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A Venezia, nel primo Cinquecento, si diffuse un nuovo genere, che vedeva per protagoniste giovani e bellissime donne nude e distese. Inaugurato da Giorgione, fu continuato da artisti come Palma il Vecchio, Lorenzo Lotto, Tiziano. I pittori declinavano l'amore attraverso queste donne: vediamo alcuni esempi.

L'allestimento delle sale degli Uffizi dedicate al Cinquecento veneto e toscano ch'è stato inaugurato nella primavera del 2019 consente di abbracciare, con un unico colpo d'occhio, due straordinarie opere collocate in due sale diverse ma comunicanti, di due pittori che vissero negli stessi anni (anzi: erano coetanei), che lavorarono nella stessa città, ovvero Venezia, e che condivisero l'edonismo che contraddistinse la pittura veneta d'inizio Cinquecento: sono la Venere di Urbino di Tiziano Vecellio (Pieve di Cadore, 1490 circa - Venezia, 1576) e La nuda di Bernardino Licinio (Venezia, 1485 circa - dopo il 1549). Opere entrambe realizzate nello stesso torno d'anni (è del 1538 la Venere di Urbino, mentre risale al 1540 circa La nuda), che risentono delle stesse atmosfere e s'inseriscono nella stessa moda, e che condividono diversi elementi, sebbene ce ne siano anche altri che le separano. Il più evidente comune denominatore di questa e di altre opere simili è però un genere molto in voga nella Venezia del tempo, di cui la Venere di Tiziano non è che l'episodio più celebre e noto: le giovani donne nude e distese che abbondano nella produzione dei pittori loro contemporanei.

Occorre tuttavia fare un passo indietro e tornare all'opera che diede origine a questo fortunato genere: la Venere dormiente, capolavoro di Giorgione (Giorgio Barbarelli?; Castelfranco Veneto, 1478 - Venezia, 1510), terminata dallo stesso Tiziano che avrebbe ridipinto il paesaggio (mentre secondo alcuni studiosi, in realtà, avrebbe ridipinto tutta l'opera). La prima menzione di questo quadro, oggi conservato alla Gemäldegalerie di Dresda, risale ad alcuni anni dopo la sua realizzazione: lo vide il letterato Marcantonio Michiel (Venezia, 1484 - 1552), nel 1525, nella casa del patrizio veneziano Girolamo Marcello, che con tutta probabilità fu il committente del dipinto. L'opera, invece, oggi è in Germania perché, se nel 1660 era ancora attestata in casa Marcello, nel 1697 finì sul mercato, e l'antiquario francese Le Roy la acquistò per Augusto di Sassonia: così, nel 1707, l'opera comparve per la prima volta negli inventarî della galleria tedesca, citata come Eine Venus mit einem Amorett von Giorgione (l'amorino accompagnava in antico la Venere prima che venisse ridipinta, come hanno dimostrato le radiografie). Nella sua Notizia d'opere di disegno, trattato pubblicato a Bassano nel 1530, Michiel descriveva l'opera come "la tela della Venere nuda che dorme in un paese cum cupidine fo de mano de Zorzo da Castelfranco, ma lo paese e la Cupidine forono da Titiano" (era stato quindi Michiel il primo a diffondere l'attendibile notizia dell'intervento del cadorino nel dipinto). Si trattava di un'opera decisamente innovativa, il cui significato è stato a lungo discusso. Per esplorarlo, si può cominciare con un'ipotesi formulata dalla storica dell'arte australiana Jaynie Anderson, tra i maggiori esperti dell'arte di Giorgione: secondo la studiosa, l'opera sarebbe stata eseguita per il matrimonio tra Girolamo Marcello e Morosina Pisani celebrato il 9 ottobre del 1507, e la Venere rappresenterebbe la bellezza che protegge la famiglia Marcello, che secondo i suoi membri avrebbe avuto origine dalla stirpe di Enea (e peraltro, com'è noto, lo stesso Enea era ritenuto figlio di Venere dalla mitologia).

La novità di Giorgione è interessante sia dal punto di vista iconografico, sia da quello iconologico. Prima della Venere di Dresda, nessun pittore aveva dipinto una divinità in questi termini: nuda, addormentata, distesa su di un lenzuolo posato sul un prato, sensuale fino a sfociare nell'erotismo (con anche una mano che accarezza i genitali: di questo gesto diremo meglio più avanti). L'invenzione è stata fatta risalire (ne parlò per primo Fritz Saxl nel 1935) a una xilografia, attribuita a Benedetto Bordone, che illustra l' Hypnerotomachia Poliphili, il celeberrimo romanzo allegorico stampato proprio a Venezia, nella tipografia di Aldo Manuzio, nel dicembre del 1499: qui, troviamo un soggetto classico, una Ninfa scoperta da un satiro, che sarebbe stato poi ripreso, in tutta la sua carnalità (ovviamente attenuata da Giorgione, che vi s'ispira per mere ragioni iconografiche), da numerosi artisti dal Cinquecento in poi. Questa peculiarità, che rende la Venere di Giorgione così fisica e seducente, è stata oggetto di diverse letture. La sensualità sarebbe stata voluta da Giorgione: per spiegarla, Maurizio Calvesi ha citato un passo dei Dialoghi d'amore, un trattato, pubblicato sempre da Manuzio, nel 1535, del filosofo portoghese Judá Abravanel (Lisbona, 1460 circa - Napoli, 1530 circa), noto in Italia come Leone Ebreo. Nel trattato si legge che i pittori "dipingono nuda" la dea Venere "perché l'amore non si può coprire, e ancora perché ella è carnale, e perché gli amanti si debbono trovare nudi". La Venere di Giorgione è dunque perfettamente e compiutamente calata in una dimensione terrena e sensoriale (ed è per questa ragione, secondo Calvesi, che con la mano si tocca il pube). La novità stava perciò nella scoperta, da parte del pittore, della bellezza fisica della donna: in uno studio del 1988, lo storico dell'arte Davide Banzato, nel concordare con quanti avevano riconosciuto a Giorgione "l'invenzione unica di una sessualità delle immagini", citava un passaggio di uno studio su Giorgione di Eugenio Battisti e Mary Lou Krumrine, secondo i quali "il naturalismo è uno strumento altamente fantastico per cui [...] l'apprezzamento estetico della bellezza femminile può e forse deve portare alla fruizione fisica di essa, con capacità ad un tempo di stimolo e liberatorie". La sensualità in rapporto alla potenzialità generatrice dell'amore spiega anche perché il dipinto sia da collocare in un contesto matrimoniale.

La Venere dormiente di Giorgione e la Nuda di Bernardino Licinio nelle sale degli Uffizi

Benedetto Bordone (attribuito), Scena con ninfa e satiro, dalla Hypnerotomachia Poliphili (1499, pubblicato da Aldo Manuzio in Venezia; incisione, foglio 29,5 x 22 cm)

Era dunque precisa intenzione di Giorgione, come del resto già aveva rilevato Pietro Zampetti negli anni Cinquanta, dipingere un nudo da contemplare, immerso in un idilliaco paesaggio, familiare al committente, che vi poteva agevolmente riconoscere le campagne attorno ad Asolo, luogo di abituali soggiorni di piacere del patriziato veneziano. Dopo Giorgione, questo genere conobbe una vasta e durevole fortuna: il più celebre degli artisti che ne raccolsero il testimone fu proprio Tiziano, con la sua Venere d'Urbino dipinta circa trent'anni dopo la Venere dormiente. E rispetto al suo mentore, Tiziano introdusse altri elementi che accentuarono alcuni caratteri della rivoluzione giorgionesca. Anche in questo caso, si tratta di un lavoro che fu probabilmente dipinto nel contesto dell'unione di una coppia: sappiamo infatti che l'opera fu eseguita nel 1538 per conto di Guidobaldo II della Rovere (Urbino, 1514 - Pesaro, 1574), duca di Urbino, che nel 1534 aveva sposato Giulia da Varano, e che nel marzo del 1538 aveva scritto a un suo agente a Venezia, Girolamo Fantini, di non partire dalla città lagunare senza due dipinti, ovvero un ritratto del duca e una "donna nuda", unanimemente identificata come la Venere di Urbino, che dunque quell'anno stava per essere finita e trasportata nella città marchigiana (che avrebbe poi lasciato nel 1631, in direzione Firenze, assieme a gran parte delle collezioni urbinati: erano la dote di Vittoria della Rovere, che aveva sposato Ferdinando II de' Medici, granduca di Toscana). Il primo a descriverla fu Giorgio Vasari, che nell'edizione del 1568 delle Vite la illustrò come "una Venere giovanetta a giacere, con fiori e certi panni sottili attorno, molto belli e ben finiti".

La Venere si palesa ben sveglia agli occhi del riguardante (John Shearman, nel suo celebre saggio Arte e spettatore nel Rinascimento italiano, scrive chiaramente che Tiziano aveva previsto uno spettatore nella struttura dell'opera, e quello spettatore altri non sarebbe stato che lo stesso Guidobaldo della Rovere), al contrario della Venere dormiente del Giorgione, e si presenta con alcuni attributi che rimandano chiaramente all' amore nuziale: le rose che la dea stringe nella mano destra (simbolo della costanza dell'amore, oltre che fiore sacro a Venere: assieme al vaso di mirto sul davanzale sono l'unico attributo che, nel dipinto, permette d'identificare la dea, dal momento che Tiziano ha rimosso ulteriori riferimenti alla mitologia), il cagnolino (simbolo di fedeltà), l'orecchino di perla (simbolo di purezza). E poi, il cassone nel quale stanno rovistando le due domestiche rimanda anch'esso a una camera matrimoniale (dal momento che, nel Rinascimento, era un mobile tipico della camera da letto), mentre l'ambientazione (un sontuoso interno con tende di velluto, con una bifora sullo sfondo, con i preziosi arazzi) richiama un'abitazione della nobiltà del tempo. È un'altra importante differenza rispetto alla Venere dormiente, che era invece immersa in un contesto bucolico: è probabile che il cambio d'ambientazione fosse dovuto alla necessità di continuare a garantire una facilità d'identificazione per il committente (la corte d'Urbino non andava in villeggiatura nella campagna veneta, e forse per questo Tiziano ha optato per un interno). Tutti questi elementi portano dunque a pensare che il senso non sia così diverso rispetto a quello della Venere dormiente, e che la Venere di Urbino non rappresenti, come da alcuni è stato ipotizzato, la celebrazione di un amore erotico, ma semmai di un amore coniugale, e la sensualità è da intendere come quella della moglie che si concede solo al marito. È comunque vero, come si può facilmente notare, che Tiziano accentua l'erotismo della Venere dormiente, che là era suggerito e qua è invece consapevole, dal momento che la dea di Tiziano invita scopertamente l'osservatore: è qui utile riprendere Shearman, secondo il quale la parte di chi guarda il dipinto è cambiata rispetto al quadro di Giorgione. La Venere di Urbino, è un "ritratto di una figura nuda in orizzontale che dirige lo sguardo al proprio amante", invenzione iconografica di Tiziano che rivolge un invito esplicito all'osservatore: la dea di Venere ha dunque una consapevolezza che quella del Giorgione non ha, e di conseguenza il ruolo dell'osservatore si trasforma. "Mentre la Venere di Giorgione è offerta passivamente alla nostra contemplazione", ha scritto lo storico dell'arte Daniel Arasse, "si offre 'consapevolmente' ad una contemplazione che essa stessa accetta". Ma non solo: "Giorgione", continua Arasse, "aveva collocato il corpo nudo in un paesaggio e vi aveva costruito echi mediati, sottili effetti di rima tra le curve del corpo e quelle della natura. Per contro, la Venere di Tiziano è vista in un interno di palazzo, dal quale il mondo della natura è appena intravisto attraverso la finestra. Con un semplice cambiamento di luogo, Tiziano fa del suo modello una donna che può essere reale, mentre la donna di Giorgione non poteva venire percepita che come un personaggio mitico".

Per quanto riguarda la Nuda di Bernardino Licinio, c'è intanto da specificare che dobbiamo l'odierno titolo allo storico dell'arte Detlev von Hadeln, che la pubblicò nel 1923 attribuendola per la prima volta al pittore veneto, ma non abbiamo attestazioni antiche: si può ipotizzare d'identificarla con una "nuda" che Michiel aveva visto nella camera da letto del mercante lombardo Andrea Odoni, ma non ci sono certezze al riguardo. È altamente probabile che Licinio abbia voluto raffigurare un'allegoria dell'amore come avevano fatto Giorgione e Tiziano (le due colombe che compaiono vicino alla donna nuda potrebbero essere un richiamo alla dea Venere, dato che sono animali sacri alla dea), ma è stato anche rilevato come ciò che differenzia Licinio dai due precedenti sia il tentativo di eliminare ogni aura mitologica dal soggetto. Una donna, dunque, dalla fisicità piena, terrena e invitante: non è neppure da escludersi che la donna raffigurata sia addirittura una cortigiana. Ipotesi che peraltro alcuni hanno formulato anche per la Venere di Urbino, anche se si tratta di una lettura che pare poco attendibile, dati gli evidenti richiami coniugali: più probabile, semmai, che la cortigiana sia quella dipinta da Licinio, e che quindi incarni un amore meno romantico rispetto a quello della dea tizianesca. Un'ulteriore declinazione dell'amore nella Venezia del Cinquecento.

L'eco dell'invenzione giorgionesca sarebbe durata a lungo nell'arte veneziana. Ci fu, intanto, chi la riprese per inserirla in composizioni di più ampio respiro. È il caso di Giovanni Bellini, che pochi anni dopo l'esecuzione della Venere dormiente (Venezia, 1433 circa - 1516) s'ispirò al più giovane collega dell'entroterra (i due erano separati da circa cinquant'anni d'età) per inserire una donna seminuda, sdraiata come la Venere dormiente, nel suo Festino degli dèi, opera del 1514 conservata alla National Gallery di Washington: è una ninfa (probabilmente Lotide) che viene insidiata dal dio Priapo, che s'avvicina furtivo mentre lei dorme. C'è però da dire che i due personaggi ricalcano fedelmente anche l'incisione dell' Hypnerotomachia Poliphili, opera che sicuramente Bellini conosceva, ed è pertanto difficile capire quale fosse la sua fonte e quanto esteso possa essere il ricorso a Giorgione, o in che modo il Giorgone possa aver orientato i suoi propositi. Lo stesso si può dire per Dosso Dossi (Giovanni Francesco di Niccolò Luteri; San Giovanni del Dosso?, 1489 circa - Ferrara, 1542), che adottò lo stesso schema nel suo Pan e la ninfa del 1524 circa, allegoria mitologica custodita oggi al Getty Museum di Los Angeles: anche qui troviamo una ninfa addormentata, attorniata da due figure femminili, mentre Pan sopraggiunge alle loro spalle. Com'è tipico del pittore ferrarese d'adozione, è estremamente difficile ricostruire la trama del dipinto: possiamo però dire che Dosso, dal momento che ben conosceva le opere di Giorgione, potrebbe aver tratto dal pittore di Castelfranco il motivo della donna nuda sdraiata nel paesaggio (paesaggio che, in Dosso, è peraltro spiccatamente giorgionesco).

Chi apprezzò particolarmente l'idea di Giorgione fu Palma il Vecchio (Jacopo Negretti; Serina, 1480 circa - Venezia, 1528): la sua Ninfa in un paesaggio, anch'essa conservata alla Gemäldegalerie di Dresda, non è che l'esempio forse più famoso di un gruppo di opere similari, come la Venere in un paesaggio della Courtauld Gallery di Londra, che si differenzia da quella di Dresda perché, contrariamente a quest'ultima, si copre il pube, o come la Venere e Cupido in un paesaggio del Norton Simon Museum di Pasadena, copia di quella londinese con la semplice aggiunta del piccolo dio dell'amore, o ancora come la Venere e cupido del Fitzwilliam Museum, dove la sensualissima dea riceve una freccia dal figlio (anche se non sappiamo chi la stia passando a chi: è probabile però che Palma il Vecchio abbia qui voluto illustrare l'antefatto della storia di Venere e Adone, con la dea che, per errore, si colpisce con una freccia di Cupido e s'innamora del bellissimo giovane). La Ninfa, tuttavia, è concettualmente più simile all'opera di Licinio (benché precedente: è databile al 1518-1520 circa) che a quella di Giorgione: nonostante, rispetto alle donne di Giorgione e Licinio, quella di Palma sia desta e fissa l'osservatore negli occhi, qui cade ogni riferimento alla dea dell'amore (certo, anche in Giorgione i legami erano labili: la posa, che richiamava quella della Venus pudica che si copriva il pube, e il legame con le origini della famiglia), e la mano è lontana dei genitali, segno che questa ninfa, dato anche il suo atteggiamento, parrebbe non aspettare altro che di concedersi. Lo studioso Mauro Zanchi si è a lungo soffermato sulla Ninfa, motivandola su basi letterarie, in particolare chiamando in causa gli Asolani di Pietro Bembo (Venezia, 1470 - Roma, 1547), dove, scrive Zanchi, "le donne sono considerate come le ninfe dei boschi, in grado di incantare gli uomini con un solo sguardo e di attrarre con la bellezza del loro corpo nudo, a volte diventando un ostacolo sulla via tortuosa che conduce al raggiungimento dell'elevazione morale". Si potrebbe leggere così la Ninfa, ma lo stesso storico dell'arte avvisa che, nella stessa produzione di Palma il Vecchio, si possono cogliere anche messaggi opposti, come nel caso delle Veneri, che diventano "sintesi di un ideale di bellezza virginale", tanto più che il pittore parrebbe quasi introdurre una doppia identificazione, che somma a Venere alcune caratteristiche della dea Artemide, notoriamente vergine (si può considerare "il gesto della mano sinistra a V capovolta un attributo di Diana", e si può pensare "che il dio dell'amore stia consegnando una freccia che potrebbe essere anche tolta dalla faretra della dea lunare": il gesto delle dita a forbice compare spesso nelle ninfe di Palma). Diana è peraltro protagonista assieme ad altre ninfe in un dipinto conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna: opere come quelle appena passate in rassegna, per Zanchi potrebbero anche contenere dei "messaggi 'protofemministi'" in quanto le composizioni sono affollate di donne "emancipate" (una lettura probabilmente troppo spinta: anche perché, se è vero che nel primo Cinquecento la donna godette di una condizione migliore rispetto a quella di cui aveva potuto beneficiare in epoche precedenti, questo era vero solo per alcune città e, ovviamente, per i ceti più alti della società).

Allo stesso clima appartengono altre opere, come la cosiddetta Venere in un paesaggio di Giovanni Cariani (Fuipiano al Brembo, 1485 circa - Venezia, 1547), chiamata "Venere" pur senza che ci sia evidenza di dettagli che possano identificarla con certezza come la dea dell'amore, o la splendida Venere e Cupido di Lorenzo Lotto (Venezia, 1480 - Loreto, 1556/1557), conservata al Metropolitan Museum di New York e quasi sicuramente eseguita, anche in questo caso, in occasione d'un matrimonio (forse quello tra due nobili bergamaschi, Girolamo Brembati e Caterina Suardi: all'epoca, Bergamo faceva parte della Repubblica di Venezia). Dei dipinti visti sin qui, quello di Lorenzo Lotto è il più ricco di rimandi simbolici: le rose, gli orecchini di perla, la cornucopia (simbolo di fecondità e di prosperità), il mirto (allusione all'amore), il diadema (che era tipico delle spose), il braciere (altro rimando al matrimonio, dal momento che si trattava di un oggetto che arredava le camere matrimoniali del tempo). È incredibilmente curioso lo scanzonato e goliardico atteggiamento di Cupido, impegnato a esibirsi in un' acrobatica minzione attraverso la ghirlanda: questo gesto è stato letto come un simbolo di fertilità, dal momento che la mimica richiama la penetrazione e la conseguente eiaculazione. C'è infine da aggiungere un'ultima opera, che apporta ulteriori motivi di discussione: è la Venere di Giulio Campagnola (Padova, 1482 - dopo il 1515), quella che cronologicamente è più vicina alla Venere di Giorgione, essendo stata realizzata attorno al 1510.

L'incisione di Campagnola è interessante perché, al contrario di ciò che accade per tutte le Veneri e di tutte le ninfe viste sin qui, la protagonista dà le spalle al riguardante, ma ciò non le impedisce di tenere una mano tra le gambe. Questo gesto è stato letto dalla storica dell'arte Maria Ruvoldt come un'allusione a una masturbazione. C'è da dire che la studiosa interpretava anche il gesto della Venere di Giorgione allo stesso modo, e almeno per Campagnola non ci sarebbero grossi margini di dubbio, secondo lei: il fatto è che le gambe della dea non sono incrociate, ma sono anzi leggermente divaricate, segno che probabilmente la Venere dell'artista padovano sta introducendo una mano per procurarsi piacere. Non sappiamo se sta riposando o se ha gli occhi chiusi perché sta godendo pienamente il momento che si è concessa per sé: ad ogni modo, ancor più interessante è cercare di comprendere per quale ragione dia le spalle all'osservatore. Probabilmente è come se Campagnola abbia voluto instaurare una sorta di barriera tra la donna e chi la guarda: la sua incisione non è una celebrazione dell'amore coniugale, ma è semmai un ulteriore inno alla sensualità, e questa distanza dall'uomo che la desidera (e che potrebbe rimandare a Petrarca) la rende seducente ma lontana. È in questa ambiguità che probabilmente risiede il senso della raffigurazione. Scrive Ruvoldt che "stimolando il desiderio del riguardante e forzandone però il suo annullamento, la donna sembra spingere l'osservatore al di là del tangibile, al di là degli aspetti fisici del desiderio, così da raggiungere quella trascendenza spirituale che rende possibile l'amore".

La masturbazione, si diceva, è stata chiamata in causa anche per la Venere dormiente (oltre che, si potrebbe aggiungere, per la Venere di Urbino): il gesto delle dee, in effetti, lascia spazî aperti a queste possibilità d'interpretazione. Le due poetesse Katharine Harris Bradley ed Edith Emma Cooper, che a fine Ottocento scrissero sotto lo pseudonimo maschile Michael Field, dedicarono alla Venere di Giorgione una poesia, intitolata The Sleeping Venus, dove si parla in maniera palese di piacere autoprovocato: "Her hand the thigh's tense surface leaves, / Falling inward. Not even sleep / Dare invalidate the deep, / Universal pleasure sex / Must unto itself annex / Even the stillest sleep; at peace, / More profound with rest's increase, / She enjoys the good / Of delicious womanhood". È risaputo che i trattati medici dell'antichità (da Galeno in poi), per continuare con quelli medievali, associassero l' orgasmo della donna alla fertilità, e di conseguenza la masturbazione femminile era accettata e consigliata dai medici in quanto ritenuta funzionale alla procreazione. In sostanza, un ulteriore modo di vedere l'amore: non sappiamo se poi questa lettura possa effettivamente trovare una corrispondenza con la realtà, ma c'è anche da dire che l'alta società veneziana del primo Cinquecento era molto aperta e tollerante, e che simili rimandi non sono poi così strani in un dipinto prodotto da quel contesto così colto e sensibile.

Bibliografia di riferimento

Loren Partridge, Art of Renaissance Venice, 1400–1600, University of California Press, 2015

Antonio Paolucci, Lionello Puppi, Enrico Maria Dal Pozzolo, Giorgione. Dipinti e misteri di un genio, catalogo della mostra (Castelfranco Veneto, Museo Casa Giorgione, dal 12 dicembre 2009 all'11 aprile 2010), Skira, 2009

Sergio Momesso, Bernardino Licinio, L'Eco di Bergamo - Museo Bernareggi, 2009

Filippo Pedrocco, Tiziano, Rizzoli, 2000

Philip Rylands, Palma il Vecchio, Cambridge University Press, 1992

Davide Banzato, Giorgione. Tutta la pittura, Nardini, 1988

Daniel Arasse, Tiziano: Venere d'Urbino, Arsenale, 1986

Fiorenza Scalia, Beatrice Paolozzi Strozzi, L'Opera ritrovata. Omaggio a Rodolfo Siviero, Cantini, 1984

Jaynie Anderson, Giorgione, Titian and the Sleeping in AA.VV., Tiziano e Venezia, atti del convegno (Venezia, Università degli Studi, dal 27 settembre al 1° ottobre 1976), Neri Pozza, 1980

Pietro Zampetti (a cura di), Giorgione e i giorgioneschi, catalogo della mostra (Venezia, Palazzo Ducale, dall'11 giugno al 23 ottobre 1955), Casa editrice Arte Veneta, 1955

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Ninfe e Veneri nel primo Cinquecento veneto, da Giorgione a Tiziano: l'amore in tutti i suoi significati

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A Venezia, nel primo Cinquecento, si diffuse un nuovo genere, che vedeva per protagoniste giovani e bellissime donne nude e distese. Inaugurato da Giorgione, fu continuato da artisti come Palma il Vecchio, Lorenzo Lotto, Tiziano. I pittori declinavano l'amore attraverso queste donne: vediamo alcuni esempi.

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Ciao ragazzi, buona domenica. Perdonate se mi catapulto nella vostra vita in questo giorno di pausa, ma sto provando ad organizzare le attività a distanza per tutte le classi. Allora: le nostre future lezioni, che come temo potrebbero tenersi a distanza ancora per molto tempo, si svolgeranno sulla piattaforma Weschool, come ho già indicato anche nel registro. Per accedere alla nostra classe virtuale dovrete accedere al link https://app.weschool.com/#/join/NONCIFERMERAI2020 Per accedere vi servirà il codice NONCIFERMERAI2020 per i minorenni sarà necessario che i genitori autorizzino per l'accesso. Attraverso questa modalità potremmo interagire in modalità "live" già dal primo giorno di lezione utile. Quindi mi raccomando tutti presenti! Belli come sempre!

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Una distesa di neve, una mappa, una bussola e i suoi passi. Sono gli strumenti di lavoro di Simon Beck, creatore di questi straordinari disegni. La sua ultima opera è apparsa sulle vette di Saint Gervais les Bains in Francia, a un passo dal confine con l'Italia. L'artista, inglese, ha un backround in mapping e orienteering, studi e passione diventati arte. Passo dopo passo, le sue imprese sono descritte su Facebook: "Oggi ho sbagliato i calcoli e ho fatto il cerchio centrale troppo largo, così tutto il disegno è venuto più grande. Allora ho deciso di fare prima le aree con la neve più profonda e lasciare la parte più facile da terminare per quando sarei stato stanco. La neve era più profonda di quanto previsto e non ho mai avuto l'aspettativa realistica di completarlo. Alla fine la batteria della mia torcia si è esaurita". Epilogo sfortunato di un'ordinaria giornata di arte e fatica.

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Le opere di Simon Beck che 'dipinge'... camminando sulla neve

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Una distesa di neve, una mappa, una bussola e i suoi passi. Sono gli strumenti di lavoro di Simon Beck, creatore di questi straordinari disegni. La sua ultima opera è apparsa sulle vette di Saint Gervais les Bains in Francia, a un passo dal confine con l'Italia.

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Architetto, pittore, scenografo, Gian Lorenzo Bernini è uno dei maggiori scultori del '600 italiano. Le sue opere tendono a superare i limiti della scultura, dialogano con lo spazio architettonico e urbano, e interpretano la tendenza del periodo barocco a fondere tutte le arti. Figlio dello scultore fiorentino Pietro Bernini, Gian Lorenzo nasce a Napoli il 7 dicembre del 1598. Il padre rientra a Roma con la famiglia nel 1605 per lavorare nei cantieri di papa Paolo V Borghese; proprio in questa città Gian Lorenzo compie la sua formazione artistica studiando la scultura classica e la pittura di Caravaggio. Inizialmente allievo del padre, ne diventa poi uno dei collaboratori; la sua grande abilità nell'arte scultorea emerge fin dalle prime opere, realizzate intorno al 1615.

Tra i suoi committenti iniziali ci sono le grandi famiglie patrizie di Roma: i Borghese, i Barberini e gli Aldobrandini. Per il cardinale Scipione Borghese esegue quattro gruppi scultorei che lo tengono impegnato dal 1619 al 1625. Si tratta di Enea e Anchise, del Ratto di Proserpina, del David e di Apollo e Dafne, opere dal potente dinamismo, dall'efficace virtuosismo tecnico, e dall'espressiva rappresentazione psicologica. Successivamente Bernini viene scelto da Maffeo Barberini, il futuro papa Urbano VIII, per la realizzazione di spettacolari progetti urbanistici e architettonici a Roma. Esegue due tra i suoi capolavori: l'innovativo Baldacchino di San Pietro, con le sue colonne tortili, e l'imponente Monumento funebre di Urbano VIII, commissionato nel 1628. Nel 1629 Bernini, al culmine della fama, viene nominato architetto di San Pietro.

Quando però diventa papa Innocenzo X, la carriera di Gian Lorenzo subisce una battuta d'arresto: il suo ruolo di primo piano nel cantiere della famosa basilica è messo in discussione dal cedimento di uno dei campanili da lui stesso progettati: l'architetto preferito del nuovo papa diventa Francesco Borromini. In questi anni, nella Cappella Cornaro, Bernini inserisce L'estasi di Santa Teresa d'Avila, complesso scultoreo che spicca per il sensuale misticismo della santa, e per la suggestiva impostazione scenografica. Su commissione di Innocenzo X, negli anni a cavallo del 1650, realizza la Fontana dei Quattro Fiumi di piazza Navona; l'opera è ricca di riferimenti allegorici e naturalistici dallo spettacolare impatto visivo, volto a suscitare meraviglia. Negli anni successivi Bernini si dedica soprattutto alla realizzazione di progetti architettonici, come il Palazzo di Montecitorio a Roma, la Chiesa di Sant'Andrea al Quirinale, ed è incaricato di seguire la conclusione dei lavori per l'emiciclo di piazza San Pietro: tutta la piazza è avvolta nell'abbraccio del suo colonnato. Gian Lorenzo Bernini muore il 28 novembre del 1680, all'età di quasi 82 anni.

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Architetto, pittore, scenografo, Gian Lorenzo Bernini è uno dei maggiori scultori del '600 italiano. Le sue opere tendono a superare i limiti della scultura, dialogano con lo spazio architettonico e urbano, e interpretano la tendenza del periodo barocco a fondere tutte le arti.

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Buon anno ragazzi, fissiamo la verifica su Michelangelo e Raffaello per venerdì 10.

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Il Barocco è un movimento artistico che si sviluppa nel corso del Seicento. Riguarda principalmente l'architettura e le arti figurative, coinvolge però anche la letteratura, il teatro e la musica. Nato in Italia, si diffonde negli altri paesi dell'Europa cattolica. In seguito, è esportato nelle colonie portoghesi e spagnole dell'America Latina. L'arte barocca è sontuosa e spettacolare. È caratterizzata da linee curve e superfici mosse, da forti contrasti di luce e ombra, dalla ricerca di effetti drammatici. Prevale l'intento di suscitare stupore e meraviglia, intento che si ritrova sia nelle arti visive che in letteratura, teatro e poesia.

Il termine "barocco" sembra derivare dall'espressione portoghese aljofre barroco, che indica una perla di forma irregolare. Nel Settecento, la definizione è usata in senso spregiativo dai critici di orientamento classicista, che deprecano lo stile barocco, ritenuto bizzarro ed eccentrico. Tra l'Ottocento e il Novecento si assiste invece a una rivalutazione dell'arte barocca, considerata come originale espressione della cultura seicentesca. Nel Seicento, gli equilibri che avevano dominato l'epoca rinascimentale si incrinano. Le scoperte scientifiche dimostrano che l'uomo non è al centro dell'universo. Ne deriva un'immagine della realtà molto complessa e articolata, che si traduce nelle forme sovraccariche dell'arte barocca. Nelle opere di questo periodo, la prospettiva centrale lascia il posto a una molteplicità di punti di vista che complica la visione.

Tra i massimi esponenti dell'arte barocca spicca Gian Lorenzo Bernini. Scultore e architetto, lavora prevalentemente a Roma. A lui si deve il grandioso colonnato di Piazza San Pietro, realizzato in forma ellittica a simboleggiare l'abbraccio della Chiesa verso i suoi fedeli. Le sculture di Bernini, caratterizzate da elaborati panneggi e dalla ricerca di effetti drammatici, esprimono appieno la sensibilità barocca. Negli stessi anni, Pietro da Cortona decora chiese e palazzi con affreschi spettacolari, che sembrano sfondare il soffitto e le pareti, dilatando gli spazi.

Elementi di gusto barocco si ritrovano anche nella pittura di Pieter Paul Rubens, basata sull'estrema ricchezza dei colori e delle forme. Il celebre artista fiammingo compie lunghi soggiorni in Italia e in Spagna, influenzando gli artisti locali con il suo stile magniloquente. Se l'arte barocca ha il suo epicentro a Roma, la letteratura e il teatro trovano i loro massimi esponenti in Spagna. Nelle poesie di Luis de Gongóra, ricche di metafore e di allegorie, ricorre lo stesso gusto per la meraviglia che caratterizza le arti visive. Elementi simbolici e fantastici ricorrono nelle commedie di Pedro Calderón de La Barca, che tratta con fervore anche argomenti religiosi. Il gusto barocco si diffonde in tutta Europa, sostenuto dalla Chiesa e dalla nobiltà, che attraverso le arti esibiscono il proprio potere. Numerose opere di arte barocca si trovano nelle chiese, nei palazzi e nei musei di Roma. Esempi di architettura barocca si trovano anche in Puglia, a Lecce, e in Sicilia, a Noto.

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Il Barocco è un movimento artistico che si sviluppa nel corso del Seicento. Riguarda principalmente l'architettura e le arti figurative, coinvolge però anche la letteratura, il teatro e la musica. Nato in Italia, si diffonde negli altri paesi dell'Europa cattolica. In seguito, è esportato nelle colonie portoghesi e spagnole dell'America Latina.

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La Scuola di Atene è un affresco del pittore Raffaello Sanzio realizzato tra il 1510 e il 1511. In un edificio ideale Aristotele e Platone occupano il centro di un consesso di filosofi antichi. All'inizio del '500 la fama dei quadri di Raffaello sul tema della Vergine è giunta fino a Roma. Nel 1508 Raffaello viene introdotto dall'architetto Bramante alla corte pontificia che proprio in questi anni inaugura una nuova stagione di committenza artistica e diventa centro d'incontro di umanisti e eruditi di tutta Italia. Papa Giulio II della Rovere affida a Raffaello il compito di dipingere le Stanze Vaticane operando una sintesi tra cultura classica e messaggio cristiano. La biblioteca privata del Papa si trova nella Stanza della Segnatura; Raffaello realizza un complesso pittorico che ne decora le pareti e comprende 4 affreschi, metafore della Verità spirituale, del giusto e del bello. Il quarto, allegoria della verità razionale, è La Scuola d'Atene, imponente affresco lungo 7 metri e 70. La composizione mostra linee di fuga che convergono verso il centro del dipinto. Il vasto edificio marmoreo è decorato con sculture pagane. Le statue di Apollo e Minerva rappresentano il mondo del mito.

Nei lineamenti di Platone è riconoscibile il volto di Leonardo. Si trova al centro dell'affresco e indica il cielo, il mondo delle idee; alla sua sinistra Aristotele rivolge la mano verso il basso, il mondo naturale. Socrate, invece, dialoga con i cittadini ateniesi. Attorno si riconoscono altri celebri filosofi e matematici: Pitagora, Zenone e Diogene. Euclide istruisce gli allievi, il suo volto è quello del Bramante. Vicino a lui, Zoroastro sorregge la sfera celeste; Tolomeo la sfera terrestre. Eraclito, pensoso, ha i tratti del pittore Michelangelo. Raffaello avrebbe deciso di omaggiarlo dopo aver visto i suoi affreschi della Cappella Sistina nell'estate del 1511. 4 personaggi rivolgono lo sguardo allo spettatore creando un effetto di grande coinvolgimento emotivo: sono la figura con la veste bianca, i 2 fanciulli, e Raffaello stesso che si autoritrae. I concetti astratti della filosofia sono umanizzati dalla gestualità naturale dei filosofi che dialogano. Lo stile pittorico è monumentale. I 4 archi dell'edificio affrescato seguono uno schema compositivo ritmico, che crea un effetto ottico di grande profondità prospettica. Il 22 aprile 1996 La Scuola d'Atene viene svelata dopo il restauro. Durante i lavori vengono alla luce una serie di impronte rimaste nello stucco fresco che apparterrebbero, con buona probabilità, proprio a Raffaello. La Scuola di Atene è tuttora visibile a Roma presso i Musei Vaticani.

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"La Scuola di Atene" è un affresco del pittore Raffaello Sanzio realizzato tra il 1510 e il 1511. In un edificio ideale Aristotele e Platone occupano il centro di un consesso di filosofi antichi. Si trova a Roma presso i Musei Vaticani.

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Scultore, pittore e architetto, Michelangelo Buonarroti è uno dei grandi maestri del Rinascimento, periodo in cui una grande fioritura artistica e culturale si diffonde da Firenze in tutta Europa. Michelangelo nasce il 6 marzo 1475 a Caprese, vicino ad Arezzo, da una famiglia fiorentina. A 13 anni si trasferisce a Firenze, la città è governata da Lorenzo de'Medici, mecenate e letterato. Va a bottega dal pittore Domenico Ghirlandaio, dove studia i dipinti di Giotto e Masaccio. Se ne va prima di finire l'apprendistato. Michelangelo si sente infatti scultore. Colpito dalla bellezza delle sue prime sculture, Lorenzo de'Medici lo invita a corte dove Michelangelo studia anatomia osservando le statue classiche della collezione Medici.

Nel 1496 è a Roma dove si cimenta in uno dei grandi soggetti della tradizione iconografica cattolica: La Pietà. Le due figure sono ricavate da un unico blocco. Per Michelangelo la scultura è imprigionata nel marmo, all'artista spetta solo il compito di liberarla. Nel 1501 è a Firenze dove realizza il David. Scolpisce l'eroe biblico nell'attimo che precede l'azione. In occasione delle nozze del nobile Angelo Doni dipinge il Tondo Doni. La torsione dei busti e la plasticità dei gesti danno alla composizione un energico dinamismo. Nel 1504 viene affidata a Michelangelo e a Leonardo la realizzazione degli affreschi per Palazzo Vecchio. I due artisti sono da sempre rivali. Michelangelo è più giovane e insidia la fama del grande maestro.

La sfida non avviene; Papa Giulio II chiama Michelangelo a Roma per la realizzazione della propria tomba. Il carattere sospettoso e turbolento di Michelangelo contribuirà a ritardare di molti anni la conclusione dei lavori. Nel 1508 gli viene affidato l'affresco della Cappella Sistina in Vaticano. Michelangelo è titubante, non si sente un pittore. Poi accetta. Dipinge da solo, sdraiato supino sui ponteggi, per 4 anni. Nella Sistina, lo stile di Michelangelo si manifesta in tutta la sua forza espressiva: monumentalità dei corpi nudi e torsione drammatica dei busti indicano il superamento dell'idea rinascimentale secondo cui l'arte deve imitare le proporzioni naturali della figura umana. Intorno al 1516 ritorna a Firenze con il duplice ruolo di architetto e scultore.

Nella Firenze repubblicana Michelangelo si impegna in prima persona e ricopre incarichi pubblici. Nel 1534 torna a Roma. Sulla parete di fondo della Cappella Sistina realizza il Giudizio Universale: elimina la divisione in scene e la prospettiva, stravolgendo la tradizione pittorica. Negli ultimi anni si dedica soprattutto all'architettura. A 72 anni diventa direttore dei lavori per la costruzione della Basilica di S.Pietro. Muore il 18 Febbraio 1564, mentre lavora alla Pietà Rondanini. È considerato un artista geniale. La sua autorità nella storia dell'arte rimane ancora oggi indiscussa.

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Michelangelo Buonarroti è uno scultore, pittore e architetto del Rinascimento italiano. Vive tra il 1475 e il 1564. Considerato un artista geniale, la sua autorità nella storia dell'arte rimane ancora oggi indiscussa. Tra le sue opere più note c'è il "David".

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La Cappella Sistina è una chiesa ad una navata che si trova all'interno della Città del Vaticano. Di forma rettangolare, le sue misure sono circa 41 metri di lunghezza, 13 di larghezza e 20 di altezza. Secondo alcuni studiosi le dimensioni ricalcano quelle dell'antico Tempio di Salomone a Gerusalemme.Nasce dal restauro della Cappella Magna e deve il nome a Sisto IV, il pontefice che intorno al 1475 avvia i lavori. La decorazione è affidata a grandi artisti come il Perugino, il Ghirlandaio e Sandro Botticelli. Gli affreschi delle pareti hanno tre temi principali: la vita di Mosè, la vita di Cristo e i ritratti dei pontefici del passato. La volta riproduce un cielo stellato. Nel 1508, Papa Giulio II decide di arricchire le decorazioni della volta. Affida l'incarico al pittore e scultore toscano Michelangelo Buonarroti. Nell'arco di 4 anni Michelangelo realizza un affresco maestoso. La parte centrale della volta racchiude passaggi della Genesi: la creazione di Adamo, il diluvio universale, la missione di Noè. A fare da cornice a questa narrazione, Michelangelo dipinge immagini di Sibille e Profeti. La plasticità di queste figure e il loro isolamento creano una sensazione di profonda spiritualità. A vent'anni di distanza, Michelangelo è chiamato per un nuovo lavoro nella Cappella Sistina. Gli viene commissionata la realizzazione della grande parete alle spalle dell'altare: l'opera deve rappresentare il momento travagliato che la Chiesa sta attraversando. È infatti il periodo di poco successivo alla riforma del monaco tedesco Martin Lutero: solo pochi anni prima si è verificato il cosiddetto Sacco di Roma, l'invasione della città ad opera di mercenari tedeschi protestanti.

Michelangelo copre le decorazioni esistenti e realizza un secondo affresco. È il Giudizio Universale, largo circa 14 metri e alto 12. Michelangelo pone come sfondo un cielo privo di riferimenti prospettici e lo riempie di figure umane strette in piccoli gruppi. L'eccezionale dinamismo delle immagini riesce a riprodurre il sentimento di forte angoscia dell'umanità di fronte al tribunale divino. Le nudità presenti nel Giudizio Universale provocano grandi critiche e nel corso degli anni diversi pittori sono chiamati a coprirle. Questo incidente di percorso non incide sulla fortuna delle opere. Nei suoi affreschi, Michelangelo unisce un sincero sentimento di fede cristiana ad una grande attenzione all'uomo e alla sua condizione, rendendo la Cappella Sistina un simbolo del Rinascimento. Ancora oggi la cappella è la sede del conclave, l'assemblea di cardinali che elegge il nuovo Papa. La Cappella Sistina si trova all'interno dei Musei Vaticani, nella Città del Vaticano.

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La Cappella Sistina è una chiesa ad una navata che si trova all'interno della Città del Vaticano. Di forma rettangolare, le sue misure sono circa 41 metri di lunghezza, 13 di larghezza e 20 di altezza.

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Raffaello Sanzio è un pittore e architetto italiano. Nasce a Urbino il 6 aprile 1483. A otto anni perde la madre. Il padre è Giovanni Santi, un pittore affermato che si accorge presto delle doti naturali del figlio e diventa il suo primo maestro. A Urbino Raffaello studia i capolavori del pittore Piero della Francesca, che aveva lavorato nella città sul finire del '400. Quando a 11 anni perde anche il padre, Raffaello è già a bottega dal noto pittore chiamato Perugino. A 17 anni finisce l'apprendistato. Con il titolo di Maestro può ora esercitare come pittore. Le opere di questi anni sono influenzate dal Perugino.

Con Lo Sposalizio della Vergine, soggetto già dipinto dal Perugino, l'allievo supera il maestro. Raffaello non rivoluziona il linguaggio pittorico: fa suoi i risultati degli altri e li supera in naturalezza della composizione e controllo della prospettiva. Dal 1504 è a Firenze, la città vive un momento di grande vitalità creativa. Qui lavorano maestri come Leonardo e Michelangelo. Raffaello studia i loro lavori, ne assorbe il linguaggio pittorico e lo reinterpreta con una grande finezza di tocco. Lavora ad alcune variazioni sul tema della Vergine, soggetto che lo accompagnerà per tutta la vita.

Elabora un'estetica in cui naturalezza del gesto e bellezza idealizzata sono in perfetto equilibrio. La sua fama giunge a Roma, dove si trasferisce nel 1508. Viene introdotto alla corte pontificia dal famoso architetto Bramante. Diviene il pittore ufficiale di papa Giulio II e del suo successore Leone X. Nel 1508 inizia gli affreschi delle Stanze Vaticane. Nella biblioteca, detta anche Stanza della segnatura, dipinge la Scuola d'Atene, che raffigura i maggiori filosofi dell'antichità. Lo stile pittorico si fa grandioso e monumentale, l'architettura dipinta e quella reale si armonizzano perfettamente.

Accovacciato sulle scale, vicino a Aristotele e Platone, il filosofo Eraclito ha il volto di Michelangelo, un omaggio all'artista rivale che in questi stessi anni dipinge la Cappella Sistina. Nel 1514 muore Bramante, Raffaello lo sostituisce alla sovrintendenza per la costruzione della Basilica di S. Pietro. Nel 1519 inizia la sua ultima opera: La Trasfigurazione, apparizione di Gesù agli apostoli. L'esecuzione è faticosa, Raffaello è preda di una forte crisi emotiva. Muore, al culmine della gloria, il 6 aprile 1520 a Roma, nel giorno del suo trentasettesimo compleanno. LaTrasfigurazione, non ultimata, verrà posta al suo capezzale.

Viene sepolto nel Pantheon. Il suo epitaffio è scritto dal letterato Pietro Bembo: "Qui giace Raffaello, dal quale la natura temette mentre era vivo di essere vinta, ma ora che è morto teme di morire" Oggi è considerato il più grande pittore del rinascimento per la perfezione formale e la grazia delle sue opere.

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Raffaello Sanzio è un pittore e architetto italiano. Di origine marchigiana, vive tra il 1483 e il 1520. Considerato il più grande pittore del Rinascimento per la perfezione formale e la grazia delle sue opere, è sepolto a Roma nel Pantheon.

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Michelangelo dipinse questa Sacra Famiglia per Agnolo Doni, mercante fiorentino il cui prestigioso matrimonio nel 1504 con Maddalena Strozzi avvenne in un periodo cruciale per l'arte a Firenze di inizio secolo. La compresenza in città di Leonardo, Michelangelo e Raffaello apportò uno scatto di crescita al già vivace ambiente fiorentino, che nel primo decennio del secolo visse una stagione di altissimo fervore culturale. Agnolo poté quindi celebrare le sue nobili nozze e la nascita della sua primogenita con alcune delle massime espressioni di questa eccezionale fioritura: i ritratti dei due coniugi dipinti da Raffaello, e il tondo di Michelangelo, che è l'unico dipinto certo su tavola del maestro. Michelangelo aveva da poco studiato le potenzialità del formato circolare, molto apprezzato nel primo Rinascimento per gli arredi devozionali domestici, nei marmi del "Tondo Pitti" (Museo Nazionale del Bargello) e del "Tondo Taddei" (Royal Academy di Londra): in entrambi i casi la Madonna, il Bambino e San Giovannino occupano prepotentemente tutta la superficie del rilievo. Anche il "Tondo Doni" è concepito come una scultura, in cui la composizione piramidale del gruppo si impone su quasi tutta l'altezza e la larghezza della tavola. E' stato notato che, nella sua compattezza, il gruppo ricorda la struttura di una cupola, tuttavia animata al suo interno dalle torsioni dei corpi e dalla concatenazione dei gesti per il passaggio delicatissimo del Bambino dalle mani di San Giuseppe a quelle della Vergine. Questa composizione così articolata ed espressiva scaturisce dalla conoscenza e dallo studio da parte di Michelangelo dei grandi marmi del periodo ellenistico (III-I secolo a. C.), contraddistinti da movimenti serpentinati e forte espressività, che stavano emergendo dagli scavi delle ville romane. Alcuni di questi importanti ritrovamenti, come l'Apollo del Belvedere e il Laocoonte scavato nel gennaio 1506, sono citati puntualmente nel quadro fra le figure di nudi in piedi, appoggiati a una balaustra (rispettivamente a sinistra e a destra di San Giuseppe). La presenza di Laocoonte permette di avanzare per il tondo una datazione che coincide con la nascita di Maria Doni (settembre 1507). I giovani nudi, la cui identificazione è complessa, sembrano rappresentare l'umanità pagana, separata dalla Sacra Famiglia da un basso muretto che rappresenta il peccato originale, oltre il quale c'è anche San Giovannino, che favorirebbe l'interpretazione battesimale del dipinto.

La cornice del tondo, probabilmente su disegno di Michelangelo è stata intagliata da Francesco del Tasso, esponente della più alta tradizione dell'intaglio ligneo fiorentino. Vi sono raffigurate la testa di Cristo e quelle di quattro profeti, circondate da grottesche e racemi, in cui sono nascoste, in alto a sinistra, delle mezze lune, insegne araldiche della famiglia Strozzi.

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Sacra famiglia, detta "Tondo Doni" | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Michelangelo dipinse questa Sacra Famiglia per Agnolo Doni, mercante fiorentino il cui prestigioso matrimonio nel 1504 con Maddalena Strozzi avvenne in un periodo cruciale per l'arte a Firenze di inizio secolo. La compresenza in città di Leonardo, Michelangelo e Raffaello apportò uno scatto di crescita al già vivace ambiente fiorentino, che nel primo decennio del secolo visse una stagione di altissimo fervore culturale.

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PROSPETTIVA CENTRALE DI UN PRISMA A BASE ESAGONALE

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PROSPETTIVA CENTRALE DI UN PRISMA A BASE ESAGONALE

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Il documentario Escher - Viaggio nell'infinito, diretto da Robin Lutz, arriva nelle sale italiane il prossimo 5 novembre. Il grande attore inglese Stephen Fry presta la sua voce per l'occasione,leggendo lettere, diari e appunti scritti da Maurits Cornelis Escher (1898 - 1972), il visionario artista olandese famoso per le sue immagini psichedeliche, illusioniste e ipnotiche.
La pellicola racconta l'artista attraverso i suoi stessi occhi ripercorrendone la vita attraverso tanti documenti, una serie di interviste ai figli dell'artista e con la partecipazione di Graham Nash (di Crosby, Stills, Nash & Young). Il film inoltre racconta la grande eredità di Escher, il cui lavoro continua a ispirare fumetti, pubblicità, film e le mostre a lui dedicate attirano sempre migliaia di visitatori in tutto il mondo.

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Non sono un artista, sono un matematico! Nei cinema il film su Escher

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Il documentario Escher - Viaggio nell'infinito, diretto da Robin Lutz, arriva nelle sale italiane il prossimo 5 novembre. Il grande attore inglese Stephen Fry presta la sua voce per l'occasione,leggendo lettere, diari e appunti scritti da Maurits Cornelis Escher (1898 - 1972), il visionario artista olandese famoso per le sue immagini psichedeliche, illusioniste e ipnotiche.

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NUOVA ESERCITAZIONE PROSPETTIVA CENTRALE 09/02

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NUOVA ESERCITAZIONE PROSPETTIVA CENTRALE 09/02

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Leonardo da Vinci nasce il 15 aprile 1452 a Vinci, nei pressi di Firenze. Figlio illegittimo del notaio Ser Piero D'Antonio, trascorre la sua infanzia in campagna. A 16 anni si trasferisce con il padre a Firenze. Firenze è all'epoca uno dei centri culturali più vivaci d'Europa. Giungono da tutta Italia artisti, filosofi e letterati. Il clima vitale e dinamico favorisce lo scambio e le nuove idee: è il Rinascimento. Il giovane Leonardo matura la decisione di studiare pittura ed entra nella bottega d'arte del Verrocchio.
Tra le prime opere di Leonardo vi è la testa dell'angelo nel Battesimo di Cristo firmato dal Verrocchio. Si racconta che, colpito dalla bravura del giovane allievo, il Verrocchio abbia deciso di non dipingere più. Nel 1482 viene chiamato a Milano alla corte di Ludovico il Moro dove resterà per 17 anni. Qui realizza alcuni dei suoi ritratti più celebri: la Dama con l'ermellino, il Ritratto di musico e la Belle Ferronière. Nel 1495 riceve l'incarico di affrescare il refettorio di Santa Maria delle Grazie a Milano. Sceglie di dipingere l'Ultima cena.

La tecnica dell'affresco mal si adatta all'indole di Leonardo. Il tipo di tempera utilizzata per gli affreschi, infatti, asciuga subito e non consente di intervenire sul dipinto dopo la prima stesura. Per L'ultima cena, Leonardo utilizza un impasto che asciuga lentamente, questa scelta comprometterà l'opera che, già pochi anni dopo la sua realizzazione, comincerà a mostrare i primi segni di cedimento. Riluttante a considerare finite le proprie opere, Leonardo non cessa di apportare ritocchi e correzioni anche a distanza di anni. Sono pochi infatti i dipinti del fiorentino che possano dirsi effettivamente conclusi. Alla fine del 1499 Leonardo lascia Milano: la sua fama è al culmine e riceve incarichi da tutte le corti d'Italia. È in quest'epoca che Leonardo dipinge la Gioconda. Un dipinto più volte ritoccato e che lo accompagnerà fino all'ultimo dei suoi giorni. Recenti esami ai raggi x hanno mostrato che sotto lo strato più superficiale ci sono altre 3 versioni del ritratto. Nel 1503 il nobile fiorentino Pier Soderini chiama Leonardo e Michelangelo per affrescare due pareti della sala del consiglio grande di Palazzo Vecchio a Firenze. I due sono divisi un'antica rivalità. Il confronto non avverrà perché Michelangelo viene chiamato a Roma dal papa. Nel 1513 anche Leonardo si reca a Roma. Raffaello sta dipingendo le Stanze degli appartamenti del pontefice e Michelangelo ha appena finito di affrescare la Cappella Sistina. Ma Leonardo non partecipa alla vita di corte papale e preferisce dedicarsi ai suoi studi scientifici. A Roma, tra il 1513 e il 1516, dipinge la sua ultima opera: il San Giovanni Battista. Nel 1517 alla morte di Giuliano de Medici, Leonardo perde il suo protettore accettando l'invito del re di Francia Francesco I che gli concede una rendita e lo ricopre di onori. Qui, presso la corte di Francesco I ad Amboise, Leonardo si spegne il 2 maggio 1519 all'età di 67 anni.

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Leonardo Da Vinci è un pittore, scienziato e ingegnere del Rinascimento italiano. Di origine toscana, vive tra il 1452 e il 1519. Dotato di straordinario ingegno e talento, è considerato uno dei più grandi geni di tutti i tempi. Tra i suoi capolavori, L' "Ultima Cena" e la "Gioconda".

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Leonardo..in breve

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La Gioconda

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Continua la serie delle invasioni dei miei alunni dentro i quadri più famosi della storia dell’arte. Dopo Leonardo e Botticelli, oggi è toccato a Caravaggio. Non mi dilungo sull’efficacia didattica di questo tipo di attività (estremamente ludica ma anche formativa) per andare direttamente a raccontare l’esperimento.