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Max Martín

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Javier Limón

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Javier Limón y Buika en Buenafuente 29/09/10

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Javier Limón

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Nella - 'Me Llaman Nella' ft. Javier Limón & Santiago Periné

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Javier Limón

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Javier Limón

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Javier Limón - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Las características principales en la carrera de Javier Limón son la versatilidad en las diferentes tareas que ha asumido (compositor, guitarrista, productor, profesor, bandas sonoras, presentador de TV etc... ) y la diversidad tanto en los países y culturas como en los estilos en los que ha profundizado (flamenco, jazz, Grecia, Portugal, India, Turquía, Israel, Holanda y casi todos los países de Latinoamérica).

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Ross Lynch, Laura Marano, Raini Rodriguez, Calum Worthy

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Austin & Ally | Mash Up Of Songs 🎶 | Disney Channel UK

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Bridgit Mendler

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Lemonade Mouth | 'Determinate' Music Video 🎶 | Disney Channel UK

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China Anne Mcclain

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A.N.T. Farm Escuela de Talentos: Videoclip "Dynamite" de China McClain | Disney Channel Oficial

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Dove Cameron

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Disfruta de estas imágenes de una de tus series favoritas. Sitio oficial: http://www.disneylatino.com/disneychannel/ Síguenos en Facebook: http://www.facebook.com/disneychannellatinoamerica ¡Haz click en "Suscribirse" para recibir notificaciones de los nuevos videos de Disney Channel en YouTube!

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Zendaya

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Zendaya - Clip officiel Dig Down Deeper - Disney Channel

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Zendaya, Bella Thorne

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"Watch Me" from Disney Channel's "Shake It Up" (Official Video)

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Reparto de High School Musical

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High School Musical 3 - A Night to Remember (Lyrics) 1080pHD

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Ashley Tisdale

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High School Musical 2 - Fabulous (Lyrics) 720HD

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Vanessa Hudgens, Zac Efron

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High School Musical - Start Of Something New HD!!

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Jonas Brothers, Miley Cyrus, Demi Lovato, Selena Gomez

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Reparto de Camp Rock

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Cast of Camp Rock 2 - It's On ft. Jonas Brothers, Demi Lovato

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Demi Lovato

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Camp Rock: Videoclip - 'This is Me'  | Disney Channel Oficial

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Miley Cyrus

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Hannah Montana The Best Of Both Worlds Mix 2009

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Selena Gomez

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Wizards of Waverly Place | Magic Music Video - Selena Gomez 🎶 | Disney Channel UK

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Jonas Brothers

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Play My Music - Jonas Brothers - Camp Rock Soundtrack | Disney Channel

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OT

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"UPTOWN FUNK" - FAMOUS | GALA 10 | OT 2018

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OT

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C TANGANA ACTUACION EN OT OPERACION TRIUNFO UN VENENO VIDEO OFICIAL 2019 ACTUA CONCIERTO CANCION OT

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OT

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La voz

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La voz: Las más inspiradoras y emotivas audiciones a ciegas. PARTE 1

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Factor

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James Arthur sings Shontelle's Impossible - The Final - The X Factor UK 2012

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El balilla

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Avril Lavigne

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Avril lavigne complicated subtitulado en español

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Justin Bieber

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One Direction

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One Direction - What Makes You Beautiful (Official Video)

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Backstreet Boys

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Backstreet Boys - Everybody (Backstreet's Back) (Official HD Video)

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Michael Jackson

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Michael Jackson - Thriller (Official 4K Video)

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Michael Jackson

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Michael Jackson - Black Or White (Official Video - Shortened Version)

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Michael Jackson

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Rolling Stones

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The Rolling Stones - Miss You - OFFICIAL PROMO

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Rolling Stones

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The Rolling Stones

The Rolling Stones en el Summerfest de 2015.
De izquierda a derecha: Charlie Watts, Ronnie Wood, Mick Jagger y Keith Richards.

Datos generales

Origen

Londres, Inglaterra, Reino Unido

Información artística

Género(s)

Rock and roll,​ blues rock,​ rhythm and blues,​Hard Rock,​ pop rock,​ rock psicodélico,​ pop psicodélico,​ soul rock

Período de actividad

1962-presente

Discográfica(s)

Decca ( 1963- 1969),
London ( 1963- 1969),
ABKCO ( 1969- 1970),
Rolling Stones ( 1970- 1983),
CBS Records ( 1983- 1991),
Virgin ( 1991- 2008),
Polydor ( 2008-presente)

Artistas relacionados

Blues Incorporated, The New Barbarians, The Dirty Mac, The Beatles

Web

Sitio web

rollingstones.com

Miembros

Mick Jagger
Keith Richards
Ronnie Wood

Exmiembros

Brian Jones (fallecido)
Ian Stewart (fallecido)
Charlie Watts (fallecido)
Bill Wyman (retirado)
Mick Taylor (retirado)

The Rolling Stones, más conocido en el mundo hispano como los Rolling Stones,​ es un grupo británico de originario de Londres. La banda se formó en abril de 1962​ por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards e Ian Stewart, junto a varios bajistas y baterías que nunca fueron fijos hasta la llegada de Bill Wyman y Charlie Watts unos meses después, los cuales completarían la primera formación de la banda.​ Ian Stewart dejó de ser miembro oficial del grupo a mediados de 1963, aunque permaneció en el mismo hasta su fallecimiento en 1985. Brian Jones fue despedido en junio de 1969 debido a su adicción a las drogas (pero fallecería tres semanas después), y fue reemplazado por el guitarrista Mick Taylor, que dejaría el grupo en 1975 y sería, a su vez, reemplazado por Ronnie Wood. Con el retiro de Bill Wyman en 1993 se incluyó al bajista Darryl Jones que, aunque toca con la banda desde la grabación del álbum Voodoo Lounge en 1994, no es un miembro oficial.

Sus primeras producciones incluían versiones y temas de , rock and roll y norteamericano. No obstante, en el transcurso de su trayectoria añadieron toques estilísticos de otros géneros para adaptarse a cada época al recibir influencias desde la música psicodélica, el , el , la música disco, el soul, el o la música electrónica. Pese a encabezar junto a The Beatles (con los que siempre rivalizaron en popularidad)​ la " invasión británica" en los primeros años de la década de 1960,​​ no fue sino hasta el lanzamiento de "(I Can't Get No) Satisfaction" en 1965 cuando alcanzaron el estrellato internacional y se establecieron como una de las bandas más populares en la escena musical.​ A la fecha, la banda ha editado veinticinco álbumes de estudio​ y colocado treinta y dos sencillos dentro de los diez más populares de Reino Unido y los Estados Unidos.​ Las ventas totales de The Rolling Stones se estiman entre 200​ y 250 millones de discos,​​ se convirtieron en unos de los artistas más exitosos de todos los tiempos.

Están considerados como una de las más grandes e influyentes bandas de toda la historia del rock,​ es una de las agrupaciones que sentó las bases del rock contemporáneo.​​​ Contando desde sus inicios con el favor de la crítica, algunos de sus materiales están considerados de los mejores de todos los tiempos;​​​​ entre ellos destacan Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y quizá su mejor obra, Exile on Main St. (1972).​ En 1989 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 la revista estadounidense Rolling Stone los colocó en el puesto n.º 4 en su lista de Los 50 mejores artistas de todos los tiempos.​

Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones; con Mick Jagger y Keith Richards (y Charlie Watts hasta su fallecimiento en agosto de 2021) como miembros fundadores en activo, continúan siendo la banda más longeva de la historia del rock.​ En enero de 2022, apareció una colección de sellos conmemorativos del 60º aniversario de la fundación del grupo.​

Keith Richards y Mick Jagger eran compañeros de clase en la escuela primaria Wentworth, Dartford; no obstante, tras mudarse la familia de Richards, perdieron contacto.​ Finalmente, se reencontraron en la estación de tren Dartford en 1961. Por entonces Richards asistía al Sidcup Art College, mientras Jagger estaba matriculado en la London School of Economics.​ En sus ratos libres Jagger cantaba con Little Boy Blue and the Blue Boys, un grupo aficionado al que pertenecía el bajista Dick Taylor, también amigo de Richards y estudiante de la Sidcup Art College. Al poco tiempo Richards se integró al conjunto.

A principios de 1961 llegó a la capital inglesa Brian Jones, exintegrante de The Ramrods, banda de su nativa Cheltenham. Tras su llegada participó ocasionalmente con el grupo de Alexis Korner, Blues Incorporated, un grupo importante dentro del circuito R&B londinense.​ Jones quería formar una banda de R&B y puso un anuncio en el semanario Jazz News, al cual respondieron el pianista Ian Stewart y el guitarrista Geoff Bradford.​

Una noche a inicios de 1962, Brian Jones, conocido en ese entonces como "Elmo Lewis", y su grupo se presentaron en el Ealing Jazz Club. El espectáculo le causó una grata impresión a Keith Richards,​ y tras una breve conversación con Mick Jagger y Dick Taylor, decidieron que se juntarían con Brian Jones, Ian Stewart y Geoff Bradford para formar parte de un nuevo grupo todos juntos.​​ Pocas semanas después, ya en primavera, Bradford abandonó la agrupación, y contrataron al baterista de The Cliftons Tony Chapman. También Taylor dejó el grupo algunos días, aunque tiempo después regresaría, si bien solo por un breve periodo. Al poco tiempo, Brian Jones bautizó a la agrupación como "The Rolling Stones" después de escuchar la canción " Rollin' Stone" del músico estadounidense de Muddy Waters.​ ​​

A mediados de año, Blues Incorporated canceló su presentación en el Club Marquee,​ situación que fue aprovechada por la nueva banda. El 12 de julio de 1962, Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Ian Stewart, Dick Taylor y Tony Chapman (otros citan a Mick Avory),​, ofrecieron su primer concierto oficial como "The Rolling Stones". Después de esta primera presentación se embarcaron en una gira por distintos bares londinenses, sin la compañía de Chapman y Taylor, quienes decidieron salir de la agrupación definitivamente.​ Chapman recomendó a la banda a su amigo en The Cliftons William Perks, mejor conocido como Bill Wyman, quien hizo una audición con el grupo el 7 de diciembre y al instante se convirtió en el nuevo bajista de The Rolling Stones. "Me puse mi mejor traje y me presenté en el club, buscando a Mick Jagger o a Brian Jones. Me sorprendió ver que ellos vestían muy diferente, con playeras y jeans (destacando que Jagger vestía de color beige). Otra cosa que no me agradó fue darme cuenta de que más que a mí, querían mi amplificador". Carlo Little aceptó cubrir la batería mientras encontraban un sustituto, y tras una breve temporada abandonó la banda; no obstante, antes de su partida, les recomendó la contratación de Charlie Watts, al cual conocían todos y acababa de dejar Blues Incorporated.​ Watts aborrecía el rock and roll y el blues​ y se mostraba reacio a abandonar su trabajo,​ pero después de varios meses de persuasión se unió a los Stones en enero de 1963, "Pensé que estaban realmente locos. Trabajaban sin cobrar y tampoco les interesaba, pero me gustaba su espíritu y el R&B, así que acepté".​

El empresario Giorgio Gomelsky contrató a la banda para que tocaran cada domingo en el Crawdaddy Club de Richmond,​​ este trabajo de ocho meses les sirvió para ganar una gran base de seguidores, incluidos The Beatles. La creciente asistencia al Crawdaddy llamó la atención del periodista Peter Jones, quien recomendó el grupo a Andrew Loog Oldham, publicista de The Beatles.​ Después de observarlos en Richmond, los fichó junto a Eric Easton para su agencia Impact Sound el 6 de mayo de 1963.​ Para comercializar a la banda con una imagen de "vándalos juveniles", Oldham retiró a Ian Stewart de la formación,​ aunque se quedó como ayudante en las giras y como pianista de la banda en sesiones y giras.​ También le pidió a Richards que recortara la "S" de su apellido para que se emparejara con el apellido de Cliff Richard y Little Richard, estrellas de rock británico-estadounidense de la época.​ A mediados de ese mes fueron contratados por Dick Rowe para la Decca Records tras la recomendación del beatle George Harrison.​ Después de firmar, iniciaron las grabaciones de sus primeros temas en los estudios Olympic de Londres.​ Con Oldham como productor, los Stones grabaron el tema " Come On" de Chuck Berry y lo lanzaron acompañado de la canción de Muddy Waters "I Want to Be Loved" como su primer sencillo el 7 de junio. Para publicitarlo realizaron su primera aparición en la televisión británica, en el programa Thank Your Lucky Stars,​ y emprendieron su primera gira oficial por Inglaterra, siendo teloneros de Bo Diddley, Little Richard y The Everly Brothers.​ A pesar de esto, la canción no tuvo la repercusión deseada y sólo escalaron hasta la posición 21 en el listado de éxitos del Reino Unido.​​ Con el fin de impulsar la carrera del grupo, Oldham le pidió a John Lennon y Paul McCartney de The Beatles que le compusieran una canción a los Stones. La pareja de compositores les entregaron en cinco minutos " I Wanna Be Your Man", canción editada como sencillo en noviembre respaldada en la cara-B del disco por " Stoned" (atribuida a Nanker Phelge), la primera composición original de la banda.​​ Por fin lograron la atención del público (situándose dentro del Top-10 británico) y de los medios, quienes se centraron más en su aspecto desaseado y largo cabello que en su propuesta musical.​

London Evening News (marzo de 1964)

"¿Pero dejaría que su hija se case con uno?"
Artículo de la campaña "¿Dejarías que tu hija se case con un Rolling Stone?" de la prensa británica

"A los padres no les agradan los Rolling Stones; no quieren que sus hijos lleguen a ser como ellos; no quieren que sus hijas se casen con ellos. Nunca han sido las virtudes de pulcritud, obediencia y puntualidad tan escasas como en los Rolling Stones. No son los ideales con los que construir imperios, no son del tipo de gente que se lave las manos antes de comer. Causan que los adultos farfullen con rabia".

El 17 de enero de 1964, mientras se encontraban aún de gira por Inglaterra, publicaron su primer EP, The Rolling Stones. Aprovechando el impulso comercial de "I Wanna Be Your Man", el citado disco de versiones ocupó el primer puesto en la lista de los EP más vendidos del Reino Unido y permaneció en cartelera por 11 semanas.​ Cinco semanas más tarde sacaron " Not Fade Away", original de Buddy Holly, como su nuevo corte que no tardó en convertirse en su primer gran éxito comercial en Gran Bretaña, al situarse en tercera posición en el UK Singles Chart, contrastando con su modesto número 48 en EE. UU.​​ La enorme popularidad que habían obtenido acarreó consigo críticas constantes por parte de la sociedad británica y de la prensa, quienes se quejaban de su aspecto "desaliñado" y de la forma "obscena" de sus interpretaciones. De lo anterior surgieron las comparaciones con The Beatles,​ situación que deseaba Oldham debido a que ideó a The Rolling Stones como la antítesis de la banda de Liverpool.​ El álbum debut de The Rolling Stones apareció el 17 de abril, bajo la producción de Oldham y Eric Easton. Titulado simplemente The Rolling Stones, el LP resultó prácticamente una reproducción de un concierto de los Stones, grabado en una sola toma en los Regent Studios de Londres, y contenía una colección de , y en los que resaltaban la batería, la armónica y las guitarras. Además de numerosas versiones, incluía la primera composición de Jagger y Richards, una balada de corte acústico titulada " Tell Me (You're Coming Back)", y unos temas atribuidos a Phelge y Phil Spector. La crítica respondió con agrado y fue bien recibido en Inglaterra, manteniéndose 12 semanas en el primer lugar de ventas y otras 40 en la cartelera. Después emprendieron una gira nacional y por los Países Bajos, acompañados por The Ronettes,​ y tras su finalización se embarcaron en su primera gira por Estados Unidos en vísperas del lanzamiento del LP en ese país, renombrado para la ocasión England's Newest Hitmakers.

Las presentaciones no atrajeron al público estadounidense, que hacía poco tiempo había recibido eufóricamente a The Beatles.​ Esto era en parte debido a sus desafortunadas apariciones en la televisión estadounidense. En The Hollywood Palace su aspecto fue motivo de burlas por parte de Dean Martin​ y en The Ed Sullivan Show el gran pandemónium que causaron obligó al presentador a vetarlos del programa,​ aunque nunca lo cumplió.​ En Estados Unidos se tomaron un tiempo para grabar en los estudios de la Chess Records de Chicago y los RCA Records de Los Ángeles.​ Mientras tanto, editaron " Tell Me (You're Coming Back)", que llegó al 24 del Billboard Hot 100. Con la gira en plenitud, editaron su versión de " It's All Over Now" de The Valentinos, con la que consiguieron su primer número uno en el Reino Unido.​ Posteriormente fue seguido por el lanzamiento del EP Five by Five en Inglaterra y del LP en Norteamérica, derivados de las grabaciones en los estudios de Chess y RCA Records. Ambos lograron puestos altos en las carteleras de sus respectivos mercados. En concreto, Five By Five les supuso otro número uno en las listas de EP, mientras que 12 X 5 escaló hasta la tercera posición del Top LPs de la Billboard.​ Por entonces la revista inglesa Melody Maker nombró a the Rolling Stones como la Banda del Año y designó a su corte " Not Fade Away" como Canción del Año.​ Con el tema blues de Willie Dixon " Little Red Rooster " volvieron a la cima de las listas británicas de popularidad por segunda vez de manera consecutiva en diciembre; en contraste, su difusión fue boicoteada por las radios estadounidenses debido al contenido explícitamente sexual de la letra.​

Su segunda producción discográfica, The Rolling Stones No.2, salió a la venta el 15 de enero de 1965 en Gran Bretaña, apoderándose rápidamente de la cima de las carteleras británicas por 13 semanas.​ Repitiendo la fórmula de su anterior trabajo, Oldham conjuntó un álbum de versiones, exceptuando las inéditas "Off the Hook", "What a Shame" y "Grown Up Wrong". En Rolling Stones No.2 se observa una evolución de la banda hacia el terreno y , integrado por temas más lentos que su predecesor y que tienen como base rítmica la batería; además se aprecian la inclusión más constante de la slide guitar y de la armónica.​ La publicación en los Estados Unidos se realizó al siguiente mes y al igual que en su anterior LP, sería editado bajo otra denominación, The Rolling Stones, Now!. Al contrario que su versión británica, este disco fue acompañado del éxito de " Heart of Stone ", canción que sustituyó a "Grown Up Wrong" en el álbum estadounidense, siendo el primer sencillo de la banda en el que figuraban como compositores.

El siguiente sencillo, " The Last Time", se editó tanto en EE. UU. como en Inglaterra, siendo su primer corte original en Gran Bretaña. Con esta canción volvieron por tercera vez consecutiva a la cima de las listas de popularidad locales, mientras que en Norteamérica les valió su primer éxito en el Top 10. Posteriormente publicaron la canción "(I Can't Get No) Satisfaction", tema que los llevaría al superestrellato internacional. Este daría inicio a una nueva etapa en la banda, en la que su música sería la nueva forma de provocación. Jagger comenzó a componer temas donde expresaba críticas hacia la sociedad, la política y el sexo femenino, situación notable en las canciones que fueron destinadas al mercado pop.​ Su nuevo sencillo, inspirado en el consumismo estadounidense, retrataba a un adolescente atormentado por una frustración general, que sumado a sus referencias a las relaciones sexuales y sus tintes anticapitalistas fue visto como un ataque al statu quo.​ No obstante el corte fue un inmenso éxito comercial tanto en su país como en los Estados Unidos, donde alcanzó por primera vez la cima de las listas y las encabezó por cuatro semanas de manera consecutiva.​ Su popularidad se extendió por todo el mundo, situándose en la cima de las listas de toda Europa, Canadá y Australia;​ lo que le significó a los Stones su primer número uno a nivel mundial.​

Mientras tanto, en Inglaterra salió su primera producción en vivo, el EP Got Live If You Want It!, registro de sus presentaciones en Mánchester y Liverpool en marzo de ese año. Paralelamente, en EE. UU. pusieron en el mercado su álbum Out of Our Heads, única edición que incluyó los dos sencillos anteriores. Con la inclusión de cuatro temas originales, supuso un avance en su carrera, al probarse a ellos mismos que eran capaces de escribir sus propias canciones, aunque mantenían su base R&B/blues.​ En su país fue publicado hasta el 24 de septiembre acompañado simultáneamente por " Get Off of My Cloud", la continuación de "Satisfaction". Al igual que la canción anterior, se alzó con el número uno tanto en Inglaterra como en EE. UU. y en diversas partes del globo, obteniendo por segunda vez consecutiva otro número uno a nivel internacional.​ Sirvió de antesala para la salida en Norteamérica de December's Children, una recopilación con numerosos temas originales extraídos de las ediciones británicas de sus álbumes y caras B, además de las inéditas " Get Off of My Cloud", "Blue Turns to Grey"," The Singer Not the Song" y " As Tears Go By "; esta última, número 6 en el listado del Billboard.​

En febrero de 1966 la banda regresó al mercado con " 19th Nervous Breakdown", un gran éxito pese a que no pasó del segundo puesto en América y Gran Bretaña. Meses más tarde publicaron una canción que rompió con los estándares R&B plasmados por los Stones en sus pasados discos promocionales, " Paint It, Black". El exótico riff de Brian Jones en el sitar, le dio a "Paint It Black" ese ambiente misterioso y sombrío que catapultaría a los Stones al número uno en ambos lados del Atlántico y colocaría a la banda nuevamente en lo más alto de la cartelera mundial.​ Apoyándose en este golpe comercial, Decca Records puso a la venta el 15 de abril en la Gran Bretaña. Por primera vez el grupo entregó un trabajo original, integrado en su mayoría por canciones rescatadas del proyecto Could You Walk on the Water?. Contrastando con sus anteriores producciones, ofrecieron un producto lejano de la influencia R&B y blues, y letras que llegaron a los límites de la misoginia, como "Stupid Girl" o "Under My Thumb". Musicalmente representó un cambio en la dirección de la banda, consecuencia del protagonismo y experimentación de su entonces líder Brian Jones, quien en su calidad de multi-instrumentista incorporó marimbas, dulcimer, sitar, pianos y vibráfonos; otorgándole un sonido impactante y sofisticado al trabajo.​ A pesar de ello, Jones, víctima de severas depresiones que en ocasiones derivaron en hospitalizaciones, se comenzaba a sentir excluido de la agrupación por Jagger y Richards.​

A continuación iniciaron una gira por Norteamérica a mediados de año para promocionar el lanzamiento de Aftermath en Estados Unidos. Esta se acompañó de " Mother's Little Helper", sustituta de "Paint It Black" en la edición inglesa, un mordaz retrato de la familia británica que los llevó a recibir insultos de un diputado de la Cámara de los Comunes.​ Al mismo tiempo, llegó al puesto 8 del Billboard, secundado por su cara B " Lady Jane" en el 24. De regreso en septiembre, emprendieron una gira nacional con Ike & Tina Turner y The Yardbirds que fue apoyada por la canción " Have You Seen Your Mother, Baby, Standing in the Shadow?". Este éxito de top 10 mundial​ también promocionaría su primer álbum recopilatorio Big Hits (High Tide and Green Grass), que vendió más de dos millones de copias.

El 20 de enero de 1967 editaron Between the Buttons en el Reino Unido, que fue su último disco bajo la dirección de Andrew Loog Oldham. El álbum era un trabajo ambicioso: la banda conjuntó las composiciones más maduras escritas por Jagger hasta ese momento, influenciado por Bob Dylan, y las complementó con la música y los finos arreglos de Jones, similares a los apreciados en The Beach Boys, para ofrecer una producción con matices y texturas de pop barroco y música psicodélica. Sin embargo los círculos de la crítica no lo recibieron con el mismo entusiasmo que Aftermath, señalando que la banda había perdido su orientación por tratar de seguirle los pasos a The Beatles, Kinks y Bob Dylan.​ Los temas " Let's Spend The Night Together" y " Ruby Tuesday" acompañaron a la producción, lanzados para la ocasión como un sencillo doble. "Ruby Tuesday" se convirtió en un número uno a nivel mundial, mientras que "Let's Spend The Night Together" fue relegada a posiciones más bajas principalmente porque en países como Estados Unidos fue censurada por su forma explícita en que aborda las relaciones sexuales.​ Por citar un ejemplo, Ed Sullivan amenazó a Jagger para que cambiara el coro ("Let's Spend Some Time Together") para su presentación en The Ed Sullivan Show.​

Apenas transcurrido un mes desde el lanzamiento de su nuevo álbum, Mick Jagger fue acusado por el periódico británico The News of the World de consumir LSD, lo que posteriormente derivaría en su arresto, junto a Keith Richards, unas semanas más tarde.​ Poco tiempo después Brian Jones fue arrestado por posesión de cocaína y de metanfetaminas. En los juicios, Jagger fue condenado a tres meses de prisión, Richards a un año y Jones a nueve meses; no obstante, este último salió bajo fianza y puesto en libertad condicional por la intervención de su psiquiatra,​ con la obligación de asistir a clínicas de rehabilitación.​ Tras las constantes protestas de sus fanes, fueron liberados por el Tribunal de apelación de la Corte Suprema de Londres el 31 de julio.​ A su salida, graban el sencillo " We Love You" como muestra de agradecimiento a sus fieles seguidores. John Lennon y Paul McCartney colaboraban en los coros. Aunque oficialmente estaba dirigido a los fanáticos, también fue tomado como un ataque hacia el periódico The News of the World, a la policía y a algunos miembros de la judicatura británica.​

Bajo estas circunstancias grabaron Their Satanic Majesties Request, un álbum producido por ellos mismos con el que intentaban responder al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles.​ Se trata de un álbum de rock psicodélico, que posee influencias de la música oriental y africana, y pasajes experimentales a los que se incorporan múltiples instrumentos y orquestaciones. Con fines promocionales lanzaron los sencillos " In Another Land", y " She's a Rainbow"; la primera, composición firmada e interpretada por el bajista Bill Wyman, incluyó la participación de Steve Marriott en los coros, mientras que la segunda tuvo arreglos de cuerda de John Paul Jones y un delicado piano de Nicky Hopkins. Para infortunio del grupo, sólo "She's a Rainbow" se hizo un lugar en las listas de éxitos. Paralelamente, el disco tampoco alcanzó las altas cifras de ventas de sus anteriores grabaciones. Las primeras 25 000 copias tenían un holograma, lo que aumentó aún más el precio del álbum y dificultó su venta. Además la crítica especializada recibió fríamente a Their Satanic Majesties Request y le dedicó duros comentarios. Este momento, tras las pobres ventas y duras críticas, representó el fracaso más grande en su carrera.​

A principios de 1968 presentaron a Allen Klein, ex contable del grupo, como su nuevo mánager. Su nuevo cargo le fue asignado a manera de agradecimiento tras haberles conseguido grandes adelantos monetarios y un mayor porcentaje de ventas con Decca Records.​ Después del fracaso de Their Satanic Majesties Request las relaciones en el seno de la banda se deterioraron, especialmente entre Jones y Richards, en gran parte debido a que este último se emparejó con Anita Pallenberg, entonces novia de Jones. Bajo la presión de superar el paso en falso del disco anterior, Jagger recurrió a los servicios del productor estadounidense Jimmy Miller, que recientemente había producido a Traffic. De las primeras sesiones se derivó " Jumpin' Jack Flash", un corte con el que retornaron al panorama internacional y regresaron al primer puesto del listado de sencillos del Reino Unido después de dos años.[cita requerida] Extrañamente, esta pista no fue incluida en el disco porque la banda quería crear un ambiente de expectación para su próximo material.

La nueva producción tenía como fecha de salida el 26 de julio, coincidente con el cumpleaños de Jagger, aunque su lanzamiento fue postergado por Decca debido a la polémica portada del disco, en la que aparecía un baño público sucio con múltiples inscripciones en los muros.​​ Después de meses de negociación, llegaron a un acuerdo y sustituyeron la portada original por otra completamente blanca con tan solo el nombre del álbum impreso con letras doradas, lo que al principio generó críticas al compararlo con la portada minimalista de The White Album de The Beatles, lanzado por esas fechas.​ En los primeros días de diciembre vio la luz Beggars Banquet, álbum fuertemente aclamado por la crítica musical y con el que se iniciaría una serie de cuatro álbumes de estudio que habitualmente se consideran como la "cima de la obra de los Stones".​ De igual forma tuvo una considerable repercusión comercial al establecerse en el puesto tres de ventas en Gran Bretaña y en el puesto cinco en el listado de los más vendidos de Billboard en los Estados Unidos. Con Beggars Banquet la banda regresó a sus raíces musicales: el trabajo era esencialmente una selección de temas de rock, blues y R&B, donde también se incluyeron contadas canciones con apreciable influencia de la música country. Pese a la gran reacción de crítica y público, el álbum no estuvo exento de polémica. Una de las primeras reacciones negativas hacia el LP fue la inclusión de " Sympathy for the Devil", una canción con tintes tribales en cuya letra se expone al Diablo como un miembro más de la humanidad, y se hace referencia a los pasajes más violentos de la historia, como la Segunda Guerra Mundial o el asesinato de la familia Romanov.​ La mención del Diablo en la letra provocó miedo y repudio en diversos sectores religiosos, acusándolos de adoradores de Satanás y calificándolos de una mala influencia para la juventud.​ El sencillo " Street Fighting Man" también generó molestar en las autoridades. Solo alcanzó lugares discretos entre los sencillos más populares en los EE. UU. porque fue impedida su reproducción radiofónica y poco después también su venta debido a la portada del corte, una fotografía de unos agentes de la policía golpeando a manifestantes, y al político contenido de la letra, que las autoridades estadounidenses consideraron "desestabilizadora" en vísperas de la Convención Nacional Demócrata de 1968.​

Entre el 11 y el 12 de diciembre grabaron en el recinto Roundhouse de Londres el especial de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus, aunque nunca se emitió como tal.​ Se emitió en cines hasta 1996, después de estar casi 30 años guardado en un granero de Inglaterra. Creado por idea de Mick Jagger y Keith Richards, el programa se produjo como un espectáculo circense que tuvo atracciones de artistas de circo además de contar con las actuaciones de algunos artistas famosos de ese tiempo: Jethro Tull, The Who, John Lennon, Yōko Ono, Eric Clapton, Taj Mahal, Marianne Faithfull y los propios Stones.​ De entre estas actuaciones, sobresalió la interpretación de " Yer Blues" por parte del supergrupo The Dirty Mac, integrado por Lennon y Clapton en las guitarras, Keith Richards en el bajo y Mitch Mitchell en la batería.

Para la realización del álbum Brian Jones había contribuido esporádicamente, aunque Mick Jagger llegó a decir de su compañero que: "No está psicológicamente apto para este tipo de vida".​ Con el paso del tiempo, sus problemas de adicción se agravaban y la confianza de la banda en él disminuía. Su abuso de las drogas se había convertido en un obstáculo para conseguir su visa estadounidense. El 8 de junio de 1969 Jagger, Richards y Watts se reunieron en la casa de campo de Jones, Cotchford Farm, en el pueblo de Hartfield, Sussex; "Admitió que no podría seguir" y al final de la reunión, los tres acordaron despedirlo. Tras un arreglo monetario​ dejó The Rolling Stones el 10 de junio,​ difundiendo ese mismo día un comunicado de prensa:

Ya no nos comunicamos musicalmente. La música de los Stones no es de mi gusto. Quiero hacer mi propia música antes que tocar la de los otros. La única solución es que tomemos caminos separados, aunque sigamos siendo amigos.​

Tres días más tarde fue presentado el joven guitarrista Mick Taylor como nuevo miembro de la banda, quien había sido integrante de John Mayall & the Bluesbreakers. Jones se retiró a su casa de campo y planeó su retorno al mundo de la música con una banda de blues local. Sin embargo, el 3 de julio de 1969, a un mes de su salida y dos días antes de que la banda diera un concierto en Hyde Park, fue hallado muerto en el fondo de su piscina.​ Janet Lawson, su enfermera, declaró:

Sobre las 10:30 de la noche Brian quiso darse un baño en la piscina. Había estado bebiendo y andaba un poco tambaleante. No estaba en condiciones de nadar, pero no me hizo caso.​

Las noticias publicaron en su momento que el músico murió a causa de un ataque de asma, enfermedad que sufría desde hacía tiempo, y que se le presentó mientras se encontraba nadando, aunque esta versión todavía es muy discutida.​ A pesar de la muerte repentina de Jones, no se canceló el concierto, durante el que Jagger recitó Adonais de Percy Shelley y se lanzaron cientos de mariposas a manera de homenaje.​ El concierto, presentación de Taylor como nuevo guitarrista, fue grabado por Granada Televisión para ser mostrado más adelante como Stones in the Park en la televisión británica.

El 4 de julio lanzaron " Honky Tonk Women", acompañado por " You Can't Always Get What You Want" en la cara B, que se disparó rápidamente a la cima de las listas de éxitos en todo el mundo durante semanas, consiguiendo otro éxito mundial.​ Este fue seguido por el disco Let It Bleed, lanzado el 28 de noviembre, que incluye tanto la participación de su difunto miembro Brian Jones como la de su nuevo guitarrista Mick Taylor, con dos temas cada uno. La producción fue muy aclamada por la crítica ("su gran obra maestra", en palabras del crítico de música Stephen Davis)​ y alcanzó el número tres en las listas estadounidenses y el número uno en las británicas, permaneciendo 19 y 29 semanas entre los discos más vendidos, respectivamente.​ El material incluía como primera pista " Gimme Shelter", una de sus composiciones más reconocidas, inspirada en la guerra de Vietnam y descrita por el mismo Jagger como "una canción apocalíptica".​ Ese mes iniciaron una gira por los Estados Unidos, en la que se autoproclamaron "La banda de rock and roll más grande del mundo",​ mote acreditado a su mánager de giras Sam Cutler.​ La gira concluyó de forma trágica con la muerte de cuatro fanáticos, tres de manera accidental, en el recital gratuito de Altamont. El espectáculo terminó cuando un joven afrodescendiente se lanzó hacia el escenario con una pistola en la mano e inmediatamente fue interceptado por los Hells Angels, encargados de la seguridad del concierto, y apuñalado en medio de la confusión y la trifulca mientras el grupo interpretaba " Under My Thumb".​ Este hecho quedó grabado en el documental de Albert y David Maysles, Gimme Shelter.​

La banda se fortaleció con la llegada de Taylor. A pesar de la tragedia de Altamont, la gira fue un gran éxito y derivó en la aparición del álbum en directo Get Yer Ya-Ya's Out! The Rolling Stones in Concert en 1970, registrado durante las presentaciones en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York. Este disco en vivo, al igual que sus dos álbumes de estudio anteriores, les ganó numerosos elogios por parte de la crítica. Lester Bangs lo calificó como "El mejor concierto que se haya puesto en un disco".​ Con el fin del año, los Stones también concluían su relación contractual con la Decca Records, y a pesar de que con "Get Yer Ya-Ya's Out!" y " Honky Tonk Women" habían cumplido con sus cuotas de álbumes y sencillos para este sello, se les exigió entregar nuevo material musical. Para disolver su unión le entregaron a la discográfica " Cocksucker Blues", una canción que la compañía consideró no apta para ser incluida en algún disco o para ser lanzada como sencillo, calificándola de "grotesca".​ La composición relata la vida de un adolescente que llega a Londres en busca de fortuna y al final tiene que prostituirse para sobrevivir. No obstante, Allen Klein, su representante legal y financiero, se negó a dejarlos marchar.​ Después de una larga disputa, Klein se quedó con los derechos de todas sus canciones grabadas durante su contrato con Decca en los años 60 mientras que ellos continuaron como grupo independiente. Posteriormente, se dispusieron a fundar su propio sello, llamado Rolling Stones Records y decidieron encaminarse a la realización de nuevo material de estudio.​

A inicios de 1970, la banda se metió en el estudio de grabación para trabajar en la producción de su nuevo álbum de estudio. Lo terminaron a finales del verano y decidieron emprender una gira por Europa en la que visitaron Suecia, Finlandia, Dinamarca, Alemania, Francia, Austria, Italia y los Países Bajos. Mientras tanto, Mick Jagger probó suerte en el cine como actor en los filmes Performance de Nicolas Roeg, a pesar de ser grabado en 1968, y de Tony Richardson. En septiembre, Jagger conoce a la modelo nicaragüense Bianca Pérez-Mora Macías en una fiesta después de una presentación del grupo,​ impresionándole tanto que se casaron poco después en una ceremonia católica el 12 de mayo de 1971 en Saint-Tropez, Francia.​ Mientras Jagger empezaba una vida llena de lujos debido a su reciente matrimonio con la modelo latina, Richards prefería frecuentar otros círculos sociales, por lo que entabló amistad con el pionero de country-rock Gram Parsons.​ Este cambio en sus estilos de vida supuso un distanciamiento en la relación entre el vocalista y el guitarrista del grupo.

El 23 de abril de 1971 editan Sticky Fingers, primer álbum bajo su propio sello, una subsidiaria de Atlantic Records.​ El 7 de mayo hace su estreno mundial el sencillo " Brown Sugar", nuevo corte del grupo que contó con " Bitch" y " Let It Rock", original de Chuck Berry, como cara B para Norteamérica y Reino Unido respectivamente. El corte llegó al tope de las listas de popularidad en ambos países por dos semanas consecutivas.​ El disco suscitó muy buenas críticas (al igual que su antecesor), destacando sus arreglos, su ambiente desconcertante y el trasfondo obscuro de las letras, que hacían referencia al uso y abuso de drogas, la esclavitud y las relaciones interraciales.​ La portada fue diseñada por el líder del movimiento pop art Andy Warhol, enfocándose en un pene marcado hacia la derecha en unos pantalones vaqueros y en la cremallera que los abría.​ El material incluía también por primera vez el logotipo de la discográfica (se encontraba en la funda interior del disco), que reproduce una boca roja que sacaba la lengua, que se convirtió en el símbolo de la banda, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de los Stones a partir de entonces.​ Fue diseñado por John Pasche (aunque atribuido erróneamente durante años a Warhol) mientras estudiaba diseño gráfico en el Royal College of Art. Este fue creado a petición de Jagger, inspirado en un calendario hindú que mostraba a la diosa Kali sin cuerpo.​ El diseño fue censurado en España por el régimen del General Franco y fue sustituido por la imagen de unos dedos saliendo en una lata de melaza.​ Así mismo, el tema " Sister Morphine" fue sustituido por " Let It Rock ". Mick Taylor colaboró en varias canciones con Jagger, parcialmente debido a los devaneos excesivos con las drogas y a la cada vez mayor falta de fiabilidad que Richards le mostraba a Jagger. Sin embargo, todas las canciones fueron atribuidas como de costumbre a "Jagger/Richards", lo que frustró a Taylor y contribuyó posteriormente a su salida.

Una breve gira inglesa de dos semanas en marzo marcó su despedida como residentes británicos y el comienzo de un exilio impositivo que duraría años. En la segunda mitad de diciembre, Allen Klein editó el compilatorio Hot Rocks 1964-1971, bajo su propio sello discográfico ABKCO Records. El recopilatorio reunió los éxitos de la banda durante los años 60 en un formato de doble LP. Hasta la fecha, ha obtenido doce discos de platino (téngase en cuenta que es un disco doble y en Estados Unidos se certifica por cada disco distribuido, por lo que en realidad son seis millones de unidades), y en 2002 recibió el Diamond Award por parte de la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos como reconocimiento a más de 10 millones de copias vendidas. Al ser Klein el dueño legal de estas canciones, los Stones no recibieron los derechos correspondientes.

Las constantes presiones por parte del fisco británico, hicieron al grupo tomar la decisión de marcharse de su país y realizar un "exilio financiero" por consejo de su asesor financiero Rupert Lowenstein, un amigo 'socialyte' de Jagger descendiente de la familia Rothschild, con el objeto de evitar la bancarrota causada por los altos índices de impuestos (90% de sus ingresos) del gobierno laborista del Primer Ministro británico Harold Wilson (1964-1970).​ Eventualmente decidieron irse a vivir al sur de Francia​ y una vez allí, Richards alquiló un château -para él, Anita Pallenberg y el hijo de ambos- llamado Villa Nellcôte que fue usado como cuartel nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Al no encontrar un lugar idóneo para grabar, decidieron comenzar las sesiones en el sótano del château, usando su estudio móvil que fue alimentado con la electricidad de las vías ferroviarias aledañas.​

Las grabaciones se iniciaron a mediados de julio de 1971 y fueron en su mayoría problemáticas y condicionadas por la adicción de Richards a la heroína.​ Durante la gran parte de las sesiones, la banda estaba incompleta: Jagger solía escaparse frecuentemente para visitar a su mujer embarazada (que residía en París), Richards se encontraba casi todo el tiempo en condiciones "no adecuadas" y Bill Wyman prefería no asistir porque le incomodaba el ambiente en la casa (solo colaboró en ocho canciones del disco).​ Tras soportar el acecho constante de la policía (se sospechaban nexos de los británicos con el narcotráfico), optaron por trasladarse a Los Ángeles, California, donde acabaron el disco a finales de marzo de 1972.​ En abril se comenzó a escuchar el sencillo " Tumbling Dice", que ocuparía los puestos #7 y #5 en las listas de Estados Unidos y Reino Unido respectivamente. Sirvió de preámbulo al primer doble LP de la banda Exile on Main St., que invadió las tiendas el 12 de mayo de 1972. Aunque tuvo una buena acogida por el público (debutó en el primer lugar entre los álbumes más vendidos), la crítica especializada de la época lo recibió fríamente, argumentando una "mala producción, falta de organización (debido a las condiciones en las que se grabó) y autoindulgencia".​ No obstante, la prensa de años posteriores lo ha revalorizado tan favorablemente, que en la actualidad muchos lo consideran como la obra maestra de The Rolling Stones​ y uno de los discos más importantes de la música contemporánea.​

Está compuesto en su mayoría por canciones descartadas, y se caracteriza por sus melodías rústicas con una pobre producción, sostenidas por su clásico rock & roll, mezclado con sonidos enraizados en la música tradicional estadounidense , , y ). Los especialistas destacaron su atmósfera densa y oscura, y los riffs y solos de Taylor y Richards.​ Capitalizando su éxito, decidieron emprender a mediados del año una gira por Norteamérica y Canadá bajo el nombre de (iniciales de Stones Touring Party, aunque oficialmente llamado North American Tour 1972). Duró cerca de un mes, durante el cual lanzaron " Happy", que llegó al puesto 22 en las listas estadounidenses,​ y estuvo rodeada de gran polémica por su comportamiento desenfrenado y los múltiples incidentes que ocurrían en sus presentaciones, que derivaban en múltiples detenciones.​ De esta travesía salió el documental Cocksucker Blues, dirigido por el fotógrafo Robert Frank, el mismo que se había encargado de la portada del álbum. La película nunca se estrenó oficialmente debido a que fue prohibida por los tribunales británicos por considerarla "muy obscena", pero el cinematógrafo consiguió los derechos para mostrarla en pantalla una vez al año.​ Después de una investigación de varios meses, el 2 de diciembre la banda compareció ante un tribunal de Niza para enfrentarse a la acusación de posesión y consumo de drogas. En días posteriores, Richards y su mujer Anita fueron arrestados bajo la acusación de posesión de heroína, pero fueron liberados más tarde.​

A inicios de 1973 realizan una serie de conciertos (pequeña gira denominada Pacific Tour 1973) por Australia, Nueva Zelanda, Japón y Hawái. Tuvieron dificultades para entrar en Oceanía (aunque sí pudieron realizar todas las presentaciones previstas), debido a sus antecedentes delictivos y a la mala fama que les dio el S.T.P. Tour. En cambio, fue prohibido su concierto en Japón, a pesar de estar vendidas todas las entradas.​ Después de una secuencia de discos aclamados por la crítica y con buena aceptación del público, entraron en una etapa de decadencia creativa,​ propiciada por sus propios excesos: Keith Richards y su adicción a las drogas; y Mick Jagger y su preocupación por destacar en la farándula. A finales de agosto " Angie" comienza a trepar a la cima de las listas de popularidad. Esta canción, inspirada en Anita Pallenberg,​ los situó de nuevo en los primeros lugares de las listas en toda América, Europa y Asia, dándoles otro éxito a nivel internacional.​ El 31 de agosto de 1973 ponen a la venta Goats Head Soup, que fue el resultado de unas tormentosas sesiones de grabación en la isla de Jamaica a mediados de ese año.​ El álbum, impulsado por el éxito de sus sencillos "Angie" y posteriormente de " Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)", trepó hasta el primer lugar en Norteamérica y Gran Bretaña.​ Fue acompañado de una subsecuente gira promocional por Europa, que se inició en septiembre en Viena, Austria y acabó en Berlín, Alemania a finales del siguiente mes.

Después de la conclusión de su gira por tierras europeas, el grupo se metió de lleno en la grabación de su siguiente álbum. Para ello, se trasladaron a mediados de noviembre a los estudios Musicland en Múnich, Alemania. La producción corrió a cargo de Jagger y de Richards (bajo el seudónimo de "The Glimmer Twins"), aunque fue en Jagger en quien recayó la dirección creativa del material, debido al estado físico de Richards, y ante los problemas de drogadicción de su productor Jimmy Miller. Su nuevo trabajo denominado It's Only Rock'n'Roll fue lanzado el 18 de octubre de 1974 acompañado de " Ain't Too Proud to Beg". El álbum contó con la participación del guitarrista de Faces Ronnie Wood en el tema que le da nombre al disco. Esta canción, "It's Only Rock 'N Roll (but I Like It)", había salido como sencillo unos meses antes de la aparición del álbum, escalando hasta el puesto 16 en Estados Unidos y al 10 de Reino Unido.

A pesar del éxito comercial de la banda, Mick Taylor se sentía frustrado e insatisfecho profesionalmente por los constantes roces con Richards y la falta de créditos en las canciones, pese a que ayudó a Jagger con la composición y grabación de las canciones del disco anterior. Cerca del final de este año, se mostraba impaciente por la falta de giras (dado que no salían desde octubre del año anterior) y por el estancamiento de la banda.​ Tras todo esto el 12 de diciembre de 1974 anunció que abandonaba a The Rolling Stones:​

Veía que el grupo no iba a ninguna parte, no habíamos salido de gira y estaba aburrido, además tenía mis problemas personales. Una de las cosas que más me molestaba era que los Stones estaban invariablemente rodeados de una cohorte que les decían lo grandiosos que eran. Las drogas no eran el problema, no es un secreto que Keith Richards era un adicto a la heroína y yo me estaba convirtiendo en uno también, pero mis problemas se hicieron peores después.​

El grupo, y en especial Mick Jagger, no recibió bien la noticia: estaban a punto de iniciar la grabación de un nuevo álbum. Tiempo después, la oficina de prensa del grupo emitió un boletín informando que la ruptura con el ahora exguitarrista había transcurrido en "buenos términos".​

Después de la partida de Taylor, se tomaron su tiempo en pensar quién sería su sustituto. El candidato natural era Wood, pero no querían que abandonara Faces (su grupo en ese momento) y él también se negaba a dejarlos. Entre diciembre de 1974 y principios de 1975 se dedicaron a grabar su nueva producción en Múnich. Durante el transcurso de las sesiones hicieron pruebas de audición a distintos guitarristas, entre los que se encontraban Harvey Mandel, Wayne Perkins,​ Peter Frampton, Chris Spedding, Mick Ronson, Rory Gallagher,​ Shuggie Otis y Jeff Beck.​ Mendel y Perkins fueron rechazados al ver que su estilo era similar al de Taylor, Frampton declinó la oferta y Beck se retiró de las grabaciones.​ Wood también fue invitado y le pidieron que se uniera a ellos para su gira por Norteamérica, lo que aceptó. El primero de mayo de 1975 convocaron una conferencia de prensa en Manhattan para anunciar el inicio de su nueva gira, pero la banda tenía preparada una sorpresa: apareció tocando "Brown Sugar" en la parte trasera de un camión descapotable a lo largo de la Quinta Avenida.​ El Tour of the Americas comenzó el 3 de junio en Luisiana. Tenían planificado presentarse en México, Brasil y Venezuela, pero este recorrido se canceló en el último momento debido a problemas de cambio monetario y de seguridad. Es por ello que le añadieron cuatro fechas más a los Estados Unidos, concluyendo así la gira en agosto. Con las grabaciones aún sin completar y con la gira en curso editaron Made in the Shade, compilatorio que contenía temas de sus últimos cuatro discos. A su vez, la ABKCO de Allen Klein lanzó Metamorphosis, un disco con descartes y temas alternativos de sus canciones más conocidas de la pasada década. Al anunciar Faces su desintegración en diciembre de 1975, Ronnie Wood pasó a formar parte de la agrupación, aunque no fue presentado oficialmente a la prensa hasta febrero de 1976.​​

El 23 de abril de 1976 sacaron a la venta Black and Blue, su primer trabajo con Wood en la banda. En este disco también colaboraron el pianista Billy Preston y los guitarristas Wayne Perkins y Harvey Mandel, que en su momento hicieron pruebas de audición para reemplazar a Mick Taylor. El material fue promocionado por medio de un cartel en el cual aparecía la modelo Anita Russell golpeada y sometida, acompañada de la frase Estoy negra y azul -Black and Blue es una forma popular de referirse a los moratones- por culpa de los Rolling Stones, ¡pero me encanta!.​ El acto desató protestas por parte de los grupos feministas y Billboard retiró la publicidad.​ Sin embargo, esto no impidió que el sencillo " Fool To Cry" se colocara en el top-10 de los Estados Unidos y la banda recibiera su primer disco de platino por parte de la RIAA. La propaganda violenta contrastó con el contenido del álbum, un disco con temas bailables y con fuertes influencias en la música negra, específicamente , y . Su más nueva colección de canciones polarizó a los especialistas,​​ mientras el crítico Lester Bangs lo calificó como "el último álbum de los Stones que importe",​ el crítico Bud Scoppa le describió como "cuarenta y un minutos de superestricto, absolutamente seco, y de excelente calidad".​ Poco después se embarcaron en una gira que incluyó presentaciones en Alemania, Bélgica, Escocia, Inglaterra, Países Bajos, Francia, España, Yugoslavia, Suiza y Austria. En medio de la gira muere el tercer hijo de Keith Richards por problemas respiratorios, pasados poco menos de tres meses desde su nacimiento.​

Para 1977 Jagger tenía planeada la grabación de un álbum en vivo, por lo que la banda se trasladó a Toronto, Canadá, pero Richards retrasó su llegada a tierras canadienses. En febrero, Richards y su familia volaban a Canadá en la aerolínea BOAC y fueron detenidos en la aduana después de que se le encontrara droga entre sus pertenencias,​ lo que movilizó a la Real Policía montada de Canadá. El 27 de febrero la policía llegó con una orden de arresto para Anita Pallenberg y Keith Richards al descubrir "22 gramos de heroína" en su habitación.​ El guitarrista fue acusado de importación de estupefacientes, lo que podría costarle un mínimo de siete años de cárcel,​ aunque al final el fiscal de la Corona reconoció que la droga fue adquirida después de su llegada al país, por lo que salió bajo fianza.​ Después de este incidente el grupo se presentó en el club El Mocambo los días 3 y 5 de marzo, en unas sesiones que causaron gran controversia cuando Margaret Trudeau, esposa del primer ministro canadiense Pierre Trudeau, fue vista en la fiesta con la banda, por lo que la prensa comenzó a especular con un romance entre ella y Ronnie Wood, cosa que ella negó.​​ Para ocultar del público estas presentaciones, el club fue reservado por toda esa semana por el grupo April Wine, que aprovechó el lugar para grabar su disco Live at the El Mocambo, siendo teloneros de los Stones. En septiembre editaron Love You Live con temas en vivo extraídos de sus giras por Estados Unidos en 1975 y por Europa en 1976, además de cuatro temas grabados en El Mocambo.

El escándalo por posesión de drogas de Richards se prolongó por más de un año hasta que al artista se le suspendió la sentencia y se le ordenó que diera dos conciertos gratuitos para la CNIB (un instituto de asistencia para las personas invidentes) en Oshawa, Ontario.​ Esto desencadenó la creación de uno de sus primeros proyectos musicales fuera de la banda (proyectos que serían más comunes en Jagger en la década de los 1980). Él y Wood formaron una nueva banda, The New Barbarians, para tocar en los shows del 22 de abril de 1979. Esto le motivó a poner fin a su adicción a las drogas, lo que a la larga consiguió.​ Esta etapa coincide con el final de su relación con la modelo Anita Pallenberg.​ Aunque Richards se encontraba envuelto en problemas personales y legales, Jagger continuaba con su opulento estilo de vida, mientras era visto regularmente en los clubes Studio 54 y 21 Club en compañía de la modelo Jerry Hall. Esta situación influyó en su separación de Bianca Jagger.​

Hacia finales de la década de los 70 comenzaron a recibir críticas por la calidad de sus trabajos debido a que no alcanzaron la aceptación que tuvieron sus producciones de principios de la década.​ Estaban considerados como una banda "obsoleta" en pleno auge de la música punk.​ En medio de las críticas pusieron en circulación su siguiente larga duración, , el 9 de junio de 1978, trepando directamente hasta la cima de las carteleras mundiales y se convirtió hasta la fecha en su álbum más vendido en Estados Unidos y el resto del mundo al rebasar los 10 millones de unidades.​ Inspirado en la música punk y disco, esta grabación contenía canciones rápidas con letras cínicas y fuerte crítica social, aunque también se apreciaban su habitual dosis de misoginia y racismo, que desencadenó fuertes enfrentamientos con diversos sectores de color en Norteamérica.​ Registrado entre octubre de 1977 y marzo de 1978 en los estudios Pathé Marconi de París, del álbum se extrajeron los sencillos " Miss You", " Beast of Burden", " Respectable" (en Reino Unido) y " Shattered" (en Estados Unidos), que figuraron entre las 40 principales de las radios británicas y estadounidenses. No obstante " Miss You", un tema escrito por Jagger para la modelo Jerry Hall​ que acabó sonando como una canción disco,​ se consagró como el máximo éxito de la producción al ser el único sencillo, y hasta la fecha el último de su carrera, en colocarse en la cima del Billboard y desbancar del primer puesto a " Shadow Dancing" de Andy Gibb. Las reseñas de la crítica especializada fueron notablemente favorables. Destacaron sus composiciones ágiles, sencillas y con buen manejo de guitarras, y su intención de acoplarse a los nuevos géneros de moda, el disco y el .​ El crítico Robert Christgau lo etiquetó como "su mejor álbum desde Exile on Main St.".​ A mediados del año emprenden una gira por América, que incluyó una presentación en el programa de televisión Saturday Night Live, donde Jagger lamió los labios de Wood frente a la audiencia.​ A finales de agosto regresaron a los estudios de la RCA en Los Ángeles para grabar algunas maquetas para su siguiente álbum.

Pasaron gran parte del siguiente año grabando su nuevo disco, para lo que se trasladaron a Nasáu, Bahamas a finales de enero de 1979. Después regresaron a París en junio y acabaron en la ciudad de Nueva York para finales del año. La producción de The Glimmer Twins estuvo plagada de inconvenientes y fricciones entre los compositores. Las grabaciones sufrieron interrupciones por los conciertos de The New Barbarians. Estos debutaron el 22 de abril de 1979 en un concierto gratuito a beneficio de la CNIB, con motivo de sanción impuesta a Richards por la justicia canadiense por sus problemas con el tráfico de drogas. La formación estaba integrada por los guitarristas Ronnie Wood, Keith Richards e Ian McLagan, el bajista Stanley Clarke, el saxofonista Bobby Keys (que también trabajaba regularmente con los Rolling) y el batería Joseph Modeliste.​ Posteriormente hicieron una gira por toda América entre abril y mayo,​ y sirvieron de teloneros a Led Zeppelin en el Festival de Knebworth realizado en agosto.​

Entrando en una nueva década, publican el 20 de junio de 1980 Emotional Rescue. El mismo día del lanzamiento salió como sencillo " Emotional Rescue", que se instaló rápidamente entre las más escuchadas de las radios. Alcanzó la posición número 3 en el Hot 100 de Billboard. El álbum fue bien recibido por el público y debutó entre los primeros lugares de las listas, entrando en el número ocho del Hot 200 de Billboard, pasando en la siguiente semana al uno, lugar en donde permaneció durante siete semanas, al igual que en Reino Unido, donde fue su primer número uno desde Goats Head Soup en 1973.​ Desde la salida de Sticky Fingers, todos sus álbumes habían llegado al número uno en Estados Unidos. A pesar de ello, el nuevo álbum fue mal recibido por la crítica musical, calificándolo de "mediocre" e "inconsistente".​ Con la salida de " She's So Cold" el 19 de septiembre poniendo fin a los temas promocionales del disco. Tuvo un éxito moderado en las radios. A principios de 1981 sacan Sucking in the Seventies, su cuarto álbum compilatorio oficial (que servía de sucesor al Made in the Shade de 1975), abarcando material desde It's Only Rock'n Roll (1974) hasta Emotional Rescue (1980).

A principios de 1981 decidieron volver a grabar, pero para su sorpresa el productor Chris Kimsey optó por recopilar los descartes de sus últimos cinco discos, debido al mal periodo que pasaban Jagger y Richards.​ Lanzan " Start Me Up", tema reggae del Black and Blue y descartado para el Some Girls, seguido de el 24 de agosto. El sencillo subió rápidamente a la cima de las listas, llegando al uno en Australia, al dos en Estados Unidos, al siete en Gran Bretaña,​ y lideró el Hot Mainstream Rock Tracks de Billboard durante trece semanas consecutivas.​ Sus posteriores sencillos "Waiting on a Friend" (descarte del Goats Head Soup) y "Hang Fire" (descarte de Some Girls) entraron entre los veinte primeros de los Estados Unidos. La crítica recibió con agrado la producción, destacando en su primera parte números rock sólidos y efectivos como " Hang Fire", que contrastaban con los temas blues suaves con letras personales de la segunda mitad, como "Waiting on a Friend".​​ Debra Rae Cohen, de Rolling Stone señaló: "parecen mezquinos y tristes".​ El álbum consiguió cuatro discos de platino y un disco de oro en Estados Unidos y en Gran Bretaña respectivamente.

Richards y Wood persuadieron a Jagger para realizar una gira por Norteamérica,​ que acabó generándoles más de 50 millones de dólares después de más de 50 presentaciones entre septiembre y diciembre.​ Contaron con Iggy Pop, Carlos Santana, Bobby Womack, ZZ Top, Van Halen, Heart y Prince como teloneros,​ y con su exguitarrista Mick Taylor, Tina Turner (cantando "Honky Tonk Women"), Lee Allen, Chuck Leavell y Sugar Blue como invitados especiales.​ A principios del siguiente año comenzaron una gira por Europa, primera en seis años, para conmemorar el vigésimo aniversario de su fundación. En esta ocasión fueron respaldados por Chuck Leavell, ex-pianista de Allman Brothers Band, en los teclados. Para junio, mientras comenzaban su travesía, sacan Still Life (American Concert 1981) acompañado del corte " Going to a Go-Go ", grabación de su última gira en América.

Mientras se encontraban en París con Chris Kimsey grabando su nuevo material, se estrenó en mayo de 1983 el filme Let's Spend the Night Together, un documental de Hal Ashby, grabado durante las presentaciones del grupo en el Sun Devil Stadium de la Universidad del Estado de Arizona en Tempe, Arizona y el Meadowlands Arena de East Rutherford, Nueva Jersey durante su pasada American Tour 1981. Meses antes de la salida de su álbum firman un contrato para la realización de cuatro álbumes de estudio con la CBS Records.​ El 7 de noviembre publican Undercover, promocionado días antes por el sencillo " Undercover of the Night ". El álbum fue considerado como un intento de Jagger por conseguir un sonido compatible con las nuevas tendencias musicales, pero a pesar del entusiasmo inicial de la crítica, la producción con abundante contenido sexual y políticamente violento, fue fríamente recibido por su público. Mientras tanto Ronnie Wood atravesaba una crisis de salud debido a su adicción a las drogas. A fines del año, Jagger firma un contrato solista en paralelo con la CBS Records. Richards interpretó el gesto como una falta de compromiso con la banda.

La mayor parte de 1985 lo dedicaron a proyectos solistas, alternándolos con ocasionales grabaciones para un nuevo material. La ausencia de Mick Jagger, que promocionaba su álbum solista She's The Boss, obligó a Richards a grabar con el resto del grupo e incorporar la voz de Jagger después. Su pelea llegó a ojos del público cuando el 13 de julio Jagger hizo un número solista en el Live Aid mientras que Keith Richards y Ronnie Wood respaldaron a Bob Dylan en la parte final del concierto.​ El 12 de diciembre de 1985 el cofundador, teclista, road mánager y amigo de muchos años Ian Stewart muere súbitamente a los 47 años de edad de un ataque al corazón cuando acudía a una cita en la West London Clinic.​​ De acuerdo con Richards, la muerte de Stewart dejaba a la banda sin una "fuerza moderadora" que podría ayudarlos durante su época de conflictos con Jagger.

En 1986 son galardonados, junto al guitarrista español Andrés Segovia y el clarinetista de jazz Benny Goodman, por la Academia Nacional de Artes y Ciencias Discográficas de los Estados Unidos con un premio Grammy por los logros de toda su carrera,​ coincidiendo con la salida de " Harlem Shuffle", original del dúo R&B Bob & Earl, como primer sencillo de , editado el 24 de marzo. El álbum fue producto en su mayoría del trabajo en solitario de Richards y Wood​ y contó con la colaboración de Tom Waits, Jimmy Page, Patti Scialfa, y Bobby Womack. El productor Steve Lillywhite le dio al disco un carácter agresivo y metálico, destacando el sonido de la batería,​​ lo que no agradó a los críticos y le generó reseñas negativas.​​ Jon Pareles de la Rolling Stone comentó: "Es sólido, nada espectacular. Cada lado se siente incompleto, suena como si se hubiera grabado apresuradamente".​ En septiembre de 1987 Jagger lanzó su segundo trabajo como solista titulado Primitive Cool, mientras Richards le siguió en octubre de 1988 con Talk is Cheap, con más favor de la crítica. Para finales de 1988, los dos compositores aclararon sus diferencias y decidieron reunirse en la isla de Barbados para ver si realizaban otro material discográfico.​ Según el propio guitarrista, este le dijo a su mujer: "Vuelvo en 48 horas o en quince días. Me voy a dar cuenta enseguida de si esto va a funcionar o si nos vamos a pelear como perros y gatos".​

El 18 de enero de 1989 The Rolling Stones (incluyendo a Mick Taylor, Ronnie Wood, Ian Stewart y Brian Jones) fueron incorporados al Salón de la Fama del Rock and Roll, en una ceremonia a la que no asistieron ni el batería Charlie Watts ni el bajista Bill Wyman.​​ Durante marzo y abril de ese año permanecieron con Chris Kimsey grabando en la isla de Monserrat en sesiones diarias de más de 15 horas.​ A finales de agosto ponen a la venta Steel Wheels. De este se extrajeron cuatro sencillos: " Mixed Emotions", " Rock and a Hard Place", " Almost Hear You Sigh" y " Terrifying ", los primeros dos en agosto y noviembre de 1989, respectivamente, y los dos últimos en 1990. "Mixed Emotions" se colocó entre las canciones más populares en las carteleras de Billboard, quinto en Hot 100 y primero en Rock Tracks, su último sencillo en alcanzar estas posiciones. Tuvo buena recepción tanto por el público, que lo llevó a ser triple platino en Norteamérica, y por los críticos, quienes indicaron que a pesar de no tener la calidad de otros trabajos anteriores, lo resaltaron como un regreso.​

Con el lanzamiento del nuevo material, se presentaron en la Estación Central de Nueva York para anunciar una gira mundial, primera en siete años, a la que llamaron U.S. Steel Wheels Tour. Su primer concierto se realizó el 31 de agosto en Filadelfia, primera de las 60 fechas previstas en 32 ciudades, y contaron con Living Colour, Guns N' Roses y Sons of Bob como teloneros (solo los dos primeros se mantendrían durante toda la gira).​ En fechas posteriores Axl Rose, Izzy Stradlin, Eric Clapton y John Lee Hooker, se presentaron como invitados especiales.​ En febrero de 1990 viajan por primera vez a Japón como parte de su gira, incluyendo 10 conciertos en el Korakuen Dome de Tokio. A mediados de ese mismo año emprenden una travesía por Europa, el Urban Jungle Tour, iniciando el recorrido el 18 de mayo en Róterdam, Países Bajos y continuaron por 26 ciudades de nueve países para finalizar con un recital en el Wembley Stadium de Londres, Inglaterra, en agosto.​ La aventura les resultó muy lucrativa, generando 260 millones de dólares en ganancias.​​ En abril del siguiente año publican Flashpoint, el álbum en vivo recopilatorio del Steel Wheels/Urban Jungle Tour que incluía dos temas inéditos: " Highwire" y "Sex Drive". Con su aparición terminaba su relación contractual con la CBS Records. Tras la finalización de la gira se dedicaron a trabajos solistas.

En 1992 firmaron un acuerdo con la discográfica Virgin Records, que se encargaría de la distribución del material de la Rolling Stones Records y del lanzamiento de sus tres próximos álbumes de estudio. El 6 de enero de 1993, el bajista Bill Wyman anunció oficialmente su salida de la banda durante la emisión del programa de televisión inglés London Tonight: "Pienso que las dos pasadas giras son lo mejor que hemos hecho, así que me siento muy contento de retirarme".​ Abandonaba el grupo tras años de deliberar su decisión y tras negarse a firmar un contrato con la Virgin. La salida de materiales solistas y el retiro de Wyman crearon una cierta incertidumbre acerca de la continuidad del grupo.

La agrupación tenía pensado iniciar las grabaciones de un próximo álbum, por lo que comenzaron la búsqueda de un sustituto para el bajo. Decidieron hablar con Darryl Jones, miembro de la banda del programa televisivo The Tonight Show, que había trabajado en las giras de Miles Davis, Peter Gabriel, Sting, Madonna y Eric Clapton.​ Jones, que trabajó con Richards en la grabación de su álbum solista Talk Is Cheap, hizo pruebas de audición y fue escogido por el batería Charlie Watts.​ Mientras se encontraban en el estudio, su discográfica editó el compilatorio Jump Back: The Best of The Rolling Stones, conteniendo sus sencillos lanzados entre 1971 y 1989.

Voodoo Lounge emerge el 11 de julio de 1994, grabado entre septiembre de 1993 y abril de 1994 en las islas de Barbados y en los estudios de Ronnie Wood en Irlanda.​ Fue recibido con entusiasmo por el público, instalándose en el primer puesto de Gran Bretaña, Austria, Países Bajos, Suiza y Australia y en el segundo de los Estados Unidos, siendo múltiple platino en Canadá,​ y EE. UU.,​ platino en Alemania y Oro en Gran Bretaña.​ La crítica reseñó positivamente el disco, resaltando el retorno a sus conceptos musicales, la ambigüedad de sus canciones, y el predominio de baladas.​ El trabajo destacó por su énfasis melódico y el protagonismo que ejerció Charlie Watts con la batería a lo largo de cada una de las canciones.​ El crítico Stephen Thomas Erlewine opinó: "es un disco más fuerte que su predecesor".​ Del álbum se extrajeron " Love Is Strong", " You Got Me Rocking", " Out of Tears" y " I Go Wild " como sencillos, de los que solo el tercero tuvo un buen lugar en el Hot 100 de Billboard, aunque "Love Is Strong" y "You Got Me Rocking" llegaron al número dos de Mainstream Rock Tracks.

El primero de agosto ponen en marcha su gira mundial Voodoo Lounge Tour, que se inició en el Robert F. Kennedy Memorial Stadium de Washington, DC. Ésta era la primera de las más de sesenta fechas planeadas por América del Norte.​ Para abrirles sus presentaciones eligieron como teloneros a Lenny Kravitz, Counting Crows y Stone Temple Pilots. El 8 de septiembre realizaron una presentación durante la gala de los MTV Video Music Awards en el Radio City Music Hall. Durante la ceremonia recibieron un reconocimiento por su trayectoria artística. Así mismo, el canal incluiría al final del año su video "Love Is Strong" en su lista de "Los 100 videos más pedidos" de 1994.​

En 1995 la banda visita Latinoamérica por primera vez en el marco de su nueva gira, abarrotando fechas en México, Brasil, Argentina y Chile entre enero y febrero. Durante la 37.ª entrega de los premios Grammy su más reciente material discográfico ganó en la categoría Mejor Álbum Rock y el videoclip de "Love Is Strong" se alzó como vencedor en la categoría de Mejor video musical, formato largo.​ Completan sus actuaciones por Sudáfrica, Japón, Australia, Nueva Zelanda y Europa Continental, para ofrecer su último concierto en el Feijenoord Stadion de Róterdam el 30 de agosto. La gira les reportó ganancias de más de 370 millones de dólares tras más de 140 conciertos realizados. En ese momento, se convertía en su gira más exitosa.​ Entre marzo y julio grabaron en Tokio, Lisboa, Londres, Ámsterdam y París, para ser publicado el 13 de noviembre. El material estaba integrado por versiones acústicas de algunas de sus canciones de antaño alternadas con otras extraídas del Voodoo Lounge Tour, inspirándose en un disco de Jackson Brown.​ En este álbum destacó su versión de " Like a Rolling Stone" de Bob Dylan, que además fue editada como sencillo.​

El 29 de septiembre de 1997 publican Bridges to Babylon, grabado en Connecticut, Londres, Nueva York y Los Ángeles entre diciembre de 1996 y julio de 1997. Contó con una gran gama de productores, encabezados por Don Was ( Voodoo Lounge y Stripped) y The Glimmer Twins (Jagger/Richards), y respaldados por The Dust Brothers (productores de Beck y Beastie Boys), Pierre de Beauport, Rob Fraboni, y Danny Saber (productor de Black Grape). Le precedió " Anybody Seen My Baby?" como primer sencillo promocional, colocándose entre las 40 canciones más populares de Europa, y llegando al número 3 del Mainstream Rock Tracks del Billboard. El material contenía temas R&B, rock, reggae y blues, con influencias de música electrónica.​ Las críticas fueron mixtas y las ventas alcanzaron como para alcanzar un disco de platino. A mediados de año anunciaron el inicio del Bridges to Babylon Tour, que arrancó el 4 de septiembre en Toronto, Ontario, recorrió Norteamérica y paró momentáneamente en el Edward Jones Dome de San Luis, Misuri el 12 de diciembre. Al final del año la cadena televisiva MTV incluyó su videoclip "Anybody Seen My Baby?", protagonizado por la actriz Angelina Jolie, entre "Los 100 videos más pedidos" de 1997.​

Reanudan la gira el 5 de enero de 1998 en Quebec y concluyen su paso por los EE. UU. (solo interrumpido por un par de presentaciones en México) con un espectáculo en Las Vegas, Nevada a mediados de febrero. Después de tocar en Japón, Brasil, Argentina, y de nuevo en Estados Unidos y Canadá, llegan al último tramo de su itinerario, Europa. Con una presentación en el Estadio Ali Sami Yen de Estambul, Turquía el 19 de septiembre ponen un alto momentáneo al tour. Lanzan No Security el 2 de noviembre, un álbum en vivo que cuenta con varias canciones inéditas en vivo, a excepción de " Live With Me" y " The Last Time ".

En enero de 1999 regresan a Estados Unidos con la gira No Security Tour, con la idea de realizar presentaciones en lugares cerrados, para no más de 20 000 personas. Reanudan el Bridges to Babylon Tour el 29 de mayo en Stuttgart, Alemania y concluyen la gira el 20 de junio en Colonia. A la conclusión de la gira, las ganancias netas superan los 390 millones de dólares, eclipsando lo hecho con su anterior tour.​ La inactividad de la banda sólo se vio interrumpida cuando Mick Jagger y Keith Richards realizaron una breve aparición en el "Concierto por Nueva York", celebrado en el Madison Square Garden, con el objetivo de recaudar fondos para las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001.​​

Con su presentación el 3 de septiembre de 2002 en el FleetCenter de Boston iniciaron su gira de aniversario denominada . Posteriormente la Virgin Records, en asociación con ABKCO y Rolling Stones Records, publicó el compilatorio Forty Licks el 30 de septiembre, para conmemorar el 40.ª aniversario de la fundación de The Rolling Stones. Este disco doble contaba con cuarenta pistas, treinta y seis de los temas más conocidos de la banda y cuatro nuevas composiciones grabadas en París a mediados de año. El mismo día sale " Don't Stop" para promocionarlo, con un éxito discreto en las listas de todo el mundo, aunque se colocó dentro del top 10 de los listados de Japón, Taiwán y Argentina.​ Forty Licks se convirtió en un éxito inmediato, vendiendo en su primera semana 310 000 unidades​ y al final del año se situó entre los discos más vendidos del año, acreditándose triple disco de platino en Estados Unidos y superando la barrera de los seis millones de unidades alrededor del mundo.​ Después de más de treinta presentaciones concluyeron el año con un espectáculo en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas el 30 de noviembre.

El 8 de enero de 2003 reinician su gira en el Bell Centre de Montreal y acaban el 8 de febrero en Las Vegas sus conciertos por Estados Unidos. Se presentan en Australia, Japón, Singapur y por primera vez en India, mientras que las actuaciones previstas en China y Tailandia fueron canceladas por la epidemia del síndrome respiratorio agudo severo (SRAS).​ En junio se trasladan a Europa, únicamente interrumpidos por una aparición en el Molson Canadian Rocks for Toronto, un concierto a beneficio de las víctimas de la epidemia del SRAS. Terminan su gira en el Estadio Letzigrund de Zúrich, Suiza el 2 de octubre. Con esta gira el grupo obtuvo ganancias superiores a los 300 millones de dólares.​ En noviembre se presentaron en China como parte de un festival para promover el turismo después de la epidemia de SARS.​ El mismo mes publican el Four Flicks, una caja con DVD que contenía sus presentaciones en París, Nueva York y Londres durante el Licks Tour. Sólo se comercializaron en la cadena de tiendas Best Buy,​ cosa que no agradó a los distribuidores HMV Canada y Circuit City, que a manera de protesta tiraron discos y artículos relacionados de los Stones.​ Este trabajo debutó en el primer lugar del Comprehensive Music Videos de la Billboard y fue certificado 19 veces platino, siendo el concierto en DVD más vendido en la historia de los Estados Unidos.​

En junio de 2004 se le diagnosticó cáncer de garganta al baterista Charlie Watts, siéndole extirpado por medio de cirugía. Posteriormente se sometió a un tratamiento de radioterapia en el Royal Marsden Hospital de Londres durante seis semanas.​​ Esto llevó a la agrupación a suspender conciertos y las grabaciones de su nuevo álbum hasta la completa recuperación de su integrante.​ Para octubre Jagger declaró al periódico británico Daily Mirror que Watts había superado exitosamente la enfermedad, por lo que se reintegró a las grabaciones.​ El 1 de noviembre editaron , un disco doble en directo de su última gira, conteniendo las colaboraciones de los cantantes Solomon Burke y Sheryl Crow en " Everybody Needs Somebody to Love" y " Honky Tonk Women " respectivamente.

El 10 de mayo de 2005 realizaron una pequeña presentación en la Juilliard School de Nueva York, anunciando una nueva gira mundial y una nueva producción de estudio.​ Para agosto dieron inicio al A Bigger Bang Tour en el Fenway Park de Boston y publicaron el sencillo doble " Streets of Love"/" Rough Justice", que se colocó dentro de las cuarenta principales de las carteleras europeas -alcanzando la cima en España​-, y en listas argentinas y canadienses. Sin embargo, tuvo una pobre repercusión en Estados Unidos y el resto del mundo.​ Su álbum se comercializó el 5 de septiembre bajo el título de A Bigger Bang. Fue grabado en las residencias de Jagger en Francia y en la isla de San Vicente.​ En general recibió críticas favorables, citándose como su mejor producción desde Tattoo You​ o inclusive desde Some Girls.​ El material consta principalmente de canciones rock con base en R&B y blues, contrario a sus anteriores entregas, apreciable en "Back on My Hand", y un puñado de canciones pop/rock como " Streets of Love". La canción "Sweet Neo Con" generó polémica por su letra con gran carga política que critica al Neoconservadurismo estadounidense e implícitamente al Presidente de los Estados Unidos George W. Bush,​ aunque esto último fue negado por el mismo Jagger.​

El 22 de noviembre Virgin y la cadena de cafeterías Starbucks Corp. editaron Rarities 1971-2003, un compacto de remezclas, temas poco populares y rarezas (lados-B y grabaciones en vivo) de la banda. Como parte del A Bigger Bang Tour se presentaron en tiempo de descanso del Super Bowl XL, donde fueron censuradas las letras de " Start Me Up" y " Rough Justice".​ En su retorno a Latinoamérica ofrecieron un concierto gratuito en las playas de Copacabana, Río de Janeiro, que atrajo a más de un millón y medio de personas, convirtiéndose en su espectáculo más masivo.​​ Desafortunadamente en abril de 2006, Keith Richards sufrió una conmoción cerebral tras caerse de una palma de coco en Fiyi durante las vacaciones de la banda.​ La situación llevó al músico a ser intervenido quirúrgicamente​ y causó la postergación de varias actuaciones europeas hasta junio.​

Aunque prosiguieron con la gira por Europa, las fechas destinadas a Madrid y Barcelona se aplazaron por cerca de un año.​ A principios de junio de 2007 se presentaron en el Festival de la Isla de Wight,​ y casi simultáneamente publicaron el box set- DVD The Biggest Bang, el cual se comercializó únicamente en las tiendas Best Buy.​ El tour concluyó con tres presentaciones el 21, 23 y 26 de agosto en el O2 Arena de Londres. En septiembre, el A Bigger Bang Tour fue incluido en el Libro Guinness de los récords por ser la gira con más ganancias de la historia, aunque la citada publicación mencionó ganancias superiores a 437 millones de dólares,​ el promotor de giras de los Stones Michael Colh citó 558 255 524 dólares.​ También se posicionaron como la gira más exitosa en la historia de los Estados Unidos, territorio donde consiguieron en su primer año 162 millones de dólares, según fuentes de la revista Pollstar.​ El 12 de noviembre ABKCO Records puso en el mercado Rolled Gold+: The Very Best of the Rolling Stones, la reedición de Rolled Gold: The Very Best of the Rolling Stones de 1975, en Gran Bretaña. Este compilatorio estuvo disponible, además de en los formatos de doble-CD y cuádruple vinilo, en USB flash drive y en formato digital, que podía descargarse por internet.

De la gira se derivó el documental Shine a Light, dirigido por ganador del Óscar Martin Scorsese, filmado durante sus presentaciones en el Beacon Theater de Nueva York los días 29 de octubre y 1 de noviembre de 2006 como parte del A Bigger Bang Tour.​ Se contó con las apariciones especiales del vocalista de The White Stripes Jack White, la cantante pop Christina Aguilera y del guitarrista de blues/rock Buddy Guy. Tras su estreno el 7 de febrero de 2008 en el marco del 58° Festival Internacional de Cine de Berlín,​ Shine a Light acumuló buenas reseñas por parte de la crítica cinematográfica​ y generó ingresos por 5 505 267 solo en las salas estadounidenses y 10 268 084 de dólares en mercado extranjero.​ El álbum de la banda de sonido de la película fue lanzado simultáneamente y debutó en el puesto 2 del ranking británico​ y en el 11 del estadounidense, vendiendo unas 645 000 copias alrededor del mundo.​ A finales de junio firmaron un contrato con Universal Music, con el que habían firmado un acuerdo para la publicación de Shine a Light,​ sumándose a la gran lista de artistas que dejó EMI.​​ Se les relacionó anteriormente con la promotora de conciertos Live Nation, aunque lo desmintieron.​​ La discográfica lanzaría sus nuevas grabaciones bajo la subsidiaria británica Polydor Records,​ además adquirió los derechos para la distribución en EE. UU. del material anterior a 1994, mientras que el material posterior sería distribuido por Interscope Records.

En abril de 2009 se anunció la remasterización de toda la discografía de los Stones desde 1971,​ dejando de lado a Exile On Main St para su lanzamiento en una edición de lujo a finales de 2009 o principios de 2010.​ El 28 de julio Universal puso a la venta un box set con los 14 álbumes de estudio remasterizados.​ En septiembre Keith Richards publicó los planes para la grabación de un nuevo material. Se manejó el nombre de Jack White como productor: "Seguramente grabaremos nuevo material el año que viene. En cuanto a la producción, no quiero alimentar rumores: sólo digo que Jack y yo estamos en contacto".​

En marzo de 2010 Keith Richards dijo que el grupo podría empezar a grabar un nuevo disco a fin de año. Según Richards, todavía no está delineado el perfil del nuevo material; sin embargo, deslizó que la banda estaría evaluando entrar en los estudios de grabación antes de fin de año. "No hay planes definidos, pero no puedo ver al resto de los miembros del grupo detenerse. No me sorprendería si grabamos algo nuevo cerca de fin de año", señaló.​

En julio de 2010 corrieron rumores de su separación oficial en el 2012 (después de cumplir los 50 años de carrera) haciendo una gira mundial para presentar el nuevo disco y para despedirse, rumores que fueron desmentidos en octubre de ese mismo año por el guitarrista de la banda, Ronnie Wood: "Vamos a seguir tocando, seguro. Somos como los viejos monjes, esos que nunca abandonan. Vamos a tocar hasta que nos caigamos del escenario... Los Rolling Stones no se separarán hasta que todos los miembros no hayan fallecido".​​

En 2013, al cumplirse 50 años del primer concierto que dieron como grupo, subieron una foto las redes sociales y posteriormente anunciaron su nueva gira 50 & Counting, que terminaron a mediados de ese año.

En 2014 comenzaron otro tour llamado por Europa, Asia, Medio Oriente, Oceanía y Estados Unidos, tour que estuvo suspendido varios meses a causa del suicidio de la novia de Jagger, L'Wren Scott, el 17 de marzo de 2014. La gira fue reanudada el 26 de mayo.

A finales de 2015 la banda anunció su regreso a Latinoamérica, con una gira por estadios exclusiva para la región la cual llamaron América Latina Olé Tour; comenzó en el Estadio Nacional de Santiago frente a más de 60 000 personas el 3 de febrero de 2016 en Santiago de Chile, para luego presentar tres conciertos en la ciudad de La Plata en Argentina, posterior a estos conciertos se presentan por primera vez en Uruguay. La gira continúa con cuatro shows en Brasil, específicamente en Río de Janeiro, São Paulo y Porto Alegre. También hicieron su debut en Lima, Perú​ y en Bogotá, Colombia. Luego aterrizaron en México, para presentarse en una doble fecha en Ciudad de México en el Foro Sol y finalmente la gira concluyó el 25 de marzo de 2016 con un multitudinario e histórico concierto en La Habana, Cuba frente a más 1.2 millones de espectadores.

El día 2 de diciembre de 2016 la banda sacó a la venta su nuevo disco Blue & Lonesome,​ consistente en versiones de blues clásicos de artistas como Willie Dixon o Little Walter, que fueron los primeros ídolos de la banda.

Durante el verano de 2017, el guitarrista de la banda, Keith Richards, desveló que el grupo está preparando un nuevo álbum.​

El 9 de mayo de 2017 el grupo anunció una nueva gira europea, llamada No Filter Tour. La gira empezó el 9 de septiembre en Hamburgo, Alemania y terminó el 25 de octubre en París. A pesar de la crítica de los fanes del grupo, no actuaron en el Reino Unido, pero si lo hicieron en Austria, Suiza, Italia, España, Países Bajos, Dinamarca, Suecia y Francia. Cabe decir que París fue la única ciudad donde se llegaron a hacer dos conciertos.​

El 6 de octubre de 2017 presentaron el nuevo álbum On Air, un disco que recoge las grabaciones llevadas a cabo entre 1963 y 1965 en los estudios de la BBC. Dicho recopilatorio se empezó a distribuir el 1 de diciembre del mismo año.

La gira No Filter Tour comenzó el 9 de septiembre de 2017 en Hamburgo y cerró su primera etapa dos años después en Miami, el 30 de agosto de 2019. Estaba programada para concluir en 2020, pero tuvo que ser pospuesta debido a la pandemia de Covid-19. Se anunció que la gira se reanudaría en septiembre de 2021. No obstante, a principios de agosto se anunció que, debido a problemas médicos, Charlie Watts sería sustituido a la batería por Steve Jordan, músico colaborador de Keith Richards,​ por lo que restaba de gira, siendo la primera vez en la historia del grupo que uno de sus miembros no participaría en directo.

Sin embargo, el 24 de agosto de 2021, la oficina de los Stones anunció el fallecimiento de Watts a los 80 años.​ Es el primer miembro del grupo en fallecer estando en activo, ya que Brian Jones había sido despedido cuando murió en 1969, e Ian Stewart no era miembro oficial de la banda cuando murió en 1985.

El 20 de septiembre de 2021, como antesala al reinicio de la gira, el grupo dio un concierto privado en el Gillette Stadium de Foxborough, Massachusetts,​ siendo la primera vez desde enero de 1963 que Charlie Watts no estaba con ellos en el escenario. Mick Jagger, acompañado por Keith Richards y Ronnie Wood al frente del escenario, pronunció un emotivo discurso como homenaje a su compañero recién fallecido.​

En enero de 2022, apareció una colección de sellos conmemorativos del 60º aniversario de la fundación del grupo.​

The Rolling Stones se caracterizan por melodías sencillas y estructuras simples donde no abundan demasiados acordes, que acompañan a letras crudas que tocan temáticas sociales. Durante su extensa carrera han añadido varios géneros a su clásico repertorio de rock and roll con base , como el , el , el y el . Sus primeras composiciones surgieron de los intereses mutuos de Mick Jagger y Keith Richards por la música estadounidense ( Robert Johnson, Chuck Berry, Bo Diddley, Muddy Waters, Fats Domino, Jimmy Reed y Little Walter).​​ Estos influyeron a su vez en Brian Jones, líder de la banda de ese entonces, que se interesaba en T-Bone Walker y la música jazz,[cita requerida] y Charlie Watts, que igual optaba por el ( Charlie Parker, Miles Davis, Buddy Rich y Elvin Jones) y repudiaba el rock and roll y el blues,​ aunque sentía simpatía por el R&B al igual que Jagger, Jones y Richards.​

En sus primeros discos eran intérpretes de rhythm & blues y soul americano, pero debido al competitivo mercado del rock inglés se vieron en la obligación de escribir sus propias canciones para comenzar a destacar y diferenciarse. Canciones como " Little by Little", " Heart of Stone" o " What a Shame" tenían una estructuración R&B. Sin embargo, en algunos de sus nuevos temas se mostraban maduros y sensibles, al contrario de la imagen "viril" que intentaban transmitir,​ como en " Off the Hook", que trata sobre las difíciles relaciones de las parejas inglesas de ese tiempo (lo que les valió sus primeras acusaciones de misoginia),​ y " As Tears Go By", que habla sobre el inminente final de una relación. A pesar de sus raíces en la música estadounidense, sencillos como " Tell Me (You're Coming Back)" tenían influencias en el Mersey, similar a las canciones de The Beatles.​

Con el auge del rock psicodélico en la segunda mitad de la década de los 60 publicaron Between the Buttons y Their Satanic Majesties Request. El primero es un collage de temas rock y baladas con tintes psicodélicos y R&B, y el segundo era un disco de música psicodélica, más experimental y arriesgado. En este se exponían cuestionamientos filosóficos futuristas y comentaban sus recientes experiencias carcelarias con el respaldo de ritmos e instrumentos exóticos, con intervención del mellotron y la incorporación de orquesta.​ Con el final de la década la temática de sus letras tomó un carácter más político y crítico, " Street Fighting Man" se inspiró en las luchas estudiantiles en París y en el encarnizamiento de los choques entre la policía y los opositores a la guerra de Vietnam en los Estados Unidos,​ mientras que " Gimme Shelter" hace referencias al mismo conflicto bélico.​ Beggars Banquet, que incluye "Street Fighting Man", reunía ritmos blues y R&B con pinceladas de música country, resultado de la gran influencia que el pionero del country-rock Gram Parsons tenía sobre el guitarrista Keith Richards, uno de sus mejores amigos en ese tiempo.​

En sus tres álbumes siguientes (Let It Bleed, Sticky Fingers y Exile On Main St.) tratan principalmente sobre la soledad y alienación que sufren las estrellas del rock.​ Este último trabajo destacó por la gran diversidad de ritmos presentes, pasando del rockabilly y el hasta el y el , además de los clásicos rock/blues/R&B de la banda.​ Entrados los años setenta, viven una etapa de decadencia, estancados en la música rock-pop, salvo algunos experimentos con el , el y el en Black and Blue,​ y solo sostenidos por grandes éxitos como "Angie", para mantenerlos aún en el mercado musical ante la aparición de nuevos géneros como el o la Disco. Para superarlo, tras la salida de Mick Taylor, lanzan , producción de sonido metálico, en el que destaca el manejo de guitarras. El LP consistía en un repertorio de canciones con la crudeza del punk, reservándose el tema principal para un estilo radicalmente distinto: " Miss You") está considerado como un tema de música disco. Sus siguientes materiales compartían el mismo estilo, exceptuando , y su colaboración con the Master Musicians of Jajouka liderado por Bachir Attar, que se materializó en el tema " Continental Drift" del álbum Steel Wheels. Con Bridges to Babylon de 1997 le añadieron toques de música electrónica a sus composiciones. En su más reciente material A Bigger Bang se mantienen influencias más cercanas al R&B y al blues.

The Rolling Stones está considerado como uno de los mejores y más influyentes grupos en la historia del rock,​ El periodista español José Ramón Pardo menciona en su libro "La discoteca ideal de la música pop" la clave del éxito de The Rolling Stones: los define como "un grupo atemporal capaz de adaptarse, con sólo unos simples apuntes estilísticos, a cualquier tiempo musical que se avecine".​ Durante el desarrollo de su trayectoria se fueron convirtiendo en la definición del rock, una banda emblemática del género. Mick Jagger y Keith Richards establecieron con The Rolling Stones el estereotipo de la clásica banda de rock. Le dieron a un sonido (con raíces en el R&B y blues norteamericano) un contenido muchas veces polémico; componiendo canciones con temáticas tales como la decepción, el sexo, las drogas y las mujeres. Adoptaron una apariencia de chicos desaliñados, sucios e intimidantes; y una imagen pública rebelde, comportándose como "chicos malos" en constantes problemas con la ley por el contenido de sus letras y su abierta adicción a las drogas y al alcohol.​​

Están incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll desde 1989, y en 2004 fueron puestos en el cuarto lugar por la revista estadounidense Rolling Stone en la lista de Los Inmortales: los 100 artistas más grandes de todos los tiempos.​ La misma publicación colocó catorce de sus canciones en su lista de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos, destacando a "(I Can't Get No) Satisfaction" en el número dos y la inclusión de " Sympathy for the Devil" y " Gimme Shelter" entre las 100 primeras, y anteriormente seleccionó diez de sus álbumes de estudio entre Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, con Exile on Main St. en el puesto 7 de la lista. En vísperas de su gira la revista británica Q los nombró una de "Las 50 bandas que debes ver antes de morir".​

En los inicios de su carrera su música tuvo gran repercusión en el sonido de bandas como Jefferson Airplane,​ The Flamin' Groovies,​ y Humble Pie,​ en los años 70 sus composiciones también quedaron plasmadas en algunos materiales de diversos cantantes, entre los que se puede incluir a Terry Reid,​ Rod Stewart,​ y David Bowie.​ La combinación de rock, blues y R&B característica de la banda se apreció en algunas producciones de agrupaciones setenteras como Led Zeppelin,​ y ZZ Top.​ Igualmente se encuentran algunos destellos de Jagger y compañía en otras bandas de géneros distintos como New York Dolls,​ J. Geils Band,​ Oasis,​ The Verve,​ Primal Scream,​ y The Hives.​ También se puede mencionar a Guns N' Roses,​ Cinderella,​ Velvet Revolver,​ Jet​ y The Black Crowes.​ De igual forma, algunos materiales de The Rolling Stones fueron los impulsores de otros artistas, como es el caso del tema " I Just Want to See His Face", cuya atmósfera densa fue precursora de los sonidos de las producciones de Sonic Youth y Tom Waits​ o el álbum Exile on Main St., que fue la inspiración del disco debut de Liz Phair, Exile In Guyville.​

En Latinoamérica han tenido gran repercusión en diversas bandas argentinas como Ratones Paranoicos,​ Los Piojos,​ y Viejas Locas. En dicho país sudamericano, su primera visita a mediados de los 90 hizo surgir un movimiento urbano denominado rolinga, cuyos seguidores mezclan su fanatismo por la banda de Mick Jagger con otras bandas locales ligadas al primer rock desarrollado en barrios de grandes ciudades. Tal es el caso de Los Piojos, y tras el surgimiento del rock chabón, los rolingas se hicieron seguidores de bandas tales como Intoxicados (disuelta), Callejeros (disuelta),​ Jóvenes Pordioseros, La 25 o Guasones, todas ellas con notable sonido stone. ​

Discografía

Discografía de estudio

De los miembros originales de la banda, hasta la fecha solo se mantiene la asociación formada por Mick Jagger y Keith Richards, que continúan siendo la formación más longeva en la historia del rock. El pianista Ian Stewart dejó de ser "miembro oficial" de la banda en 1963, por decisión de Andrew Loog Oldham, mánager y productor del grupo por entonces. Sin embargo, siguió tocando con el grupo hasta su muerte en 1985. El multi-instrumentista y primer líder Brian Jones fue expulsado de la banda en junio de 1969 (moriría un mes más tarde), y fue reemplazado por Mick Taylor, aunque este último dejaría la banda a mediados de la década de los 70s. A su vez, Taylor fue relevado por Ronnie Wood en 1976. Bill Wyman decidió dejar la banda en 1993 y no fue reemplazado oficialmente.​ En agosto de 2021, falleció Charlie Watts a la edad de 80 años, apenas semanas después de dejar en duda su participación en la gira programada para ese año por problemas de salud.​

Durante los primeros años de la banda, Brian Jones produjo, escribió e interpretó la banda sonora de la película Mord und Totschlag (también conocida como A Degree Of Murder), un filme avant-garde alemán de 1966 protagonizado por su entonces novia Anita Pallenberg y dirigida por Volker Schlöndorff. Este tal vez fue el único material como solista que lanzó Jones en vida.​​ Poco después, contribuyó tocando el saxofón en la canción " You Know My Name (Look Up the Number)" de The Beatles, composición que fue editada como lado-B de " Let It Be" el 6 de marzo de 1970.​​ En 1971 se editó a título póstumo Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Joujouka, grabado por el mismo guitarrista con un grupo local de una villa de Marruecos llamado Master Musicians of Joujouka en 1968. Este álbum de World music surgió debido a la insistencia del pintor y novelista Brion Gysin y de su compañero de profesión marroquí Mohamed Hamri de que el compositor escuchara la música de esa región africana.​

El guitarrista Keith Richards, antes de lanzar su primer disco en solitario, colaboró con otros artistas, como en la canción " All You Need Is Love" de The Beatles en 1967 (haciendo de voz de fondo)​ además de tocar el bajo y la guitarra en el álbum del músico soul y teclista ocasional del grupo durante los 70 Billy Preston: That's the Way God Planned It (1969). Su primer disco de solista se lanzó en 1988 bajo el título Talk is Cheap, año en el que circuló también su disco en vivo Live at the Hollywood Palladium. En octubre de 1992 puso a la venta el que es hasta ahora su último material solista: Main Offender.

Mick Jagger es el que ha tenido más éxito como solista. Su primer trabajo en solitario, She's The Boss (publicado en 1985), alcanzó el disco de platino en los Estados Unidos. Ese mismo año lanzó a dúo con David Bowie el sencillo " Dancing in the Street": la canción original de Martha and the Vandellas sirvió como tema promocional para el movimiento caritativo de Live Aid. El año anterior colaboró con el grupo de R&B The Jackson 5, interpretando junto a Michael Jackson, vocalista del quinteto, " State of Shock", canción que se convirtió el sencillo más exitoso de su álbum . Durante el máximo momento de crisis de la banda puso en circulación Primitive Cool, aunque no tuvo tanta repercusión como su material anterior. Posteriormente, realizó composiciones propias en los periodos de descanso de la banda. Wandering Spirit (1993) fue editado después de la gira Steel Wheels/Urban Jungle Tour; Goddess in the Doorway (2001) fue posterior al Bridges to Babylon Tour y The Very Best Of Mick Jagger (2007), se lanzó a continuación del A Bigger Bang Tour. En 2004 compuso las letras de la banda sonora de la película Alfie, cuyo corte promocional " Old Habits Die Hard" -en el cual colaboró Dave Stewart, exmiembro del grupo inglés de synthpop Eurythmics- le valió ganar numerosos premios incluyendo el Globo de Oro por Mejor Canción Original en 2005.​​

Ronnie Wood es otro stone que también ha editado discos como solista. Para cuando llegó a la banda, ya contaba con un repertorio en solitario, además fue fundador del grupo The New Barbarians. Hasta ahora, ha lanzado diez producciones por su cuenta desde que se unió a The Rolling Stones: Gimme Some Neck (1979), (1981), Live at the Ritz (1988), Slide on This (1992), Slide on Live: Plugged in and Standing (1993), Live and Eclectic (2000), Not for Beginners (2001), Ronnie Wood Anthology: The Essential Crossexion (2006), Buried Alive: Live in Maryland (2006) y The First Barbarians: Live from Kilburn (2007).

Por su parte, el baterista Charlie Watts, a pesar de pertenecer a un grupo rock, siguió amando el jazz y con su Charlie Watts Quintet editó varios discos, siendo los dos últimos From One Charlie y A Tribute to Charlie Parker with Strings a principios de los años 90.

Véase también

Exile on Main St. es el álbum mejor colocado de The Rolling Stones en la lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone en 2003, aparecieron en el lugar #7. Es el álbum de la banda mejor situado en la listas de Los 100 mejores álbumes de las publicaciones New Musical Express (#42), Q (#7) y Melody Maker (#23).

El nombre de la banda, Rolling Stones, es una expresión que se usa coloquialmente en inglés para designar a personas descarriadas, desarraigadas o que no tienen un hogar fijo. Un equivalente próximo en castellano sería "Las balas perdidas", y no "Los Cantos Rodados" o "Las Piedras Rodantes" como habitualmente se traduce. Ver: "The Rolling Stones".

Bibliografía

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The Rolling Stones - Wikipedia, la enciclopedia libre

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The Rolling Stones The Rolling Stones en el Summerfest de 2015.De izquierda a derecha: Charlie Watts, Ronnie Wood, Mick Jagger y Keith Richards.

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The Beatles

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The Beatles

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The Beatles ( pronunciado ), también conocida en el mundo hispano como los Beatles, fue una banda de británica formada en Liverpool durante los años 1960, estando integrada desde 1962 a su separación en 1970 por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Está considerada como una de las bandas más importantes del movimiento contracultural de la década de 1960 y de la historia de la música.​​​​​​ Enraizada en el , la música beat y el rock and roll de los años 1950, su sonido incorporaría a menudo elementos de la música clásica y del pop tradicional, entre otros, de forma innovadora en sus canciones; la banda posteriormente llegaría a trabajar con un extenso rango de estilos musicales, yendo desde las baladas y la música de India, hasta la psicodelia y el . Como pioneros en las formas de grabación, composición y presentación artística; la naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la " beatlemanía", se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas, revolucionando diversos aspectos de la industria musical y llegando a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas de las juventudes de la época y sus movimientos sociales y culturales.​

Liderados por la dupla Lennon-McCartney, construirían su reputación en la escena underground de Liverpool y Hamburgo sobre un período de tres años a partir de 1960, inicialmente con Stuart Sutcliffe en el bajo. El trío central de Lennon, McCartney y Harrison, juntos desde 1958 como parte de The Quarry Men, tocarían junto a múltiples baterías (incluido Pete Best) antes de pedirle a Richard Starkey, más conocido como Ringo Starr que se les uniera en 1962. Establecidos como un grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su representante, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del productor George Martin, lograrían el éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, " Love Me Do". A partir de ahí, irían adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales harían un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente a la grabación en el estudio hasta su disolución oficial en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras independientes de diversa duración. Lennon sería asesinado, por Mark David Chapman, a las afueras de su casa de Nueva York en 1980, y Harrison fallecería de cáncer en 2001. McCartney y Starr, los dos miembros sobrevivientes, aún permanecen musicalmente activos.

Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), siendo éste el segundo álbum más vendido en el Reino Unido, (solo después de Greatest Hits de Queen)​y además este álbum es considerado por expertos como una obra maestra de la música. Cinco décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier otra agrupación musical.​ De acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista.​ Fueron galardonados con siete premios Grammy,​ y recibieron un total de quince premios Ivor Novello de parte de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors.​ En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número uno en su lista de los "100 artistas más grandes de todos los tiempos".​ De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto ayudaron a definir tanto la cultura popular como la contracultura.​ En 2010, el canal de televisión especializado en música VH1 los clasificó en el número uno en su lista de los "100 artistas más grandes de todos los tiempos".​ También fueron colocados en el puesto número 1 por el sitio de Internet Acclaimed Music en su lista "The Top 1000 Artists of All Time".​ Figuran, asimismo, en la primera posición como los más grandes artistas de todos los tiempos de las listas Hot 100 y Billboard 200 en la clasificación de de 2015.​​

Formación y primeros años

The Quarry Men

A los dieciséis años de edad, John Lennon, influido fuertemente por el estallido mundial del rock and roll y la "locura del skiffle" desencadenada por Lonnie Donegan, creó el grupo de estilo con el nombre de The Quarry Men,​​ junto con algunos compañeros del colegio, en la segunda mitad de 1956.​​​​​​

El estalló en Gran Bretaña a comienzos de 1956, a partir del lanzamiento del disco " Rock Island Line" de Lonnie Donegan. Se trató de un movimiento social y musical estrictamente británico que tomó el nombre de "locura del skiffle" ( skiffle craze),​​ que fue adoptado como propio por millones de adolescentes que por primera vez surgían como grupo social con identidad propia.​ En 1956 y 1957 se crearon más de cincuenta mil bandas de skiffle integradas por adolescentes.​​

El skiffle era una modalidad barata y sencilla de tocar música, con instrumentos caseros y acústicos (guitarras, tablas de lavar y dedales, bajos de cofre de té o (tea-chest bass), tapas de ollas, kazoos fabricados con peines y papel, palos de escoba, etc.) que se adaptaba perfectamente a la pobreza de posguerra en Gran Bretaña, permitiendo que decenas de miles de jóvenes trabajadores se volcaran a la música en una especie de "rock and roll sin electricidad".​ También masificó entre los jóvenes la guitarra, un instrumento que hasta ese momento había estado prácticamente ausente de la música popular británica.​​

The Quarry Men formó además parte de un amplio movimiento musical originado en Liverpool, conocido como música beat, o Merseybeat, caracterizada por la diversidad de influencias musicales que caracteriza a esa ciudad,​ y la sincronización rítmica de la batería, el bajo y la guitarra rítmica. Lennon, Eric Griffiths, Pete Shotton, Len Garry, Colin Hanton y Rod Davis integraron la primera formación estable, con Nigel Walley oficiando de representante.

Poco tiempo después, el 6 de julio del mismo año ( 1957), Paul McCartney, que por entonces tenía quince años, conoció a Lennon en una fiesta en la que este tocaba con The Quarry Men y se unió a la misma como guitarrista y cantante.​​​ Entre diciembre de 1957 y enero de 1958, McCartney invitó a su amigo George Harrison, el cual, con catorce años, se unió como el guitarrista líder de la formación.​​

La pertenencia de clase de los tres futuros beatles se evidenciaba en la vivienda, la educación y el empleo de sus familias. John Lennon había nacido en una sencilla casa adosada (terraced house) alquilada, con sus abuelos,​ hasta que se fue a vivir con su tía Mimi en una casa de clase media llamada Mendips, en Woolton, pero que una de sus dos habitaciones debían ser alquiladas a estudiantes para poder sostenerla, razón por la cual debía dormir en el comedor.​ John aprobó el examen de más de once años ( Eleven Plus Examination),​ que le permitía acceder al primer tramo de la educación secundaria, pero fue reprobado en el crucial examen de nivel cero ( 0-level exam),​ cerrándole las puertas a la universidad. Había sido educado por su tía para no utilizar el dialecto scouse que caracteriza a los sectores populares de Liverpool.​

Paul McCartney nació en una casa propiedad del Estado ( council house) sin inodoro en el baño (letrina compartida afuera) en el alejado suburbio de Speke, de mala fama entre la clase media, pero en 1955 la madre de Paul había conseguido que el municipio le asignara una casa mejor con inodoro en el baño, en el suburbio de Allerton, debido a su trabajo de enfermera.​ Al igual que John había aprobado el examen de más once y su madre insistía para que no hablara dialecto scouse.​

George Harrison también había nacido en una muy sencilla casa adosada del Estado ( council house), sin inodoro en el baño (letrina compartida afuera), en el suburbio de Wavertree. Su padre era conductor de autobús y su madre empleada de comercio.​ En 1950 su familia se mudó a otra casa del Estado en el suburbio de Speke, donde fue vecino de McCartney.​ Al igual que John y Paul había aprobado el examen de más once, siendo compañero de colegio de este último. George, como luego también sucedería con Ringo Starr, hablaba con un fuerte acento scouse.​ La tía Mimi se refería a él como "ese roñoso de Speke" ( that scruff from Speke).​

Poco a poco los Quarry Men, empujados por Lennon, McCartney y Harrison, fueron abandonando el skiffle, para orientarse decididamente hacia el rock and roll, a la vez que comenzaron a interpretar temas propios, algo completamente inusual en la música pop de ese momento.​​ El 12 de julio de 1958 The Quarry Men realizó una grabación histórica de un único disco simple, interpretando " That'll Be the Day" de su admirado Buddy Holly y sorprendentemente, una de las primeras canciones compuestas por McCartney, " In Spite of All the Danger ".

Tres días después, la madre de John Lennon, Julia, falleció trágicamente en un accidente de automóvil, lo que llevó a John a la tristeza. El hecho produjo un impasse en la banda, y acercó emocionalmente a John y Paul, que también había perdido a su madre dos años antes. Ambas circunstancias y una seria enfermedad de Nigel Walley, a cargo de la representación, provocaron que la banda quedara reducida a un trío de guitarras, con Harrison en la guitarra solista, y Lennon y McCartney en las guitarras rítmicas, aunque en los hechos la banda se encontraba virtualmente disuelta.​​​

En 1959 George Harrison logró reunir nuevamente a The Quarry Man, con Ken Brown como cuarto guitarrista, para tocar en The Casbah Coffee Club, un improvisado sótano musical para adolescentes recién abierto por Mona Best, madre de quien al año siguiente se convertiría en el primer baterista de Los Beatles.

Para entonces Lennon y McCartney habían comenzado también a frecuentar los clubes musicales de la comunidad negra de Liverpool, la más antigua de Gran Bretaña, donde tomaron contacto y fueron influenciados por los músicos y ritmos de origen africano, especialmente caribeños.​​ Entre esos músicos se destacó el músico inmigrante trinitense Lord Woodbine, denominado a veces como el "sexto beatle" o el "beatle negro",​​ quien fue el primer cantante de calypso de Gran Bretaña y el primero en organizar una banda de tambores metálicos.​​ Woodbine y la comunidad musical afro-liverpulense influyeron en la apertura de Los Beatles hacia la diversidad de ritmos negros, la práctica de tocar temas propios, la inclusión de un baterista, las actuaciones en Hamburgo, la solidaridad con los inmigrantes y el rechazo del racismo.​ La primera canción de Lennon se tituló "Calypso Rock".​ Nociones artísticas como Rubber Soul, y canciones como " Get back" y " Ob-La-Di, Ob-La-Da", están directamente relacionadas con la influencia en la música de Los Beatles proveniente de la comunidad negra de Liverpool.​​ El video de " Early Days " (2014), de Paul McCartney, reconstruye la historia adolescente de John y Paul, pero representándolos como dos jóvenes negros del sur de Estados Unidos.​

En ese ambiente se relacionaron con Allan Williams, propietario del Club Jacaranda, quien se convirtió en mánager del grupo. En octubre de 1959, con el nombre de Johnny and the Moondogs, Lennon, McCartney y Harrison participaron en las audiciones realizadas en Liverpool, para el programa televisivo de nuevos talentos, que dirigía el conductor Carroll Levis. Clasifican para la serie final, realizada el 15 de noviembre en Mánchester, pero resultaron eliminados por un "aplausómetro".​ En dicha competencia se destacó finalizando en segundo lugar Rory Storm and the Hurricanes, con Ringo Starr como baterista. Lennon, McCartney, Harrison, Starr y Rory Storm, mantendrán en los años siguientes una relación de amistad y cercanía musical, compartiendo el escenario en la segunda etapa de Los Beatles en Hamburgo.

Los Quarry Men grabaron en 1958 un disco simple, con un tema de Buddy Holly, " That'll Be the Day" y una canción original titulada " In Spite of All the Danger", compuesta por McCartney pero acreditada también a Harrison. Ambos temas están cantados por Lennon, desempeñándose Colin Hanton en la batería. Existe también una grabación casera que registra una parte de la actuación de la formación inicial de la banda, en la célebre fiesta organizada por la Iglesia de San Pedro el 6 de julio de 1957, cuando John y Paul se conocieron. En 1995, algunos miembros históricos de Los Quarry Men, refundaron la banda, con el fin de difundir el estilo skiffle original, lanzando también algunos álbumes.

El nombre The Beatles

En la primera mitad de 1960 aparecería el nombre definitivo de la banda. The Quarry Men había mostrado ser un nombre precario, siendo reemplazado por otros nombres como "Johnny and the Moondogs" (literalmente Johnny y los Perros Lunares, pero más precisamente Johnny y los Perros que Aúllan a la Luna).​ La versión tradicional sobre el surgimiento del famoso nombre sostiene que la iniciativa partió de Stuart Sutcliffe, íntimo amigo y compañero de habitación de John Lennon que en enero de 1960 se había unido al grupo como bajista. Siempre según la versión tradicional, Sutcliffe y Lennon se encontraban solos cuando empezaron a pensar nombres para la banda, a partir de la admiración que sentían por Buddy Holly, cuyo grupo se llamaba The Crickets ("Los Grillos"). Luego de pasar por diferentes tipos de insectos, Sutcliffe propuso "The Beetles" ("Los Escarabajos"), y Lennon por su parte, aportó un decisivo juego de palabras, cambiando la sílaba "beet", por "beat", que en inglés suenan igual, en referencia al movimiento beat liverpulense que integraba la banda.​

El 6 de julio de 1961, John Lennon escribió una biografía humorística para el primer número del periódico Mersey Beat, de su amigo Bill Harry.​ Allí John dice:

Muchas personas preguntan ¿qué son Beatles? ¿Por qué Beatles? Ugh, Beatles, ¿cómo surgió el nombre? Así que se lo diremos. Surgió en una visión - un hombre apareció en un pastel flameante (flaming pie​) y les dijo 'Desde este día en adelante ustedes son Beatles con una 'A'. Gracias, señor hombre, ellos le dijeron, agradeciéndole.

Décadas después surgieron dos versiones alternativas sobre el origen del nombre The Beatles. La primera proviene de George Harrison que sostuvo que fue tomada de la película The Wild One (El Salvaje), protagonizada por Marlon Brando, aunque la versión es discutible porque dicha película estuvo prohibida en Gran Bretaña hasta 1968.​ La segunda versión pertenece al poeta Royston Ellis, amigo de la banda y perteneciente al movimiento beat. Según Ellis, una noche de junio de 1960, se encontraba pasando el rato con Lennon y Sutcliffe, cuando surgió la cuestión del nuevo nombre de la banda. John entonces le respondió que se llamaría "The Beetles", deletreando la palabra con dos "E", significando Los Escarabajos". Ellis, que pertenecía al movimiento beat y se identificaba con los beatniks, propuso entonces el célebre cambio de la letra "E", por la letra "A". Ellis relató también que ese día él había cocinado un pollo que se prendió fuego, hecho que habría dado origen al relato de John Lennon, sobre el "hombre que apareció sobre un pastel flameante" para darles el nombre de la banda.​

Durante la primera mitad de 1960, el grupo alternó diferentes versiones del nombre, como "The Beetles", "The Silver Beetles", "The Beatals", "The Silver Beets", "The Silver Beatles" y "Long John and the Silver Beetles".​​​ Finalmente, en agosto se decantaron por "The Beatles".​

Con la defección de Brown y la dificultad de no tener baterista, el mánager no oficial del grupo, Allan Williams y Lord Woodbine, organizaron una serie de presentaciones en Hamburgo, como banda musical oficial de uno de los tantos night clubs existentes en esa ciudad portuaria de Alemania.​ En total Los Beatles realizarían cinco series de actuaciones en Hamburgo, entre 1960 y 1962. En un recital realizado allí en 1966, John Lennon se referiría a la importancia de Hamburgo en la formación de Los Beatles diciendo: "Yo nací en Liverpool, pero crecí en Hamburgo".​

Con urgencia reclutaron como baterista a Pete Best, a quien conocían del Casbah; su madre, Mona Best, acababa de comprarle una batería, que aún no dominaba.​ El quinteto se fue cuatro días más tarde a Hamburgo después de que Bruno Koschmider, dueño de varios clubes en aquella ciudad, les contratara para que tuvieran estancia allí durante 48 noches. "Hamburgo, en aquellos días, no tenía clubes de rock 'n' roll. Había clubes de striptease", cuenta el biógrafo Philip Norman.

Bruno tuvo la idea de traer grupos de rock a tocar en diversos clubes. Tenían esta fórmula, un enorme espectáculo sin parar ( nonstop), hora tras hora, con un montón de gente que se apresuraba a entrar y otra a salir, mientras las bandas tocaban continuamente para atraer al tránsito de peatones. En una zona de prostíbulos estadounidense lo habrían llamado striptease nonstop.
Muchas de las agrupaciones musicales que tocaban en Hamburgo provenían de Liverpool [...] Fue uno de esos accidentes casuales. Bruno se fue a Londres para buscar grupos musicales. Pero conoció a un empresario de Liverpool, en Soho, que estaba en Londres por pura casualidad. Y se las arregló para enviar algunas bandas para Hamburgo.​

Los Beatles llegaron a Hamburgo en agosto de 1960. Por entonces, Harrison era aún menor de edad con 17 años y había obtenido el permiso de residencia en Hamburgo mintiendo a las autoridades alemanas sobre su verdadera edad.​ Inicialmente ubicados en el Indra Club para que actuasen allí, Koschmider los trasladaría en octubre al Kaiserkeller después de que el Indra fuese cerrado debido a las quejas que recibía por el ruido del local.​ Para soportar las largas jornadas de actuación, que llegaban a superar las ocho horas, usaron estimulantes como el Preludin.​

Durante su estadía en Hamburgo, Sutcliffe inició un romance con Astrid Kirchherr, una joven fotógrafa y diseñadora alemana que les hizo sus primeras fotos profesionales y diseñó para Sutcliffe el corte de pelo que, luego de ser adoptado por el resto del grupo, definió la imagen beatle que se volvería mundialmente famosa dos años después.​​

En noviembre aceptaron la oferta de actuar en el Top Ten Club, rompiendo así el contrato que tenían con Koschmider. Despechado por la decisión de Los Beatles, Koschmider informó a las autoridades que Harrison era menor de edad, lo que condujo a que el músico fuera deportado en noviembre de ese año.​​ Una semana más tarde, McCartney y Best fueron deportados también por ocasionar un incendio cuando le prendieron fuego a un preservativo colgado de un clavo en su habitación.​ Lennon regresó a Liverpool a mediados de diciembre. Sutcliffe por su parte, permaneció en Hamburgo con su novia alemana, Astrid Kirchherr, durante otro mes. La banda parecía desarmada.

De vuelta en Liverpool

De vuelta en Liverpool, el 17 de diciembre de 1960, volvieron a tocar en el Casbah de Mona Best, ya como The Beatles y con su hijo como baterista de la banda. Con la experiencia adquirida en Hamburgo y con la creencia general de que eran alemanes, Los Beatles se constituyeron de inmediato en la banda favorita de los adolescentes locales, apareciendo las primeras escena de histeria colectiva que llevaría el nombre de beatlemanía. El 27 de diciembre explotaron en el Consejo Municipal de Litherland, un suburbio de Liverpool:

Fue esa tarde que realmente salimos de nuestro caparazón y empezamos a avanzar. Estábamos parados ahí ovacionados por primera vez. Ahí fue donde empezamos a pensar que éramos buenos. En Hamburgo pensamos que estábamos OK, pero no suficientemente buenos. Fue recién cuando volvimos a Liverpool que tomamos conciencia de la diferencia, y vimos lo que nos había pasado mientras los demás tocaban la mierda de Cliff Richard.

Sin Sutcliffe -que pocos meses después formalizaría su alejamiento del grupo- y como cuarteto, Paul McCartney comenzó en ese momento a asumir la ejecución del bajo.​ El 9 de febrero de 1961 Los Beatles tocaron por primera vez en The Cavern, night club ubicado en la calle Mathew, en pleno centro de Liverpool, que se volvería su hogar simbólico. Existe una única filmación de Los Beatles en The Cavern, realizada el 22 de agosto de 1962, interpretando un cover de "Some Other Guy", con Ringo Starr en la batería. Ringo sustituía a Pete Best cuando no estaba disponible para tocar.​

Segunda etapa en Hamburgo

En abril de 1961, Los Beatles iniciaron una segunda serie de actuaciones en Hamburgo durante tres meses, tocando en el Top Ten Club. Contratados por Bert Kaempfert y bajo el nombre de "The Beat Brothers", grabaron varias canciones como banda de apoyo del cantante Tony Sheridan, entre ellas " My Bonnie", que fue editada como sencillo y alcanzó el número 32 en la lista Musikmarkt.​​​​​ A comienzos de 1962 las canciones grabadas con Sheridan fueron lanzadas en el álbum My Bonnie, que incluye dos temas interpretados exclusivamente por Los Beatles: " Ain't She Sweet ", cantada por John y el instrumental "Beatle Bop" (luego retitulado como "Cry For a Shadow").

Brian Epstein

En noviembre de 1961, Brian Epstein, dueño de una tienda de discos local y columnista de música, se entusiasmó con la banda después de oírlos en el Cavern Club, donde tocaban al mediodía.​ De inmediato, Epstein se propuso ser su representante, hecho que se formalizaría a mediados de enero de 1962.​ Simultáneamente, Kaempfert acordó liberarlos del contrato discográfico alemán. Antes de ello, Epstein logró que la compañía discográfica Decca Studios les realizara una prueba conocida como la audición de Decca, que se concretó el 1 de enero de 1962, en la que grabaron 15 temas, entre ellos tres de autoría de Lennon y McCartney ("Like Dreamers Do", "Hello Little Girl" y "Love of the Loved"). Decca sin embargo decidió no editar la grabación con el comentario "los grupos de guitarra están en pleno declive, señor Epstein", que era la opinión general de la industria discográfica en ese momento.​ Esta decisión es considerada uno de los mayores errores en la historia de la música popular.​ Para entonces, en Liverpool se volvía cada vez más popular el movimiento conocido como Merseybeat, es decir la música beat de Mersey, refiriéndose a la región norteña en la que se encuentra la ciudad.

George Martin

El 10 de abril de 1962 partieron para una nueva temporada en Hamburgo, para tocar 42 días en el Star-Club. Ese mismo día recibieron la trágica noticia de que Sutcliffe había muerto a causa de una hemorragia cerebral.​​​

Mientras actuaban en Hamburgo, y tras ser rechazados por los principales sellos discográficos británicos, Brian Epstein logró que el productor George Martin del sello Parlophone, una pequeña subsidiaria de EMI Records, aceptara realizar una prueba a la banda.​​​

La banda tuvo su primera sesión de grabación en Londres, bajo la dirección de Martin, en los EMI Studios el 6 de junio de 1962, registrándose cuatro temas: " Bésame Mucho", " Love Me Do", " P.S. I Love You" y " Ask Me Why", estos últimos tres de Lennon-McCartney. Las cintas originales de aquella grabación fueron destruidas por rutina, pero al menos fueron preservadas dos grabaciones monoaurales. De allí fueron tomados los dos primeros temas, que fueron incluidos en Anthology 1. A Martin no le convenció la habilidad con la que tocaba la batería Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que lo cambiasen por un batería de sesión en el estudio.​

Finalmente, Best fue remplazado por Ringo Starr. Starr, que dejó a Rory Storm and the Hurricanes para unirse a The Beatles, ya había actuado con ellos en algunas ocasiones, sobre todo cuando Best estaba enfermo.​ Sin embargo, Martin ya había contratado al batería de sesión Andy White para la siguiente sesión de grabación,​ y White tocó la batería en " Love Me Do" y " P.S. I Love You". Lanzado en octubre, "Love Me Do" alcanzó el número diecisiete en la lista británica Record Retailer.​ Posteriormente, en el mes de noviembre comenzaron a grabar lo que sería su segundo sencillo, " Please Please Me". Hicieron su debut en la televisión al emitirse una actuación suya en directo en el programa regional People and Places, de la Granada Television.​

Concluyeron su quinta y última temporada de Hamburgo el 31 de diciembre de 1962.​ Varias interpretaciones en vivo de la misma fueron grabadas en un aparato casero y lanzadas como álbum en 1977 bajo el título de Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962. En las versiones británica y estadounidense del álbum se incluyeron 30 canciones, pero solo dos temas de Lennon-McCartney: " I Saw Her Standing There" y " Ask Me Why". Entre los covers se incluyen varias canciones incluidas en los álbumes de Los Beatles, como " Roll Over Beethoven", " Twist and Shout", " Mr. Moonlight" y " A Taste of Honey". El álbum incluye también la versión del bolero " Bésame Mucho " que Los Beatles hacían en sus años iniciales.

En ese momento acordaron que los cuatro contribuirían como vocalistas dentro del grupo, aunque el rango restringido de Starr hizo que rara vez fuese el líder vocal.​ Lennon y McCartney establecieron una asociación para componer canciones; al comprobar que aumentaba el éxito del grupo, la celebrada colaboración entre ellos limitó las oportunidades de Harrison de ser vocalista principal.​ A comienzos de 1963 se fundó la empresa Northern Songs para comercializar las canciones de Los Beatles; la operación ha sido cuestionada como abusiva, otorgando una baja participación de la pareja Lennon-McCartney y una participación marginal de Harrison y Starr. Harrison compuso una canción crítica de aquella operación titulada " Only a Northern Song", incluida en el álbum " Yellow Submarine ".

Epstein, sintiendo el potencial comercial que tenían, los alentó a que adoptasen una actitud más profesional. Lennon rememoró lo que el representante les dijo: "Miren, si ustedes realmente desean conseguir uno de esos lugares grandes, van a tener que cambiar, dejar de comer en el escenario, dejar de maldecir, dejar de fumar".​ Lennon dijo: "Solíamos vestir como nos gustaba, dentro y fuera del escenario. Epstein nos decía que los pantalones vaqueros no eran especialmente elegantes y que deberíamos considerar la posibilidad de usar pantalones más adecuados. Nos dejó tener nuestro propio sentido de individualidad [...] tuvimos que elegir entre obedecerle o seguir comiendo pollo en el escenario".​

Beatlemanía y años de gira (1963-1966)

Popularidad en el Reino Unido, Please Please Me y With the Beatles

Después del moderado éxito de "Love Me Do", " Please Please Me" recibió una acogida más enfática, alcanzando el número dos en el Record Retailer en enero de 1963 después de su lanzamiento. Martin originalmente tenía previsto grabar el disco debut de The Beatles en vivo en el Cavern Club. Finalmente esta idea fue cambiada,​ y se eligió crear un álbum "en vivo" de una sola sesión en los EMI Studios. Diez canciones fueron grabadas para Please Please Me, acompañadas en el álbum por los cuatro temas que ya habían sido publicados en los dos sencillos.​ Recordando la "urgencia que tenían por publicar su álbum de debut, y dándose la paliza para grabar Please Please Me en un solo día", un crítico de comentaba: "Décadas después de su lanzamiento, el álbum todavía suena fresco, precisamente a causa de su origen tan intenso".​ Lennon dijo que apenas se estrujaron la cabeza a la hora de componer las canciones en aquel tiempo; él y McCartney estaban "simplemente escribiendo canciones a lo Everly Brothers, al estilo de Buddy Holly, canciones pop sin tener más complicaciones que eso: crear un sonido. Y las palabras eran casi irrelevantes".​

Lanzado en marzo de 1963, el álbum alcanzó el número uno en las listas británicas. El tercer sencillo que publicaron, " From Me to You", fue lanzado en abril y también alcanzó la cima de las listas de éxitos. A partir de ese momento se inició una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos editados por The Beatles, que alcanzaron el número uno en las listas británicas, incluyendo todos los que se publicaron en los siguientes seis años, a excepción de uno. Lanzado en agosto, el cuarto sencillo, " She Loves You", alcanzó el récord de mayor número de copias vendidas en el Reino Unido hasta ese momento, vendiendo cerca de 750 mil copias en menos de cuatro semanas.​ Se convirtió en su primer sencillo en vender un millón de copias, y siguió teniendo el récord en el Reino Unido hasta 1978, cuando fue superada por " Mull of Kintyre", interpretada por McCartney y su grupo posterior a la separación de The Beatles, Wings.​ La popularidad de su música les proporcionó una creciente atención de la prensa, a la que ellos respondieron con una descarada e irreverente actitud, que acabó por apartarse de los rasgos característicos de las figuras más importantes de la música pop y que, incluso, inspiró mayores intereses.​​

El icónico logotipo de The Beatles con la letra "T" alargada hacia abajo hizo su debut en 1963, cuando fue utilizado por primera vez al frente de la batería de Starr, que Epstein y Starr compraron en una tienda de Londres.​​ Durante la primera mitad del año llevaron a cabo tres giras en el Reino Unido: una de cuatro semanas que comenzó en febrero y otras dos de tres semanas durante marzo y mayo a junio. A medida que su popularidad se extendió, apareció una adulación desenfrenada hacia ellos, también llamada " Beatlemanía". Aunque no se anunciaron como los cabecillas de gira, los otros artistas que participaron fueron Tommy Roe, Chris Montez y Roy Orbison, artistas estadounidenses que habían establecido una gran popularidad en el Reino Unido.​ Las actuaciones en todas partes, tanto en la gira como en los espectáculos fuera del Reino Unido, fueron recibidas con un entusiasmo desenfrenado por los fanáticos que no paraban de gritar.​ La policía se vio obligada a usar agua a alta presión con mangueras para poder controlar a las multitudes, y hubo debates en el Parlamento sobre los miles de policías que ponían en riesgo sus vidas para protegerlos.​ A finales de octubre, una gira de cinco días por Suecia se convirtió en la primera visita que hicieron al extranjero desde sus días en Hamburgo.​ De regreso al Reino Unido fueron recibidos en el aeropuerto de Heathrow bajo una intensa lluvia por miles de fanáticos. Además, asistieron cincuenta periodistas y fotógrafos y un equipo de cámaras de la televisión de la BBC.​ Al día siguiente, The Beatles comenzaron otra gira por el Reino Unido, prevista para seis semanas. Pero en esta ocasión, fueron, indiscutiblemente, el grupo principal.​

Please Please Me estaba todavía en lo más alto de las listas. Se mantuvo en esa posición durante treinta semanas, solo para ser desplazado por With The Beatles, que se colocó en el primer lugar durante veintiún semanas. Haciendo mayor uso de las técnicas de producción que usaron en el LP predecesor, el álbum fue grabado entre julio y octubre. With The Beatles es descrito por Allmusic como "una secuela al más alto nivel que mejora al original mediante el desarrollo de un tono propio y la adición de profundidad".​ En un cambio de lo que hasta entonces había sido la práctica habitual, el álbum fue lanzado a fines de noviembre antes del inminente sencillo " I Want to Hold Your Hand", excluyendo a esta canción con el fin de maximizar las ventas del sencillo homónimo.​ With The Beatles llamó la atención del crítico musical de William Mann, que fue tan lejos como para sugerir que Lennon y McCartney eran "los compositores ingleses más destacados de 1963".​ El periódico publicó una serie de artículos en los que Mann ofreció un análisis detallado de la música de The Beatles, lo cual les otorgó una mayor respetabilidad.​ With The Beatles se convirtió en el segundo álbum en la historia del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra que solo fue alcanzada previamente por la banda sonora de la película estadounidense South Pacific, de 1958.​

Conquista de los Estados Unidos

Los lanzamientos de The Beatles en los Estados Unidos inicialmente se retrasaron por casi un año, cuando Capitol Records, filial americana de EMI, se negó a lanzar los sencillos "Please Please Me" y "From Me to You".​ Las negociaciones con sellos independientes de Estados Unidos llevaron a la publicación de algunos sencillos, pero los problemas de regalías y las burlas hacia el peinado "moptop" de los integrantes plantearon nuevos obstáculos.​​ Una vez que Capitol comenzó a editar el material en Estados Unidos, en lugar de lanzar los LP en su configuración original, compilaron sus distintas grabaciones en diferentes álbumes, y publicaron canciones en sencillos de su preferencia.​ El éxito definitivo en América llegó cuando se emitió un reportaje sobre la Beatlemanía británica, provocando gran aclamación entre el público estadounidense, lo que llevó a Capitol a lanzar "I Want to Hold Your Hand" en diciembre de 1963.​ El primer viaje que realizaron a Estados Unidos estaba preparado para unas semanas después.

Cuando abandonaron el Reino Unido el 7 de febrero de 1964, unos cuatro mil aficionados reunidos en Heathrow comenzaron a saludar y gritar cuando la aeronave despegó.​ "I Want to Hold Your Hand" había vendido 2,6 millones de copias en los Estados Unidos durante las dos semanas anteriores, pero aún sentían cierta incertidumbre sobre el recibimiento que tendrían a su llegada.​ Al llegar al recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy fueron recibidos por otra multitud vociferante, estimada en alrededor de tres mil personas.​ Su primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores -casi la mitad de la población del país por entonces-.​​ A la mañana siguiente un periódico escribió que The Beatles "no podían llevar la misma musiquilla cruzando el Atlántico",​ pero un día después de su presentación debut en Estados Unidos, por primera vez la Beatlemanía se hizo ver en el Washington Coliseum.​ De vuelta a Nueva York el día siguiente, se presentaron con otra gran acogida en el Carnegie Hall. Después de una semana aparecieron en el Ed Sullivan Show por segunda vez, antes de regresar al Reino Unido el 22 de febrero.​ Durante la semana del 4 de abril habían logrado situar doce de sus canciones en el Billboard Hot 100, incluyendo los cinco primeros lugares.​ Esa misma semana, un tercer LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación. Los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de álbumes. El éxito que habían obtenido en los Estados Unidos provocó la denominada invasión británica: la llegada de una serie de nuevas formaciones musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de The Beatles.​​ El peinado del cuarteto, inusualmente largo para ese tiempo, continuó siendo objeto de escarnio de muchos adultos, pero ampliamente adoptado como emblema cultural de la juventud floreciente.​

En junio de 1964 realizaron una gira internacional durante la cual la banda actuó en treinta y dos conciertos en solo diecinueve días. Los lugares de actuación fueron en Dinamarca, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda, y en todos ellos fueron recibidos con gran entusiasmo.​​ Starr se encontró hospitalizado después de una amigdalectomía durante la primera mitad de la gira, y Jimmy Nicol fue el encargado de tocar la batería durante su ausencia. En agosto volvieron a visitar Estados Unidos, con una gira de treinta conciertos en veintitrés ciudades.​ Generando una aclamación inmensa una vez más, la gira atrajo entre diez y veinte mil aficionados en todos los conciertos. Sin embargo, su música apenas era audible.​ El sistema de amplificación en ese momento era modesto en comparación a los equipos modernos posteriores, y los pequeños amplificadores Vox que usaban tenían dificultades para competir con el alto volumen del sonido generado por los gritos de los fanáticos. Obligados a aceptar que ni ellos ni su público pudieran escuchar los detalles de sus actuaciones, la banda comenzó a aburrirse cada vez más de la rutina de los conciertos y las giras.​

Al final de la gira de agosto, estando en Nueva York, les presentaron a Bob Dylan por iniciativa del periodista Al Aronowitz. Cuando lo visitaron en su suite del hotel, Dylan los inició en el consumo de cannabis.​ El historiador musical Jonathan Gould señaló la importancia musical y cultural de esta reunión, ya que los respectivos fanáticos de los músicos eran "percibidos como habitantes de dos mundos culturalmente separados": el público general de Dylan eran "chicos de la universidad con inclinaciones artísticas o intelectuales, un idealismo político y social naciente, y un estilo ligeramente bohemio" en contraste con la audiencia de The Beatles que eran unos "verdaderos 'adolescentes'-chicos de secundaria o primaria, cuyas vidas estaban totalmente envueltas en la comercializada cultura popular de la televisión, radio, discos de música pop, revistas, y la moda adolescente. Fueron vistos como idólatras, no como idealistas". Seis meses después de la reunión, "Lennon habría de hacer grabaciones en donde imitaría abiertamente el tono nasal de Dylan -de estilo frágil- y su personalidad vocal introspectiva". Al cabo de un año, Dylan "procedería -con la ayuda de un grupo de cinco personas y una guitarra eléctrica Fender Stratocaster- a sacudirse su fama de autor folk auténtico que permanentemente llevaba a sus espaldas"; "se habrán evaporado casi las diferencias entre el público del folk y el rock "; y la audiencia de The Beatles "mostraría signos de crecimiento intelectual".​

A Hard Day's Night, Beatles for Sale, conciertos en España

La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante 1963 no pasó desapercibida para la competencia, de manera que United Artists Records alentó a su división de cine United Artists a ofrecerles un contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo discográfico con ellos.​ Dirigida por Richard Lester, A Hard Day's Night los involucró durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de 1964 para el rodaje de la película.​ El estreno de la película tuvo lugar en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional.​ Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las películas más célebres de la historia en su género.​ Según Allmusic, la banda sonora de la película, A Hard Day's Night, hizo que se les viese como "una verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante, alegre y original, llena de sonidos de guitarras".​ Este "sonido de guitarra" fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de 12 cuerdas Rickenbacker.​

Su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale, vio el comienzo de un serio conflicto entre el comercialismo y la creatividad.​ Grabado entre agosto y octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato establecido en A Hard Day's Night, que a diferencia de los primeros dos LP, este incluía únicamente composiciones originales de ellos.​ Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de estudio.​ Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material producido por la asociación Lennon-McCartney.​

En abril de 1965, estando Lennon y Harrison cenando por invitación en casa de su dentista, consumieron LSD que este último había añadido en sus cafés.​ Posteriormente, ambos músicos experimentaron deliberadamente con esta droga, uniéndose a ellos Starr en una ocasión.​ McCartney se mostró al principio renuente a probarla, pero finalmente lo hizo en 1966, y más tarde se convirtió en el primero en hablar públicamente sobre ello.​ La controversia surgió en junio de 1965, cuando la Reina Isabel II los designó como miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Los propuso el primer ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool.​ El nombramiento -en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles- provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia.​

El julio de 1965 The Beatles dieron sus dos únicos conciertos en España, en Madrid y Barcelona, como parte de una gira de diez conciertos por toda Europa. No era la primera vez que visitaban España: John y Brian Epstein habían estado de vacaciones en 1963 en Torremolinos., mientras que Paul, George y Ringo optaron por Tenerife. Son famosas las escenas emitidas en el No-Do en el Hotel Gran Meliá Fénix, donde las Bodegas Domecq organizaron una cata de vino de Jerez y los chicos pudieron firmar unos barriles. El concierto de Madrid se realizó en Las Ventas, el 2 de junio de 1965 a las 20:30. La presentación corrió a cargo del ya famoso Torrebruno. Los teloneros fueron un elenco de grupos y cantantes nacionales que llenaron la primera parte del concierto: Los Pekenikes, Beatchics, Freddie Davis, Juan Cano, Michel, The Modern 4, The Rustik y Trinidad Steel Band (con Phil Trim, que se renombraron luego a los exitosos The Pop Tops). Al día siguiente tocaron en La Monumental de Barcelona.​

La segunda película de The Beatles, , de nuevo dirigida por Lester, fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como "una parodia de las películas de James Bond",​ el filme fue recibido tibiamente por la crítica y por ellos mismos. McCartney comentó: " Help! era estupenda, pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película, estuvo un poco errada".​ Su banda sonora, el quinto álbum de estudio de la agrupación, contenía material original con solo dos canciones versionadas. Lennon era el cantante y compositor dominante en ella, incluyendo los dos sencillos extraídos del álbum: " Help!" y " Ticket to Ride".​ En Help! se les vio con una mayor utilización de doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada " Yesterday".​ Compuesta por McCartney, "Yesterday" posee el récord de ser la canción más versionada de la historia de la música.​ La pista de cierre del LP, " Dizzy Miss Lizzy", se convirtió en el último tema que versionaron e incluyeron en un álbum. Con la excepción del álbum , que contenía la canción popular tradicional de Liverpool " Maggie Mae ", todos sus discos posteriores incluyeron solo material original.​

El 15 de agosto, en su tercera visita a Estados Unidos, llevaron a cabo el concierto en el Shea Stadium de Nueva York, ante una multitud de 55 600 personas.​ Otros nueve conciertos le siguieron en otras ciudades de Estados Unidos, también con gran éxito. Hacia el final de la gira, el 27 de agosto de 1965, visitaron a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air.​ En la sala de Elvis tocaron y discutieron sobre el negocio de la música e intercambiaron anécdotas personales.​ En septiembre de 1965 se estrenó una serie estadounidense de dibujos animados de The Beatles, transmitida los sábados por la mañana en la televisión que los tenía como protagonistas. La serie se hacía eco del humor de la película A Hard Day's Night. Los episodios originales, aunque producidos hasta 1967, siguieron apareciendo durante dos años más, hasta 1969.​

Rubber Soul, lanzado a principios de diciembre, fue aclamado por la crítica como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música.​ El biógrafo y crítico musical Ian MacDonald comentó que con Rubber Soul, The Beatles "recuperaron la dirección que habían comenzado a perder durante las últimas etapas con su trabajo en Beatles for Sale".​ Después de que en Help! incursionasen en el mundo de la música clásica con cuerdas y flautas, la introducción en Rubber Soul de un sitar en " Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" marcó un avance más allá de los límites tradicionales de la música rock. Además, también demostró que Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo de preocupaciones en sus canciones.​ Como sus letras se hicieron más ingeniosas, los fanáticos comenzaron a estudiarlas para encontrar su verdadero significado. Se especuló que "Norwegian Wood" podría referirse al cannabis.​ En 2003, la revista Rolling Stone clasificó a Rubber Soul en el puesto número 5 de " los 500 mejores álbumes de todos los tiempos",​ y el álbum es descrito por Allmusic como "uno de los discos clásicos en el género musical de ".​ De acuerdo con Lennon y McCartney, sin embargo, este fue "sólo un álbum más".​ El ingeniero Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos que tenían durante las sesiones de Rubber Soul; Smith dijo más tarde que "el enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente" y "en lo que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien".​

Controversia, años finales y separación (1966-1970)

Incidentes que condujeron a la última gira

En junio de 1966 salió a la venta Yesterday and Today, un álbum creado por Capitol Records para el mercado estadounidense. El disco causó gran impacto por su portada, al retratarlos vestidos de carniceros rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una popular historia, aunque apócrifa, fue que la foto de la portada habría que entenderla como una respuesta satírica al modo que empleó Capitol en masacrar los álbumes originales del grupo.​ Ante la controversia y escándalo que la portada de este álbum despertó, decidieron cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original sin censura fue subastada en 10 500 dólares en diciembre de 2005.​ Durante una gira por Filipinas, un mes después de que saliera a la venta Yesterday and Today, fueron invitados a un desayuno en el Palacio Presidencial por parte de la primera dama del país, Imelda Marcos.​ Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar este tipo de invitaciones oficiales.​ The Beatles se dieron cuenta pronto de que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un "no" por respuesta. Como resultado de esto, tuvieron que escapar del país a causa de los disturbios que se habían ocasionado.​

Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de algunos de los religiosos y conservadores de aquel país, debido a un comentario que Lennon había hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave,​ opinó que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo.​​ El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero cuando la revista la publicó en Estados Unidos, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del sur de Estados Unidos.​ Al mismo tiempo, ocasionó también que en Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The Beatles, acta que se extendió hasta 1971.​ Epstein criticó públicamente a Datebook, diciendo que habían interpretado las palabras de Lennon fuera de contexto.​ Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966.​

Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Rubber Soul había marcado un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; , lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su última gira, marcaría otro paso más para el grupo.​ Pitchfork lo identifica como "el sonido de una banda que estaba creciendo con suprema confianza en sí misma" y "la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular".​ En Revolver se destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico.​ Abandonando la típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum -diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en Hamburgo- consistió ahora en un "collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley".​ El álbum fue precedido por el sencillo " Paperback Writer", con " Rain" en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados como "auténticos primeros videos musicales de entre los que se rodaron en aquella época",​ y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y The Ed Sullivan Show.​​

Uno de los temas más experimentales de Revolver fue " Tomorrow Never Knows", cuya letra fue inspirada por el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta.​ " Eleanor Rigby", de McCartney, contiene un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como "un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción".​ Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como "el tercer mejor álbum de todos los tiempos".​ En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum.​ The Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco.​ Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1400 apariciones en conciertos a nivel internacional.​

En menos de siete meses, después de grabar Revolver, volvieron a los estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Emerick recordó: "The Beatles insistieron en que todo en el Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al revés".​ Algunas partes de " A Day in the Life" requirieron una orquesta de cuarenta personas.​ Cerca de 700 horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo independiente de doble lado A " Strawberry Fields Forever"/" Penny Lane" en febrero de 1967; el Sgt. Pepper le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando solo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles.​ Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum , el oír "Strawberry Fields" fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles.​​ El Sgt. Peppers recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el mejor álbum de todos los tiempos,​ y es ampliamente considerado como una obra maestra.​ Jonathan Gould lo describe como

... una obra rica, continua y desbordante de genialidad colaborativa, cuya audaz ambición y sorprendente originalidad hacen que se amplíe notablemente sus posibilidades, aumentando así las expectativas de lo que puede ser la experiencia de escuchar la música popular en una grabación. Sobre la base de esta percepción, el Sgt. Pepper devino en el catalizador de una explosión de gran entusiasmo por parte de las masas para con el formato de álbum de rock, que iba a revolucionar tanto la estética como la economía de la industria discográfica que sobrepasaría las anteriores explosiones pop provocadas por el fenómeno de Elvis en 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía en 1963.​

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es probablemente el álbum más famoso por su portada en la historia de la música popular.​ Fue uno de los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su funda.​ Esas letras fueron objeto de intenso análisis; los fanáticos especularon, por ejemplo, que el "célebre Señor K." en " Being for the Benefit of Mr. Kite!" de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista Franz Kafka.​ El crítico literario estadounidense y profesor de inglés Richard Poirier escribió un ensayo, Aprender de The Beatles, en el que señalaba que sus estudiantes estaban "escuchando la música del cuarteto con tal grado de compromiso, que él, como maestro de literatura, sólo podía envidiarles".​ Poirier ha identificado lo que él llamó las "alusiones mixtas" del material musical: "Siempre es poco prudente asumir que solo están haciendo una sola cosa o que se están expresando en un único estilo [...] un solo tipo de sentimiento acerca de un tema no es suficiente [...] tiene que existir a menudo cualquier sentimiento inducido dentro del contexto de las alternativas aparentemente contradictorias".​ McCartney dijo en ese momento: "Nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar [...] Tú pones tu propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones".​ La muy elaborada portada del Sgt. Pepper's ocasionó gran interés y un estudio profundo sobre ella.​ Los bigotes que en esta época llevaban los miembros del grupo se convirtieron rápidamente en un sello distintivo del estilo hippie.​ El historiador cultural Jonathan Harris describió "el coloreado intenso y paródico de los uniformes militares" usados por The Beatles en el disco como una visualización cómplice en contra de la autoridad y el sistema.​

El 25 de junio interpretaron su nuevo sencillo, " All You Need is Love", para los televidentes de todo el mundo a través de , el primer programa transmitido vía satélite para todo el mundo.​ Su aparición en medio del Verano del Amor hizo que lo adoptasen como himno del flower power.​​ Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, viajaron a Bangor ( Gales) para retirarse a la meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para informarles de que Epstein había muerto.​ El médico forense dictaminó que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental de anfetaminas, pero también se rumoreó de que se había descubierto una nota de suicidio entre sus posesiones.​ Epstein se había encontrado en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con The Beatles.​ Le preocupaba que no fueran a renovar su contrato de gestión con él, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización de The Beatles en los Estados Unidos.​ La muerte de Epstein los dejó desorientados y temerosos por su futuro. Poco después, Lennon dijo: "No tuve ningún concepto erróneo acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que no fuera tocar música, y tenía miedo".​ Recapitulando, comprendió que la muerte de Epstein sería el comienzo del fin del grupo: "Sabía que estábamos en apuros [...] Entonces pensé, estamos jodidos a partir de este momento".​

Magical Mystery Tour, The White Album y Yellow Submarine

Magical Mystery Tour, la banda sonora de una próxima película de The Beatles, apareció como un doble EP de seis temas a principios de diciembre de 1967.​ En los Estados Unidos las seis canciones aparecieron en un LP titulado de la misma manera, en el que se incluyeron también los temas de sus últimos sencillos. Allmusic opina sobre el Magical Mystery Tour americano: "El sonido psicodélico de este disco está muy a la par del Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de sonido de ' I Am the Walrus')", y califica a sus cinco canciones extraídas de los sencillos que publicaron en 1967 como "enormes, gloriosas e innovadoras".​ El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras tres semanas de venta inicial en los Estados Unidos, el más alto de cualquier otro LP de Capitol, y es una compilación de Capitol que después fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The Beatles.​ Transmitida el Día de San Esteban, la película Magical Mystery Tour, dirigida básicamente por McCartney, les trajo la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despectivos hacia su filme. Fue llamada "una indudable basura" por el Daily Express, que la describió como "una sucesión de imágenes sin editar mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando de un autobús y viajando todo el tiempo en él".​ Sin embargo, el la calificó como "un proyecto vanidoso", mientras que The Guardian la calificó como "una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la estupidez de la audiencia".​ Le fue tan rotundamente mal que fue cancelada en ese momento en Estados Unidos.​ En enero, filmaron un corto para la película animada Yellow Submarine, una versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación que llevaron a cabo en la película fue con la contribución de varias grabaciones de estudio inéditas. Estrenado en junio de 1968, el filme fue bien recibido por su innovador estilo visual y humorístico, además de su música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses hasta que se publicó la banda sonora de la película.

Entretanto, apareció lo que sería el álbum The Beatles, un doble LP popularmente conocido como el White Album - Álbum Blanco- debido a su funda totalmente blanca. En contraposición a las anteriores fundas o cubiertas, el Álbum Blanco -publicado con el plus del diseño minimalista de Richard Hamilton- contrastaba con anteriores diseños de las cubiertas de estilo pop-art como los que realizaba Peter Blake.​ La inspiración creativa para este álbum llegó desde una nueva dirección, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein, la banda se volvió hacia el Maharishi Mahesh Yogi para hacerlo su gurú.​ En su en Rishikesh, India, la impartición de un "curso-guía" de tres meses se convirtió en uno de sus períodos más creativos, produciendo allí un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta grabadas para el álbum.​ Starr se marchó después de diez días de estancia allí, comparando aquel lugar con un campamento familiar de verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento de sus compañeros en aquel lugar y se fue un mes después.​ Para Lennon y Harrison la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis Mardas, técnico de electrónica conocido como Magic Alex, sugirió que el Maharishi estaba tratando de manipularles.​ Después de que Mardas alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a Harrison y al resto de la comitiva consigo.​ En su ira, Lennon escribió una canción llamada "Maharishi", pero luego la modificó para evitar una demanda legal, convirtiéndola en la canción " Sexy Sadie ".​ McCartney dijo: "Hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el Maharishi de lo que realmente había".​

Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en varios temas.​ El romance de Lennon con la artista vanguardista Yoko Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney.​ Desobedeciendo el acuerdo que ellos mismos establecieron de no llevar parejas al estudio, Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación que no le agradaba a Harrison.​ También era cada vez más despectivo con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como "autor de música para abuelitas", calificando la canción " Ob-La-Di, Ob-La-Da" como "música-basura para abuelitas".​ Recordando las sesiones del White Album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la historia que había vivido con sus compañeros a partir de ese momento, diciendo: "Es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo mío y todo de Paul [...] solamente yo con músicos de acompañamiento por un lado y Paul igualmente por otro; y me lo pasé bien. Entonces fue cuando nos disolvimos".​ McCartney también recordó que las sesiones marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: "Hasta ese momento, el mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos", lo cual siempre había sido "la mejor cosa de The Beatles".​ Publicado en noviembre, el White Album fue el primer álbum de The Beatles editado por Apple Records. El sello discográfico era una de las divisiones de la empresa Apple Corps, formada por el grupo a su regreso de la India, cumpliendo así un plan previo de Epstein de crear una estructura empresarial efectiva para administrar mejor los impuestos a pagar.​ El álbum tuvo más de dos millones de pedidos anticipados, vendiendo casi cuatro millones de copias en los Estados Unidos en poco más de un mes, y sus temas dominaron las listas de las emisoras de radio estadounidenses.​ A pesar de su popularidad, no recibió comentarios halagadores en su época. Según Jonathan Gould,

La respuesta de la crítica [...] osciló entre la confusión y el desencanto. En intenso contraste con Sgt. Pepper, que había contribuido a establecer todo un género de crítica erudita del rock, el White Album no inspiró literatura crítica digna de mención. Incluso los recensores más simpatizantes [...] claramente no sabían qué hacer con esta efusión amorfa de canciones. Hubert Saal, del Newsweek, citó la alta proporción de parodias, y los acusó de exceso de ironía soterrada.​

La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White Album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el décimo mejor álbum de todos los tiempos.​ Pitchfork describe el álbum como "grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...] sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes".​ Allmusic señala: "Claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo"; a pesar de todo "Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes", es visible que Harrison se ha convertido en "un compositor que merecía una demostración más amplia" y la composición de Starr "es un placer".​

Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon " Revolution" se había publicado como sencillo en agosto, como anticipo del White Album, su mensaje parecía claro: "libera tu mente" y "no cuentes conmigo" para cualquier conversación sobre la destrucción como medio para alcanzar un fin.​ En un año caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz.​ Sin embargo, la versión de la canción en el White Album, "Revolution 1", añadía una palabra extra: "count me out... in " (traducible por: "no cuentes conmigo..., cuenta conmigo"), lo que implicaba un cambio de ideas desde la publicación del sencillo. De hecho, la cronología se había invertido: la ambigua versión del álbum se había grabado antes, pero algunos creyeron que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar de todo, justificable.​

El LP Yellow Submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía solo cuatro de sus canciones inéditas, junto a la pista del título, ya aparecida en Revolver; una canción editada en sencillo en 1967; y siete piezas instrumentales compuestas por George Martin e interpretadas con su orquestada. Debido a la escasez de música nueva que la agrupación proporcionaba, Allmusic sugirió que quizás el álbum "no fuese esencial", salvo por el tema " It's All Too Much" de Harrison, "la joya de las nuevas canciones [...] resplandecida por un mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra fastuoso [...] una excursión virtuosa en la por otra parte confusa psicodelia reinante".​

El proyecto de Let It Be, Abbey Road y la separación

Aunque fue el último álbum que lanzaron, la mayor parte de su contenido fue grabado antes de . Inicialmente llamado Get Back, Let It Be se originó de una idea que Martin atribuye a McCartney: preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto, grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación.​ En este caso, mucho del contenido del disco vino del trabajo en estudio, muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director Michael Lindsay-Hogg. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, "no fue en absoluto una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo".​ Agravado por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó los ensayos durante una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue acreditado en el sencillo " Get Back", el único músico en recibir tal reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Pensando en la localización para realizar el concierto, a los miembros de la banda se les agotaron todas las ideas, rechazando, entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y el Coliseo de Roma. Finalmente, acompañados por Preston, llevaron a cabo y filmaron la actuación en la azotea del edificio de Apple Corps en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.​

El ingeniero Glyn Johns trabajó durante meses reuniendo varias iteraciones posibles para poder publicar un álbum definitivo de Get Back, mientras que ellos trataban otros asuntos. El problema llegó con la necesidad de nombrar un asesor financiero, necesidad que se había hecho evidente al no estar ya Epstein para gestionarles sus asuntos de negocio. Lennon estaba a favor de Allen Klein, que había negociado los contratos de The Rolling Stones y otras bandas del Reino Unido durante la invasión musical británica en los Estados Unidos. La elección de McCartney fue John Eastman, hermano de Linda Eastman, con quien McCartney se casaría el 12 de marzo de 1969 (ocho días antes de que lo hicieran Lennon y Ono).​ No se pudo llegar a ningún acuerdo, así que ambos candidatos fueron nombrados para el mismo puesto. A causa del conflicto, se perdieron varias oportunidades de operaciones financieras.​

Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get Back habían sido -según el productor- "una experiencia desagradable" y que había "pensado que era el final del camino para todos nosotros [...] se habían convertido en personas desagradables - para ellos mismos como para las demás personas."​ Las sesiones de grabación de Abbey Road se iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto por Martin de "una obra musical continua", y quería que sus propias canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum.​ El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por McCartney.​ El 4 de julio, mientras iba progresando el trabajo en el álbum, apareció el primer sencillo de un miembro de The Beatles en solitario: " Give Peace a Chance" de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band. La complementación de " I Want You (She's So Heavy)", de Abbey Road, el 20 de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969, pero se llegó a un acuerdo por el cual no se haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos legales aún pendientes.

Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road vendió cuatro millones de copias en dos meses y encabezó las listas del Reino Unido durante once semanas.​ Su segunda pista, la balada " Something", se publicó también como sencillo, la primera y única composición de Harrison en aparecer como un lado A en los sencillos de The Beatles.​ Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el medley se llevó el aplauso general.​ Allmusic considera que es "un oportuno canto de cisne para el grupo" con "algunas de las mejores armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock".​ MacDonald lo resaltó como "errático y, a menudo hueco": "Si no hubiera sido por la entrada de McCartney como diseñador del largo medley [...] Abbey Road carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca mejor de lo que es".​ Martin lo colocó como su favorito entre todos los álbumes de The Beatles; Lennon dijo que era "competente", pero "no tenía vida en él", llamando a " Maxwell's Silver Hammer" "más de la música de abuela de Paul".​​ El ingeniero de grabación Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de audio del estudio hizo que el transistorizado produjese un sonido con menos garra, dejando a los músicos frustrados por el tono más delgado y la falta de efecto.​

El 11 de septiembre de 2019, el periódico The Guardian reveló que la banda no planeaba que Abbey Road fuera su último disco. De hecho, la fuente informa que Lennon envió una grabación a Ringo Starr, que se encontraba hospitalizado, para informarle de que estaban planeando nuevo material. ​ Entre los planes del cuarteto estaba que cada uno de los músicos aportara un tema como mínimo, y hasta se pensaba lanzar un sencillo para Navidad.​ Las declaraciones fueron hechas por Mark Lewisohn.

El 3 de enero de 1970 se grabó la última nueva canción de The Beatles, " I Me Mine", de Harrison, para el aún incompleto álbum Get Back. No había participado Lennon, que se encontraba entonces en Dinamarca.​ Para completar el álbum, ahora retitulado Let It Be, Klein dio en marzo las cintas de grabación de Get Back al productor estadounidense Phil Spector. Conocido por su característico muro de sonido, Spector había producido recientemente el sencillo en solitario de Lennon " Instant Karma!". Además de remezclar el material de Get Back, Spector editó, empalmó y sobregrabó en varias de las pistas que The Beatles habían concebido como grabaciones "en vivo". McCartney estaba insatisfecho con el tratamiento que Spector le dio al material, y particularmente con la orquestación en " The Long and Winding Road ", que involucró a un conjunto de un coro y una orquesta de treinta y cuatro piezas instrumentales. Por ello, intentó sin éxito detener el lanzamiento del álbum en la versión de Phil Spector.​ Finalmente, McCartney anunció públicamente la separación del grupo el 10 de abril de 1970, una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, . Las primeras copias de su álbum debut en solitario incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de The Beatles y sus esperanzas cara al futuro.​

El 8 de mayo se lanzó el álbum Let It Be, con producción final de Spector. El sencillo extraído de él, "The Long and Winding Road", fue su última publicación en los Estados Unidos, ya que en Gran Bretaña no se había publicado como tal. La película documental le siguió más tarde en ese mes; en la ceremonia de los Premios Óscar del siguiente año ganaría el Óscar a la mejor banda sonora.​ The Sunday Telegraph la calificó como "una película muy mala, pero al mismo tiempo enternecedora [...] sobre la ruptura de esta tranquila, geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de compañeros".​ Más de una reseña crítica había comentado que algunas pistas de Let It Be sonaban mejor en la película que en el propio álbum.​ Observando que Let It Be es el único álbum de The Beatles que solía ocasionar reseñas negativas, incluso hostiles, Allmusic lo describió como "en conjunto, un álbum menos valorado [...] McCartney, en particular, ofrece algunas joyas: la canción al estilo "Let It Be", que contiene alguna de sus mejores letras; ' Get Back', uno de sus temas más roqueros; y la melódica ' The Long and Winding Road', arruinada por la sobreproducción de Spector".​ Paul McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.​ Las disputas legales continuaron mucho tiempo después de la ruptura, y la disolución de la asociación no surtiría efecto hasta 1975.​​

Después de la separación

Poco antes y después de su separación oficial, cada uno de ellos publicó álbumes en solitario, aunque algunos de sus discos contenían contribuciones de los otros miembros. ( 1973), de Ringo Starr, fue el único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos, aunque en canciones grabadas por separado. Harrison mostró su conciencia sociopolítica al arreglar el Concierto para Bangladesh en la ciudad de Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro del sitar Ravi Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país, devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la población al país vecino, la India), y un posterior desastre natural en forma de ciclón. Aparte de un inédito jam session de 1974 (aparecido después en el bootleg A Toot and a Snore in '74), Lennon y McCartney nunca más volvieron a grabar juntos.​

En 1973 se lanzaron dos dobles LP que contenían los grandes éxitos de The Beatles compilados por Allen Klein, The Beatles/1962-1966 y The Beatles/1967-1970.​ Comúnmente conocidos como el Álbum Rojo y Álbum Azul, respectivamente, cada uno obtendría con el paso del tiempo un disco multi-platino en los Estados Unidos y una certificación de platino en el Reino Unido.​​ Entre 1976 y 1982, se lanzaron, por parte de EMI/Capitol, una oleada de álbumes recopilatorios de The Beatles sin participación alguna de los miembros del grupo. El único álbum de todos ellos que incluyó material inédito fue The Beatles at the Hollywood Bowl (1977), que contenía una selección de dos conciertos de The Beatles durante sus giras de 1964 y 1965 en los Estados Unidos. Todos estos discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo oficial de EMI -incluyendo The Beatles at the Hollywood Bowl- al reeditarse la discografía original inglesa en CD para todo el mundo en 1987.​

La fama y música de The Beatles fueron explotadas comercialmente de diferentes maneras, fuera del control creativo de sus cuatro miembros. En 1977 se inauguró un musical en Broadway llamado Beatlemanía. Era una revista nostálgica interpretada por cuatro músicos imitando a The Beatles y que gozó de una gran popularidad, de manera que se sonsacó de ella cinco producciones por separado para sus correspondientes giras mundiales.​​ En 1977 The Beatles trataron infructuosamente de evitar el lanzamiento del álbum Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962. Esta edición independiente contenía grabaciones que realizaron durante su estancia en Hamburgo, hechas con un equipo básico de grabación y un solo micrófono.​ Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978), una película musical protagonizada, entre otros, por los Bee Gees y Peter Frampton, fue un fracaso comercial y artístico.​ En 1979, los cuatro músicos demandaron a los productores del musical Beatlemania, llegando a pedir varios millones de dólares de indemnización. "La gente creía que la música de The Beatles era del dominio público", dijo Harrison. "No se puede ir por ahí hurtando el material de The Beatles".​

John Lennon sería asesinado el 8 de diciembre de 1980, alrededor de las 22:49 h. de la noche, de cinco disparos hechos por Mark David Chapman a la entrada del edificio Dakota, donde el músico tenía su residencia en la ciudad de Nueva York.​ Como tributo personal, George Harrison reescribió la letra de su canción " All Those Years Ago", un tema que versaba sobre su tiempo pasado con The Beatles, y que se había empezado a grabar un mes antes del asesinato de Lennon. Con McCartney y su esposa Linda aportando coros, y Starr tocando la batería, la canción fue publicada como sencillo en mayo de 1981.​ En 1982, Paul McCartney publicó su álbum , que contenía su tributo personal a Lennon en la canción "Here Today".

En 1988, The Beatles fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad,​ a la que asistieron Harrison y Starr, junto a la viuda de Lennon, Yoko Ono, y sus dos hijos, Julian y Sean. McCartney se negó a asistir, emitiendo un comunicado de prensa diciendo: "Después de 20 años, The Beatles todavía tienen algunas diferencias de negocios que yo hubiera deseado que ya hubieran sido resueltas para este momento. Desafortunadamente, no lo han sido, por lo que me sentiría como un completo hipócrita saludando y sonriendo con ellos en una falsa reunión".​​ El año siguiente, EMI/Capitol puso fin a una demanda de diez años de duración que tenía con The Beatles referente a las regalías, allanando el camino para poder publicar comercialmente material inédito.​​

Live at the BBC, la primera publicación oficial de interpretaciones inéditas de The Beatles desde hacía 17 años, apareció en 1994. Ese mismo año, McCartney, Harrison y Starr se reunieron para el proyecto Anthology, la culminación de un trabajo iniciado a finales de los años 1960 por Neil Aspinall.​ Primero road manager y después asistente personal de The Beatles, Aspinall comenzó a reunir material para un documental después de haber llegado a director de Apple Corps en 1968.​ The Long and Winding Road, como tenía titulado provisionalmente Aspinall su documento sobre The Beatles, fue archivado entonces de forma indefinida, hasta que, como productor ejecutivo del proyecto Anthology en los años 1990, estuvo en condiciones de completar su trabajo.​ Documentando la historia de The Beatles relatada por los propios miembros, el proyecto vio surgir algunas de sus grabaciones inéditas; McCartney, Harrison y Starr añadieron también nuevas partes instrumentales y vocales a dos canciones grabadas por Lennon a finales de la década de 1970.​ Durante 1995 y 1996, el proyecto antológico dio lugar a un documental dividido en cinco partes destinado para la televisión; a una edición videográfica dividida en ocho volúmenes del mismo documental, pero expandido; y a tres álbumes con dos CD cada uno. Posteriormente, en 2000, también daría lugar a un libro de gran tamaño y tapa dura con la historia de The Beatles relatada en primera persona por sus exmiembros. Las dos canciones basadas en las maquetas de Lennon, " Free as a Bird" y " Real Love", fueron lanzadas cada una como sencillo.​ El diseño artístico de la portada tríptica de los tres álbumes antológicos fue obra de Klaus Voormann, creador de la portada del álbum Revolver en 1966. Los lanzamientos fueron un éxito comercial y la serie de televisión fue vista por una audiencia estimada de 400 millones de personas en todo el mundo.​

El 13 de noviembre de 2000 se publicó el álbum recopilatorio 1, que contenía todos los números uno británicos y estadounidenses de The Beatles. Se convirtió en el álbum con ventas más rápidas de todos los tiempos, con 3,6 millones de unidades vendidas en su primera semana y más de 12 millones en tres semanas en todo el mundo. Fue número uno en las listas de al menos 28 países, incluyendo el Reino Unido y los Estados Unidos.​ Hasta abril de 2009 había vendido 31 millones de copias a nivel mundial, y es el álbum más vendido de la década en los Estados Unidos.​​

Harrison moriría de cáncer de pulmón el 29 de noviembre de 2001.​​ McCartney y Starr fueron dos de los músicos que aparecieron en el Concert for George organizado por Eric Clapton y la viuda de Harrison, Olivia. El homenaje tuvo lugar en el Royal Albert Hall en el primer aniversario de la muerte de Harrison. Aparte de las canciones que compuso para The Beatles y para su carrera en solitario, el concierto incluyó también una celebración de la música tradicional hindú, que tanto había influido a The Beatles a través de Harrison.​ En 2003 se lanzó Let It Be... Naked, una versión remodelada del álbum original con la producción supervisada de McCartney, y que recibió reseñas diversas por parte de la crítica. Alcanzó el Top 10 tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos.

Como banda sonora para el espectáculo del Cirque du Soleil en Las Vegas, George Martin y su hijo Giles remezclaron y combinaron 130 grabaciones de la banda para crear "una manera de revivir toda la vida musical de The Beatles en un periodo muy condensado de tiempo".​ El espectáculo se estrenó en junio de 2006, lanzándose el álbum en noviembre de ese mismo año. Atendiendo al primer aniversario del espectáculo musical, McCartney y Starr fueron entrevistados en el programa de televisión estadounidense Larry King Live junto a Yoko Ono y Olivia Harrison.​ Asimismo, en 2007 circuló la noticia de que McCartney esperaba completar " Now and Then", una tercera maqueta de Lennon en la que se trabajó durante las sesiones de Anthology. Sería acreditada como "una composición de Lennon/McCartney" con la adición de nuevos versos, y disponiendo de una nueva pista de batería a cargo de Ringo Starr y grabaciones archivadas de George Harrison tocando la guitarra.​

En marzo de 2008 los abogados representantes de Apple Corps tramitaron una demanda para evitar la difusión de grabaciones inéditas supuestamente hechas durante la primera aparición de Starr con The Beatles en el Star-Club de Hamburgo en 1962.​ En noviembre, McCartney habló de su esperanza de que " Carnival of Light", una grabación experimental de 14 minutos de The Beatles realizada en los estudios de grabación de EMI en 1967, recibiera una versión oficial.​ El 4 de abril de 2009, McCartney encabezó un concierto caritativo en el Radio City Music Hall para la Fundación David Lynch, que incluía a Ringo Starr entre los demás invitados.​

El 9 de septiembre de 2009 se publicó The Beatles: Rock Band, un videojuego dentro de la serie , y que estaba basado en las canciones de The Beatles.​ Ese mismo día salieron a la venta las versiones remasterizadas de los doce álbumes de estudio británicos del grupo, más Magical Mystery Tour y la compilación Past Masters.​

El 12 de abril de 2010 el periódico oficial del Vaticano L'Osservatore Romano dedicó dos artículos y una caricatura con el objetivo de elogiar a The Beatles a 40 años de su separación, en los cuales la Santa Sede elogiaba la música de la banda al catalogarla como "hermosa" además de destacar la importancia que tuvieron para la música pop.​

Durante los Juegos Olímpicos de Londres 2012 el ex beatle Paul McCartney se sumó a las estrellas invitadas a la ceremonia de inauguración interpretando la canción Hey Jude al final de esta ​ mientras que en la ceremonia de clausura John Lennon recibió un homenaje cuando un grupo de niños interpretó Imagine a la vez que la cara del músico se representaba con piezas de hule espuma.​

El 9 de febrero de 2014 la cadena de televisión estadounidense CBS transmitió un programa titulado The Night That Change America: A Grammy Salute to The Beatles, un homenaje en el marco del 50 aniversario de la presentación de la banda en el show de Ed Sullivan. Este programa consistió en un concierto grabado el 27 de enero de ese año al cual asistieron los dos miembros vivos de la banda ( McCartney y Starr) y en el que participaron e interpretando varias canciones de la banda por separado y al final del mismo interpretaron juntos With a Little Help from My Friends y Hey Jude. El programa también incluyó algunas escenas de la presentación de la banda en el show de Ed Sullivan y una entrevista a los dos ex beatles realizada por David Letterman.

El 16 de septiembre de 2016 se estrenó en los cines de todo el mundo la película documental Eight Days a Week que abarca los años de gira de la banda y que estuvo dirigida por Ron Howard. Contó con la participación de Paul McCartney y Ringo Starr como únicos miembros vivos del grupo, así como diversas celebridades del mundo de la música y el cine. Consiguió ganar un premio Grammy y estar nominada a los premios BAFTA, NME, Satellite, Empire y Critic's Choice.

A partir de 2017 se han lanzado versiones remezcladas por Giles Martin, hijo de George Martin, de los álbumes posteriores a 1967 en el marco de sus 50 años ( Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band; The Beatles; Abbey Road y Let It Be), las cuales han incluido material extra de las sesiones de grabación.

El 11 de septiembre de 2019 el periódico The Guardian dio a conocer detalles de una grabación de una reunión en la cual The Beatles hacían planes para grabar un nuevo álbum después de Abbey Road, dichas grabaciones serían para poner al tanto a Ringo Starr quien en ese entonces se encontraba enfermo y por ende no había podido asistir a dicha reunión;​ cerca de un mes después el propio Starr confirmó la información. En medio de esto se lanzó la edición de aniversario precisamente de Abbey Road por cumplirse el quincuagésimo aniversario de su lanzamiento y pocos días después se reportó que el álbum había vuelto a alcanzar el puesto número uno en las listas británicas.​ El 25 de octubre del mismo año Starr lanzó su nuevo álbum What's My Name? que contiene su propia versión de la canción de Lennon Grow Old With Me la cual contó con la participación de McCartney en el bajo y la inclusión de cuerdas de George Harrison provenientes de la canción Here Comes the Sun, con lo cual buscó (según sus propias palabras) que los cuatro estuvieran en la canción.​

2020-actualidad

A principios de 2020 se dio a conocer que el álbum Abbey Road se convirtió en el vinilo más vendido en la década pasada vendiendo 558,000 unidades vendidas de las cuales la mitad se realizó el año anterior.​ Por las mismas fechas se publicó la noticia de la producción de un nuevo documental sobre la banda realizado por Peter Jackson a partir de 55 horas de material inédito grabado durante las sesiones del álbum Let It Be en enero de 1969, marcando como fecha de estreno el otoño del mismo año para salir casi al mismo tiempo que un libro titulado The Beatles Get Back el cual tiene programado salir a la venta el 15 de octubre de 2020.​ Finalmente el documental fue lanzado a fines de 2021 a través de Disney+, dividido en tres episodios y ofreciendo una imagen completamente diferente del grupo a lo que siempre se mostró en la película Let It Be. El mismo ha recibido la aclamación de la crítica y los aficionados.​

En 2022, siguiendo la repercusión generada por el documental, se publicó en las plataformas de música el audio completo del concierto en la azotea. Ese mismo año, luego de varios rumores, se confirmó que Revolver será el próximo álbum en recibir un remix por parte de Giles Martin.​​

Estilo musical y evolución

En Icons of Rock: An Encyclopedia of the Legends Who Changed Music Forever, Scott Schinder y Andy Schwartz describieron la evolución musical de The Beatles:

In their initial incarnation as cheerful, wisecracking moptops, the Fab Four revolutionised the sound, style, and attitude of popular music and opened rock and roll's doors to a tidal wave of British rock acts. Their initial impact would have been enough to establish the Beatles as one of their era's most influential cultural forces, but they didn't stop there. Although their initial style was a highly original, irresistibly catchy synthesis of early American rock and roll and R&B, the Beatles spent the rest of the 1960s expanding rock's stylistic frontiers, consistently staking out new musical territory on each release. The band's increasingly sophisticated experimentation encompassed a variety of genres, including folk-rock, country, psychedelia, and baroque pop, without sacrificing the effortless mass appeal of their early work.

En su encarnación inicial como alegres moptops sabelotodo, los Fab Four revolucionaron el sonido, estilo y actitud de la música popular y abrieron las puertas del rock and roll a toda una ola de bandas de rock británico. Su impacto inicial hubiera sido suficiente para establecer a los Beatles como una de las fuerzas culturales con mayor influencia de su época, pero no se detuvieron allí. Aunque su estilo inicial fue muy original, con irresistiblemente pegadizas mezclas del temprano rock and roll estadounidense y R&B, los Beatles pasaron el resto de la década de 1960 expandiendo las fronteras estilísticas del rock, siempre apostando a nuevos territorios musicales en cada lanzamiento. Su cada vez más sofisticada experimentación abarcó una gran variedad de géneros, incluyendo el folk rock, country, psicodelia, y pop barroco, sin sacrificar el atractivo esfuerzo de sus primeros trabajos.​

En The Beatles as Musicians, Walter Everett señaló el contraste que había entre Lennon y McCartney respecto a sus motivaciones y enfoques al componer: "Se puede decir que McCartney estaba desarrollando de forma constante un concentrado talento musical -entendido como un medio para entretener- con buen oído para el contrapunto y demás aspectos del oficio, en la demostración de un lenguaje común universalmente aceptado del que él hizo mucho para enriquecer. Por el contrario, la música más madura de Lennon es mejor apreciada como audaz producto de la búsqueda -en gran parte inconsciente-, aunque indisciplinada, de una sensibilidad artística".​

Ian MacDonald hizo una comparación de los dos compositores en Revolution in the Head, describiendo a McCartney como "un compositor por naturaleza-un creador de melodías capaces de existir separadamente de su armonía". Sus líneas melódicas se caracterizan principalmente como "verticales", empleando todo, intervalos consonantes que reflejan su "extrovertida energía y optimismo". A la inversa, "el sedentarismo y la personalidad irónica" de Lennon se refleja en un enfoque "horizontal", intervalos disonantes y repetitivas melodías que se fían de su armonía para sacar un mayor provecho: "Básicamente un realista, mantiene por instinto sus melodías cerradas para los ritmos y el progreso de su lenguaje, colorando sus letras con un tono de blues y una armonía que crea melodías sorprendentes hechas por su propia cuenta".​ MacDonald alabó la interpretación de la guitarra solista de Harrison por el papel que sus "líneas llenas de calidad y texturas colorantes" jugaron como soporte a Lennon y McCartney, y describe a Starr como "el padre de la forma de tocar la batería en el pop/ rock moderno [...] Su estilo apenas percibido de apoyo rítmico impulsaba sutilmente a The Beatles; su afinación trajo los últimos fundamentos dentro del sonido grabado de la batería, y su distintiva excentricidad seguirá permaneciendo entre lo más memorable de la música popular".​

Influencias

Las primeras influencias las obtuvieron de músicos como Elvis Presley, Little Richard y Chuck Berry, entre otros, cuyas canciones solían interpretar en numerosas ocasiones en sus actuaciones en vivo.​ Durante su co-residencia con Little Richard en el Star Club de Hamburgo en abril de 1962, Richard les enseñó técnicas para mejorar sus canciones.​ Sobre Presley, Lennon dijo: "Nada me había influenciado tanto hasta que escuché la música de Elvis. Si no hubiera existido Elvis, The Beatles tampoco hubieran existido".​ Otras influencias de The Beatles en sus principios incluyen también a Buddy Holly, Eddie Cochran, Carl Perkins, Roy Orbison,​ y The Everly Brothers.​​ The Beatles continuaron recibiendo influencias a lo largo de su carrera musical, sobre todo de artistas contemporáneos, incluyendo a Bob Dylan, Frank Zappa, The Byrds y The Beach Boys, cuyo álbum de 1966, , dejó sorprendido e inspirado a McCartney.​​ Martin declaró: "Sin Pet Sounds, el Sgt. Pepper no habría ocurrido [...] Sgt. Pepper fue un intento de igualar el nivel de Pet Sounds ".​

Originalmente comenzaron como grupo de estilo ,​ pero pronto se embarcaron en el rock and roll genuino de los años 1950.​ Conforme pasó el tiempo, su repertorio se fue ampliando hasta incluir una extensa variedad de música popular siendo el principal el rock y otros géneros tales como pop, blues, folk, R&B, beat o incluso música experimental. Como reflejo de la variedad de estilos que exploraron, Lennon dijo sobre Beatles for Sale: "Podías calificar a nuestro último álbum como un LP de The Beatles de country & western",​ mientras que la banda fue acreditada por Allmusic, y en particular Rubber Soul, como una de las principales influencias en el movimiento del género del .​ Incorporaron asimismo elementos de música clásica en su música, comenzando con el uso de un cuarteto de cuerda en la canción " Yesterday", del álbum Help!. Sin embargo, tal y como señaló Jonathan Gould, este no fue "ni remotamente el primer disco pop en hacer uso prominente de cuerdas [...] más bien, ocurrió que el sonido más tradicional de las cuerdas había permitido una nueva apreciación de su talento como compositores por aquellos oyentes que en cierto modo sentían alergia al estruendo de las baterías y las guitarras eléctricas".​ Hicieron uso de las cuerdas para crear distintos efectos. En " She's Leaving Home", por ejemplo, grabada para el Sgt. Pepper, escribe Gould que "está construida en el molde de una balada sentimental victoriana, sus palabras y la música se rellenan con los clichés del melodrama musical".​

El rango estilístico que promulgaban se expandió en otra dirección en 1966, con el lado B del sencillo " Paperback Writer": " Rain", descrita por Martin Strong en The Great Rock Discography como "la primera grabación abiertamente psicodélica de The Beatles".​ Le siguieron otras obras psicodélicas, tales como " Tomorrow Never Knows" (grabada antes de "Rain"), " Strawberry Fields Forever", " Lucy in the Sky with Diamonds", y " I Am the Walrus". La influencia de la música clásica india fue evidente en canciones de Harrison como " Love You To" y " Within You Without You", cuya intención, escribe Gould, era "reproducir los esquemas del raga en miniatura".​ Teniendo en cuenta su evolución musical, el historiador musical y pianista Michael Campbell identifica a la innovación como la característica más llamativa de la banda, escribiendo: "' A Day in the Life' resume el arte y el logro de The Beatles de forma única. Se destacan las principales características de su música: la imaginación en el sonido, la persistencia de la melodía armoniosa, y la estrecha coordinación entre las palabras y la música. Representa una nueva categoría de canción - más sofisticada que el pop, más accesible y práctica que el pop, y excepcionalmente innovadora. Nunca antes había habido, literalmente, una canción -clásica o vernácula- que había mezclado tantos elementos dispares de una manera tan imaginativa".​ El teórico musical Bruce Ellis Benson está de acuerdo con la opinión de Campbell: "Los compositores quizás puedan concebir nuevos ritmos y progresiones en los acordes, pero generalmente son improvisaciones de ritmos y progresiones ya existentes. The Beatles [...] nos dan un ejemplo maravilloso de cómo influencias tan remotas como la música celta, el rhythm and blues, y el country y western, pueden ser combinados de un nuevo modo diferente".​

En The Songwriting Secrets of The Beatles ( Los secretos de los Beatles escribiendo canciones), Dominic Pedler destacó también la importancia del modo en que combinaron los géneros: "Uno de los más grandes logros de The Beatles fue el malabarismo compositivo que desempeñaron durante la mayor parte de su carrera. Lejos de mudarse de un género a otro de manera secuencial (como a veces se sugiere a conveniencia), mantuvieron en paralelo su maestría del tradicional y pegadizo éxito musical, a la vez que forjaban el rock y escarceaban con un amplio espectro de influencias periféricas, que abarcaba desde el género country hasta el vodevil. Así lo hicieron también a la hora de aproximarse a la música folk, que tan esencial se volvería como base para sus posteriores encuentros con la música y filosofía hindúes".​ Como las relaciones personales entre los miembros eran cada vez más tensas, sus influencias individuales se hicieron más evidentes. La portada minimalista para el White Album contrasta con la complejidad y diversidad de su música, que abarca " Revolution 9" de John Lennon, cuya perspectiva de música concreta fue influenciada por Yoko Ono; la canción country de Starr " Don't Pass Me By"; la balada rock de Harrison " While My Guitar Gently Weeps" y el "rugido proto-metal" de " Helter Skelter " de McCartney.​

Acento liverpulense

La música de Los Beatles tuvo un fuerte impacto en el lenguaje del rock and roll y muy particularmente en el acento con que era cantado. En las décadas de 1940 y 1950 el rhythm and blues- rock and roll debía ser cantado con acento inglés estadounidense, una serie de dialectos que tiene entre sus diferencias principales con el inglés británico, el sonido de la "erre" cuando se encuentra luego de una vocal, como por ejemplo en la palabra " sisteR", de modo tal que mientras en Estados Unidos la norma es pronunciar la "erre", en Gran Bretaña la norma es pronunciarla como una vocal, oyéndose "sista". Está característica del dialecto estadounidense se llama vocal rótica.​​

Los Beatles por su parte, hablaban con el acento característico de Liverpool, muy influido por el dialecto irlandés, y en menor medida por los dialectos escocés y el galés. Adicionalmente, el habla cotidiana de los habitantes de Liverpool, está influido por el scouse, dialecto característico de la ciudad, de raíces vikingas,​ asociado con la clase obrera y tradicionalmente valorado peyorativamente por la clase media y la clase alta.​​

En el caso de Los Beatles, todos ellos tenían el acento liverpulense de los años '50 y '60 bien reconocible,​ aunque con distintos grados de acercamiento al scouse. Paul McCartney, bajo influencia de su madre, fue el miembro que más atenuó su acento local.​ John Lennon, también fue educado por su tía Mimi para no utilizar el scouse, pero su acento local era más pronunciado y en muchos casos utilizando palabras del scouse.​​ George Harrison,​ y Ringo Starr en cambio,​ tenían un acento fuertemente liverpulense, con uso habitual de términos scouse.​

Un estudio clásico realizado por Peter Trudgill, estableció Los Beatles fueron alejándose cada vez más de la forma de hablar el inglés estadounidense.​ Mientras en su primer álbum de 1963 Los Beatles habían atenuado el uso de la "erre" al estilo estadounidense en un 47% de los casos, en 1970, cuando lanzaron su último álbum solo un 3% de las palabras con "erre" a continuación de una vocal eran pronunciadas según el dialecto angloamericano.​ En ejemplo de la liverpulización de las canciones de Los Beatles es la canción " Lovely Rita", en la que su estribillo es claramente pronunciada sin la vocal vocal rótica, omitiendo la "erre": "Lovely Rita meter [miːtə] maid."​

Trudgill concluye que la enorme popularidad de Los Beatles, llevó a un cambio del patrón de dominación cultural que había impuesto Estados Unidos, permitiendo que los músicos británicos pudieran utilizar sus acentos nativos como parte del sonido del rock y del pop.​

Contribución de George Martin

La estrecha relación que George Martin tuvo con los cuatro músicos en su papel de productor hizo de él uno de los principales candidatos para el título informal de " quinto beatle".​ Contribuyó a que la estructura musical clásica de la formación comenzase a evolucionar de manera diferente.​ La idea de incluir un cuarteto de cuerda en "Yesterday" fue suya - los miembros de la banda mostraron inicialmente poco entusiasmo sobre el concepto, pero el resultado final les resultó toda una revelación.​ Gould describió asimismo cómo, "al volverse Lennon y McCartney cada vez más ambiciosos en sus composiciones, Martin comenzó a funcionar como un profesor informal de música para ellos". Esto, junto con su voluntad de experimentar por indicación de los músicos -tal como agregar "algo de sonido barroco" a una grabación-, les facilitó al grupo su desarrollo creativo.​ Además de haber dirigido los arreglos orquestales para algunas grabaciones de The Beatles, Martin también colaboró tocando instrumentos musicales como el piano, el órgano y algunos instrumentos de viento-metal.​ George Martín incluso hizo la instrumentación y banda sonora de la película Yellow Submarine de 1968.

Mirando hacia el pasado durante la creación del Sgt. Pepper, Martin dijo: "El 'Sargento Pepper' en sí no aparece hasta la mitad de la elaboración del álbum. Era una canción de Paul, solo un ordinario tema de rock y no particularmente brillante como sí ocurre con otras canciones [...] Paul dijo: '¿Por qué no hacemos el álbum como si la banda de Pepper realmente existiera, como si el Sargento Pepper estuviera haciendo la grabación? Sobregrabaremos efectos de sonido y cosas por el estilo'. Amé la idea, y desde ese momento fue como si el Pepper tuviera vida propia". Recordando cómo la canción contrastó fuertemente con las composiciones de Lennon, Martin habló por otra parte de su propia influencia de estabilizador:

"En comparación con las canciones de Paul, que parecían tener algún tipo de contacto con la realidad, John tenía una psicodelia, de calidad casi mística [...] las metáforas de John son una de las mejores cosas en su trabajo -'árboles de mandarina', 'cielos de mermelada', 'flores de celofán' [...] Siempre lo vi como una fonética de Salvador Dalí, mejor dicho, que había alguna droga detrás del artista. Por otra parte, sería tonto fingir que en ese momento las drogas no figuraron ampliamente en sus vidas. Al mismo tiempo, ellos sabían que yo, en mi papel de maestro de escuela, no las aprobaba. [...] No solo porque no formaban parte de mí mismo, no veía la necesidad de usarlas; y no hay duda de que si yo también hubiera estado en la droga, Pepper nunca habría sido el álbum que fue".​

Harrison se hizo eco de la descripción de Martin en su papel de estabilizador: "Creo que solo crecimos a través de los años juntos, él como el hombre recto y nosotros como los locos; pero él siempre estaba ahí para interpretar nuestras locuras -solíamos estar ligeramente vanguardistas en ciertos días de la semana, y allí estaba él como la persona de anclaje, para comunicarlo a través de los ingenieros y en las cintas".​

Trabajo en el estudio

The Beatles hicieron un uso innovador de la tecnología, tratando al estudio como un instrumento en sí mismo. Se urgió a Martin y sus ingenieros de grabación a la constante experimentación, exigiendo regularmente usar algo nuevo porque "solamente de ese modo, algo puede sonar realmente bien".​ Al mismo tiempo, la agrupación buscó nuevas maneras de crear y utilizar cosas más creativas en sus creaciones musicales, incorporando efectos tales como el eco de una botella de plástico y el acomodar una cinta en el lado opuesto para que la voz se reprodujera al revés.​ El deseo que tenían para crear nuevos sonidos en cada grabación realizada, junto con las habilidades de organización de Martin y la experiencia de los ingenieros de estudio de EMI como Norman Smith, Ken Townsend y Geoff Emerick, contribuyeron significativamente a las grabaciones de Rubber Soul y, especialmente, Revolver.​ Junto con los trucos de estudio, tales como efectos de sonido, emplazamientos de los micrófonos convencionales, de cinta, voces dobladas, variaciones de velocidad, The Beatles incluyeron en sus canciones instrumentos no convencionales para el rock de ese momento. Instrumentos de la India como el sitar en " Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" y el swarmandal en " Strawberry Fields Forever".​ También usaron instrumentos electrónicos tales como el mellotron, con el que McCartney dio inicio al intro de "Strawberry Fields",​ y el clavioline, un teclado electrónico que creaba el inusual sonido de un oboe en " Baby You're a Rich Man ".​

La influencia de The Beatles en la cultura popular fue, y sigue siendo enorme. El ex-editor asociado de la revista Rolling Stone, Robert Greenfield, dijo: "La gente sigue admirando a Picasso [...] a los artistas que rompieron los límites de su época para llegar a algo que era único y original. La manera en que se trabajó para la construcción de la música popular, nadie será más revolucionario, más creativo y más distintivo como lo fueron The Beatles".​ Desde la década de 1920, los Estados Unidos habían dominado la cultura popular de entretenimiento en gran parte del mundo, a través de las películas de Hollywood, el jazz, la música de Broadway y el Tin Pan Alley y, más tarde, el rock and roll que surgió por primera vez en Memphis, Tennessee.​ Basándose en sus raíces del rock and roll, no solo desencadenaron la invasión británica en los Estados Unidos, sino que se convirtieron en un fenómeno influyente a nivel mundial.​

Las innovaciones musicales de The Beatles, así como su éxito comercial, han inspirado a músicos de todo el mundo.​ Un gran número de artistas los han reconocido como influencia en sus producciones o que han tenido éxitos con versiones de canciones de The Beatles.​ En la radio, la llegada de los cuatro músicos marcó el inicio de una nueva era; directores de programas como Rick Sklar de la WABC de Nueva York, fueron tan lejos como para prohibir a los DJs que tocaran la música "pre-Beatles".​ The Beatles redefinieron el álbum como algo más que solo algunos éxitos completado con temas de "relleno".​ Fueron los primeros en innovar el video musical.​ Su concierto en el Shea Stadium con la que abrieron su gira norteamericana de 1965 atrajo a lo que entonces era la mayor audiencia en la historia de los conciertos y es visto como un "acontecimiento histórico en el crecimiento y desarrollo de la música rock ". La emulación de sus prendas de vestir y especialmente sus peinados, que se convirtieron en una marca de rebelión, tuvo un impacto global en la moda.​

En términos más generales, The Beatles cambiaron la forma de escuchar la música popular y experimentaron ese papel en sus propias vidas.​ De lo que comenzó como el capricho de la Beatlemanía, el cuarteto llegó a ser percibido por sus jóvenes fanáticos como los representantes, incluso los creadores, de los ideales asociados con la transformación cultural.​ Como iconos de la contracultura de la década de 1960, se convirtieron en un catalizador de la bohemia y el activismo en diversos ámbitos sociales y políticos, e inspiraron a movimientos tales como la liberación de la mujer, la liberación gay y el ecologismo.​

Premios y reconocimientos

En 1965, la reina Isabel II nombró a los cuatro Beatles miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE).​ La película (1970) de The Beatles, ganó un Óscar en 1971 por mejor banda sonora original.​ The Beatles han recibido 7 premios Grammy​ y 15 premios Ivor Novello por sus discos.​ Han sido certificados con 6 discos de diamante, así como 24 discos multi-platino, 39 discos de platino y 45 discos de oro en los Estados Unidos,​​ mientras que en el Reino Unido tienen 4 discos multi-platino, 4 discos de platino, 8 discos de oro y 1 disco de plata.​ El grupo fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. De forma colectiva, fueron incluidos en la recopilación de la revista de las 100 personas más influyentes del siglo XX.​ En 2009, la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos certificó que The Beatles habían logrado vender más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista.​ The Beatles han tenido más álbumes número uno en el Reino Unido que cualquier otro artista musical (un total de 15 álbumes), sumando con ello un total de 174 semanas de permanencia en la primera posición de la lista musical.​ Figuran, asimismo, en la primera posición como los más grandes artistas de todos los tiempos de las listas Hot 100 y Billboard 200 en la clasificación de de 2015.​​

Miembros principales

John Lennon - voz, guitarra rítmica y líder, teclados, armónica, bajo (1960-1969)

Paul McCartney - voz, bajo, guitarra rítmica y líder, teclados, batería (1960-1970)

George Harrison - guitarra líder y rítmica, voz, sitar, teclados, bajo (1960-1970)

Ringo Starr - batería, percusión, voz (1962-1970)

Otros miembros

Pete Best - batería, voz (1960-1962)

Stuart Sutcliffe - bajo, voz (1960-1961)

Chas Newby - bajo (1960-1961)

Norman Chapman - batería (1960)

Tommy Moore - batería (1960)

Músicos de gira

Cronología

Discografía

The Beatles poseen un catálogo oficial de 13 álbumes de estudio y uno recopilatorio.​

Lanzamientos en CD

En 1987, EMI reeditó a nivel mundial todos los álbumes de estudio británicos de The Beatles en formato CD, incluyéndose también en el canon oficial la versión estadounidense de Magical Mystery Tour en lugar del doble EP de seis canciones que fuera publicado en el Reino Unido en 1967.​ Todo el material restante de los sencillos y EP de The Beatles que no se habían publicado en los álbumes de estudio originales se juntaron en los discos recopilatorios Past Masters - Volume One y Past Masters - Volume Two (1988).

Las configuraciones de los discos estadounidenses de 1964-65 fueron lanzados en una caja recopilatoria en 2004 y 2006 (The Capitol Albums Vol. 1 y , respectivamente); incluían las versiones estéreo y mono basadas en las mezclas preparadas para vinilo en el momento de la publicación original estadounidense de la música de The Beatles.​

El 9 de septiembre de 2009, después de un extenso proceso de remasterización digital que duró cuatro años, se volvió a publicar todo su catálogo musical.​ Las ediciones estereofónicas de los doce álbumes originales fueron lanzadas en CD, junto con Magical Mystery Tour y Past Masters, tanto individualmente como en una caja recopilatoria. Una segunda colección incluyó todos los títulos mezclados originalmente en mono, junto a las mezclas originales estereofónicas de Help! y Rubber Soul.​ Por un tiempo limitado, también se incluyó un breve vídeo documental sobre la remasterización en cada CD.​ En la revista , el crítico musical Danny Eccleston escribió: "Desde que The Beatles aparecieron por primera vez en CD en 1987, ha habido quejas sobre la calidad de sonido de su música en dicho formato". Apoyando la opinión de que el vinilo original tenía importantes ventajas sobre los primeros CD en cuanto a claridad de sonido y dinamismo, sugirió: "Compara el sonido de 'Paperback Writer'/'Rain' proveniente de un viejo vinilo de 45 RPM, con la versión incluida en el CD de Past Masters, y la diferencia está clara". Antes de la publicación de las remasterizaciones de 2009, los Estudios Abbey Road invitaron a los críticos de Mojo a escuchar una muestra del trabajo, avisando: "Están a punto de sufrir una conmoción". En su reseña sobre el producto final el día de su edición, Eccleston lo ratificó de forma "brillante, que así es cómo se siente todavía un mes después".​

Música digital

The Beatles eran una de los pocas bandas importantes cuyo catálogo musical no estaba disponible a través de servicios de música en línea como iTunes o Napster.​ Parte del motivo era el litigio que había entre Apple Corps y Apple Inc. (propietaria de iTunes) en el uso del nombre "Apple", aunque en noviembre de 2008 McCartney dijo que el obstáculo principal fue que EMI "quiere algo que nosotros no estamos dispuestos a darles".​ En marzo de 2009, The Guardian informó que "la perspectiva de una tienda independiente, que se especifique en la música digital de The Beatles" fue planteada por el hijo de Harrison, Dhani, quien dijo: "Estamos perdiendo dinero todos los días [...] Así que, ¿qué hacer? Tienes que tener tu propio sistema de entrega, o tienes que hacer un buen trato con Steve Jobs ( CEO de Apple Inc) [...] [Él] dijo que la descarga vale 99 centavos de dólar, y no estamos de acuerdo".​ El 30 de octubre, Wired.com informó que un servicio en línea llamado Bluebeat, puso a disposición todo el catálogo de The Beatles, adquirible tanto en descargas como en libre reproducción.​ Ni EMI ni Apple Corps habían autorizado la distribución,​ y una semana después se le prohibió a Bluebeat legalmente el manejo de la música de la banda.​ En diciembre de 2009, el catálogo fue oficialmente lanzado en formato MP3, FLAC y en una edición limitada de 30 000 unidades flash USB.​​ El 16 de diciembre de 2010, la discografía oficial de los trece álbumes de estudio, las recopilaciones Past Masters y los álbumes Rojo y Azul empezaron a estar disponibles en iTunes. Un vídeo del primer concierto de la banda en los Estados Unidos en 1964 también se hizo disponible para la compra como parte de un sistema digital de "caja recopilatoria" del catálogo y de forma gratuita a través de a finales de 2010.

En 1963, Lennon, McCartney, Harrison y Starr accedieron ceder los derechos de publicación de sus canciones a Northern Songs, una empresa creada por el editor musical Dick James.​ Administrada por su compañía Dick James Music, Northern Songs salió al mercado público en 1965 haciendo a Lennon y McCartney cada uno poseedores del 15 % de las acciones de la compañía, y James y el presidente de la compañía, Charles Silver, con un control del 37,5 %. Después de un intento fallido de Lennon y McCartney para comprar la compañía, James y Silver vendieron Northern Songs en 1969 a la compañía británica de televisión Associated Television (ATV), en la que Lennon y McCartney recibieron sus acciones correspondientes.​ Brevemente propiedad del magnate australiano Robert Holmes à Court, ATV Music fue vendida en 1985 a Michael Jackson por una suma reportada de 47 millones (superando la oferta conjunta que habían hecho McCartney y Yoko Ono), dándole el control sobre los derechos de publicación de más de 200 canciones compuestas por Lennon y McCartney.​

Jackson y el sello discográfico Sony fusionaron sus empresas de publicación de música en 1995,​ convirtiéndose en los copropietarios de la mayoría de las canciones de Lennon-McCartney grabadas por The Beatles, aunque los bienes de Lennon y McCartney siguen recibiendo sus respectivas cuotas de las regalías. Aunque el catálogo de Jackson-Sony incluye a la mayoría de los grandes éxitos de The Beatles, algunas de sus primeras canciones fueron publicadas por una filial de EMI, Ardmore & Beechwood, antes de que Lennon y McCartney firmaran con James. McCartney adquirió los derechos de publicación de " Love Me Do" y " P.S. I Love You" por parte de Ardmore en la década de 1980.​ Harrison y Starr permitieron que el contrato de sus composiciones con Northern Songs caducara en 1968, firmando con Apple Publishing en esta ocasión. Harrison creó Harrisongs, que aún posee los derechos de sus canciones posteriores a 1967 como " While My Guitar Gently Weeps" y " Something", mientras que Startling Music de Starr tiene los derechos de sus propias canciones grabadas con The Beatles, " Don't Pass Me By" y " Octopus's Garden ".​

En enero de 2017 Paul McCartney abrió un proceso judicial para recuperar los derechos de sus canciones mediante una demanda a Sony/ATV Music Publishing.​

Véase también

La banda adoptó oficialmente el nombre The Quarry Men, separando las últimas dos palabras y así lo inscribió en el bombo de la batería de Colin Hanton. El nombre de la banda suele ser escrito también como "The Quarrymen".

En 1997 Paul McCartney compondría una canción y nombraría su noveno álbum de estudio, precisamente con el título Flaming Pie.

Referencias

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Brown, Peter y Gaines, Steven (1996). Los Beatles, una biografía confidencial. Buenos Aires: Vergara. p. 96.

Brown, Peter y Gaines, Steven (1996). Los Beatles, una biografía confidencial. Buenos Aires: Vergara. p. 117.

"The Biggest Blunders In Music History - CityNews". Archivado desde el original el 8 de julio de 2009.

Brown, Peter y Gaines, Steven (1996). Los Beatles, una biografía confidencial. Buenos Aires: Vergara. pp. 102-104.

Tarazona, Javier y de Castro, Javier. "Los Beatles. Made in Spain" (2015). Citado por "Los Beatles en España: qué concierto el de aquella noche", de Carlos Toro, en El Mundo (29/06/2015). . [1]

Gaffney, Dennis (5 de enero de 2004). "The Beatles' "Butcher" Cover". Antiques Roadshow Online (en inglés). Public Broadcasting Service.

Cleave, Maureen (4 de marzo de 1966). "How Does a Beatle Live? John Lennon Lives Like This". Evening Standard (en inglés).

Brown, Peter; Gaines, Steven (2002). The Love You Make: An Insider's Story of The Beatles (en inglés). Nueva York: New American Library. p. 249. .

William Grimes (September 13, 2011), Richard Hamilton, British Painter and a Creator of Pop Art, Dies at 89 New York Times.

Williams, Richard (11 de septiembre de 2019). "'This tape rewrites everything we knew about the Beatles'". The Guardian (en inglés).

Lewisohn, Mark (1988b). Álbum notas de The Beatles Box Set por The Beatles [folleto]. Londres: Apple Records

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Benson, Bruce Ellis (2003). The Improvisation of Musical Dialogue: A Phenomenology of Music (en inglés). Cambridge and Nueva York: Cambridge University Press. p. 43. .

↑ Trudgill, Peter (1997). Acts of Conflicting Identity: The Sociolinguistics of British Pop-song Pronunciation. London: Palgrave. .

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The Beatles - Wikipedia, la enciclopedia libre

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The Beatles ( pronunciado ), también conocida en el mundo hispano como los Beatles, fue una banda de británica formada en Liverpool durante los años 1960, estando integrada desde 1962 a su separación en 1970 por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

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Frank Sinatra

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Frank Sinatra

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Nikki Clan

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Nikki Clan - No Me Digas Que No (Boy  Like You) (Video)

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My Chemical Romance

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My Chemical Romance - "Welcome To The Black Parade" [Live In Mexico]

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Blink 182

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Blink 182 - I Miss You (Live Las Vegas - Pro Shot HD)

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Green Day

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Pop-rock

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Franz Liszt (Siglo XIX)

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Franz Liszt (Siglo XIX)

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Franz Liszt (Siglo XIX)

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Franz Liszt - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Franz Liszt en marzo de 1886, meses antes de su muerte. Fotografía de Nadar.

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Max Martin

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Billboard Top 10 Songs Written by Max Martin

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Max Martin

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Max Martin (Producer) - Hits from 1995 - 2016

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Max Martin

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Max Martin - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Karl Martin Sandberg, más conocido como Max Martin, ( Estocolmo, Suecia, 26 de febrero de 1971) es un compositor y productor musical sueco, reconocido por lanzar al estrellato a artistas pop como el grupo Backstreet Boys, la intérprete Britney Spears y otros artistas de los 90 y de comienzos del tercer milenio.

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Avicii

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Avicii

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Avicii

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Avicii

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Tim Bergling ( Estocolmo, 8 de septiembre de 1989- Mascate, 20 de abril de 2018),​ más conocido por su nombre artístico Avicii, fue un y compositor sueco, especializado en programación de audio, remezcla y producción de discos.​

A los 16 años, comenzó a publicar sus remixes en foros de música electrónica, lo que lo llevó a su primer contrato discográfico.​Alcanzó la fama en 2011 con su sencillo " Levels". Su álbum de estudio debut, (2013), combinó música electrónica con elementos de múltiples géneros y recibió críticas generalmente positivas. Alcanzó su punto máximo en el top ten en más de quince países y encabezó las listas internacionales dance.​​​ El primer sencillo, " Wake Me Up", encabezó la mayoría de los mercados de música en Europa y alcanzó el número 4 en Estados Unidos.

En 2015 lanzó su segundo álbum de estudio, y en 2017 lanzó un extended play, titulado ​ Su catálogo también incluye los sencillos " I Could Be the One" con Nicky Romero, " You Make Me", " Hey Brother", " Addicted to You", " The Days", " The Nights", " Waiting for Love", " Without You" y " Lonely Together". Bergling fue nominado para un premio Grammy por su trabajo en " Sunshine" con David Guetta en 2012​ y " Levels " en 2013. Varias publicaciones de música reconocen a Bergling como uno de los DJs que introdujeron la música electrónica en la radio Top 40 a principios de 2010.​​

Bergling se retiró de la gira en 2016 debido a problemas de salud, como consecuencia del estrés y mala salud mental durante varios años.​ El 20 de abril de 2018, Bergling se suicidó por desangramiento en Mascate, Omán. Fue enterrado el 8 de junio en su ciudad natal, Estocolmo. Su primer álbum póstumo titulado fue lanzado el 6 de junio de 2019.​

1989-2010: infancia y carrera temprana

Tim Bergling nació el 8 de septiembre de 1989 en Estocolmo, Suecia, hijo de Klas Bergling y la actriz Anki Lidén.​ Tim comenzó a trabajar con música en su habitación a los 8 años.​ Tuvo tres hermanos, David Bergling, Linda Sterner y Anton Körberg. Inspirado por su hermano, quien también era disc jockey, comenzó a hacer música a la edad de 16 años.​ En mayo de 2007, Bergling firmó con el sello Dejfitts Plays.​

Bergling fue miembro de los foros de Laidback Luke, donde refinó su oficio y, a veces, demostró su estilo distintivo de deep house.​ De 2009 a 2010, Bergling fue un productor prolífico y lanzó música increíblemente rápido. Sus remixes durante este período fueron "Sound of now", "Muja", "Ryu" y "Even". Bergling explicó que el nombre Avicii significa "el nivel más bajo del infierno budista" (vea Avīci) y eligió el apodo porque su nombre real ya se había usado al momento de crear su página de Myspace.​​ Luego, en 2010, Bergling lanzó la exitosa canción "Seek bromance", que llegó al top 20 en varios países, incluyendo Bélgica,​ Francia,​ Países Bajos,​ Reino Unido​ y Suecia.​ También remezcló el sencillo clásico de Nadia Ali, "Rapture", para su álbum Queen of Clubs Trilogy: Onyx Edition. En octubre de 2010, Bergling firmó con el equipo europeo de A&R con EMI Music Publishing.​

2011-2013: "Levels" y progreso internacional

En 2011, Bergling lanzó " Levels", con lo que penetró en el mainstream. La canción fue producida por él y contiene una muestra vocal de "Something's got a hold on me"" inspirada en el gospel de 1962 de Etta James.​ La misma muestra vocal fue utilizada anteriormente por Pretty Lights en su canción de 2006 "Finally moving".​ Esta muestra también fue utilizada por el productor de batería y bajo Logistics en "Call me back"​ y por Flo Rida en su sencillo " Good Feeling", que fue producido por DJ Prak y Cirkut.​ "Levels" alcanzó el top ten en Austria,​ Bélgica,​ Bosnia, Croacia, Dinamarca,​ Finlandia,​ Alemania,​ Grecia, Irlanda,​ Italia,​ Países Bajos,​ Eslovenia y el Reino Unido,​ mientras encabezan las listas en Hungría,​ Noruega​ y Suecia.​

En 2012, su tema en colaboración con David Guetta "Sunshine" fue nominado para un premio Grammy en la categoría de Mejor Grabación Dance.​ Su canción " Fade Into Darkness" fue sampleada por Leona Lewis en su sencillo " Collide ". El muestreo no fue acreditado y llevó a una controversia cuando Bergling intentó bloquear el lanzamiento del sencillo. El asunto se resolvió fuera de la corte con representantes que declararon "que Leona Lewis y Avicii trabajarán juntos en el próximo single de "Collide"".​

El 23 de marzo de 2012, el sencillo sin firmar de Bergling "Last dance" se presentó en el programa de Pete Tong en BBC Radio 1.​ La canción se lanzó más tarde el 27 de agosto de 2012. En el Ultra Music Festival de 2012 en Miami, estrenó dos canciones, " Girl Gone Wild" (Remix UMF de Avicii) con Madonna​ y "Superlove" con Lenny Kravitz.​ El Remix UMF de Bergling de "Girl gone wild" se lanzó el 20 de abril de 2012 y "Superlov" con Kravitz se lanzó el 29 de mayo de 2012. Después de alcanzar dos millones de seguidores en Facebook, lanzó una nueva canción titulada "Two million". Se publicó como descarga gratuita en su página oficial de Soundcloud. El 27 de abril de 2012, lanzó " Silhouettes". La canción contó con la voz de Salem Al Fakir y alcanzó el puesto número 5 en las listas dance del Reino Unido​ y el número 4 en el Billboard Hot Dance Club Songs.​

Bergling fue uno de los artistas que se presentó el 4 de agosto de 2012 en el festival Lollapalooza en el Grant Park de Chicago.​ El 12 de agosto de 2012, lanzó "Dancing in my head" (Avicii's 'Been Cursed' Mix)" en Beatport.​ La pista cuenta con la voz de Eric Turner. Un radio edit de la canción, titulada ""Dancing in my head (Tom Hangs Mix)"" fue lanzada el 14 de agosto de 2012 en iTunes y el 30 de octubre de 2012 se lanzó un extended play de remezclas con remixes de Charlie Bernardo y Michael Woods. El 26 de septiembre de 2012, Bergling hizo historia como el primer DJ en encabezar el mundialmente famoso Radio City Music Hall en Nueva York.​ Realizó dos espectáculos agotados los días 26 y 27 de septiembre. Fue apoyado por Matt Goldman y Cazzette en los dos shows. En sus shows de Radio City Music Hall, tocó una vista previa de su nueva canción con Mike Posner titulada "Stay with you".​ El 29 de diciembre de 2012, Bergling estrenó canciones nuevas en Lights All Night, en el Centro de Convenciones de Dallas, algunas de las cuales llegaron a su primer álbum, . Estas canciones inéditas incluyen "I'll be gone" y "Let it go".​ El instrumental de "Let it go" se mezcló con la acapella de "Addicted to you" para convertirse en ""Addicted to you" (Avicii by Avicii)". El mismo día, Bergling lanzó " I Could Be the One" con Nicky Romero.​ Después de debutar por primera vez en sus shows casi un año antes, la canción finalmente fue lanzada a través del sello discográfico LE7ELS de Bergling. La nueva versión vocal se lanzó junto con una versión instrumental, una edición de radio y remixes de Audrio y Didrick.

El 9 de enero de 2013, lanzó el proyecto Avicii X you, una asociación con Ericsson​ diseñada para crear la primera canción exitosa de " participación colectiva" del mundo. El proyecto permitió a los fanes enviar líneas de bajo, efectos, melodías, ritmos y voces a Bergling como archivos de sonido a través de Internet.​ La canción presenta secuencias de Kian Sang (melodía), Naxsy (línea de bajo), Martin Kupilas (ritmo), Ваня Хакси (break), Jonathan Madray, Mateusz Kolata y Christian Westphalen (efectos). Bergling actuó como productor ejecutivo y creó la canción terminada oficialmente tituladandola "X You", que se lanzó el 26 de febrero de 2013. El 30 de enero de 2013, Bergling lanzó "Three million" con Negin para celebrar a tres millones de fanáticos en su página de Facebook.​

Bergling fue nominado para un Grammy a la Mejor Grabación Dance por "Levels" en los Premios Grammy de 2013.​ Fue nominado junto a Calvin Harris y Ne-Yo, Skrillex, Swedish House Mafia y John Martin y Al Walser. La entrega de premios tuvo lugar el 10 de febrero de 2013. Desde finales de febrero hasta principios de marzo de 2013, Bergling realizó una gira por Australia como uno de los actos principales en el Future Music Festival junto a The Prodigy y The Stone Roses.​ A fines de febrero de 2013, realizó su primera gira por Sudamérica, con conciertos en Venezuela, Argentina, Colombia, Brasil y Chile.​

En marzo de 2013, Bergling anunció y estrenó muchos temas nuevos de su nuevo álbum , que luego se lanzaría en septiembre, durante su escenario principal en el Ultra Music Festival de Miami. Las nuevas pistas fueron de carácter experimental. Por ejemplo, Bergling sacó una banda de stomp para tocar la nueva canción "Wake me up".​ Muchas de estas nuevas canciones recibieron críticas variadas después del concierto.​

El 11 de abril de 2013, lanzó su nuevo álbum promo mix en SoundCloud. Contenía algunas canciones de True y algunos de sus singles que no eran parte del álbum.​ También contenía algunos IDs como "Black and blue" y "Enough is enough (Don't give up on us)".

La EBU y SVT anunciaron el 15 de abril que Bergling, junto con los exmiembros de ABBA Björn Ulvaeus y Benny Andersson, habían compuesto el himno para el Festival de la Canción de Eurovisión 2013. La canción se tocó por primera vez en la Final el 18 de mayo.​

El 14 de junio de 2013, el estreno mundial del nuevo sencillo de Bergling, " Wake Me Up", fue presentado por Pete Tong en la BBC Radio 1, con la voz de Aloe Blacc.​ La canción se lanzó más tarde en iTunes y a la radio el 25 de junio de 2013. Es el primer sencillo del álbum True de Bergling, que se lanzó el 16 de septiembre de 2013. ""Wake me up" fue el número 1 en el Spotify Global Chart y Bergling estaba en el puesto 2 de la lista de artistas más populares del mundo.​ "Wake me up" más tarde llegó a establecer un récord de 14 semanas como el éxito número uno en la lista Dance/Electronic Songs de Billboard.​ The Official Charts Company anunció el 21 de julio que "Wake me up" se había convertido en el sencillo más vendido del Reino Unido en 2013, luego de haber superado a " Blurred Lines" de Robin Thicke, habiendo vendido 267,000 copias en su primera semana de ventas en el Reino Unido.​ "Wake me up" posteriormente se convirtió en un gran éxito, encabezando las listas en más de 20 países, incluyendo Australia,​ Alemania,​ Irlanda,​ Italia, Suecia,​ Países Bajos​ y Nueva Zelanda.​

El 19 de octubre de 2013, se anunció la lista de los mejores 100 DJs de DJ Mag 2013, con Bergling el número 3 de la lista. Hardwell se convirtió en el nuevo No. 1 del mundo al desplazar a Armin Van Buuren.​ El 28 de octubre de 2013, Bergling lanzó el sencillo " Hey Brother " con la voz de Dan Tyminski. El 10 de noviembre, Bergling ganó su primer premio "Best Electronic" en los MTV EMA.​ El 24 de noviembre de 2013 ganó el American Music Award por el artista de música electrónica dance favorito.​

En diciembre de 2013, lanzó su cuarto sencillo del álbum, " Addicted to You", que alcanzó el número 5 en Australia,​ con la voz de Audra Mae, quien también canta "Shame on me" y "Long road to hell", ambas canciones en el álbum.​También lanzó el sencillo "Lay me down", con la voz de Adam Lambert y la guitarra de Nile Rodgers.​ El 29 de diciembre de 2013, Bergling debutó su nuevo tema "Dreaming of me", con la voz de Audra Mae, a través del episodio 19 de su podcast LE7ELS.​ Se desconoce si será lanzado en el futuro.

El 8 de marzo de 2014, la cuenta de Instagram de Bergling confirmó una colaboración con Madonna. Se desconoce el alcance de la colaboración.​ El 21 de marzo de 2014, Bergling lanzó una edición remezclada de su álbum True titulado True: Avicii By Avicii que contenía remixes de todas las canciones, excluyendo "Heart upon my sleeve" por razones desconocidas. Se suponía que la promoción de este álbum comenzaría en el Ultra Music Festival de 2014, pero Bergling anunció que había sido hospitalizado el 28 de marzo y no pudo tocar su set de cierre en el festival.​ El 28 de marzo de 2014, FIFA y Sony Music Entertainment anunciaron que Bergling colaboraria con Carlos Santana, Wyclef Jean y Alexandre Pires para el Himno oficial de la Copa Mundial de la FIFA titulado " Dar um jeito (We will find a way)". El himno se interpretó en la ceremonia de clausura de la Copa Mundial de la FIFA el 13 de julio de 2014.​

En julio de 2014, lanzó su sencillo "Lay me down".​ También produjo y colaboró con Chris Martin de Coldplay, coescribiendo y coproduciendo la canción " A Sky Full of Stars" del sexto álbum de estudio de la banda, "Ghost Stories", lanzado el 19 de mayo de 2014. También tocó y grabó las partes de piano en la pista. "A sky full of stars" fue lanzado el 3 de mayo como el segundo sencillo de " Ghost stories".​ " Lovers on the Sun", un tema que coprodujo con David Guetta, se lanzó el 30 de junio de 2014.​ Bergling también trabajó con Wyclef Jean en un sencillo titulado "Divine sorrow" para el próximo álbum del cantante haitiano Clefication.​

2014-2015: Stories y grandes colaboraciones

En julio de 2014, Bergling le dijo a Rolling Stone que había trabajado en 70 canciones para su próximo álbum , que incluiría colaboraciones con Jon Bon Jovi, Serj Tankian de System of a Down, Chris Martin, Wyclef Jean y Matisyahu.​ Al describir el álbum, Bergling dijo: "Va a ser mucho más orientado a las canciones".​

Durante su gira por True, también tocó su próximo sencillo "No pleasing a woman" con la voz de Billie Joe Armstrong de la banda de rock estadounidense Green Day. Tiene un instrumental similar a "Wake me up" aunque con diferentes progresiones de acordes, junto con No pleasing a woman". Bergling también realizó otras próximas canciones como "In love with your ghost" con Daniel "Danne" Adams-Ray, "Love to Fall" con Tom Odell y "Million Miles" con LP, que es la versión de demostración de "Trouble", una canción Stories con la voz de Wayne Hector.​

" Lose Myself", una colaboración entre Bergling y el cantante chino Wang Leehom, se lanzó el 1 de septiembre de 2014.​​ El 8 de septiembre de 2014, en su cumpleaños número 25, decidió cancelar todas sus actuaciones restantes de 2014 debido a problemas de salud.​ Al día siguiente, anunció a través de Denim & Supply que lanzaría su nuevo sencillo " The Days" más adelante en 2014; También se presentó un video con una vista previa de la pista.​ "The days" es una colaboración entre Bergling y Robbie Williams y se lanzó el 3 de octubre de 2014 a través de PRMD. El 16 de septiembre de 2014, se anunció a través de EA Sports que Bergling estaría debutando una nueva canción llamada " The Nights" exclusivamente en .​ El 17 de noviembre de 2014, se anunció oficialmente que la canción se lanzará como parte de un extended play junto con "The Days".​ El 17 de noviembre de 2014, Wyclef Jean lanzó una canción titulada "Divine Sorrow" con Avicii.​

El 2 de marzo de 2015, Bergling actuó en vivo en el Future Music Festival de Australia, su próximo sencillo "Heaven", en colaboración con el líder de Coldplay Chris Martin. La voz fue luego cambiada por la del cantante Simon Aldred de Cherry Ghost; Chris Martin aun así recibió créditos por la escritura en "Heaven".​​ Sin embargo, la versión con Chris Martin en la voz se finalizó en 2018/2019 después de la muerte de Bergling y se lanzará oficialmente en el tercer álbum de estudio "".​ Se filtraron muchas canciones a Internet a partir del set del UMF 2015 de Bergling.​ Estas canciones incluyen "Heaven", " Waiting For Love ", y algunas de sus IDs "For A better day", "City lights", "Can't catch me", "True believer", "What would i Change it to", "Can't love you again" (que se filtró anteriormente en Internet con el nombre "Don't call") y "Attack".​​

El 25 de abril de 2015, anunció en el episodio 35 de su podcast LE7ELS que tocaría algunas de sus canciones inéditas en su programa. También mostró su de la canción "Finally" de Kings of Tomorrow y una de sus viejas canciones que hizo con ASH, titulada "Papa Was a Rolling Stone".​

El 6 de mayo de 2015, lanzó su versión de la canción " Feeling Good" de Nina Simone,​ compuesta en 1964 por los compositores ingleses Anthony Newley y Leslie Bricusse. El 8 de mayo de 2015, Bergling mostró su canción "I'll Be Gone" a través del episodio 422 del Club Life Podcast de Tiësto​ que tiene un instrumental muy similar a "Liar Liar (Avicii by Avicii)" aunque con diferentes voces y progresiones de acordes. Se filtró a Internet entre 2013 y 2014 con el del nombre "Stars" y aún no se ha lanzado. También comparte un lanzamiento similar el ID de Bergling "Black and Blue".​ El 22 de mayo de 2015, Bergling estrenó otro sencillo de Stories, " Waiting for Love". La pista fue coproducida por el también DJ y productor Martin Garrix y contó con la voz de Simon Aldred de Cherry Ghost.​ El 25 de mayo de 2015, mostró tres de sus antiguas canciones en el episodio 36 de su podcast LE7ELS:""Tracks of My Tears", "Sorry Mr. Atari" y "Time to Get lll",​ todas ellas canciones que Bergling había hecho hace años. "Tracks of My Tears" es la versión original de "All you need is love" de Bergling. El 27 de mayo de 2015, un periódico sueco confirmó a través de una entrevista con Bergling que su segundo álbum Stories se lanzaría a finales de 2015.​

El 3 de julio de 2015, presentó dos canciones de su álbum Stories en el episodio 37 de su podcast LE7ELS: " Broken Arrows" con Zac Brown Band y "Can't Catch Me" con Wyclef Jean y Matisyahu.​ También tocó una versión completa de su canción "Heaven" y dijo que estaba haciendo otra canción cantada por Chris Martin llamada "True Believer". Más tarde, Bergling dijo que él también está cantando en esa pista.​ El 18 de julio de 2015, Bergling anunció que finalmente había terminado la producción de Stories después de 2 años de trabajo.​

Un par de semanas más tarde, el 4 de agosto de 2015, se anunció que los últimos sencillos que se sacarían a la venta antes del lanzamiento de Stories serían " For a Better Day" con el cantante estadounidense Alex Ebert y "Pure Grinding" con la voz de Kristoffer Fogelmark y Earl St. Clair. El 27 de agosto, Bergling lanzó un video teaser en Instagram con la canción "Pure Grinding". Las pistas "For a Better Day" y "Pure Grinding" se lanzaron al día siguiente a través de Spotify e iTunes.​ El 26 de septiembre, Bergling anunció "Stories - Megamix" en Spotify.​ Stories se lanzó el 2 de octubre de 2015 junto con 3 singles promocionales: " Broken Arrows" con Zac Brown, "Ten more days" con Zak Abel y "Gonna love ya" con Sandro Cavazza.​

2016: retiro de las giras

El 15 de enero de 2016, lanzó su remix de "Beautiful heartbeat" de Morten.​ Coca-Cola se asoció con Bergling para un himno de la campaña mundial " Taste the Feeling" con Conrad Sewell.​ La canción fue lanzada el 19 de enero. El 25 de enero, Bergling se unió de nuevo con Coldplay para coproducir el sencillo de la banda " Hymn for the Weekend", que fue lanzado como el segundo sencillo de su álbum "A Head Full of Dreams".​ En 2016, según un informe de la revista Inc., Avicii fue la sexta compañía de más rápido crecimiento en Europa, con un ingreso de 7.7 millones de euros en 2014.​​​

El 19 de marzo de 2016, actuó en vivo en el Ultra Music Festival y estrenó nuevas IDs como "Without you (feat. Sandro Cavazza)", "We burn (Faster than light)" y una colaboración con la estrella pop australiana Sia (que tocó por primera vez en Dubái).​ El 29 de marzo, Bergling anunció en Facebook que se retiraría de las presentaciones en vivo y las giras en 2016.​ El 7 de abril de 2016, Bergling anunció que estaba trabajando en un tercer álbum de estudio.​ El 3 de junio de 2016, Bergling lanzó su colaboración con Otto Knows titulada "Back where i belong". Es la segunda colaboración de estos dos productores después de "Itrack", en 2011.​

El 15 de julio de 2016, lanzó un remix de su propia canción, "Feeling good". El remix se tituló ""Feeling good (Avicii by Avicii)".​ Esta canción solo fue lanzada en el canal oficial de YouTube de Bergling. El 1 de agosto, parece que se retiró y el video de YouTube se hizo privado. El 28 de agosto de 2016, realizó su última actuación en vivo en Ibiza, antes de retirarse de la gira por motivos de salud. Su anuncio inicial se hizo en su página web en abril.​ El 23 de abril de 2018, tres días después de su muerte, Tiësto reveló que la reunión de Ultra Music de Swedish House Mafia inspiró a Avicii a retomar el ser DJ nuevamente, lo que le permitió pasar las últimas semanas hasta su muerte el 20 de abril.​ El 22 de diciembre de 2016, un representante de Avicii Music AB anunció que Bergling se había separado de su antiguo mánager Ash Pournouri y At Night Management junto con el sello discográfico de Ash, PRMD. El representante también anunció que Bergling había firmado para Universal Music Sweden y se esperaba que lanzara su tercer álbum de estudio en 2017.​

2017-2018: Avīci (01) y Avicii: True Stories

En junio de 2017, la cantante británica Rita Ora debutó una versión semi-acústica de " Lonely Together" en un evento privado en Annabel's en Londres.​ "Lonely Together" fue más tarde el segundo sencillo de . Desde el 13 de julio hasta el 2 de agosto, Bergling compartió fragmentos de un minuto en Instagram, titulados "¡La nueva música viene muy, muy pronto!", con títulos de pistas como hashtags.​​ Bergling subió en línea los teasers de cada canción del EP al momento del lanzamiento.​​​

El 10 de agosto de 2017, lanzó el EP Avīci (01) con seis pistas.​Dijo sobre el lanzamiento: "Estoy realmente emocionado de volver con la música una vez más. Ha pasado mucho tiempo desde que lancé algo y hace mucho tiempo que estaba tan emocionado por la nueva música. Mi enfoque en este primer EP de El álbum fue para obtener una mezcla de canciones nuevas y antiguas: ¡algunas de las cuales los fanáticos han estado preguntando y esperando a que se mezclen con canciones nuevas que no hayan escuchado antes!".​

En una entrevista con Pete Tong en la BBC Radio 1, Bergling dijo que el EP es una de las tres partes de su tercer álbum de estudio.​ El 11 de septiembre de 2017, Bergling anunció un documental dirigido por su colaborador cercano y de larga data Levan Tsikurishvili, titulado Avicii: True stories. El documental narra el retiro del artista de las giras y presenta entrevistas con sus colegas David Guetta, Tiësto, Wyclef Jean, Nile Rodgers y Chris Martin de Coldplay.​

El 10 de febrero de 2018, lanzó "Ghost", una colaboración con el cantautor sueco Daniel Adams-Ray, quien fue acreditado como HUMAN. La canción, que se filtró en Internet en 2014/2015 bajo el título "(I'm Still) In love with your ghost", marca la segunda colaboración con los 2 suecos después de "Somewhere in Stockholm" del álbum " Stories " de Bergling.​

Tras la muerte de Bergling, los medios de comunicación informaron que en el momento de su muerte tenía más de 200 canciones inéditas, algunas terminadas y otras aún en desarrollo.​ Se afirmó además que había producido algunas de las mejores canciones de su carrera antes de su muerte.​ En agosto de 2018, el productor Carl Falk, quien co-produjo algunas de las canciones en el álbum "" de Bergling en 2015 y en 2017, declaró que estaba dando los toques finales a la colaboración de Chris Martin "Heaven" (originalmente escrita durante el sesiones de Stories) y que podría publicarse póstumamente en unos meses junto con el tercer álbum.​​

En abril de 2019, se anunció que el álbum , en el que Avicii estaba trabajando antes de su muerte, se lanzaría el 6 de junio del mismo año, con el primer sencillo, " SOS", lanzado el 10 de abril.​ Todas las ganancias de la venta del álbum se destinarán a la Fundación Tim Bergling.​ También en abril, se anunció una biografía oficial de Avicii, escrita por Måns Mosesson, que se publicaría en 2020. Los ingresos también irán a la Fundación Tim Bergling.​ Un segundo sencillo del álbum, titulado " Tough Love", fue lanzado el 9 de mayo de 2019.​ El video musical de "Tough love" se lanzó en YouTube el 14 de mayo de 2019.​

Avicii murió el 20 de abril de 2018 cerca de Mascate, Omán, a los 28 años. No se dio ninguna causa de muerte de inmediato.​​​El 21 de abril, la policía de Omán declaró que "no había sospecha criminal" ni evidencia de asesinato en la muerte de Bergling.​El 26 de abril, su familia lanzó una carta abierta que decía:​​

Nuestro querido Tim era un buscador, un alma artística frágil que buscaba respuestas a preguntas existenciales. Un perfeccionista excesivamente exitoso que viajó y trabajó duro a un ritmo que lo llevó a un estrés extremo. Cuando dejó de salir de gira, quería encontrar un equilibrio en la vida para poder ser feliz y hacer lo que más le gustaba: la música. Realmente luchó con pensamientos sobre significado, vida, felicidad. Ahora ya no podía continuar. Quería encontrar la paz. Tim no estaba hecho para la máquina de negocios en la que se encontraba; Era un tipo sensible que amaba a sus admiradores pero evitaba los reflectores. Tim, siempre serás amado y tristemente extrañado. La persona que eras y tu música mantendrán viva tu memoria. Te amamos, la familia.

El 1 de mayo, TMZ informó que la causa de la muerte fue un suicidio debido a lesiones autoinfligidas con una botella de vino rota,​​con Bergling finalmente muriendo por pérdida de sangre.​El 22 de mayo, la familia de Bergling anunció planes para un funeral privado con "las personas más cercanas a él".​El 8 de junio, se celebró un funeral en el cementerio Skogskyrkogården de Estocolmo.​Fue enterrado en la Iglesia Hedvig Eleonora en junio de 2018.​​

Influencias y estilo musical

Las influencias de Bergling incluían a Daft Punk, Swedish House Mafia y Eric Prydz.​ Describió su introducción a la música electrónica como "escuchar mucho Daft Punk, mucho antes de saber qué era la música house".​

El trabajo temprano de Bergling se centraba en el deep house y progressive house, generalmente se basa en una estructura de cuatro acordes, subgraves y una simple melodía de sintetizador.​ Su álbum de estudio debut, " True", presentó una mezcla de géneros musicales, incluyendo folktronica.​ Mientras hacía el álbum, Bergling quería fusionar el género de la música electrónica con soul, funk, blues, folk y country, ya que sentía que el EDM se había concentrado demasiado en las "suciss drops".​ Su primer sencillo, " Wake Me Up", es un crossover de música folk, que, como lo señaló un escritor de The Observer, "aprovechó el potencial del mercado de mezclar EDM y country, una plantilla que muchos artistas han recreado desde entonces".​ Un editor de Variety comentó que el "sonido distintivo" de Bergling estaba compuesto por "sintetizadores crecientes y melodías agitadas".​ Músicos como Kygo, Skrillex, Diplo, Martin Garrix y Cheat Codes lo han citado como una fuente de inspiración.​

Filantropía

Desde la realización de su éxito comercial generalizado, Avicii comenzó a trabajar con su mánager y productor ejecutivo, Ash Pournouri, para iniciar "Casa para hambrientos" (en inglés: House for Hunger)​ en 2011, una organización benéfica dedicada a aliviar el hambre mundial. La pareja quería mostrar el espíritu generoso de la comunidad de música house. Bergling explicó

"Hay que dar algo a cambio. Soy muy afortunado de estar en la posición en la que realmente puedo hacer eso. Me siento afortunado todos los días cuando me despierto y soy capaz de hacer lo que me gusta y ganarme la vida".

Además de la donación de un millón de dólares a Feeding America, una organización benéfica fundada por John van Hengel, Casa de Hambrientos​ ha ayudado a financiar los esfuerzos de la Fundación de alimentación, iniciadas por Laura Bush,​ lo que le permitió distribuir más de dos millones de comidas escolares en toda África.​ También apoyó campañas contra el tráfico de personas y la violencia de pandillas cuando dirigió los videos de sus canciones " For a Better Day " y "Pure Grinding".​

En 2010, Avicii se embarcó en su primera gira mundial, empezando por Norteamérica y Europa del este.​​

En Norteamérica, comenzó en el Club Glow, en Washington D. C., en SET and Nikki Beachen Miami, en Pacha de Nueva York,en el Electric Zoo Festival, en la Isla Randall de Nueva York, en el Electric Daisy Carnival en Los Angeles Memorial Coliseum, en Ruby Skye de San Francisco, en Vision Night Club de Chicago, en The Guvernment Night Club de Toronto, en el Club Mansion de London y en Wet Republic Daylife en Las Vegas.

Estuvo también en numerosas ciudades europeas y lugares como Ushuaia en Ibiza, en Magaluf ( Mallorca), en el Opium (Barcelona) de Barcelona, en el Monaco International Clubbing Show del Grimaldi Forum de Mónaco, en el Fabulous Festival de Hertogenbosch, Países Bajos y en Tomorrowland de Bélgica, entre otros.

En Hispanoamérica participó en el Ultra Music Festival de 2013 y recorrió países como Argentina, Chile, Brasil, Colombia y Venezuela.

Algunos de estos conciertos han sido grabados por el canal de radio Sirius XM de música progressive y trance. El 23 de octubre de 2010, para reforzar su gira mundial, Avicii presentó un trabajo exclusivo de una hora en la radio Sirius XM.​ En noviembre de 2012 visitó El Salvador, dando un concierto en CIFCO. Su gira terminó el 10 de noviembre de 2012 con una presentación en la ciudad de Buenos Aires ante más de 30 000 espectadores.

El 29 de marzo de 2016, Avicii confirmó que ese año haría sus últimos espectáculos, aunque también había mencionado un posible regreso a la música, pero no se sabía cuándo.

Discografía

Videografía

Halperin, Shirley (20 de abril de 2018). "Geffen Records' Neil Jacobson on the Power of Avicii and Plans for Unreleased Music (EXCLUSIVE)" (en inglés). Variety.

""Die ganze Musik im Internet: Charts, Neuerscheinungen, Tickets, Genres, Genresuche, Genrelexikon, Künstler-Suche, Musik-Suche, Track-Suche, Ticket-Suche - musicline.de". musicline.de.

Halliday, Josh (16 de agosto de 2011). "Leona Lewis resolves legal dispute with Swedish DJ over new single". The Guardian (en inglés británico). .

Murray, Gordon. "Avicii Sets Mark; A Bundle of Brit."Billboard 21 December 2013: 181. ProQuest. Web. 5 October 2015

Browne, David. "Hot Funkmaster: Nile Rodgers." Rolling Stone 10 October 2013: 66,66,68. ProQuest. Web. 4 October 2015

Edwards, Gavin. "Avicii's Rock & Roll Blowout". Rolling Stone31 July 2014: 31. ProQuest. Web. 4 October 2015

"Avicii cause of death reported as 'blood loss' as family confirm DJ died by suicide". 1 de mayo de 2018.

Kaplan, Ilana (22 de mayo de 2018). "Avicii's family announce funeral plans saying it will host only 'the people who were closest to him'". The Independent.

Bain, Katie (21 de abril de 2018). "Avicii: the poster boy for EDM who struggled with the spotlight". The Observer (en inglés británico). .

"Avicii & Ash Pournouri Charity Tour - Houseforhunger.org". 14 de junio de 2012. Archivado desde el original el 14 de junio de 2012.

Rilling, Deanna (14 de agosto de 2010). "20-year-old prodigy DJ/producer Avicii headlines in Las Vegas". Las Vegas Sun (en inglés).

http:www.songkick.com/artists/3117626-avicii

(http://www.sirius.com/wo/i/area/avicii.pdf enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial, la primera versión y la última).

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Avicii - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Tim Bergling ( Estocolmo, 8 de septiembre de 1989- Mascate, 20 de abril de 2018),​ más conocido por su nombre artístico Avicii, fue un y compositor sueco, especializado en programación de audio, remezcla y producción de discos.​ A los 16 años, comenzó a publicar sus remixes en foros de música electrónica, lo que lo llevó a su primer contrato discográfico.​Alcanzó la fama en 2011 con su sencillo " Levels".

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Britney Spears

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will.i.am - Scream & Shout ft. Britney Spears

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Britney Spears

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Britney Spears - ...Baby One More Time (Official Video)

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Christina Aguilera:

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Christina Aguilera, Lil' Kim, Mya, P!nk - Lady Marmalade

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Christina Aguilera - Something's Got a Hold On Me (Burlesque) (Official Video)

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Rosalia

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ROSALÍA - A NINGÚN HOMBRE (Cap.11: Poder [Audio])

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Rosalia

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Nicki Minaj

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Nicki Minaj - Super Bass (Official Video)

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Nicki Minaj

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Madonna feat. M.I.A. and Nicki Minaj - Give Me All Your Luvin' (Official Video) [HD]

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Beyoncé - Single Ladies (Put a Ring on It) (Video Version)

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Lady Gaga - Born This Way (Official Music Video)

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Lady Gaga - Bad Romance (Official Music Video)

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Daviles de Novelda

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Daviles de Novelda Ft Moncho Chavea ~ (Otra Ocasión)

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David Barrull

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MEJOR BODA GITANA DEL 2017 Cancion de Novios con DAVID BARRULL

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Niña Pastori

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Niña Pastori - Válgame Dios (Torremolinos 22.6.2018)