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Participantes:

Laura Lizcano

Juana Sanabria

Juan Pinzón

Sergio Llanos

Felipe Martínez

1. Obra:
Contenido:
Obra "Símbolo de la trinidad" de Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos realizada en 1680 y censurada en 1730. Realizada en óleo sobre tela (207cm x 140cm)

Técnica:
En la técnica se pueden apreciar las formas voluptuosas y exageradas, las figuras sobresalen de expresividad y se ven envueltas en tela. Tomando una actitud dramática que refleja pateticidad e imposibilidad, busca representar la realidad mediante una acentuada naturalidad que puede limitar entre lo ambiguo o lo poco estético.
Podemos notar que el color y la tenuedad de la obra es el protagonista en esta técnica, pasando a un segundo plano la representación del símbolo de la trinidad.
A pesar de su gama tenue de colores, resalta y sobresale  la luminosidad de color amarillo en la parte de atrás del Jesús, además de su simbología de trinidad (que podemos encontrar también en el triangulo entre sus manos) representa además la superioridad y la paternidad religiosa.

2. ¿Qué nos puede enseñar la obra elegida sobre la Sociedad Colonial (ss. XVI-XVIII)?
La trinidad trifacial, es una buena representación de una sociedad colonial católica cambiante que, con la llegada de la Casa Borbón con Felipe v a la cabeza, se reforma ciertos aspectos de como la gente estaba practicando el catolicismo, modificando y censurando ciertos aspectos y representaciones como este tipo de iconografía que tenían una clara influencia de otras religiones como Brahma, dios del hinduismo, o Jano del panteón romano. además se tiene que tener en cuenta que
Para esta época la religión dominante tanto en la colonia como en España era la religión católica y los artistas hacían estas mismas representaciones frente a su religión y lo que se predicaba en la época, pero en el siglo XVII la iglesia prohíbe las representaciones trifaciales de la trinidad debido a su aspecto y como la sociedad podía interpretarlo por ende, nos deja ver una sociedad impregnada de belleza estética y problemas externos   estaba en Guerra con los moros y no querían generar sincretismo religioso en las nuevas colonias por esto las imágenes eran mas claras en donde se entendió el significado de un solo dios.

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- Jefferson Barrera.
- Vanessa Gutiérrez.
- Camila Robles.
- Nicolás Sánchez.

1. Contenido: Retratos de los Marqueses de San Jorge en el periodo virreinal neogranadino realizados por el artista Joaquín Gutiérrez.

Técnica: Se trata de retratos del rococó (s. XVII). Se distinguió por la implementación de colores claros, luminosos y suaves. Esta busca mostrar un aspecto delicado, extravagante y refinado de las cosas.

Opta por manifestar temas cotidianos y las relaciones sociales de la época, además, caracteriza la aristocracia y la burguesía resaltando su felicidad libre de problemas.

2. ¿Qué nos puede enseñar la obra elegida sobre la Sociedad Colonial (ss. XVI-XVIII)?

Esta obra nos puede enseñar que la Sociedad Colonial estaba organizada jerárquicamente, donde a cada grupo le correspondía llevar una función de clase social; siendo los españoles y sus descendientes de sangre pura quienes dominan en el Virreinato.

Por ejemplo: los marqueses tenían la función de administrar, defender las fronteras de los territorios y tenían el poder sobre indígenas y esclavos africanos.

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-Silvana Henao Pabón.
-David Osorio Vásquez .
-Leidy Prieto Ramos .
-Jesús Barreto Galindo.
-Mateo Méndez Rodríguez.

1- Contenido: En este lienzo Uriel es presentado de perfil caminando hacia un bosque y su vestimenta era una toga gris, un faldón verde y un manto dorado y en sus pies pareciera que llevara unas sandalias.
Su nombre significa fuego de Dios y su función es alumbrar el lugar mas profundo del inframundo y su atributo principal es una llama que sostiene en una de sus manos y se le relaciona con la muerte ya que ilumina el camino de las animas (ALMAS) en el mas allá.

-Descripción: ARCANGEL URIEL

-Técnica: Fue hecho en oleo sobre tela.
Pintor anónimo, sus medidas eran de 138 x 89CM y fue hecho en el siglo XVll.

Esta obra es proveniente de diferentes fuentes, como los textos caldeos, sirios y libros no canónicos del antiguo testamento.

Escena: Simple
Personaje: individual, personaje sagrado.

la serie de arcángeles ubicada en la parte más alta del presbiterio del antiguo templo de la iglesia de Santa Clara, en Bogotá.

2. ¿Qué nos puede enseñar la obra elegida sobre la Sociedad Colonial (ss. XVI-XVIII)?

Durante la época colonial  era uno de  los medios de evangelización que procuraba mostrar a los indígenas mediante obras magnificas en lienzo la belleza y existencia de los personajes divinos de la cristiandad.

Nos puede enseñar que el método de la influencia del arte en la religión todavía se usaba como medio de conversión al cristianismo.

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Jose David Moreno
Andrés Felipe Ramirez
Gabriel Sepúlveda
Fabian Mauricio Izaquita
Santiago Castillo

1.Contenido: Representa a un niño San Juan Bautista, sobre una tinaja adornada con rostros de donde sale el agua. Instalado en la Plaza Mayor en 1583, reemplazada por la estatua de Simón Bolívar en 1846. Actualmente de encuentra en la plazoleta de San Carlos.
Técnica: Escultura renacentista, con influencias barrocas.

2.¿Qué nos puede enseñar la obra elegida sobre la sociedad colonial?
El Mono de la Pila, fue de gran importancia para la convivencia social, dado que este era un punto de encuentro de recolección de agua y, por lo tanto, bienestar comunitario e intercambio mercantil y social, representando una influencia grandísima en la unión del pueblo santafereño.

Bibliografía:
1.https://www.culturarecreacionydeporte.gov.co/es/bogotanitos/cuenta-la-leyenda/el-mono-de-la-pila-leyenda-bogotana
2. https://conexioncapital.co/a-quejarse-mono-pila-historia/

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Participantes:

Diego Piza

Eduardo Restrepo

Juan Pablo Suarez

David Beltrán

1.  Técnica y Contenido  En este retablo mayor se pueden evidenciar dos estilos estéticos y técnicos diferentes. Mientras que la  estructura elemental, con espacios jerarquizados por cuerpos y mucha simpleza en sus lineas, es una configuración Renacentista, la grandeza de sus pilares, veneras y demás detalles evidencian el estilo Barroco del siglo XVII, como bien lo señala López (2020). Otra característica que delata que corresponde a una obra del periodo Barroco es que esta consiste de una estructura de madera con una cubierta de esta en laminilla de oro, extremadamente común para retablos de este periodo (Rodriguez, n.d). En esta obra destinada a usos evangelizadores y de adoración en una iglesia, se encuentran algunas de los principales personajes del catolicismo como: algunas figuras celestiales (Cristo crucificado, La inmaculada Concepción, y San Miguel Arcangel), 3 evangelistas (Juan Evangelista, Juan Bautista y Maria Magdalena) y  varios santos pertenecientes a la Orden Franciscana, la Dominica y la del Carmelo. El retablo incluía a estos personajes y los exaltaba con todas sus ornamentaciones y colores vívidos puesto que cumplían un papel pedagógico para los fieles en donde se esperaba inspirar a estos a seguir los pasos de los santos allí representados en madera y con vestimenta en telas (Museo Colonial, n.d.) Es importante decir que esta obra se encuentra en el museo Santa Clara, donde se sabe que antes era una organización de una iglesia de clausura femenina en el momento colonial, fundada bajo la Orden de los Franciscanos.

2. ¿Qué nos puede enseñar la obra elegida sobre la Sociedad Colonial (ss. XVI-XVIII)?
Hay varias cosas que nos puede enseñar esta obra respecto a la sociedad colonial. Primero, debemos resaltar que es una obra que corresponde al culto de la religión católica-cristiana, la cual fue impuesta por los españoles colonizadores a indígenas, “negros” y mestizos durante todo este periodo. La religión era un pilar fundamental dentro de la sociedad, lo que se ve reflejado en el hecho de que la creación de esta clase de estructuras quedaban en manos de los mejores artistas,  lo que se evidencia en la gran destreza y detalle con que se componían estos retablos.  Además, era recubierta con uno de los materiales más costosos e importantes, el cual era el oro. Lo anterior, significando que la religión debía cumplir un papel de grandeza y de superioridad frente al resto de cosas de la sociedad. El uso de este material es lógico entendiendo que la Nueva Granda fue la Audiencia (posteriormente el Virreinato) donde mas oro se extraía para el imperio español. Sin embargo el oro estaba reservado para las clases más altas de la sociedad colonial, como es el caso de este retablo, pues fue hecho por María Arias de Ugarte una encomendera, que gracias a esta posición contaba con el monopolio de la mano de obra indígena. Con esto vemos que la sociedad colonial era extremadamente desigual y altamente jerarquizada, en donde los descendientes de españoles estaban por encima de indígenas, mestizos y esclavos. De manera curiosa en esta obra también parece evidenciarse una especie de jerarquía celestial o divina, con Jesús arriba de la pirámide, la Virgen y la inmaculada Concepción por debajo y en el centro, los evangelistas arriba con Cristo y ciertos Santos en la parte posterior. De este modo pareciera que este mundo extremadamente jerarquizado tuviera fundamento en jerarquías superiores. O quizá es a la inversa, donde lo divino se jerarquiza debido a esta estructura social. Este retablo debió estar presente en misas donde se evidenciaba esta jerarquización, donde las castas superiores gozaban del beneficio de sentarse en cercanía a esta estructura monumental y a las inferiores les tocaba estar en el fondo de la iglesia. Entonces esta obra nos sugiere la existencia de un vínculo estrecho entre religión y poder dentro del periodo colonial.

Bibliografía

López, N. (2020). Retablo mayor de Santa Clara: Análisis de las formas compositivas y retórica del inmueble. Recuperado de: https://expeditiorepositorio.utadeo.edu.co/handle/20.500.12010/9544

Melo, J. O. (2017). Historia minima de Colombia. El Colegio de Mexico AC.

Museo Colonial. (n.d.). Retablo mayor de Santa Clara. Recuperado el  8 de febrero, 2021, de https://www.museocolonial.gov.co/colecciones/piezas-del-mes/Paginas/Retablo-Mayor-de-Santa-Clara.aspx

Rodríguez G. de Ceballos, A. (n.d.). El retablo barroco - Contextos. ARTEHISTORIA. Recuperado  8 de febrero, 2021, de https://web.archive.org/web/20130506200246/www.artehistoria.jcyl.es/v2/contextos/7788.htm

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La piedad con donantes, Autor: Vargas De Figueroa, Baltasar

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La piedad con donantes, Autor: Vargas De Figueroa, Baltasar

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Participantes
-Sara Peña
-Paula Medina
-Gregorio Vera
-Waira Bustos

1.Obra
1.1 Contenido
La pintura nos muestra en el centro una representación de la tradicional obra “La Piedad” de Miguel Ángel, en la que se ve a la Virgen María sosteniendo en sus brazos el cuerpo sin vida de su hijo, Cristo. Encontramos a la Virgen con un vestido rojo, un manto azul y un velo blanco, mirando hacia los cielos, Cristo viste tan solo un manto blanco.  En la parte superior se pueden ver dos ángeles custodiando el hecho, en el centro una cruz que parece ser de madera, y en la parte inferior encontramos a los donantes, María Arias de Ugarte y su esposo, vistiendo prendas representativas de la época colonial.
1.2 Técnica
La pintura fue realizada en un oleo sobre tela, y es categorizada como una obra mariológica (parte de la teología católica que se encarga del estudio de lo relacionado a la Virgen Maria). Su autor es Vargas de Figueroa, Baltasar
2.¿Qué nos puede enseñar la obra elegida sobre la sociedad Colonial (ss.XVI-XVIII)
“La Piedad” es una representación de uno de los momentos más importantes en la fe católica, ya que esta muestra la muerte de Cristo. En el ámbito histórico podemos ver el afán de España por hacer del catolicismo la religión dominante, llegando así a  negarles sus creencias a los indígenas e imponiéndoles la comunión para, según ellos, salvar su alma.
Al querer María Arias de Ugarte y su esposo hacer parte de una pintura ya existente, dando origen a “La Piedad con donantes”, se puede ver el interés que tenían las personas de la época en el catolicismo; dando origen a los donantes, personas que pagaban a artistas por ser plasmados en obras de carácter religioso.
Cabe resaltar que tanto María Arias de Ugarte como su esposo, quien era el alcalde de la ciudad Juan de Zapyaín, eran los patronos del convento. Además en la pieza se les puede ver vestidos con trajes característicos de la época, lo que hace de la pieza mucho más importante para la historia de Santafé de Bogotá. Y en la actualidad se puede considerar como un reflejo del poder que tenía el catolicismo en aquella época.

Bibliografía
http://52.183.37.55/artworks/16324
http://www.sologenealogia.com/gen/getperson.php?personID=I118066&tree=001
https://www.culturagenial.com/es/escultura-piedad-de-miguel-angel/

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Participantes:
Juliana Gómez.
Jessica Badillo.
Nicolas Gómez.
Santiago Galván.

1.Contenido y técnica: Consta de tres cuerpos y cinco calles, tallados y dorados íntegramente en hojilla de oro. Las hornacinas exhiben figuras talladas en madera, varias con trajes elaborados en tela encolada y decorados con las técnicas del estofado y el esgrafiado. La estructura se centra en el estilo artístico y arquitectónico barroco
caracterizado por la profusión de adornos en contraposición con el estilo sobrio del Renacimiento clásico.

2. ¿Qué nos puede enseñar la obra elegida sobre la Sociedad Colonial (ss. XVI-XVIII)?

La pieza fue pagada por María Arias de Ugarte, una encomendera neogranadina del siglo XVII. Importante para la iglesia por sus aportes al convento e iglesia de Santa Clara de Bogotá.

Contexto social: la vida social colombiana regía por la corona española con gran influencia de la iglesia católica en temas como la moral, la educación y la evangelización de indígenas a través de las misiones de la iglesia.

La obra elegida nos enseña sobre el colonialismo, la gran influencia cultural del movimiento barroco en la cultura neogranadina, evidenciada en la construcción de este tipo de estructuras. El poder de la iglesia católica en la sociedad influía en el ámbito público y privado desde costumbres culturales y religiosas hasta juzgados  de inquisición. Cada pueblo o ciudad debía tener necesariamente una iglesia o capilla, esto se puede observar en la transición histórica de la institución y de todas la obras artísticas propias del mismo, que pasó de una iglesia a un convento de las Clarisas (monjas de clausura), recalcando la fuerte influencia religiosa de la época.
Sin embargo con el desarrollo sociocultural de Colombia se fueron generando cambios en la utilidad que se le otorgaba, pasando a conservar la iglesia y su arte (112 pinturas, 24 esculturas, 9 retablos y pintura mural) y arquitectura, pero cambiando la funcionalidad de la misma acordé a las necesidades de la época, pasando por un batallón, una normal de mujeres, la Facultad de Derecho de la Nacional y la Escuela de Bellas Artes, dónde observamos la transición religiosa, militar, y académica por la que fue pasando la sociedad colombiana.

Bibliografía:
López, J. E., Marcano Torres, M., López Salazar, J. E., López Salazar, Y., & Fasanella, H. (2004). El arte Barroco. Análisis de las circunstancias que favorecieron su difusión: Las formas en el Barroco: I. Arquitectura y escultura. Gaceta Médica de Caracas, 112(2), 148-157.
El tiempo, 2009. Tres siglos de arte escondidos en el museo Santa Clara, que acaba de ser restaurado. [En linea] rescatado de: https://www.google.com/amp/s/www.eltiempo.com/amp/archivo/documento/CMS-6593707 recuperado 14 November 2009.

Museo Colonial. Retablo mayor de Santa Clara. Recuperado el  5 de febrero, 2021.
https://www.museocolonial.gov.co/colecciones/piezas-del-mes/Paginas/Retablo-Mayor-de-Santa-Clara.aspx