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la ironía es un recurso narrativo considerado fundamental para el trabajo de un guionista y de un director de cine. Comúnmente conocido como ironía dramática está casi siempre se produce en lugares como películas de comedia o terror, ya que la definición más acertada de esta es que  se produce cuando el espectador sabe algo que el personaje desconoce. Algo típico de las ya mencionadas con anterioridad

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Un guion de cine está repleto de recursos narrativos como la ironía dramática, la sorpresa y el suspense, el planting y el payoff. ¿Los conoces?

Cuando escribimos un guion de cine, una de nuestras máximas ambiciones es sorprender al espectador a lo largo de la historia.

Aunque hemos hablado anteriormente de los pasos para escribir un guion de cine, la estructura de tres actos y la creación de personajes, todavía me faltaba hablar de algunos recursos narrativos importantes.

Estos recursos son los que hacen de verdad interesante una historia.

Son mecanismos o herramientas para jugar con la información a lo largo de la historia, y para proporcionar una buena experiencia al lector o espectador, y sobre todo mantener intacto el interés.

Puede que incluso alguna vez hayas usado algunos de estos recursos narrativos de forma intuitiva al escribir, sin saber cómo se llaman.

Por eso hoy nos vamos a detener principalmente en varios de ellos, como la ironía dramática, la sorpresa y el suspense, o el planting y pay off.

Y veremos también un recurso narrativo negativo que no destaca precisamente por ser del agrado del público, y que deberíamos evitar: el deus ex machina.

Aquí lo tienes explicado en 14 minutos de vídeo, con multitud de ejemplos.

Recursos narrativos en el cine

Estos recursos narrativos que vamos a ver a continuación son fundamentales para el trabajo de un guionista y de un director de cine.

Pero obviamente son recursos compartidos también por la novela y la dramaturgia.

Al final, se trata de narrar, y sobre todo de dosificar la información que tienen tanto los personajes como la audiencia.

Quizás la principal característica de estos recursos narrativos en cuanto al guion de cine, es que su buen uso es fundamental para proporcionar una buena experiencia al espectador.

La historia de una película debe tener ritmo y funcionar como el mecanismo de un reloj.

Todo debe ser impredecible, pero a la vez inevitable.

Es decir, tenemos que sorprender al espectador, pero al mismo tiempo debe experimentar la sensación de que la historia no podía desarrollarse de otra manera.

Idealmente, en un guion literario intentamos que no haya ninguna pieza que no tenga una función en la historia.

O como diría Alexander Mackendrick...

Un guion profesional tiene las mismas cualidades que el buen periodismo: hacen uso del mínimo de palabras para transmitir el máximo de información. Alexander Mackendrick, guionista y director de cine

¿Y cómo logramos eso? Pues haciendo un buen uso de los recursos narrativos. Vamos a ver algunos de ellos.

Planting y pay off como recursos narrativos

Planting y pay off son términos heredados de la tradición narrativa anglosajona. Aunque lo cierto es que en inglés norteamericano suele usarse " " para referirse a lo mismo.

La palabra planting significa literalmente "plantar". Y se utiliza habitualmente como "saldar" o "dar resultado".

Pero podemos traducirlos simple y llanamente como "sembrar y recoger". O "preparación y resolución", si lo preferís.

Es decir, que escribir un guion consiste básicamente en ir sembrando información a lo largo de la historia, que posteriormente debe ser recogida a medida que la película avanza.

Si en el tramo final de la película o en la resolución de una escena nos quedamos con la sensación de que eso no funciona o es fortuito, probablemente es porque no ha sido sembrado debidamente antes.

Como guionistas, hacer un buen uso del planting y el payoff distribuyendo esa semilla o conjunto de semillas en el lugar adecuado, es fundamental para que ese conjunto de semillas florezca debidamente y obtengamos un fruto maduro.

El fruto no puede estar ni demasiado verde, ni demasiado pasado. Debe estar en su punto exacto de madurez.

Cómo usar el planting y el payoff en un guion

A veces, es necesario sembrar o hacer planting en varias escenas diseminadas en la historia.

Pero puede que sólo necesitemos hacerlo una vez. No hay una regla ni una norma que debamos cumplir. Por eso es tan difícil escribir.

Parece fácil cuando vemos una película ya terminada, pero durante el proceso de escritura es un auténtico quebradero de cabeza.

Hay una línea muy fina entre quedarse corto y que algo no esté bien sembrado, o pasarse de largo y subrayar demasiado una información.

En ambos casos, el espectador puede tener una sensación extraña: o bien no ha comprendido por qué sucede algo, o bien siente que le toman por tonto.

Por eso debemos prestar atención a estos dos recursos narrativos. Especialmente cuando reescribimos y analizamos el guion de una forma más objetiva que cuando escribimos el primer borrador.

Ni que decir tiene que el planting y el pay off son críticos cuando se trata del arco de transformación del protagonista.

Una persona no puede cambiar de golpe. Esa consecuencia debe tener unas causas.

Ironía dramática

La ironía dramática se produce cuando el espectador sabe algo que el personaje desconoce.

Este recurso narrativo se usa habitualmente en comedia cuando los personajes actúan de forma patética porque desconocen algo que nosotros sí sabemos, provocándonos la risa.

Como cuando alguien hace una broma sobre otra persona, y nosotros sabemos que la víctima del chiste está justo detrás del chistoso, oyendo cada palabra y cada mofa.

Pero también es muy habitual que lo use un director en el cine de terror.

Por ejemplo, cuando en un plano vemos que aparece una sombra por delante de la pantalla, y el protagonista lo desconoce. Tememos por él o ella, que no tiene ni idea de lo que le espera.

Esta brecha entre la información que conoce el protagonista y la que conocemos nosotros como espectadores da muchísimo juego.

No en vano, las obras de William Shakespeare están repletas de ironía dramática.

Se utiliza constantemente para hacer más rica una escena, o incluso para desarrollar una trama de enredo, como suele ser habitual en muchas comedias.

De hecho, hay películas enteras basadas en la ironía dramática. Por ejemplo, Con faldas y a lo loco o El mayor y la menor, de Billy Wilder.

Y en resumen, cualquier historia recurre a la ironía dramática en mayor o menor medida, así que tenlo en cuenta al escribir. El espectador disfruta mucho más cuando participa y se le otorga cierto poder.

Revelación y reconocimiento de una ironía dramática

El guionista y profesor de guion Frank Daniel, que fue maestro de David Lynch entre otros, acuñó los términos de revelación y reconocimiento.

La revelación se produce en el momento en el que el espectador conoce esa información que el protagonista desconoce.

Cuando el personaje por fin descubre lo mismo que sabe el espectador, se denomina reconocimiento.

Suspense y sorpresa

El suspense

Este recurso narrativo se produce cuando el personaje corre un peligro inminente, y nosotros lo sabemos.

Como espectadores, estamos en vilo para saber si se salvará o no.

Puede haber ironía dramática o no, eso ya depende. Es decir, el personaje puede ser consciente del peligro o no. Pero desde luego nosotros sí que somos conscientes. Esa es la clave del suspense.

Nada mejor que Alfred Hitchcock para explicar la diferencia entre suspense y sorpresa, que es el siguiente recurso que veremos.

"La diferencia entre el suspense y la sorpresa es muy sencilla. Imagina que nosotros estamos hablando, nuestra conversación es muy anodina, no sucede nada especial y de repente: bum, explosión. Había una bomba debajo de la mesa. Eso es una sorpresa. Examinemos ahora el suspense. La bomba está debajo de la mesa y el público lo sabe, y sabe que la bomba estallará a la una, y sabe que es la una menos cuarto (hay un reloj en el decorado); la misma conversación anodina se vuelve de repente muy interesante porque el público participa en la escena. En el primer caso, se han ofrecido al público quince segundos de sorpresa en el momento de la explosión. En el segundo caso, le hemos ofrecido quince minutos de suspense. Alfred Hitchcock en El cine según Hitchcock, de François Truffaut

La sorpresa: un recurso narrativo peligroso

Sí, hay un recurso narrativo que se denomina directamente así: sorpresa.

Se produce cuando el espectador es sorprendido al mismo tiempo que el personaje, como hemos visto en el ejemplo de Hitchcock.

¿Quiere esto decir que haya que evitar la sorpresa? Absolutamente no. Pero hay que utilizarla con cuidado.

Lo cierto es que si se produce una sorpresa en el momento justo, es maravilloso. El propio Alfred Hitchcock recurrió magistralmente a la sorpresa en Psicosis, en un giro de guion impredecible.

Y probablemente gracias a eso es una de las mejores películas de la Historia del cine.

Bong Joon-ho también ha hecho algo parecido en Parásitos. Por algo le gustaba tanto Hitchcock.

Pero la sorpresa como recurso narrativo tiene también su peligro.

Una sorpresa a destiempo puede acabar convirtiéndose en nuestro peor enemigo: es decir, en un deus ex machina, del que hablaremos unos párrafos más abajo.

Normalmente, la casualidad de una sorpresa se recibe bien en la primera parte de una película, pero a medida que la historia transcurre hacia el final, debe ser la causalidad la que impere en el relato.

En caso contrario, corremos el riesgo de darle cancha a nuestro mayor enemigo.

Deus ex machina: el peor de los recursos narrativos

El término deus ex machina proviene de la dramaturgia griega, y ya Aristóteles nos advirtió de su peligro en su tratado Poética (libro que, por cierto, puedes encontrar en mi lista de libros de guion).

En el teatro griego y romano, el deus ex machina consistía en utilizar una especie de grúa (machina) para introducir a un actor que interpretaba a un , y aparecía en escena para resolver el final, o para dar un giro a la trama.​

En la actualidad, usamos el término deus ex machina para referirnos a una resolución de la historia que no tiene lógica interna.

En otras palabras: cuando el final no es lógico, sino que responde más a las necesidades del guionista para acabar la historia o darle un giro, sin que tenga mucho sentido que sea así.

Es como si hiciéramos un payoff sin haber hecho previamente un planting.

Así que aunque se trata de un recurso narrativo, es algo que hay que evitar. Es un recurso narrativo para guionistas que se han dado por vencidos antes de dar con un final adecuado.

Un recurso fácil que da la sensación de que no se nos ha ocurrido nada mejor. Así que ojito con él.

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Recursos narrativos: planting y payoff, ironía dramática y suspense

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Un guion de cine está repleto de recursos narrativos como la ironía dramática, la sorpresa y el suspense, el planting y el payoff. ¿Los conoces? Cuando escribimos un guion de cine , una de nuestras máximas ambiciones es sorprender al espectador a lo largo de la historia.

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video explicativo con mas enfoque a la ironía dramatica

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2.13 Recursos narrativos: Ironía Dramática [Curso de guion | Cine | Series | Dany Campos]

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necesitas algo que llegue a explicar  de mejor manera el uso de la ironía o el sarcasmo en las peliculas como recurso narrativo? a continuación hay una pagina que puede mostrar mejores ejemplos

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"Hay años de mi vida que se están volviendo borrosos en mi cabeza.
Y menos mal, no podría soportar tanta estupidez junta".
Bill Murray

Hay actores que alcanzan la fama con su primer aparición en pantalla, pero que después de ella, sólo son recordados por su debut y despedida de las salas de cine; por otro lado, hay quienes poco a poco van ganando espacio en las carteleras, su nombre va siendo más recurrente en los créditos fílmicos y sus papeles pueden ser de lo más complejos y maravillosos, hasta los más sencillos y divertidos; no importa, se han ganado el privilegio de formar parte de rodajes de todo tipo y seguir siendo ejemplo y referencia en la actuación.

Siendo dueño de un sarcasmo infinito, Bill Murray alcanzó la fama internacional dándole vida a Peter Venkman, un Doctor en Psicología que se dedica a cazar fantasmas (" Ghostbusters", 1994); lo que la mayoría ignora es que su carrera comenzó reemplazando a Chevy Chase en Saturday Night Live en 1977 y desde entonces, la ironía ha sido una característica en la mayoría de los personajes que ha encarnado. Su fama ha trascendido a la de cualquier celebridad de Hollywood, basta observar la parafernalia asociada con él y su presencia en todo tipo de eventos, desde premieres hasta una caminata dominical cualquiera, que sólo se compara con personas de la talla de Marilyn Monroe, Albert Einstein o James Dean.

A pesar de su fama y riqueza con la que parece vivir sin problemas, su figura no se asocia con el glamour de las altas esferas que desfilan en la alfombra roja, separadas por un cordón de terciopelo de los simples mortales.Desde hace un par de años el actor despidió a su agente y a su publicista para cambiarlos por un número 01-800 donde contesta una grabadora que revisa de vez en cuando. La espontánea manera con la que se conduce por el mundo le ha otorgado algo muchísimo más valioso que una notoria autenticidad, le ha regalado independencia envuelta en un aura mística.
Hay algo que hace que la figura de Murray sea más terrenal pero, ¿exactamente qué?

"¡Pero cómo no voy a poder hacer lo que quiera cuando quiera, coño, soy Bill Murray!"

Como todas las grandes personalidades, éstas comienzan su fama dentro de la pantalla y la extienden con historias fuera de ella, Bill no es la excepción. Entre las historias que rodean a esta figura se encuentran:

La vez que hizo equipo con George Clooney para aventar a la piscina, con ayuda de una silla de ruedas, a algunas invitadas en la cena de gala del Festival Internacional de cine de Venecia; la ocasión que hizo de bartender en SXSW sirviendo shots de tequila, sin importar lo que la gente ordenara; cuando entretuvo con una comedia improvisada y pantomima a un grupo de aldeanos en Bali que no tenían ni idea quien era; la ocasión en la que llegó a la fiesta de cumpleaños de un universitario en un karaoke en Nueva York sin invitación y cantó un par de canciones, o cuando posó en las fotos de boda de una pareja que no conocía sólo porque iba pasando. Está la anécdota de cuando hizo una parada inesperada en la Casa de Poetas de Nueva York, que estaba en construcción, para leerle poemas a los trabajadores o la vez que paseó por Estocolmo en un carrito de golf para conocer la ciudad.

6.- "Ed Wood"-Tim Burton (1994)

"Una de las cosas que más me gusta de actuar es que, de alguna manera divertida, vuelvo a mí mismo".

Ha tenido una carrera tan larga y prolífica hasta ahora, que en la mente del público hay múltiples Bill Murray; la mezcla equilibrada de encanto, irreverencia y sarcasmo que posee, lo ha convertido en un imán de seguidores. Ha sabido colocarse con directores de renombre y en propuestas eclécticas sin encasillarse en un papel específico.
5.- "Where the buffalo roam"-Art Linson (1980)

En muchas ocasiones durante las películas se percibe un poco distante, permitiéndole mantener comentarios cómicos aún en los momentos más tensos y dramáticos; es como si su sola presencia fuera una licencia cómica. Ya sea calculado o no, Murray ha logrado concretar un plan exitoso para mantenerse vigente, pues el culto al carisma de un actor como el que envuelve a Bill Murray, suele surgir después de la muerte.

A continuación te presentamos una lista de seis películas para entender que el sarcasmo e irreverencia no están peleados con el talento y cómo estos rasgos han sido clave para su trascendencia en la cultura pop, no solo en Norteamérica, sino a nivel mundial:

4.- "Lost in translation"-Sofia Coppola (2003)

La historia que narra la vida del cineasta Ed Wood, dirigida por Tim Burton, contó con un reparto variado que le dio dinamismo al filme, pero Bill Murray robó completamente el foco de atención durante su monólogo acerca de ir a México para llevar a cabo una operación de cambio de sexo.

3.- "Stripes"-Ivan Reitman (1981)
Antes de que Johnny Depp interpretará al máximo exponente del periodismo gonzo, Hunter S. Thompson en " Fear and Loathing in las Vegas", Murray marcó la pauta en 1980, retratando la muy peculiar vida y obra de este extraordinario periodista con una de sus mejores actuaciones en el cine.

"Creo que las crisis que sufren las personas por motivos de edad no son más que parones en la vida de las personas para detenerse y reflexionar sobre sus relaciones personales".

2.- "Ghostbusters"-Ivan Reitman (1984)

Una exquisita y agridulce película en la que Murray interpreta a un fracasado actor que pasa unos días con una atractiva joven en Tokio. El tono de la película, junto a una banda sonora magnífica y la química entre los protagonistas hace de esta película un clásico del cine contemporáneo.
Bill ha comentado que aún hay gente que le pregunta qué es lo que su personaje le dice al oído a Johansson al final de la historia.

1.- Groundhog Day-Harold Ramis (1993)

En esta cinta, el personaje que interpreta el actor, es muy extravagante; sin embargo, eso mismo lo ha validado desde su lanzamiento como una película revolucionaria hasta la fecha, aunque un tanto anárquica, ya que celebra todo lo que es irreverente, imprudente y temerario.

"Si un director me quiere en su película tiene que saber que necesito tiempo para prepararme el personaje. Es la única condición que pongo y nunca negocio al respecto".

La película que catapultó su carrera hacia la fama. Es imprescindible hablar de "Ghostbusters" cuando se habla de Bill Murray y viceversa. Este hito en su carrera profesional puso en marcha otros proyectos como una serie de dibujos animados, figuras de acción y secuelas que se mantienen actuales, ya que marcaron a toda una generación.

La película más elogiada en su carrera desde que se exhibió por primera vez en 1993. El personaje de Murray es un narcisista que al repetir el mismo día una y otra, y otra vez va tomando consciencia y descubriendo la compasión y la empatía, primero consigo mismo, luego con su entorno y después con otras personas, hasta que logra distanciarse del egoísmo que lo atormentaba sin darse cuenta, y de esa forma puede aceptar el amor y la paz en el pequeño pueblo en el que se desenvuelve la trama. El mensaje que transmite sobre las virtudes del altruismo, el amor y el conocimiento de lo que habita dentro de nosotros mismos la ha convertido en un clásico del cine.

Su presencia en un filme, por menor que sea, siempre trae tintes divertidos, espontáneos y originales que le dan un toque distinto a la trama, no por nada es uno de los actores recurrentes en los filmes de Wes Anderson; también se ha interpretado a él mismo en otros tantos como "Space Jam" o "Zombieland", o en los proyectos especiales como el de Netflix llamado "A very Murray Christmas", una muestra más del grado de importancia que tiene la imagen del actor.
No cabe duda que muchos otros personajes que ha encarnado son dignos de recordar, pero estas películas son de las más representativas y que más han aportado en la historia del cine.

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6 Películas para entender que el sarcasmo es un don que no cualquiera posee

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"Hay años de mi vida que se están volviendo borrosos en mi cabeza. Y menos mal, no podría soportar tanta estupidez junta".

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a continuación vea como shrek esta relacionado con la ironía

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algo que cambio la perspectiva de la ironía y como se tomo en cuenta luego del legado de disney fue shrek , pelicula que luego de una larga travesia para su presentación al publico, logro el exito

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A dos décadas de distancia de su estreno original, es difícil entender lo sísmica que fue Shrek.

El 20º aniversario de la película ha suscitado muchos análisis, tratando de contextualizar la irreverente película familiar generada por ordenador como un hito del cine del siglo XXI. Shrek se ha convertido en una parte tan fundamental del tejido cultural pop que es difícil incluso evaluar su impacto. Fue una película realmente revolucionaria, y su influencia se siente incluso más allá de su género inmediato. Shrek no sólo cambió la forma en que los estudios contaban las historias, sino también la forma en que la gente hablaba de esas historias.

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La mayoría de las demás empresas de animación siguieron las reglas de Disney. Don Bluth animó historias serias sobre animales parlantes, como La tierra antes del tiempo y Todos los perros van al cielo, antes de ofrecer su giro a la plantilla clásica de "princesa Disney" con Anastasia. La adquisición de Fox por parte de Disney ha puesto a Anastasia en Disney+, lo que significa que el personaje del título (Meg Ryan) es ahora una especie de princesa Disney (aunque no oficialmente). Bluth no estaba necesariamente copiando a su rival, pero su obra existía en un paradigma definido por Disney.

Más cerca de casa, Pixar había revolucionado la animación con Toy Story en noviembre de 1995 y había aprovechado ese éxito con películas como A Bug's Life, Toy Story 2 y Monsters Inc. También provocaron una revolución en la animación, inspirando otras películas de animación por ordenador como Antz en octubre de 1998. Pixar estaba en alza, sobre todo cuando Disney atravesó una mala racha hacia el final de la década, ya que Toy Story 2 superó en recaudación a Tarzán en 1999 y Monstruos S.A. superó con creces a Atlantis en 2001.

En cierto modo, Shrek fue la culminación de este rechazo a la hegemonía de Disney. Formaba parte de la narrativa de la producción de la película, y los observadores sugerían que Shrek existía como un gigantesco "jódete" dirigido a Disney por el fundador de DreamWorks, Jeffrey Katzenberg. En esta versión, Katzenberg se vengaba de la humillación pública que le había infligido el director general de Disney, Michael Eisner. Incluso las críticas contemporáneas consideran que el villano Lord Farquaad (John Lithgow) es un sustituto de Eisner.

Shrek tuvo un camino notoriamente problemático hacia el éxito. Katzenberg había participado en gran medida en el renacimiento de Disney y se le atribuye especialmente el éxito de El Rey León, pero le costó trasladar ese éxito a su etapa en DreamWorks. Las dos primeras películas de animación del estudio fueron un fracaso. El Príncipe de Egipto fue un proyecto de pasión para Katzenberg que finalmente tuvo un éxito moderado. The Road to El Dorado tuvo una gestación mucho más dolorosa y aterrizó con un ruido sordo.

La producción de Shrek fue una pesadilla. Los animadores apodaron al proyecto "el Gulag". Tras un año y medio de desarrollo, una proyección de prueba fue una pesadilla y obligó a rehacer por completo la película. El actor Chris Farley fue elegido originalmente para interpretar al ogro titular, pero falleció antes de terminar su trabajo. Mike Myers fue reelegido para el papel y, al parecer, insistió en reescribir el guión para hacer suyo el papel. Más tarde redoblaría sus propias líneas a un gran coste. El pronóstico no era bueno.

Esto hace que el éxito de la película sea aún más asombroso. Shrek se estrenó en la competición de Cannes en mayo de 2001, convirtiéndose en la primera película de animación en competir por la Palma de Oro desde Peter Pan. Compitió con Moulin Rouge, de Baz Luhrmann. de Baz Luhrmann, La profesora de piano de Michael Haneke , El hombre que no estaba allí de los hermanos Coen y Mulholland Drive de David Lynch .(Tres años después, Shrek 2 volvería a competir contra Oldboy, de Park Chan-wook, y Fahrenheit 9/11, de Michael Moore ).

Shrek se convirtió en un auténtico fenómeno cultural. Recibió críticas muy favorables, con el crítico del Newsday John Anderson insistiendo en que entretendría durante "años" y Todd McCarthy de Variety llamándola "un clásico animado instantáneo". Quedó en cuarto lugar en la taquilla mundial de ese año, justo por detrás de Monstruos S.A. Sin embargo, Shrek superó a Monstruos S.A. en la taquilla nacional y se convirtió en la primera película en ganar el Oscar a la mejor película de animación.

En su momento, Shrek parecía una respuesta a la seriedad de las películas de animación clásicas de Disney. Se ambientaba en un reino mágico poblado por personajes de cuentos de hadas, pero a menudo rompía las convenciones de las sanas historias que Disney había presentado durante generaciones. Esto es lo que distingue a Shrek de los demás competidores de Disney. Pixar y Studio Ghibli ofrecían enfoques nuevos, pero seguían siendo sinceros. Shrek era, en comparación, más atrevido.

Estrenada en mayo de 2001, Shrek fue quizás la culminación de la ironía y el cinismo que habían estado presentes en la cultura pop durante la década de 1990. (Los atentados terroristas de septiembre de 2001 llevarían a algunos comentaristas a declarar "el fin de la era de la ironía", pero los informes sobre la muerte de la ironía fueron muy exagerados). La ironía estaba presente en gran parte de la cultura de la época, desde el sarcasmo de Chandler Bing (Matthew Perry) hasta la canción de Alanis Morissette con mayor éxito en el Billboard Hot 100.

Es fácil entender por qué el público respondió a Shrek. La ironía desprendida de la película era divertida cuando venía de un desvalido cultural. Fue especialmente refrescante como respuesta a décadas de sinceridad cuidadosamente calculada y calibrada de Disney. Funcionó como contrapunto a la narrativa cultural dominante. En el contexto específico de mayo de 2001, un mes antes del estreno de Atlantis: el imperio perdido, fue novedoso e interesante. En muchos sentidos, Shrek se convirtió en víctima de su propio éxito.

Obviamente, Shrek generó todo un imperio multimedia: tres secuelas, un spin-off, una atracción en un parque temático, un musical y dos especiales de televisión. En un momento dado, se impone la ley de los rendimientos decrecientes. Con el tiempo, lo que antes era radical y emocionante se vuelve anticuado. En lugar de existir como una oposición irreverente al establecimiento cultural, Shrek se convirtió en un establecimiento cultural de 3.500 millones de dólares. Sin embargo, los problemas de Shrek van más allá de la propia franquicia.

Shrek normalizó esta idea de autoconciencia irónica. En los años siguientes al estreno de Shrek, se hizo cada vez más común que las películas dirigidas a los niños se preocuparan más por denunciar las convenciones narrativas que por ejecutarlas con habilidad. Esta influencia se nota incluso en películas recientes como Scoob! o Trolls World Tour. Incluso Klaus, una película de animación en gran medida anticuada, sigue necesitando un protagonista sarcástico y una interpretación malvada de Papá Noel. Klaus cuenta con un lanzamiento de aguja de "How You Like Me Now?"

La cultura pop moderna se apoya en esta autoconciencia irónica por una razón. La crítica cultural se ha vuelto cada vez más dependiente del sarcasmo, como demuestra la aparición de canales como CinemaSins o Honest Trailers. Por ello, a menudo se critica a las películas por tomarse demasiado en serio a sí mismas. Al fin y al cabo, los directores que no se esconden tras la ironía, como Christopher Nolan, suelen ser atacados por ser "auto-serios". Es importante que las películas lleguen primero a ese punto, para desarmar preventivamente esas críticas. Al fin y al cabo, si todo es una broma, es mejor estar en ella.

Esta ironía se extiende incluso más allá de la esfera cultural, informando y dando forma a gran parte de la política contemporánea. El compromiso y el debate se vuelven imposibles porque las verdaderas intenciones se disfrazan tras una capa de autoconciencia de guiño. Resulta difícil descifrar el significado real de las declaraciones porque todo está envuelto en una ironía consciente. Mirando a Shrek desde este punto de vista, es difícil no resentir la película por su papel como heraldo de esta era de la ironía.

Eso es mucho peso para cualquier película, y más aún para un dibujo animado sobre un descarado ogro escocés. Shrek contribuyó a popularizar el tono irónico que llegó a dominar la cultura popular, en particular los medios de comunicación familiares y el cine de gran éxito, pero no manifestó esa ironía de la nada. El cine es un espejo tan a menudo como una ventana. Shrek se inspiró en algo que estaba presente en la cultura de la época. Lo puso de manifiesto, sintiéndose como un antídoto contra décadas de sentimentalismo sacarino.

Cuando se estrenó, Shrek fue un muy necesario soplo de aire fresco. Sin embargo, incluso el aire más fresco se siente rancio cuando se ha reciclado durante dos décadas.

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Con Shrek, la ironía se generalizó, para bien y para mal

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👻👾 Noticia: Con Shrek, la ironía se generalizó, para bien y para mal . A dos décadas de distancia de su estreno original, es difícil entender lo sísmica que fue Shrek.El 20º aniversario de la película ha suscitado muchos análisis, ...

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rapido y furiosos, y la exageración de la ironiá

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rapido y furiosos, y la exageración de la ironiá

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una película puede llegar a ser mejor cuando tiene un toque de humor , ironía o sarcasmo, ya que hacen que pueda llegar a disfrutarse mejor por mas ridícula que sea y eso es algo que demostró la última película de rápidos y furiosos , película que a pesar de llegar a ser exageradamente ridícula igual llego a sacar un par de sonrisas

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sera rapido y furiosos la peor pelicula de la saga? veamos la opiniones de expertos

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1} https://aprendercine.com/recursos-narrativos/

2}https://youtu.be/qUpVJjnY7rQ

3}https://culturacolectiva.com/cine/peliculas-de-bill-murray-para-entender-el-sarcasmo

5}https://www.cultture.com/91651-con-shrek-la-ironia-se-generalizo-para-bien-y-para-mal

6}https://sonarfm.cl/cultura-sonar/rapido-y-furioso-9-criticas-ridicula-18-05-2021