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Fernand Léger - 10 choses à savoir | Cubiste, tubiste, abstrait, Fernand Léger a traversé l'aventure de l'art moderne du XXe laissant derrière lui une œuvre considérable constituée de... | By France tv arts | Facebook

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Journaliste

Geneviève Asse adore les pommes. Surtout celles de son jardin de curé dans sa maison de l'île aux moines, dans le golfe du Morbihan. Chaque automne, elle se fait un plaisir d'aller cueillir les fruits. Transformées en compote, les pommes ont pour elle le goût des quatre saisons de l'enfance.

Geneviève Asse

J'avais un frère jumeau. Nous avons été élevés dans la nature, dans la campagne, entre la mer et la campagne. Il m'arrive souvent de dessiner des, des fleurs. Et quelques fois de faire le tour du jardin avec mes petits carnets, j'ai plusieurs petits carnets. Je continue à dessiner tout ce que je vois, des fleurs, des plantes, des mauvaises herbes et de tout.

Geneviève Asse

J'ai toujours été très seule. J'ai eu l'habitude de la solitude, même étant enfant. Alors, donc je, j'ai, je conserve toujours ce besoin.

Journaliste

Une pomme peinte en 1939. Geneviève Asse est alors âgée de 16 ans. 9 ans plus tard, une autre pomme en compagnie d'un verre de vin. C'est dit, c'est peint, avec 3 fois rien. Plus tard, un encrier, plus tard encore une balise, les objets semblent en attente au repos. Avec le temps, ils vont s'estomper. Désormais, Geneviève Asse ne s'intéresse plus qu'à la lumière.

Geneviève Asse

Alors là, vous avez une grande toile. Aussi, je parlais tout à l'heure de la verticale qui partait presque de la terre et qui s'en allait à l'infini. Et là, ce qui est intéressant, c'est cette sorte interstice qui est mis sur le côté dans la couleur, qui ouvre d'ailleurs le chemin de la couleur et, qui en même temps entraîne le regard vers le ciel.

Journaliste

Faut-il tirer la porte ou pousser la fenêtre ? Inlassablement, les ouvertures peintes par Geneviève Asse posent la question sans la résoudre. La lumière est à la fois discrète et omniprésente. Derrière cette dentelle de lumière, l'infini semble pousser de l'épaule.

Geneviève Asse

Ce n'est pas de la géométrie. C'est autre chose. C'est un autre monde. Je suis une instinctive. Je travaille d'un seul ...

Journaliste

Geneviève Asse

D'un geste oui, un geste m'entraine.

Journaliste

Donc, il n'y a pas de repentir ?

Geneviève Asse

Il n'y a pas. Et quand c'est raté, c'est jeté. Je ne reviens pas.

Journaliste

Vous jetez beaucoup ?

Geneviève Asse

Pas trop. C'est pour ça que je mets quelquefois du temps pour peindre. Parce que, au fond, je ne veux pas peindre si je ne me sens pas vraiment prête.

Journaliste

Pour l'artiste, tout désormais est lumière comme dans cette toile intitulée [ Boîte bleue, 1948. Les objets semblent mis au coin comme de mauvais élèves. Cercle paysage 1966. Sur cette grande toile, la lumière est presque aveuglante. Les objets disparaissent dans le couchant. C'est la fin d'une période. Ici, le peintre maçonne l'architecture de la lumière à l'aide d'une palette de blanc sable et de gris. Ruise].

Geneviève Asse

Je suis une silencieuse.

Journaliste

Et vous aimez cet état-la ?

Geneviève Asse

Ce n'est pas que j'aime, c'est que je suis ainsi. C'est tout. Comme c'est une peinture ... c'est très intérieur que je donne. Alors, il y a aussi une sorte de, de secret. C'est pour ça que je n'aime pas qu'on me voie, qu'on me trouve en train de peindre. Ça gâche mon plaisir.

Journaliste

Un plaisir pourtant partagé par quelques privilégiés et non des moindres. Voici Bram Van Velde le peintre et l'ami de toujours. Voici Matisse, sculpteur, peintre, dessinateur, chez lui rien n'est à jeter. Voici enfin Samuel Beckett, des yeux bleus d'oiseau de mer et un rire, contrairement à la légende.

Geneviève Asse

Non, ce n'est rien ça. C'est Richard Avedon, j'aimais beaucoup le travail qu'il avait fait là.

Journaliste

Vous aimez bien mettre les choses en place ?

Geneviève Asse

Ah oui tout le temps. Je passe ma vie à ça. Je suis une emmerdeuse, enfin...

Journaliste

Une exception toutefois dans ce rangement de moniale. Dans un coin de l'atelier, des tubes de peinture, des pinceaux et des brosses, dorment du sommeil du juste. Certains datent des années 40. L'artiste n'a pas voulu se séparer de ses vieux compagnons mis à la retraite.

Geneviève Asse

C'était rogné, presque. Alors que maintenant je me permets quelques fois dans les brosses de, d'en employer, et quand je ne trouve pas, quand je ne suis pas satisfaite, même s'ils sont presque neufs, je les laisse.

Journaliste

Sagement alignées, les brosses en activité sont au garde à vous. Toutes sont prêtes pour la grande parade artistique. De l'ombre des profondeurs à la soie du ciel, les couleurs chez Geneviève Asse voguent dans un océan de bleu. Rien de monochrome pourtant dans ce choix. Vue de près, la toile s'enrichit de coups, d'accidents et de griffures, apportées par le sang bleu de la brosse.

Geneviève Asse

Dans mon enfance, je, j'ai observé quand même beaucoup la nature et peut-être que j'ai pris cette nourriture là, j'ai pris certaines choses, j'ai fait quand même un grand voyage en Grèce et tout ça, j'ai vu des bleus aussi merveilleux. Mais, je suis toujours revenue plus proche de ma région.

Journaliste

L'île Saint Louis à Paris, l'île aux Moines dans le Morbihan, depuis longtemps Geneviève Asse sait que pour créer, il faut se retirer du monde, sans le quitter. Depuis longtemps, elle sait d'instinct comme les oiseaux trouver la voie qui mène au continent de la liberté.

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l'Ouest en mémoire - Geneviève Asse - Ina.fr

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Journaliste Geneviève Asse adore les pommes. Surtout celles de son jardin de curé dans sa maison de l'île aux moines, dans le golfe du Morbihan. Chaque automne, elle se fait un plaisir d'aller cueillir les fruits. Transformées en compote, les pommes ont pour elle le goût des quatre saisons de l'enfance.

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Graphéine - Agence de communication Paris Lyon

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L'influence du travail de Barbara Kruger dans le monde de l'art graphique est tel que vous avez déjà forcément croisé soit l'une de ses œuvres, soit une œuvre ou une identité qui s'en inspire ; à commencer par le logo de la marque Supreme. Seulement, au jeu de l'appropriation, le gagnant n'est pas toujours celui qu'on croit.

Aiguiser son regard

Barbara Kruger étudie deux ans à l'école de design Parson à New York et commence à travailler en tant que graphiste pour Mademoiselle magazine, dont elle prend la direction artistique au bout d'un an seulement, et pour 6 ans. Elle se chargera aussi ensuite de la mise en page des magazines Aperture et House & Garden. Barbara Kruger y apprend à manier les images pour attirer au mieux le regard grâce au cadrage des photos et aux jeux typographiques. Elle devient plasticienne et artiste dès 1970, mais ses premières productions artisanales ne la satisfont pas. Barbara Kruger s'arrête alors quelques années pour enseigner, puis se met à la photo.

En 1978 elle publie un livre, Picture/Readings, dans lequel ses photos font écho à ses textes, comme des bribes de conversations, des instants de vie. Cette parution donnera le ton aux œuvres qui suivront, dans lesquelles le texte dialogue avec l'image, et qui lanceront sa renommée.

Développer son style iconique en rouge, noir et blanc

Avec son expérience de graphiste et son œil de photographe, elle crée en 1979 ce fameux style graphique qui deviendra iconique : du texte majuscule en Futura Bold ou Helvetica Ultra Condensed sur fond d'images publicitaires des années 50 qu'elle agrandit sur de grandes bannières, avec trois couleurs ; du noir, du rouge et du blanc. Sa première exposition aura lieu la même année au centre d'art contemporain P.S.1 du MoMA (New York). Sur ses photomontages elle glisse de grands messages qui donnent à réfléchir : mon visage est ta fortune, ton rôle est de diviser et conquérir, amour gratuit, tu tues le temps.

Le travail de Barbara Kruger est engagé, politique, philosophique, et nous renvoie à nos habitudes consuméristes et sexistes, dans un monde qui l'est tout autant. Elle permet de prendre de la distance en questionnant (entre autres) les genres, le rapport au pouvoir et au sexe, le racisme, et notre rapport aux objets, par le biais d'images et de textes mis en résonance. Si l'association image-texte-incitation rappelle les slogans publicitaires, elle permet ici de faire réfléchir les passants.

L'usage du pronom "je" ou "tu" permet d'inclure le spectateur (et surtout la spectatrice !) dans ses œuvres, et de l'inviter à se questionner sur ses habitudes ou sa situation. Barbara Kruger dira ironiquement dans une interview de 1991 qu'elle est "intéressée par les images et les mots parce qu'ils ont le pouvoir spécifique de définir qui nous sommes et qui nous ne sommes pas," et qu' elle a développé "le pouvoir de manier les mots", parce que c'est "ce que font les filles, à défaut de pouvoir manier les armes". Elle reprend notamment la phrase de Goethe, "nous sommes les esclaves des objets qui nous entourent" ou décline le visage de Marilyn à la manière de Warhol, en sérigraphiant des mots impactants, par contraste.

Dénoncer la société de consommation

Comme Warhol, l'art de Kruger, reproductible en masse grâce à la sérigraphie ou au digital, questionne l'essence même de l'art et de la propriété intellectuelle. Kruger ne possède en effet ni les droits de l'usage de la typographie Futura, ni le principe de construction artistique texte-rectangle coloré sur photo, qui rappelle plutôt les collages constructivistes. Dès lors, son travail dilue délibérément les frontières entre l'artiste, le spectateur et l'œuvre, qui ne s'affiche plus dans des galeries mais comme un bien de consommation, voire même une publicité, tout en dialoguant avec le consommateur-collectionneur.

Eh 1987 Barbara Kruger crée l'une de ses œuvres la plus connue, qui demeure extrêmement d'actualité : Untitled ( I shop therefore I am). La décennie des années 80 est celle des accès aux crédits à la consommation et aux nouveaux marchés, et le consommateur a de plus en plus de pouvoir. Sur cette oeuvre, une main sans genre précis tient une carte, comme une carte de visite, qui mentionne : I shop therefore I am (je consomme donc je suis), détournant la fameuse pensée de Descartes, "je pense donc je suis". Elle imprimera aussi cette image sur des sachets en kraft pour faire ses courses.

En remplaçant la pensée par la consommation, Barbara Kruger critique la perte de sens induite par la société de consommation, qui valorise l'avoir plutôt que l'être. Elle déplore le fait que l'humain devient un robot qui ne pense plus mais qui achète pour exister. De même, elle souligne ainsi que la publicité engendre des doutes et de la culpabilité vis-à-vis de la représentation de soi dans un monde idéal et inatteignable. La consommation frénétique vient combler ce vide entre l'attente et la réalité, et peut contribuer à déformer cette image de soi.

Le texte rouge sur fond blanc vient s'inscrire comme un manifeste, en utilisant des markers spécifiques issus des stratégies marketing. Barbara Kruger crée d'abord un contraste visuel entre le noir et blanc et la couleur, ce qui permet une double lecture en deux temps entre l'image et le texte. La couleur rouge, couleur du danger et du désir, stimule le cerveau reptilien et attire irrésistiblement le regard. Les lettres rouges font penser aux réclames publicitaires qui abusent de ces techniques pour mieux attirer l'œil du consommateur et faire ressortir leur message dans cet océan visuel.

Lutter pour les droits des femmes

Deux ans plus tard, en soutien pour une marche de libre-choix d'avortement à Washington en 1989, elle crée sa deuxième œuvre la plus marquante : Untitled (your body is a battleground) (sans titre - ton corps est un champ de batailles), alors que des vagues anti-avortement déferlent aux États-Unis. Elle sera déclinée en français (savoir c'est pouvoir), et même en polonais, pour défendre les mêmes causes. Cette affiche sérigraphiée reprend un visage féminin séparé en deux parties égales et traité en négatif. Tiré d'une affiche publicitaire, probablement d'une publicité de cosmétiques, ce visage dénonce d'abord l'usage du corps de la femme comme produit stéréotypé issu de la société, et dicté par ses lois. La femme ne s'appartient plus à elle-même.

Le visage coupé en deux parties parfaitement symétriques illustre les injonctions opposées qui se posent sur son visage (et plus largement son corps), suivant les partis. À l'origine, les pro-avortement et les anti-avortement. Le jeu de couleurs négatives vient déformer son visage, mi-ange, mi-démon, et soulève les ambivalences de la posture de la femme tantôt docile, tantôt combattante.

En prenant un peu de recul, on y lit plus largement les oppositions femmes / hommes, les femmes / le regard stéréotypé des hommes sur la femme, la société masculiniste qui transforme la femme en objet / la femme de chair. La phase "ton corps est un champ de bataille" vient souligner les combats qui se passent sur ce corps, son corps, qu'elle doit se réapproprier avant tout. Barbara Kruger dénonce ainsi la position et les combats de la femme dans un monde qui ne la considère que par son apparence. Plus largement, elle pose la question de la norme et du regard que la société pose sur tous ceux qui s'en émancipent.

Ci-dessous, Warhol à gauche avec la mention "pas assez beau - pas assez pathétique - pas assez homme - pas assez réel - pas assez cruel" et Marilyn Monroe "pas assez bonne -pas assez maigre - pas assez rien du tout - pas assez ironique - pas assez stupide". Et la paire de lunettes "ton regard frappe mon profil", qui invite le regard masculin, le fameux "male gaze" à se remettre en question.

Supreme et Barbara Kruger : même style, combat différent !

Si à la lecture de cet article vous vous dites que ce style vous fait penser à quelque chose vous avez parfaitement raison : la marque Supreme. Ou peut-être avez-vous récemment lu notre analyse du logo adopte un mec, directement inspiré lui aussi de cette dernière ?

En 1994 le fondateur de Supreme (James Jebbia) cherche un nouveau logo pour sa boutique et sa marque de skate et streetwear. Une marque d'hommes, pour les hommes. Il prête un livre sur le travail de Barbara Kruger à son graphiste et le logo naît comme par magie. Le logo Supreme s'inscrit en lettres blanches, du futura gras et oblique sur fond rouge :

Mêmes lettres, mais pas même combat. Kruger ne bronche pas, magnanime. Elle ne possède pas les droits, et ne veut pas se rabaisser à lancer des batailles légales et pécuniaires. D'autant plus qu'il est courant chez les marques de streetwear de se réapproprier les codes d'autres marques. En 2000, Supreme tente d'ailleurs de reprendre les motifs de Louis Vuitton, avant d'être rappelé à l'ordre.

22 ans après, des marques mondialement connues comme Louis Vuitton, Gucci, Coca-Cola ou même les artistes Pollock, John Baldessari, Robert Longo et Damian Hirst collaborent main dans la main avec Supreme en se renvoyant les leviers de la gloire, et sans rancune ! Un skate décoré par Damien Hirst acheté 700$ s'est revendu 20 000$ quelques années plus tard. Barbara Kruger a su utiliser l'art pour prendre parti et dénoncer les injustices, contrairement à la marque Supreme qui, elle, utilise le graphisme et l'art à des fins purement mercantiles.

Là où l'artiste Kruger critiquait le capitalisme, le consumérisme et le machisme ambiant, Supreme (la marque la plus cool -selon la génération Y) s'y baigne allègrement. Destinée aux hommes, les rares campagnes de communication représentant des femmes s'en servent pour "censurer" leurs parties intimes avec le bandeau de la marque, invitant ainsi le regard masculin à se poser sur ce corps féminin, une fois de plus champ de bataille et levier de consommation sexiste. Il n'y a aucun second degré chez Supreme : la femme y est clairement prostituée en objet commercial.

Comme on le disait dans notre article sur adopte, "une démarche engagée et populaire entrainant souvent son contraire, Supreme, en imitant Barbara Kruger, opère une technique bien connue dans le monde du capitalisme (et de la publicité en général) : la récupération. Les marques s'approprient un discours revendicateur issu d'une minorité -le féminisme, l'anti-consumérisme- et l'injectent dans leur système majoritaire et machiste, ce qui contribue à le neutraliser, le phagocyter, afin de mieux promouvoir le système initial contre lequel on luttait."

Qui copie qui ?

L'image du t-shirt avec Kate Moss (ci-dessus) est d'ailleurs elle-même tirée d'une publicité de Calvin Klein que Supreme s'est appropriée... Pour pousser le bouchon un peu plus loin, en 2004 la marque Married to the Mob joue elle aussi le jeu de l' appropriation graphique et lance des t-shirts et casquettes anotées "Supreme Bitch" (Pute Supreme). Le designer a obtenu l'autorisation de son copain Jebbia (fondateur de Supreme). Rihanna, Cara et tout un tas de stars internationales s'empressent de s'en vêtir. Qui est la pute de qui ? Ironie ironique.

Mais en 2013 Supreme retourne sa veste et les poursuit avec un procès à 10 millions de dollars pour "contrefaçon, concurrence déloyale et faussaire d'appellation d'origine, dilution de logo et atteinte à une marque déposée" ! Ce qui est étonnant c'est que la marque Supreme n'a été déposée qu'en 2011 et le logo... en 2013 à l'issue de ce procès. On sent les mauvais joueurs effrayés de perdre à leur propre jeu !

Barbara Kruger réagit cette fois en déplorant un "amalgame ridicule de petits bouffons pas cool du tout" qui se vautrent dans des histoires de droits et d'argent. Elle affirme "attendre que tous viennent la poursuivre en justice pour atteinte aux copyrights." Married to the Mob affirmait pourtant avoir lancé "Supreme Bitch" pour "critiquer et parodier la dominance masculine et misogyne des mecs de la culture skate et de la marque Supreme"...

Qui est plus malin que qui ?

En réponse, plus officiellement dans le cadre d'une Biennale d'art en 2017, Barbara Kruger lance une installation dans une galerie-boutique et un skate park à New York, affichant des slogans comme "qui copie qui ?" - "qui appartient à qui ?" - "l'argent parle" - "brute" - "les valeurs de qui ?" - "qui est au-dessus de la loi ?" ou "ne sois pas un crétin", décliné sur des bannières, des t-shirts (de la marque Volcom) et des planches de skate, évidemment. Les gens payent 5$ pour faire la queue devant ce qui ressemble à s'y méprendre à un magasin Supreme, sans savoir qu'ils se font ironiquement prendre au piège du consommateur-consommé.

Qui est plus malin que qui ? On a notre petite idée. Il faut croire que l'appropriation a ses limites et ses conséquences ! Moralité : ne soyez pas des crétins !

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Barbara Kruger/Supreme : qui détourne qui ?

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L'influence du travail de Barbara Kruger dans le monde de l'art graphique est tel que vous avez déjà forcément croisé soit l'une de ses œuvres, soit une œuvre ou une identité qui s'en inspire ; à commencer par le logo de la marque Supreme.

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Rouen : une nef comme une forêt, "Gothique frémissant"

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Reportage de S. L'Hôte et V. Ducroquet pour France 3 Haute-Normandie. Le spectacle "Gothique Frémissant" a lieu chaque soir du 12 au 27 avril à l'abbatiale st Ouen à Rouen. C'est une oeuvre de Françoise Jolivet et Roy Lekus

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Françoise Jolivet

Le sculpteur Françoise Jolivet travaille avec la nature depuis quinze ans. Elle est surtout connue du grand public pour ses potirons scarifiés et déshydratés. Elle a travaillé et exposé ceux-ci au Potager du Roi à Versailles,
à l'Arsenal de Metz, au Musée Mallarmé, au Musée Pierre Corneille, au Musée Victor Hugo de Villequier, à l'Abbaye de Jumièges, à la Bambouseraie d'Anduze et en 2014 au Musée Rodin à Meudon. D'autres séries d'œuvres sont les " Chênes, saules et autres têtards " à la plume et à l'encre de Chine sur de grandes toiles de lin, et les " Drapeaux et bannières ".

À̀ Paris, Françoise Jolivet a exposé à la Galerie Daniel Gervis et à la FIAC. En Europe, à la Biennale Paper Art de Düren et au Musée d'Art et d'Histoire de Neuchâtel en Suisse. Elle est également l'auteur de plusieurs œuvres monumentales en béton noir modelable :
Les Totems, Marne-la-Vallée, Le Mémorial pour l'avenir, Autoroute A6, Le Fil d'Ariane, Les Mureaux.

Roy Lekus

Né à New York, installé à Paris depuis les années 70, d'abord photographe, Roy Lekus a réalisé plus de trente courts-métrages et documentaires primés dans de nombreux festivals (Belfort, Clermont-Ferrand, Paris Tout Court, Grenoble, Douarnenez, Festival des Films de Droits de l'Homme de Nantes, Montréal, Edimbourg, Lisbonne, Kiev, Vilnius) et diffusés à la télévision : France 3, France 5, ARTE, Canal Plus, Planète, RTBF (Belgique), TSR (suisse), ORF (Autriche), YLe (Finlande). " Mathausen pour mémoire ",
Parmi ceux-ci :
" Gros cubes, petits calibres ", " Côté cour, côté jardin ", " Petites annonces classées "...

Son court-métrage " Au Fin Porcelet " a été demi-finaliste pour les Césars du court-métrage.

Francis Wargnier

Pendant 20 ans responsable du service de production son à l'INA, puis monteur et designer son cinéma depuis 1999 pour, entre autres, André Téchiné, Anne Fontaine, Benoit Jacquot, Jacques Audiard, julian Schnabel, Barbet Schroeder, Thierry Klifa, yousri Nasrallah, Costa Gavras, Cédric Kahn, Patrice Leconte, Marion Laine... Le Scanphandre et le papillon, Un Prophète,
Nominé aux Césars pour le son de ces films :

Les Adieux à la reine.

Pierre-Yves Toulot

Après des études techniques et artistiques à la rue Blanche, il commence sa carrière de light designer pour le spectacle vivant. Il entame ensuite, en parallèle de son activité, une expérience de 8 ans en éclairage architectural.

Après plusieurs expérience de création vidéo pour le théâtre, il fonde en 2003, avec José Cristiani, l'agence Cosmo AV qui est aujourd'hui internationalement reconnue pour ses créations en vidéo mapping et son expérience en projection monumentale.

Comme réalisateur, Il a travailler à travers le monde sur de nombreuses créations au Mexique, en Amérique du nord, en Turquie, au Japon et en France évidemment. Il a aussi mis à profit ses connaissance technico artistique sur les cérémonies des JO de Vancouver et sur les 2 records du monde de projection à Quebec puis Moscou.

Il travaille actuellement sur les cérémonies des jeux méditerranéens à Mersin, et sur ses prochaines créations projetées sur la façade de la Cathédrale de Rouen.

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Le sculpteur Françoise Jolivet travaille avec la nature depuis quinze ans. Elle est surtout connue du grand public pour ses potirons scarifiés et déshydratés. Elle a travaillé et exposé ceux-ci au Potager du Roi à Versailles, à l'Arsenal de Metz, au Musée Mallarmé, au Musée Pierre Corneille, au Musée Victor Hugo de Villequier, à l'Abbaye de Jumièges, à la Bambouseraie d'Anduze et en 2014 au Musée Rodin à Meudon.

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Comment dessiner des yeux facilement? [Tutoriel]

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Les courbes métalliques du sculpteur espagnol Eduardo Chillida invitent à un dévoiement du regard, à une rêverie épousant le paysage que nombre de ses œuvres habitent et transforment. C'est qu'Eduardo Chillida aime jouer avec les formes et les contours d'un lieu, avec les découpures d'un paysage, la frange d'un horizon. Ses sculptures monumentales utilisent des matériaux bruts - sous la forme de collages de blocs massifs - et minimaux : le fer et le bois, principalement - qui créent des contrastes de couleurs (entre les nuances du bois brun et le fer noir, dont la dégradation en rouille permet d'instaurer progressivement, en retour, un jeu subtil de teintes) et de matériaux (entre le naturel et l'artefactuel), et parfois le granit, le béton et l'acier, voire l'albâtre. Ses sculptures abstraites en fer forgé reprennent à son compte la tradition des maîtres ferronniers du Pays basque ; le bois rappelle les forêts centenaires de la région. Les matériaux et les contrastes sont ainsi d'une forte et élégante sobriété et tissent un dialogue profond avec l'espace environnant, souvent naturel. Le langage l'est aussi : entre formes et cassures, lignes droites et courbes, corps et morsures, Eduardo Chillida traite la matière avec violence et simplicité, dévoilant au regard une nudité de l'expression et une abstraction à la beauté sobre et spectaculaire. Une poésie du lieu.

© Eduardo Chillida

© Eduardo Chillida, à Berlin.

© Eduardo Chillida

© Eduardo Chillida, Yunque de sueño X, fer et bois, 149,5 x 52 x 35 cm (1962).

Les sculptures d'Eduardo Chillida pourraient presque à elles seules constituer des " performances ", dans le sens où elles interviennent véritablement dans l'espace qu'elles occupent, non seulement visuellement, mais aussi auditivement. Ainsi, Éloge de la lumière implique un jeu complexe avec la lumière. De même, la sculpture Éloge de l'horizon, réalisée sur les bords d'une falaise à Gijón, propose un effet de cadrage du regard face au paysage unique offert sur l'horizon en ce point de vue précis, ainsi que de captation des bruits du vent. En effet, celle-ci forme une sorte de monumentale caisse de résonance pour qui entre à l'intérieur de la structure. L'œuvre a ainsi besoin d'une intervention du spectateur pour sa réalisation : la sculpture constitue en cela un véritable espace, dynamique et propice à la déambulation du regard à la fois en son sein mais aussi vers l'extérieur - le paysage. À la frontière, ici, de la sculpture et de l'architecture visuelles et sonores. Il a d'ailleurs construit de véritables maisons sculptées. À ce sujet, il écrivit : " Un jour, j'ai rêvé d'une utopie : trouver un espace où mes sculptures pourraient reposer et où les gens se promèneraient au milieu d'elles comme dans un bois ".

© Eduardo Chillida, Peignes du vent, à Saint-Sébastien.

© Eduardo Chillida.

Il s'agit en effet d'une véritable réduction de l'expression sculpturale à un dialogue minimal avec le lieu dans lequel l'œuvre intervient. Ces énormes membres de fer et corps rouillés, telles des dégradations et schématisations de corps humains, ou de postures fragmentaires, proposent comme des prolongements des éléments naturels du décor dans lequel ils prennent place. Caisses de résonance pour les bruits et les regards éveillés par les hauteurs d'une falaise se jetant sur la mer, excroissances humaines ou machiniques grandissant sur des rochers, résidus d'êtres immobiles à l'orée d'une forêt, chacune des œuvres d'Eduardo Chillida semblent ainsi se greffer corporellement sur le paysage et dans la nature, comme un seul et même élément. Comme les objets naturels avec lesquels elles tissent un dialogue, les différentes sculptures résultent par ailleurs d'un processus de synthèse et d'abstraction, un processus de réduction de la représentation à l'élément originaire de la représentation. Il s'agit en effet moins d'êtres ou d'objets que d'idées ou d'essences. La sculpture, en ce sens, remonte à une forme élémentaire de l'expression : celle des principes fondamentaux qui dirigent l'univers. Comme chez le poète Pablo Neruda (dans Odes élémentaires ou Pierres du Chili notamment), les paysages créés sont réduits à de purs éléments minéraux ou naturels, creusés par le temps, rongés jusqu'à devenir de simples squelettes et lignes dessinant les forces qui parcourent le monde : " Je commence l'œuvre par le cœur ; le cœur est comme le premier germe ", dit-il. Dénudation de l'expression et musique silencieuse qui n'est pas sans rappeler le langage du compositeur et pianiste catalan Federico Mompou. Une sculpture de l'élément, à la stylisation proche de Brancusi et Giacometti, visant donc à exprimer les constituants premiers fondamentaux de tous les corps - y compris celui de l'univers. Ceci explique ce jeu si singulier et intense avec les quatre principes naturels - la terre, l'air, l'eau et le feu - les quatre éléments, supports de la création des œuvres d'Eduardo Chillida : la mer et la pluie (et sa conséquence, la rouille), les falaises et rocs, le vent marin, la lumière... De même, les lignes courbes de ses sculptures, cette poétique de l'embrassement et du lien, semblent comme des tentatives visant à englober le monde dans sa totalité, à communiquer avec l'Un, l'élément fondamental contenant le Tout. En cela, la démarche artistique du sculpteur renoue avec la pensée romantique et présocratique : " l'idéal est que nous ayons nos racines quelque part, mais que nos bras parviennent à embrasser le monde entier, que les idées de n'importe quelle culture nous soient profitables. Tous les endroits sont parfaits pour celui qui sait s'y adapter, et moi, ici, dans mon Pays Basque, je me sens à ma place, comme un arbre adapté à son territoire, sur son terrain, mais dont les bras s'ouvrent au monde entier " écrivit Eduardo Chillida. Une œuvre à l'abstraction mathématique et cosmographique, réduite à des lignes de forces et aux idées fondamentales, monumentale et élémentaire, proposant des paysages et des images d'une grande force poétique.

© Eduardo Chillida, Éloge de l'eau.

© Eduardo Chillida, Modulation de l'espace I, fer, 54,6 x 69,8 x 40 cm, Tate Gallery, Londres (1963).

© Eduardo Chillida.

© Eduardo Chillida, De l'horizon, fer, 66,5 x 22 x 32 cm (1956).

© Eduardo Chillida.

© Eduardo Chillida, Barcelona I, ,71 x 50 cm (1971).

Eduardo Chillida est né en 1924 et mort en 2002 à Saint-Sébastien, au Pays basque espagnol. Son rêve d'enfance de devenir footballeur brisé à la suite d'une chute, il effectue de 19 à 23 ans des études d'architecture à Madrid. Décidant de se consacrer exclusivement à la sculpture et au dessin, il abandonne finalement ses études et fréquente l'Académie d'Art madrilène. En 1948, il se rend à Paris et s'installe dans le pavillon espagnol de la Cité Universitaire. Passionné par la sculpture antique, il étudie les maîtres du Louvre et sculpte des plâtres. Il fait alors également la connaissance de peintres et de sculpteurs comme Brancusi, ou Tàpies, et organise ses premières expositions. Le succès est rapide et spectaculaire. En 1958, à 34 ans, il représente l'Espagne à la Biennale de Venise. En 1962 il fait une exposition personnelle au Kunsthalle de Bâle, puis participe à l'exposition " Trois espagnols : Picasso, Miró, Chillida " du Museum of Fine Arts à Houston. Il obtient par la suite de très nombreux prix, non seulement pour ses sculptures, mais aussi pour ses estampes (gravures à l'eau forte) qui s'inscrivent dans la continuité de son langage sculptural (dialogue minimal entre le blanc et le noir, collages). Il est également nommé professeur à Harvard en 1971. En 1998, le Musée Reina Sofía de Madrid lui consacre une grande exposition, tout comme la Galerie Nationale du Jeu de Paume de Paris en 2001. De nombreux artistes et théoriciens ont écrits sur cette œuvre immense, tels les écrivains et penseurs français Paul Celan, Gaston Bachelard (psychanalyste des éléments, dans un texte intitulé " Le Cosmos de fer "), Claude Estéban ou le poète Jacques Dupin.

" Comme la musique silencieuse du mystique espagnol, les formes de Chillida disent sans dire. Elles disent la réalité duelle de l'univers, les mutations et variations qu'engendre la bataille amoureuse indéfinie entre la forme et l'espace. " - Octavio Paz (" Entre le fer et la lumière ", Éditons Maeght).

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Les courbes métalliques du sculpteur espagnol Eduardo Chillida invitent à un dévoiement du regard, à une rêverie épousant le paysage que nombre de ses œuvres habitent et transforment. C'est qu'Eduardo Chillida aime jouer avec les formes et les contours d'un lieu, avec les découpures d'un paysage, la frange d'un horizon.

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BAC_2015 : Permanent Residence d'Andreas Lolis et vous

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Cet article date de plus de 5 ans Contraste entre ce que l'on voit et ce qui est, entre le matériau et l'objet figuré. Bien plus qu'une illusion ou qu'un trompe-l'oeil à écouter les visiteurs de l'exposition d'Andreas Lolis à la Sucrière.

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Yes or No, Markus Raetz, Muba, Tourcoing.

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Mon appareil photo est une pastèque

Brendan Barry utilise des objets du quotidien pour construire des appareils photo : du pain, une pastèque ou une caravane... Ces appareils incongrus sont pour lui le moyen de faire découvrir la technique de la photographie.

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Édition du soir (01/10/2021)

Tous droits de reproduction et de diffusion réservés © 2021 ARTE G.E.I.E. - ARTE G.E.I.E. 4, quai du chanoine Winterer CS 20035F - 67080 Strasbourg Cedex

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Gymnastique - Mon appareil photo est une pastèque - Regarder le documentaire complet | ARTE

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spot TV Air France Envol 2011 www.MusiqueDePub.commusique : "Concerto pour piano n° 23 en la majeur, K. 488: II. Adagio" de W.A. Mozart par Vanessa Wagner et l'orchestre Les Sièclesagence : BETC Euro RSCGréalisateur : Angelin Preljocajdanseurs : Benjamin Millepied et Virginie Caussin

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Precy Numbi - Performance Kimbalambala - Kin'act 2018 - Kinshasa

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Precy Numbi - Performance Kimbalambala - Kin'act 2018 - Kinshasas

Documentation : Bokasi pe n'a botepe 
Document 1 Performance in situ Kimbalambala Kinshasa
Captation Azgard Itembo et Cleophee Moser

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Depuis son enfance, le jeune Precy Numbi a consacré son parcours à l'art contemporain plus particulièrement à la création des œuvres servant à communiquer avec le public et à sensibiliser les habitants autour des sérieux défis affectent la communauté. Né à Kisangani, il a fait le tour de la RDC, de Kisangani à Kinshasa en passant par Goma afin de présenter son robot confectionné sur base du recyclage des déchets. Le vendredi 15 juin 2018 il livre un spectacle intitulé Balabala création à l'Institut Français de Bukavu en compagnie du slameur et rappeur Fal J, mais aussi du groupe de danse contemporain Fire Dance.
Son spectacle est une partie intégrale de la restitution de sa résidence artistique effectué en 2018 a l'Institut français de Bukavu. Balabala création est un projet artistique basée sur l'art et l'environnement mettant en valeur des œuvres crées par cet artiste par le biais des déchets recyclés dans les rues de la ville de Bukavu et sur les eaux du lac Kivu.

L'idée est de pouvoir imaginer un espace culturel utilisant les différentes formes d'arts sur une thématique à développer sans contrainte techniques, à en croire cet activiste.

" Je passe mon temps dans l'environnement à rechercher, à travers la création de mes œuvres, un langage positif en ayant un but sur l'éveille de conscience de la communauté. Ma démarche artistique part de l'exagération vers l'étonnement. Plus précisément dans la poubelle car mon engagement s'oriente vers un langage du recyclage et de restauration du patrimoine culturel, matériel et immatériel autour du réchauffement climatique, la biodiversité, la protection de l'environnement, les inégalités sociales et des droits humains. " signale Precy Numbi tout fier de sa création.

Pour lui, l'objectif poursuivi est de garder le coté populaire des arts plastiques et spectacles vivant grâce à des multiples productions dans espaces publics avec la cible concerné. Dans cette optique, sa compagnie Balabala création mari le langage contemporain à la gestuelle musicale, chorégraphique et plastique afin de jouer d'une façon communicative des scènes relatives à la vie quotidienne des habitants.

" Avec ce spectacle nous allons apporter nos efforts dans la lutte contre le danger de la pollution et du réchauffement climatique en incitant la population à adopter un comportement d'assainissement. Nous allons aussi inviter les autorités du pays et d'autres acteurs d'organiser une grande campagne de sensibilisation contre les pratiques insalubre dans la ville de Bukavu en particulier et en général sur toute l'étendue de la RDC. " a-t-il renchéri.

Precy Numbi ajoute que cet art lui a donné le gout d'expérimenter sa capacité à penser autrement. Utiliser les déchets pour crée un art moteur de sensibilisation de masse c'est comme utiliser un problème pour créer une solution.

On le voit à longueur des journées scionner dans des poubelles publiques, aux abords du lac Kivu et d'autres endroits où sont toujours jeter des immondices entrain de ramasser des déchets pouvant lui permettre de créer une œuvre artistique.

Juste après ses études primaires en 2005 il s'inscrit à l'institut des Beaux-arts de la Gombe à Kinshasa et obtient six ans plus tard un diplôme de fin d'étude secondaire dans la section arts. De là est nait la passion pour l'art plastique et décroche son baccalauréat à l'académie des beaux-arts de Kinshasa en 2015. Fort de son expérience, Precy Numbi a jugé bon de s'installer dans la partie Est de la RDC, plus particulièrement dans la ville volcanique de Goma.

Présent dans la ville de Bukavu depuis plusieurs mois, son spectacle de vendredi, un mois après Kimbalambala (sa récente production toujours à l'Institut Français de Bukavu), est le couronnement d'un travail de dur labeur dans lequel il consenti tous ses efforts afin de mettre sur pied un art plastique, qui nous appelle tous à la protection de l'environnement.
Par Musaba Proust

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RDC : Le performeur et activiste Precy Numbi livre un spectacle " Balabala " avec son robot créé à l'aide des déchets - Mama_Radio_96.6MHz

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Depuis son enfance, le jeune Precy Numbi a consacré son parcours à l'art contemporain plus particulièrement à la création des œuvres servant à communiquer avec le public et à sensibiliser les habitants autour des sérieux défis affectent la communauté.

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Performance de Precy Numbi
Performance de Precy Numbi à Marestaing
Posted by Scac Marestaing on Saturday, August 15, 2020

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Precy Numbi : Le terminator de Kinshasa - TRACKS ARTE
L'artiste congolais fabrique ses armures avec les déchets de l'occident : bit.ly/tracks-21-05-2021
Posted by Tracks on Friday, May 21, 2021

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Le Peigne du Vent : Là où la mer et le vent se peignent avant d'entrer dans la ville

Tour virtuel. El Peinde del Viento (Le Peigne du Vent)

Là où les vagues les plus sauvages s'amusent à se peigner

Les jours où la mer se déchaîne, le Peigne du Vent devient une représentation unique dans laquelle les vagues dansent entre les dents de la sculpture, en défiant la force de l'acier, au son du sifflement du vent.

Un spectacle unique qui vous ravira en vous montrant comment les trois pièces en acier résistent aux assauts continus des vagues et vous permettra de jouer avec le vent et la mer, qui se fondent pour jaillir avec force tels un geyser espiègle à travers les trous de la place. Mais faites attention, soyez alertes, vous pouvez devenir une cible idéale. Les jours où la mer est en furie, la police peut couper l'accès pour votre sécurité. Respectez les panneaux !

Si vous voulez contempler la force des vagues depuis un endroit plus sûr, nous vous recommandons de monter Monte Urgull.

En réalité, il n'y a pas 3 sculptures mais 23

Le Peigne du Vent est une sculpture spéciale par sa forme, par l'environnement dans lequel elle se trouve mais également par l'histoire qu'elle cache. En effet, bien que les sculptures que nous pouvons admirer à Donostia sont au nombre de 3, en réalité, Chillida a réalisé une série de 23. D'ailleurs, son nom d'origine est Le Peigne du Vent XV, c'est-à-dire qu'elle occupe la quinzième place de cette série de 23 sculptures.

À la fin des années soixante, et compte tenu du fait qu' Eduardo Chillida était déjà devenu une figure importante, plusieurs personnes originaires de Donostia ont uni leurs efforts pour obtenir qu'un hommage lui soit rendu. Il a fallu attendre plus de 10 ans avant que la Mairie de Donostia /Saint-Sébastien décide d'honorer l'œuvre de l'artiste à un endroit spécial pour lui. En effet, lorsque Chillida était petit, il avait l'habitude de s'échapper pour aller à cet endroit et contempler le spectacle du déchaînement de la mer et des vagues.

L'artiste a commencé avec la série de sculptures appelées Le Peigne du Vent en 1952, mais ce qu'en 1977 que Chillida a enfin créé l'œuvre définitive et l'a offerte à la ville. Il a cependant continué à travailler sur son design jusqu'en 1999, en réalisant un total de 23 œuvres différentes. Certaines d'entre elles peuvent être admirées au Musée de la Reine Sophie de Madrid, au Palais de l'Unesco à Paris ou au Txillida Leku d'Hernani.

Mais Le Peigne du Vent de Donostia est sans aucun doute l'œuvre la plus reconnue de toute la série. Les trois pièces qui composent la sculpture sont en acier Corten. Un matériau aux caractéristiques singulières qui montre avec honnêteté le passage du temps et la transformation de la nature.

Bien qu'au départ l'idée ait été de ne placer qu'une seule sculpture, le sculpteur originaire de Donostia a finalement décidé d'en placer trois, car elles créaient un ensemble plus géométrique et plus équilibré. Les deux premières, placées l'une en face de l'autre, symbolisent ce qui a été uni un jour, et le passé. Tandis que la sculpture la plus éloignée représente l'horizon et le futur.

Pendant qu' Eduardo Chillida disposait ses sculptures incrustées dans les rochers, l'architecte basque Luis Peña Ganchegui construisait l'amphithéâtre en granit rose. Une place avec différentes terrasses, ancrée au versant du Mont Igeldo et depuis lequel vous profiterez du spectacle des trois peignes défiant la nature.

Ainsi, ce qui a commencé comme une exposition temporaire est devenu l'un des endroits les plus emblématiques de la ville.

Une promenade à la découverte des sculptures de Chillida à Saint-Sébastien

Le Peigne du Vent n'est pas la seule œuvre d'Eduardo Chillida à Donostia / Saint-Sébastien. La ville est un vaste musée en plein air qui cache plusieurs sculptures du célèbre artiste originaire de Donostia.

Nous vous proposons une petite promenade dans quelques-uns des endroits de la ville décorés avec les œuvres du sculpteur. Un cadeau non seulement pour les amateurs d'art mais également pour les plus curieux, car les sculptures de Chillida ne laissent personne indifférent.

L'itinéraire commence avec l'un des endroits dont la visite est incontournable, la Baie de La Concha. Là, dans l'un des miradors de la Promenade, juste avant d'arriver au tunnel de Miramart, vous trouverez l'un des cadeaux de cet artiste à la ville. Après avoir occupé plusieurs emplacements dans la ville, l'œuvre en granit 'Hommage à Fleming' a été placée à cet endroit, tournée vers l'île Santa Clara et le Mont Urgull.

La escultura de Chillida "Homenaje a Fleming" está situada en un mirador sobre la Playa de la Concha cerca del Palacio de Miramar

Après la stèle de Chillida, le chemin nous mène au Palais de Miramar. Là, sur la petite colline rocheuse qui sépare la Plage de La Concha de celle d'Ondarreta, appelée Pico del Loro, Chillida vous offre une 'étreinte'. Tel est en effet le nom de la stèle dédiée au peintre originaire de Donostia Rafael Ruiz Balerdi.

Comme il ne pouvait en être autrement, cet itinéraire s'achève avec Le Peigne du Vent. Pour Eduardo Chillida, c'était à cet endroit qu'il devait être, il en connaissait le sens et a voulu le partager.

" Cet endroit est à l'origine de tout. C'est véritablement lui l'auteur de l'œuvre. Je n'ai fait que le découvrir. Le vent, la mer, la roche, leur intervention à tous est déterminante. Il est impossible de réaliser une telle œuvre sans tenir compte de l'environnement. C'est une œuvre que j'ai réalisée moi, que je n'ai pas réalisée moi "
- Eduardo Chillida -

Peu importe combien de fois vous irez à cet endroit, vous n'y trouverez jamais le même scénario. Les vagues, le ciel et le vent joueront capricieusement avec l'acier et les rochers, en offrant une photographie totalement différente à chaque fois.

Si vous souhaitez en savoir plus sur son œuvre, à Donostia, nous avons encore plus de sculptures de Chillida. Vous pouvez également demander une visite guidée au Musée Chillida Leku, une ancienne maison traditionnelle familiale à quelques kilomètres de Saint-Sébastien, qui réunit un grand nombre d'œuvres grand format dans ses jardins ainsi que d'autres peintures et sculptures plus petites à l'intérieur.

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Peigne du Vent - Saint-Sébastien Tourisme

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En un extremo de la Bahía de La Concha, Eduardo Chillida ancló tres esculturas en las rocas que se han convertido en uno de los lugares más emblemáticos de San Sebastián. Un lugar de obligada visita en el que hay una estampa qué no te puedes perder ¿Quieres saber cuál?

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तुमचे मित्र, कुटुंब आणि तुमच्या ओळखीच्या लोकांशी सामायिक करण्यासाठी आणि कनेक्ट होण्यासाठी Facebook मध्ये लॉग इन करा.

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Du blockhaus à l'œuvre d'art
BABY.K Graffiti et Blesea transforment des blockhaus en œuvres d’art ! Ces 2 artistes cherbourgeois ont passé 4 jours sur une plage de Biville pour réaliser une fresque de 6 mètres de haut. Leur œuvre, exposée au vent et aux embruns, disparaîtra après quelques mois… 🌊 🕝 Découvrez leur histoire dimanche dans Thalassa avec Sabine Quindou !
Posted by Thalassa on Friday, September 10, 2021

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Ce parcours est une introduction à la photographie. Il propose, à travers une sélection de 360 photographies, issues pour l'essentiel des collections de la BnF, de poser des repères dans l'histoire de la photographie, des clés d'entrée dans l'art du photographe. Il invite d'autre part à des pratiques riches et inventives.

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BnF - Exposition virtuelle - Maîtres de la BD européenne

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Fake news : les artistes contre-attaquent

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De plus en plus de gens se laissent séduire par des images bien ficelées et diffusées partout. La bonne nouvelle ? Les artistes ont le pouvoir de remettre au centre du tableau l'esprit critique. À l'espace Fondation EDF, qui consacre au sujet une exposition intelligente et pédagogique "Fake news", zoom sur 5 d'entre eux !

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design/moulage/avion/instrument de musique

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" ... Le haut-parleur du XIXème siècle ! Ce haut-parleur a été imaginé avec une méthode inédite produisant une musicalité exceptionnelle et immersive. Cirier, mouleuse et sculpteur sur matériaux composites, Mona a apporté sa maîtrise technique du moulage, de la finesse de la matière et des infimes variations d'épaisseurs, pour véritablement donner forme au son.

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Autrefois en marge, le street art vit aujourd'hui en plein jour et représente un axe important de la politique culturelle de la mairie de Toulouse. Expositions, festivals... Les événements qui lui sont consacrés se multiplient et les artistes se font nombreux pour graffer sur les murs de la ville, faisant de Toulouse une véritable galerie à ciel ouvert.

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4ème édition du Festival international de stickers à Toulouse

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Les amateurs de street-art ne pouvaient le manquer : l'artiste de renommée mondiale est passé par Toulouse et a laissé une oeuvre très particulière dans un quartier de la ville.

L'artiste a peint sur une boîte de La Poste * © Karim Boukercha

Les amateurs de street-art le savent : si l'artiste C215, alias Christian Guémy, pratiquent souvent sur des grandes surfaces, des murs d'immeubles dans le monde entier, il est aussi attiré par les petits objets du quotidien et le mobilier urbain et répand ainsi son art, aux niveaux des yeux.

A Toulouse, l'artiste, de renommée internationale, vient, jeudi, de s'exprimer sur un support étonnant : une boîte aux lettres jaunes de La Poste, boulevard Lascrosses.

L'oeuvre toulousaine de C215 en 360 ° : Une oeuvre singulière, pour un projet lié à Toulouse : il s'agit d' une réinterprétation du tableau, attribué au Caravage, découvert en 2014 et qui va bientôt être vendu aux enchères.

La présentation à Paris du tableau retrouvé à Toulouse * © AFP

Joint par France 3, l'artiste, raconte :

J'ai déjà dessiné des oeuvres dans les rues des villes que le Caravage a visité : Rome, Naples, La Valette... A Toulouse, qui est une ville baroque, une ville qui a eu un lien fort avec le caravagisme, je voulais rendre hommage à l'artiste là où ce tableau a surgi, et j'ai mêlé une interprétation de ce tableau avec d'autres personnages du Caravage.

L'oeuvre est visible sur les 4 faces de cette boîte jaune de la Poste :

L'artiste s'est exprimé sur ce mobilier qui reste utilisable. Contactée par nos soins, la direction départementale de La Poste en Haute-Garonne, qui vient de découvrir l'oeuvre, indique que pour le moment "rien n'est prévu" la concernant.

Alors l'artiste a-t-il peur de voir son oeuvre disparaître ?

Je fais mon oeuvre et après je n'ai peur de rien, explique C215. Mais le mieux pour qu'elle soit conservée, c'est d'en parler et qu'un maximum de personnes soient au courant, ce qui sera le cas grâce à votre article.

Il est donc encore temps, pour les amateurs d'art et les curieux, de se rendre boulevard Lascrosses pour admirer, photographier et instagramer l'oeuvre avant qu'un coup de Karcher ou la bombe d'un autre artiste ne la rende vraiment éphémère.

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Le street-artist C215 réinterprête sur une boîte aux lettres le tableau du Caravage découvert à Toulouse

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Les amateurs de street-art ne pouvaient le manquer : l'artiste de renommée mondiale est passé par Toulouse et a laissé une oeuvre très particulière dans un quartier de la ville.

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Diaporama sonore sur C215, artiste pochoiriste, qui pratique l'art de rue à Vitry-sur-Seine et ailleurs. Réalisation : Dominique Sée et Jean-Philippe Trigla Prise de son : Dominique Sée Photographies : Jean-Philippe Trigla Twitter : @jeanfidu94 Courriel : jeanphilippetrigla@gmail.com Facebook : jean-philippe trigal

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Covid-19 : France 24 à la rencontre du street-artiste C215

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C215 vidéo 1

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C215 et le pochoir humaniste (Streetart n°1), english subtitles

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C215 vidéo 2

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C215, Le pochoir humaniste (Streetart n°2), with english subtitles

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"art contemporain" oeuvres "initiation à l'art" "creation contemporaine" "arts plastiques" toulouse pedagogie médiation

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La chaîne boîte à outils sur l'art contemporain

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La Fondation pour l'art contemporain, Espace Ecureuil, présente "La chaîne boîte à outils sur l'art contemporain". Elle va bien pour les gens qui : aiment / n'aiment pas / ne comprennent pas l'art contemporain mais essaient quand même.

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Gros bras

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La fuite des robinets

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La pipe à Pépé

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Moine bucheron

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mouvements ondulatoires

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Jeanne

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Rusé compère

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Clown blanc

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Percheron

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Le coiffeur du coin

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Dents de loup

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C'est le printemps !

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La volaille des fonds de tiroirs

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Tour de vis

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Petit joueur

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Dessin mordant

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Purée andalouse

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Bottle boy

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C'est l'hallu !

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Coin de paradis

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Rouflaquette

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Sous le manteau

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Les visiteurs de la nuit

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Entrez dans la légende

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Dur d'oreille

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Auguste

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affuté

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Pomme fil de fer

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cuir de bourgogne

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Tableau de chasse

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claque la porte

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accros au sucre

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Ça me scie

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Mosquitos

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Safari

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Rires en boite

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Petite passette

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lunettes sécu

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Les fous du volant

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Batipro

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Happy

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Closed

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louvre paris museum musée painting peinture joconde pyramide art culture collections france mona lisa

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The Plastic Bag Store is a public art installation and immersive film by artist and director Robin Frohardt employing humor, craft, and a critical lens to our culture of consumption and convenience - specifically, the enduring effects of our single-use plastics. The shelves are stocked with thousands of original, hand-sculpted items - produce and meat, dry goods and toiletries, cakes and sushi rolls - all made from discarded, single-use plastics in an endless flux of packaging. The store transforms into an immersive, dynamic stage for a film in which inventive puppetry, shadow play, and intricate handmade sets tell the darkly comedic, sometimes tender story of how the overabundance of plastic waste we leave behind might be misinterpreted by future generations.

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The Plastic Bag Store is a public art installation and immersive film by artist and director Robin Frohardt employing humor, craft, and a critical lens to our culture of consumption and convenience - specifically, the enduring effects of our single-use plastics.

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Villa Vassilieff - 21, avenue du Maine 75015 Paris (France) - info[at]aware-art[.]org - +33 (0)1 55 26 90 29

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AWARE : Archives of Women Artists, Research and Exhibitions vise à créer, indexer et diffuser des informations sur les femmes artistes du XXe siècle.

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Accueil

De mai 2009 à mai 2010, l'exposition Elles@centrepompidou a présenté au public les œuvres de plus de 200 artistes femmes du vingtième siècle. Ce site, réalisé par l'Institut national de l'audiovisuel et le Centre Pompidou, propose de revisiter ce moment inédit à travers de nombreux documents, portraits d'artistes, vidéos d'archives ou œuvres commentées.

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Plan de l'exposition

Fresque chronologique

Parcours d'exposition

Découvrez les autres fresques interactives

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Conçu comme un prolongement de l'accrochage du Musée national d'art moderne consacré aux artistes femmes, ce site, réalisé conjointement par l'Ina et le Centre Pompidou, réunit des portraits d'artistes en vidéo, une sélection d'œuvres majeures et des archives audiovisuelles de l'Ina.

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MUSEA est un site édité par l'université d'Angers qui propose depuis 2004 des expositions virtuelles sur l'histoire des femmes et du genre.

Outil éducatif, culturel et citoyen, il permet de déconstruire les représentations stéréotypées du masculin et du féminin. Ses ressources variées (images, textes, sons et vidéos) servent de support à une réflexion transdisciplinaire accessible à toutes et tous. MUSEA a pour objectif de proposer une histoire réalisée par des universitaires, accessible à tous publics.

Œuvre collective, MUSEA se construit au fil des propositions qui sont étudiées par un comité scientifique dirigé par Christine Bard (professeure d'histoire contemporaine). Interface entre la recherche sur les femmes et le genre et le grand public, MUSEA est intégré aux activités du laboratoire TEMOS (Laboratoire Temps, Mondes, Sociétés).

Dernières expositions

Pendant la période coloniale en Indochine, des dizaines de milliers d'enfants métis sont nés de relations sexuelles entre des hommes...

Há muitos clichês em torno da Grécia antiga: ali as mulheres seriam reclusas, usariam véus ou estariam afastadas dos olhares,...

Derniers objets dans notre médiathèque

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MUSEA est un site édité par l'université d'Angers qui propose depuis 2004 des expositions virtuelles sur l'histoire des femmes et du genre. Outil éducatif, culturel et citoyen, il permet de déconstruire les représentations stéréotypées du masculin et du féminin. Ses ressources variées (images, textes, sons et vidéos) servent de support à une réflexion transdisciplinaire accessible à toutes et tous.

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7 intervenants/7 hommes :
Bruno Le Maire, Ministre de l'Économie et des Finances,
Philippe de Villiers, Ancien Ministre,
François Xavier Bellamy, Philosophe,
Jacques Attali, Essayiste,
Michel Houellebecq, Ecrivain,
Benoit Duteurtre, Ecrivain,
Eric Zemmour, Essayiste.

Voici le tract que nous n'avons pas pu lire en raison de la violence du service d'ordre :

Européennes : Soumettez-vous aux Mâles !

C'est éperdue de reconnaissance que La Barbe salue ces Hommes qui font corps. OUI, c'est émue que la Barbe vient s'incliner devant Jacques, François-Xavier, Benoit, Michel, Philippe, Bruno, Eric qui déploient leurs esprits virils pour insuffler l'espérance aux faibles, aux femmes notamment, et qui dialoguent, en notre nom, sur l'Europe.

Le Mâle est LE bien commun, l'alpha et l'oméga, la source de toute idée en ce 21ème siècle. Les porteurs de pénis sont nos Valeurs actuelles et nos Eveilleurs de conscience, comme le montre majestueusement ce plateau.

A ceux qui doutent, la Barbe dit : SOU-MIS-SION au verbe masculin. Phallocratie pour toutes ! Notre Dame brûle et ils soufflent un air frais. Quel panache en ces temps de mixité rampante, Messieurs, d'afficher votre glorieuse et exclusive masculinité ! Démultipliée et unie dans l'espace du Cirque d'Hiver.

Vous êtes sept et pourtant vous n'êtes qu'un ! Ah, ce beau corps, mâle, blanc, mûr, ce rempart contre les turpitudes modernes ! La citadelle Europe, assiégée, menacée par l'invasion du politiquement correct, se projetant vers l'avenir grâce à ce noble cénacle ! Quels symboles vous êtes !

Jacques Attali, visionnaire inlassable depuis le siècle dernier, déjà ; François Xavier Bellamy, fougueux missionnaire de l'hétérosexualité chancelante ; Benoit Duteurtre, chantre de Play Boy et de La Vie Catholique ; Michel Houellebecq, Particule élémentaire de génie en fusion, notre guide à Toutes, La carte et le territoire qui remet les choses, donc les femmes, à leur place !
Bruno Le Maire, parangon de vertu capitaliste, notre clef vers LES paradis ; Eric Zemmour, d'un Z qui veut dire Zemmour, plume exaltée de la Frônce, celui qui a soufflé à La Barbe son 1er cri de ralliement : " Le racisme, c'est bien, le sexisme, c'est mieux ! ". Philippe de Villiers, enfin, fier apôtre des valeurs familiales et fraternelles.

Pour vous, La Barbe réclame l'immuabilité : LA CONSECRATION. LE MARBRE.

La BARBE

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7 intervenants/7 hommes : Bruno Le Maire, Ministre de l'Économie et des Finances, Philippe de Villiers, Ancien Ministre, François Xavier Bellamy, Philosophe, Jacques Attali, Essayiste, Michel Houellebecq, Ecrivain, Benoit Duteurtre, Ecrivain, Eric Zemmour, Essayiste. Voici le tract que nous n'avons pas pu lire en raison de la violence du service d'ordre : Européennes : Soumettez-vous aux Mâles !

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Associe un SOUVENIR à une COULEUR dans l’œuvre numérique et participative d'Armelle Caron.

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Associe un SOUVENIR à une COULEUR dans l’œuvre numérique et participative d'Armelle Caron.

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Making of du clip Leaving LA

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The Making of LEAVING LA by Tee Ken Ng and Tim Minchin

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Phénakistiscopes

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Leaving LA by Tim Minchin and Tee Ken Ng (Official Video)

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Phénakistiscopes

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Mesmerizing Phenakisticopes and Illusions by Tee Ken Ng

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Norman McLaren, Spook sport, 1940 / Camille Saint-Saëns, La danse macabre

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Norman McLaren, Spook sport, 1940 / Camille Saint-Saëns, La danse macabre

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Récup' et narration / incitation possible

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Récup' et narration / incitation possible

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Une « love story » entre deux bouteilles de lait pour sensibiliser au recyclage

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On peut traduire Bichos par créatures, bestioles. Sculptures à manipuler qui passent du plat au volume en se dépliant. Elles changent de forme au gré des visiteurs mais résistent aussi à certains mouvements.

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Bernard Pras, Les chien qui pisse, 2019 Rencontres d'Arles

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Bernard Pras, Les chien qui pisse, 2019 Rencontres d'Arles

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Bernard Pras, Zidane, 2013, installation, Marseille

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Les lunettes qui fondent au soleil!

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Cette œuvre surréaliste présente des montres molles et un visage déformé au milieu d'un paysage désertique. Le mou symbolise le temps qui s'écoule ; le dur, c'est ce qui reste. Le peintre espagnol Salvador Dalí est devenu célèbre grâce à ce tableau.

Réalisateur : Franck Guillou

Producteur : Les Films de l'Arlequin, France 3, Le Musée du Louvre

Année de copyright : 2007

Année de production : 2007

Publié le 11/02/16

Modifié le 26/05/23

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Cette œuvre surréaliste présente des montres molles et un visage déformé au milieu d'un paysage désertique. Le m...

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Chaîne Youtube du Musée d'Orsay (Paris).

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Chaîne Youtube du Musée d'Orsay (Paris).

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Découvrez 10 mouvements artistiques du XIXe siècle à travers des œuvres du musée d'Orsay

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Share your videos with friends, family, and the world

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William Kentridge: "Breathe" | Art21 "Extended Play"

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Par ici avec Gymnastique, la culture sans claquage!

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Gymnastique - Les statues n'étaient pas blanches - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Les statues antiques ont toujours été blanches comme neige, et comme le marbre dont elles sont faites, c'est bien connu. Eh bien non. On vous ment. En Grèce Antique comme à l'époque romaine, les statues n'ont jamais eu la blancheur immaculée d'un carré de Malevitch.

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VISITER LES INCROYABLES NYMPHEAS DE MONET

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VISITER LES INCROYABLES NYMPHEAS DE MONET

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à L'Orangerie, Paris

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© Camillegharbi / Camille Gharbi

Le bâtiment n'a pas toujours présenté des œuvres d'art. En effet, il fut construit en 1852 afin d'abriter durant l'hiver les orangers décorant le jardin du palais des Tuileries. Les orangers étaient auparavant rentrés sous la grande galerie du Louvre.
Le nouvel édifice voulu par l'empereur Napoléon III est bâti sur la terrasse du jardin bordant la Seine, dite "terrasse du bord de l'eau", en un temps record de quatre mois sur les plans de l'architecte Firmin Bourgeois (1786-1853). Elle se présente plutôt comme une serre : sa façade sud face au fleuve est vitrée pour recevoir la lumière et la chaleur du soleil. La façade opposée, face à la rue de Rivoli, est presque aveugle afin d'éviter les vents du nord.

Les portes principales sont situées de chaque côté, à l'ouest et à l'est, et reçoivent un décor dessiné par Louis Visconti (1791-1853) architecte en charge des transformations du Louvre. Les portails entourés de colonnes, rappellent le décor du palais des Tuileries. Ils sont surmontés de frontons triangulaires sculptés par Charles Gallois-Poignant, représentant des cornes d'abondance, plantes et épis de maïs en relation avec la destination du lieu.
Après la chute de l'Empire en 1870 et l'incendie du palais des Tuileries en 1871, l'Orangerie appartient au Domaine de l'État. Elle abrite encore des orangers ainsi que divers événements : manifestations horticoles, musicales, artistiques, banquets, concours, expositions canines... jusqu'en 1922.

Après la Première Guerre mondiale, un nouveau destin va bousculer radicalement l'Orangerie. En effet, en 1921, l'État affecte le bâtiment au Sous-Secrétariat d'État aux Beaux-Arts avec son pendant le Jeu de Paume bâti en 1862 sur la terrasse bordant la rue de Rivoli. Il s'agit d'y exposer les artistes vivants. C'est alors que Georges Clemenceau (1841-1929), président du Conseil, propose d'installer à l'Orangerie, plutôt que dans la cour du tout nouveau musée Rodin, le grand ensemble des Nymphéas que Claude Monet (1840-1926) est en train de peindre et a offert à l'État. La donation est formalisée en 1922.

Claude Monet s'investit beaucoup dans le projet architectural aux côtés de l'architecte Camille Lefèvre (1876-1946). Ce sont finalement huit panneaux de deux mètres de haut, d'une longueur totale de 91 mètres, qui sont disposés dans deux salles ovales formant le signe de l'infini. Leur orientation est-ouest les place dans la course du soleil et le grand axe parisien qui va de l'Arc de Triomphe au Louvre. On accède aux deux salles successives par un vestibule, qui constitue la transition avec le monde extérieur. Enfin, la lumière naturelle qui provient du plafond plonge le visiteur dans un état de grâce voulu par le peintre.

Le "musée Claude Monet" est inauguré par Clemenceau le 17 mai 1927, quelques mois après la mort de l'artiste. Rattaché au musée du Luxembourg, l'ensemble du bâtiment constitue le Musée national de l'Orangerie des Tuileries.

Le Musée national de l'Orangerie des Tuileries est rattaché au musée du Louvre en 1930. La moitié ouest du bâtiment, côté place de la Concorde, est alors transformée en une suite de quatre salles destinées aux expositions temporaires des musées nationaux, ce qui constitue une nouveauté. Plusieurs expositions y ont lieu chaque année, parmi les plus notoires, un cycle lié aux impressionnistes de 1930 à 1933, la manifestation dédiée aux Peintres de la réalité du XVII e siècle en 1934, devenue légendaire, Rubens et son temps qui attire un million de visiteurs en 1936, Degas en 1937. En 1942 se tient une exposition consacrée à Arno Breker, sculpteur allemand formé en France devenu un artiste officiel du Troisième Reich. En 1946 y sont présentés "les chefs-d'œuvre des collections privées françaises retrouvées en Allemagne" c'est-à-dire les œuvres spoliées par les Nazis et rapportées en France par la Commission de récupération artistique et les alliés, les Monuments Men.

En 1945, l'Orangerie forme avec le Jeu de Paume, qui accueille les collections impressionnistes du Louvre, une seule entité rattachée au département des Peintures du Louvre. La Réunion des Musées nationaux y poursuit de 1946 à 1960 l'organisation de grandes expositions qui connaissent un très grand succès comme Van Gogh et les peintres d'Auvers-sur-Oise ou De David à Toulouse-Lautrec en 1954 et 1955... Cette réussite suscite l'aménagement des Galeries nationales du Grand Palais qui ouvrent en 1964.

C'est l'acquisition par l'État de la collection Jean Walter et Paul Guillaume, en 1959 et 1963, sous réserve d'usufruit, qui donne son aspect définitif au musée de l'Orangerie. En effet, Domenica Walter (1898-1977), veuve du marchand Paul Guillaume (1891-1934) puis de l'architecte et industriel Jean Walter (1883-1957), concrétise le souhait de son premier mari de créer "le premier musée d'art français moderne" accessible au public. L'État propose d'exposer la collection à l'Orangerie.

Une deuxième campagne de travaux est menée par l'architecte Olivier Lahalle de 1960 à 1965. Les galeries d'expositions sont supprimées et le bâtiment est doté de deux niveaux superposés sur toute sa longueur. Un escalier monumental doté d'une rampe dessinée par Raymond Subes (1893-1970) remplace le vestibule d'accès aux Nymphéas. Il mène à une suite de salons voulus par Domenica Walter pour l'accrochage des 146 tableaux. Une présentation publique de la collection a lieu en 1966, inaugurée par le ministre de la Culture André Malraux. Domenica Walter garde les tableaux jusqu'à sa mort en 1977.

Une troisième campagne de travaux a lieu de 1978 à 1984 pour consolider le bâtiment, rafraîchir les salles et accueillir définitivement l'ensemble de la collection, baptisée "collection Jean Walter et Paul Guillaume" selon les vœux de Domenica Walter. L'Orangerie devient un musée national indépendant, séparé de la tutelle du Louvre et du Jeu de Paume, dont les collections impressionnistes sont destinées au futur musée d'Orsay.

La dernière transformation de l'Orangerie a lieu de 2000 à 2006 sous l'égide de l'architecte Olivier Brochet, agence Brochet/Layus/Pueyo et de Pierre Georgel, alors directeur du musée. Les salles construites sur deux niveaux sont supprimées et la lumière naturelle est rétablie dans les Nymphéas. Des espaces sont creusés au sous-sol, au nord du bâtiment, afin d'y installer la collection Jean Walter et Paul Guillaume. Des espaces d'exposition temporaire, un auditorium, une salle pédagogique et une librairie sont également créés. Les travaux sont retardés et modifiés par la découverte des vestiges de l'enceinte "des fossés jaunes" érigés à partir de 1566 pour protéger le palais des Tuileries.

Le musée rouvre le 17 mai 2006 et développe à nouveau une ambitieuse politique d'expositions. Il est rattaché depuis le mois de mai 2010 au musée d'Orsay au sein de l'Établissement public du musée d'Orsay et du musée de l'Orangerie.

Le bâtiment est actuellement entouré de plusieurs sculptures. Le long de la façade nord se trouve une œuvre d'Alain Kirili, exécutée en 1986, Grand Commandement blanc. Devant l'entrée du musée se trouve une fonte du Baiser de Rodin. Lorsqu'on veut accéder au bâtiment depuis le côté opposé à l'entrée sont visibles Reclining Nude, fonte de 1951, d'Henry Moore (1898-1986) au pied de l'escalier puis un moulage d'après Le Lion au serpent d'Antoine-Louis Barye (1796-1875) sur la terrasse du bord de l'eau.

La collection du musée de l'Orangerie retrace certains pans singuliers de l'art du XXe siècle, qu'il s'agisse du grand décor des Nymphéas de Claude Monet, chef-d'œuvre ultime du père de l'impressionnisme, ou de la collection de peintures de Paul Guillaume et Domenica Walter, caractérisée par la tension entre modernité et retour à la tradition, de Renoir à Matisse, de Cézanne à Picasso, du douanier Rousseau à Modigliani ou encore de Soutine.

À l'automne 2020, après quelques mois de travaux de rénovation, le public peut redécouvrir les chefs-d'œuvre du musée dans une présentation renouvelée, qui permet de relier les deux ensembles, le décor des Nymphéas et les toiles des grands peintres de École de Paris du début du XXe siècle, selon une cohérence spatiale et visuelle et un parcours fluide, informé et stimulant. Les grands formats des Modernes "primitifs" - Picasso, le douanier Rousseau, Derain, Modigliani, Matisse... - selon la vision du poète Guillaume Apollinaire, marquent une entrée frappante dans la collection. Quant aux salles monographiques, elles offrent au public une vision renouvelée, plus rapprochée et confortable des œuvres.

Le dépôt exceptionnel d'un ensemble de sculptures d'Afrique et d'Océanie, anciennement collection Paul Guillaume, par le Musée du Quai Branly - Jacques Chirac, ainsi que quelques dessins et archives, enrichissent le parcours. Deux salles nouvelles, celle des Focus sur la collection et celle des contrepoints contemporains, accompagnent l'approche dynamique et sans cesse renouvelée de cette prestigieuse collection.

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Le bâtiment n'a pas toujours présenté des œuvres d'art. En effet, il fut construit en 1852 afin d'abriter durant l'hiver les orangers décorant le jardin du palais des Tuileries. Les orangers étaient auparavant rentrés sous la grande galerie du Louvre.

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Sur les codes de représentations chez les Égyptiens, par une égyptologue toulousaine.

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#04 Pourquoi l'art égyptien ressemble-t-il à du Picasso (en mieux) ?

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Récits créés à partir des œuvres du Musée d'Orsay à Paris. Rêvez, voyagez...depuis votre chambre!

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En route pour le XIXe avec les Promenades imaginaires au musée d'Orsay. L'auteure Béatrice Fontanel a choisi ces tableaux au musée pour imaginer les histoires que tu vas entendre. Au musée devant le tableau, ou à la maison les yeux fermés, en route pour un voyage dans le temps...

Les promenades imaginaires autour de Berthe Morisot ont reçu le soutien du Centre national du Livre
Découvrir toutes les promenades imaginaires
Augustine enfin danseuse étoile

Rêve ou réalité ? Augustine nous raconte sa joie d'être enfin danseuse étoile, et nous parle de ce peintre qui hante les coulisses de l'Opéra...

Une histoire écrite par Béatrice Fontanel, interprétée par Adélaïde Bon

Réalisation : Enky Wave
©Une coproduction Musée d'Orsay et Création Collective

Marie et le terrible M.Degas

Mais qui est cette jeune Marie qui a, des heures, durant, posé pour le sévère monsieur Degas...

Une histoire écrite par Béatrice Fontanel, interprétée par Ariane Dionyssopoulos

Réalisation : Enky Wave
© Une coproduction Musée d'Orsay et Création Collective

Olympe, petit rat de l'Opéra

Dans la classe de danse de M. Perrot, les petits rats travaillent d'arrache-pied, sous l'œil du peintre Edgar Degas...

Une histoire écrite par Béatrice Fontanel, interprétée par Véronique Lechat

Le faux pas de Pauline

A l'Opéra, le spectacle n'est pas que sur scène. Alors que les petits rats s'élancent, les musiciens s'activent dans la fosse. Installé quelque part, quelqu'un ne perd pas une miette de tout ça : c'est Edgar Degas.

Une histoire écrite par Béatrice Fontanel, interprétée par Adélaïde Bon

Emile et la dame artiste

Marchant dans la campagne, le jeune Emile fait la rencontre de Mme Berthe Morisot...

Une histoire écrite par Béatrice Fontanel, interprétée par Adélaïde Bon et Paul Bouffartigue

Les bêtises de Pacha

Ecoutez monsieur Pacha, le chat de la maison vous raconter sa dure vie aux côtés de sa jeune maîtresse Julie Manet.

Une histoire écrite par Béatrice Fontanel, interprétée par Paul Bouffartigue

Lorsque ma petite soeur Blanche est née

Jeanne vient d'avoir une petite sœur. Ecoutez-la raconter comment l'arrivée de Blanche a bouleversé la vie de la maison. Sa maman ne peut plus jouer avec elle comme avant et il faut sans cesse faire attention à ne pas la réveiller...

Une histoire écrite par Béatrice Fontanel, interprétée par Véronique Lechat.

Jeanne et la partie de cache-cache

Une chaude journée d'été... Jeanne et sa petite sœur Blanche entreprennent une chasse aux papillons mais le petit Jean est bien décidé à les taquiner. A quelques pas de là, Berthe Morisot ne perd pas une miette de cette scène qu'elle est en train de peindre...

Une histoire écrite par Béatrice Fontanel, interprétée par Véronique Lechat.

Léontine s'en va au cirque

Cette histoire a été imaginée autour du tableau Le Cirque, de Georges Seurat.

Une histoire racontée par Adélaïde Bon

Marguerite au bal du Moulin de la Galette

Le célèbre tableau d'Auguste Renoir, Bal du moulin de la Galette, est le point de départ de l'histoire que nous raconte Marguerite, qui a bien failli ne pas aller au bal!

Une histoire racontée par Véronique Lechat

Le petit Jean emmené par les soldats

Le petit Jean est emmené par les soldats! Que s'est-il passé? Il le raconte dans son histoire imaginée d'après le tableau Ce qu'on appelle le vagabondage, d'Alfred Stevens.

Une histoire racontée par Jacques Bonnaffé

Nestor à toute vitesse sur le quai saint-Michel

Que de monde dans ce tableau de Maximilien Luce, Le quai Saint-Michel et Notre Dame. Sauras-tu retrouver Nestor qui te raconte sa journée bien remplie?

Une histoire racontée par Paul Bouffartigue

Le dîner de Madeleine, un soir d'hiver

Cette soirée n'a pas l'air bien gaie si l'on regarde ce tableau de Félix Vallotton, Le Dîner, effet de lampe. Que peut bien se dire cette petite fille à table?

Une histoire racontée par Ariane Ascaride

Ecoute les Promenades imaginaires sur iTunes, Spotify, Soundcloud

Auteur : Béatrice Fontanel, Réalisation : Enky Wave

Interprètes : Ariane Ascaride, Adélaïde Bon, Jacques Bonnaffé, Paul Bouffartigue, Véronique Lechat

Bruitages : Pascal Mazière

Création graphique : Simon Ernould

Production : Saskia Bakhuys, Anne Fleur Pouyat , Eric Le Ray

(c) Une coproduction Musée d'Orsay et Création Collective

Les podcasts autour des oeuvres de Berthe Morisot ont été réalisés grâce au généreux soutien du cabinet Whilhelm & Associés

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En route pour le XIXe avec les Promenades imaginaires au musée d'Orsay. L'auteure Béatrice Fontanel a choisi ces tableaux au musée pour imaginer les histoires que tu vas entendre. Au musée devant le tableau, ou à la maison les yeux fermés, en route pour un voyage dans le temps...

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Armure du samouraï

L'armure du samouraï est un équipement destiné à protéger les samouraïs. Elle est constituée de plusieurs parties. L'assemblage des pièces de l'armure est conçu de manière à nuire le moins possible à la mobilité.

Histoire

C'est durant la période Heian, entre 794 et 1185, que l'armure du samouraï évolue dans sa forme la plus connue, dō ou dou. Des pièces de cuir imperméabilisées avec de la laque sont employées conjointement avec du métal, de la soie et différents alliages comme le shakudo (or et cuivre) ou le shibuichi (argent et cuivre). Les armures sont de type lamellaire, constituées de petites plaques de métal ou de cuir lacées les unes aux autres. L'armure se nomme ō-yoroi, qui pèse entre 20 et 30 kg. En raison de sa lourdeur et de l'encombrement qu'elle cause aux fantassins (mais pas aux cavaliers), elle évolue vers des modèles plus légers et mobiles, l'armure dō-maru. Grâce à l'acier utilisé, l'armure ne pèse que 10 à 20 kg, contre les 35 kg de la lourde armure européenne, environ 20 kg pour l'emblématique harnois d'acier. L'armure Tōsei Gusoku pèse entre 10 et 13 kg en moyenne. L'Armure argentée du Roi Henri VIII pèse 30,13 kg.

Au XVI e siècle, le commerce avec l'Europe enrichit l'armure japonaise avec, par exemple, le morion. L'arrivée des armes à feu impose un renforcement de l'armure qui sera désormais construites de plaques, faites de fer et d'acier, au lieu de lames. De même, le besoin d'armures en raison des conflits amène l'introduction de plastrons faits de larges bandes lacées ou rivetées au lieu du long laçage d'écailles alors en vigueur.

Durant la période Edo, les armures, moins nécessaires en ces temps de paix, se développement en vêtements d'apparat pour les samouraïs, rivalisant de richesse et de sophistication, jusqu'à la fin des samouraïs en 1877.

Description

Description de l'armure du samouraï, source : Wendelin Boeheim, Leipzig, 1890 :

1. Cuirasse : dō ou dou (胴)
2. Jupe : kusazuri (草摺)
3. Cuissard : haidate (佩楯)
4. Genouillère : tateage (立挙)
5. Jambière : suneate (臑当)
6. Soleret : kōgake (甲懸)
7. Épaulière : sode (袖)
8. Manche : kote (籠手)
9. Gantelet : tekkō (手甲)
10. Casque : kabuto (兜)
11. Écusson : kasa-jirushi (腰巻)
12. Plaque frontale : mabisashi (眉庇)
13. Lame : fukikaeshi (吹返)
14. Protecteur du cou : shikoro (しころ)
15. Cimier : wakidate (脇立)
16. Cimier : maedate (前立)
17. Masque : menpō or mempō (面頬)
18. Écusson : sode-jirushi (垂)
19. P rotecteur du bas du visage et du cou : yodare-kake (襟廻)

L'armure du samouraï se décompose en plusieurs parties :

Le casque (kabuto), essentiel à la protection et arborant toujours un ornement frontal.

Le masque (menpō), pour la protection du visage, souvent orné d'une moustache pour accentuer l'aspect intimidant du samouraï.

Le gorgerin (yodarekake) protège la gorge.

Les épaulières (sode (armure)) recouvrent les épaules.

Le plastron (dō), sorte de signature de l'armure, protège le corps.

Les manches (kote) pour protéger les avant-bras.

Les gantelets (tekkō) servent à la protection des mains. Cette pièce est souvent ornée du mon.

La jupe (kusazuri), constituée de plusieurs pans pour favoriser la mobilité tout en protégeant la région des hanches.

Les cuissards (haedate) protègent les cuisses sous la jupe.

Les jambières (suneate) pour la protection des jambes et quelquefois jusqu'aux pieds.

Parties individuelles de l'armure

Revêtir l'armure du samouraï

Quelques exemples d'armures

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L'armure du samouraï est un équipement destiné à protéger les samouraïs. Elle est constituée de plusieurs parties. L'assemblage des pièces de l'armure est conçu de manière à nuire le moins possible à la mobilité. C'est durant la période Heian, entre 794 et 1185, que l'armure du samouraï évolue dans sa forme la plus connue, dō ou dou.

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VISITER LE GUGGENHEIM DE BILBAO DEPUIS TA CHAMBRE.

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VISITER LE GUGGENHEIM DE BILBAO DEPUIS TA CHAMBRE.

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Google Arts & Culture features content from over 2000 leading museums and archives who have partnered with the Google Cultural Institute to bring the world's treasures online.

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Retouche manuelle : Kensuke Koike & Masha Svyatogor

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Découvrir une œuvre de Quentin Metsys de manière très détendue avec la chaîne Louvre-Ravioli.

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Découvrir une œuvre de Quentin Metsys de manière très détendue avec la chaîne Louvre-Ravioli.

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"Le prêteur et sa femme" par Quentin Metsys

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Découvre sur le site 5 vidéos te racontant les œuvres du Louvre

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L'application Petit Louvre est destinée aux enfants. Elle propose des histoires et des contes autour des oeuvres parmi les plus fascinantes du musée du Louvre, ainsi que des jeux de pistes pour visiter le Louvre et le jardin des Tuileries en s'amusant.

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Sujet MANDALA, artiste de référence 3 (regarder la vidéo)

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Sujet MANDALA, artiste de référence 3 (regarder la vidéo)

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Andy Goldsworthy dans le documentaire de Thomas Riedelsheimer, River and Tides, 2004

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Sujet CHERCHER L’ÉQUILIBRE, œuvre de référence 3 (regarder la vidéo)

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Sujet CHERCHER L’ÉQUILIBRE, œuvre de référence 3 (regarder la vidéo)

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Yoann Bourgeois, Tentative d'approche d'un point de suspension (plateau en équilibre), 2017, pièce chorégraphique courte (danse/cirque)

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Tentative Approaches to a Point of Suspension (Yoann Bourgeois - French Choreographer)

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Sujet: DANSE/PERFORMANCE, œuvre de référence 3 (vidéo à regarder)

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Sujet: DANSE/PERFORMANCE, œuvre de référence 3 (vidéo à regarder)

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Abraham Poincheval et ses diverses œuvres confinées comme par exemple, Ours

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PIERRE-YVES SALIQUE, SAMUEL GUIBOUT - FRANCE 3

franceinfo France Télévisions

L'artiste Abraham Poincheval compte passer 13 jours dans la peau d'un ours, à partir du mardi 1er avril. Le performeur français s'est glissé à l'intérieur d'une structure en bois recouverte de peaux d'ours bruns, au musée de la Chasse, à Paris. Il n'en bougera pas jusqu'au 13 avril.

Nourriture lyophilisée et insectes au menu

"Ne disposant que du strict nécessaire à sa survie, il sera épié en permanence par deux caméras de surveillance", souligne le musée. Les images sont retransmises 24 heures sur 24, en direct sur le site du musée, sur un écran d'une salle attenante et sur un autre écran à l'extérieur de l'établissement.

Dans son cocon, Abraham Poincheval se nourrit d'aliments lyophilisés et d'insectes. Il fait deux petits repas par jour et s'autorise des collations. L'eau potable lui parvient par un réservoir caché dans le socle de l'œuvre. Ses excréments tombent dans des réservoirs également situés dans ce socle.

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VIDEO. Treize jours dans la peau d'un ours

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franceinfo France Télévisions L'artiste Abraham Poincheval compte passer 13 jours dans la peau d'un ours, à partir du mardi 1er avril. Le performeur français s'est glissé à l'intérieur d'une structure en bois recouverte de peaux d'ours bruns, au musée de la Chasse, à Paris. Il n'en bougera pas jusqu'au 13 avril.

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Sujet: DANSE/PERFORMANCE, œuvre de référence 2 (vidéo à regarder)

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Sujet: DANSE/PERFORMANCE, œuvre de référence 2 (vidéo à regarder)

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Le Mime Marceau, Bip, années 1970, et la matérialisation d'un mur imaginaire

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Sujet: DANSE/PERFORMANCE, œuvre de référence 1 (vidéo à regarder)

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Sujet: DANSE/PERFORMANCE, œuvre de référence 1 (vidéo à regarder)

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Willi Dorner, Bodies in urban spaces, 2017, parcours chorégraphique dans les rues de Toulouse

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Tu t'intéresses à l'architecture, tu dois connaître Le Corbusier! Par ici avec Gymnastique!

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C'est l'histoire d'une cabane en bois sur la Côte d'Azur, et pas n'importe laquelle : celle que Le Corbusier surnommait son " château ". L'architecte, urbaniste et théoricien la construisit en 1951, en même temps que la Cité radieuse. Résultat : un minuscule cube de bois habitable dans lequel rien n'est laissé au hasard. Et si toute sa pensée tenait dans une simple cabane ?

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Gymnastique - Tout Le Corbusier dans une cabane - Regarder le documentaire complet | ARTE

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C'est l'histoire d'une cabane en bois sur la Côte d'Azur, et pas n'importe laquelle : celle que Le Corbusier surnommait son " château ". L'architecte, urbaniste et théoricien la construisit en 1951, en même temps que la Cité radieuse. Résultat : un minuscule cube de bois habitable dans lequel rien n'est laissé au hasard.

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sur Youtube! avec la chaîne d'Art d'Art, de courtes vidéos sur des oeuvres

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Découvrez des documentaires et émissions autour de l'art et de la culture ! Abonnez-vous !

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Si vous avez toujours rêvé de faire parler les tableaux: des détournements d’œuvres d'art avec A musée vous, à musée moi

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A Musée Vous, A Musée Moi - de Warhol à Vermeer - Séries et fictions | ARTE

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Cette série courte revisite avec humour les tableaux les plus célèbres du monde entier. De “La Joconde” à la “Marilyn” d’Andy Warhol, les personnages de ces toiles de maîtres s’animent au travers de sketchs loufoques et décalés, dans des décors et costumes scrupuleusement reconstitués.

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BAAM! De l'art dans les épinards, une émission pour découvrir des œuvres et des artistes

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Exposer les enfants à l'art, faire venir les œuvres des plus grands musées jusqu'à eux pour développer leur curiosité, leur créativité et leur sensibilité. Former leur regard critique ... et contribuer à leur éducation à l'image, c'est toute l'ambition de ce programme court qui parle aux enfants mais aussi à leurs parents.

Exposer les enfants à l'art, faire venir les œuvres des plus grands musées jusqu'à eux pour développer leur curiosité, leur créativité et leur sensibilité. Former leur regard critique et contribuer à leur éducation à l'image, c'est toute l'ambition de ce programme court qui parle aux enfants mais aussi à leurs parents.

Accueil enfants 9-12 ans Baam ! De l'art dans les épinards

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Exposer les enfants à l'art, faire venir les œuvres des plus grands musées jusqu'à eux pour développer leur curiosité, leur créativité et leur sensibilité. Former leur regard critique et contribuer à leur éducation à l'image, c'est toute l'ambition de ce programme court qui parle aux enfants mais aussi à leurs parents.

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140 œuvres à découvrir avec 1 minute au musée

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Trois enfants cartoon, Mona, Rafaël et Nabi, visitent des musées pour observer des œuvres appartenant au patrimoine artistique, en vues réelles celles-ci. En une min

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Voyages en VR dans 10 chefs-d’œuvre de l'histoire de l'art!

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Voyages en VR dans 10 chefs-d’œuvre de l'histoire de l'art!

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Entrez dans les tableaux!

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ARTE TRIPS | Productions numériques ARTE

Afficher la vidéo n°1

Du Caravage à Munch en passant par Bruegel, Monet, Manet, Böcklin ou le Douanier Rousseau, cette collection d'expériences VR vous transportera à l'intérieur des plus beaux chefs-d'œuvre de la peinture.

ARTE TRIPS vous propose de partir à la rencontre de quelques chefs-d'œuvre, en traversant le miroir pour découvrir ces peintures de l'intérieur, s'approcher des personnages qui les habitent, saisir les histoires qu'ils vivent, se laisser toucher par leur grâce ou effleurer leurs démons. Le casque de Réalité Virtuelle emporte le spectateur dans un univers parallèle où la familiarité avec...

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Disponible sur les plateformes suivantes

Description technique et crédits courts

Format

Réalité virtuelle et augmentée

Genre

Autres

Durée

10 films en 360° à découvrir

Technique

Autres

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ARTE TRIPS | Productions numériques ARTE

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ARTE TRIPS | Productions numériques ARTE Afficher la vidéo n°1 Du Caravage à Munch en passant par Bruegel, Monet, Manet, Böcklin ou le Douanier Rousseau, cette collection d'expériences VR vous transportera à l'intérieur des plus beaux chefs-d'œuvre de la peinture.

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Une appli à télécharger pour créer de la BD

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Une appli à télécharger pour créer de la BD

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UN OUTIL DE CRÉATION POUR TOUS

Jeunes publics, scolaires, amateurs et passionnés.

L'application est destinée en premier lieu au public scolaire, enseignants et élèves du primaire et secondaire. Cofinancé par le ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse et la BnF, le projet BDnF est né dans le cadre d'un appel à projets innovants lancé par le ministère de l'Éducation nationale. L'application BDnF est le fruit d'une collaboration étroite des équipes de la BnF avec les enseignants, afin de répondre au mieux à leurs attentes. Le projet a été construit et testé, tout au long de son élaboration, par un panel d'instituteurs et de professeurs, qui ont mis l'application à l'épreuve de la réalité. C'est ce qui fait l'originalité et la qualité de l'application.

Au-delà du cadre scolaire, BDnF peut s'adresser à tous, petits et grands, public familial et amateurs de BD pour un usage récréatif. Les passionnés (illustrateurs et scénaristes en herbe) y trouveront également leur compte puisque l'outil permet également de faciliter la mise en page autour de formats innovants.

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Découvrez les codes de la bande dessinée et créez vos propres histoires !

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Par ici!

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Depuis 25 ans, il se réapproprie les techniques des débuts de la photographie, comme la strobophotographie ou le daguerréotype. Son œuvre, entièrement analogique et résolument poétique, revient à l'essence même de l'image. Patrick Bailly-Maître-Grand fait de la photo sans appareil photo.

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Gymnastique - La photographie sans appareil photo - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Depuis 25 ans, il se réapproprie les techniques des débuts de la photographie, comme la strobophotographie ou le daguerréotype. Son œuvre, entièrement analogique et résolument poétique, revient à l'essence même de l'image. Patrick Bailly-Maître-Grand fait de la photo sans appareil photo.

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Découvre l'exposition Contact de Olafur Eliasson à la Fondation Vuitton (Paris) en 2014

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Découvre l'exposition Contact de Olafur Eliasson à la Fondation Vuitton (Paris) en 2014

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[#FLVchezvous] Olafur Eliasson : Contact

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Découvrez le travail de l'artiste EVA JOSPIN

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Léger, pauvre, simple en apparence, le carton protège, puis se fait déchirer, jeter, négliger... mais pas par tout le monde, loin de là ! Ce matériau peu coûteux, malléable et même recyclable, emballe plus d'un artiste. Rencontre avec Eva Jospin, artiste devenue célèbre pour ses forêts minutieusement sculptées dans du carton.

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Le matériau qui cartonne - Gymnastique | ARTE

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Léger, pauvre, simple en apparence, le carton protège, puis se fait déchirer, jeter, négliger... mais pas par tout le monde, loin de là ! Ce matériau peu coûteux, malléable et même recyclable, emballe plus d'un artiste. Rencontre avec Eva Jospin, artiste devenue célèbre pour ses forêts minutieusement sculptées dans du carton.