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Beatrice Becker nació en Nueva York el 20 de septiembre de 1900, fue hija única y aprendió a disfrutar de los placeres de la lectura y la escritura.

Desde los once años Beatrice se aficiona a la caligrafía. Influenciada por su madre tanto en el campo periodístico como literario, participa en la edición de numerosos periódicos, demostrando inteligencia, inventiva e independencia. Se distingue como escritora e incursiona en los campos de la poesía y la dramaturgia.

En 1916 ingresa al Barnard College, la división femenina de la Columbia University.

Desde su graduación en 1921, gracias a una recomendación de Bruce Rogers y  hasta su viaje a Europa, trabaja como ayudante de biblioteca en la American Type Founders, donde, a partir de la lectura de Printing for the Bussines de Joseph Thorp, encuentra en la tipografía su verdadera vocación.

En el otoño de su tercer año en Barnard, Beatrice Becker conoce a Frederic Warde, tipógrafo e impresor de la Princeton University Press, y se casan el 30 de diciembre de 1922.

El fallecimiento de sus padres la ha sumido en una profunda tristeza pero la muerte de Morison la deja devastada. El 14 de septiembre de 1969, después de un día tranquilo en casa, Beatrice Warde muere repentinamente en Londres, seis días antes de cumplir los sesenta y nueve años.

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Libro- La copa de cristal (“The CrystalGlobet: Sixteen Essays on Typography”)

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Libro- La copa de cristal (“The CrystalGlobet: Sixteen Essays on Typography”)

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Para Warde si el lector nota mucho la tipografía acaba distrayéndose del contenido, de la misma manera que una copa demasiado decorada y no suficientemente fina y transparente aleja al bebedor de una correcta apreciación del vino.

Su interés por las letras y la caligrafía empezó desde muy pronto pero propagar sus innovadoras ideas en un mundo predominantemente masculino no fue fácil. De hecho escribió varios artículos bajo el seudónimo masculino de Paul Beaujon con el objeto de evitar la discriminación que probablemente hubiera sufrido y la empresa americana Monotype la contrató pensando que era un hombre.

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April Greiman, diseñadora gráfica estadounidense, es ampliamente reconocida por ser pionera en el uso de la tecnología digital como un medio para el diseño y por haber contribuido al desarrollo del estilo New Wave en los Estados Unidos

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April Greiman, diseñadora gráfica estadounidense, es ampliamente reconocida por ser pionera en el uso de la tecnología digital como un medio para el diseño y por haber contribuido al desarrollo del estilo New Wave en los Estados Unidos.

Greiman estudió en la Schule für Gestaltung de Basilea en 1970, con figuras tan influyentes como Armin Hofmann y Wolfgang Weingart. A pesar de su corta estancia en Suiza, dejó una huella indeleble en la escena del diseño de aquel país por aparecer en una de las célebres portadas de Weingart para el numero 6/ de Typografische Monatsblätter en 1973. Greiman se convertirtía más tarde en una de sus ex alumnas más célebres. Tras sus años en Suiza, regresó a Estados Unidos y en 1976 se estableció en Los Angeles, en el estudio multidisciplinar Made in Space. Trabajó con el fotógrafo Jayme Odgers, ideó composiciones gráficas que encarnaban el estilo New Wave, un enfoque de diseño que se asocia fuertemente con la California de los ochenta. Greiman inició su peculiar lenguaje híbrido que combinaba componentes analógicos y digitales con un estilo tipográfico expresivo. Mediante la integración de la tipografía, el video y los medios digitales, April Greiman creó una gráfica que puede situarse la vanguardia de ochenta, era una época donde los ordenadores empezaban a demostrar todo el futuro potencial para procesar imágenes y vectores, Greiman abrazó la tecnología sin miedo gracias a las enseñanzas de su padre en este campo. Esta corriente que rompía con las bases más académicas y establecidas para el diseño gráfico y la tipografía.

Era un estilo influenciado por el Punk y el lenguaje posmoderno. Totalmente contrario al estilo suizo, caracterizado por su diseño en retícula y organización de los elementos. La New Wave se liberaba de las normas y trabajaba los diseños libremente; donde tipografía, fotografía y resto de elementos se mezclaban sin jerarquías y un orden complejo.

Debido a esa exitosa combinación de formación en Suiza y de los avances tecnológicos que tuvieron lugar en California en aquel tiempo, April Greiman produjo una gráfica innovadora que se convirtió en una referencia en la historia del diseño gráfico. Su permanente disposición a experimentar y su actitud de ser "siempre una estudiante", siguen haciendo de ella una fuente de inspiración. Greiman sigue estando activa actualmente y desarrolla diferentes proyectos en colaboración con arquitectos. Por ejemplo, para su trabajo "Inventing Flight" trabajó con un equipo de expertos en un enfoque activo del diseño para poder representar cada detalle de la historia aérea. El resultado fue una exposición interactiva que mezclaba gráficos en movimiento, diseños realizados en distintos materiales y otros elementos gráficos. También enseña en la School of Architecture y Southern California Institute of Architecture (SCI-Arc) tratando de inspirar a otros diseñadores a ser curiosos para buscar un enfoque propio que rompa los esquemas preestablecidos.

Los premios de April Greiman son numerosos, y van desde la Medalla de la AIGA hasta 4 Honoris Causa. El servicio postal de Estados Unidos lanzó un selló diseñado por ella para conmemorar la Decimonovena Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos, que permitió el derecho a voto de las mujeres en el país.

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April Greiman, diseñadora gráfica estadounidense, es ampliamente reconocida por ser pionera en el uso de la tecnología digital como un medio para el diseño y por haber contribuido al desarrollo del estilo New Wave en los Estados Unidos. Greiman estudió en la Schule für Gestaltung de Basilea en 1970, con figuras tan influyentes como Armin Hofmann y Wolfgang Weingart.

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Twombly estudió en la Escuela de Diseño de Rhode Island con el profesor Charles Bigelow, y también estudió en el estudio Bigelow & Holmes. Se incorporó a Adobe Systems en 1988, cuando la empresa contrataba a jóvenes diseñadores para el departamento de tipografía recién inaugurado. Durante sus diez años en Adobe, diseñó algunos de los tipos de letra más reconocidos y populares del mercado actual, incluidos Trajan (1989), Charlemagne (1989), Lithos (1989), Adobe Caslon (1990), Myriad (1991, con Robert Slimbach), Viva (1993), Nueva (1994) y Chaparral (1997).

Acá encontraran mas información sobre Carol
https://fonts.adobe.com/designers/carol-twombly

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La segunda ola feminista tiene lugar durante la segunda mitad del siglo XX, concretamente desde los años 60 hasta finales de los 80.

Esta segunda ola del movimiento centra su lucha en una amplia variedad de temas, no sólo en lo jurídico o en el reconocimiento de derechos civiles como lo hacía la primera.

Las principales reivindicaciones de la segunda ola feminista son:

La sexualidad

La familia

La desigualdad

El trabajo fuera del hogar

La reproducción

La Segunda Guerra Mundial había contribuido con gran fuerza a la incorporación de la mujer al mundo laboral. El gobierno estadounidense animaba a las mujeres, casi como un deber patriótico, a ocupar los puestos de trabajo que dejaban los hombres que iban a combatir al frente.

Aunque muchas mujeres fueron obligadas a dejar su puesto de trabajo una vez finalizada la guerra, la conquista laboral y la renuncia a las tareas del hogar se convertiría ya en un objetivo primordial para el feminismo.

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Los estudios de género han hecho grandes contribuciones a la consolidación del diseño como disciplina. La historia del diseño y concretamente del diseño gráfico, no ha tenido en cuenta las aportaciones de muchas mujeres diseñadoras que han encontrado en el feminismo una forma de conciliar ideología y profesión. El trabajo profesional y docente de Sheila Levrant de Bretteville ha sido crucial para visibilizar a la mujer dentro de la disciplina. Desde la fundación del edificio de la mujer junto a Arlene Raven y Judy Chicago, hasta la dirección del departamento de diseño gráfico de la Universidad de Yale, Sheila Levrant de Bretteville ha promovido un diseño feminista que fomenta la igualdad y el respeto en todos los ámbitos de la vida.
Bretteville como una de las precursoras del trabajo relacional y las prácticas colaborativas dentro del diseño. Su posicionamiento desde el feminismo tuvo una clara consecuencia en su pedagogía y formas de trabajo colaborativo al tener en cuenta el contexto y sus múltiples voces, necesarios para entender la complejidad del tejido social en el que opera la comunicación visual. Su pensamiento feminista la sitúa como una de las diseñadoras pioneras en el trabajo colaborativo dentro del diseño con una clara función social.

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“Las artes del diseño son artes públicas, y en cuanto tales son vehículos, muy importantes para formar nuestra conciencia”

Área del diseño:  Comunicación Gráfica > Cartelismo, Gráfica en el espacio, Editorial.

Sheila Levrant de Bretteville (Nueva York, 4 de Noviembre de 1940) es una diseñadora gráfica, artista y docente estadounidense cuyo trabajo refleja su creencia en la importancia de los principios feministas y la participación de las personas usuarias en el diseño gráfico.

En 1971, de Bretteville fundó el primer programa de diseño para mujeres en el Instituto de Artes de California , y dos años más tarde cofundó el Edificio de la Mujer , un centro público en Los Ángeles dedicado a la educación y cultura de las mujeres.

Sheila diseñó un collar de un perno de ojo engarzado a una cadena, destinado a representar la “fuerza sin un puño”; fue un obsequio para Arlene Raven y Judy Chicago cuando comenzaron el Taller de Estudio Feminista en 1972. Desde entonces, es el regalo de bienvenida que Sheila otorga a las mujeres con quienes comparte una visión de la creación de la cultura de las mujeres.

En 1973, de Bretteville fundó el Women’s Graphic Center y cofundó el Feminist Studio Workshop (junto con Judy Chicago y Arlene Raven), ambos con sede en el edificio de la mujer.

De Bretteville ha tenido un interés en las formas de arte comunitario, que ella creía era un componente esencial del movimiento de arte feminista en los Estados Unidos. En 1973, creó “Pink”, una andanada destinada a explorar las nociones de género como asociadas con el color rosa, para una exposición del American Institute of Graphic Arts sobre el color. Esta fue la única entrada sobre el color rosa. Varias mujeres, que formaban parte del Taller de Estudio Feminista, publicaron entradas explorando su asociación con el color. De Bretteville unió los cuadrados de papel para formar una “colcha” a partir de la cual se imprimieron y difundieron carteles por todo Los Ángeles. Ella fue referida por el apodo “Pinky” como resultado.

En 1980, de Bretteville inició el programa de diseño de comunicación en el Otis College of Art and Design.

En 1990 se convirtió en directora del Programa de Graduados de la Universidad de Yale en Diseño Gráfico y en la primera mujer en recibir un cargo en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale.1

De Bretteville ha trabajado extensamente en el campo del arte público creando obras integradas en los barrios de la ciudad.

Ha sido galardonada con numerosos premios, como un premio “Grandmaster” 2009 del Art Directors Club de Nueva York y varios premios del Instituto Estadounidense de Artes Gráficas (AIGA), que incluyen una “Medalla de Oro Design Legend” para 2004 , “Mejor público” Reconocimiento de obras de arte para 2005 de Americans for the Arts , y varios doctorados honoris causa. También es miembro de la Academia de Artes y Ciencias de Connecticut.

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1970
Cuando un grupo de artistas me pidió que diseñara un numero especial de Everywomen, un diario feminista, intenté incorporar la proyección visual de la forma igualitaria y colectiva del proceso del reducido grupo. Semanalmente se reúnen en todo el país grupos pequeños de mujeres que hablan por turno para que las que se sientan disuadidas de hablar por las personalidades más dominantes, tengan la certeza de que se las escuchara. En el diseño de este número de Everywoman, evite las asociaciones del espacio y la longitud del artículo con la calidad, y puse una gran foto de cada mujer con un texto a doble página, independientemente de la extensión de su nota. Trate de unir las páginas en cuanto al aspecto visual y para que no sobresaliera ninguna. Dado que los artículos se parecían unos a otros, no competían visualmente por la atención del lector, y este tenía que distinguir qué diferencias podrían ser más significativas subjetivamente.

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1970

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1971

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1973
El Instituto Americano de Artes Gráficas invita a 100 diseñadores a hacer un cartel cuadrado sobre un color. Sheila dice al respecto: "Elegí el rosa como el significante de un género y dividí el campo en un cuadrado rosado. La mayoría de los cuadrados se entregaron a mujeres de distintas edades pidiendo a cada una que sugiriera qué significaba ese color. Y dejé cuadrados rosas en blanco para dar a entender que también existen otros significados e ideas."

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1974
"Diseñe este póster utilizando un proceso de Blueprint utilizado con mayor frecuencia por los arquitectos. Esta elección se basó en el aspecto económico del material para implicar que en esta conferencia nuestras visiones para el futuro podrían guiarnos en la próxima década. La imagen de las fases de la luna es de una pintura de Angelica Kaufman como The Artist en el personaje de Design Inspired by Poetry. El paisaje cuadriculado refleja la influencia de las imágenes utópicas creadas por Superstudio durante el tiempo que vivía y trabajaba en Milán. Organice una serie de conferencias durante una semana de marzo y esperaba que esta, dedicada al futuro del diseño, tuviera la intención de traer a mujeres de todo Estados Unidos para hablar sobre los lenguajes formales y el futuro."

"Mi atracción por el hardware me llevó a ver el símbolo biológico de la mujer en un simple cáncamo. Hice un collar y decidí regalar collares de llavero con colgantes de pernos a todos los que asistieron a esta conferencia durante la primavera del segundo y último año del Edificio de la Mujer en el sitio de Grandview."

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1983. Los Angeles.
"En el centro de Los Ángeles, el mercado latino estaba siendo renovado por un desarrollador, Ira Yellin, quien llamó y me preguntó si podía transformar la cerca de construcción que envolvía el sitio en algo atractivo y animado como había sido el mercado. Noté que al otro lado de la calle había un edificio que albergaba a una población anciana y pensé en las formas en que la comida y la cultura están vinculadas.

Mientras recopilaba citas de quienes hablaban inglés sobre alimentos y condimentos que recordaban, le pedí a un grupo de estudiantes de Otis que hicieran las mismas preguntas que les hice a las personas mayores que solo hablaban español, japonés, chino o yiddish. Las citas evocadoras y conmovedoras se agregaron a las imágenes que habíamos pintado y durante años más tarde, a medida que estos paneles de madera se reutilizan, veía fragmentos de nuestro mural en la parte posterior de las cercas en todo Los Ángeles."

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1989

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1993. New Haven, Connecticut.

"Me acababa de mudar de Los Ángeles a New Haven en 1990. Era la primera mujer titular en la Escuela de Arte de Yale y estaba ansiosa por equilibrar mi vida como artista pública con los cambios que vine a hacer en Yale; la inclusión de más profesoras femeninas, así como personas de color y un compromiso ilimitado con el mundo que las rodea y el desarrollo de sus propios lenguajes formales únicos.

Decidí que haría medallones en las aceras en forma de rosa de los vientos y los colocaría a unos cinco pies de distancia para permitir a las personas, y comencé a investigar la historia de ese cuadrante ahora llamado Noveno Cuadrado.

Busqué personas que vivieran y trabajaran en la parte de New Haven, y contribuyeron con su trabajo a la vida de la ciudad. Sabía que solo podía crear 15 medallones de rosas de los vientos y tuve cuidado de prestar atención al género y la etnia, incluido el porcentaje actual de quienes trabajaban en esta área de la ciudad y podría reflejar los 300 años de historia, así como inspirar a la población actual de New Haven."

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1994. Los Angeles, California.

Nuevo 1,500 pies lineales de acera en el antiguo Little Tokyo.

Con el espíritu de entregar la “Historia desde abajo”', se colocó una línea de tiempo a lo largo de las puertas. Las bandas puntuadas indican cada década dorada y la década oscura antes y durante la Segunda Guerra Mundial. Los textos de latón ofrecen algunos usos de los edificios, los textos de acero inoxidable cuentan los eventos que dieron forma a las experiencias de los habitantes aquí. Debajo de la línea de tiempo, paneles blancos y terracota se alternan a lo largo de las líneas de propiedad, las imágenes representan objetos envueltos de los que habla la gente que vivía, trabajaba y tenía tiendas aquí. Las marcas y comentarios generacionales revelan diferencias entre las generaciones, cada una de las cuales habla de su propia comprensión de la herencia japonesa y su experiencia aquí en este vecindario.

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1999. Inwood, New York.

Nuevas paredes, baldosas y barandillas en el extremo norte del tren A, la línea de metro más larga de Nueva York.

"Para la mayoría de las personas que viven cerca de la estación de 207th Street en Inwood, esta última parada de la línea de metro más larga de Nueva York es el comienzo de un largo día de trabajo. En cada entrada / salida la experiencia de ir y venir se integra en baldosas de terrazo. Es esa larga tira y experiencia laboral lo que informó las brillantes palabras del mosaico, Por fin y en la pared opuesta Al principio. Las elipses que siguen a estas frases están hechas del mismo mosaico brillante y materiales de vidrio de espejo. Ambas frases reflejan la experiencia de los viajeros del metro y los tres puntos de las elipses los invitan a terminar la frase después del… con sus propios pensamientos."

"Hay 207 mosaicos cuadrados que siguen las elipses con textos que llevan voces de generaciones de personas que han llegado o se han ido de esta estación de tren: nativos americanos que llegan a un Pow Wow en Inwood Park, comerciantes de varias tiendas, músicos residentes, cantantes, bailarines en espectáculos del centro, diseñadores, académicos, artistas y activistas de países de Europa, Asia, América Latina y más recientemente de República Dominicana. Alrededor de la escalera que conduce a los trenes hay baldosas de terrazo derivadas de los petroglifos taínos y se asemejan a los músicos de un tren. Arriba hay una nueva barandilla de acero grabada con las notas del clásico de jazz, "Take the A Train" de Billy Strayhorn y las palabras que Billie Holiday cantó en esa canción."

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2005, Yekaterinburg, Russia.

"CECArt Link me envió a Ekaterinburg gracias a Kendal Henry, quien dijo que había hecho un proyecto con concreto. Durante el vuelo, leí un relato histórico de la región durante la perestroika y una tradición local de escribir Chastushki, canciones, cuentos populares  o acontecimientos de cuatro líneas.

Cuando me mostraron dos sitios, elegí la entrada a la antigua WaterTower porque vi que necesitaba un nuevo paso. Mi idea fue realizar un escalón de concreto estable y empezar a escribir las estrofas de Chastushki con los estudiantes con los que aborde el proyecto. Les pregunté a los estudiantes sobre sus inquietudes y preguntas.

Dados 5 días para completar este proyecto, mi idea se transformó rápidamente en hacer solo la primera letra de cada palabra de estos Chastushki. La forma resultante se convirtió en una invitación a todos a entrar en la significación de la obra en el umbral de la Torre del Agua. Las letras que faltan parecerían entonces borradas por la historia como la torre misma. En la apertura de este nuevo paso a la antigua torre, los estudiantes usaron tiza de un quiosco cercano; escribieron con tiza las palabras que habían compuesto. Una vez de regreso de regreso a mi ciudad me enteré que los poetas de esta ciudad adoptaron este proyecto  Step (pe) re elaborando los significados y cumpliendo con las posibilidades que ofrece este diseño..."

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2012
New student lounge and interactive LED scroll at Hong Kong Design Institute / Nueva sala de estudiantes y desplazamiento LED interactivo en Hong Kong Design Institute.

"La idea de que las conjunciones (en las oraciones/textos) crean conexión me llamó la atención. Y noté que a diferencia del inglés, las conjunciones en chino están dentro de la oración. Así que envié una propuesta visual a una amiga, la arquitecta y administradora de HKDI Leslie Lu, mostrando cómo podría usar conjunciones en cantonés e inglés en el edificio que se está construyendo en los nuevos territorios.

Una vez en Hong Kong, me di cuenta de que no había ningún lugar donde los estudiantes de diversas disciplinas pudieran sentarse cómodamente juntos usando sus dispositivos móviles. En la parte superior de las escaleras mecánicas de entrada había una habitación vidriada sin terminar que pedí y luego transformé en una sala de estudiantes. El nuevo espacio hace posible un proceso democrático participativo.

Adjunté un panel LED interactivo al parteluz a la altura de los ojos donde dos docenas de conjunciones verdes diferentes como "por lo tanto",  "y"`, "considerando eso" flotan y cualquiera puede enviar un mensaje de texto a connect.respond@vtc.edu.hk para agregar cualquier comentario en cualquier color . Sus palabras viajan a lo largo de la habitación dos veces y luego desaparecen, sin censura."

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"Algunos aspectos del diseño desde la perspectiva de una diseñadora." / 1973

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"Algunos aspectos del diseño desde la perspectiva de una diseñadora." / 1973

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“La relación integral entre la creatividad individual y la responsabilidad social es la que me acerca a las artes del diseño.”

“La actividad del diseño se ubica entre nosotros y nuestra experiencia material, y afecta no solo nuestro entorno visual y físico sino también nuestro sentido de nosotros mismos.”

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El trabajo profesional y docente de Sheila Levrant de Bretteville ha sido crucial para visibilizar a la mujer dentro de la disciplina del diseño.

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Nació en 1931 en Sevenoaks Kent, cerca de Londres. Es una experta en caligrafía, en particular la relacionada con los niños. Con tan solo 13 años empezó a interesarse por este oficio. A los 16 se incorpora a una escuela de arte y a los 17 años empezó a trabajar en una empresa de diseño textil mientras asistía a clases de lettering.
Más tarde trabajó como diseñadora gráfica en una empresa de packaging pero su trayectoria profesional, como la de la mayoría de las mujeres de aquella época, se vio interrumpida por las obligaciones familiares. En la década de los sesenta retornó al diseño textil, en el cual aplicará el lettering como elemento decorativo.
A comienzos de los años ochenta comienza a publicar libros sobre el aprendizaje de la caligrafía. Inicia sus investigaciones sobre la escritura en adultos y niños que sufren alguna dificultad motriz.
Obtuvo un doctorado en la Universidad de Reading, donde estudió, por su trabajo sobre cómo los modelos y los métodos de enseñanza afectan la escritura de los niños. Los resultados de esas investigaciones se concretarán en diversos libros y en el diseño tipográfico.

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Libros - Sosemary Sassoon_Mesa de trabajo 1

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Desde 1985 hasta 2019, en colaboración con Adrian Williams del Club Type, crean la tipografía Sassoon destinada particularmente a la lectura legible para niños/estudiantes. En esta familia tipográfica hay más de 12 tipos de letras diferentes para diferentes propósitos educativos, desde la enseñanza de la escritura a mano, hasta la lectura.
Al diseñar la tipografía Sassoon, Rosemary se interesó en cómo los factores del diseño tipográfico pueden influir en la asimilación del conocimiento. Los juicios y comentarios que hicieron los niños en la investigación de Rosemary fueron fundamentales en el diseño de la tipografía de Sassoon.

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Actualmente Rosemary reside en Busselton, Australia Occidental. Continúa como consultora en los aspectos educativos y médicos de la escritura a mano mientras se concentra cada vez más en los problemas de la comunicación moderna. El diseño de la pantalla, la relación de la ilustración con el texto, los aspectos multiculturales de las letras para leer y escribir, así como el impacto de la computadora en la comunicación icónica. Continúa dando numerosas conferencias, escribe y asesora sobre los temas que pertenecen su área de interés.

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https://www.enfoquegaussiano.com/paula-scher-la-disenadora-grafica-mas-famosa-del-mundo/

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Laura Meseguer, es Tipógrafa y Diseñadora Gráfica, especializada en Diseño Editorial y de Tipos desde 1992, diseñando tipografías como Adelita, Cortada,  Frankie, entre otras.

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Laura Meseguer, es Tipógrafa y Diseñadora Gráfica, especializada en Diseño Editorial y de Tipos desde 1992, diseñando tipografías como Adelita, Cortada,  Frankie, entre otras.

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Está especializada en diseño tipográfico (aquellos proyectos en los que la tipografía es el principal recurso) y en el diseño de letras o caracteres a medida, desde un monograma hasta un alfabeto completo.
Es autora del libro “TypoMag. Tipografía en las revistas” para IndexBook.
Actualmente está preparando un nuevo libro sobre tipografías a medida para el diseño editorial.

Su actividad se desarrolla en el ámbito de trabajos comerciales así como en proyectos personales. A través de su propia fundición, Type-Ø-Tones, publica y promueve todos sus diseños de tipos. Además trabaja como Profesora de Tipografía.
También imparte talleres a medida en otras escuelas o en estudios de diseño.

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“La profesión de diseñar tipos es algo que no se aprende solo por el mero hecho de pasar por una escuela, pues es una especialidad muy compleja. La escuela te abre el camino hacia esa especialización, y te hace descubrir tus capacidades y limitaciones, al tiempo que pone a tu disposición unas herramientas y la posibilidad de usarlas con la ayuda de profesionales.”

«Me fascina que la forma de una letra pueda decir tanto con tan poco»

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La Tipografía "Rumba", fue creada entre sus estudios en máster, y que se presenta en tres variantes.
Por un lado, ‘Rumba Small’, diseñada para textos, ‘Rumba Large’, para titulares y ‘Rumba Extra’, con un estilo rotulista y una técnica más expresiva. Con esta tipografía Laura Meseguer se hizo en el 2005 con el Certificado de Excelencia Tipográfica otorgado por ‘The Type Director Club‘.

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Dentro del ‘lettering’ resalta su creación ‘The BCNMCR Letters’. Para este proyecto, Laura Meseguer desarrolló tres letras inspiradas en Barcelona y otras tres en Manchester. La finalidad de este trabajo residía en seleccionar aquellas letras que fueran las más representativas para cada ciudad y aplicarles un notable nivel de interpretación, jugando con los colores, la ilustración y el tratamiento gráfico.

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Agustina Olmos y Emilia Castro

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Parte de su trabajo más pionero se centró en romper planos bidimensionales en el diseño, explorando visiones tridimensionales del ciberespacio. Gracias a su trabajo y a la influencia que ejerció en otros diseñadores, Muriel Cooper es una diseñadora de gran relevancia. A través de la enseñanza y la investigación alentó a que los ordenadores tengan una imagen más clara, atractiva y fácil, contribuyendo al diseño y mejora de las interfaces. Cooper abrió las puertas para que los diseñadores tuvieran un lugar en empresas demostrando que las pantallas podían contener, entre otras cosas diseños adaptados a sus necesidades.

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Muriel Cooper fue una pionera y diseñadora digital, de libros, investigadora y educadora. Nació en 1925, Brookline, Massachusetts, Estados Unidos; y falleció el 26 de mayo de 1994, Boston, Massachusetts, Estados Unidos.

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Libros producidos para MIT Press durante el mandato de Muriel Cooper como directora de medios, 1969-1977

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Libros producidos para MIT Press durante el mandato de Muriel Cooper como directora de medios, 1969-1977

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“La información sólo es útil cuando puede ser entendida”, Muriel Cooper.

“Experimentar y jugar como parte de la disciplina profesional es difícil en el mejor de los casos. Esto no solo es cierto para una imprenta offset, sino también para todas las actividades en las que las máquinas se encuentran entre el concepto y el producto”.
Muriel Cooper.

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Tipografía apilada y distorsionada generada por computada producida en el Visible Language Workshop durante la década de 1980

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Tipografía apilada y distorsionada generada por computada producida en el Visible Language Workshop durante la década de 1980

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Composite comparison of calligraphy at three resolution levels, VLW 1990

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Composite comparison of calligraphy at three resolution levels, VLW 1990

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Bauhaus, a film by Muriel Cooper, recreated by David Small

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Muriel Cooper no es sólo importante por su trabajo, sino también por la influencia que ejerció en otros diseñadores. A través de la enseñanza y la investigación alentó a que los ordenadores tengan una imagen más clara, atractiva y fácil. Ayudó a los ordenadores y software que mejorara su interface. Cooper abrió las puertas para que lxs diseñadores tuvieran cabida en empresas en las que por entonces solo cabían programadores, matemáticos y científicos, demostrando que las pantallas llenas de código críptico podían sustituirse por tipografía elegante, colores y animaciones exuberantes.
Muriel Cooper inspiró a estudiantes como Lisa Strausfeld o John Maeda. En lugar de decirles que hacer, ella les animó a experimentar y les inspiró con su irreverencia.

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Ellen Lupton es escritora, curadora, educadora y diseñadora.
Lupton esta en la Cátedra de Diseño Betty Cooke y William O.Steinmetz en MICA (Maryland Institute College of Art) en Baltimore, donde ha escrito numerosos libros sobre procesos de diseño, incluyendo
1.Thinking with Type (Pensar con Tipo)
2. Graphic Design Thinking (Intuición, acción, creación) , 3.Graphic Design: The New Basics (Diseño Grafico: Nuevos fundamentos) ,
4. Type on Screen (Tipografia en pantalla).

Se desempeña como curadora senior en Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum en la ciudad de Nueva York. Las exposiciones recientes incluyen Herbert Bayer: Bauhaus Master , Face Values: Understanding AI , The Senses: Design Beyond Vision , Beauty — Cooper Hewitt Design Triennial ,Cómo funcionan los carteles y usuarios atractivos .
Su libro Design Is Storytelling fue publicado por Cooper Hewitt en 2017. Recibió la medalla de oro AIGA por su trayectoria en 2007. Fue nombrada miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias en 2019.

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Amazon | Barnes & Noble | Bookshop.org

Ellen Lupton has authored and co-authored numerous books about graphic design, including Design Is Storytelling, Graphic Design Thinking, Health Design Thinking, and Extra Bold: A Feminist, Inclusive, Anti-Racist, Nonbinary Field Guide for Graphic Designers. Her latest book is Thinking with Type, 3rd Edition. Ellen teaches in the Graphic Design MFA program at Maryland Institute College of Art in Baltimore (MICA), where she serves as the Betty Cooke and William O. Steinmetz Design Chair. She is Curator Emerita at Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City; her exhibitions included Herbert Bayer: Bauhaus Master and T he Senses: Design Beyond Vision.

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Ellen Lupton is a writer, curator, educator, and designer. Lupton is the Betty Cooke and William O. Steinmetz Design Chair at MICA (Maryland Institute College of Art) in Baltimore. She serves as a senior curator at Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City.

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La perspectiva que tenía Muriel sobre el VLW era pedagógica y experimental. A lo largo de los años 70, Muriel utilizó múltiples formatos y herramientas para diseñar tales como la máquina de escribir, la impresora offset, collage, fotocopias de papeles y libros, casettes, negativos, peliculas fotograficas, discos, entre muchas cosas más. En sus ultimos años de vida, Muriel dejó de lado la parte más tradicional del diseño  y se focalizó en la informatica como punto de partida para el diseño gráfico. Creó junto a otros autores proyectos como "Information Landscapes" (1994), donde se centraba en un mundo virtual de información sobre la cual podías navegar. Fue un proyecto muy ambicioso y novedoso en aquella epoca. Transparencia movimiento, anti-aliasing de las letras, colores dinámicos y mucho más son las cosas que se podían modificar en el software que utilizaron para crear el proyecto.

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Information Landscapes: Muriel Cooper at the TED5 Conference

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Thinking with Type: A Critical Guide for Designers, Writers, Editors, and Students

Princeton Architectural Press, 2010. 2nd Edition

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Paula Scher (Washington, 6 de octubre de 1948) actualmente con 72 años, es una diseñadora gráfica estadounidense y unas de las más influyentes en el branding contemporáneo del mundo. Estudió Bellas Artes en Pensilvania, en la escuela de arte Tyler de Elkins Park. Posteriormente se trasladó a Nueva York y se inició en el mundo profesional encargándose de la maquetación de la sección infantil de la editorial Random House. Luego trabajó para varias compañías como CBS Record donde se encargó de la publicidad y promoción. En Atlantic Record, ejerciendo como directora de arte.Y un año después volvió a CBS como directora de arte. Permaneció durante ocho años diseñando algunas portadas que se han convertido en iconos de la cultura musical.

En 1982 inició su carrera independiente y junto con Terry Koppel fundó Koppel & Scher, compañía que estuvo en funcionamiento durante siete años y desde la que desarrolló trabajos de identidad corporativa, campañas de publicidad y editorial.

En 1990 realizó la identidad visual para The Public Theater. Fue un proyecto que le dio un nuevo aire a las instituciones culturales. Además de la identidad hizo otros trabajos promocionales como carteleras en los cuales usaba un estilo tipográficos que todos empezaron a copiar. Scher afirma que con este proyecto se convirtió en diseñadora ambiental. Ella trabajó en conjunto con arquitectos, donde aprendió mucho sobre la profesión, y diseñaron todo un vestíbulo del teatro.

En 1991 Scher se unió a Pentagram, convirtiéndose en socia de la oficina de Nueva York y fue allí donde comenzó a tener más reconocimiento. En ese entonces realizó trabajos muy conocidos en la actualidad como la identidad visual de Citibank, Tiffany & Co y Windows.

Al principio sus trabajos eran completamente ilustrados, era lo que a ella más le llamaba la atención pero luego comenzó a incorporar la tipografía. En un principio Scher menciona que le aterraba la tipografía, lo veía como un objeto muy estructurado hasta que se interiorizó en ellas y comenzó a ver que las tipografías tenían forma y eran expresivas. Es así como encontró la manera de “pintar con palabras” como ella menciona en una de sus entrevistas.

Para finalizar, Scher fue partícipe de la primera temporada de una serie documental de Netflix llamada Abstract: The Art of Design, donde habla del diseño gráfico desde su propia experiencia y conocimientos. Lo recomendamos si lo pueden ver, es muy interesante y muestran muchos trabajos suyos.

Links:

Netflix Abstract: The Art of Design:https://www.youtube.com/watch?v=LCfBYE97rFk

Entrevista: https://www.youtube.com/watch?v=hWE3yBrTaZY

Paula Scher Pentagram: https://www.pentagram.com/about/paula-scher

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En cuanto a las tipografías que a diseño Carol, se encuentra Adobe Caslon esta tipografía fue ampliamente usada durante el siglo XVIII, particularmente en el Reino Unido y sus colonias, sin embargo, con el advenimiento de nuevas tecnologías de impresión a finales de ese siglo, la tipografía Caslon cayó en desuso, dando paso al uso de otras tipografías como la Bodoni. Durante el siglo XIX desapareció del ámbito editorial lo que empero mas la situación de la tipografía.
La tipografía se origina en los tipos dibujados y fundidos del tipógrafo William Caslon. Como resultado del trabajo de Carol Twombly la tipografía se caracteriza por tener terminaciones en ángulos rectos, modulación moderada y un cierto parecido con las letras cancillerescas venecianas.

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Unas de las figuras más importantes en la carrera de Muriel fue Nicolás Negroponte, arquitecto y cientifico que trabajaba en el MIT. Muriel intentó aprender en un curso de verano programación con Negroponte pero fue uno de los muchos intentos fallidos. Podemos ver así, como Muriel quería fusionar el mundo del diseño con la informática, lo cual se hará mucho mas evidente al final de su carrera.
Uno de sus proyectos más importantes fue la portada que diseñó para la Bauhaus, la cual seguía siendo el claro referente en estudios de diseño y arquitectura moderna. La funda del libro está formada por el título "BAUHAUS" en letra Helvética Bold de color blanco sobre fondo negro y rotado verticalmente. De esta funda deslizante emerge el propio libro el cual tiene la misma impresión de la funda pero en negativo, lo cual remite a la fotografía analógica. Muriel creó a partir del libro un stopmotion fotografiandocada una de las páginas, lo cual crebaa otro punto de vista del mismo libro, un entorno virtual. De esta manera vemos como a Muriel le atraía el afán de mover a la informática el diseño gráfico. Ella misma dijo "The Bauhaus was designed both statically and filmically with a mental model of slowmotio animation of the page elements". Muriel quedó impactada al ver la pelicula de Moholy-Nagy´s titulada Dynamics of the Metropolis, en la cual se exploran las relaciones entre visuales y significados verbales fluyendo a través de las páginas

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Es una tipografía de caja mas alta que ancha, lo que da un efecto de estilización. El grosor del trazo es parejo y carece de ornamentos. Su modulación es más bien orgánica, y suele tener aperturas grandes.
Por estas características se la clasifica como una tipografía Humanista.
Fue diseñada por Robert Slimbach junto a Carol Twombly para Adobe Systems. La tipografía es ampliamente conocida por su uso como tipografía corporativa de Apple del 2002 al 2014.

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Esta tipografía está inspirada en las inscripciones que se encuentran talladas en la base de la columna de Trajano, levantada en Roma en 113 para conmemorar la conquista de Dacia por el emperador Trajano.
Twombly remató la tipografía añadiéndole números y signos de puntuación, además de una versión Bold empleada para resaltar el texto. Su interpretación de un estilo antiguo dio lugar a una letra clara, dotada de una gran belleza y elegancia, que funciona muy bien en trabajos de exhibición en libros, revistas, carteles y publicidad.

Para mas información
https://graffica.info/quien-diseno-la-tipografia-trajan/
Con este link podrán ver como esta tipografía es usada en el mundo del cine
http://ckfdez.es/2018/09/trajan-tipografia-en-todos-los-posters-del-cine/

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Diego Tralcal y Sebastián García

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Elaine Lustig Cohen Fue una diseñadora modernista, artista y archivista, nacida en Nueva Jarsey – Estados Unidos el 6 de marzo de 1927. Nació en el seno de una familia judía. Su padre, Herman Firstenberg era un inmigrante polaco que trabajó como fontanero, su madre, Elizabeth era oriunda de Nueva Jersey. Su madre alentó su creatividad y le inculcó desde muy temprana edad la idea de que ser mujer no era una limitación y la animó a perseguir sus sueños, primero con clases de dibujo y posteriormente en la universidad. Desde su adolescencia se vio en contacto con el arte contemporáneo, viajó con frecuencia a Nueva York para visitar galerías y museos. A los 15 años visitó una exposición de Kandinsy en la Galería Peggy Guggenheim, inicio de su pasión por el arte moderno. Así fue como en 1945 decidió inscribirse en el departamento de Arte de la Universidad de Tulane en Nueva Orleans, en sus clases aprendió los fundamentos básicos de la Bauhaus, posteriormente se licenció en Bellas Artes con el objetivo de convertirse en profesora de educación artística. En 1948 conoció al diseñador gráfico Alvin Lustig, quien se convertiría en su marido, en 1950 Alvin recibió una oferta para establecer un programa de diseño gráfico en la Universidad de Yale y la pareja se trasladó a Nueva York. Alvin murió en 1957, Elaine entonces se hizo cargo del estudio de su marido en Manhattan y comenzó a trabajar como diseñadora gráfica.

Influencias y técnicas:

«Mi vida como artista ha estado marcada por dos pasiones: por el diseño gráfico creado en la esfera pública, por un lado, y por la exploración de una visión privada relacionada en la pintura, por el otro».

Veía la pintura y el diseño como prácticas separadas pero iguales. Se dedicó al collage y al grabado, combinando tipografías e imagen siempre que era posible. Por ejemplo en las sobrecubiertas de sus libros, a menudo combinaba tipografía y abstracción. Integraba la estética del modernismo europeo con un lenguaje visual claramente norteamericano cuando trabajaba para editoriales, diversas empresas, instituciones culturales y estudios de arquitectura.

Trabajos:

Hizo más de 150 portadas para libros y catálogos de museos. Sus clientes fueron General Motors, el Museo Judío, el Museo de Arte Primitivo. A menudo colaboró con arquitectos destacados. Creó rótulos e inscripciones, que armonizaban con los conjuntos arquitectóni�cos. En el campo del diseño editorial, desarrolló una línea propia, siendo ella la diseñadora de los catálogos para artistas reconocidos como Jasper Johns, Yves Klein y Robert Raus�chenberg. Otros arquitectos como Eero Saarinen y Richard Meier contaron con gráfica espa�cial de Elaine en sus edificios. En esta línea, diseñó también señales para la Administración Federal de Aviación y la General Motors.

Reconocimientos:

En 2011 fue premiada con la medalla de AIGA (Instituto Americano de Artes Gráficas, una de las instituciones más importantes del país) por su extenso trabajo en el campo del diseño. Es un premio que se le otorga a "individuos que han establecido estándares de excelencia durante toda una vida de trabajo o han hecho contribuciones individuales a la innovación en la práctica del diseño".

Fuentes:

https://tribunafeminista.elplural.com/2016/10/fallece-la-pio�nera-del-diseno-grafico-elaine-lustig-cohen/

https://cutt.ly/9zZtIdg https://es.linkfang.org/wiki/Elaine_Lustig_Cohen

https://www.paulamastra.com/blog/2018/12/19/elaine-lustig-co�hen-disenadora-grafica-y-artista/

http://www.lafrimeuse.com/en/elaine-lustig-cohen-at-the-avant-garde-of-design-ideas

https://tribunafeminista.elplural.com/2016/10/fallece-la-pionera-del-diseno-grafico-elaine-lustig-cohen/

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Fernando Barros y Sol Casteblanco

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April Greiman, Logo para Inventing Flight

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April Greiman, Logo para Inventing Flight

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DiaCrítico Entrevista 06 – Ellen Lupton – parte 01 (legendado)

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Tipo en pantalla: una guía crítica para diseñadores, escritores, desarrolladores y estudiantesPrinceton Architectural Press y Maryland Institute College of Art, 2014

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Este libro explora la psicología de la percepción visual desde un punto de vista narrativo. Al presentar docenas de herramientas y conceptos de una manera visual y viva, este libro ayudará a cualquier diseñador a amplificar el poder narrativo de su trabajo. Utilice este libro para despertar emociones, generar empatía, articular valores y transmitir acciones; construir arcos narrativos y crear caminos a través del espacio; integrar forma y lenguaje; evaluar el poder narrativo de un proyecto; y escribir y entregar narrativas contundentes.

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Design is Storytelling | Ellen Lupton | Flipthrough

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El ABC de [Triángulo, cuadrado, círculo]: La Bauhaus y la teoría del diseño
Princeton Architectural Press, 2019

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El ABC de [Triángulo, cuadrado, círculo]: La Bauhaus y la teoría del diseño
Princeton Architectural Press, 2019

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(Entrevista) ELLEN LUPTON / LA ESCRITURA Y LA CRÍTICA

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(Entrevista) ELLEN LUPTON / LA ESCRITURA Y LA CRÍTICA

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Una sección sobre Teoría considera la centralidad de la palabra escrita e impresa para el post-estructuralismo y la deconstrucción. Aquí, se discute una amplia gama de prácticas de diseño, desde la historia de la puntuación y los orígenes de los pictogramas internacionales hasta la estructura de la tipografía moderna. Una sección sobre Medios analiza el papel del diseño en las comunicaciones de masas con ensayos eruditos sobre fotografía de archivo, periodismo visual, ilustración, publicidad y culturas de diseño vernáculas. El libro se cierra con History, una sección organizada como una línea de tiempo que abarca 200 años de diseño en Estados Unidos. Estos estudios de casos históricos muestran cómo surgió la profesión moderna del diseño gráfico en respuesta a los desarrollos culturales, políticos y económicos en los Estados Unidos.

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Carlino - Leiva

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Es una diseñadora gráfica estadounidense, reconocida por ser pionera en el uso de la tecnología digital como un medio para el diseño y por haber contribuido al desarrollo del estilo New Wave en los Estados Unidos. Estudió en la Schule für Gestaltung de Basilea en 1970, con figuras tan influyentes como Armin Hofmann y Wolfgang Weingart

Greiman inició su peculiar lenguaje híbrido que combinaba componentes analógicos y digitales con un estilo tipográfico expresivo, mediante la integración de la tipografía, el video y los medios digitales, creó una gráfica que puede situarse la vanguardia de los ochenta, era una época donde los ordenadores empezaban a demostrar todo el futuro potencial para procesar imágenes y vectores. Greiman abrazó la tecnología sin miedo gracias a las enseñanzas de su padre en este campo. Esta corriente que rompía con las bases más académicas y establecidas para el diseño gráfico y la tipografía.

El estilo New Wave es caracterizado por alejarse de las normas y trabajaba los diseños libremente donde tipografía, fotografía y resto de elementos se mezclaban sin jerarquías y un orden complejo.

April Greiman produjo una gráfica innovadora que se convirtió en una referencia en la historia del diseño gráfico. Su permanente disposición a experimentar y su actitud de ser “siempre una estudiante”, siguen haciendo de ella una fuente de inspiración. Greiman sigue estando activa actualmente y desarrolla diferentes proyectos en colaboración con arquitectos. También enseña en la School of Architecture y Southern California Institute of Architecture (SCI-Arc) tratando de inspirar a otros diseñadores a ser curiosos para buscar un enfoque propio que rompa los esquemas preestablecidos.

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Su arte incorpora fotografías, coloraciones, mezclas de tipografías, formas superpuestas y el abigarramiento típico de la posmodernidad. Rectas y quiebres, líneas escalonadas, yuxtaposiciones y contrastes violentos son característicos de sus obras, que van desde portadas de revistas hasta carteles de gran formato. Su concepción del diseño asume la página, la pared o la pantalla, como si esta fuera un espacio tridimensional donde la tipografía, la fotografía y el resto de los elementos se mezclaran alegremente sin jerarquías y en un complejo orden, poco discernible.

Greiman introdujo un sentido de profundidad dentro del espacio tipográfico que permitía el traslape de formas y texturas, con movimientos basados en estructuras geométricas irregulares. Formas flotantes proyectan sombras imprevistas, colores impactantes se superponen, y las cualidades tangibles de las superficies se perciben como reales. Hay un desorden dentro de un orden, armado por elementos dominantes que crean puntos focales especiales. A partir de 1984 comienza a utilizar de sistemáticamente el ordenador personal en su trabajo, usando imágenes en baja resolución y tipografía bitmap, para establecer un estilo de trabajo que la hace bien identificable. Hoy sigue siendo una de las mujeres con mejor trayectoria en su campo.

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Irma Boom es una diseñadora gráfica, tipógrafa e ilustradora neerlandesa, especialista en la
confección de libros de artista, elaborados con materiales, formatos o diseños a menudo muy
inusuales. Ha impartido numerosos cursos y conferencias relativos a su labor profesional.
Nació el 15 de diciembre de 1960 (60 años). Lochem Países Bajos.
Se formó en la AKI de Enschede. Su primer interés fue la pintura, pero pronto se apasionó por el
diseño de libros, hasta el extremo de que, ya graduada de sus estudios, buscó un empleo en la
imprenta del Estado para aprender las técnicas de encuadernación.
En 1991 fundó la empresa Irma Boom Office, con la que canalizó sus trabajos comerciales y
artísticos y con la que ha alcanzado gran repercusión internacional.