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(Greifswald, 5 settembre 1774 – Dresda, 7 maggio 1840)

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William Turner, Il Ponte del Diavolo a San Gottardo (1804)

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William Turner, Il Ponte del Diavolo a San Gottardo (1804)

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Caspar David Friedrich, La Grande Riserva (1832)

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Caspar David Friedrich, La Grande Riserva (1832)

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(East Bergholt, 11 giugno 1776 – Londra, 31 marzo 1837)

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John Constable, The Opening of Waterloo Bridge (1832)

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John Constable, The Opening of Waterloo Bridge (1832)

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(Londra, 23 aprile 1775 – Chelsea, 19 dicembre 1851)

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John Constable, The Opening of Waterloo Bridge (1832)

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John Constable, The Opening of Waterloo Bridge (1832)

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CLAUDIO CHITARRINI
John Constable, nato nel 1776, ha probabilmente l’occasione, durante il suo soggiorno a Londra, di assistere ai festeggiamenti per l’inaugurazione del ponte di Waterloo nel 1817, che prende il nome dalla celebre battaglia avvenuta due anni prima.
Nel 1819, comincia a lavorare sull’opera raffigurante proprio quest’evento, che verrà terminata e presentata alla Royal Academy nel 1832.
L’opera è una grande occasione per l’artista di tramandare ai posteri l’evento in questione, eppure, nella sua composizione, lo sguardo dell’asservatore è distolto dagli eventi principali e volutamente focalizzata verso il luminoso e pallido sfondo dove, tra le raccolte nuvole, si erge il ponte di Waterloo. La tematica del cielo ricorre attraverso tutta la produzione pittorica dell’inglese, Infatti l’approfondito studio delle nuvole operato da John Constable durante la sua carriera, attraverso il congelare sul momento sulla tela le varie variazioni climatiche, lo si rivede anche in questo dipinto. Lo scuro ambiente in primo piano presenta sulla destra il principe a bordo del panfilo reale, e a sinistra la casa della Royal Academy, dove nel 1832 verrà esposta l’opera dopo 2-3 giorni di rifinitura sul posto durante i quali aggiungerà le pennallate rosse sul quadro, al fianco del connazionale Turner.

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Claude Monet, Il ponte di Waterloo, nuvoloso, 1903.

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Claude Monet, Il ponte di Waterloo, nuvoloso, 1903.

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William Turner, Veduta del San Gottardo (1804)

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William Turner, Veduta del San Gottardo (1804)

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William Turner, Il Ponte del Diavolo a San Gottardo (1804)

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William Turner, Il Ponte del Diavolo a San Gottardo (1804)

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DORA DI GIACOMO
William Turner nasce nel 1775 a Londra. Egli apprende presto a disegnare e appena può fugge dalla città in cerca di paesaggi solitari, che ritrae con la tecnica dell’acquerello. Egli si rapporta al paesaggio, uno dei principali generi pittorici del Romanticismo, come a un soggetto vivente, da conoscere attraverso l’esperienza diretta dei luoghi. Parte, dunque, per numerosi viaggi alla ricerca di una natura estrema e sconosciuta. Le sue opere sono raccolte in album come diari di viaggio: fra queste, oltre che ai panorami di Venezia, che poi ispireranno l’impressionismo e, in particolare Claude Monet, le montagne Svizzere. Di quest’ultime raffigurerà il massiccio del San Gottardo, le cui cime più alte superano i 3000 metri, la cui regione è legata alle pareti a strapiombo sulle profonde gole, come quella della Shollenen. Proprio di queste gole egli decide di raffigurare il Ponte del Diavolo a San Gottardo, un dipinto commissionato da John Alnutt, dopo che questi ebbe modo di visionare i suoi schizzi sulle vedute del San Gottardo e del Monte Bianco. Avendo avuto modo di attraversare la zona di persona, l’immaginazione di Turner dev’esser stata colpita talmente da fermare le sensazioni provate sulla tela. La tela è occupata da massicci rocciosi a destra e sinistra e le diagonali da queste formate si incrociano al centro dove Turner colloca il Ponte del Diavolo, sospeso nel vuoto. Una fila di montanari, soldati e muli lo sta attraversando, mentre sullo sfondo vediamo raffigurata la vetta più alta, seminascosta dalle nuvole. La costruzione del quadro non segue le regole della prospettiva accademica, ma è piuttosto caratterizzata la giochi cromatici e di luci che passano dalle tonalità più scure a quelle più chiare, attraverso cui il pittore rende la suggestione suscitata dallo spettacolo naturale. Proprio per la sua attenzione allo studio dei rapporti fra i colori e la luce Turner venne definito come “Il pittore della luce”. Fu questo un tema affrontato da artisti e scienziati, che condurrà nel corso dell’Ottocento a teorie importanti per lo sviluppo sia della fisica sia della pittura. Fra gli intellettuali che se ne occuparono vi è anche Goethe, il quale si pose in contrapposizione alla visione Newtoniana strettamente scientifica del colore, recuperando la sua funzione estetica e artistica.

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ESTER LUDOVISI
La nave negriera è un olio su tela realizzato dal pittore britannico dell’Ottocento, William Turner, datato 1840 ed oggi conservato presso il Museum of Fine Arts di Boston.

Il soggetto dell’opera trae origine da un grave fatto di cronaca avvenuto alla fine del Settecento, del quale Turner venne a conoscenza dopo aver letto l’opera intitolata “Storia ed abolizione degli schiavi”, in cui era raccontato il massacro di Zong, vale a dire l’uccisione di oltre 130 schiavi gettati in mare durante la navigazione, affinché i loro commercianti ne potessero ricavare un rimborso dall’assicurazione.

Il dipinto si fa, quindi, portavoce della contestazione del fenomeno della schiavitù che, sebbene negli anni in cui Turner dipinse il quadro era già stato in parte bandito, restava comunque un argomento di rilevanza sociale. Non a caso, l’opera fu esposta dal medesimo Turner durante una conferenza antischiavista, al fine di attirare l’attenzione del principe Alberto, oltre che sull’opera anche sulla polemica sociale sottesa all’opera stessa.

Nel quadro, la nave si intravede appena sullo sfondo, in particolare su di esso si stagliano gli alberi dell’imbarcazione, colorati – così come il cielo – di un rosso sangue. È come se ci trovassimo di fronte al tramonto in un mare in tempesta, reso attraverso pennellate definite. In primo piano, poi, si intravedono i corpi in acqua degli schiavi, accerchiati da pesci e mostri marini che stanno appunto per sbranarli.

La composizione dell’opera è molto dinamica e le diagonali del dipinto si incrociano più o meno in prossimità del sole all’orizzonte. La messa a fuoco centrale, le poche pennellate definite, l’utilizzo dei colori e le figure indistinte, non creano un confine reale. Quanto al colore, che sembra poco diluito, esso viene distribuito sulla tela con pennellate veloci e frenetiche. È proprio l’utilizzo persuasivo dei toni delle colorazioni, soprattutto del rosso che predomina, l’espediente con cui Turner  vuole suscitare nell’osservatore forti emozioni. Le stesse che l’uomo prova quando è di fronte alla potenza della natura.

Infine, è bene evidenziare, come La nave negriera diventa altresì allegoria del citato fenomeno della schiavitù e di come, mutatis mutandis, gli schiavi possono essere paragonati alla generalità dei lavoratori, i quali, in particolar modo durante la Rivoluzione Industriale, come sappiamo, subirono un massiccio sfruttamento, derivante dall’importante progresso economico e sociale di quegli anni. Anni che, se da una parte avviarono un periodo di fioritura economica per molti Stati europei, dall’altra, fece emergere le condizioni di vita al limite della sopravvivenza di tutti quei soggetti che, da questo progresso, non ne uscirono vittoriosi ma completamente sconfitti.

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Caspar David Friedrich, La Grande Riserva (1832)

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Caspar David Friedrich, La Grande Riserva (1832)

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MARTINA LITTA
“La grande riserva” è un dipinto olio su tela di Caspar David Friedrich (1774/1840). Realizzato nel 1832 e custodito nella Gemaldgalerie di Dresda, costituisce uno degli ultimi capolavori della sua produzione pittorica. Il dipinto raffigura un acquitrinoso anfiteatro naturale colto nel momento in cui, acceso dalle luci del tramonto, vive una sua fredda tranquillità dell’attesa della notte. “La grande riserva” ritrae la palude di Ostra, collocata sulle rive meridionali del fiume Elba, che straripando bagna le zone circostanti; accanto alla riva è rappresentata una barca con la vela gonfiata da un leggero soffio di vento mentre sullo sfondo troviamo ampi prati interrotti dalla presenza di un viale alberato, simbolo di morte. L’opera costituisce una meditazione profonda, un’ immagine della relazione tra cielo e terra: alla curva dell’orizzonte e del cielo corrisponde quella opposta della terra e dell’acqua. La barca arenata sulla riva, il crepuscolo e i colori tenui conferiscono alla rappresentazione una sensazione di malinconia mentre la linea di luce dell’orizzonte e le nuvole ricordano la nostalgia dell’infinito, tema tipico di Friedrich. La grandezza dell’artista, oggi considerato uno dei massimi pittori tedeschi dell’Ottocento, fu apprezzata solo dopo la sua scomparsa, quando i temi da lui prediletti, quali le fantasiose ambientazioni notturne e cimiteriali e gli inquietanti paesaggi aspri e desolati, iniziarono a far pienamente parte del gusto romantico per il sublime. Nei suoi dipinti, infatti, Friedrich rappresenta i suoi sentimenti, la solitudine dell’uomo e la sua angoscia di fronte al mistero della natura e proprio in essa l’artista coglie il Sublime, definito dal filosofo tedesco Immanuel Kant come il senso di sgomento percepito dall’uomo di fronte all’estrema grandezza della natura.