores de positividad hacen que nunca se rindan y el amor que se brindan entre ellas facilita la superación de dicha enfermedad. Así pues, juntas son capaces de enfrentar el sufrimiento con valentía.

Este cortometraje de Pixar hace referencia a los Trastornos del Espectro Autista (TEA) en los niños. Cuenta la dificultad que tiene un padre para asumir y reconocer que su hijo es distinto al resto. Todo ello se muestra a través de distintas escenas en las que el pequeño se acerca a otros niños volando, mientras que su papá se siente frustrado y hace todo lo posible por impedir que su hijo se eleve y los demás sepan que es un niño diferente.

Un erizo sufre acoso escolar por parte de sus compañeros en el colegio y aunque intenta encajar con todos, siente una inmensa soledad que le hace sentir vulnerable en la escuela. Finalmente, por navidad, los estudiantes de su clase se dan cuenta de los errores que están cometiendo y deciden regalarle numerosos algodones para tapar sus púas para que, de este modo, puedan jugar con él y hacerle sentir uno más.

Relata la historia de un ovillo de lana rosa, que interpreta el papel de una mujer, y se incorpora en una nueva oficina en la que sólo hay hombres. Tras varios días de trabajo y la indiferencia de sus compañeros, se somete a un cambio radical para comportarse como ellos y, de esta forma, encajar. Cuando llega una nueva trabajadora a la empresa, se siente identificada con ella y decide volver a ser la misma de antes y entablar una amistad con ella, sin importar la opinión de los demás.

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85 cortometrajes para educar en valores | EDUCACIÓN 3.0

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Seleccionamos 85 cortometrajes para educar en valores que pueden utilizarse con los estudiantes tanto en el aula como en casa.

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Bosco Films. / Disney/ Studio Ghibli

El cine es una herramienta perfecta para despertar en los más pequeños el interés por la Historia y sus entresijos. Una actividad con la que aprender de forma divertida, y que sin duda les enriquecerá mucho más si la compartes con ellos. Pero las películas no tienen por qué ser completamente verosímiles, ni tampoco fieles a los hechos históricos, por lo que es fundamental que durante el visionado compartáis impresiones y aclaréis dudas. A propósito del estreno en España de ' Las aventuras del pequeño Colón', producción brasileña dirigida por Rodrigo Gava, seleccionamos una lista de películas que les permitirán entrar en contacto con diferentes culturas, personajes y momentos históricos para, a partir de ellas, seguir ampliando conocimientos y, sobre todo, cuestionar el relato hegemónico. Porque, recordad, solo son películas, ¡no todo se puede tomar al pie de la letra! ¿Cuál añadirías a la lista?

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las aventuras del pequeño colon cartelera

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Bosco Films. / Disney/ Studio Ghibli El cine es una herramienta perfecta para despertar en los más pequeños el interés por la Historia y sus entresijos. Una actividad con la que aprender de forma divertida, y que sin duda les enriquecerá mucho más si la compartes con ellos.

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El niño como espectador cinematográfico

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Actividades

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Interesante guía con muchos recursos.

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Orientaciones para trabajar con el cine en el aula de Primaria

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Orientaciones para trabajar con el cine en el aula de primaria de forma interdisciplinar.

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Los 9 ingredientes para hacer una película

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Manual de cine para niños: los 9 ingredientes para hacer una película

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'Manual de cine para niños', una guía de producción para futuros cineastas, escrita por Dora Guzmán e ilustrada por Julián Guzmán. SINOPSIS: El cine es el arte de contar historias con imágenes, de jugar a la vida, de jugar con la realidad.

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10 películas

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¿Tu también crees que el cine es una genial herramienta para trabajar valores en el aula? Una buena película o fragmento de ella puede ser una interesante manera de analizar un determinado tema, de conocer una realidad que queda algo alejada de nuestra rutina diaria, de ponernos en el lugar de personas diferentes a nosotros. Y, hoy, ¡hablamos de ecología!

No te pierdas las diez propuestas que te traemos para incitar a la reflexión en el aula sobre la importancia del respeto y la conservación del medioambiente, ordenadas según su edad recomendada. ¡Toma nota!

1. Lorax: ¿Cómo hablar de medio ambiente con los más pequeños? Esta película de animación es una genial propuesta para comenzar, la adaptación al cine de un libro del Dr. Seuss en el que su entrañable personaje El Lorax tiene como misión proteger a los árboles de todas las acciones irresponsables.

2. Wall-E: Toda una obra maestra de la historia del séptimo arte, tan perfecta que puede ser disfrutada de igual manera por niños y adultos. Un guión lleno de ternura y humor, pero que plantea ciertas preguntas al espectador sobre la sostenibilidad de la especie humana en el planeta Tierra.

3. La princesa Mononoke: Encabezados por Mononoke, una princesa guerrera ambientada en el Japón medieval, la historia se centra en la lucha entre los guardianes sobrenaturales de un bosque y los humanos que necesitan con codicia sus recursos.

4. Planeta libre: Una gran desconocida, pero que puede plantear un interesante debate sobre si nuestra relación con el planeta (y con nosotros mismos) es la correcta o no, y haciendo que surjan muchas preguntas que inducen a la reflexión. No recomendada para menores de 7 años.

5. Gorilas en la niebla: Dan Fossey es una naturalista estadounidense que dedicó su vida a defender los gorilas de los cazadores que los masacraban, y esta película es una genial manera de conocer su historia. Para mayores de de 13 años.

6. La historia de las cosas (Story of stuff): Se trata de una breve propuesta (un documental de 20 minutos) en el que se explica de manera sencilla y didáctica el impacto del sistema de producción de bienes de consumo, uno de los principales causantes de la crisis ecológica mundial.

Y tú, ¿qué películas utilizas en tus clases para hablar de ecología con tus estudiantes? ¡Compártelas con otros docentes del mundo en Tiching!

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10 películas para trabajar la ecología en clase | El Blog de Educación y TIC

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¿Tu también crees que el cine es una genial herramienta para trabajar valores en el aula? Una buena película o fragmento de ella puede ser una interesante manera de analizar un determinado tema, de conocer una realidad que queda algo alejada de nuestra rutina diaria, de ponernos en el lugar de personas diferentes a nosotros.

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Primaria y Secundaria

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[postlink]http://videotecaeducativa.blogspot.com/2010/12/por-cuatro-esquinitas-de-nada.html[/postlink]http://www.youtube.com/watch?v=OVf1GhKDtW8endofvid
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Montaje audiovisual del libro "Por cuatro esquinitas de nada" de Jerome Ruillier. Un cuento acerca de la tolerancia y la empatía.

Niveles: Primaria, Secundaria.

Áreas: Literatura, Plástica, Educación para la Ciudadanía, Ética, Tutoría.

Técnicas: animación, cut-out.

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Recopilatorio

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1. CIEN PELÍCULAS PARA PENSAR. AQUÍ

2. CINE Y SALUD. AQUÍ

3. VIH Y CINE. AQUÍ

4. CINE EN AMNISTÍA INTERNACIONAL. AQUÍ

5. AXIAL, UN MUNDO DE VALORES. AQUÍ

6. CINE Y DISCAPACIDAD. AQUÍ

7. CINE Y VALORES (APOCLAM). AQUÍ

8. EDUALTER. AQUÍ

9. FAD. CINE Y EDUCACIÓN. AQUÍ

1. ACCESO A VÍDEOS EDUCATIVOS. AQUÍ

2. EDUCATUBE. AQUÍ

3. NAMATHIS. AQUÍ

4. VIDEOTECA EDUCATIVA. AQUÍ

5. VIDEOS PARA LA TUTORÍA. AQUÍ

6. EXCELLERE CONSULTORA EDUCATIVA. VÍDEOS. AQUÍ

7. BUSCADOR DE VÍDEOS DE GOOGLE. AQUÍ

8. LA AVENTURA DEL SABER. AQUÍ

9. VIDEOTECA EDUCATIVA. COMUNIDAD DE MURCIA. AQUÍ

10. DOCUMENTALES ONLINE. AQUÍ

11. DOCUMENTALES.DOCUMENTALES. CREA Y APRENDE CON LAURA. AQUÍ.

12. ARTE Y ANIMACIÓN. VIDEOCLIPS. AQUÍ.

13. DOCUMENTALES: eduKacine. AQUÍ.

14. LAS COSAS DE VERITO. YOUTUBE.EL CUERPO HUMANO.ERÁSE UNA VEZ EL HOMBRE...AQUI.

15. ANDALUCÍA ES DE CINE. AQUÍ

1. CINE E HISTORÍA. AQUÍ

2. DOCUMANÍA. DOCUMENTALES DE HISTORIA. AQUÍ

3. CINE PARA LEER. AQUI

4. CINE Y ECONOMÍA. AQUÍ

5. CINE Y EDUCACIÓN PARA LA CIUDADANÍA. AQUÍ

1. LA MUJER EN EL CINE. AQUÍ

2. LA MUJER EN EL CINE (DISTINTO DEL ANTERIOR): AQUÍ.

3. CINE EN VIOLENTA. AQUÍ

4. CINE EN VIOLETA. FICHA DE PELÍCULAS. AQUÍ

5. CINE Y MUJER GALEÓN. AQUÍ

1. 22 SITIOS DE FOTOS GRATUITAS PARA TU BLOG. AQUÍ

2. 25 BANCOS DE IMÁGENES GRATUITOS. AQUÍ

EDUCACIÓN DE LAS EMOCIONES:

FILMOTECA SOBRE INTELIGENCIA EMOCIONAL. VIA BOTICA DEL ORIENTADOR. AQUI

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539 / RECOPILATORIO III: RECURSOS EDUCATIVOS DE CINE Y VÍDEOS (APORTA MÁS)

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CIEN PELÍCULAS PARA PENSAR. AQUÍ CINE Y SALUD. AQUÍ VIH Y CINE. AQUÍ CINE EN AMNISTÍA INTERNACIONAL. AQUÍ AXIAL, UN MUNDO DE VALORES. AQUÍ CINE Y DISCAPACIDAD. AQUÍ CINE Y VALORES (APOCLAM). AQUÍ EDUALTER. AQUÍ FAD. CINE Y EDUCACIÓN. AQUÍ ACCESO A VÍDEOS EDUCATIVOS. AQUÍ EDUCATUBE. AQUÍ NAMATHIS. AQUÍ VIDEOTECA EDUCATIVA.

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Propuestas

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Dejo aquí a modo de apuntes, algunas posibles sugerencias de cómo podríamos trabajar el cine en el aula, desde diferentes niveles educativos, desde diferentes áreas, con diferentes implicaciones, etc. Todas son modificables, adaptables, y "copiables". Muchas de las propuestas sugieren/proponen a su vez otras, o variaciones de las mismas, con los mismos o con otros protagonistas, etc.

Kuentapelis: al igual queKuentalibros, se trataría de que nuestros alumnos contasen, bien en un video, bienen una locución de audio, que les ha parecido aquella peli que han visto, ya sea en el cine, en la tele o en DVD. Que es lo que más les gustó, o lo que no les gustó, alguna escena o secuencia para recordar o para olvidar, que calificación le pondrían, si la recomendarían o no, etc.

Callejeros Cinematográficos: aunque no en todas las ciudades y pueblos de nuestro alrededor podamos encontrar calles con nombres de actores, directores, o incluso títulos de películas (en este caso también valdrían nombres de salas de cine o de filmotecas, etc.), sí que podemos encontrar algunos ejemplos muy característicos, como la ciudad de Zaragoza que posee un sinfín de calles con títulos de películas, que nos permiten trabajar al igual queCallejeros Literarios oCallejeros Científicos con nuestros alumnos el cine ya no sólo en el aula, sino también en la calle. Si nuestra ciudad es pequeña o no tiene nombres de calles relacionadas con el cine, podemos optar por rebautizar nuestras calles por un tiempo con nombres de cine.

Un libro = una peli o dos o tres... ¿Cómo se ha adaptado una novela, un relato, al cine? ¿Cuántas adaptaciones cuenta? ¿Es/Son fiel/es al texto? Desde las asignaturas de lenguas, se puede trabajar el tema de las adaptaciones cinematográficas, con mucho juego en algunos casos, pues cuentan con numerosas y variopintas propuestas.

El cine va a clase. Desde las diferentes áreas o asignaturas podemos encontrar siempre ejemplos para trabajar los contenidos curriculares desde el cine. El cine nos ha proporcionado y nos sigue proporcionando numerosos ejemplos para ello, ya sea desde una óptica real o ficticia, tanto una como otra, nos valen para llevar adelante nuestro propósito. La historia, la literatura, las matemáticas, la música, etc en el cine.

Mis 50 pelis: bien con profesores, bien con alumnos, podemos recoger mediante Twitter por ejemplo, los títulos de aquellas 50 (o pueden ser menos) películas que significaron algo, por ejemplo: la que me hizo llorar, la que me indignó, la que me sorprendió, la que me enamoró, mi primera película, mi última película, etc.

Luces, cámara y un valor. Trabajar cada mes del curso escolar un valor, desde la proyección en clase de una película con la que se pueda trabajar dicho valor, con actividades relacionadas con la película y ese valor.

Una escena vale más que 1000 versiones: Realizar diferentes versiones de una misma escena clásica de una peli con alumnos, grabarla en video y subirla en Youtube. Compartirla con las de otros centros y disfrutar con los diferentes matices aportados por todos.

¿Rodamos? - Peli colaborativa. Desde diferentes centros se trabaja en la realización de una película. Se puede optar por versionar una peli existente y cada centro va rodando una determinada escena y luego se unes, o por darle un enfoque multicolaborativo en el que cada centro va rodando una escena que va encadenada con la siguiente que será rodada por otro centro (cada grupo confeccionaría su propio guión, contaría con sus propios personajes, etc., pero debería de seguir con el hilo argumental propuesto por el grupo anterior y dejar una vía del mismo para el siguiente grupo).

Festival de cortos. Rodar cortos relacionados o no con el área o asignatura, distribuyendo a los alumnos en grupos y cada uno de estos realiza su propio corto. Se puede participar también desde otros centros y compartir el trabajo. Entre todos se puede confeccionar un catálogo de cortos de una asignatura, o con temática libre, etc.

¿Qué es para ti el cine?: Entrevistas a alumnos/as o entrevistas a personas en las que nos cuenten que es para ellos el cine. Se pueden subir a Youtube, insertar en un blog, etc.

¿Ponemos música?: Seleccionamos una escena de cine y probamos a ponerle otra música, o a una película muda le ponemos música. Bien puede ser música ya elaborada o bien, hecha por los alumnos, con instrumentos o con programas y aplicaciones que las TIC nos ofrecen para ello.

CineClub Twitterland: a partir de una misma peli vista en el cine, en la tele, etc. vertir opiniones, valoraciones en Twitter (podría ser también en un blog, un foro) con un mismo hashtag. Más rico cuanta más gente participe, y de diferentes centros y ciudades.

Videocrossing. Liberar DVDs en encuentros, jornadas o incluso en el mismo centro, donde cada uno, alumno, profesor, padre, etc., puede liberar aquel DVD que ya ha visto, o al que tiene aprecio y quiere compartir y favorecer que otros puedan verlo.

Tengo una peli para ti: preguntar entre los amigos, la familia, los compañeros, etc.: ¿qué peli has deseado ver y no lo has hecho?. Buscar la forma legal y posible de hacerle llegar esa película.

Pónmelo fácil: realizar líneas de tiempo, organigramas, árboles genealógicos de pelis con difíciles tramas, para que así se puedan seguir sin dificultad por espectadores menos avispados, o para ser trabajada con detalle.

Carteles alternativos: confeccionar desde Plástica u otras materias, carteles de películas, alternativos al original.

Ciencia (real o) Ficción: Desde las áreas de Ciencias, trabajar aquellas películas en las que la ciencia sea vista amablemente o con todo tipo de mentiras (mentiras científicas en el cine).

Geolocalizando exteriores: foto o video de un lugar que aparece en una película, y etiquetar dicho lugar (con la foto y/o fragmento de video en el que aparece o con la foto y/o fragmento de video del lugar original) en Google Maps. También se puede realizar a modo de publicación, ya sea en un blog o en una Wiki, la confrontación de imágenes o videos de cómo es un determinado lugar en la realidad y como aparece en la película.

Tweets de película: pequeñas frases de película (no más de 140 caracteres) se vierten en twitter para dar a conocer mejor el cine entre nuestros alumnos/seguidores/etc.

Videoteca de clase o de centro. Confeccionar una videoteca de clase o de centro, con títulos para cada ocasión, edad, etc.

Mi sala de cine. En estos tiempos tan malos para la cultura en los que el aumento del IVA amenaza con asfixiar nuestros cines, confeccionar entre centros un mapa con todas las salas de cine existentes en nuestro país y su cartelera o programación, actualizándola periódicamente.

Realizar un video-trailer con un llamamiento a acudir al cine.

Concertar una visita a la sala de cine de tu localidad en la que puedas visitar la cabina de proyección y realizar posteriormente un visionado de una peli de estreno.

Habla mudita. Poner voces a los protagonistas de una película muda. O bien poner subtítulos a películas que no los lleven (se pueden realizar traducciones de dichos diálogos, fieles al texto o bien realizar parodias del mismo).

Reproducir una imagen fija de una determinada película en una foto y subirla a Flickr. Buscar el parecido, la originalidad, etc. Proponerlo a los alumnos y disfrutar con los resultados y los comentarios queen Flickr se deriven de ello.

Ciclo autor: director, actor, músico, director de fotografía, etc., género, o temático : El Quijote en el cine, el deporte en el cine, etc. Realizar proyecciones temáticas para trabajar alguno de los aspectos mencionados.

V.O. En el aprendizaje de idiomas. Utilizar las posibilidades que el cine nos ofrece para el aprendizaje de idiomas con sus diferentes versiones de audio y subtítulos.

Adivina que peli viene a cenar esta noche: desde un centro/alumno que inicia el juego se van dando pistas por Twitter o en un blog sobre una peli, pueden ser datos técnicos y/o artísticos de la peli, un diálogo, una pista de audio, un fotograma, un brevísimo vídeo de una peli, etc. El centro/alumno que la acierte propone una nueva para la siguiente semana. Se puede proponer como caza del tesoro o incluso como webquest.

Por un puñado de tweets: se juega en twitter a cambiar los títulos de las pelis.

Cinema Paradiso: se recogen testimonios de nuestros mayores ( los abuelos de nuestros alumnos) acerca de cómo era el cine en sus tiempos, que salas habían, cuanto costaba la entrada, la película que recuerdan con más cariño, Confeccionar algo: un blog, una wiki, etc. con sus recuerdos, fotos antiguas, etc. que recoja todo ello.

Los géneros literarios y las formas de narrar en el cine: entrevista, novela, poesía ( pelis en verso ) , cámara objetiva y subjetiva, narrador, en 1a persona, en 3a persona,

Estilos musicales en el cine: clásica, jazz, pop, rock, folk, reggae, hip hop,

El deporte en el cine (educación física)

Viaje al mundo en 80 películas: Multiculturalidad. Proponer películas para conocer otras culturas, ciudades, países, etc.

Entrevistar a directores, actores, etc, proyeccionistas, acomodadores, gerentes de sala, cinéfilos, aficionados, coleccionistas, etc., bien aquellos que se tengan a mano (de nuestra ciudad) o a los que se siga por alguna red social y se presten a colaborar en ello.

Crear perfiles en Facebook, Twitter o similar de actores o directores clásicos, fallecidos, etc. y participar como si fueran ellos.

Taller de guión cinematográfico. Realizar pequeños guiones de cine.

Del cine al cómic - del cómic al cine. Realizar viñetas de cómic con las aplicaciones existentes en la red de determinadas escenas de películas. O bien, llevar al cine (video) escenas de cómics que todavía no hayan visto la luz en el cine.

Mil maneras de contar lo mismo, o no!: buscar personas de diferentes edades, culturas, nivel social etc., y que nos cuenten una misma peli que hayan visto con sus palabras. Se puede jugar también a Adivinar de que película se trata a partir de lo que nos van contando y quien lo adivina antes. En dichos videos, no se dice el título de la película hasta el final.

Realizar el trailer casero de próximos estrenos, reales o imaginarios (tipo Titanic 2 o 3).

Realizar los títulos de crédito de forma original, imitando a maestros del género como Saúl Bass.

Festival de cine escolar. Seleccionar una serie de películas y durante un tiempo pasar dichas películas en el centro. Los alumnos ejercen el papel de miembros del jurado de este hipotético festival, y dan sus premios a la mejor película, al mejor actor, mejor actriz, etc.

Revista de cine. Confeccionar con las aplicaciones que podemos encontrar en la red (puede incluir todo tipo de recursos multimedia), nuestra propia revista de cine escolar.

Apadrina un actor. Trabajar un determinado personaje relacionado con el cine: actriz, actor, director, compositor, etc. y elaborar un trabajo minucioso acerca de su carrera que se puede plasmar con todo tipo de actividades y propuestas: una web, una Wiki, etc.

El club de la parodia. Realizar parodias de películas, de escenas concretas, etc.

Una de cal, otra de arena. Realizar o buscar y recopilar, reseñas, críticas de películas, tratando de encontrar siempre al menos una positiva y al menos otra negativa.

Realizar una composición, relato, etc., con el requisito de que se debe utilizar títulos de películas para contar dicha historia.

Si te animas a llevar adelante alguno de estos o cualquier otro proyecto colaborativo o actividad en la que utilices el cine en el aula, no dejes de ponerte en contacto conmigo y comentármelo. Gracias.
Esta entrada también la encontrarás en el blog del I Encuentro Cine y Educación: Formando al futuro espectador junto con otras entradas de mis compañeros de la Tribu 2.0, aquí.

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Cine, TIC y Educación: algunas propuestas para llevar el cine al aula.

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Dejo aquí a modo de apuntes, algunas posibles sugerencias de cómo podríamos trabajar el cine en el aula, desde diferentes niveles educativos, desde diferentes áreas, con diferentes implicaciones, etc. Todas son modificables, adaptables, y "copiables". Muchas de las propuestas sugieren/proponen a su vez otras, o variaciones de las mismas, con los mismos o con otros protagonistas, etc.

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Recursos y experiencias

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A pesar del escaso tiempo del que disponemos en las aulas, o tal vez por eso, porque cada vez se hace más necesario introducir metodologías activas e integradoras que conecten con la realidad de nuestros alumnos y tracen ejes transversales entre las distintas materias, el cine debería formar parte del currículum de la escuela.

Además de que goza de la aceptación unánime del alumnado, con el cine trabajamos valores éticos, desarrollamos el pensamiento crítico, potenciamos la competencia en comunicación... El aula de Lengua castellana y Literatura, Plástica, idiomas, Ciencias Sociales o Naturales son espacios idóneos para introducir el cine a través de la proyeccción de pequeños fragmentos o incluso de obras completas. Pero más allá de la simple proyección y comentario de películas, existen multitud de posibilidades para invertir el planteamiento de modo que nuestros alumnos se conviertan en actores y directores de sus propias creaciones.

En cualquier caso, y para dar cabida a todas las opciones, hemos preparado una selección de ideas, recursos didácticos y experiencias, para llevar el cine a nuestras aulas.
IDEAS
Destacamos algunas de las sugerencias más creativas y fáciles de poner en práctica para trabajar el cine en las diferentes áreas y etapas educativas (de Proyecto Hoy Toca Cine):

"Kuentapelis": nuestros alumnos recomiendan a sus compañeros una película que hayan visto recientemente y les haya gustado. Se puede proponer a los alumnos que realicen un pequeño vídeo con su exposición y después crear un blog de aula para subir todas la grabaciones.
Mis 50 pelis: bien con el profesorado, bien con el alumnado, podemos recoger mediante Twitter, por ejemplo, los títulos de aquellas 50 (o pueden ser menos) películas que significaron algo: la que me hizo llorar, la que me indignó, la que me sorprendió, la que me enamoró, mi primera película, mi última película, etc.
Una escena vale más que 1000 versiones: se pueden realizar diferentes versiones de una misma escena clásica de una peli, grabarla en video y subirla a Youtube. Compartirla con las de otros centros y disfrutar con los diferentes matices aportados por todos.
CineClub Twitterland: a partir de una misma peli vista en el cine, en la tele, etc., podemos verter opiniones, valoraciones en Twitter (podría ser también en un blog, un foro) con un mismo hashtag.
Carteles alternativos: a la vez que decoramos el espacio, confeccionaremos desde Plástica u otras materias carteles de películas alternativos al original.
Habla mudita: pondremos voces a los protagonistas de una película muda, o bien subtítulos a películas que no los lleven. Se pueden realizar traducciones de diálogos fieles al texto, o bien parodiar el mismo.
Del cine al cómic - del cómic al cine: elaboraremos viñetas de cómic de determinadas escenas de películas con las aplicaciones existentes en la red . O bien, grabamos en vídeo escenas de cómics que todavía no hayan visto la luz en el cine.
RECURSOS
Cine y Educación. Con sus secciones "El cine y la educación para la ciudadanía" o "Cine y literatura", es una excelente y completísima página de Enrique Martínez-Salanova Sánchez, organizada por temas, con listados de películas y guías didácticas para trabajar en clase. Como muestras, el tema de la violencia de la mujer en el cine, alumnos y profesores en las aulas, o el derecho a la educación.
Hautatzenzinea #cineenclase. Relación de películas y cortometrajes clasificadas por temas con material didáctico encontrado en la red o creado por su autora, Marian Calvo (@hautatzen), profesora de Lengua castellana y literatura. Dispone también de un buscador.
Todoele.net. Un espacio de Mª del Pilar Hernández Mercedes en el que encontraremos una selección de películas y cortos para aprender español, aunque pueden ser utilizados en otras materias y para la educación en valores. Especialmente práctico es su Modelo de explotación didáctica de una película, un referente para elaborar nuestros propios materiales. Otro espacio similar también interesante es CINENCLASE.
Movie segments to Assess Grammar Goals. Contiene una coleeción de fragmentos de películas acompañadas de actividades para trabajar diversos aspectos de la gramática inglesa.
eduKacine. Un espacio de Ramón Besonías (@ramon_besonias) dedicado a la educación audiovisual, en el que destacamos su selección de películas para Infantil, Primaria y Secundaria, acompañadas de fichas para su explotación didáctica, o su sección dedicada al documental.
Aulacorto. El portal del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes cuyo objetivo es ofrecer a la comunidad educativa el cortometraje como herramienta para el aula. Más información en nuestro blog.

Cine y educación: guías didácticas de películas para el aula. Aunque no es un sitio gratuito, como muestra nos regalan esta estupenda guía de la película Profesor Lhazar, que podemos descargar aquí.
HERRAMIENTAS TIC
El cine en clase, cinco aplicaciones para hacer películas, que harán posible el desarrollo de la creatividad de los alumnos permitiéndoles grabar y editar de forma sencilla sus propias historias haciendo uso de sus dispositivos móviles (IOS y Android).
EXPERIENCIAS y PROYECTOS
Cero en conducta.Un proyecto coordinado por Mercedes Ruiz (@londones), una red social para docentes, alumnado y profesionales del cine que a partir de diferentes películas con derecho a exhibición pública en los centros educativos se trabaja el cine en las aulas. En ella encontramos numerosas propuestas didácticas, todas ellas integrando TIC, lenguas, educación y cine.
INICIATIVAS Y CONCURSOS
Plasencia en corto. Un festival que aúna lo profesional y lo educativo, los mejores cortometrajes que se realizan en nuestro país junto a las creaciones audiovisuales de jóvenes escolares de todo el mundo. Os mostramos Ciega, del IES Extremadura, que obtuvo el Primer Premio al mejor cortometraje extremeño en III International Youth Film Festival Plasencia Encorto 2016.
OTROS ENLACES DE INTERÉS
- Ocho páginas web de películas para aprender a través del cine.

- 10 peliculas para reflexionar sobre el racismo en el aula.

- 10 películas para aprender sobre cultura clásica en el aula.

- 10 películas para sumergir a tus alumnos en la literatura.

- 15 cortometrajes para trabajar la inteligencia emocional.

- 55 cortometrajes para educar en valores.

Estos son solo algunos de los muchísimos recursos que sobre cine y educación podemos encontrar. Si conocéis algunos más, os agradeceríamos que nos los hicieseis llegar a través de vuestros comentarios.

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El cine en el aula: ideas, recursos, experiencias

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A pesar del escaso tiempo del que disponemos en las aulas, o tal vez por eso, porque cada vez se hace más necesario introducir metodologías activas e integradoras que conecten con la realidad de nuestros alumnos y tracen ejes transversales entre las distintas materias, el cine debería formar parte del currículum de la escuela.

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Recursos

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Hace tiempo que quería presentaros un libro que compré hará un par de años, con un formato muy original, de caja-claqueta, y un contenido variado para enseñar a los niños y niñas cómo hacer una película de cine:

Precio aproximado: 20 euros

Dentro de la caja-claqueta, podemos encontrar una serie de carpetas con distintos materiales, así como un cuadernito para realizar el Storyboard o secuenciación de las escenas de la película, y un libro que explica los contenidos necesarios para filmar (planos, animación, edición..)

Trabajar el cine en la escuela puede ser un proyecto muy interesante y motivador para nuestro alumnado, gracias al cual podemos aunar escritura de guiones cinematográficos, expresión corporal, voz, gestualidad, utilización de los medios audiovisuales... y enriquecernos todos con esta maravillosa experiencia.

A continuación, tenéis una recopilación de enlaces con recursos, artículos, generadores, y una Web Quest maravillosa para trabajar el cine en la escuela.

Web Quest muy interesante.

PROYECTO MEKOS Integración curricular de los medios de comunicación social en Educación Primaria (cine, prensa, TV, radio, publicidad y TIC)

Genarador de carteles de cine Permite crear un cartel de cine a partir de imágenes de tu ordenador, de internet, etc, con título, créditos... Muy creativo para trabajar recursos TIC con niños/as, sobre todo si habéis realizado un cortometraje, o película.

Aula de cine

Cine, Tic y Educación: algunas propuestas para llevar el cine al aula.

Cine y TIC: canalTIC.com Recursos, películas y aplicaciones gratuitas.

Cine y escuela. Andalucía creativa.

Enlaces cine y escuela.

Recursos educativos de cine y videos

Artículo: El cine en la escuela: construcción del pensamiento crítico en la actualidad.

Título: El cine en la escuela. Propuestas didácticas de películas para Primaria y Secundaria.

Autor: Ramón Breu.

Editorial GRAO

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Hace tiempo que quería presentaros un libro que compré hará un par de años, con un formato muy original, de caja-claqueta, y un contenido variado para enseñar a los niños y niñas cómo hacer una película de cine: Precio aproximado: 20 euros Dentro de la caja-claqueta, podemos encontrar una serie de carpetas con distintos materiales, así como un cuadernito para realizar el Storyboard o secuenciación de las escenas de la película, y un libro que explica los contenidos necesarios para filmar (planos, animación, edición..)

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Información

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El género cinematográfico es el tema general de una película que sirve para su clasificación.[cita requerida]

Los géneros cinematográficos, como los géneros de otros campos artísticos, tienen su segundo origen en la cultura clásica. Los dos géneros mayores griegos: comedia y tragedia; uno de estilo ligero, tema aparentemente superficial y final feliz, y el otro afectado, profundo y de alicaído desenlace. Estos géneros se fueron diversificando en el teatro, y los primeros largometrajes los intentaron imitar. Sin embargo, las posibilidades del cine lo desmarcaron cumplidamente de los géneros tradicionales, creando nuevos géneros caracterizados por la carente complejidad de su regulación.[cita requerida]

Es importante señalar que, en las primeras décadas del cine, el género de las películas era encorsetado, con características muy delimitadas que ayudaban al espectador a comprender rápidamente la película. Sin embargo, tras la Segunda Guerra Mundial, los géneros empezaron a mezclarse creando diversas producciones e insólitos especímenes.

Clasificaciones

Las películas se clasifican conforme a los elementos comunes que abarquen, originalmente según sus aspectos formales (ritmo, estilo o tono y, sobre todo, el sentimiento que busquen provocar en el espectador, ajuste). Alternativamente, los géneros cinematográficos se definen por su ambientación o por su formato. Los géneros siguientes son a menudo concretados para formar subgéneros, y también pueden ser combinados para formar géneros híbridos.

Actualmente no existe un consenso en cuanto a géneros cinematográficos se refiere y se da una compleja serie de clasificaciones.

Por su estilo o tono

Acción - cuyo argumento implica una interacción moral entre el "bien" y el "mal" llevada a su fin por la ímpetu o la fuerza física.

Ciencia ficción - se basa en un futuro cercano o muy lejano, donde se logra ver el avance de la tecnología y como ejecuta este en la historia.

Comedia - películas realizadas con la intención de provocar humor, divertimiento, entretenimiento y/o risa en el espectador.

Drama - en el cine, películas que se centran principalmente en el desarrollo de una lid entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo mismo.​

Fantasía - lo contrario a la ciencia ficción. La inexistencia de la tecnología nos da a entender que acaece en un tiempo pasado. La magia, los animales mitológicos o sucesos sin una explicación lógica forman parte de este mundo.

Melodrama - tiene una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva, atendiendo al gusto de cada persona.

Musical - contienen interrupciones en su desarrollo, para dar un breve receso por medio de un fragmento musical cantado o acompañados de una coreografía.

Romance - un desenvolvimiento romántico, cariñoso o amoroso entre dos personas.

Suspense (España) / suspenso (América) - realizadas con la intención de provocar tensión en el espectador. También suele utilizarse la palabra para designar películas de este tipo, aunque hay sutiles diferencias.

Terror - realizadas con la intención de provocar pavor, tensión, miedo y/o el sobresalto en la audiencia.

Documental - Hace referencia a temas de interés científico, social o cultural, entre otros.

Por su ambientación o tema

Por su formato o producción

Animación - películas compuestas por fotogramas dibujados a mano que, pasados rápidamente, producen ilusión de movimiento gracias al principio de persistencia de la visión. También se incluyen aquí las películas generadas mediante animación en volumen o las que recurren íntegramente al uso de la animación por computadora. Dentro del cine de animación, debido a su importancia, ocupa un lugar especial el cine de animación japonés o anime.

Cine de serie B - así era llamado el cine de baja de la producción realizada entre los años 1930 y 1960, cuando el público podía ver dos o tres películas por un mismo boleto.

Cine independiente

Cine negro/film noir - mayormente explotado después de la II Guerra Mundial, donde el protagonista es un antihéroe, casi siempre vinculado a una femme fatale.

Cine silente/mudo - característica de los primeros filmes (1895-1937), los cuales no grababan sonido en la cinta de video.

Cine sonoro/talkies - primeros filmes en integrar audio y video en la misma cinta, entre 1927 y 1937.

Imagen real - en oposición a la animación, películas filmadas en tiempo real con actores reales, de "carne y hueso".

Metraje encontrado

Mockbuster- películas que parodia escenas de otras escenas o de cultura popular

El término película de culto hace referencia a un tipo de película que atrae a un pequeño grupo de devotos o aficionados o aquella que siguen siendo popularizados con el paso de los años entre un pequeño grupo de seguidores. Con frecuencia la película no llega a alcanzar el éxito en su estreno, aunque no siempre es el caso. Algunas veces la respuesta de la audiencia a una película de culto es algo diferente a lo que pretendían los creadores. Es normal que una película de culto presente elementos inusuales o raros.

Lista de géneros

Subgéneros

Para comprender mejor el término "drama" se requiere hacer la siguiente aclaración y contextualización:

Drama: palabra que proviene del griego y significa "acción".

Dramaturgia: concepción escénica para la representación de un guion.

Melodrama: género que acentúa la emocionalidad de los personajes.

Tragedia: género griego caracterizado por escenas de gran confusión y de desenlace infeliz, fatalista.

Enlaces externos

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Género cinematográfico - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El género cinematográfico es el tema general de una película que sirve para su clasificación.[cita requerida ] Los géneros cinematográficos, como los géneros de otros campos artísticos, tienen su segundo origen en la cultura clásica. Los dos géneros mayores griegos: comedia y tragedia; uno de estilo ligero, tema aparentemente superficial y final feliz, y el otro afectado, profundo y de alicaído desenlace.

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Recursos

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Experiencias, webs y actividades sobre cine. Presentaciones y vídeos sobre la historia del cine

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Recursos

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Este curso el tema del cine es principal en nuestra clase.

Es el tema de centro este curso escolar y a eso le uniremos que este segundo trimestre será el tema de proyecto del aula. Por eso en estos días estoy aprovechando para organizarme recursos que he encontrado por la red sobre este tema que podamos utilizar durante este trimestre. Ya hemos comenzado a ver películas, a realizar sesiones de cine y algunas actividades similares pero durante este trimestre nos adentraremos en la historia y en la propia creación de materiales audiovisuales...¿seremos capaces de ser mucho más que espectadores de cine?

Comparto con vosotros esta recopilación por si en algún momento realizáis este proyecto o alguna actividad sobre este tema.

En este symbaloo he recopilado, experiencias, unidades, actividades webs y blogs referidos al proyecto cine en la escuela en educación infantil fundamentalmente. Muchas gracias a todos los autores de estas experiencias y presentaciones por compartir su trabajo.
En la parte final del symbaloo encontramos presentaciones y vídeos elaborados sobre la historia del cine que me han parecido apropiadas para utilizar en el aula.

En otro symbaloo he recopilado cortos, películas o fragmentos de películas que podemos visionar a lo largo del proyecto. Como en otras ocasiones los seguiremos ampliando durante el proyecto.

En este momento hay películas clásicas con las que comenzaremos a vivir la historia del cine, películas mudas, en blanco y negro y una pequeña selección de fragmentos de películas musicales y bandas sonoras.

Poco a poco iremos añadiendo más géneros y películas.

Os dejo también un enlace a un tablero pinterest general sobre cine, aunque en unos días iremos ampliando con recursos de actividades mas concretas.

Si queréis conocer más recursos sobre el tema del cine, recomendaciones de películas y cortos para utilizar en el aula, páginas web recomendadas, conocer herramientas 2.0, aplicaciones para crear materiales audiovisuales y muchos recursos más que desde hace tiempo estamos recopilando os recomiendo acercaros al blog de nuestro centro "Mi Cole es un museo" dedicado en este curso escolar al Cine.

Si conocéis recursos interesante que creáis nos pueden ser de utilidad para este tema, no dudéis en contárnoslos, en los próximos días iremos publicando más recursos.

Aprovecho para desearos a todos un año 2017 "de película".

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Este curso el tema del cine es principal en nuestra clase. Es el tema de centro este curso escolar y a eso le uniremos que este segundo trimestre será el tema de proyecto del aula. Por eso en estos días estoy aprovechando para organizarme recursos que he encontrado por la red sobre este tema que podamos utilizar durante este trimestre.

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Ideas para su uso

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Selección de cortometrajes con valor educativo para ser usados en tutoría y algunas pautas para su trabajo.
Introducción
La selección de cortos elegidos se ha realizado durante algunos años para ser utilizados en las tutorías.
Se han incluido escenas de películas y algún videoclip interesante de corta duración. Los cortos se encuentran en continua actualización en la página "Cortometrajes con valor educativo" del Blog Crea y aprende con Laura.
Valor educativo de los cortometrajes
Los cortometrajes, por su duración, se muestran perfectamente adaptados para su uso en el ámbito educativo y más concretamente en la hora de tutoría. Permiten ser abordados en una única hora de tutoría, sin necesitar varias sesiones para proyectarlos y abordar su trabajo. Éste no es un argumento baladí. Si lo comparamos con los largometrajes y lo situamos en el contexto de un horario fragmentado sobre todo en Secundaria, nos encontramos que para proyectar uno de estos últimos, consumiremos al menos tres sesiones de tutoría. Si ya incluimos un trabajo posterior, comprobamos que los largometrajes deben trabajarse en otro contexto, situación más extraordinaria o reestructurando ocasionalmente los horarios. Esta dificultad se vería disminuida si trabajáramos con horarios menos compartimentados y más interdisciplinarmente, pero no es el asunto que tratamos en esta ocasión.

Si además unimos a este hecho el valor del cortometraje y la imagen en general, como elemento transmisor de ideas y emociones de primer orden, que llega como pocos, nos encontramos con una herramienta importante que nos permite introducir y tratar temas educativos y valores en la tutoría. Los cortos se presentan como una herramienta de motivación, aportando variedad al desarrollo habitual de las clases, rompiendo monotonías, evitando un tiempo excesivo de concentración del alumnado, facilitando su comprensión y centrando los temas.

Si añadimos la necesidad actual, comprendida en los programas curriculares, de alfabetizar audiovisual y emocionalmente, ya tenemos todos los elementos necesarios para considerar importante, necesaria e imprescindible su uso en educación.

Algunas pautas para su uso en la hora de tutoría.

Integrados en un plan audiovisual del centro y en el plan de tutoría, debemos contemplar el uso de los cortometrajes en la hora de tutoría de una manera activa, que no se limite a su simple visionado como sencilla manera de rellenar una hora.

Para ello, debemos emplear herramientas que proyecten la capacidad de producción de los alumnos, tomando éstos un papel importante en su utilización. No debemos, por tanto, limitarnos a su simple visionado. No le sacaríamos el partido que nos ofrece este formato.

Proponemos algunas ideas para su uso.

Actividades encaminadas al conocimiento del lenguaje audiovisual, como podrían ser: confección de diccionarios con terminología cinematográfica, elaboración de guías audiovisuales, análisis de los elementos de un cortometraje...

Utilización de la tecnología móvil como elemento que facilita enormemente las producciones del alumnado: el móvil o las tabletas hacen posible no sólo una grabación rápida, sino que además permiten mediante el uso de aplicaciones, el editado y tratamiento de las imágenes, y su subida instantánea a YouTube para ser compartidas.

Uso social de las producciones, utilizando para ello herramientas como blogs, canales de YouTube, redes sociales, intercambio y elaboración compartida de experiencias...

Corto fórum. Realización de debates sobre el cortometraje y/o sobre temáticas introducidas por el corto.

Visionado de un cortometraje salvo el desenlace y rodar varios finales alternativos para posteriormente compararlos con el real.

Visionado del desenlace de un cortometraje y rodar varias tramas, comparándolas con la del propio corto.

Versionado de un cortometraje. Realización de un corto con la misma estructura, pero aportándole visiones propias.

Versionado de un cortometraje añadiéndole matices de humor, enfado, seriedad, tristeza, alegría...

Remix de cortometrajes. Elegir diferentes cortometrajes y crear uno nuevo mezclando varios de ellos.

Dados unos personajes con sus características, crear una historia con ellos y grabar un cortometraje.

Partiendo de una trama escrita, concluir la historia y grabarla.

Realización de un cortometraje sobre cómo realizar un corto.

Realizar tutoriales sobre cortometrajes (realización, edición, elementos...).

Realizar cortometrajes mudos para trabajar las expresiones, los gestos, el lenguaje no verbal... inteligencia emocional.

Quitarle el volumen a un cortometraje e interpretar las emociones de los actores.

Quitarle el volumen a un cortometraje y tratar de adivinar la historia.

Quitarle el volumen a un cortometraje y grabar otro corto tratando de interpretar la historia y después compararlo con el corto con el volumen ya incorporado.

Realizar cortometrajes organizando la clase por equipos que se encarguen de cada una de las partes: guión, dirección, localización de escenarios, fotografía, vestuario, caracterización, iluminación, edición, etc.

Mantener la imagen de un cortometraje, pero cambiar las voces por las de los alumnos.

Mantener la imagen de un cortometraje, pero cambiando los diálogos mientras se crea una historia diferente.

Selección de cortos con valor educativo
1.- Tristépolis (Sadville) Es una historia sobre la importancia de los sueños para convertirte en quien realmente eres. Tristépolis es el sitio donde se quedan aquellos que no lucharon por sus sueños. Es un cuento irónico y surrealista sobre la capacidad de cada uno para convertirse en el constructor de su propia felicidad. Es una fábula en clave de comedia con toques surrealistas sobre la capacidad de cada uno de convertirse en el constructor de su propia felicidad. Es la historia de quien apuesta por sus sueños a pesar de los obstáculos. Beatriz, su protagonista, es una joven alegre y optimista cuya mayor ilusión es cultivar su huerto de patatas. Todo cambia el día que Tristépolis es asolada por una gran tormenta y Beatriz arriesga su vida intentando proteger su huerto. Llevada a la doctora Negri, psiquiatra en Tristépolis, e incomprendida por sus vecinos, Beatriz iniciará un viaje para reencontrar su felicidad.

42.- Sangre de dragón. Es la historia real de José Florín, un enfermo con síndrome de post-polio que encontró en el buceo un aliciente para seguir viviendo. Con un mensaje muy interesante y adecuado, para muchos que no luchan, pese a tener todas sus facultades físicas intactas

44.- La historia de Hawa. Vida y esperanzas de una refugiada de 13 años.

77.- Antinazi Bund - Sportfreunde Stiller. Este videoclip no se corresponde con un corto exactamente, pero sus imágenes son bastante descriptivas y nos muestra la cura contra el nazismo: viajar.

82.- Sensibilización Solidaridad Cadena de Favores. Vídeo para sensibilizar sobre la importancia de la tecnología para personas con discapacidad, adultos mayores, primera infancia, población vulnerable y otros grupos que pueden encontrar diferentes barreras de acceso a las TIC.

119.- Gallina o águila. Sobre el tema de la superación.

156.-Universos. El corto es resultado de un proyecto de cine colaborativo: la Wikipeli. Una idea de Mahou, co-dirigida por 3.257 internautas.

159.-A Record of Life. Cortometraje sobre la evolución y los misterios de la diversidad de vida en la Tierra.

161.-Aminatou Haidar, Con el viento de cara. Aminatou Haidar explica el conflicto generado por las autoridades marroquíes en torno al Sahara Occidental.

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Portal de cine

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Somos el portal de cine para colegios e institutos públicos, privados y concertados, sirviendo de apoyo a la enseñanza en Educación Primaria, Secundaria, Bachillerato y Formación Profesional.

Cortometraje es cualquier producción audiovisual con una duración inferior a 60 minutos. Es un formato más libre y menos rígido que el largometraje, por lo que impulsa nuevas formas narrativas y visuales.

Suele ser atrevido, valiente, transgresor y entretenido, por lo que conecta fácilmente con el público más joven, lo que junto a su corta duración, lo convierte en un formato idóneo para introducir temas de debate dentro del aula, así como para la formación en valores.

AulaCorto sirve de apoyo a la educación, dando respuesta a la necesidad de muchos profesores y centros escolares de contar con recursos audiovisuales que faciliten su labor docente, a la vez que mejoramos el conocimiento de nuestra cinematografía a través del mejor cortometraje español.

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El portal de cine para colegios e institutos - Aulacorto

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Somos el portal de cine para colegios e institutos públicos, privados y concertados, sirviendo de apoyo a la enseñanza en Educación Primaria, Secundaria, Bachillerato y Formación Profesional. Cortometraje es cualquier producción audiovisual con una duración inferior a 60 minutos. Es un formato más libre y menos rígido que el largometraje, por lo que impulsa nuevas formas narrativas y visuales.